domingo, 17 de febrero de 2019

Girault de Prangey

Girault de Prangey fue un fotógrafo y dibujante francés (nacido el 21 de octubre de 1804, fallecido el 7 de diciembre de 1892) cuyos daguerrotipos son las primeras fotografías sobrevivientes de Grecia, Palestina, Egipto, Siria y Turquía.



Girault de Prangey’s image of the Roman Forum, viewed from the Palatine Hill in 1842


Biografía

Joseph-Philibert Girault de Prangey nació cerca de Langres y fue el último descendiente de los señores de Vitry. Heredó una gran fortuna tras la muerte de sus padres y hermanos en 1828, que utilizó para sufragarse sus gastos personales, así como sus viajes a lo largo de su vida.

Comenzó sus estudios de letras y derecho en París en 1820, pero posteriormente estudió pintura en París, en la École des Beaux-Arts. En 1832 emprendió un viaje a España, principalmente por Andalucía, fruto de su creciente interés por el mundo musulmán. Allí realizó una serie de estudios y dibujos de los principales monumentos musulmanes en Andalucía que fueron publicados bajo el título Souvenir de Grenade et de l’Alhambra, première partie de ses Momuments árabes et moresques de Cordoue, Séville et Grenade dessinés et mesurés en 1832 et 1833.

Volvió a Francia en 1835, y se dedicó a planificar y construir su villa privada, realizada siguiendo el modelo de las villas otomanas construidas a orillas del Bósforo en Estambul.

En 1841 aprendió la técnica del daguerrotipo, posiblemente del propio Louis Daguerre o de Hippolyte Bayard. Muy interesado en la arquitectura del Medio Oriente, recorrió Italia y los países del este del Mediterráneo (Grecia, Palestina, Egipto, Siria y Turquía) entre 1841 y 1844, produciendo más de 900 daguerrotipos de vistas arquitectónicas, paisajes y retratos. Esto fue una epopeya por el peso de la cámara de placas 24x19cm, las propias placas y los componentes para los daguerrotipos, que tenía que mover con él para poder fotografiar.

De vuelta a Francia en 1846 realizó una lujosa publicación compuesta de litografías realizadas a partir de una selección de sus daguerrotipos titulada Monuments arabes d’Égypte, de Syrie et d’Asie Mineure  y posteriormente Monuments et paysages d’Orient que le supuso un fracaso editorial. Realizó estudios de acuarela y dibujos a pluma y creó una pequeña edición de litografías de ellos. También hizo estereografías de su finca y de las plantas exóticas que coleccionaba. Pasó los últimos 40 años de su vida solo y recluido en su mansión morisca, dedicándose a una de sus pasiones: la botánica.

Creó un pequeño jardín paradisíaco en su villa, rodeado de los recuerdos de sus viajes, del ambiente oriental de su mansión y por supuesto de sus cajas con daguerrotipos. Girault de Prangey no exhibió ni dio a conocer sus fotografías durante su vida y éstas se descubrieron en la década de los años 20 en un almacén de su propiedad y solo se dieron a conocer ochenta años después.

En mayo de 2003, el jeque Saud Al-Thani de Qatar compró un daguerrotipo suyo por un precio récord mundial de 922.488$. A primeros de 2019, The Metropolitan Museum of Art ha abierto la exposición Monumental Journey: The Daguerreotypes of Girault de Prangey con unas 120 fotografías de Grecia, Egipto, Siria, Turquía y Siria, un recorrido por Oriente Medio a principios de la década de 1840, incluyendo el Partenón de Atenas, la Mezquita Khayrbak en El Cairo y la Cúpula de la Roca en Jerusalén. Está organizada por la Bibliothèque Nationale de France en París.


Referencias




Libros






sábado, 16 de febrero de 2019

Ramón Caamaño

Ramón Caamaño, alias Muxía, fue un fotógrafo gallego (nacido el 9 de noviembre de 1908 en Muxía, La Coruña, fallecido el 13 de mayo de 2007 también en Muxía) que está considerado el mejor fotógrafo del ámbito rural de Galicia, no sólo por su calidad técnica, sino también por su interés documental desde el punto de vista histórico, sociológico y antropológico. Fue uno de los primeros fotógrafos que retrató el paisaje, las costumbres y los habitantes de la Costa da Morte. Su obra es de un realismo cabal, realizada con medios modestos, que ha logrado trascender lo inmediato, lo cotidiano, para alcanzar valores etnográficos.


© Ramón Caamaño
© Ramón Caamaño


Biografía

Ramón Caamaño Bentín fue hijo único y cuando tenía pocos meses su padre emigró a Cuba y después a México, dedicándose a la venta de encajes que elaboraban en la casa familiar. Con ocho años de edad su padre le envió un proyector de cine y alguna película y organizaba proyecciones para los jóvenes de Muxía, a quienes les cobraba la entrada. Aunque en un principio quiso ser electricista compró a su primera máquina fotográfica con 16 años, una Brownie Kodak, y empezó a fotografiar marineros, campesinos, paisajes y romerías.

En 1927 se compró una máquina Pathe Baby para proyectar cine, y comenzó a distribuir por la Costa da Morte películas, que él mismo comentaba, en improvisadas salas de cine o al aire libre. En los inviernos de los años 1929, 1930 y 1931 fue a Santiago de Compostela a trabajar con el fotógrafo Ksado con quien aprendió la técnica para colorear fotos con ácidos y otros aspectos técnicos.

En 1937 ya casado se trasladó a Cee, donde abrió un estudio fotográfico y ejerció como retratista hasta que, movilizado durante la Guerra Civil española, acudió al frente de Aragón, adonde llevó su cámara West Pocket tomando fotografías del frente de guerra y de los soldados, y revelando las fotografías hechas por los aviones de reconocimiento. Sus fotos de guerra pueden considerarse como el primer ejemplo de fotoperiodismo gallego.

Al terminar la guerra continuó trabajando en su estudio de Cee pero amplió su actividad fotográfica a toda la comarca de Finisterre aunque en mayor medida a Corcubión y Muxía.

En sus fotografías emplea fundamentalmente el blanco y negro y el tema que le ha hecho más conocido son los retratos.​ Es un ejemplo del fotógrafo de aldea que vivía de realizar fotografías por encargo a labradores y marineros que trataban a través de ellas de mantener el vínculo con los familiares emigrados. También tiene series de fotografías de difuntos a los que retrataba a petición de sus familiares. Casi todos sus retratos los realizaba en el estudio sobre decorados ficticios de tela, aunque también los hacía en las propias aldeas utilizando telas que colocaba como fondos en escenarios naturales. El contraste entre esos decorados y el realismo y austeridad de las fotografías originaba casi siempre retratos formales y hieráticos, característicos en este género fotográfico en esta época. Otro de sus temas preferidos fueron las romerías, en especial la de la Virgen de la Barca en Muxía.

Sus fotos aparecieron en muchas revistas y diarios, entre ellos La Voz de Galicia, El Ideal Gallego, Hijos de Mugía, ABC, La Noche, Céltiga, Vida Gallega y Alborada. En el año 1989 se realizó la exposición itinerante Álbum Ramón Caamaño, que repasaba su obra desde el año 1924 hasta 1970 y se inauguró en el Centro Cultural Caixavigo de Vigo. En 2005, expuso en el Centro Cultural Caixanova de Vigo sus Retratos da Costa da Morte.

En 1975 se retiró de la vida profesional y de la fotografía, aunque mantuvo desde 2001 su propia casa-museo en Muxía, donde se conservan su archivo, objetos personales y abundante material fotográfico: cámaras, trípodes, proyectores de cine, trofeos, etc. Tras su fallecimiento en 2007 su familia custodia su archivo fotográfico, formado por más de 6.000 copias fotográficas y cerca de 20.000 clichés.


Referencias




Libros

  • Muxía, guía turística enciclopédica, 1982.
  • Álbum Ramón Caamaño, 1989.
  • Ramón Caamaño, historia viva da Costa da Morte, 1999.
  • Historia de la fotografía en España (Publio López Mondéjar), 1999.
  • Retratos da Costa da Morte, 2002.
  • Cuspindo a barlovento, 2003.
  • Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI, 2013.


viernes, 15 de febrero de 2019

Aleix Plademunt

Aleix Plademunt es un fotógrafo catalán (nacido en 1980 en Hostalric, Girona, vive en Barcelona) cuya práctica fotográfica se apoya en el documental de sesgo poético, sostenido por una mirada atenta, contemplativa y acumulativa. Las imágenes que conforman sus diversos proyectos se presentan a modo de reflexiones visuales de una agudeza rotunda y sutil, teniendo siempre un hilo común: la exploración por los márgenes de los lugares comunes, con una mirada curiosa y tenaz.


© Aleix Plademunt

© Aleix Plademunt


Biografía

Aleix Plademunt hace fotos desde que tenía 15 años, cuando su tía le regaló una ampliadora. Entró en la universidad a estudiar ingeniería, pero tras terminar las clases se iba a casa a revelar fotos en vez de resolver problemas de aritmética, así que se decidió a estudiar fotografía en la Universitat Politècnica de Catalunya de Terrassa y complementó sus estudios con un posgrado en México. 

A partir de ahí no ha dejado de trabajar en proyectos fotográficos personales. En 2006 comenzó su vinculación con la galería Olivier Waltman en París y en 2011, junto con Roger Guaus y Juan Diego Valera, crea el proyecto editorial Ca l’Isidret Edicions para publicar sus propios trabajos. 

Ha obtenido numerosos premios, entre ellos una beca para estudiar en la Universidad de las Américas y la Beca Fotopress09 para crear el proyecto DubaiLand. Ha realizado hasta la fecha unas 20 exposiciones individuales en todo el mundo, incluyendo Francia, España, Venezuela y el Reino Unido, y ha formado parte de más de 40 exposiciones colectivas en Alemania, América, Camboya y España, entre otros lugares, entre las que destacan Almost There en las salas Le Bal de Paris en 2013 y IMA Gallery de Tokio y la exposición Regard sur la nouvelle scène photographique espagnole, junto a Antonio Xoubanova, Óscar Monzón y Ricardo Cases.

En casi todas sus series, hechas en lugares tan diferentes como España, América Latina, Estados Unidos, Japón o Egipto, y que muestran una gran diversidad paisajística, existe el nexo de la reflexión alrededor de la relación del hombre con el espacio y de cómo este ha dejado su marca en la naturaleza. Así, en sus proyectos principales:
  • Espectadores (2006) cuestiona la relación entre el hombre y el espacio. La tendencia a modificar nuestro entorno natural a merced de las necesidades e intereses de la sociedad moderna está representada con filas de sillas interviniendo en el paisaje.
  • Nada (2007), es una reflexión sobre el uso de las palabras y sobre la invasión de mensajes publicitarios en nuestras sociedades contemporáneas.
  • DubaiLand (2008), reúne meticulosamente símbolos que se refieren a la acción humana y la interferencia con el medio ambiente de la ciudad de Dubái, mostrando elementos como iconos de un parque temático global.
  • Almost There (2013), presenta un estudio sobre la idea de distancia, con un intento de medir ciertas distancias físicas, temporales, emocionales y fotográficas.
  • Morishita (2017) es un paseo, una búsqueda, un reconocimiento y un inventario de un período de 3 meses de su vida que tuvo lugar en Japón con 35 años.
  • Un passaggio 82017) es un proyecto de 2015, entre las ciudades de Luzzara y Reggio Emilia, tras una invitación para llevar a cabo un proyecto para el festival Fotografia Europea de Reggio Emilia, con el concepto de personas y de archivo. Pretende crear un inventario de una ciudad y su gente, considerando a la gente y la ciudad como una compleja unión de hogares.


Referencias


Libros

  • Un passaggio, 2017.
  • Morishita, 2017.
  • Almost There, 2013.
  • Ca l’Isidret (con Juan Diego Valera y Roger Guaus), 2012.
  • Movimientos de suelo (con Juan Diego Valera y Roger Guaus), 2011.

jueves, 14 de febrero de 2019

Andreas Frei

Andreas Frei es un fotógrafo alemán (nacido en 1972, vive en Múnich) que trabaja en sus propios proyectos, enfocados principalmente como fotolibros.

© Andreas Frei
 
© Andreas Frei


Las fronteras entre la fotografía y el arte pueden ser más fluidas que en cualquier otro medio, debido a su relativa novedad, contexto histórico, aspectos técnicos inherentes y circulación actual de masas. Creo que este lugar es donde se define el medio y el fotolibro. El vehículo perfecto para explorar estas fronteras. Mientras que cada proyecto en el que estoy trabajando puede ser diferente, siempre tiene que haber una conexión personal con el tema. Ya sea ficción, documental o los dos, es esencial para mí poder poner algo de mí mismo en cada foto.



Biografía

Andreas Frei trabaja principalmente en sus propios proyectos y se centra en los fotolibros. En 2014 cofundó la editora cooperativa e independiente Million Books junto con su colega Jens Masmann, para mostrar su propio trabajo y el de otros autores y hasta esta fecha ha publicado cinco libros y dos revistas desplegables. A veces graba música bajo el nombre de tired.
Sus proyectos están relacionados a veces con temas que le tocan personalmente. Así, en:
  • Ich war hier (Yo estuve aquí), revisa 30 años después el lugar donde creció y vivió su familia, recordando su infancia en Großhadern, una zona suburbana típica de Múnich: familia, escuela, amigos, fútbol y el primer beso,  música moderna, fiestas, skate y el primer cigarrillo. Mucho tiempo libre y diversión, pero también, en el materialismo predominante en los años 80, había intrigas y envidia, suicidios, accidentes fatales y asesinatos, amistades rotas, alcoholismo, divorcios, desintegración familiar.
  • Ghosts In My Car, compagina y mezcla las dos cosas que le dejó su abuelo cuando murió de Alzheimer: su BMW y una caja de viejas fotografías familiares, con notas y nombres en la parte posterior de los retratos para recordar quiénes eran. Un viaje con este coche le hizo pensar en lo poco que sabía de sus antepasados, sintiéndose un poco como su abuelo se había sentido al final de su vida. En el libro resultante de este proyecto mezcla las fotografías realizadas en su viaje con las antiguas de su abuelo.
  • Hab Acht (Tenga cuidado) trata del tema del miedo a la oscuridad. Reacción a los atentados de París de 2015, es un acto poético y muy personal, metafórico, un trabajo sobre la angustia, que combina exteriores durante la noche y retratos íntimos de su familia y amigos en un estado entre dormido y despierto, logrando mantener al espectador inseguro hasta el final, donde, con una simple frase, todo tiene sentido. Este libro ha obtenido diversos e importantes premios.



Referencias


Libros

  • Hab Acht.
  • Ich war hier, 2017.
  • Long Way Home.
  • Ghosts in my car.
  • Salut Christine, 2010.
  • A Part, 2009.

miércoles, 13 de febrero de 2019

Masanao Abe

Masanao Abe fue un físico japonés (nacido en 1891 y fallecido en 1966) especialista en nubes, cuya obra, una combinación de imágenes individuales, imágenes en movimiento y grabaciones estereoscópicas fueron una forma ideal de estudio científico de las corrientes de aire y nubes en las montañas.  Pero la contemplación de sus fotografías de nubes dinámicas centradas en el monte Fuji cubierto de nieve poseen una belleza plástica que pueden elevar al espectador en el aire.


© Masanao Abe

© Masanao Abe


Biografía

Masanao Abe nació en el clan feudal Fukuyama, una noble familia samurai, y se dedicó a investigar las nubes. En 1927, fundó el Observatorio de Investigación de la Corriente del Aire de la Nube en las alturas de Gotemba, al pie del monte Fuji, y dejó un archivo de observación colosal sobre las nubes de montaña y las corrientes de aire cerca de esta icónica montaña. Bendecido en su infancia con la buena suerte de ver una de las primeras proyecciones del cinematógrafo en Japón, Abe se sintió fascinado por las imágenes que capturaban objetos cambiantes. Aplicando esto a su investigación relacionada con la observación de nubes, inventó varios dispositivos de observación y registro, y registró fenómenos meteorológicos. Aunque involuntariamente, los motivos de Abe encajan en una larga tradición iconográfica: la montaña y las nubes.

Desde la segunda mitad del siglo XIX, era bien sabido entre los investigadores de todo el mundo que la fotografía era eficiente en la investigación en las nubes. Sin embargo, la ingeniosa idea de aplicar técnicas de película, especialmente película acelerada e imágenes estereoscópicas, fue radicalmente nueva en el campo de la meteorología, incluso a escala internacional. Sus estudios de campo se completaron con túneles de viento experimentales y autoconstruidos. Sus artículos científicos, publicados en japonés e inglés, llegaron a una audiencia internacional.  En 1941, publicó los resultados de su trabajo en su tesis Nubes de montaña, sus formas y corrientes de aire conectadas.

Durante décadas, su archivo se mantuvo intacto en un cobertizo de un jardín de Tokio. El artista y diseñador gráfico alemán Helmut Völter descubrió su legado mientras trabajaba en su libro Cloud Studies, y publicó The Movement of Clouds around Mt. Fuji: Photographed and Filmed by Masanao Abe con la obra del físico. Este libro consiguió el Prix du livre photo-texte en los Rencontres d’Arles de 2017.


Referencias



Libros




martes, 12 de febrero de 2019

Francisco Fernández

Francisco Fernández es un fotógrafo español (nacido el 29 de octubre de 1945 en  Torreblascopedro, Jaén) con una dilatada carrera como colaborador gráfico y reportero para numerosos periódicos internacionales como Boston Globe, Framinghan News y reportero de la agencia United Press International, habiendo cubierto la información gráfica de las guerras de Nicaragua y El Salvador. En 1982 regresó a España, dedicándose al retrato y a la docencia en la Facultad de Bellas Artes de Granada.

Ana García López © Francisco Fernández
Ana García López © Francisco Fernández


Biografía

Francisco Fernández Sánchez se trasladó en su infancia con su familia a Granada, ciudad donde transcurrieron sus años de juventud y donde en la Escuela de Artes Aplicadas y Oficios Artísticos nació su inquietud por la fotografía, que aprendió mientras realizaba diversos trabajos ajenos a ella en España, Reino Unido, las Islas Bermudas y Estados Unidos … y que compaginó con sus primeros pasos como colaborador en periódicos.

En 1975 se instaló en Boston y se matriculó en la New England School of Photography, donde estudió de la mano de Minor White (1978) y su excelente dominio de la técnica fotográfica, de David Rabinowich, con quien trabajó durante un año en su estudio de fotografía publicitaria, de Harry Callahan y su exquisito sentido de la línea y la forma… y de Ansel Adams. También Yousuf Karsh o Arnold Newman.

Sus fotografías comenzaron a publicarse en The Boston Globe, realiza trabajos para National Geographic, para la agencia de la ONU en Boston, para UNICEF. En  1979 y 1980 fue contratado por United Press Intemational para documentar la información gráfica de las guerras de Nicaragua y El Salvador, también cubrió la campaña política de Edward Kennedy como candidato a la presidencia de los EEUU por el Partido Demócrata en 1980…

En 1985 volvió a Granada, donde ha reubicado hasta hoy su vida personal y profesional, jalonada de exposiciones, colaboraciones y publicaciones, además de su labor como docente en la Facultad de Bellas Artes Alonso Cano de la Universidad de Granada. En 1997 fue nombrado Doctor Honoris Causa por De Monfort University  en Leicester, Reino Unido) por su meritoria trayectoria profesional.

También se ha dedicación a la promoción y a la difusión cultural, participando en la génesis de la Colección de Arte Contemporáneo de la Universidad de Granada. En 2011 se inauguró en su pueblo natal Torreblascopedro el Centro de Arte Contemporáneo Francisco Fernández que posee un importante fondo de obras de arte, entre las que se encuentra su propia colección. Desde 2002 organiza desde este espacio el Certamen Nacional de Fotografía Francisco Fernández.
Su obra forma parte del fondo de diversas colecciones nacionales e internacionales, como las del Art Museum de Salem en Essex, Fine Arts Museum de Boston, De Monfort University en Leicester, el Museo de Arte Moderno y Contemporáneo de Santander y Cantabria (MAS), la Excma. Diputación Provincial de Jaén, la Universidad de Granada y el propio Centro de Arte Contemporáneo Francisco Fernández.


Referencias



Libros

  • Retratos en Granada 1988-1993: fotografías.
  • La luz de la palabra.
  • Un oriente perpetuo: fotografías de Francisco Fernández Sánchez.
  • Manolo ‘el Sereno’ y sus amigos.
  • De la luz de los hombres iluminados: fotografías.
  • Palacio de Villardonpardo.
  • El Carmen Rodríguez-Acosta.
  • Haikus de la Alhambra
  • Fotografías del Antiguo Hospital San Juan de Dios.
  • Granada sugerida (varios).
  • Francisco Fernández: fotografías
  • Tres jardines: Carmen de los Mártires, Fundación Rodríguez-Acosta y el Partal.
  • Fábula de Genil.
  • Con vivencias de España (varios).
  • La Alhambra.
  • Pulso enamorado de las horas.





lunes, 11 de febrero de 2019

Carma Casulá

Carma Casulá es una artista visual y fotógrafa de Barcelona que compagina sus proyectos artísticos de fotografía e instalación centrados en la antropización del territorio, el paisaje y en el arraigo, con sus proyectos de fotodocumentalismo. A su actividad artística y profesional une la docente y la investigadora.


© Carma Casulá

© Carma Casulá


Biografía

Carma Casulá es una artista visual y fotógrafa freelance doctorada en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid, con estudios superiores de fotografía en Istituto Europeo di Design IED de Milán, que amplió en el International Center of Photography ICP de Nueva York. Doctora en Bellas Artes en 2011, en la actualidad compagina su carrera como artista visual y fotógrafa independiente con la docencia y la investigación.

Centrada en la naturaleza y la intervención del hombre en el paisaje, sus diversos proyectos tocan estos temas, como, por ejemplo:

  • Al natural (2010-18), trata sobre la relación del urbanita con los espacios naturales protegidos.

  • Monsanto no es santo de mi devoción (2012-..) sobre las iniciativas de recolección de semillas de autoproducción, la cultura familiar de la tierra y la economía circular.
  • De-construcción (2007-09) y Piel ibérica (2000-04) siguen esta misma línea de investigación sobre la ciudad, su expansión y la relación del hombre con el entorno se inscriben
  • Ciudadanos de Peter, parte del proyecto fotodocumental Peter, es un retrato personal de San Petersburgo, fruto de sucesivos viajes a esta ciudad a lo largo de quince años. La narración, con fotografías y textos, ofrece un recorrido apasionante y en ocasiones crítico pero siempre cómplice por la historia de la ciudad y sus habitantes. La guerra, el amor, el dolor, los encuentros y los desencuentros, recuerdos, pasado y futuro son sus ingredientes.

  • Madriterráneos (2005), sobre las gentes del Mediterráneo que viven en Madrid.

Ha participado en diversos proyectos culturales con museos e instituciones y su trabajo ha sido expuesto desde 1993 en Museo Reina Sofía, Fundación Canal, PhotoEspaña, Casa Encendida en Madrid, Fundaciò La Caixa en Barcelona,  Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León (MUSAC), Centro de Arte La Regenta en Las Palmas de Gran Canaria, FotoNoviembre en  Tenerife, Centro de Arte y Naturaleza (CDAN) de Huesca, Fotoencuentros en Murcia-Cartagena, Kursala en Cádiz,  IVAM en Valencia, Instituto Cervantes de Moscú y París,  Fotomuseum Braunschweig en Alemania,  Galleria d'Arte Moderna en Bergamo, Biennale Europea della Fotografia de Autore en Florencia, Sukkertoppen Festival Escandinavo Art Photography y Round Tower en Copenhague, Festival Sonsbeek en Arnhem, Holanda, Centre Photographie en Ginebra,  Corcoran Gallery of Art en Washington, Ashuah-Irving Gallery en Boston, La Zona de Entrenarte en San José de Costa Rica, ….

Sus proyectos han sido objeto de becas como Beca Proyectos FotoPres de la Fundaciò La Caixa, Artes Plásticas/Colegio de España en París, Promoción Arte Español/Ministerio Cultura o Beca Proyectos Factoría Cultural.

Su obra está presente en las colecciones del Museo Reina Sofía (MNCARS), el Instituto Valenciano de Arte Moderno (IVAM) y la Universidad de Cádiz, entre otras.

Es docente universitaria sobre fotografía desde 2007 y ha sido invitada en diversas facultades de arte y arquitectura de España, Portugal e Italia y por Observatorio del Paisaje de Cataluña y el Observatorio del Urbanismo de la UAB. Ha realizado talleres y ponencias sobre Fotografía y Paisaje en Fundación Telefónica, Casa Encendida, CA2M, CBA y Ministerio Cultura, Expo Zaragoza 2008, COAC/ I Bienal Arte, Arquitectura y Paisaje en Santa Cruz de Tenerife, Ex-Mattatorio en Roma, Centre de la Photographie en Ginebra, …

Como investigadora forma parte del equipo interdisciplinar I+D+i sobre Humanidades ambientales. Estrategias para la empatía ecológica y la transición hacia sociedades sostenibles bajo el Ministerio de Economía y Competitividad SP (2016-2018). Colabora con arquitectos y urbanistas en la lectura y tratamiento del territorio.


Referencias



Libros (selección)

  • PETER, 2016.
  • Landschaft. Umwelt. Kultur. On the New Topographies Transnational Impact, 2015.
  • Arte y Ecología, 2015.
  • Sense of Place and rootedness: Transatlantic perspectives, 2015.
  • Diccionario de Fotógrafos Españoles. Del siglo XIX al XXI, 2014.
  • Tan cerca, tan lejos, 2007.
  • VIII Encuentros de Arte de Genalguacil, 2007.
  • Territorios, 2007.
  • Universo Mestizo, 2005.
  • Una geografía. Ocho viajes andaluces, 2002.
  • Cráneo y flor ( texto José Olivares), 2001.
  • La noche, 1997.
  • El Eo, 1996.