martes, 18 de febrero de 2020

Juan Di Sandro

Juan Di Sandro fue un fotógrafo ítalo-argentino (nacido el 22 de marzo de 1898 en Colli a Volturno, Italia, fallecido el 22 de junio de 1988 en Buenos Aires, Argentina) que ocupa un lugar destacado en la historia de la fotografía en Argentina por su labor foto periodística, trabajando más de 60 años como fotógrafo en el diario La Nación, registrando los acontecimientos históricos más importantes del siglo XX en su país.


Juan Di Sandro
Juan Di Sandro



Biografía

Juan Di Sandro nació en Colli a Volturno, una ciudad de la región de los Abruzzos, en el centro de Italia. Su familia emigró y se instaló en Buenos Aires cuando él tenía doce años. Enseguida entró de aprendiz de fotógrafo con Nazareno Palestrini, jefe de fotografía del diario La Nación, llevándole la cámara y el trípode a quién sería su primer maestro.  Con 15 años se incorporó a este periódico donde estuvo trabajando hasta 1976.

Aunque sus primeros trabajos se relacionaban con la fotografía industrial y algunos trabajos de publicitaria, poco a poco amplío su temática y mostró su buen trabajo en diversos acontecimientos como la llegada del Plus Ultra en 1926, la del Zepelín en 1934, el incendio de la tienda de El Coloso en 1937, acontecimientos deportivos de relieve, la inauguración del Obelisco o el fallecimiento de Eva Perón. Dirigió su cámara a los más diversos puntos del país, en los que retrató a su gente, sus dramas y sus alegrías, experimentado con las luces nocturnas y empleando ángulos de cámara poco usuales.

Su trabajo periodístico se considera influido por Henri Cartier-Bresson al considerar de gran importancia el instante decisivo en la toma de la fotografía.​ También le gustaba la experimentación y la toma de fotografías nocturnas. La cámara fotográfica que utilizaba con mayor frecuencia era una Spido Gaumont de formato medio y parece ser que no utilizó cámaras de formato de 35 mm., prefiriendo siempre equipos de formato grande que, si bien eran pesados para la movilidad exigida por su profesión, le otorgaban una mejor definición y calidad técnica. Capturar el instante decisivo con estos equipos requerían de un conocimiento profundo del equipo y sus posibilidades técnicas. Solía cargar además una escalera portátil con la que fotografiaba desde puntos de vista elevados, lo que se convirtió en una característica de su obra. Realizó también numerosas fotografías desde el aire.

También realizó fotografías para concursos y certámenes, y así en 1942 participó en el Primer salón de fotografía periodística. En 1943 expuso en el Foto Club Argentino, al que pertenecía, y a mitad de los cincuenta participó en el grupo Carpeta de los diez que fue un foro que dio lugar al proceso de modernización de la fotografía local y en el que participaron Annemarie Heinrich, Anatole Saderman, George Friedman  y otros grandes fotógrafos argentinos

Ambos mundos, el fotoperiodismo y la fotografía artística se fundieron en su ámbito de trabajo en La Nación que le brindó un sinfín de recursos que potenciaron esas búsquedas y ampliaron su horizonte de posibilidades con la cámara: acceso a aviones para registrar vistas aéreas, laboratorio completo y de uso ilimitado, hasta un viaje a Europa para retratar las ciudades del viejo continente a través de su mirada. Sus fotografías ocuparon principalmente las páginas del Huecograbado, suplemento dominical donde, a diferencia del resto del diario, la imagen impresa tenía un mayor protagonismo. Y allí Di Sandro pudo publicar relatos urbanísticos, ensayos de viaje y registros de acontecimientos históricos a nivel nacional, con una gran calidad fotográfica.

La puesta en valor actual de la fotografía argentina, especialmente la de los componentes de La Carpeta de los diez, ha permitido retomar el valor de su obra con algunas exposiciones, como la grupal Mundo propio - Fotografía moderna argentina, y posteriormente en solitario sobre la obra de Di Sandro en Galería Vasari.


Referencias



Libros

  • Fotógrafos Argentinos del Siglo XX, 1982.




domingo, 16 de febrero de 2020

Sıtkı Kösemen

Sıtkı Kösemen es un arquitecto y fotógrafo turco (nacido en 1955 en Esmirna, vive y trabaja en Estambul) que, desde 1981, ha estado compaginando su trabajo arquitectónico centrado en proyectos de vivienda con trabajos de fotografía independientes.


© Sıtkı Kösemen

Una de nuestras necesidades más profundas es la conciencia del sentido de identidad y pertenencia. Un denominador común en esto es el apego humano al paisaje y también cómo representamos la identidad en un lugar o un espacio. Paisaje, por lo tanto, no es simplemente lo que vemos, sino una forma de ver.



Biografía

Sıtkı Kösemen se graduó de la Facultad de Arquitectura de la Universidad Técnica de Oriente Medio (METU) en 1978. Expuso sus obras en 1977 por primera vez. Vivió en Londres de 1979 a 1981. Desde 1981, ha estado realizando servicios de fotografía independiente simultáneamente con su trabajo arquitectónico centrado en proyectos de vivienda.

Su obra ha sido expuesta en Turquía y Estambul en lugares como Sanatorium Gallery, Kuad Gallery, Galerist, Istanbul Modern, Siyah Beyaz Gallery, Istanbul Art8 Contemporary Art Center y el Instituto Cultural Francés. Sus fotografías también han sido expuestas en instituciones internacionales de toda Europa, incluyendo Rivington Place Autograph APB y Saatchi Gallery en Londres, Louisiana Museum en Copenhague, Leica Gallery en Solms, Alemania o Foto Europa en Regio Emilia, Italia.

Sus publicaciones incluyen 6 proyectos de diario fotográfico, 2 proyectos de colección de postales y 13 libros de proyectos de fotografía. Fue uno de los 12 artistas incluidos en el Leica Diary 2002.

Trabaja en vivienda, arquitectura y desarrollo de proyectos con Plan Co. Inc. y con Plan Creative Ltd. para proyectos de diseño, fotografía y video. Sus proyectos de videoarte incluyen Portraits of Turkey (1998), Europeans (1999), Midyat (2000), Inspiration (2002), Pervari (2003), I am Listening to Istanbul with My Eyes Closed (2005), Ice Cream, They Scream (2009).


Referencias



Libros

  • The Golden Horn 1993. 1994.
  • Essays on the Bosphorus – Istanbul. 2000.
  • The 2000 Book. 1999.
  • I Pera. 2002.
  • Bodrum Deep. 2003.
  • Postcards from Pera.
  • Diaries of Women.
  • Günlükler / Diaries.
  • Istanbul; Defining Views.
  • Today is Today.
  • Open Door – Best Wishes
  • Invisible.
  • Landscape Defines Identity.
  • Sanctuary City – Interiors of Istanbul.

viernes, 14 de febrero de 2020

Kryn Taconis

Kryn Taconis fue un cámara y fotógrafo holandés/canadiense (nacido el 7 de mayo 1918 en Rotterdam, fallecido el 12 de julio de 1979  en Toronto, Canadá) que fue el primer holandés que llegó a ser miembro de la Agencia Magnum. En los años 60 y 70 se convirtió en uno de los fotoperiodistas más importantes de Canadá, conocido por su integridad y compasión.


Beschieting op de Dam, 7 mei 1945

Beschieting op de Dam, 7 mei 1945
 

La obra de Taconis (dentro del Ondergedoken Camera) se centró en el impacto y consecuencias de la ocupación para la gente normal, su hambre y frío, principalmente en el invierno del hambre de 1944-45, más que en las actividades de los nazis, aunque estuvo presente y documentó la masacre de la plaza del Dam, cuando se celebraba el día de la liberación de Ámsterdam por los canadienses.


Biografía

Krijn Hendrik Taconis fue hijo de un importador de frutas y perdió a su madre con corta edad. Estudió en una escuela Montessori, lo que fue sin duda importante para desarrollar la mirada independiente que fue una constante en su vida. Se interesó por el cine de vanguardia, influenciado por el expresionismo, cubismo, … dadaísmo y la Escuela de Bauhaus, con gran influencia de Alemania. Vivió y trabajó en los Estados Unidos antes de la Segunda Guerra Mundial.
 
Fue como fabricante de documentos falsos para la resistencia holandesa que hizo sus primeras fotografías, siendo su profesor Paul Guermontez asesinado por los alemanes. Taconis también se dedicó a proporcionar documentos falsos a los pilotos aliados derribados y, a llevarlos a través de Francia a Inglaterra, pero tuvo que dejarlo por peligroso.
 
Trabajó para la Ondergedoken Camera (Cámara oculta), el grupo de fotógrafos holandeses que documentaron clandestinamente la ocupación alemana, siendo  detenido en 1943 con sus dos amigos, Ad Windig y Carel Blazer, aunque serían puestos en libertad final y milagrosamente. En noviembre de 1945 Taconis hizo para la revista Elsevier una serie de fotos sobre la posguerra en Limburgo y trabajó después de la guerra para Algemeen Nederlandsch Fotobureau (Aneto).
 
En 1950 fue admitido en una recién creada Magnum pero, en 1950 se separó de ellos por no publicar sus reportajes de la Guerra de Argelia en Francia, realizados en 1957 fotografiando durante 2 semanas las actividades del FLN (Frente de Liberación Nacional). Viajó por toda Europa, Oriente Medio, África y Australia, y su trabajo apareció en las grandes revistas gráficas del momento, incluyendo Life y Paris-Match.
 
En 1959 Taconis y su esposa se trasladaron a Toronto, donde se cambió el nombre a Kryn y comenzó a trabajar como freelance para publicaciones tales como el Star Weekly y estuvo en la National Film Board 3 años. Entre su obra canadiense más conocida se encuentra un ensayo fotográfico de las comunidades huteritas en occidente. Éstos son una  rama comunal de los anabaptistas que, como los amish y los menonitas trazan sus raíces en la Reforma radical del siglo XVI. Taconis también trabajó en Corea, Haití, Marcinelle (Charleroi) y Toronto.


Referencias




Libros

  • The Hutterites in North America: Case Studies in Cultural Anthropology series, 1967.
  • Kryn Taconis – Photojournalist, 1989.
  • Building Liberty: Canada and World Peace, 1945-2005, 2005.

miércoles, 12 de febrero de 2020

Steve Schapiro

Steve Schapiro es un fotógrafo estadounidense (nacido en 1934 en Brooklyn, vive en Chicago, Illinois) que capturó momentos clave en la historia moderna de los Estados Unidos, demostrando una verdadera conciencia social y humanista. Está considerado como uno de los grandes nombres del fotoperiodismo.


Martin Luther King, Jr. and the Flag © Steve Schapiro
Martin Luther King, Jr. and the Flag © Steve Schapiro


Esta icónica fotografía fue realizada en Montgomery, Alabama, en 1965, por el fotógrafo Steve Schapiro cuando cubría la Marcha Selma de Martin Luther King. Es una de las muchas fotografías históricas reproducidas en su monografía retrospectiva Then and Now.


Biografía

Steve Schapiro descubrió la fotografía a la edad de nueve años en un campamento de verano. Emocionado por el potencial de la cámara, pasó las siguientes décadas merodeando por las calles de su nueva York natal tratando de emular el trabajo del fotógrafo francés Henri Cartier Bresson. Estudió con el fotoperiodista W. Eugene Smith que le enseñó las habilidades técnicas necesarias para su profesión, pero también le trasmitió su perspectiva y visión del mundo, dejándole un poso de humanismo que ha influido en toda su carrera.

Desde 1961, ha trabajado como fotoperiodista independiente y sus fotografías han aparecido en las páginas y portadas de las revistas más importantes como Life, Look, Time, Newsweek, Rolling Stone, Vanity Fair, Sports Illustrated, People y Paris Match. Durante la década de los 60, la llamada "edad de oro del fotoperiodismo" en Estados Unidos, Schapiro produjo foto-ensayos sobre temas tan variados como la adición a los narcóticos, la Pascua en Harlem, Apollo Theater, Haight-Ashbury, protestas políticas, la campaña presidencial de Robert Kennedy, …. Una historia particularmente conmovedora que realizó sobre las vidas de los trabajadores migrantes en Arkansas, producida en 1961 para Jubilee y recogida por el New York Times Magazine, consiguió la instalación de electricidad en sus campamentos gracias a su publicación.

Activista y documentalista, cubrió muchas historias relacionadas con el movimiento de derechos civiles, incluyendo la Marcha por Washington por el Empleo y la Libertad, el impulso para el registro de votantes y la marcha de Selma a Montgomery. Llamado por Life a Memphis después del asesinato de Martin Luther King Jr., Schapiro produjo algunas de las imágenes más icónicas de ese trágico suceso.

En la década de los 70, cuando las revistas gráficas como Life decayeron, Schapiro se cambió a la industria del cine, produciendo materiales publicitarios, artículos de publicidad y carteles para películas tan variadas como el Padrino, The Way We Were, Taxi Driver, Midnight Cowboy, Rambo, Risky Business y Billy Madison. También colaboró en proyectos con músicos como Barbra Streisand y David Bowie, para portadas de discos y otros temas relacionados.

La exposición de 1969 Harlem on my Mind  del Museo Metropolitano de Arte incluyó varias de sus imágenes y desde entonces las fotografías de Schapiro han aparecido en numerosas exposiciones en grupo o en solitario en museos y galerías de todo el mundo y ha tenido grandes exposiciones retrospectivas de museos en Estados Unidos, España, Rusia y Alemania.

Su obra forma parte de numerosas colecciones privadas y públicas, incluyendo el Smithsonian Museum, High Museum of Art de Atlanta, New York Metropolitan Museum y el Getty Museum en Los Angeles. Recientemente ha recibido el premio James Joyce y beca del University College de Dublín.

Schapiro sigue trabajando el documental, con series recientes sobre India, festivales de música y Black Lives Matter. A partir de 2000 ha publicado una decena de libros con sus fotos con temas tan variados como retratos de figuras icónicas, películas, artistas, músicos, discapacitados y lucha por los derechos civiles.



Referencias




Libros

  • Steve Schapiro: American Edge, 2000.
  • Schapiro’s Heroes, 2007.
  • The Godfather Family Album, 2010.
  • Steve Schapiro: Then and Now, 2012.
  • Taxi Driver, 2013.
  • Barbra Streisand by Steve Schapiro and Lawrence Schiller, 2014.
  • Bliss: Transformational Festivals & the Neo Hippie, 2015.
  • Misericordia: Together We Celebrate, 2016.
  • Bowie, 2016.
  • Misericordia: Together We Celebrate, 2016.
  • Ali, 2017.
  • The Fire Next Time, 2019.

lunes, 10 de febrero de 2020

Joost Guntenaar

Joost Guntenaar fue un fotógrafo holandés (nacido el 5 de noviembre de 1944, fallecido el 10 de enero de 2017) cuya obra es principalmente documental sobre naturaleza, realizando reportajes fotográficos en África Occidental y en Lejano y Medio Oriente.

Visserij Nederland  1981 © Joost Guntenaar
Visserij Nederland  1981 © Joost Guntenaar


La expansión de la pesca desde los años sesenta significó: menos pescadores, barcos más grandes, capturas mayores por barco y equipos técnicos ultramodernos. La industria en su conjunto apenas ha crecido desde los 80, pues la Unión Europea estableció una cuota de pesca para evitar la sobrepesca.
Joost Guntenaar documentó la cambiante industria pesquera, así como los restos de las pequeñas empresas pesqueras. Su proyecto tocó los temas de la  pesca en alta mar, la pesca interior y el proceso que lleva el pescado al consumidor a través de la subasta de pescado y a través de la venta directa al cliente.


Biografía

Joost Guntenaar era hijo del escultor Ben Guntenaar y de la artista Elisabeth (Lies) Guntenaar-Koppers. Aprendió la profesión del conocido fotógrafo holandés de posguerra Ad Windig hacia 1963. Ese mismo año realizó la travesía desde Bretaña a Dakar, Senegal, en un barco de pesca atunero y viajó durante seis meses por varios países de Africa Occidental con su cámara. Esa serie de fotos fue publicada finalmente en forma de libro en 2015 (Africa Occidental 1963). Entre 1965 y 2011 viajó con su cámara por Oriente Medio (Líbano, Siria, Jordania), Europa (España, Polonia), Mauritania, América del Norte, Central y del Sur, Alto Volta, Bangladesh, India, Sri Lanka, Nepal, Camboya, Omán, China y Surinam.

Muchas de sus fotografías se publicaronn en Time Life, Frankfurter Allgemeine, Der Stern, The Times, The Daily Mirror y diversos periódicos y revistas holandeses. Sus fotos se han mostrado en exposiciones en Bruselas, Hamburgo y Ámsterdam, en el Tropenmuseum en 1979 su trabajo sobre China junto con John Kleinen y en el Rijksmuseum en 1982 con la exposición Scale-up in agriculture and fisheries donde retrataba los cambios en la pesca, así como en las pequeñas empresas pesqueras.

Guntenaar obtuvo varios premios por su trabajo, incluyendo el Beograd Biennale Award en 1985 por su serie en el sur de África. Por esa misma serie fotográfica consiguió el Premio de la ONU para la Paz en Nueva York y Moscú. Su obra forma parte de prestigiosas colecciones como las del Rijksmuseum, Rijksprentenkabinet y la Galería Keith de Lellis en Nueva York.

Fotógrafo freelance, principalmente conocido por sus reportajes fotográficos de África Occidental y del Lejano y Medio Oriente y por su reportaje de los cambios en la pesca en los Países Bajos, ha tocado también diversos temas, como, en 1983 cuando realizó hizo un libro de fotos de latas de Cola-Cola trituradas, encargo de la imprenta Rosbeek. A partir de 2009 Guntenaar también utilizó la fotografía time-lapse para realizar videos, capturando parte de la renovación  del Rijksmuseum (2010-2014), documentando diversos cambios arquitectónicos en su país y la reserva natural de Wijde Blik en Kortenhoef (2011). También realizó panorámicas 360º.



Referencias



Libros

sábado, 8 de febrero de 2020

Debiprasad Mukherjee

Debiprasad Mukherjee es un fotógrafo indio (vive en Calcuta) que cree firmemente que, como fotógrafo documental y narrador visual, es su responsabilidad mostrar los cambios sociales y su impacto en la raza humana. Por ello, está comprometido en utilizar la fotografía como la herramienta más poderosa para capturar los comportamientos sociales en todo el mundo a lo largo de los años.


© Debiprasad Mukherjee
© Debiprasad Mukherjee





Biografía

Debiprasad Mukherjee se graduó en Ingeniería Eléctrica y completó su post-graduación en Administración de Empresas. Aunque es consultor de profesión, su fuerte pasión por la fotografía documental y el fotoperiodismo le han hecho viajar por varios países como su propio país, India, y Australia, Indonesia, Francia, España, China, Singapur, Tailandia, Emiratos, Reino Unido, Irak, Qatar, Bangladesh, Malasia y Estados Unidos.

Cree firmemente en el poder de la fotografía para cambiar la perspectiva de las personas hacia los cambios sociales y los problemas. Su experiencia en negocios y economía le ha ayudado a entender la relación desigual entre la tecnología y la humanidad y su impacto en los conflictos sociales y financieros.

Es por eso que, mientras fotografía, Debi siempre se pregunta qué cambios pueden traer sus fotos a la vida de sus "sujetos" sufriendo en los rincones más oscuros del mundo. Como ejemplos de su trabajo documental podemos citar sus reportajes sobre la vida de los niños en las estaciones ferroviarias de la India y sobre niños sordomudos, que plasmó en su libro The Sound of Silence.

Su misión fotográfica no es sólo representar temas sociales, políticos y financieros y conflictos, sino también retratar la belleza surrealista y el poder perdurable del espíritu humano. Esto le ha permitido obtener con su fotografía numerosos premios y mostrarla en numerosas exposiciones a nivel mundial de tipo artístico o documental como, por ejemplo, la Exposición Internacional de Arte y Fotografía en Alliance Francoise, Indo-French Cultural Center en Nueva Delhi, Slovenia International Photographic Exhibition, Plovdiv International Photo Festival en Bulgaria, The Search for Economic Justice Exhibition en University of Wisconsin La Crosse Murphy library, PONDY-ART 2016 – DRIVING FORCE Photography Exhibition en  Pondicherry, Photo Life – Art Hub Exposición Anual en Calcuta, India, Festival de La Foto de Primavera en Bardaf, Eslovaquia, etc.

Sus fotografías han sido publicadas en muchas revistas/sitios web internacionales, por ejemplo Vogue Italia, National Geographic, F-Stop (EEUU), Fotoforum (Alemania), Rammajamma Images (Australia), Society of International Travel & Tourism Photographers (Reino Unido), The Telegraph, Life Force Magazine (Reino Unido), Dodho Magazine (España), Positive Magazine (Alemania), Social Documentary Network, Private Photo Review, ViewFind (EEUU), Edge of Humanity, Monovision, …

Actualmente está asociado con Zuma Press.Inc como fotógrafo en plantilla. También colabora en Getty Images, EyeEm y Alamy y está asociado con diversas ONGs como Consortium for Street Children (Reino Unido), Child in Need Institute (Reino Unido / IND), InterAction (EEUU). Es también organizador del Festival Internacional de Fotografía de Calcuta y representó a Capgemini en la Cumbre Mundial del Clima de Madrid 2019 como Embajador Global del Carbono.


Referencias



Libros

jueves, 6 de febrero de 2020

Jesus Coll

Jesus Coll es un fotógrafo catalán (nacido en 1957 en Mataró, provincia de Barcelona) que en sus trabajos toca diferentes temas, pero siempre con la intención de crear belleza y de que sus fotografías sean en ByN, realistas, puristas y rabiosamente enfocadas, para emocionar o  incentivar sentimientos personales del que las observe.


Stormy Times (One Way)© Jesus Coll
Stormy Times (One Way)© Jesus Coll



Biografía

Jesus Coll se interesó en la fotografía desde niño, observando el empeño que ponía su padre en retratar a la familia, con esa cosa de fuelle plegable, llamada cámara y, enseguida comenzó a revelar sus propios negativos y a positivar copias en un club local, Unió Excursionista de Mataró. Pero en esa asociación, sus socios más destacados eran reticentes a explicar demasiado su flujo de trabajo, su técnica y los materiales que utilizaban para llegar a ese buen resultado.

Jesús, un joven con hambre de aprender, frustrado por tanto secretismo y por el uso de la competición en la fotografía (en la que también entró inicialmente, consiguiendo diversos premios) tuvo que recorrer un largo camino (no había entonces internet) hasta que halló la información necesaria para ser capaz de producir una fineprint (copia de calidad o copia expresiva, como él la llama). Adquirió muchísimas revistas, especialmente extranjeras, para aprender a leer las imágenes que se realizaban fuera de esa España, todavía gris en sus últimos años de franquismo.

Finalmente en 1985, pudo realizar el viaje de sus sueños y visitar California y The Ansel Adams Gallery en Yosemite, lo que le provocó un fuerte impacto. Por primera vez pudo ver lo que era una fineprint, así como dar sus primeros pasos en el sistema de zonas. Su primera experiencia, fotografiando el oeste americano con una cámara monorraíl, extremadamente pesada, fue extraordinaria,  encontrándose con colegas abiertos y comunicativos, muy distintos de los que se había encontrado aquí.

Coll es un fotógrafo todo terreno, con múltiples intereses y diversas habilidades que le permiten desenvolverse en disciplinas varias: paisaje (incluso en color), marinas, arquitectura, retrato, desnudo, erótica, documental, … Ha publicado en Cambridge University Press,  Condé Nast,  Cosmopolitan, eComm,  Magazine La Vanguardia, Microsoft, Paisajes (revista corporativa de RENFE), … Ha expuesto su trabajo en Susan Spiritus Gallery, Costa Mesa, California, en 1995, Saló de Sexe en Català en Manresa, Barcelona, en 2006, San Francisco Erotic Art Exhibition en 2011, On The Edge II en San Francisco, California, en 2011, Aixó No És Tot en el Ajuntament Vell de Calella, Barcelona, en 2015 y próximamente Xpresssions en el Festimage de Calella. Su obra forma parte de colecciones públicas y privadas en EEUU, Hong Kong, Alemania y España.

Reside en una tranquila población cercana a Barcelona. Alterna su trabajo personal, mayormente en ByN positivando él mismo sus trabajos, con la fotografía en color de stock representada por agefotostock y alamy.com, los encargos de viajes, moda, fotografía comercial y la impresión fineart en su empresa GraficArtPrints. También ha dado charlas sobre el sistema de zonas y realizado talleres de fine printing en la Universitat Politècnica de Catalunya.



Referencias



Libros





martes, 4 de febrero de 2020

Cengiz Akduman

Cengiz Akduman es un fotógrafo turco (nacido en 1952 en Estambul) que ha trabajado como profesional desde 1984, que ha plasmado en su obra desde los rostros y rincones ocultos de Anatolia hasta las calles de La Habana, siempre con imágenes potentes  y significativas.

© Cengiz Akduman
© Cengiz Akduman


A principios de los 80, conocí la fotografía panorámica. Aunque al principio no la trabajé mucho, cuando vi el libro Panoramic Prague del fotógrafo checo Josef Sudek, me di cuenta de que tenía una cámara muy funcional y ya no se ha apartado de mi bolsa en mis sesiones de fotos desde los años 90 hasta el presente.

Aunque mis fotografías panorámicas habían sido incluidas en varios proyectos antes, estoy feliz de desarrollar un proyecto más amplio que consiste en fotografías panorámicas realizadas en Turquía bajo el nombre de Panatolá.


Biografía

Cengiz Akduman desarrolló su interés por la fotografía en 1974, durante sus años de estudiante universitario en la Academia de Economía y Ciencias Comerciales de Estambul y ha estado realizando fotografía desde 1984 como fotógrafo freelance en su propio estudio.

Su fotografía siempre trata sobre la gente, influenciado inicialmente por la generación 70-80 y su fotografía del realismo social, pero quería que sus fotos fueran algo más fáciles de ver, más estéticamente motivadas, aunque también sobre historias humanas. También ha realizado fotografía de naturaleza y minimalista, como en su exposición Insan Siz, donde no aparece persona alguna, pero su tema personal es la humanidad.

Su obra se ha expuesto en más de 20 exposiciones personales en diversas ciudades de Turquía, así como en Mönchengaldbach (Alemania), Plovdiv (Bulgaria), Praga (República Checa), Varsovia (Polonia) y Boston (EEUU), y en más de 100 exposiciones internacionales en grupo, entre las que podemos citar Celebration of Turkish Photography en la Martin's Gallery de Londres, Bizden Görünenler, Cityrama, Dünden Sonra and İnsan İnsanı Çeker en el Museo de Artes Modernas de Estambul, Kolleksiyion y Devrimin 50. Yalánda Havana en la Galería Leica de Estambul, Istanbul Modern – Bahreyn en el Museo Nacional de Bahréin.

Ha obtenido numerosos premios en Turquía y en competiciones internacionales. Su obra forma parte de prestigiosas colecciones y siete de sus fotos se conservan en la colección de İstanbul Modern.
Además de sus 6 libros publicados, su fotografía ha aparecido también en los libros Painter Ali İsmail Türemen (1996), Painter Adnan Varınca (2000), Bir Kültürün Dokunuşu (2005)y en los proyectos Kültürler Parkı Urfa y Diyarbakır Surları del arquitecto Mehmet Alper. 

Entre 1988 y 1993, enseñó Fotografía Publicitaria en la Facultad de Artes de la Comunicación de la Universidad de Anadolu, Eskisehir. Actualmente enseña Fotografía Básica y Fotografía Publicitaria en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Mula.


Referencias



Libros

  • Anlar ve Anılar (Momentos y Memorias), 1999.
  • Yüzyıllık Kapılar (Puertas centenarias), 2012.
  • Bir Kurtuluş Öyküsü/Türk Pasaportu (Historia de un rescate/Pasaporte turco), 2013.
  • Fotoğrafta 40 Yıl  (40 años en la fotografía), 2015.
  • Doğu’da Dört Mevsim (Cuatro estaciones en el este), 2016.
  • Panatolia, 2019.



domingo, 2 de febrero de 2020

Carlos Moreira

Carlos Moreira es un profesor y fotógrafo brasileño (nacido en 1936 en São Paulo) que ha estado fotografiando la ciudad de São Paulo durante más de 50 años, con una mirada única sobre ella. Su relación con esta ciudad a través de su Leica nos permite vivirla a ella, a sus habitantes, sus espacios y su vida que, junto con la suya, han cambiado tanto en estos años.


© Carlos Moreira
© Carlos Moreira


Cuando miré esta foto en ese momento, comprendí que el mundo que fotografié hasta entonces estaba en declive, que algo se había roto. La pureza del enfoque de Cartier-Bresson, que me había inspirado fundamentalmente hasta entonces, necesitaba nuevos elementos. Era necesario cambiar.



Biografía

Carlos Antonio Moreira, tras comenzar varios estudios y viajar a EEUU, volvió a su Brasil natal y se licenció en 1964 en Economía por la Fundación Escuela de Comercio (Fecap), pero nunca llegó a dedicarse a esta profesión, dedicándose a la fotografía ya en el año de su graduación.

Desde entonces se ha dedicado a la fotografía de la expresión personal, desarrollando un estilo caracterizado por una composición depurada y elegante, que ha aplicado a temas urbanos, como la ciudad de São Paulo, que ha estado fotografiándola durante más de 50 años, o una visión más íntima, desarrollada en naturalezas muertas y escenas interiores. 

Sus imágenes en blanco y negro de las décadas de los 60 y 70 muestran a un fotógrafo preocupado por la geometría, la simplicidad, el ritmo y la precisión, características de un temperamento clásico del artista, que tendría en Henri Cartier-Bresson (y su instinto de proporción áurea) la máxima referencia en la fotografía. En esta etapa, Moreira, equipado con su cámara de película de 35 mm, buscaba reducir los estímulos de imágenes en composiciones sintéticas, con relaciones geométricas.

A partir de la segunda mitad de los 70 su trabajo rompió con los preceptos clásicos renegando de Cartier-Bresson y, poco después, en los 80 desarrolló una alergia a los hiposulfitos del laboratorio, pasando al color y siendo Regina Martins quien positivara sus copias de trabajos previos. Sus últimos proyectos, desde 2000, son en digital.

También se dedicó intensamente a la enseñanza de la fotografía, siendo profesor en la Escuela de Comunicación y Artes de la Universidad de São Paulo (ECA/USP) en dos períodos distintos: de 1971 a 1974 y de 1979 a 1990, y la creación (en asociación con Regina Martins) de la M2 Studio School of Photography en 1990 formando varias generaciones de fotógrafos y profesores de fotografía.

Moreira ha realizado diversas exposiciones individuales, en museos como la PS1 en Nueva York y el Pompidou en París, culminadas con Carlos Moreira: retrospectiva - WRONG SO WELL en el Centro Cultural Porto Seguro en 2019, con casi 400 fotografías extraídas entre sus más de 80.000 negativos en monocromo, 150.000 en color y otras tantas imágenes digitales.

Fue galardonado con la beca Vitae Arts Foundation en 1994. El libro Carlos Moreira - São Paulo reúne un extenso ensayo fotográfico de 50 años sobre la ciudad de São Paulo, y fue nominado para el Premio Jabuti 2015 en la categoría de Artes y Fotografía. Su obra forma parte de la Coleção Pirelli/Masp de Fotografias en São Paulo, Centro Georges Pompidou en  Paris y Acervo MAM/RJ en Rio de Janeiro.



Referencias



Libros