miércoles, 19 de junio de 2019

Facundo de Zuviría

Facundo de Zuviría es un fotógrafo argentino (nacido en 1954 en Buenos Aires, donde vive) y esta ciudad y su universo son el tema central en toda su obra: cierto tipo de construcciones, fachadas, vidrieras, maniquíes, pequeños comercios y todo lo que es parte de la arquitectura popular urbana, creando un retrato del alma porteña, una verdadera iconografía urbana primero en blanco y negro, luego en color.


© Facundo de Zuviría

© Facundo de Zuviría



Biografía

Facundo de Zuviría trabajó en el Programa Cultural en los Barrios de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires, entre 1983 y 1989, fotografiando la ciudad y su gente, y organizando cursos y talleres barriales de fotografía.
En 1988 organizó junto con otros colegas las Jornadas de Fotografía Buenos Aires-La Plata, primer festival fotográfico realizado en la Argentina.

Entre 1989 y 1991 dirigió los proyecto de rescate y preservación del patrimonio fotográfico argentino para la Fundación Antorchas, diseñando una Fototeca Argentina y un programa archivista de aplicación nacional. Con ese motivo realizó un viaje de estudios por museos y archivos de los Estados Unidos, Canadá, México, Brasil, España y Alemania.

Ha obtenido dos veces el Premio Konex (1992, 2012), el Primer Premio del Salón Nacional para las Artes Visuales - Fotografía (2012), el Premio Leonardo a la Trayectoria (1996) del Museo Nacional de Bellas Artes y el premio Ventanas al Futuro (2013) por su trabajo sobre tipologías urbanas, Frontalismo. Ha estado de jurado en gran cantidad de certámenes fotográficos del Museo de Arte Moderno, Museo Nacional de Bellas Artes, Fundación Antorchas, Biblioteca Nacional y del Fondo Nacional de las Artes, entre otras prestigiosas instituciones.

En 2009 creó, junto con Marjan Groothuis, una colección de fotografía para Rabo-Bank Argentina, exhibida en 2011 en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires y en el Museo Nacional de Bellas Artes, en 2012, donde fue donada por Rabo-Bank. En 2019 fue comisario de la muestra antológica Mundo Propio: Fotografía Moderna Argentina 1927-1962, presentada en MALBA (Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires) junto con un libro catálogo de su autoría.

Entre sus exposiciones individuales se pueden destacar Indicios de la vida urbana (CCK, Buenos Aires, 2019), Siesta Argentina and other modest observations (America’s Society, Nueva York, 2017), Frontalismo (Museo Lasar Segall, San Pablo, Brasil, 2015), Estampas 1982-2015 (Fundación A, Bruselas, Bélgica, 2015), Facundo de Zuviría: 24X3 (Centro Cultural Parque España, Rosario, Argentina, 2014-2015), Boca Juniors (Museo Lasar Segall, Sao Paulo, Brasil, 2014), Ciudades de América (Museo Fortabat, Buenos Aires, 2014), y muchas otras.

Ha participado en exposiciones colectivas en museos y salas institucionales de la Argentina, los Estados Unidos, México, Brasil, España, Francia, Alemania, y su obra integra las colecciones del Museo Nacional de Bellas Artes, Museo de Arte Moderno, Museo de Bellas Artes de Rosario, Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires/MALBA, Fondo Nacional de las Artes y Fundación PROA, en la Argentina, así como las colecciones del Museum of Modern Art (MoMA), Metropolitan Museum of Art y New York Library en Nueva York, Biblioteca Nacional de Paris, Museo de Arte de Rio de Janeiro, Halle Collection en Arizona, Fondation Cartier y Fondation Hermes en Paris, Fondation A. Stichting en Bruselas, entre otras.

Ha expuesto en las bienales de Sao Paulo (1991), del Mercosur (2000), y en las Bienales Internacionales de Arte de Buenos Aires (2000 y 2002). Recientemente ha participado en las muestras Géométries Sud: du Méxique à la Terre du Feu en la Fondation Cartier en Paris y Noches Fieras en el Museo Universitario del Chopo en México en 2018, Pulsions Urbaines: Photographie LatinoAméricain en Arlès en 2017, Adventures of the Black Square: Abstraction 1915-2015 en Whitechapell Gallery de Londres en 2015, Urbes Mutantes en Museo del Banco de la República en Bogotá en 2013 y en el International Center of Photoraphy (ICP) de Nueva York en 2014, América Latina en la Fondation Cartier en  París en 2013, …



Referencias



Libros

  • Estampas Porteñas, 1996.
  • Siesta Argentina, 2003.
  • Cada Vez te Quiero Más, 2004.
  • La UBA, dos miradas: Fotografías de Grete Stern y Facundo de Zuviría, 2005.
  • Buenos Aires: Coppola + Zuviría, 2006.
  • Cartagena de Indias, 2009.
  • Montevideo, 2011.
  • Paraná ra’angá, 2013.
  • Estampas 1982/2015, 2015.
  • El Ciudadano, 2016.
  • Frontalismo. Algunas tipologías urbanas, 2018.

lunes, 17 de junio de 2019

Melanie Bonajo

Melanie Bonajo es una artista holandesa (nacida el 13 de noviembre de 1978 en Heerlen, vive y trabaja en Ámsterdam) que trabaja con cine, performance, instalaciones, música, organización de eventos y fotografía. Sus obras abordan temas para erosionar la intimidad y el aislamiento en un mundo tecnológico cada vez más estéril. Sus documentales experimentales exploran normalmente comunidades que viven o trabajan en los márgenes de la sociedad, ya sea a través de medios ilegales o exclusión cultural.



© Melanie Bonajo

© Melanie Bonajo




Biografía

Melanie Bonajo estudió en la Academia Gerrit Rietveld y completó residencias en el Rijksakademie voor Beeldende Kunst en Ámsterdam, 2009-2010, y en el ISCP en Nueva York en 2014.

Melanie examinas las paradojas inherentes a nuestras ideas de confort basadas en el futuro. A través de sus fotografías, actuaciones, videos e instalaciones, examina temas relacionados con el progreso que eliminan del individuo un sentimiento de pertenencia y mira cómo los avances tecnológicos y los placeres basados en las materias primas aumentan los sentimientos de alienación dentro del individuo. Cautivada por los conceptos de lo divino, explora el vacío espiritual de su generación, examina la relación cambiante de los pueblos con la naturaleza y trata de entender las preguntas existenciales al mirar nuestra situación doméstica, la idea está en torno a la clasificación, conceptos de hogar, género y actitudes hacia el valor.

En 2013 lanzó el video Pee on Presidents, que presentaba una visión irónica de la anticensura y la positividad del cuerpo. En 2014 comenzó a trabajar en su trilogía en video Night Soil que narra las historias de mujeres que se rebelan contra el capitalismo a través de sistemas que actualmente son ilegales: Fake Paradise analiza los efectos curativos de la droga herbaria Ayahuasca en las mentes y cuerpos de los seres humanos modernos; Economy of Love, cuenta con un grupo de trabajadoras del sexo en Brooklyn y su investigación de la intimidad y el empoderamiento de la sexualidad; Nocturnal Gardening se centra en la agricultura y la cosecha radicales e innovadoras, con trabajo comunitario y en un profundo respeto por la naturaleza y los animales.

En 2016 comenzó su siguiente trilogía en video con Progress vs Regress, un análisis del crecimiento de la tecnología a través de los ojos de las personas mayores en los hogares de jubilados en Holanda, seguido por Progress vs Sunsets.

Bonajo ha actuado internacionalmente en perfomances y actuaciones musicales en lugares como Paradiso en Ámsterdam, Baby-'s OK en Ciudad de Nueva York y Collège des Bernardins en París junto a otros artistas y/o con su banda, ZaZaZoZo Toda su música es producida por su hermano Tommie Bonajo. En su serie fotográfica Furniture Bondage combina herramientas domésticas con el cuerpo femenino desnudo. En 2012 inició Genital International, un evento colectivo feminista sobre la participación y la igualdad.

Su trabajo ha sido exhibido y proyectado internacionalmente, desde la Tate Modern al MoMA PS1, pasando por De Appel Arts Centre, el Stedelijk Museum de Ámsterdam, el Centro de Arte Contemporáneo de Varsovia, Kunsthalle Basel, International Documentary Film Festival (IDFA), la Berlinale, el Festival Internacional de Cine de Rotterdam y el Treefort Film Fest.

Referencias



Libros
  • Matrix Botanica - Non Human Persons, 2015
  • Pee on Presidents, 2014.
  • SPHERES, 2012.
  • One Room, Nine Possible Answers, Three Rooms, 2012.
  • Volkerschau Zine, 2009.
  • Furniture Bondage, 2009.
  • Bush Compulsion, A Primitive Breakthrough in the Modern Mind, 2009.
  • I have a Room with Everything, 2009.
  • Modern Life of the Soul, 2007.

sábado, 15 de junio de 2019

Bob Gruen

Bob Gruen es un fotógrafo estadounidense (nacido en 1945 en Ciudad de Nueva York) reconocido mundialmente por fotografiar a las más importantes estrellas del rock.


John Lenon, 1974 © Bob Gruen

John Lenon, 1974 © Bob Gruen



Biografía

Bob Gruen aprendió fotografía con su madre, que revelaba e imprimía sus propias fotos como aficionada. Hizo fotos para el periódico de la escuela. Después de la Secundaría fotografiaba a los músicos del grupo de rock Glitterhouse y cuando firmaron con una productora ésta utilizó sus fotos y comenzó a conocer gente del negocio de la música. Hizo una buena foto a Tina Turner en 1970 y empezó a trabajar con Ike and Tina. Esto le permitió establecerse como fotógrafo de rock y hoy es uno de los fotógrafos más conocidos y respetados en el mundo del rock and roll. De John Lennon a Johnny Rotten, Muddy Waters a los Rolling Stones, Elvis a Madonna, Bob Dylan a Bob Marley, Tina Turner a Debbie Harry, ha capturado la escena de la música durante más de 40 años en fotografías que han obtenido reconocimiento mundial.

Poco después de que John Lennon se mudara a Nueva York en 1971, Bob se convirtió en el fotógrafo y amigo personal de John y Yoko, haciendo fotos de su vida laboral, así como de momentos privados. En 1974 creó las imágenes icónicas de John Lennon vistiendo una camiseta de la Ciudad de Nueva York de pie frente a la estatua de la libertad haciendo el signo de la paz.

Como fotógrafo jefe de Rock Scene Magazine en los 70, Bob se especializó en la fotografía de detrás de las bambalinas. Viajó mucho con bandas emergentes de punk y New Wave, como las New York Dolls, Sex Pistols, Clash, Ramones, Patti Smith Group y Blondie. Bob también ha trabajado con los grandes del rock como LED Zeppelin, The Who, David Bowie, Tina Turner, Elton John, Aerosmith, Kiss y Alice Cooper.

En 1989, documentó el épico viaje a Rusia del Moscow Music Peace Festival con Ozzy Osbourne, Mötley Crüe y Bon Jovi. Durante muchos años fue el fotógrafo oficial del New Music Seminar de Ciudad de Nueva York, cubriendo decenas de aspirantes a nuevas bandas en el transcurso de una semana de verano. Este cuerpo de trabajo seminal refleja un compromiso profundo y una amistad personal de larga duración con los artistas. Su riqueza de experiencias personales y su asombrosa memoria proporcionan las historias más esclarecedoras y completas de la cultura juvenil del rock.

Ha realizado numerosas exposiciones, como Rockers en la FAAP University en Sao Paulo, Brasil, y en la Morrison Hotel Gallery en el Bowery en Ciudad de Nueva York, y ha realizado trabajos en video, como su documental All dolled up, un documental en DVD sus primeros videos de los años 70 de los New York Dolls, entre otros. En 2011 Don Letts hizo un largometraje titulado Rock & Roll Exposed – the Photography of Bob Gruen, incluyendo entrevistas con Iggy Pop, Debbie Harry, Alice Cooper, Yoko Ono, Billie Joe Armstrong y muchos más.

Su foto  Sid Vicious with Hot Dog fue adquirida por la National Portrait Gallery de Londres, en 1999 para su colección permanente. The Experience Music Project de Seattle adquirió sus fotos Clash Live in Boston, Tina Turner Multiple Image y Bloody Sid Vicious para su colección permanente. Recientemente ha fotografiado el tour por Europa de Green Day, a Yoko Ono/Plastic Ono Band, Iggy Pop, Ozzy Osbourne, AC/DC, Jesse Malin, Ryan Adams, Courtney Love, The Strypes y otras actuaciones importantes en este mundo del rock.





Referencias







Libros

jueves, 13 de junio de 2019

Margarita González

Margarita González es una fotógrafa española (nacida en Palencia en 1956, vive en Madrid) que considera la fotografía como un instrumento de expresión y esclarecimiento de la vida interior y exterior. En sus trabajos reflexiona especialmente sobre la persona y su prolongación simbólica en el paisaje. Presenta sus trabajos en forma fotográfica y literaria, en libros y exposiciones.


© Margarita González

© Margarita González




Biografía

Margarita González Caballero  es Licenciada en Bellas Artes en la especialidad de pintura por la Universidad Complutense de Madrid. Ejerció inicialmente una intensa actividad en el campo de la pintura, el dibujo y el grabado, para centrarse en la fotografía y la literatura a partir de 1991, tras descubrir el libro La cámara lúcida de Roland Barthes, que despertó su interés por la fotografía como medio de expresión y esclarecimiento de la vida interior y exterior.

Desde entonces ha concentrado su obra artística en el medio fotográfico y literario, en el que ha realizado exposiciones, publicaciones, conferencias y actividades docentes.

Fue influida por fotógrafos americanos como Mark Klett, Ruth Thorne Thomsen, Jane Evelyn Atwood y Pablo Ortiz Monasterio, y también por europeos como Bernard Plossu, José Manuel Navia y Alberto García-Alix. Asistió a talleres con todos ellos y realizó su primera exposición individual en 1999.

Desde su primer trabajo El parque metafísico, realizado en Madrid con cámara estenopeica, ha seguido utilizando la fotografía para expresarse y reflexionar sobre la persona en su entorno en sus series Norteamérica (1996), China (1997) y Atacama (1999), y en su ámbito privado en Retratos (2000-2006). Ha evolucionado personalmente con el viaje exterior e interior y actualmente entiende el paisaje como espejo del alma y desde este punto de vista fotografía espacios intemporales, donde el vacío, la luz y el silencio son un estado mental propicio para la comunicación con ella misma y con el entorno. Un estado que se refleja en sus series Egipto, la mirada en el tiempo (2003-04), Cabo de Gata, más allá de la realidad (1997-2007) y  Paisaje y metamorfosis del zapillo almeriense (2010-13).

Ha presentado sus trabajos en diversos libros y en exposiciones como Viaje a China en el Photomuseum de Zarautz, Cabo de Gata en el Centro Andaluz de la Fotografía (CAF) en Almería y Egipto, la mirada en el tiempo en la Sala Efti en Madrid, Retratos en la Real Sociedad Fotográfica de Madrid, entre otras muchas. Ha recibido el Premio Especial del VII Premio de Fotografía Rosa Pardo y el premio del XIII Certamen Nacional de Fotografía de las Jornadas Fotográficas Ciudad de Leganés. Posee obra en el CAF y en la Galerie Seine 51 de París, entre otras colecciones.


Referencias



Libros





martes, 11 de junio de 2019

Sergi Pons

Sergi Pons es un fotógrafo catalán (nacido en Barcelona en 1970) que está considerado uno de los fotógrafos de moda y publicidad más reconocidos. Ha trabajado para editoriales de moda y campañas publicitarias de grandes marcas tanto nacionales como internaciones.


© Sergi Pons
© Sergi Pons


Biografía

Sergi Pons estudió Derecho en la Universidad de Barcelona y Fotografía en la Escuela de Artes y Oficios de Barcelona. Luego estuvo cinco o seis años como asistente de varios fotógrafos. Después empezó a publicar en revistas pequeñas y cada vez mejores y sobre todo, comenzó a trabajar en el El País Semanal lo que le dio mucha visibilidad. Llevan más de 15 años trabajando juntos.

Sus fotos son elegantes, originales y de composición simple, aunque contienen complejos juegos de colores, luces y sombras. Sergi ha sabido captar la esencia de la moda masculina como nadie, convirtiendo a sus modelos en iconos. Es actualmente uno de los fotógrafos españoles más reconocidos que trabajan en la moda, la belleza y la publicidad.

Su trabajo ha aparecido en revistas como El País, GQ Spain, Marie Claire, GQ France, Glamour, Vogue Joyas, Vanity Fair Italy, German GQ Style, BMM, Schon, GQ Japan, S Moda, anidad y Fashionisto entre otras. Ha realizado campañas para clientes como Sarda by Andres Sarda, El Corte Ingles, Lacoste, Fiorucci, Women secret, Olivier Strelli, Galeries Lafayette, Roca, Lottusse, Carrera Sunglasses, Vanity Fair, Mustang, 497o Escorpion, Mango, dosMares, Stradivarius, Pura lopez, Levi's, Coca-Cola, Aigne, Seat, … 



Referencias



Libros

domingo, 9 de junio de 2019

Paco Gómez García

Paco Gómez es un fotógrafo, editor de libros y escritor español (nacido el 23 de julio de 1971 en Madrid, donde vive y trabaja) cuyo trabajo fotográfico personal tiene una marcada influencia de los sueños, la arqueología, los recuerdos, la literatura y el cine. Sus series fotográficas tienen una tendencia a cuestionarse los límites de la realidad, utilizando los mensajes ocultos de las fotografías y la investigación documental para la construcción de historias.


El Ángel Exterminador. Izquierda: Carlos Sanva. 2006. Derecha : Nelson Modlin. 1976.  Paco Gómez

El Ángel Exterminador. Izquierda: Carlos Sanva. 2006. Derecha : Nelson Modlin. 1976.  Paco Gómez 


Me interesa mucho cuestionar el concepto de autoría de la imagen. […] ¿Quién es el autor de una fotografía? ¿El que dispara? ¿El que le otorga un estatus? ¿El que la imagina previamente?



Biografía

Paco Gómez García, mientras estudiaba Ingeniero de Caminos, Canales y Puertos, se inició en el mundo de la fotografía y se apuntó a la Asociación Fotográfica Caminos, y nunca ha ejercido su profesión. Desde 1996 se dedica al mundo de la imagen y actualmente compagina su labor de fotógrafo con la de realización de documentales, escritor, comisario y diseñador de exposiciones. Durante nueve años trabajó de positivador en el laboratorio de Juan Manuel Castro Prieto en Madrid donde tuvo un contacto directo con los maestros de la fotografía española. 

Su obra poco a poco se va distanciando de la fotografía buscando terrenos más híbridos relacionados con la investigación histórica y la literatura. En 2013 publicó su libro Los Modlin, un libro autoeditado e inusual, a medio camino entre la fotografía y la literatura, que cosechó un éxito sin precedentes en el mundo de la autodistribución con una campaña muy mediática de crowdfunding (Paco es un verdadero especialista en estos temas) y redes sociales, basado en el encuentro en 2003 de documentos y fotografías de la familia Modlin en la basura cerca de su casa. Artistas incomprendidos, los Modlin estaban obsesionados con la fama y murieron con la convicción de que su arte sólo sería reconocido con el paso del tiempo.

Entre sus premios destacan el premio de fotografía INJUVE 2001, fotógrafo revelación en PhotoEspaña 2002 y premio revelación como componente del colectivo NOPHOTO en PhotoEspaña 2006. Está especializado en realizar trabajos corporativos para empresas de ingeniería y arquitectura, libros de viajes, así como reproducciones de piezas de arte para galerías e instituciones. Actualmente colabora de fotógrafo en Matadero Madrid, Museo Thyssen-Bornemisza e Ivory Press.

Como diseñador de exposiciones fotográficas ha trabajado para instituciones como Matadero Madrid, Instituto Cervantes, Ministerio de Cultura, AECID, Ayuntamiento de Madrid y Casa Árabe. Sus fotografías han sido publicadas en revistas como El Pais Semanal, Le Monde, Vanity Fair, Matador, Rolling Stone, Siete Leguas y XL Semanal.

Ha participado en las fundaciones de la República No Fotos, de la edición de proyecciones digitales PROYECTA y del colectivo NOPHOTO, que dejó en 2018. Ha montado la editorial Fracaso Books, con la que publica sus libros y los de otros autores.


Referencias



Libros

  • Razón y Sed, 2008.
  • Construir Paisaje. Puentes de Cesma Ingenieros en la fotografía de Paco Gómez, 2011.
  • La felicidad, 2012.
  • Photo Poche 103. Paco Gómez, 2012.
  • Los Modlin, 2013. 2014.
  • Puentes de fábrica. Adif.
  • Montedidio. Una historia napolitana.
  • Esculturismo.
  • Volverás a la Antártida, 2017.
  • This is Spain. An incomplete travel guide (varios), 2014.
  • Proyecto K, 2016.

viernes, 7 de junio de 2019

Pierre Choinière

Pierre Choinière es un fotógrafo canadiense (nacido en 1958 en Quebec, vive en Montreal) que ha inmortalizado las instantáneas de campañas publicitarias ampliamente reconocidas para los grandes de la moda como Chrisitian Dior, Charles Jourdan y Chevignon.


© Pierre Choiniere
© Pierre Choiniere




Biografía

Pierre Choinière nació en Quebec en 1958, en una familia modesta. Con 16 años, decidió dejar la escuela y trabajar en una tienda de comestibles. Un año y medio después, comenzó a interesarse por la fotografía y asistió a la School 
of Modern Photography en Manhattan, donde fue discípulo del famoso fotógrafo Yousuf Karsh.

Choinière fue rápidamente reconocido en Montreal, trabajando para algunas revistas populares y para el teatro. Pionero de la fotografía de moda en Quebec, es uno de los primeros en haber trabajado para las revistas Clin d'oeil y Elle (Quebec). A través de los años, contribuirá a unas 70 portadas.

En 1988 se mudó a París, donde tuvo que empezar desde cero para hacerse un nombre. Lentamente subió las etapas en el mundo de la publicidad fotográfica y ganó su notoriedad trabajando con personalidades como Jean-Paul Gaultier, Issey Miyake y Carole Bouquet (para Maison Chanel).

Reconocido en la escena internacional de la moda, ha llevado a cabo campañas e innumerables anuncios para prestigiosas casas de moda como Christian Dior, Chevignon, Alain Mikli, Chantelle, Charles Jourdan, ...
Hoy reside en Montreal, donde fundó la galería Espace 40, y persigue proyectos personales inspirados en el fotoperiodismo mientras viaja por Marruecos, Mongolia y por todo el mundo.


Referencias



Libros