sábado, 25 de enero de 2020

Timurtaş Onan

Timurtaş Onan es un fotógrafo turco (nacido en 1956 en Estambul, donde vive) cuya fotografía muestra a las personas que deambulan por la inmortal Estambul desprovistas de su vida cotidiana para fijar una mirada íntima en sus almas. En cada imagen, nos permite sentir las luces y las sombras que capturan las historias de personas y barrios.  Además de su estética visual impecable, sitúa las emociones humanas en el centro mismo de su trabajo.


© Timurtaş Onan
© Timurtaş Onan


Biografía

Timurtas Onan empezó a usar la cámara Kodak Retinette 1-A de 35mm de su padre influenciado por la película Blow Up de Michelangelo Antonioni que vio con 13 años. Empezó a interesarse por lo que estaba pasando a su alrededor mientras el tiempo fluía, y capturar esos momentos reales justo en el momento adecuado se convirtió en una pasión, interesado por las grandes historias de la vida de la gente común.

En los 80 comenzó  a hacer fotografías en blanco y negro, así como a revelar y positivar durante todo el día. Ha trabajado como fotógrafo profesional durante más de 30 años, asistiendo a más de 100 eventos tanto en el país como en el extranjero, participando como jurado en concursos nacionales e internacionales y siendo galardonado con más de 40 premios nacionales e internacionales.

Entre 1990 y 2000 Timurtas vivió y trabajó extensamente en Antalya, estableciendo, organizando y dirigiendo la asociación Antalya: Photography Days (1996). Sus contribuciones a la vida cultural de esta ciudad fueron premiadas por la Asociación de Arte de Antalya en 1998. La gentrificación de esta ciudad y el correspondiente decaimiento cultural de la zona le llevaron de vuelta a Estambul.

Timurtaş está íntimamente ligado con Estambul con todos sus estados de ánimo y todos los momentos. Para él, Estambul tiene abiertas todas las puertas de par en par, revelando sus secretos más profundos. Varias series y libros ha dedicado a su ciudad natal, incluyendo el barrio de Beyoglu.

Ha participado en eventos de arte contemporáneo como Positions and Directions, Triangle, Nekropolis y Cultural Heritage and Contemporary Art con sus proyecciones e instalaciones en colaboración con otros artistas internacionales. En 2007 realizó la exposición Eternal Image con el famoso escultor británico David Cregeen en la galería de la Royal Geographical Society en Londres.

Ha comisariado las exposiciones Junctions of Turkey con las obras de siete fotógrafos turcos, en Rennes, y CoExistencia con la participación de cinco artistas turcos y cinco griegos y estableció la Biblioteca de Fotógrafos Turcos. En 2009 representando a Turquía junto con 7 artistas participó en la exposición Light and Shadows on the Balkans patrocinada por la Fundación Cultural Griega.

En 2010 expuso Beyolu Neo Classic en el Museo de Arte de Dortmund y con el apoyo de Istanbul: Capital of Culture 2010 participó en el proyecto Estambul Un río de cultura con el cortometraje documental y libro Historical Peninsula / Reflection. En 2012 participó en el proyecto conjunto Beyolu parece Mannheim/Mannheim parece Beyolu, con el fotógrafo alemán Horst Hamann. En 2013 su trabajo Estambul. Ciudad de la luz y las sombras se expuso en Luxemburgo.

Ha realizado cortos documentales sobre temas socialmente relevantes, como Street Children, What’s going on in Tarlabaşı, Hayali Tacettin Diker (The Master of Karagöz Shadow Theatre), Kramp, Historical Peninsula/ReflectionsRemembering Gezi.

En la actualidad está llevando a cabo talleres fotográficos, comisariando diversas exposiciones, trabajando en nuevos proyectos fotográficos personales y siempre callejeando Estambul con sus calles estrechas, mercados, bazares, plazas, tugurios, gaviotas, pescadores, porteadores, niños de la calle, ancianos, vapores, pequeños veleros, ….  En el momento de la publicación de este artículo, Onan expone Lost in Cities, en Galeri Art, con 21 fotos elegidas de sus viajes y proyectos en ciudades de Europa, reinterpretándose como flâneur del siglo XXI, un observador de la vida en las urbes modernas.

Referencias



Libros

  • İstanbul against all odds, 2018.
  • Historical Peninsula / Reflection, 2010.
  • İstanbul Blues, 2009.
  • Turkish Photographers Library nº 30, 2007.
  • Nights on Beyoglu, 2006.

jueves, 23 de enero de 2020

Juan Brenner

Juan Brenner es un director artístico y fotógrafo guatemalteco (vive y trabaja en Ciudad de Guatemala) que trabajó en la fotografía de moda en Nueva York 10 años y que realiza proyectos personales en su Guatemala natal.


© Juan Brenner
© Juan Brenner


Después de decidir que Pedro de Alvarado iba a ser la figura principal de mi proyecto, empecé a buscar cadenas de oro y anillos. Tenía la intención de obtener imágenes de eso: necesitaba oro. El oro se hizo muy importante en el proyecto, ya que Alvarado era tan intenso en conseguirlo. Vino aquí por error pensando que había enormes cantidades de oro como en Perú y México; sin embargo, no había ninguno. Entonces, el momento en que rodé el primer retrato de "dientes de oro", ahí es donde mi visión se volvió sólida y entendí cómo tenía que proceder.




Biografía
Juan Brenner supo al final de su adolescencia que quería ser artista, probando de todo: música, escritura, pintura … hasta que, por accidente, cayó una cámara en sus manos y la fotografía le dio una válvula de escape aceptable. Exploró referencias locales en su país, pero no las encontró pues el ecosistema visual de Guatemala no le brindaba lo que su desarrollo como artista requería. Necesitaba conocer el mundo, huir, crear y destruir. Nueva York fue el lugar ideal para esto y vivió allí entre 1998 y 2008, logrando convertirse en un fotógrafo de moda profesional e integrarse en una super-competitiva industria que devora todo lo que toca. Sus imágenes de moda han sido publicadas en revistas internacionales como Nylon, People, Oyster, L'Uomo Vogue y Anthem, entre otras.

Pero la frenética vida de la gran manzana le absorbió y le atrajo hacia su lado más oscuro. Así que decidió volver a casa. Ahora dirige un pequeño estudio de dirección de arte en Ciudad de Guatemala, mientras asume proyectos personales de fotografía y musicales como DJ.

Es miembro fundador de Proyectos Ultravioleta, una plataforma multifacética para la experimentación en el arte contemporáneo, formada en el 2009 y situada en la Ciudad de Guatemala, que se dedica a la producción de exposiciones de arte, proyectos multidisciplinarios, foros de discusión, conciertos recios, happenings, intervenciones en el espacio urbano y formatos de intermediación con otros proyectos locales y externos.

A mediados de 2017 su proyecto MAC (en colaboración con Byron Marmol) fue incluido en el libro CLAP, 15 años de los mejores libros de fotografía latinoamericana publicados por 10X10 Books en Nueva York. Su obra forma parte de colecciones en Bélgica, Japón, Australia, Italia, Estados Unidos, Colombia y Suecia, y sus publicaciones fotográficas (MAC1, MAC 2 y Tetano) forman parte de la biblioteca permanente del MOMA y de la colección TATE.

Ha participado en numerosas exposiciones en grupo como  como Tirana Biennale 1 (2001), Beauty without Irony en Bélgica (2004), Young and Cool en Siren Fine Arts (2005), Maculino/Feminine en CCE Guatemala (2008), UV en Despacio en Costa Rica (2010), Los Padres la Distancia y El Speed de Ultraviolet Projects (2010), Me asusta pero me gusta en Diablo Rosso Panama (2011), X Bienal de Monterrey (2012),  Esto es en Totonicapán (2014), ECO Santos Brasil (2015) y Goncaga en Antithesis Panama (2017).

En su proyecto más actual, Tonatiuh (Dios del sol), realiza un estudio visual en profundidad de la sociedad guatemalteca actual desde la perspectiva del mestizaje y de las consecuencias derivadas de la conquista española, en lo que tiene que ver con la formación de una sociedad compleja, segregada y profundamente afligida. Brenner visitó mas de 50 pueblos en Guatemala siguiendo los pasos del conquistador Pedro de Alvarado, lo que lo acercó a sus raíces ancestrales. Sus imágenes son líricas y están estrechamente enfocadas con simbolismo y metáforas. El libro resultante fue preseleccionado para el Paris Photo/Aperture First Book Prize.

El proyecto tuvo su génesis en 2015. Brenner es un guatemalteco de clase media, que domina el inglés y ha vivido en Nueva York, y que había huido de sus orígenes, su país y la historia de Guatemala hace muchos años. Pero viajando por Perú y Ecuador tuvo atisbos de su poder indígena, su igualdad y unidad que le hicieron poner en perspectiva la realidad y la situación actual de la mayor parte de la población de Guatemala. Después de investigar y dar muchas vueltas a la idea eligió el momento de la conquista española como la idea detonante de su proyecto, y la figura de Pedro de Alvarado como encarnación humana del poder, la sed, la ambición y la actitud despiadada contra el nuevo mundo, comportamientos que todavía afectan a la sociedad guatemalteca 500 años después aquel hecho.


Referencias



Libros

martes, 21 de enero de 2020

Elif Gülen

Elif Gülen es una diseñadora gráfica y fotógrafa turca (nacida en 1974 en Baltimore, Maryland, EEUU, vive en Estambul, Turquía) cuyas imágenes en blanco y negro representan su querida Estambul a través de pequeños momentos y hermosos detalles, a menudo jugando con la luz y las sombras.


© Elif Gülen
© Elif Gülen


Vivo en una ciudad muy hermosa y salvaje, Estambul. Así que deambulo por sus calles y eso es mi escenario. La historia, la cultura y la maravillosa luz crean mi telón de fondo. Lo que se desarrolla allí es mi pasión por capturar.


Biografía

Elif Gülen, hija de turco y estadounidense, nació en Baltimore, pero con 4 años su familia se mudó a Turquía, donde ha vivido la mayor parte de su vida en Estambul. Su padre era aficionado a la fotografía y tenía laboratorio en casa, pero Elif no pensó en ella hasta que estudió diseño gráfico en Turquía, cuando las clases tocaron la fotografía y el video.

Tras su segundo hijo su trabajo como diseñadora gráfica se resintió y decidió algunos años después aprender fotografía. Después trabajó un año como azafata para viajar y ganarse la vida. Fue una experiencia maravillosa, viajando a Cuba, Yemen, China y otros lugares para hacer fotografías. Expuso sus fotografías en blanco y negro de Cuba en el British Council de Ankara.

Sus primeras fotos en Nueva York fueron muy difíciles, asustada por apuntar con la cámaras a personas extrañas, así que hizo un hueco en un libro y colocó allí la cámara haciendo fotos sin encuadrar con el visor. Esta serie dio lugar a una exposición en Nueva York.

Después de terminar su master en fotografía fotografió y filmó la transformación urbana de Galata. En 2011 completó un primer documental mostrando los cambios en un edificio antes y después de su renovación y obteniendo las impresiones de los nuevos propietarios. El documental fue exhibido en el Festival de Cine Turco de Boston y fue finalista. También ha trabajado en un nuevo documental sobre un edificio francés en Vinncenes, París y su propietario de 86 años.

Fue artista seleccionada para el programa de residencia en Belfast gracias al poyo del Digital Art Studios. El trabajó resultante fue exhibido en FotoIstanbul 2015. Ha participado en el proyecto Construyendo vecindades de Jiwar en Barcelona, a través de una investigación sobre las barreras mentales a la movilidad invitando a personas mayores que han vivido toda su vida en la misma casa en el barrio de Gràcia (Barcelona) entrevistándolas, fotografiándolas y escuchando su relato sobre sus propias vidas en relación a su casa, su barrio y su ciudad.

Explorando los límites visuales del iPhone durante los últimos 5 años, ha producido varios proyectos con fotografía con móvil, como es el caso del proyecto titulado Stray que consiste en una búsqueda de la autorepresentación dentro de las diferentes características ciudades y paisajes urbanos.

Elif es miembro del colectivo de fotografía Tiny Collective. En 2015 completó un proyecto fotográfico conjunto de dos años con Markus Andersen llamado Mirrored, expuesto en el Australian Center for Photography de Sídney.


Referencias




Libros

  • Traces of Istanbul: Elif Gülen, 2016.

domingo, 19 de enero de 2020

Naomi White

Naomi White es una eco feminista, educadora, artista visual y fotógrafa estadounidense (nacida el 24 de junio de 1970 en Santa Monica, California, vive y trabaja en Los Angeles) que investiga temas de consumismo y sus secuelas, particularmente a través de materiales plásticos. Centrándose en el poder transformador de la fotografía para afectar el deseo y el cambio, gran parte de su trabajo cuestiona cómo podemos desviar nuestro enfoque del actual modelo racista y capitalista de dominación a uno de equidad y voz colectiva, por el bien de todas las personas, animales y del planeta.

© Naomi White

© Naomi White


Biografía
Naomi White estudió Literatura Inglesa y posteriormente Fotografía en la San Francisco State University. Después realizó un master en Fotografía y Medios Relacionados en la School of Visual Arts en Nueva York, donde pasó varios años. Es copresidenta del departamento de fotografía de la New York Film Academy en Burbank, California.

Con su serie Plastic Currents obtuvo el premio Objects of Desire de la revista PDN y ha expuesto en América del Norte y Europa: Tobey Fine Arts, Christopher Henry Gallery y el Lower Manhattan Cultural Council en Nueva York, GE World Headquarters en Connecticut,  Saatchi Art Gallery en Santa Mónica, Festival Novas Artes Associadas en Barcelos, Portugal, así como en las ferias de arte Scope y Spectrum en Art Basel Miami, y en Photo LA.

Su trabajo ha sido publicado en PDN, The Brooklyn Rail y Uncertain States en el Reino Unido y forma parte de diversas colecciones públicas y privadas.


Referencias



Libros

viernes, 17 de enero de 2020

Anaïs Tiffon

Anaïs Tiffon fue una fotógrafa franco-española (nacida el 18 de marzo de 1831 en Narbona, fallecida el 21 de julio de 1912 en Barcelona) considerada una de las primeras mujeres que hicieron daguerrotipos en España, especializándose también en la confección de tarjetas de visita con fotografías. Junto a su marido fundó la Compañía fotográfica Napoleón, que dio origen a una de las sagas de fotógrafos profesionales más reconocidas en el país, con estudios fotográficos en Barcelona y Madrid.



Anaïs Tiffon

Anaïs Tiffon




Biografía

Anne Tiffon Cassan (Anaïs Napoleón) se trasladó de niña a España con su familia instalándose en Barcelona en 1846. Se casó en 1850 con Antonio Fernández Soriano, un músico militar que había estudiado fotografía en Francia, con el que montó hacia 1853 un pequeño local de fotografía en un segundo piso de la Rambla de Santa Mónica, con el nombre de Fernando y Anaïs ya que Anaïs siempre llamó a su marido Fernando porque no le gustaba el apellido Fernández. Este negocio, en principio una manera de aumentar los ingresos familiares, prosperó de tal manera que Antonio dejó su trabajo de músico militar.

Anaïs, enseñada por su marido, fue una de las primeras mujeres que hicieron daguerrotipos en España, aunque también era especialista en hacer tarjetas de visita con fotografías. El negocio familiar (fotografía de estudio, aunque también se desplazaban para retratar a fallecidos) fue creciendo por la calidad de sus trabajos, renovando el estudio, abriendo varios departamentos y talleres dedicados, entre otros, a la fotografía de niños y de exteriores, que ambientaban con carruajes y caballos, llegando a tener 25 empleados. Cambiaron de nombre comercial varias veces, incluyendo en él Napoleon (el nombre del padre de Anaïs, que tenía un gabinete como pedicuro) que daba más categoría a la firma en una época en que eran comunes los apodos y nombres extranjeros para ejercer ciertas profesiones.

Antonio y Anaïs tuvieron hasta 8 hijos y ella fue dejando la práctica fotográfica que no los negocios para atender a la familia, mientras su hijo mayor, Emilio, se incorporaba a la empresa. Formaron una de las sagas familiares de fotógrafos más importantes de Barcelona, en activo desde 1853 hasta 1968. Al matrimonio les siguieron sus hijos Emilio, Napoleón-Francisco y Napoleón-Fernando, que se ocuparon de las sucursales que la compañía abrió en Barcelona y Madrid, así como sus nietos, Santiago Feliú Fernández y Emilio García Quevedo.

En 1896 abrieron en la Rambla el Cinematógrafo Lumière, inaugurándolo con la presencia de los inventores. Ante el éxito de esta sala, abrieron otra en el Paralelo en 1901, pero abandonaron el negocio del cine en 1908 ante la creciente competencia. Anaïs era muy religiosa y actuaba como censora cortando ella misma las escenas que no quería que se vieran.

En 2011 se celebró la exposición Els Napoleon. Un estudi fotogràfic en el Arxiu Fotogràfic de Barcelona (AFB). El inmenso patrimonio de la firma se encuentra disperso, en el Arxiu Fotogràfic de Barcelona, el Archivo General del Palacio Real en Madrid, y la colección Miquel Nicolau i Puig en Barcelona.



Referencias





Libros

miércoles, 15 de enero de 2020

Ekin Özbiçer

Ekin Özbiçer es una fotógrafa turca (nacida en 1984 en Esmirna, vive y trabaja en Estambul) que utiliza como medios artísticos la fotografía documental y el video.


© Ekin Özbiçer
© Ekin Özbiçer




Biografía

Ekin Özbiçer estudió en la facultad de Bellas Artes de  la Universidad de Mármara en Estambul, y posteriormente, en 2012, en la Escuela de Cine y TV de la Academia de Artes Escénicas (FAMU) de Praga. Ha desarrollado una carrera comercial con éxito en los campos de la fotografía de moda y editorial, que compagina con sus trabajos personales que se focalizan en la intersección entre el realismo social y el surrealismo: la fusión de lo extraño y lo mundano.

Proveniente de una sociedad jerárquica, tradicional y clasista, durante años ha fotografiado a personas y lugares que son definidos y confinados por la estricta tradición que los rodea. Recientemente, su enfoque se ha centrado en aquellos momentos en los que tiene la sensación de que los individuos, incluso por un breve segundo, parecen haber escapado de la realidad compartida de los espacios públicos que habitan.

Documenta las relaciones ordinarias que la gente inicia en lugares públicos como calles, mercados, salones de bodas, hoteles de lujo, pubs, cafés; capturando momentos surrealistas generalmente ignorados. Sus series muestran estos mundos: la Praga que recorrió mientras estaba estudiando allí (Slavia), el choque con los nuevos hechos socioculturales y fenómenos estéticos en su entorno nativo (Auto orientalism), la noche en las zonas de veraneo turcas (The Blue Flag) y los días luminosos en lujosos resorts de vacaciones (Replica) y en todas ellas hay imágenes de personas comunes o no tan corrientes mirando a lo lejos esperando que algo suceda.

Sus fotografías de moda y editoriales han sido publicadas en Elle, Some Men, Marie Claire, Vogue, Hello, QG, Year Zero, etc.


Referencias

lunes, 13 de enero de 2020

Napoleón Habeica

Napoleón Habeica es un artista, director y fotógrafo mexicano (nacido en  Ciudad de México, donde vive) en cuyo trabajo principalmente retrata la sensualidad de la mujer y demuestra que escenarios muy íntimos y minimalistas, pero a la vez cautivadores, pueden ser sus mejores aliados. Los cuerpos femeninos, seductores y misteriosos son recurrentes en su obra.


Paz Vega © Napoleón Habeica
Paz Vega © Napoleón Habeica


Biografía

Napoleón Habeica se interesó desde pequeño por la fotografía por que su padre era también un gran aficionado a ella y le prestaba su cámara en las reuniones familiares. Poco a poco fue desarrollando el estilo que lo caracteriza hoy día y que lo ha posicionado como uno de los fotógrafos freelance mexicanos más versátiles y reconocidos tanto en el ámbito de la moda como en el de la música.

Navegando entre las bellas artes y fotografía de moda durante la mayor parte de su carrera, su trabajo comercial así como el personal tienen un estilo único y atrevido, donde destacan, además de los escenarios minimalistas, el color blanco y la presencia de una gran cantidad de luz, que producen un efecto fascinante. Pero definitivamente, son las modelos femeninas las que captan toda la atención en su trabajo. Sus poses atrevidas y a la vez enigmáticas dotan de un ambiente de sensualidad y misterio cada una de las imágenes.

Ha retratado a celebridades y músicos como  Chloe Sevigny, Paz Vega, Paris Hilton, Ximena Sariñana, Irene Azuela, Kinky, Zoé, Camila Sodi, The Kills, The Horrors, Vampire Weekend, The Raveonettes, Nick Cave, Sky Ferreira, Petite Meller, The Cure y M.I.A. tanto en portadas de álbumes como en retratos. Él mismo es vocalista principal en el grupo HechicerosBand.

En su prolífica carrera, Habeica ha trabajo con marcas como Nike, Casio, Diesel, Motorola, MTV, entre otras muchas importantes marcas. Con American Apparel, ha trabajado en múltiples ocasiones, con sesiones en diferentes ciudades. También ha realizado fotografías para Nylon Magazine, Palacio de Hierro, Pink Magnolia, Robin Archives, Vice.

También hace fotografía de viajes y de estilo de vida. Hace unos años comenzó a aventurarse en la dirección de videos musicales siendo responsable de videos de bandas como Love La Femme y She’s A Tease.

En el ramo editorial la revista Baby baby baby es fruto del trabajo que a lo largo de toda su carrera ha realizado junto con su esposa Paola Viloria, talentosa estilista mexicana, que es parte importante en las sesiones fotográficas de Habeica.

En 2018 presentó su exposición HELL, en la Galería Panteón ubicada en el centro histórico de la CDMX. Es un roadtrip que documenta un viaje por su vida y su  cabeza, y en el que muestra lo más profundo de su visión como un diario personal; un recorrido desde lo conceptual hasta lo real.


Referencias

sábado, 11 de enero de 2020

Evelyn Bencicova

Evelyn Bencicova es una directora artística y fotógrafa eslovaca (nacida el 4 de diciembre de 1992 en Bratislava, vive en Berlín) cuya práctica artística combina su interés por la cultura contemporánea con la investigación académica para crear un espacio estético único en el que lo conceptual se encuentra con lo visual. Aunque toque diversos géneros y técnicas, su trabajo presenta siempre un estilo atemporal y una estética personal.


© Evelyn Bencicova
© Evelyn Bencicova


Hago fotos de gente, pero no son reales. Por lo general, sólo representan algo, alguien más. Pero aún así, mis fotos no son sobre ellos. No se trata de quién está en la foto, sino de lo que está en la foto, lo que está sucediendo.


Biografía

Natalia Evelyn Benčičová trabajaba como modelo de moda. Con 18 años una operación de la vista le permitió ver el mundo que le rodeaba con detalle y nitidez, y así comenzó a interesarse por el mundo de la fotografía que le acompañaba en su trabajo de modelo y se trasladó a estudiar bellas artes y nuevos estudios de medios en la Universidad de Artes Aplicadas de Viena. Hoy, combina la investigación académica con el interés por la cultura contemporánea para crear un espacio estético único en el que lo conceptual se encuentra con lo visual.

Su trabajo nunca es lo que parece ser a simple vista. Sus fotografías son composiciones meticulosamente controladas caracterizadas por una esterilidad estética, teñidas con matices poéticos de deseo y nostalgia atemporales. Construye escenarios narrativos convincentes que desdibujan las líneas entre la realidad, la memoria y la imaginación,  son ficciones basadas en la verdad. Su lenguaje visual inquietantemente hermoso y su paleta de colores desaturada, permiten una exploración profunda de los temas que llevan sus imágenes mucho más allá de lo que revelan a primera vista.

Bencicova ha trabajado para marcas de moda y lujo como Gucci, Cartier y Nehera, así como para instituciones culturales como Frieze, Berghain, Kunsthalle Basel, Royal Opera House, Slovak National Theatre and Ballet y Museos Quartier Vienna. A principios de 2018, fue invitada a crear imágenes para el Instituto de Biología Molecular de Austria, y a actuar en la ceremonia de clausura de Atonal Berlin.

Su trabajo comercial y artístico ha aparecido en artistas como Vogue, ZEIT Magazine, The Gentlewoman, ELLE, Dazed & Confused, GUP, HANT y Metal Magazine. También ha sido publicada en libros internacionales de fotografía y en varias plataformas online como Juxtapoz, iGNANT, Fubiz media, …  y ha participado en exposiciones individuales y colectivas en Estocolmo, Londres, Tokio, París, Berlín, Viena, Milán, Ámsterdam, Bruselas, Praga y Roma, entre otras ciudades.
 
En 2016, recibió los prestigiosos premios Hasselblad Masters y Broncolor GenNext. Ha siso preseleccionada y galardonada por LensCulture, Independent Photographer, Gomma Grant, Life Framer, Tokyo International Photo Award (nuevo talento del año en 2019), IPA Awards en 2018 y OFF Festival.

Su película Asymptote co-creada con Adam Csoka Keller obtuvo  el premio Best New Fashion Film en el Festival de Cine de Moda Milano 2017. Evelyn fue seleccionada en 2019 como una de las 30 under 30 Female photographers por Artpil.



Referencias

jueves, 9 de enero de 2020

Clara de Tezanos

Clara de Tezanos es una gestora, comisaria, docente y fotógrafa guatemalteca (nacida el 4 de mayo de 1986 en Guatemala) cuyo trabajo es importante en la promoción y movimiento de la fotografía contemporánea en Guatemala y la región, siendo cofundadora del Centro de Fotografía Contemporánea, La Fototeca y el Festival Internacional GuatePhoto.


Piedra-Padre, Universo #1 © Clara de Tezanos
Piedra-Padre, Universo #1 © Clara de Tezanos


Biografía

Clara de Tezanos comenzó a temprana edad su carrera en Francia donde estudió en París en la Escuela de Fotografía Speos y en Parsons, trabajando como asistente para las revistas MarieClaire y Cosmopolitan así como para destacados fotógrafos de moda franceses. En 2009, tras 3 años en Francia, regresó a Guatemala.

Clara ha sido y es una parte importante de la promoción y movimiento de la fotografía contemporánea en Guatemala y la región, dedicándose a la creación, gestión, y docencia de la fotografía. Es cofundadora del Centro de Fotografía Contemporánea, La Fototeca (donde ha sido de la que ha sido profesora desde su fundación) y el Festival Internacional GuatePhoto.

Ha producido ensayos curatoriales en exposiciones dentro de festivales como Rotterdam Photo Festival en Holanda, Photoville, Dumbo Arts en Nueva York, Pinyao International Photo Festival en China y el propio Festival GuatePhoto en Guatemala, además de en las galerías Espacio Satélite y Fototropía.

También ha llevado la dirección editorial de las publicaciones de Prisma I, Nueva Generación, Prisma II y GuatePhoto18. Como jurado y revisor de portafolios ha participado en FotoVisura Grant, Prix Pictet, Photolucida, Trasatlántica PhotoEspaña, Festival de La Luz y FotoFest.

Como artista, desde 2009 ha expuesto su trabajo en exposiciones colectivas e individuales en el país e internacionalmente. Podemos citar su serie Todos somos Marías, publicada en The New York Times en 2011, su libro Piedra-Padre, Universo, un poema visual que recopila 10 años de trabajo fotográfico, que ha sido reconocido con premios en concursos de renombre dentro del entorno internacional, y que dio lugar a la exposición en La Erre en la ciudad de Guatemala.

Sus exposiciones colectivas han sido en el New York Photo Festival, Rencontres d´Arles en Francia, ESFOTO en El Salvador, Foto 30 en Guatemala, MOPLA en Los Angeles, … En colaboración con JJ Estrada T. realizó las exposiciones Cosmos en la Galería Ana Lucía Gómez en Guatemala, Áurea en el Museo de Arte Moderno Carlos Mérida de Guatemala e Implosión en la galería Fototropía en Guatemala.

En 2015, participó del programa Fortune Most Powerful Women en Estados Unidos, un proyecto que brindó tutoría a mujeres líderes de todo el mundo. Debido a su carrera cultural, fue galardonada y nombrada Mujer Emprendedora Guatemalteca de 2015 y Embajadora de Cultura por los Programas del Gobierno de los Estados Unidos en Guatemala.

Referencias



Libros

  • Piedra - Padre, Universo, 2018.
  • Por maniobras de un tercero, 2019.


martes, 7 de enero de 2020

Cas Oorthuys

Cas Oorthuys fue un fotógrafo y diseñador holandés (nacido el 1 de noviembre de 1908 en Leiden, fallecido el 22 de julio de 1975 en Ámsterdam), activo entre los años 30 y 70, conocido principalmente por su documentación de la ocupación alemana durante la II Guerra Mundial y por sus libros de viajes.


© Cas Oorthuys
© Cas Oorthuys


Una de sus series más icónicas es ésta de una mujer con un trozo de pan en primer plano. Una variante fue publicada en la portada del Amsterdam tijdens den hongerwinter (Ámsterdam durante el invierno del hambre) publicado por Contact / De Bezige Bij en 1947. La imagen más famosa de esta serie consiguió una audiencia de nueve millones gracias a la mítica exposición The Family of Man en 1955 y la publicación del libro con el mimo título.


Biografía

Casparus Bernardus Oorthuys nació y creció en el seno de una familia de pastores religiosos protestantes. Estudió arquitectura en la Escuela de Arquitectura, Artes Decorativas y Artesanía de Arte de Haarlem y luego en el departamento de arquitectura del MTS de Haarlem, uniéndose al grupo holandés de pensamiento libre Asociación Holandesa de Estudiantes Abstinentes, donde tuvo sus primeros contactos con la fotografía.

En 1930 entró a trabajar para el ayuntamiento de Ámsterdam como ingeniero y participó en el diseño de las salas de mercado en el Jan van Galenstraat. En 1932 la crisis económica le dejó en paro y se unió al Partido Comunista de Holanda. Buscó trabajo como diseñador gráfico y fotógrafo y en 1936 se convirtió en fotógrafo fijo en De Arbeiderspers. Produjo fotografía y gráficos para organizaciones comunistas y antifascistas, documentando la pobreza, la violencia policial, los desahucios, a los desempleados y personas sin hogar. Creó también carteles para De Olympiade onder dictatuur, una exposición que tuvo lugar en Ámsterdam contra los Juegos Olímpicos que se celebraban en aquel momento en Berlín en 1936.

Durante la guerra trabajó en una comisión de la Agrarisch Fonds, una caja agraria, que le encargó una serie de fotografías para un libro sobre agricultura en los Países Bajos, al mismo tiempo que ayudaba a falsificar documentos de identidad y realizaba fotografía clandestina dentro del grupo De Ondergedoken Camera (Cámara Oculta) documentando las actividades de los ocupantes alemanes, que prohibían la fotografía en lugares públicos. El objetivo de este grupo fue inicialmente documentar la esperada liberación por los Aliados, pero ésta se hizo esperar más de lo deseado, y el severo invierno que siguió dio lugar a la terrible hambruna holandesa de 1944-45, que también recogieron en sus fotos. Fue arrestado por los alemanes por falsificador y encarcelado, pero fue liberado sorprendentemente, quizás gracias a Nico de Haas, con quien había colaborado antes de la guerra y que se había convertido en un prominente SS holandés.

Después de la guerra mantuvo sus convicciones de izquierda y con sus amigos Carel Blazer, Eva Besnyo y Emmy Andriesse formó el Vereniging van Beoefenaars der Gebonden Kunsten (GKf) en 1945. Documentó los juicios por crímenes de guerra de Núremberg y la reconstrucción de su patria en la industria, la agricultura, las regiones y las ciudades y realizó reportajes en Indonesia (1947), donde acompañado por Albert de la Court, viajó a través de Java y Borneo comisionado por ABC-Press y la editorial Contact publicando el libro Een staat in wording (Un estado naciente) que promovía una solución pacífica a la lucha indonesia por la independencia, También documentó la Conferencia de Paz en París (1948), el Congo Belga (1952), la ganadería en Jersey (1954), …

Con su segunda esposa, Lydia, tuvo tres hijos y la fotografía se convirtió en una ocupación familiar. Durante las vacaciones de verano de 1951 viajaron para hacer 28 libros de bolsillo para Contact-Photo, comenzando con Bonjour Paris y cada uno en un país diferente, promoviendo el turismo entre los holandeses en ese época de prosperidad en el país. Estos libros fueron diseñados adaptándose al formato cuadrado de la Rolleiflex que usaba Oorthuys y varios fueron comercializados por editoriales extranjeras en ediciones en inglés, francés y alemán.

Fue el responsable fotográfico del ambicioso proyecto editorial Contacts avec le monde de Flammarion, una colección de 60 libros de bolsillo sobre ciudades y lugares de interés turístico de toda Europa, en la que se incluyeron 2 dedicados a España, uno a Madrid y sus alrededores, y otro, a las Islas Baleares que, por entonces comenzaban a ser un referente para el turismo internacional. Fueron miles los holandeses que adquirieron Hart van Spanje, donde se incluían fotografías de Madrid y de otros lugares como Ávila, Toledo, Segovia o El Escorial. Esta colección retrataba la vida de la gente común, con una visión humanista combinando la fotografía documental con las convenciones de las guías turísticas de aquellos años.

También diseñó 7 sellos postales en los que incluyó retratos de niño con fondos típicos holandeses. Oorthuys dejó un archivo de más de medio millón de negativos cubriendo una amplia variedad de temas, que mantuvo fielmente su esposa hasta su donación al Nederlands Fotomuseum de Rotterdam, que en uno de los mayores proyectos de digitalización en la historia de la fotografía holandesa, ha digitalizado los 447 álbumes de hojas de contacto cuidadosamente realizados por el artista y su esposa Lydia. Cerca de 500 imágenes seleccionadas de estos archivos han sido incluidas en el libro Cas Oorthuys: Contacts.


Referencias




Libros

domingo, 5 de enero de 2020

Manuel Lama

Manuel Lama es un fotógrafo andaluz (nacido en Cabra, Córdoba, en 1952, vive en Córdoba) que ha recorrido un largo camino lleno de íntimas vivencias que siempre ha querido compartir con los demás.


© Manuel Lama

© Manuel Lama



Biografía

Manuel Lama Baena pasó su infancia y adolescencia en Cabra, iniciándose en la fotografía muy joven con una cámara Kodak Retinatte prestada y positivando algún que otro negativo.  Tras finalizar su servicio militar marchó a Madrid, para  hacer de su afición su profesión, estudiando fotografía y asociándose a la Real Sociedad Fotográfica. En 1982 se trasladó a Córdoba y se hizo socio de la Asociación Fotográfica Cordobesa (AFOCO) que en el año 2012 le nombró Socio de Honor. 

Manuel ha cultivado distintas técnicas fotográficas, pero se encuentra más a gusto en la fotografía en blanco y negro, modalidad que trabaja y disfruta jugando con la dualidad de la luz y la oscuridad. Para él lo importante es el paisaje humano, al que ha dedicado gran parte de sus fotografías, sean en viajes o en el interior de museos. Aunque sabe adaptar el estilo fotográficos a la historia que pretenda contar, y puede ser surrealista mágico en Utopías: La Mezquita Catedral y el Mar, o artista abstracto en Gaudí: formas y color.

Ha realizado numerosas exposiciones individuales como Espacios Eternos en la Sala Orive de Córdoba y ArteSpacio en la Fundación Antonio Gala, Miradas, La Mezquita y el Mar, Gaudí; Formas y Color y La Ciudad del Mundo en las Bienales Internacionales de Fotografía de Córdoba. También ha participado en exposiciones colectivas en todo el territorio nacional y en varios países de Europa y América.

Ha obtenido más de 100 premios nacionales e internacionales, entre los que podemos destacar el Premio Mezquita en 2011. Ha sido en varias ediciones coordinador de la Bienal Paralela de Fotografía de Córdoba y ha participado como jurado en numerosos concursos de fotografía.

En 2017 fue homenajeado por la asociación cultural Objetivo Egabro de Cabra, con una exposición retrospectiva de su obra, la edición del video Ojos, mente y corazón, y el fotolibro Ver. Mirar y Percibir.

Sus trabajos han sido publicados en revistas especializadas, destacando su portafolio sobre la exposición La Ciudad del Mundo publicado en la Revista Arte Fotográfico, y las portada en las revistas News de Córdoba, Asociación Alcer y Córdoba Magazine. Su obra forma parte de colecciones públicas y privadas como la Fototeca de Córdoba.


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Libros

















viernes, 3 de enero de 2020

Antonio Fernández Soriano (Napoleon)

Antonio Fernández Soriano fue un fotógrafo español (nacido el 24 de abril de 1827 en Casas-Ibáñez, Albacete, fallecido el 3 de febrero de 1918 en Barcelona) pionero de la fotografía en España y que dio origen a una de las sagas de fotógrafos profesionales más reconocidas en el país, con estudios fotográficos en Barcelona y Madrid. Su especialización en el retrato y de modo particular en el retrato de militares, así como su fama en el retoque fotográfico, contribuyó especialmente en la prosperidad del negocio.

Napoleon

Napoleon

En su establecimiento se hallaban toda clase de marcos, medallones, alfileres para retratos, tabaqueras para rapé y cigarros, anillas, brazaletes, cubiertas de terciopelo y de otras clases de guarniciones de lujo y sencillos para adornar toda clase de marcos. Sus fotografías podían implementarse en diversos elementos como abanicos. Incluso realizaron pinturas al óleo basadas en sus fotografías.


Biografía

Antonio Fernández Soriano (Fernando Napoleon) estudió fotografía en Francia y estaba trabajando en Barcelona como músico en un regimiento de infantería cuando conoció a Anaïs Tiffon, una francesa de Narbona cuya familia se había trasladado también a Barcelona en 1846.

Tras casarse en 1850, ambos montaron hacia 1853 un pequeño local de fotografía en un segundo piso de la Rambla de Santa Mónica, con el nombre de Fernando y Anaïs ya que Anaïs siempre llamó a su marido Fernando porque no le gustaba el apellido Fernández. Este negocio, en principio una manera de aumentar los ingresos familiares, prosperó de tal manera que Antonio dejó su trabajo de músico militar.

Anaïs fue una de las primeras mujeres que hicieron daguerrotipos en España, aunque también era especialista en hacer tarjetas de visita con fotografías. El negocio familiar (fotografía de estudio, aunque también se desplazaban para retratar a fallecidos) fue creciendo por la calidad de sus trabajos, renovando el estudio, abriendo varios departamentos y talleres dedicados, entre otros, a la fotografía de niños y de exteriores, que ambientaban con carruajes y caballos, llegando a tener 25 empleados. Cambiaron de nombre comercial varias veces, incluyendo ya en él Napoleon (el nombre del padre de Anaïs) que daba más categoría a la firma.

Entre 1859 y 1889, la casa Napoleón formó parte de la Société Française de Photographie. Realizaron fotografías de actos sociales y alquilaron escaparates en enclaves relevantes en Barcelona, en los que exponían los retratos que realizaban.  La firma obtuvo numerosos galardones en España, Francia y Portugal, como la Medalla de la Exposición Aragonesa en 1868 o el título de Fotógrafo de Cámara del rey Alfonso XII (fue el primer fotógrafo de cámara de las Casas Reales de España y Portugal) en 1875, lo que les permitió el uso del escudo de armas en el reverso de sus fotografías. Antonio fue condecorado con la Orden de Carlos III, y nombrado Comendador de la Real orden de Isabel la Católica, la legión de Honor Francesa y La Orden de Cristo de Portugal.

En 1896 abrieron en la Rambla el Cinematógrafo Lumière, inaugurándolo con la presencia de los inventores.  Ante el éxito de esta sala, abrieron otra en el Paralelo en 1901, pero abandonaron el negocio del cine en 1908 ante la creciente competencia.

Antonio y Anaïs tuvieron hasta 8 hijos y ella fue dejando el negocio para atender a la familia. Formaron una de las sagas familiares de fotógrafos más importantes de Barcelona, en activo desde 1853 hasta 1968. Al matrimonio les siguieron sus hijos Emilio, Napoleón-Francisco y Napoleón-Fernando, que se ocuparon de las sucursales que la compañía abrió en Barcelona y Madrid, así como sus nietos, Santiago Feliú Fernández y Emilio García Quevedo.

En 2011 se celebró la exposición Els Napoleon. Un estudi fotogràfic en el Arxiu Fotogràfic de Barcelona (AFB). El inmenso patrimonio de la firma se encuentra disperso, en el Arxiu Fotogràfic de Barcelona, el Archivo General del Palacio Real en Madrid, y la colección Miquel Nicolau i Puig en Barcelona.



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miércoles, 1 de enero de 2020

Vitor Shalom

Vitor Shalom es un fotógrafo brasileño (vive en São Paulo) que realiza fotografía publicitaria y de moda.



© Vitor Shalom
© Vitor Shalom



Biografía

Vitor Shalom comenzó en la fotografía con 10 años cuando sus padres le regalaron una sencilla cámara. Después de veinte años y miles de cliks, tras dedicarse inicialmente a la fotografía publicitaria, hoy es un respetado fotógrafo de moda en Brasil.

Después de cerrar algunos contratos en Milán, se decidió mudarse allí, donde estuvo 3 años, fotografiando en también en Suiza, Portugal y Turquía, antes de volver a Brasil.

Ha fotografiado para revistas brasileñas, británicas, italianas, polacas y norteamericanas, como Flair Magazine, Wit Magazine, WP Magazine, MAX Magazine, Round Magazine, Vogue, Marie Claire, Caras, Epoca, VIP, Status, Playboy, … así como para agencias de modelos en Milán, Francia y Brasil y marcas comerciales como Macro Bijoux, Francesco Scognamiglio, Mauro Demestria, Cherry Blossom Scandinavia, Demiam Jeans, Instituto Marangoni, Ton de Vol, Coca-Cola, Toyota, Kuat (un refresco brasileño), Sorriso (una pasta de dientes brasileña), …

En Brasil, hizo un ensayo fotográfico con la top model Gisele Bündchen, en una campaña para Grendene. También ha realizado catálogos para marcas brasileñas, indias, italianas, alemanas y turcas y talleres de fotografía de moda en Brasil, Milán y Turquía.


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