martes, 18 de diciembre de 2018

Dave Heath

Dave Heath fue un fotógrafo estadounidense, humanista y documental (nacido el 27 de junio de 1931 en Filadelfia, EEUU, fallecido el 27 de junio de 2016 en Toronto, Canadá) cuyo trabajo más reconocido fue dentro de la fotografía callejera candid (no posada), expresando de forma radical el sentido de alienación y soledad inherente a la sociedad moderna.

DaveHeath

© Dave Heath

El hecho de no haber tenido una familia, un lugar en la historia que me definiese, inspiró mi necesidad de unirme a la comunidad humana. Lo hice inventándome un tipo de poesía que vincula a esta comunidad, al menos simbólicamente, en mi imaginación, a través de su forma.

Biografía

David Martin Heath recorrió en su infancia, tras ser abandonado por sus padres cuando tenía 4 años, varias casas de acogida, hasta que a los 12 años fue admitido en un orfanato de niños judíos en Filadelfia. Allí tuvo contacto por primera vez con el medio fotográfico, cuando un compañero le regaló su primera cámara y le prestó su cuarto oscuro para revelar. La fotografía se convirtió en su obsesión, uniéndose al club de fotográfico de la escuela, leyendo revistas especializadas y siguiendo con detenimiento los reportajes de Life, estudiando detenidamente su puesta en página.

Con 15 años el reportaje Bad Boy´s story (Una historia de niños malos) de Ralph Crane en Life, que documentaba la vida de un joven huérfano en Seattle, un rebelde solitario, que parecía empezar a encontrar su sitio en el mundo, fue una revelación para él, identificado con el protagonista.

En 1952 fue reclutado y sirvió en Corea como artillero, haciendo muchas fotografías de sus experiencias allí. No eran de guerra, fotografió a sus compañeros soldados, en sus momentos de descanso, creando imágenes sinceras y de recogimiento.

A su regreso, asistió brevemente al Philadelphia Museum College y luego al Philadelphia College of Art, se trasladó a Chicago para estudiar en el Instituto de Diseño de Chicago y trabajó en un laboratorio de revelado de fotografías. En 1957, se mudó a la ciudad de Nueva York y se unió al Greenwich Village Camera Club. Estudió con el innovador fotoperiodista W. Eugene Smith y fue influenciado por el tono humanista de Smith y su énfasis en la narrativa fotográfica.

Heath consiguió la fama con la exposición de 1963 (y su publicación en 1965) de su trabajo A Dialogue with Solitude, una serie de imágenes en blanco y negro que abordan el aislamiento contemporáneo, con 82 imágenes tomadas desde 1952 a 1962, y agrupadas en diez capítulos donde la soledad queda expresada a través de la anarquía, la violencia, el amor, la niñez, la vejez, la guerra, la raza, la juventud y la muerte, cada uno precedido por citas literarias de diversos autores.

Posteriormente ganó dos becas Guggenheim. En la década de los 70, después de mudarse a Toronto donde enseñó fotografía en la Ryerson University de Toronto hasta 1997. Heath comenzó a experimentar con la tecnología Polaroid y produjo una serie de trabajos narrativos bajo el título Songs of Innocence. Desde 2001 también realizó trabajos en color digital, una selección de los cuales se publicó en su libro, Dave Heath's Art Show.

Su trabajo ha sido incluido en importantes estudios e investigaciones históricas y se encuentra en numerosas colecciones públicas y privadas, como el Museum of Modern Art de Nueva York, el Art Institute de Chicago y la National Gallery of Canada en Ottawa, entre otras. En 2015, el Philadelphia Museum of Art organizó una retrospectiva de su trabajo, que se mostró posteriormente en el Nelson-Atkins Museum of Art.

Referencias

Libros

lunes, 17 de diciembre de 2018

Niels Ackermann

Niels Ackermann es un fotógrafo documental suizo (nacido en 1987 en Ginebra, vive entre esta ciudad y Kiev, Ucrania) al que le gusta mezclar arte e información objetiva, y lo consigue a través de la fotografía, que le sirve como pretexto válido para llamar a cualquier puerta que lo lleve su curiosidad, conocer a muchas personas diferentes y aprender constantemente sobre el mundo en el que vive. Con el foco puesto en la política y la fotografía social, también tiende a hacer muchos retratos y experimentos en varios campos visuales, experimentando con diferentes medios.

© Niels Ackermann

© Niels Ackermann

Biografía

Niels Ackermann es un fotógrafo documental suizo, con un trasfondo dividido entre el periodismo fotográfico y los estudios de ciencias políticas en la Universidad de Ginebra,  que trabaja para la prensa internacional desde 2007 y es miembro fundador de la agencia Lundi13. Vive desde 2015 entre Kiev, Ucrania y Ginebra, Suiza, trabajando en ambos lugares, pero son sus series documentales en Ucrania las que le han dado más popularidad.

Su primer proyecto a largo plazo, The White Angel, que documenta durante más de 3 años la transición a la edad adulta en los alrededores de Chernobyl, ofreciendo una perspectiva distinta del desastre de Chernobyl al relatar los romances de Yulia y  sus amigos en la cercana ciudad de Slavutych. Fue publicado en 2016 y recibió múltiples premios, como el premio Ville de Perpignan Rémi Ochlik en Visa pour l'Image, y los premios Swiss Press Photo y Swiss Photo Awards, y fue recogido por CNN y el blog de periodismo fotográfico Lens del The New York Times.

Su segundo proyecto, Looking for Lenin realizado junto con el periodista francés Sébastien Gobert fue publicado en inglés y en francés y se estrenó en Les Rencontres d'Arles. Trata de la eliminación de las más de 7.000 estatuas de Lenin en Ucrania.

En Suiza, ha llevado a cabo varios proyectos a largo plazo, como Genève, Sa Gueule, un proyecto desarrollado con el servicio Agenda21 de la ciudad de Ginebra, cuyo objetivo es proporcionar una visión divertida, positiva y constructiva de la diversidad dentro de esta ciudad. También ha trabajado para el New York Times en el Val de Travers.

Niels colabora regularmente con instituciones sociales, ambientales y culturales en proyectos documentales y en talleres. También da frecuentemente conferencias y talleres sobre fotografía documental, trabajo freelance y financiación de proyectos documentales.

Referencias

Libros

  • Looking for Lenin, 2017.
  • L’Ange Blanc: Les Enfants de Chernobyl Sont Devenus Grands, 2016.

domingo, 16 de diciembre de 2018

Fran Herbello

Fran Herbello es un escultor, creador y fotógrafo gallego (nacido en 1977 en Menziken, Suiza, vive en Aldán, Pontevedra) que utiliza el cuerpo humano como campo de experimentación plástica. Sus fotografías manipuladas son fruto de la intervención directa sobre el cuerpo con objetos de la vida cotidiana como una cremallera, un clip o un anillo consiguiendo imágenes próximas al surrealismo pero con la apariencia realista de la fotografía científica.

© Fran Herbello

© Fran Herbello

Biografía

Fran Herbello nació en una familia de emigrantes gallegos instalados en Suiza, que ya en 1978 volvieron a Galicia, a Aldán. Estudió en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Vigo, y fue entonces cuando descubrió la fotografía para documentar las cosas que hacía, porque almacenar esculturas era más difícil y trabajando con elementos efímeros, necesitaba documentar esas acciones en el cuerpo, y fijarlas en el tiempo. Desde entonces, ha desarrollado una obra artística que combina la fotografía con la escultura y la instalación audiovisual. Realiza, en paralelo a su obra personal, trabajos publicitarios.

Sus fotografías constituyen una respuesta a lo que considera la dureza de la sociedad digital y, aunque sus imágenes suelen tomarse como digitales, son el producto de una intervención directa en los cuerpos. Una obra de naturaleza claramente escultórica que muestra el interés por trabajar en contacto con objetos reales, creando intervenciones efímeras que carecen de significado para uno mismo, solo pensadas y realizadas para dar lugar a fotografías.

Siguen dicha línea sus series A imaxe e semellanza y Mal de corpo, en las que reflexiona sobre la identidad, la memoria, el tiempo o la muerte.

Ha publicado en La Voz de Galicia y El Cultural de El Mundo entre otros medios. Ha expuesto en el Outono Fotográfico en el año 2000 en la Casa da Xuventude de Orense, en PHotoEspaña 2001 en el Círculo de Bellas Artes de Madrid, en
la feria Estampa en Madrid en 2005, en Fotoencuentros de Murcia en 2008. Ha participado en exposiciones colectivas como Imágenes mayores o Poéticas fotográficas en la era digital. Nifomanías-Infomanías, que se expuso en el Centro Cultural Conde Duque de Madrid en 2002, en ARCO 2002 y en la Galería Berini de Barcelona.

Su trabajo se ha visto reconocido con la Beca de la Casa Velázquez en Madrid en 2006 y la Beca de la Academia de España en Roma en 2007-8. Posee obra en la colección del Centro de Arte Dos de Mayo de Móstoles. Es profesor de la Escola Audiovisual de Vigo.


Referencias

Libros

  • A imaxe e semellanza, 2000.
  • BLINK. 100 Photographers, 10 Curators, 10 Writers (varios), 2002.
  • Mal de corpo, 2005.
  • Souvenir, 2007.
  • Proxecto Costa da Morte + Crebas (varios), 2011.
  • Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI, 2013.
  • Mil Ríos (con Manuel Sendón), 2014.

sábado, 15 de diciembre de 2018

Juan Rodríguez

Juan Rodríguez es un arquitecto y fotógrafo gallego (nacido en 1960 en A Coruña) que trabaja profesionalmente en el campo de la fotografía de arquitectura. También ha realizado numerosos trabajos profesionales en fotografía documental, además de en moda y publicidad. Su fotografía personal refleja una mirada sensible, especialmente motivada por la presencia de la luz y la manera en que los objetos trasforman el espacio creando una nueva realidad a base de los juegos de las luces y las sombras.

CASA BALINT BN, Fran Silvestre Navarro, 2014 © Juan Rodríguez

CASA BALINT BN, Fran Silvestre Navarro, 2014 © Juan Rodríguez

Biografía

Juan Rodríguez es arquitecto de formación pero atraído por la fotografía desde los 16 años, ya en 1984 decidió dedicarse en exclusiva a la imagen, principalmente a la de arquitectura, donde es un referente. Dentro de esta temática es coeditor de la revista International Architecture Technical Magazine

También ha realizado numerosos trabajos profesionales en fotografía documental, además de en moda y publicidad. Y su fotografía personal, alejada del compromiso de la representación técnica propio de su trabajo profesional, refleja una mirada sensible, especialmente motivada por la presencia de la luz y la manera en que los objetos trasforman el espacio creando una nueva realidad a base de los juegos de las luces y las sombras. En esta búsqueda, ha viajado por Galicia, Italia, Grecia, Francia, Holanda, EEUU, Argelia, India, Nepal, Tailandia, Finlandia, Rusia, Japón, Egipto y Patagonia.

Entre sus exposiciones cabe destacar Beyond Black en el Palacio de Exposiciones Kiosco Alfonso en A Coruña en 2013, Patagonia en el Instituto Cervantes de Chicago en 2005, All Things Must Pass en la Galería Valid Foto de Barcelona en 2010, Arquitectures en la Fundación Forvm de Tarragona en 2011, y su participación en la colectiva La ciudad, minuto a minuto, que tuvo lugar en el marco de PHotoEspaña 2011 en la sala de exposiciones del Ministerio de Fomento en Madrid.

Su obra forma parte de las colecciones del Instituto Cervantes de Chicago, la Maison Européenne de la Photographie en París, el Museu Nacional d’Art de Catalunya en Barcelona, Sondra Gilman Collection en Nueva York y la Colección Encontros da Imagem de Braga, entre otras colecciones públicas y privadas.

Referencias

Libros y catálogos

  • Fillos da terra, 2001.
  • Odiseas, 2002
  • Patagonia, 2003.
  • Palexco, 2005
  • Juan Rodriguez. Viaje a ninguna parte, 2006
  • All Things Must Pass, 2010.
  • Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI, 2013.
  • LEICA, 2013.

viernes, 14 de diciembre de 2018

Luisa Dörr

Luisa Dörr es una fotógrafa brasileña (nacida en 1988 en Lajeado, vive en Bahía) cuyo trabajo fotográfico se centra en el género del retrato, buscando abordar sus aspectos contemporáneos.

LuisaDorr

Rita Moreno © Luisa Dörr

Biografía

Luisa Dörr quería ser diseñadora de adolescente, pero descubrió la fotografía alrededor de los 22 años. Estudió fotografía en la Universidad Luterana de Brasil en Canoas, Rio Grande do Sul.

Dörr es una colaboradora frecuente de la Folha de Sao Paulo. Sus fotografías se han publicado en CNN, PDN, Wired, Lens Culture, Feature Shoot, El Pais, Gup Magazine, Fisheye Magazine, Vice, Le Figaro, L'oeil de la photographie, TIME, Vogue, Lens Culture, Marie Claire, Vice, entre muchas otras revistas en papel y online.

Su trabajo fotográfico se centra en el género del retrato, buscando abordar sus aspectos contemporáneos. La serie que le ha brindado un mayor reconocimiento es FIRSTS, con 12 portadas para Time, realizadas con un iPhone, de las mujeres que están cambiando el mundo, (o los EEUU).

Ha realizado exposiciones individuales y colectivas en Brasil, Estados Unidos, España, Francia, Portugal, Inglaterra y Rusia. En Brasil, podemos citar las de la Usina do Gasometro (Rio Grande do Sul), Museu Vale (Espírito Santo), Teatro Vila Velha (Bahia), Sebrae Nacional (Distrito Federal), Museu da Cidade do Recife (Pernambuco), Teatro Riachuelo (Rio Grande do Norte), Estação das Docas (Belém), Convento das Mercês (Maranhão), Museu Inimá de Paula y Festival de Fotografia de Juiz de Fora (Minas Gerais), Galeria da Funarte y Festival Internacional de Fotografia de Paraty  (Rio de Janeiro). También ha expuesto su trabajo en la Universitat Politècnica de València y Festival de Fotografia Outono Fotográfico (España) y Emergentes DST – Encontros da Imagem (Portugal).

En 2015, fue seleccionada para el LensCulture Emerging Talent y listada como una de los PDN Emerging Photographer. En 2016 fue seleccionada para la World Press Photo Joop Swart Masterclass, y en 2017, fue nombrada por TIME como uno de los 34 fotoperiodistas a seguir. Formó parte del Programa de Mentores de la agencia VII.

Referencias

jueves, 13 de diciembre de 2018

Danila Tkachenko

Danila Tkachenko es un artista visual ruso (nacido en 1989 en Moscú, donde vive) que trabaja en el campo de la fotografía documental. El tema principal de su obra es la identidad, el aislamiento.

© Danila Tkachenko

© Danila Tkachenko

Biografía

Danila Tkachenko se aficionó a la fotografía por accidente, porque su compañero de piso practicaba la fotografía. Luego se licenció en fotografía documental en la Escuela de Fotografía y Multimedia Rodchenko en 2014.

Al explorar la identidad humana y el impacto de la globalización, la historia se ha convertido en su tema favorito y explora el aislamiento, la indigencia y la identidad humana a través de sus imágenes.

En su primer proyecto La edad de transición, se interesó en la transformación de la identidad de un adolescente: el niño se convierte en adulto. En su siguiente proyecto Escape, el enfoque cambió a la oposición entre el individuo y la sociedad, investigando la experiencia de las personas que se han retirado de la sociedad rusa o ucraniana para vivir como ermitaños en la naturaleza. En 2014 ganó un primer premio World Press Photo en la categoría Historias de retratos organizados por esta serie.

Su serie Restricted areas, que documenta las ciudades militares secretas y otros elementos abandonados en la inmensidad de Rusia, ganó el European Publishers Award for Photography en 2015.

Posteriormente ha desarrollado las series Lost Horizon, retomando el tema de la utopía de construir un mundo ideal, en clave baja en contraposición con la clave alta de Restricted areas,  Motherland, un proyecto memorial, sobre las construcciones y aldeas muertas (en llamas) y Monuments, donde trata las fronteras de la memoria, mezclando construcciones históricas abandonadas con figuras geométricas modernas.

Su obra ha sido expuesta en solitario en Ciudad de México, Poznan en Polonia, Berlín, Taiwán, Roma, Moscú, Ginebra, Viena, Portland en EEUU, Arlés, Atenas … y forma parte de la colección permanente del Salsali Private Museum.

Ha ganado el premio de series en Lensculture Exposure  y el 30 under 30 de Magnum photos, ambos en 2015, y también ha sido finalista en el Leica Oskar Barnack y en otros premios.

Referencias

    Libros

    miércoles, 12 de diciembre de 2018

    Neus Solà

    Neus Solà es una fotógrafa documental (nacida en 1984 en Barcelona, donde vive) cuyo trabajo se centra en temas de identidad, género y territorio desde una perspectiva antropológica.

    © Neus Solà

    © Neus Solà

    Biografía

    Neus Solà empezó con la fotografía en su adolescencia: con 15 años sus padres le regalaron su primera réflex, una Minolta X370 que le ha acompañado a todas partes. Neus se formó en Humanidades (UPF) y Bellas Artes (Universitat de Barcelona), y realizó un master en Antropología Visual, completando sus estudios con varios cursos y talleres de fotografía, video y edición.

    Personalmente escoge temas que le hagan salir de su zona de confort, que supongan un reto personal. Cada proyecto debe hacerle tambalear y cuestionarse sus valores adquiridos. Comprometida con los derechos sociales, ha trabajado como fotoperiodista y realizadora audiovisual para distintas ONGs y proyectos documentales. Ha fotografiado realidades sociales en lugares muy diversos y en contextos muy distintos, pero en todos ellos trata de dar voz a los colectivos más desfavorecidos y de resaltar pequeñas historias individuales que tras pasar ante su cámara, convierte en grandes ejemplos de vida.

    Un ejemplo es la serie que realizó acerca de Amparito de Granada, una de las más excéntricas y folclóricas reinas de la escena de Barcelona, del mítico cabaret El molino. En los Balcanes desarrolló en 2012 su serie The Balkan Song. En Poupées encontramos una reflexión austera y directa, realista y desprejuiciada, sobre las formas de vida de las niñas del barrio de La Cité en Perpiñán, sumido en la pobreza. Solà las ha fotografiado en instantes diversos de su vida cotidiana, en momentos familiares y de juego, con el fin de penetrar en su identidad presente y en la influencia que sus formas de vida actuales tendrán en su futuro.

    Esta serie le ha valido la Beca Nuevos Talentos que conceden los Encuentros Fotográficos de Gijón, ser seleccionada en la sección Descubrimientos de PHotoEspaña y en Viphoto Photo Fair 2016, y ser premiada internacionalmente en el Festival Manifesto francés y en el International Women Photographers Award que se concede en los Emiratos Árabes.

    Actualmente sigue trabajando en su proyecto Nirvan sobre la comunidad hijra (o tercer género) de la India, iniciado hace tres años.

       

            

    Referencias