martes, 20 de agosto de 2019

José Medeiros

José Medeiros fue un fotógrafo brasileño (nacido en 1921 en Teresina, Piauí, fallecido en 1990 en L’Aquila, Italia) considerado como uno de los maestros del fotoperiodismo del Brasil del siglo XX.


© José Medeiros
© José Medeiros


Los reporteros de la revista O Cruzeiro acompañaron a los hermanos Villas-Boas en los viajes de la expedición Roncador-Xingu que, en los años 40 y 50, contactaron por primera vez con varias poblaciones indígenas en el noroeste de Brasil. Éstos reportajes fueron los primeros en revelar, a gran escala, imágenes de indios brasileños. Estas poblaciones eran mostradas como bárbaras siendo su imagen incompatible con la ideología del progreso. Unas de las fotos más conocidas de Medeiros, de 1949, muestra a varios indios empujando un avión, recreando el contraste entre lo "moderno" y lo "salvaje".


Biografía

José Araújo de Medeiros fue introducido muy joven en la fotografía: su padre, un fotógrafo aficionado, le enseñó la técnica del laboratorio con 12 años. En 1939, se trasladó con su familia a Río de Janeiro, donde trabajó en la Compañía de Correos y Telégrafos y en el Departamento Nacional del Café. Al mismo tiempo, fotografiaba a artistas en su estudio casero y trabajaba como freelance para las revistas Tabu y Rio.

Conoció al fotógrafo francés  Jean Manzon, uno de los fundadores del O Cruzeiro, el cual en 1946 le invitó a unirse al equipo de esta prestigiosa revista, que con el tiempo, tomó un look innovador y audaz de la realidad en Brasil, una realidad hasta  ese momento oculta y desconocida. Trabajó durante 15 años en la revista, produciendo reportajes significativos sobre la transformación de su país, viajando por Brasil, Europa, Ecuador, Estados Unidos y África.

Producido en este entorno, su trabajo es diversificado y sigue, en parte, la línea editorial de la revista. Fotografía a artistas y personalidades políticas de la época, la playa y el carnaval de Río de Janeiro, Copacabana, … documentando un estilo de vida glamuroso que el traslado de la capital a Brasilia no tardaría mucho en extinguir. Pero fuera del tratamiento editorial de la revista, su enfoque confiere dignidad a los excluidos y también es conocido principalmente por los registros de individuos, comunidades y manifestaciones culturales marginadas, como la población negra, el Candomblé, pacientes psiquiátricos, prostitutas y tribus indígenas. 

Sus trabajos con más impacto son varios ensayos realizados en las tribus indígenas de Mato Grosso y Pará, entre 1949 y 1957, la cobertura, con especial atención a las escenas de la tribuna, de la traumática derrota de la selección brasileña en la final del Mundial de Fútbol de 1950 en Maracaná y sus trabajos sobre el Candomblé en 1951, en un patio de Candomblé en Salvador, documentando en imágenes de fuerte dramatismo el ritual de iniciación, con sacrificio de animales, de las hijas jóvenes del santo. Su publicación en O Cruzeiro bajo el título Las novias de los dioses sedientos de sangre fue muy sensacionalista y polémico y Medeiros publicaría seis años más tarde este material ampliado y más sobrio en el libro Candomblé.

Al dejar la revista O Cruzeiro en 1962 fundó  con Flávio Damm y Yedo Mendoná la Agencia Image. A partir de 1965 comenzó a dedicarse al cine, firmando la dirección de fotografía de obras clásicas del cine brasileño como El fallecido de Leon Hirszman (1965), Xica da Silva de Carlos Diegues (1976) y Memorias de la Prisión de Nelson Pereira dos Santos (1983). También fue director de cortometrajes y dirigió Adventure Partners (1979). Fue profesor 2 años en la Escuela de Cine de Santo Antonio de los Baños en La Habana.

En 1986, la Fundación Nacional de las Artes (Funarte) realizó la exposición retrospectiva José Medeiros, 50 años de fotografía en Río de Janeiro y publicó el libro homónimo. Tras su muerte, se han realizado exposiciones póstumas de su obra en 1997 por Itaú Cultural  y en 2009 por el Instituto Moreira Salles, ambas en São Paulo, y su archivo, que abarca más de 20.000 negativos, se encuentra desde 2005 en el Instituto Moreira Salles (IMS) en Río de Janeiro.


Referencias



Libros






domingo, 18 de agosto de 2019

Toby Keller

Toby Keller es un diseñador y fotógrafo estadounidense (nacido en Santa Bárbara, California, vive en Chiang Mai, Tailandia) especializado en fotografía de paisajes nocturnos que, últimamente, ha estado trabajando con técnicas de lightpainting utilizando LEDs, alambres EL y luces negras para crear líneas de luz en sus imágenes.


© Toby Keller
© Toby Keller



Biografía
Toby Keller se graduó de la Universidad de California en Santa Bárbara en Estudios de Arte, y ha basado su trabajo en fotos nocturnas especialmente relacionadas con el mar y que nos permiten apreciar vivos colores y escenas casi imperceptibles en la realidad. Últimamente ha estado trabajando con técnicas de lightpainting utilizando LEDs, alambres EL y luces negras para crear líneas de luz en sus imágenes. No tiene formación formal en fotografía y ha aprendido la mayor parte de su visión de los blogs y la comunidad del diseño.

Las largas exposiciones a la luz de la luna llena y los senderos de luz se combinan para presentar al espectador una sensación etérea y surrealista. Inspirado en el trabajo de Tokihiro Sato y sus esferas de luz, incorpora senderos de luz que interactúan con el paisaje y que dibujan formas irregulares en los elementos del paisaje. Su fotografía está llenas de cosas que el ojo no puede ver sin ayuda: senderos de luz aparentemente animados, espuma de mar y nubes sedosas, las rayas de estrellas que se mueven en el cielo. El espectador se queda con la impresión de que hay muchas cosas que el rango de percepción humana es demasiado limitado para comprender.

Sus trabajos han aparecido en Digital Photographer, Sierra Magazine, Popular Photography, Smashing Magazine, La Repubblica y otras publicaciones.



Referencias


viernes, 16 de agosto de 2019

Jacques Olivar

Jacques Olivar es un fotógrafo francés (nacido en 1941 en Casablanca, Marruecos, vive en París) que realiza fotografía de moda. Fiel a su concepción de la humanidad, su fotografía es sensible antes que técnica y su carácter moderno es ante todo el resultado de la elegancia casual de las mujeres que fotografía.


”Another day in Paradise” Alexandra Tomlinson. Palmdale 2011 (California) © Jacques Olivar
”Another day in Paradise” Alexandra Tomlinson. Palmdale 2011 (California) © Jacques Olivar



Biografía

Jacques Olivar nació en Casablanca. Cuando era joven, fue a la escuela de vuelo para convertirse en piloto de aerolíneas. Sin embargo, el inmenso placer que obtuvo de volar aviones no evitó su pasión desbordante por las imágenes. Cuando empezó con la fotografía para poder sobrevivir tocaba la guitarra en el Metro de París. Tenía un ídolo en la fotografía que era Jeanloup Sieff y consiguió trabajar para él como buen copista que era.  Luego Sieff vio sus fotos y le recomendó consiguiendo la campaña publicitaria de medias DIM por la que fue galardonado con el premio del prestigioso Club des Directeurs Artistiques, comenzando rápidamente un camino de éxito. De ahí se fue al cine: como hacía un bonito blanco y negro, distintas compañías le llamaban para películas en blanco y negro.

Con 46 años decidió pasarse a la fotografía de moda, plasmando en ella su sensibilidad y el estilo cinematográfico que le ha caracterizado a lo largo de su carrera. Con glamour y sensualidad, Olivar cuenta historias, colaborando con  publicaciones internacionales como Vogue, Marie Claire, Glamour y con los principales diseñadores de ropa como Giorgio Armani, Hermás, Comme des Garsons, Céline, Trussardi, Strenesse, Rykiel, etc.

Su fotografía artística realizada íntegramente en película (Pentax 6×7) ha sido expuesta por todo el mundo, incluyendo el Museo Guggenheim Bilbao (2001), el MOMA (2008), Young Gallery de Bruselas (2011) y Galartis Gallery en Lausana (2013 ) y más recientemente en el Museo de la Moda de París, el Museo de Arte Moderno de Tokio, el Museo REINA SOFIA de Madrid y el Museo de Publicidad de París.

Su libro Forever Young pasea por los diferentes paisajes de Estados Unidos: moteles, gasolineras o paisajes singulares, junto a sorprendentes mujeres inmóviles, como figuras de hielo, casi fuera de contexto, sin ninguna referencia. Cada escenario es una parada donde la imagen parece extraída de una película de David Lynch o Alfred Hitchcock. Imágenes inquietantes en escenarios al limite del surrealismo y al mismo tiempo muy cotidianos.


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Libros

miércoles, 14 de agosto de 2019

Leszek Bujnowski

Leszek Bujnowski es un fotógrafo polaco (nacido en 1977 en Katowice, donde vive y trabaja) que realiza una manipulación creativa para crear mundos surrealistas.


© Leszek Bujnowski
© Leszek Bujnowski


Biografía

Leszek Bujnowski es un gran apasionado de la fotografía que, a veces, utiliza técnicas de manipulación digital. Está fascinado con las posibilidades de la interferencia en nuestro mundo circundante, y lo lleva a la práctica. La fotografía consume la mayor parte de su tiempo, es su gran pasión, pero también una gran aventura que le conduce a un mundo misterioso. Adora el surrealismo, y crea todos los elementos (paisajes estériles, cielos nublados, elementos circenses itinerantes y edificios vacíos y deformados, ...) que componen sus trabajos, inspirándose en la música de Radiohead, Nirvana, Placebo, Red Hot Chili Peppers, … 



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lunes, 12 de agosto de 2019

Kemal Jufri

Kemal Jufri es un fotoperiodista indonesio (nacido en 1974, vive en Yakarta) que trabaja de forma freelance para diversas publicaciones internacionales, documentando historias principalmente en el sudeste asiático y que ha obtenido numerosos galardones.


© Kemal Jufri / Panos Pictures
© Kemal Jufri / Panos Pictures


Biografía

Kemal Jufri comenzó su carrera hace más de una década como fotógrafo contratado para Agence France Presse (AFP) en su oficina de Yakarta en 1996. A finales de 1998 dejó AFP para trabajar como fotógrafo colaborador para la revista Asiaweek hasta su cierre en 2001.

Desde entonces, como fotógrafo freelance, trabaja regularmente en tareas que cubren historias en todo el sudeste asiático, principalmente en Indonesia, para importantes publicaciones internacionales como TIME Magazine, Newsweek, The New York Times, STERN, Der Spiegel y muchas más. Es miembro de la agencia Panos Pictures.

Ha narrado muchos momentos históricos de Indonesia, incluido el sangriento movimiento reformista que condujo a la caída del ex dictador Suharto, la violencia posterior al referéndum patrocinado por la ONU en Timor Oriental, la violencia étnica, …

También ha participado en numerosas exposiciones fotográficas en Indonesia e internacionalmente. Entre sus numerosos galardones se encuentran 2 premios POYi, premios de Newsweek (1998), de US News & World Report (2000) y de Time (2005), reconocimiento por la revista Tempo como Artista Indonesio del Milenio, un Premio de Plata a la fotografía de noticias de la IFRA y un primer premio del Concurso Internacional de Fotografía de Prensa de China, además del LensCulture Earth Award en 2015 y un 2º puesto en la categoría de People in the News Stories en el World Press Photo de 2011 con una serie sobre la erupción en 2010 del monte Merapi, en Java Central de Indonesia, que lanzó roca caliente y ceniza volcánica a un kilómetro y medio en el aire.


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sábado, 10 de agosto de 2019

Miron Zownir

Miron Zownir es un fotógrafo, cineasta y escritor de novelas policiacas alemán (nacido en 1953 en Karlsruhe, vive en Berlín) cuyas imágenes, con su sombría abstracción del blanco y negro demuestran que en 1978 o en 1916, Berlín sigue siendo el destino anhelante de monstruos y freaks de todo el mundo. Sus retratos son implacablemente expresivos y emocionales, y crean un campo de fuerza disidente en el que los individuos se hacen visibles con sus pasiones, su cotidianidad o incluso desde el abismo.


© Miron Zownir
© Miron Zownir


Biografía

Miron Zownir es hijo de ucraniano y alemana. En 1974 se trasladó a Berlín Occidental , más tarde a Londres, fotografiando el apogeo del punk en ambas ciudades. Desde el principio, ofreció una representación ajustada del movimiento y su peculiar actitud hacia la vida: una visión utópica de la anarquía y la autodestrucción nihilística.

En 1980 se fue a Nueva York, permaneciendo 15 años en los EEUU, residiendo en la Gran Manzana, Los Ángeles y Pittsburgh como fotógrafo freelance con sus primeras exposiciones fotográficas y como guionista y cineasta dirigiendo más de diez cortometrajes. En Nueva York, la metrópoli más fascinante y permisiva del mundo, su enfoque peculiar para cubrir la locura cotidiana de múltiples capas de la sociedad, fue rápidamente reconocido por la escena local. En un tono sombrío y expresionista, sus fotos de este período penetran en las esferas subculturales del interior de la ciudad, que en su contexto local original han ya desaparecido con el auge de los años 90. Su lente captó la lujuria indomable en las fiestas gay, poco antes de que el SIDA reclamara masivamente sus víctimas, la protesta fútil de artistas y sobre todo la desesperanza en el Bowery, el mundo sombrío de prostitutas o drogadictos.

En 1995 regresó a Berlín, después de una estancia de 3 meses en Moscú y San Petersburgo documentando el rápido y brutal declinar de la antigua Unión Soviética, fotografiando en película a drogadictos, personas sin hogar y grupos generalmente marginados.

Su libro Radical Eye se considera un clásico moderno. Desde entonces, su obra ha sido exhibida en galerías y museos de todo el mundo. Su calificativo “el poeta de la fotografía radical” sigue siendo válido hoy en día. Desde 2003, trabajó con el actor Bruno S., un documental y luego el largometraje Phantomania. Y comenzó a trabajar como novelista de crimen. En 2015, lanzó su segundo largometraje, Back to Nothing.

Muchas de sus imágenes fueron hechas a finales de los 70, cuando Berlín Occidental era la meca de los inconformistas y artistas radicales, quienes formaban un oasis urbano. Con su reciente Berlin Noir, nos retrotrae de nuevo al mundo rebelde de los punks y a los callejones de drogadictos.

Algunas de sus fotografías fueron exhibidas entre obras de artistas como Goya, Picasso, Alfred Kubin y Cindy Sherman en la exposición El Salvaje Europeo en 2004 en Barcelona y Valencia. En 2008, su fotografía fue presentada en el Fotomuseum Winterthur junto con obras de fotógrafos como Robert Mapplethorpe, Man Ray, Nan Goldin, Larry Clark, Andy Warhol, Nobuyoshi Araki y otros, en DARKSIDE I, y también en 2009, explorando el cuerpo humano fotografiado como víctima de deterioro, enfermedad, degeneración, violencia y muerte en  Darkside II, junto con obras de Eugene W. Smith, Weegee, Robert Capa, Don McCullin, …. Más recientemente, en 2016, ha realizado una exposición en solitario en el Deichtorhallen de Hamburgo.



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jueves, 8 de agosto de 2019

Xurxo Lobato

Xurxo Lobato es un fotógrafo gallego (nacido el 29 de abril de 1956 en A Coruña) que toca los géneros documental, periodístico y artístico. Galicia es el lugar que le vio nacer y donde desarrolla gran parte de su trabajo con la cámara. Además de su trabajo profesional sobre los acontecimientos que marcan la actualidad, mantiene una línea de fotografía más personal, de autor, retratando las romerías gallegas y utilizando el relato visual para reflejar, los cambios culturales que se producen en Galicia, desde la más profunda y tradicional a la modernidad. La ironía, el humor y el color forman parte de su peculiar estilo.


Premio Ortega y Gasset, 2003 © Xurxo Lobato
Premio Ortega y Gasset, 2003 © Xurxo Lobato




Biografía

Xurxo Lobato es licenciado en Historia Contemporánea en Geografía e Historia, por la Universidad de Santiago de Compostela. Es también miembro de la Real Academia Gallega de Bellas Artes Nuestra Señora del Rosario en la sección de artes visuales. Publicó sus primeras fotografías siendo aún estudiante universitario, en medios nacionales y extranjeros como El País, Cambio 16, El Mundo, La Vanguardia, Vogue, Elle, Telva, El Periódico de Cataluña, National Geographic y Der Spiegel. En 1980 entró a trabajar en La Voz de Galicia, publicación de la que llegó a ser redactor jefe de fotografía y archivo gráfico y en la que trabajó hasta el año 2004. También perteneció a la hoy desaparecida agencia Cover.

El fotoperiodismo es su vocación principal, aunque ha hecho publicidad, fotografía artística y retrato, y ahora está más dedicado a la fotografía documental.  Su intención siempre ha sido contar, comunicar mediante las imágenes, construir historias donde se refleje la vida de las gentes de su alrededor, aunque también ha fotografiado en África o América Latina.

También se ha dedicado a la docencia y a organizar seminarios sobre fotografía en diversas ciudades gallegas, así como a ser comisario de diversas exposiciones como Nuevos Fotógrafos Coruñeses en 1980, Fotoperiodismo Galego Hoxe en 1983, Miradas en el tiempo en 1986, Galicia a pie de foto en 1987, Mirando al sur en 1992 y Larry Towell en 1997. Director del Festival de Fotografía Olladas, también ha coordinado el Premio de Fotografía Luis Ksado de la Diputación de La Coruña.

Entre los premios y reconocimientos se encuentran el premio de la Crítica en el Día das Letras Galegas en 1991, el premio Compostela 93, el premio Ortega y Gasset en 2003 por una foto suya del Prestige, el premio Polo prestixio na información, el premio Fotoperiodismo Desarrollo Sostenible en Doñana en 2004, el premio Sumiller Gallaecia en 2005 o el Gourmand World Cookbook en 2008.

Presente en las ediciones de PHotoEspaña 1998 y 2002, entre sus últimas exposiciones individuales figuran Jalisia is my country celebrada en la Galería Moret de La Coruña (2010) y Pasión en la Galería Trinta de Santiago de Compostela (2011). Posee obra en las colecciones del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid), el Instituto Valenciano de Arte Moderno y la Fundación Coca-Cola, entre otras. Colabora actualmente con la agencia Getty Images y El País.



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