sábado, 19 de octubre de 2019

Dmitriy Krakovich

Dmitriy Krakovich es un fotógrafo ucraniano (nacido en Kiev, vive entre Kiev y Brooklyn, Nueva York) cuyos principales puntos de interés son el retrato psicológico, la fotografía artística  y proyectos conceptuales.

© Dmitriy Krakovich

© Dmitriy Krakovich

La fotografía para mí es una especie de investigación. Estoy investigando una personalidad y un mundo interior de una persona frente a la cámara como en el psicoanálisis. Mientras estoy creando una imagen que puede producir algunos sentimientos específicos y reacciones en un observador también. Además de eso, también estoy muy interesado en poner en discusión temas sociales y éticos, por lo que trabajo en series que representan estos de alguna manera indirecta y artística mediante el uso de escenas absurdas y surrealistas. En mi trabajo me encanta usar el mundo emocional de los modelos y la atracción del cuerpo humano, tanto la belleza como la vulnerabilidad del mismo.



Biografía

Dmitriy Krakovich estudió Construcción de Equipos Electrónicos, luego se graduó de la Universidad Nacional Taras Shevchenko de Kiev con un master en Sociología. Trabajó como investigador para varias agencias sociológicas hasta que se trasladó a Nueva York, donde trabajó como periodista, diseñador gráfico, investigador de mercado para periódicos y canales de televisión, y se ofreció como voluntario en el cine de rodaje. Estudió Teatro, Cine y Fotografía en el Hunter College de Nueva York.

Sus principales intereses en la fotografía son el retrato psicológico, la fotografía artística y proyectos conceptuales. Dmitriy considera su fotografía un trabajo de investigación, estudiando la personalidad, el mundo interior, las emociones profundas de una persona. El retrato es uno de sus géneros favoritos. También está interesado en cuestiones sociales y éticas, y desarrolla series que representan esto de manera artística e indirecta mediante el uso de imágenes surrealistas o absurdas. Le encanta utilizar el mundo emocional de las modelos y la atracción del cuerpo humano, tanto la belleza como la vulnerabilidad del mismo.

Ha expuesto tanto individual como colectivamente, ha publicado sus fotografías en Estados Unidos, Canadá, México, Austria y Ucrania. Ha impartido conferencias sobre fotografía para el Instituto de Periodismo de Kiev en la Universidad Nacional Taras Shevchenko, y actualmente dirige clases magistrales para fotógrafos. Es, también, comisario del Festival del Photobook de Kiev.



Referencias

viernes, 18 de octubre de 2019

Chema Alvargonzalez

Chema Alvargonzalez fue un artista español (nacido el 4 de enero de 1960 en Jerez de la Frontera, Cádiz, fallecido el 18 de octubre de 2009 en Berlín) cuya obra, de marcado carácter conceptual, abarca diversas disciplinas destacando la fotografía, las instalaciones y la escultura. Los espacios urbanos y el papel del hombre en la sociedad actual fueron sus preocupaciones fundamentales a partir de las cuáles experimentó con la luz (natural o artificial), en intervenciones en edificios, instalaciones con neones y cajas de luz.


© Chema Alvargonzález All rights reserved to Memoria Artística Chema Alvargonzález

© Chema Alvargonzalez All rights reserved to Memoria Artística Chema Alvargonzalez



Biografía

Chema Alvargonzalez estudió el curso Procesos de las imágenes contemporánea y de pintura y multimedia en la Escola Massana de Barcelona y más tarde el Master of Fine Arts and Multimedia en la Hochschole Der Künste de Berlín, donde fue alumno de la artista Rebecca Horn.

Su vida artística se dividió entre Berlín y Barcelona. Sus exposiciones individuales comenzaron en 1985 con El televisor prosecleptico y pinturas en Valencia, exponiendo regularmente en las galerías Carles Taché de Barcelona, Oliva Arauna en Madrid, Artinprogress en Berlín, y en diversas ciudades de España, Alemania, Inglaterra y Brasil. También ha participado en numerosas exposiciones colectivas tanto en España como en el extranjero.

Cronista de espacios inhabitados, memoria histórica o crítica de la sociedad contemporánea, sus fotografías plasmaban ciudades aparentemente fantásticas, repletas de sugerencias visuales y dotadas de un trasfondo comprometido y comprometedor. En 1997 recibió el Premio Fomento a las Artes de Münster y en 1994 el Primer Premio del 39th Salón de Montrouge en Francia.

Ha realizado instalaciones en las fachadas de edificios tan emblemáticos como Abwesenheit en la Embajada Española en Berlín en 1992, el Aeropuerto de Munich en 2000 y la Embajada Suiza en Berlín, situada a pocos metros del parlamento alemán, en 2001, Sombra azul en el Centro de Arte Contemporáneo de Málaga en 2003 y El adentro afuera de las palabras, reflexionando sobre la gran cantidad de palabras que rodean a diario al ser humano condicionando su rutina, en el edificio de Telefónica de Madrid durante la Noche en Blanco de 2007. En PhotoEspaña 2019, la Fundación ENAIRE expuso ¡Volar! 100 años en el cielo con fotografías de su colección, incluyendo obra de Alvargonzalez. 

Fundó los talleres GlogauAIR, donde residen y trabajan temporalmente artistas internacionales en el barrio berlinés de Kreuzberg. A título póstumo, en 2013 recibió la Cruz de Oficial de la Orden del Mérito Civil. Su obra forma parte de colecciones de reconocido prestigio, como las del Centro Galego de Arte Contemporànea en Santiago de Compostela, la colección Circa XX-Pilar Citoler, Deustche Bank, Fundación ENAIRE, ARTIUM en Vitoria, …

Como conmemoración del décimo aniversario de la partida de Chema Alvargonzalez, La Memoria junto a la Escola Massana han organizado el día 24 de octubre una serie de actividades y charlas en Barcelona para conmemorar su ausencia pero celebrar que su legado sigue vivo. Se celebrarán una serie de eventos en torno a su instalación TRANSFORMACIÓ.


Referencias




Libros

jueves, 17 de octubre de 2019

Nadir Bucan

Nadir Bucan es un fotógrafo turco (nacido en 1978 en Rize, vive y trabaja en Van) que realiza fotografía documental y que ha pasado los últimos seis años documentando la vida en los pequeños pueblos de la región de Van, Turquía. El proyecto, Bajo la Sombra del Sol, es un testimonio de la vida despojada que existe en esta zona remota, donde la supervivencia de las personas se basa en sus animales y no en la tecnología.


Mother Aliye returns home after milking in the village of Alacayar Van © Nadir Bucan
Mother Aliye returns home after milking in the village of Alacayar Van © Nadir Bucan


Biografía

Nadir Bucan es un fotógrafo académico y documental, que empezó a hacer fotos con una cámara analógica en 1999, antes del dominio digital. Ha usado película hasta 2009 y ha pasado por todas las etapas de la fotografía, desde el baño químico hasta la impresión. Le interesan los aspectos prácticos y teóricos de la fotografía.

Estudió Relaciones públicas y Publicidad en la Universidad de Ankara. Fue destinado a la Universidad Yuzunci Yil en Van como profesor en 2011 y ha estado compaginando su labor académica en la facultad de Bellas Artes con la fotografía de los pueblos de los alrededores generalmente los fines de semana desde esa fecha. Estos pueblos están a unos 80 Kms de su casa.

Este es un proyecto a largo plazo, Under the Shadow of the Sun, comenzado en 2011 y en curso todavía, donde trata de presentar algunos perfiles de la vida cotidiana en el campo, realizando principalmente un testimonio sobre la relación de las personas de la región con la naturaleza y otras criaturas. La provincia oriental de Van, en Turquía, tiene una población principalmente kurda y está compuesta por pequeñas aldeas.

Al mismo tiempo realizó un master en Cine y Televisión en la Universidad Ataturk de Erzurum, con la tesis Reading Documentary Photography Through Walter Benjamin, y después su doctorado en Ciencias Básicas de la Comunicación y ahora está trabajando en su tesis sobre fotografía post-documental. Ha publicado los artículos académicos Walter Benjamin and Documentary Photography y A Sociologist with a Camera: Sebastião Salgado. Y ahora ejerce como PhD en la Universidad Yuzunci Yil de Van.

Sus obras, han sido publicadas en revistas internacionales como Gezgin, İz, İgnant, Les Others, Deniz, Tutti Fotografi, P3 y LensCulture, … y expuestas en Nueva York, París, Londres, Berlín, Pekín y Rusia. Ha participado en festivales como Head On, La Quatrieme Image, Songzhuang y San José. Desde 2017 ha obtenido numerosos premios como The Seventh Annual Exposure Photography Award de PDN Magazine, Documentary Award en The Independent Photographer, People y Editorial en el Moscow International Foto Awards – MIFA, Series en People en el 12th Pollux Awards, Editorial Photo Essay en Tokyo International Foto Awards – TIFA, Barcelona International Photography Awards – BIPA, …



Referencias

martes, 15 de octubre de 2019

Tokihiro Satō

Tokihiro Satō es un fotógrafo japonés (nacido en 13 de septiembre de 1957 en Sakata, Yamagata) ampliamente reconocido por sus trabajos de inusuales expresiones de luz y espacio como uno de los artistas más exitosos y respetados de Japón que trabajan en el medio fotográfico.


© Tokihiro Satō
© Tokihiro Satō



Biografía

Tokihiro Satō estudió Bellas Artes (escultura) por la Universidad Nacional de Bellas Artes y Música de Tokio. Durante sus estudios, como la mayoría de los escultores, comenzó a crear objetos materiales. Poco a poco desarrolló la necesidad de grabar en su obra la acción en sí. Entonces se dio cuenta de que no era posible hacer una escultura utilizando los medios tradicionales. Vio que la fotografía era la única manera de hacer visible y tangible el proceso escultórico, y se pasó a ella a finales de la década de los 80 para poder comunicar mejor sus ideas respecto a la luz y el espacio.

Ha sido muy reconocido por su interesante interacción con la luz, utilizando una cámara analógica de gran formato de 8x10” equipada con un filtro de oscurecimiento, para hacer exposiciones que duran de 1 a 3 horas mientras se mueve por la escena creando puntos de luz o líneas iluminadas dibujadas con linternas o láseres por la noche o destellos hechos por reflejos de espejos por el día. Los resultados son detalladas fotografías interrumpidas por patrones de luz. Debido a las largas exposiciones, sus movimientos delante de la cámara son indetectables por ella: la fotografía captura su presencia, pero no su imagen.

Posteriormente, con la realización de nuevas obras y el uso de diferentes técnicas, se volvió cada vez más pasivo al crear la imagen. Actualmente también se centra en la fotografía digital en combinación con técnicas y herramientas antiguas. También ha construido varios tipos de cámaras, incluyendo una cámara estenopeica de múltiples agujeros, instalada en espacios públicos o "vacíos".

Su obra ha sido presentada en más de 50 exposiciones individuales y en unas 100 exposiciones colectivas, principalmente en Asia, pero su trabajo también ha sido exhibido en galerías y museos norteamericanos. Forma parte de 16 colecciones de museos japoneses, incluyendo el Museo Metropolitano de Fotografía y Museo Hara de Arte Contemporáneo en Tokio, Museo de Arte Moderno de Saitama, y también de colecciones de museos como el Guggenheim de Nueva York, The Art Institute de Chicago, Cleveland Museum of Art, Queensland Art Gallery de Brisbane, …

Actualmente es profesor en el Departamento de Arte Inter-Media de la Universidad de las Artes de Tokio. Está representado por Leslie Tonkonow Artworks + Projects de Nueva York.


Referencias




Libros

  • Tokihiro Sato: Trees, 2010.
  • Hikari–kokyū / Photo–Respiration, 1997.
  • Sato Tokihiro no manazashi "Hikari–kokyū", 1999.
  • Kokyū suru fūkei / Breathing landscapes, 1999.
  • Photo Respiration: Tokihiro Sato Photographs, 2005.

domingo, 13 de octubre de 2019

Vincent Peters

Vincent Peters es un fotógrafo alemán (nacido en 1969 en Bremen, vive entre París y Nueva York) considerado uno de los fotógrafos de moda con mayor proyección internacional. Ha retratado a muchas de las celebridades más grandes de nuestro tiempo en su estilo glamuroso y sensual que recuerda a la estética del Hollywood de los años 50. Basado enteramente en el arte clásico de la fotografía de retrato, su sofisticada iluminación y el uso de cámaras analógicas impactan en sus fotos en blanco y negro, otorgándoles una calidad cinematográfica impresionante, dando como resultado impresionantes retratos y fotografías de moda.


© Vincent Peters
© Vincent Peters


Nunca he cambiado de cámara desde que tenía 17 años. Tengo una Mamiya RZ de formato medio. Siempre utilizo película. Tengo algunos clientes que dicen "si no disparas en digital no trabajamos contigo" y no tengo problema en hacerlo, pero no me gusta lo digital. Creo que este proceso ha hecho mucho daño a la industria y no hay un solo fotógrafo con el que haya hablado y que no esté de acuerdo con ello.  La técnica condiciona al arte... Si hay un arte digital, éste no es mi arte. Lo digital no es sólo un proceso de captura de imágenes. Lo digital es un concepto diferente. El disparo es diferente. Su relación con el modelo es diferente. De todos modos, apenas sé leer un correo electrónico.



Biografía

Vincent Peters comenzó su carrera fotográfica durante un viaje a Tailandia, realizando unas imágenes que más tarde serían publicadas por GEO Magazine. En 1989 se trasladó a Nueva York, donde trabajó como asistente de fotógrafos y más tarde comenzó a desarrollar su carrera personal como artista con un talento especial para destacar la feminidad completa con el arte de la seducción visual.  En su simplicidad, sus composiciones en blanco y negro se hacen eco de las obras de los famosos fotógrafos de estudio del siglo XX con cámaras de gran formato como George Hurrell: sus fotos evocan la atmósfera del cine negro. La desnudez de las modelos parece totalmente natural: su lente revela una sensualidad más reservada que seductora.

En 1990 había comenzado en el mundo de la fotografía de moda y celebridades. Años después, regresó a Europa, donde trabajó para varias galerías de arte y en proyectos personales. En 1999 comenzó a trabajar para Giovanni Testino como fotógrafo de moda.

Su estilo cinematográfico, viendo a la mujer más que como actrices que como modelos, lo llevó a portadas de historias en todo el mundo con las revistas más renombradas. Hasta el momento ha publicado en incontables medios de referencia internacional como The Face, Vogue, ELLE, The Sunday Times, Numéro, Glamour, Dazed and Confuse y GQ, entre otros. Además, Hermes, Diesel, Nike, Addidas, Armani, Yves Saint Laurent, Louis Vuitton, Miu Miu, Bottega Veneta, Dunhill, Guess, Seiko, Lancôme, Samsonite, Netflix, Celine, Philips, Plein Sud, Joop, Guerlain, Sonia Rykiel, Rochas y La Perla son solo algunas de las marcas que han confiado en él y en su buen hacer con la cámara.

La obra de Vincent ha sido expuesta extensamente en galerías de bellas artes y más recientemente en Fotografiska, un destacado museo de fotografía en Estocolmo.


Referencias


Libros

viernes, 11 de octubre de 2019

Gustavo Minas

Gustavo Minas es un periodista y fotógrafo brasileño (nacido el 4 de noviembre de 1981 en Cássia, un pequeño pueblo en el estado de Minas Gerais, vive en Brasilia) conocido principalmente por su fotografía de calle, principalmente de São Paulo y Brasília.


© Gustavo Minas
© Gustavo Minas


La Rodoviaria de Brasília tal vez sea el único sitio con gente suficiente para fotografía de calle en la capital. Las calles acá están muy vacías, como en una maqueta de arquitectura. Así que desde que pasé a vivir aquí, en 2014, es mi principal punto de interés, fotografío allí casi todos los días. Casi un millón de personas pasan por ella diariamente, y me encanta estar en medio de ese flujo de gente corriendo. A veces pasan tantas cosas que ya no pienso más, voy fotografiando reaccionando al movimiento, a las explosiones de luz del sol y de los colores.


Biografía

Gustavo “Minas” Gómes nació en un pequeño pueblo del estado de Minas Gerais. Su interés por la fotografía ha existido desde siempre. En la escuela, era el que fotografiaba los asados y fiestas, en un tiempo en que a ninguno de sus amigos les interesaba mucho la fotografía. Se graduó en Periodismo en la Universidade Estadual de Londrina, donde siempre se encargaba de las fotos para los periódicos universitarios. Antes de intentar conseguir un trabajo se fue a Londres, trabajando como camarero durante un año. Cuando regresó a Brasil consiguió un trabajo como reportero en un periódico popular de São Paulo, escribiendo sobre economía y empleo.

Horas largas, turnos de fin de semana y aburridos como el infierno. No estaba contento con lo que estaba haciendo y esto le hizo probar la fotografía. Se compró su primera réflex en 2007 y estudió en 2009 durante un año con el maestro Carlos Moreira, un fotógrafo brasileño que había fotografiado la ciudad de São Paulo desde los años 60.

Moreira hablaba mucho de la fotografía como una forma de meditación, y de fotógrafos que la han utilizado como expresión personal más que todo, y sobre el placer de caminar, de perderse en las calles y observar a la gente, y todo eso influenció muchísimo a Minas. También le  gustó su idea de hacer algo sólo para complacerse a uno mismo cuando todos los demás se apresuraban a trabajar y, desde entonces, Gustavo ha practicado la fotografía callejera en las ciudades donde ha vivido, además de trabajar como periodista y fotógrafo independiente. Con ese espíritu, sale a la calle casi diariamente, bien temprano porque le gusta una luz tan dramática como en las fotos de Harry Gruyaert o Alex Webb.

Ha participado en varias exposiciones colectivas e individuales, obtenido numerosos premios como Commended Photographer en Sony World Photography Awards de 2018,  1º en categoría “El Futuro de las Ciudades” en el  POY Latam de 2017, 1° lugar con su ensayo "O Parto" en el Prix Photo Web Aliança Francesa de 2017, vencedor del concurso Life Framer: Street Life, 2º puesto en los International Street Photography Awards de 2013, …  y es o ha sido miembro de los colectivos SelvaSP, Vivo y Flanares.


Referencias



Libros

miércoles, 9 de octubre de 2019

Antonio Gálvez

Antonio Gálvez es un pintor y fotógrafo español (nacido en 1928 en Barcelona, donde vive actualmente). Artista innovador, sus explosivas imágenes rebosan ideas sorprendentes que se traducen en un estilo muy personal, con el que combate la mediocridad y la injusticia existencial.


Luis Buñuel da orientaciones a la virgen en el filme La vía Láctea” © Antonio Gálvez

Luis Buñuel da orientaciones a la virgen en el filme La vía Láctea” © Antonio Gálvez


De esa manera participé en los rodajes de los filmes La vía láctea(1969), y El discreto encanto de la burguesía (1972). Mi intención era captarlo a él [Luis Buñuel] en activo, no en pasivo, dirigiendo los actores, verificando el vestuario, y muchas cosas. A mi me interesaba destacar la personalidad de un ser humano, a partir de lo que hace.



Biografía

Antonio Gálvez nació en Barcelona de padre alicantino y madre manchega, comenzando en el arte a muy temprana edad. De niño le apasionaba la pintura, por lo que comenzó siendo pintor y fueron unos amigos los que le dieron a conocer lo que para él sería su gran descubrimiento: una máquina de retratar.

Tras la Guerra Civil Española y la Posguerra, con la falta de libertad que acompañaron a estos periodos, vio la necesidad de marcharse a Paris por la necesidad de mostrar su mundo interior. Allí estaría casi 30 años, desde 1965 hasta 1992, y conocería a lo más granado de la sociedad intelectual del momento. Allí se fue solo y en coche, huyendo del oscuro periodo de dictadura que vivía España, sin conocer a nadie ni saber francés, teniendo que dormir en su vehículo en las calles de París al comienzo.

Cuando ya hablaba un poco de francés, concretó una entrevista con el director de uno de los teatros más importantes de Paris en ese momento, para ver si podía hacer una exposición del mundo del teatro. Para conseguir su fin, le presentó como aval sus muestras y bocetos, lo que le sirvió para conseguir trabajo retratando la representación teatral de la obra Marat/Sade del dramaturgo alemán Peter Weiss, siendo además la primera exposición que acogería la sala. La muestra, formada por 6 imágenes, estuvo expuesta durante tres meses con gran éxito, con la anécdota de que uno de los cuadros fue robado, precisamente el que representaba la muerte de Marat. Le apasionaba el mundo de la cultura y sobre todo la literatura y el teatro, siempre desde la perspectiva del escritor, del creador de la obra. Durante los años 60, trabajó la imagen en la escenografía teatral tanto en España como en Francia.

A partir de 1969 inició una colaboración con Luis Buñuel y empezó la serie Huellas de una mirada sobre él, acompañando al cineasta en sus rodajes, fotografiándolo discretamente en medio de situaciones cotidianas y realzando su parte más humana. También recreó su universo por medio del fotomontaje, técnica a la que añadió otras prácticas, como la pintura.

De 1971 a 1972 colaboró en varias películas y en un documental sobre el pintor Francis Bacon, encargo de la televisión francesa. En 1973 emprendió la serie Esa falsa luz del día, que finalizaría en 1992. Compaginó la realización de este proyecto con una serie de trabajos sobre Gaudí (1979) y el inicio de su serie de 70 retratos de grandes personajes (entre ellos Antonio Saura, Juan Goytisolo, Julio Cortázar, Pablo Neruda, Marguerite Duras, Mario Vargas Llosa y Gabriel García Márquez) del mundo de la cultura Mes amis les grosses têtes (Mis amigos, la gente importante).

De 1976 a 1979 trabajó en su proyecto Antonio Gálvez y la descomposición de los mitos, 10 cofres compuestos de 10 obras y 5 textos manuscritos de grandes escritores contemporáneos. Colaboró con la Unesco como fotógrafo del Año Internacional del Niño y realizó sus series El erotismo con la ironía quevedesca (terminada en 1987) y La maravillosa monstruosidad de París, un trabajo en color sobre las muñecas de Marta Kuhn Weber.

Entre las exposiciones que se han hecho de su obra, cabe señalar las realizadas en el Théâtre Sarah Bernhardt de París en 1966, el Museo Gaudí en Barcelona en 1966, el Palais des Papes de Aviñón, durante el festival de teatro en 1968, la Posada del Potro en Córdoba en 1988, La Virreina Centre de la Imatge en Barcelona en 1992, Huellas de una mirada en 17 ciudades en 2000, el Palau Robert en Barcelona en 2005, Institutos Cervantes diversos, como el de París en 2019, …  Su obra forma parte de colecciones públicas y privadas como la Bibliothèque Nationale de France y los Fonds National d’art Contemporain en París.


Referencias




Libros

  • Mis amigos los cabezones, 2018.
  • Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI, 2013.
  • La ferida del món, 2009.
  • Buñuel, una relación circular con Antonio Gálvez, con Julio Cortázar, Juan Goytisolo y Julián Ríos, 1994.
  • Antonio Galvez: inèdit, 1992.
  • Alegoría a Luis Buñuel, 1989.
  • Poupées de Marta Khun-Weber, 1973.
  • Prosa del observatorio, con Julio Cortázar, 1972.