jueves, 31 de octubre de 2019

Julio López Saguar

Julio López Saguar es un fotógrafo español (nacido en Madrid en 1954, vive en Alcorcón) cuyo trabajo fotográfico es un reflejo de lo que vive. Vive en las afueras de Madrid y durante años ha atravesado  esta ciudad en transporte público de punta a punta. Inspirado por el mundo urbano, la ciudad y sus habitantes, siempre está pendiente de todo lo que se mueve a su alrededor y ve, escucha y, a veces, fotografía.


© Julio López Saguar
© Julio López Saguar


Biografía

Julio López Saguar ha sido realizador de spots publicitarios desde los 20 años y ha trabajado hasta su jubilación en una de las compañías más importantes del país. De formación autodidacta, su primer contacto con la fotografía fue a los 15 años con una cámara Werlisa Color. Con 19 estaba ansioso por aprender, pero no tenía medios, ni cámara, ni conocía a nadie que fotografiara. Así que la única solución fue un curso por correspondencia. En 1975 compró su primera réflex, una Yashica TL electro X, que aún conserva y también montó un laboratorio improvisado.

Enamorado del formato 1:1 se compró una Yashica Mat 124 y comenzó a interactuar con miembros de la Real Sociedad Fotográfica de Madrid, de la que ha sido socio más de 25 años, enriqueciendo su técnica y cambiando la forma de mirar.  En 1990 finalmente consiguió  la  cámara de sus sueños, una Hasselblad, utilizando casi exclusivamente blanco y negro como medio. A principios de los 90 comenzó a fotografiar exclusivamente en color y ya en 2003 cruzó la frontera pasándose al digital de una manera natural.

Como fotógrafo tiene una mirada privilegiada que le permite seleccionar una pequeña parte de la realidad para transmitirnos una idea. Su obra es irónica, directa, conceptual y utiliza las metáforas con maestría. No manipula la realidad, sólo nos muestra aquello que se ajusta a la idea que quiere transmitir.

En su ya larga trayectoria ha ganado más de 400 premios nacionales e internacionales, publicando sus fotos en libros, catálogos, revistas (La Fotografía, Metaphore, Pozytyw Foto, ÑShots, Photo, Diorama, Foto Profesional, …) y sitios web. También ha realizado numerosas exposiciones y su obra forma parte de diversas colecciones públicas y privadas como las de La Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, el I.V.A.M. de Valencia, Colección Gabriel Cualladó, Museo de Brescia, …


Referencias



Libros

martes, 29 de octubre de 2019

Marisa Culatto

Marisa Culatto se define más como artista que como fotógrafa, ya que sus procesos y forma de trabajo no coinciden cómodamente con la idea tradicional del medio fotográfico. Nacida en 1964 en Gran Canaria, vive y trabaja en Hertford, Reino Unido.


Honest Landscape 15, 2018 © Marisa Culatto

Honest Landscape 15, 2018 © Marisa Culatto


Biografía

Marisa Culatto tuvo su primera cámara, una compacta, con 11 años, y con 18, se hizo con su primera réflex y asistió a unos talleres de fotografía impartidos por el fotógrafo canario Fachico Rojas Fariña. Aprendió fotografía analógica en Gran Canaria y Barcelona, pero fue el encuentro con la fotografía digital lo que consolidó su práctica artística, ya que le interesa traspasar – desdibujar – los límites del lenguaje tradicional fotográfico.

Su práctica se apoya en las restricciones, el entorno doméstico y los rituales de cada día. También le interesa el concepto de la realidad como hipótesis, por lo que su trabajo a menudo contiene contradicciones, percepciones equívocas y una cierta ambigüedad visual. Y dada su ambivalente relación con el medio fotográfico, éste es un recurrente tema de investigación para ella. 

Culatto ha expuesto sus trabajos mayoritariamente en España y el Reino Unido en exposiciones en grupo y en solitario. En 2011 obtuvo la beca AlNorte dentro de la X Semana Nacional de Arte Contemporáneo de Asturias. Fue finalista en el Premio VIA (Londres) en 2017 y en 2015 en el premio Talentos Contemporáneos de la Fondation François Schneider en Francia, y Mención Especial del Jurado en el XXI Premio de Fotografía Rafael Ramos García en Tenerife en 2016. Recientemente su obra ha sido adquirida para la colección Soho House.




Referencias


domingo, 27 de octubre de 2019

Alessandro Rocchi

Alessandro Rocchi es un fotógrafo italiano (nacido en 1974 en Pesaro, donde vive y trabaja) interesado en los documentales y viajes y en la fotografía callejera.


© Alessandro Rocchi
© Alessandro Rocchi


Biografía

Alessandro Rocchi nació en Pesaro, una pequeña ciudad en la costa adriática de Italia. Empezó a hacer fotografías cuando era niño y sus padres le compraron una cámara automática de película. Estudió economía y decidió dedicarse también a la fotografía, estudiándola con el fotógrafo italiano Rossano Ronci. Fue seleccionado para una clase magistral con Jonas Bendiksen de la Agencia Magnum. Sigue a autores como Martin Parr, Chris Killipt, Martin Kollar y Philiph Lorca diCorcia.

A la hora de disparar su cámara, es su fascinación por las personas y la forma en que viven sus vidas el elemento clave. Simplemente mira a la gente y a veces la gente le da una razón para capturar ese momento. Ama a las personas mientras están pensando o trabajando, o simplemente viviendo su vida. Encuentra la inspiración escaneando la calle todo el tiempo mientras está caminando, buscando momentos interesantes, caras expresivas y situaciones. Viaja cada vez que le es posible.

Colabora con OffSet como artista destacado y su trabajo ha aparecido publicado en diversas publicaciones en línea.


Referencias

viernes, 25 de octubre de 2019

Ferry André de la Porte

Ferry André de la Porte es un fotógrafo holandés (nacido el 26 de enero de 1950 en Ámsterdam, donde vive y trabaja). Su estilo es clásico, preferiblemente en blanco y negro y con una Hasselblad con una lente estándar de 80 mm. No le gusta la manipulación y básicamente usa todo el negativo.


Marion Peters © Ferry André de la Porte

Marion Peters © Ferry André de la Porte




Biografía

Leonard Louis Ferdinand (Ferry) André de la Porte es nieto de banquero y artista surrealista. Con 15 años tenía su laboratorio en un ático. Después de estudiar fotografía, fue asistente del fotógrafo pop Gijsbert Hanekroot. En Nueva York, se hizo amigo del artista visual del grupo Zero Jan Henderikse y del famoso fotógrafo de publicidad Ryszard Horowitz.
  
De vuelta en los Países Bajos, trabajó con el fotógrafo Philip Mechanicus, quien lo llamó su “aprendiz de hechicero” y con quien compartía su visión de la fotografía. Su colaboración dio lugar a una amistad que duró diecisiete años.
  
Además de Mechanicus, fue influenciado también por el diseñador gráfico Pieter Brattinga, que fue uno de sus principales directores durante más de un cuarto de siglo y con quien realizó entre 1978 y 1988 una serie de carteles para el Museo Kr'ller-Méller, que le proporcionaron una nueva forma de mirar. Gracias a Brattinga también André de la Porte se convirtió en el fotógrafo permanente de Dick Bruna y la compañía Mercis-Bruna.
  
Como freelance, Ferry ha sido principalmente activo en el campo de la fotografía periodística, la reproducción y la fotografía de productos, los informes corporativos y la fotografía de retratos. Fotografió para De Tijd, Hollands Diep, Skoop en Quote. También ha fotografiado conciertos pop, fotografías de largometrajes holandeses, retratos de escritores, pintores y artistas visuales, proporcionando fotografías para docenas de catálogos y carteles, portadas de libros y cds.
  
Sin embargo, gran parte de su obra es personal. Con su compañera, la historiadora Marion Peters viajó a Asia, donde capturó la herencia holandesa en la India en la época de la United East Indies Company. Esto dio lugar a una exposición para el Rijksmuseum y el libro In steen geschreven (2002), por el que ambos recibieron el galardón Van linschotenprijs en 2003. Su interés por los monumentos funerarios ya había apareció en 2000 con su trabajo Alleen de dood is tussen u en mij.
  
Su obra forma parte de las colecciones de los museos Foam Fotografiemuseum Amsterdam, Museum of Modern Art (MoMa) de Nueva York, Prentenkabinet Universiteit Leiden, Rijksmuseum Amsterdam y Stedelijk Museum de  Ámsterdam. Su archivo consiste aproximadamente en unos 80.000 negativos en blanco y negro y una cantidad desconocida de materiales en color, copias en blanco y negro y diapositivas en color.


Referencias




Libros

  • Een foto van niets. Overpeinzingen bij het werk van Ferry André de la Porte, 1981.
  • Ferry André de la Porte, 1981.
  • Dick Bruna 60 jaar, 1987.
  • Kook Kunst in Nederland: Unieke Recepten med Nederlandse Produkten, con Philip Mechanicus, 1987.
  • Oscar van Alphen, Ferry André de la Porte en Nick Sinclair: Oog voor Kunst, 1988.
  • De activiteiten van/The activities of Pieter Brattinga, 1988.
  • Fotolexicon: Geschiedenis van de Nederlandse Fotografie 32, 1999.
  • In steen geschreven, 2002.






miércoles, 23 de octubre de 2019

Andrés César

Andrés César es un fotógrafo español (nacido el 15 de febrero de 1960 en Almería, vive en Las Palmas de Gran Canaria) que realiza fotografía de calle.


© Andrés Cesar
© Andrés Cesar

Cuando empecé prefería el blanco y negro, hasta que llegaron los carnavales y fue aquí donde empezó este proyecto (Coloreando) que es también un juego de palabras.

En mi opinión, fotografiar es poner el ojo, el humor y la ironía en un mismo eje.


Biografía

Andrés César nació en Almería, pero lleva más de 30 años en Canarias por trabajo. Por motivos de salud tuvo que dejar de trabajar así que, mientras se recuperaba, se dedicó a dar paseos por la playa y comenzó a ver la vida de otra manera y observar todo lo que pasaba a su alrededor. En 2014, primero con el móvil y después con una pequeña cámara de fotos empezó a inmortalizar esos momentos y esto fue su mejor terapia.

Vive en una ciudad con una gran playa urbana, Las Canteras, y fantásticos carnavales, y le gusta mostrar en sus fotos la vida de la gente en la calle y en estos dos ambientes. La fotografía ha liberado su creatividad, intuición y curiosidad como si siguiera siendo un niño.

Algunas de sus obras han sido expuestas a nivel local y mundial, al ser seleccionadas para exposiciones en París, Berlín, Bucarest, Calcuta e Israel. También ha sido finalista del Concurso SIPA de Siena en 2017 con una de sus imágenes en la categoría de fotografía monocroma, varias menciones en National Geographic, y ganador del reciente concurso de fotografía callejera patrocinado por Pentax-Ricoh-España y Portugal en Instagram en 2019, entre otros.


Referencias

lunes, 21 de octubre de 2019

Ryszard Horowitz

Ryszard Horowitz es un fotógrafo estadounidense (nacido el 5 de mayo de 1939 en Cracovia, Polonia, vive y trabaja en Nueva York) reconocido como un pionero de la fotografía de efectos especiales anterior a la imagen digital.


© Ryszard Horowitz

© Ryszard Horowitz


Contemplando la definición de mi arte, creo que es una combinación de surrealismo de Galitzia y locura americana. Tuve la suerte de no perder el contacto con mis raíces. Fui bien educado en Polonia y tenía una sólida formación que me permitió encontrar mi propio lugar en Estados Unidos. La colisión de ambos mundos forjó mi estilo de trabajo.


Biografía

Ryszard Horowitz nació en Cracovia, Polonia, en el seno de una familia judía, unos meses antes de que Alemania invadiera su país. Los nazis les enviaron a diversos campos de concentración. Milagrosamente sobrevivieron, Ryszard fue uno de los de la lista de Schindler y su madre lo encontró con 5 años en un orfanato gracias a una fotografía en un documental ruso. Al final de la guerra se encontraban entre las pocas familias judías que fueron capaces de restablecer sus vidas en Cracovia. Ryszard es uno de los supervivientes más jóvenes conocidos de Auschwitz.

Comenzó a hacer fotos con 14 años. Durante un breve período de tiempo en su infancia creció junto a Roman Polaski con quien hizo su primera ampliación fotográfica. Estudió arte en la Escuela Superior de Bellas Artes de Cracovia y luego se especializó en pintura en la Academia de Bellas Artes de su ciudad natal. En 1956, durante un breve deshielo político y cultural en Polonia, el gobierno otorgó subsidios para fomentar nuevas y originales formas de arte y Cracovia surgió repentinamente como un centro de jazz de vanguardia, pintura, teatro y cine. Ryszard, que tenía diecisiete años en ese momento y tocaba el clarinete en un grupo de jazz, aprovechó al máximo estar en el centro de la acción y, quedó fascinado con la fotografía estadounidense. Él mismo foto-documentó el nacimiento de jazz polaco y en 1958 fotografió a leyendas del jazz como Dave Brubeck, Louis Armstrong, Count Basie, Duke Ellington y Sonny Rollins en el Newport Jazz Festival.

En 1959, finalmente logró su ambición de emigrar a los Estados Unidos y se matriculó en el famoso Pratt Institute de Nueva York. Mientras todavía era estudiante allí, consiguió una beca para ser aprendiz de Alexey Brodovitch, una de las figuras más influyentes en el mundo del diseño editorial y la fotografía de la época. También trabajó como asistente de Richard Avedon en 1963, incluyendo en su famosa sesión de retratos con Salvador Dalí. Después de graduarse en 1963, trabajó para varias compañías de cine y diseño y como director artístico de Grey Advertising.

En noviembre de 1967 abrió su propio estudio de fotografía, desarrollando una exitosa carrera en fotografía tanto artística como comercial, pero es principalmente conocido por crear complejos compuestos fotográficos, que han sido comparados con las obras surrealistas de Magritte y Dalí. Al principio de su carrera, para obtener tales efectos utilizó una multitud de técnicas fotográficas como retoques de cuarto oscuro, múltiples exposiciones cinematográficas y manipulación de su cámara. La fotografía ha sido y es su carrera y pasión de toda la vida.

Su trabajo ha sido exhibido, publicado y recogido en todo el mundo y Ryszard ha sido galardonado con todos los grandes galardones que se pueden otorgar a un fotógrafo, incluyendo Gloria Artis Medalla de Oro al mérito a la cultura otorgada por el ministerio de cultura de Polonia y Doctor Honoris Causa otorgado por la Academia de Bellas Artes de Varsovia, y la Academia de Bellas Artes de Breslavia.


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Libros

sábado, 19 de octubre de 2019

Dmitriy Krakovich

Dmitriy Krakovich es un fotógrafo ucraniano (nacido en Kiev, vive entre Kiev y Brooklyn, Nueva York) cuyos principales puntos de interés son el retrato psicológico, la fotografía artística  y proyectos conceptuales.

© Dmitriy Krakovich

© Dmitriy Krakovich

La fotografía para mí es una especie de investigación. Estoy investigando una personalidad y un mundo interior de una persona frente a la cámara como en el psicoanálisis. Mientras estoy creando una imagen que puede producir algunos sentimientos específicos y reacciones en un observador también. Además de eso, también estoy muy interesado en poner en discusión temas sociales y éticos, por lo que trabajo en series que representan estos de alguna manera indirecta y artística mediante el uso de escenas absurdas y surrealistas. En mi trabajo me encanta usar el mundo emocional de los modelos y la atracción del cuerpo humano, tanto la belleza como la vulnerabilidad del mismo.



Biografía

Dmitriy Krakovich estudió Construcción de Equipos Electrónicos, luego se graduó de la Universidad Nacional Taras Shevchenko de Kiev con un master en Sociología. Trabajó como investigador para varias agencias sociológicas hasta que se trasladó a Nueva York, donde trabajó como periodista, diseñador gráfico, investigador de mercado para periódicos y canales de televisión, y se ofreció como voluntario en el cine de rodaje. Estudió Teatro, Cine y Fotografía en el Hunter College de Nueva York.

Sus principales intereses en la fotografía son el retrato psicológico, la fotografía artística y proyectos conceptuales. Dmitriy considera su fotografía un trabajo de investigación, estudiando la personalidad, el mundo interior, las emociones profundas de una persona. El retrato es uno de sus géneros favoritos. También está interesado en cuestiones sociales y éticas, y desarrolla series que representan esto de manera artística e indirecta mediante el uso de imágenes surrealistas o absurdas. Le encanta utilizar el mundo emocional de las modelos y la atracción del cuerpo humano, tanto la belleza como la vulnerabilidad del mismo.

Ha expuesto tanto individual como colectivamente, ha publicado sus fotografías en Estados Unidos, Canadá, México, Austria y Ucrania. Ha impartido conferencias sobre fotografía para el Instituto de Periodismo de Kiev en la Universidad Nacional Taras Shevchenko, y actualmente dirige clases magistrales para fotógrafos. Es, también, comisario del Festival del Photobook de Kiev.



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viernes, 18 de octubre de 2019

Chema Alvargonzalez

Chema Alvargonzalez fue un artista español (nacido el 4 de enero de 1960 en Jerez de la Frontera, Cádiz, fallecido el 18 de octubre de 2009 en Berlín) cuya obra, de marcado carácter conceptual, abarca diversas disciplinas destacando la fotografía, las instalaciones y la escultura. Los espacios urbanos y el papel del hombre en la sociedad actual fueron sus preocupaciones fundamentales a partir de las cuáles experimentó con la luz (natural o artificial), en intervenciones en edificios, instalaciones con neones y cajas de luz.


© Chema Alvargonzález All rights reserved to Memoria Artística Chema Alvargonzález

© Chema Alvargonzalez All rights reserved to Memoria Artística Chema Alvargonzalez



Biografía

Chema Alvargonzalez estudió el curso Procesos de las imágenes contemporánea y de pintura y multimedia en la Escola Massana de Barcelona y más tarde el Master of Fine Arts and Multimedia en la Hochschole Der Künste de Berlín, donde fue alumno de la artista Rebecca Horn.

Su vida artística se dividió entre Berlín y Barcelona. Sus exposiciones individuales comenzaron en 1985 con El televisor prosecleptico y pinturas en Valencia, exponiendo regularmente en las galerías Carles Taché de Barcelona, Oliva Arauna en Madrid, Artinprogress en Berlín, y en diversas ciudades de España, Alemania, Inglaterra y Brasil. También ha participado en numerosas exposiciones colectivas tanto en España como en el extranjero.

Cronista de espacios inhabitados, memoria histórica o crítica de la sociedad contemporánea, sus fotografías plasmaban ciudades aparentemente fantásticas, repletas de sugerencias visuales y dotadas de un trasfondo comprometido y comprometedor. En 1997 recibió el Premio Fomento a las Artes de Münster y en 1994 el Primer Premio del 39th Salón de Montrouge en Francia.

Ha realizado instalaciones en las fachadas de edificios tan emblemáticos como Abwesenheit en la Embajada Española en Berlín en 1992, el Aeropuerto de Munich en 2000 y la Embajada Suiza en Berlín, situada a pocos metros del parlamento alemán, en 2001, Sombra azul en el Centro de Arte Contemporáneo de Málaga en 2003 y El adentro afuera de las palabras, reflexionando sobre la gran cantidad de palabras que rodean a diario al ser humano condicionando su rutina, en el edificio de Telefónica de Madrid durante la Noche en Blanco de 2007. En PhotoEspaña 2019, la Fundación ENAIRE expuso ¡Volar! 100 años en el cielo con fotografías de su colección, incluyendo obra de Alvargonzalez. 

Fundó los talleres GlogauAIR, donde residen y trabajan temporalmente artistas internacionales en el barrio berlinés de Kreuzberg. A título póstumo, en 2013 recibió la Cruz de Oficial de la Orden del Mérito Civil. Su obra forma parte de colecciones de reconocido prestigio, como las del Centro Galego de Arte Contemporànea en Santiago de Compostela, la colección Circa XX-Pilar Citoler, Deustche Bank, Fundación ENAIRE, ARTIUM en Vitoria, …

Como conmemoración del décimo aniversario de la partida de Chema Alvargonzalez, La Memoria junto a la Escola Massana han organizado el día 24 de octubre una serie de actividades y charlas en Barcelona para conmemorar su ausencia pero celebrar que su legado sigue vivo. Se celebrarán una serie de eventos en torno a su instalación TRANSFORMACIÓ.


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Libros

jueves, 17 de octubre de 2019

Nadir Bucan

Nadir Bucan es un fotógrafo turco (nacido en 1978 en Rize, vive y trabaja en Van) que realiza fotografía documental y que ha pasado los últimos seis años documentando la vida en los pequeños pueblos de la región de Van, Turquía. El proyecto, Bajo la Sombra del Sol, es un testimonio de la vida despojada que existe en esta zona remota, donde la supervivencia de las personas se basa en sus animales y no en la tecnología.


Mother Aliye returns home after milking in the village of Alacayar Van © Nadir Bucan
Mother Aliye returns home after milking in the village of Alacayar Van © Nadir Bucan


Biografía

Nadir Bucan es un fotógrafo académico y documental, que empezó a hacer fotos con una cámara analógica en 1999, antes del dominio digital. Ha usado película hasta 2009 y ha pasado por todas las etapas de la fotografía, desde el baño químico hasta la impresión. Le interesan los aspectos prácticos y teóricos de la fotografía.

Estudió Relaciones públicas y Publicidad en la Universidad de Ankara. Fue destinado a la Universidad Yuzunci Yil en Van como profesor en 2011 y ha estado compaginando su labor académica en la facultad de Bellas Artes con la fotografía de los pueblos de los alrededores generalmente los fines de semana desde esa fecha. Estos pueblos están a unos 80 Kms de su casa.

Este es un proyecto a largo plazo, Under the Shadow of the Sun, comenzado en 2011 y en curso todavía, donde trata de presentar algunos perfiles de la vida cotidiana en el campo, realizando principalmente un testimonio sobre la relación de las personas de la región con la naturaleza y otras criaturas. La provincia oriental de Van, en Turquía, tiene una población principalmente kurda y está compuesta por pequeñas aldeas.

Al mismo tiempo realizó un master en Cine y Televisión en la Universidad Ataturk de Erzurum, con la tesis Reading Documentary Photography Through Walter Benjamin, y después su doctorado en Ciencias Básicas de la Comunicación y ahora está trabajando en su tesis sobre fotografía post-documental. Ha publicado los artículos académicos Walter Benjamin and Documentary Photography y A Sociologist with a Camera: Sebastião Salgado. Y ahora ejerce como PhD en la Universidad Yuzunci Yil de Van.

Sus obras, han sido publicadas en revistas internacionales como Gezgin, İz, İgnant, Les Others, Deniz, Tutti Fotografi, P3 y LensCulture, … y expuestas en Nueva York, París, Londres, Berlín, Pekín y Rusia. Ha participado en festivales como Head On, La Quatrieme Image, Songzhuang y San José. Desde 2017 ha obtenido numerosos premios como The Seventh Annual Exposure Photography Award de PDN Magazine, Documentary Award en The Independent Photographer, People y Editorial en el Moscow International Foto Awards – MIFA, Series en People en el 12th Pollux Awards, Editorial Photo Essay en Tokyo International Foto Awards – TIFA, Barcelona International Photography Awards – BIPA, …



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martes, 15 de octubre de 2019

Tokihiro Satō

Tokihiro Satō es un fotógrafo japonés (nacido en 13 de septiembre de 1957 en Sakata, Yamagata) ampliamente reconocido por sus trabajos de inusuales expresiones de luz y espacio como uno de los artistas más exitosos y respetados de Japón que trabajan en el medio fotográfico.


© Tokihiro Satō
© Tokihiro Satō



Biografía

Tokihiro Satō estudió Bellas Artes (escultura) por la Universidad Nacional de Bellas Artes y Música de Tokio. Durante sus estudios, como la mayoría de los escultores, comenzó a crear objetos materiales. Poco a poco desarrolló la necesidad de grabar en su obra la acción en sí. Entonces se dio cuenta de que no era posible hacer una escultura utilizando los medios tradicionales. Vio que la fotografía era la única manera de hacer visible y tangible el proceso escultórico, y se pasó a ella a finales de la década de los 80 para poder comunicar mejor sus ideas respecto a la luz y el espacio.

Ha sido muy reconocido por su interesante interacción con la luz, utilizando una cámara analógica de gran formato de 8x10” equipada con un filtro de oscurecimiento, para hacer exposiciones que duran de 1 a 3 horas mientras se mueve por la escena creando puntos de luz o líneas iluminadas dibujadas con linternas o láseres por la noche o destellos hechos por reflejos de espejos por el día. Los resultados son detalladas fotografías interrumpidas por patrones de luz. Debido a las largas exposiciones, sus movimientos delante de la cámara son indetectables por ella: la fotografía captura su presencia, pero no su imagen.

Posteriormente, con la realización de nuevas obras y el uso de diferentes técnicas, se volvió cada vez más pasivo al crear la imagen. Actualmente también se centra en la fotografía digital en combinación con técnicas y herramientas antiguas. También ha construido varios tipos de cámaras, incluyendo una cámara estenopeica de múltiples agujeros, instalada en espacios públicos o "vacíos".

Su obra ha sido presentada en más de 50 exposiciones individuales y en unas 100 exposiciones colectivas, principalmente en Asia, pero su trabajo también ha sido exhibido en galerías y museos norteamericanos. Forma parte de 16 colecciones de museos japoneses, incluyendo el Museo Metropolitano de Fotografía y Museo Hara de Arte Contemporáneo en Tokio, Museo de Arte Moderno de Saitama, y también de colecciones de museos como el Guggenheim de Nueva York, The Art Institute de Chicago, Cleveland Museum of Art, Queensland Art Gallery de Brisbane, …

Actualmente es profesor en el Departamento de Arte Inter-Media de la Universidad de las Artes de Tokio. Está representado por Leslie Tonkonow Artworks + Projects de Nueva York.


Referencias




Libros

  • Tokihiro Sato: Trees, 2010.
  • Hikari–kokyū / Photo–Respiration, 1997.
  • Sato Tokihiro no manazashi "Hikari–kokyū", 1999.
  • Kokyū suru fūkei / Breathing landscapes, 1999.
  • Photo Respiration: Tokihiro Sato Photographs, 2005.

domingo, 13 de octubre de 2019

Vincent Peters

Vincent Peters es un fotógrafo alemán (nacido en 1969 en Bremen, vive entre París y Nueva York) considerado uno de los fotógrafos de moda con mayor proyección internacional. Ha retratado a muchas de las celebridades más grandes de nuestro tiempo en su estilo glamuroso y sensual que recuerda a la estética del Hollywood de los años 50. Basado enteramente en el arte clásico de la fotografía de retrato, su sofisticada iluminación y el uso de cámaras analógicas impactan en sus fotos en blanco y negro, otorgándoles una calidad cinematográfica impresionante, dando como resultado impresionantes retratos y fotografías de moda.


© Vincent Peters
© Vincent Peters


Nunca he cambiado de cámara desde que tenía 17 años. Tengo una Mamiya RZ de formato medio. Siempre utilizo película. Tengo algunos clientes que dicen "si no disparas en digital no trabajamos contigo" y no tengo problema en hacerlo, pero no me gusta lo digital. Creo que este proceso ha hecho mucho daño a la industria y no hay un solo fotógrafo con el que haya hablado y que no esté de acuerdo con ello.  La técnica condiciona al arte... Si hay un arte digital, éste no es mi arte. Lo digital no es sólo un proceso de captura de imágenes. Lo digital es un concepto diferente. El disparo es diferente. Su relación con el modelo es diferente. De todos modos, apenas sé leer un correo electrónico.



Biografía

Vincent Peters comenzó su carrera fotográfica durante un viaje a Tailandia, realizando unas imágenes que más tarde serían publicadas por GEO Magazine. En 1989 se trasladó a Nueva York, donde trabajó como asistente de fotógrafos y más tarde comenzó a desarrollar su carrera personal como artista con un talento especial para destacar la feminidad completa con el arte de la seducción visual.  En su simplicidad, sus composiciones en blanco y negro se hacen eco de las obras de los famosos fotógrafos de estudio del siglo XX con cámaras de gran formato como George Hurrell: sus fotos evocan la atmósfera del cine negro. La desnudez de las modelos parece totalmente natural: su lente revela una sensualidad más reservada que seductora.

En 1990 había comenzado en el mundo de la fotografía de moda y celebridades. Años después, regresó a Europa, donde trabajó para varias galerías de arte y en proyectos personales. En 1999 comenzó a trabajar para Giovanni Testino como fotógrafo de moda.

Su estilo cinematográfico, viendo a la mujer más que como actrices que como modelos, lo llevó a portadas de historias en todo el mundo con las revistas más renombradas. Hasta el momento ha publicado en incontables medios de referencia internacional como The Face, Vogue, ELLE, The Sunday Times, Numéro, Glamour, Dazed and Confuse y GQ, entre otros. Además, Hermes, Diesel, Nike, Addidas, Armani, Yves Saint Laurent, Louis Vuitton, Miu Miu, Bottega Veneta, Dunhill, Guess, Seiko, Lancôme, Samsonite, Netflix, Celine, Philips, Plein Sud, Joop, Guerlain, Sonia Rykiel, Rochas y La Perla son solo algunas de las marcas que han confiado en él y en su buen hacer con la cámara.

La obra de Vincent ha sido expuesta extensamente en galerías de bellas artes y más recientemente en Fotografiska, un destacado museo de fotografía en Estocolmo.


Referencias


Libros

viernes, 11 de octubre de 2019

Gustavo Minas

Gustavo Minas es un periodista y fotógrafo brasileño (nacido el 4 de noviembre de 1981 en Cássia, un pequeño pueblo en el estado de Minas Gerais, vive en Brasilia) conocido principalmente por su fotografía de calle, principalmente de São Paulo y Brasília.


© Gustavo Minas
© Gustavo Minas


La Rodoviaria de Brasília tal vez sea el único sitio con gente suficiente para fotografía de calle en la capital. Las calles acá están muy vacías, como en una maqueta de arquitectura. Así que desde que pasé a vivir aquí, en 2014, es mi principal punto de interés, fotografío allí casi todos los días. Casi un millón de personas pasan por ella diariamente, y me encanta estar en medio de ese flujo de gente corriendo. A veces pasan tantas cosas que ya no pienso más, voy fotografiando reaccionando al movimiento, a las explosiones de luz del sol y de los colores.


Biografía

Gustavo “Minas” Gómes nació en un pequeño pueblo del estado de Minas Gerais. Su interés por la fotografía ha existido desde siempre. En la escuela, era el que fotografiaba los asados y fiestas, en un tiempo en que a ninguno de sus amigos les interesaba mucho la fotografía. Se graduó en Periodismo en la Universidade Estadual de Londrina, donde siempre se encargaba de las fotos para los periódicos universitarios. Antes de intentar conseguir un trabajo se fue a Londres, trabajando como camarero durante un año. Cuando regresó a Brasil consiguió un trabajo como reportero en un periódico popular de São Paulo, escribiendo sobre economía y empleo.

Horas largas, turnos de fin de semana y aburridos como el infierno. No estaba contento con lo que estaba haciendo y esto le hizo probar la fotografía. Se compró su primera réflex en 2007 y estudió en 2009 durante un año con el maestro Carlos Moreira, un fotógrafo brasileño que había fotografiado la ciudad de São Paulo desde los años 60.

Moreira hablaba mucho de la fotografía como una forma de meditación, y de fotógrafos que la han utilizado como expresión personal más que todo, y sobre el placer de caminar, de perderse en las calles y observar a la gente, y todo eso influenció muchísimo a Minas. También le  gustó su idea de hacer algo sólo para complacerse a uno mismo cuando todos los demás se apresuraban a trabajar y, desde entonces, Gustavo ha practicado la fotografía callejera en las ciudades donde ha vivido, además de trabajar como periodista y fotógrafo independiente. Con ese espíritu, sale a la calle casi diariamente, bien temprano porque le gusta una luz tan dramática como en las fotos de Harry Gruyaert o Alex Webb.

Ha participado en varias exposiciones colectivas e individuales, obtenido numerosos premios como Commended Photographer en Sony World Photography Awards de 2018,  1º en categoría “El Futuro de las Ciudades” en el  POY Latam de 2017, 1° lugar con su ensayo "O Parto" en el Prix Photo Web Aliança Francesa de 2017, vencedor del concurso Life Framer: Street Life, 2º puesto en los International Street Photography Awards de 2013, …  y es o ha sido miembro de los colectivos SelvaSP, Vivo y Flanares.


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Libros

miércoles, 9 de octubre de 2019

Antonio Gálvez

Antonio Gálvez es un pintor y fotógrafo español (nacido en 1928 en Barcelona, donde vive actualmente). Artista innovador, sus explosivas imágenes rebosan ideas sorprendentes que se traducen en un estilo muy personal, con el que combate la mediocridad y la injusticia existencial.


Luis Buñuel da orientaciones a la virgen en el filme La vía Láctea” © Antonio Gálvez

Luis Buñuel da orientaciones a la virgen en el filme La vía Láctea” © Antonio Gálvez


De esa manera participé en los rodajes de los filmes La vía láctea(1969), y El discreto encanto de la burguesía (1972). Mi intención era captarlo a él [Luis Buñuel] en activo, no en pasivo, dirigiendo los actores, verificando el vestuario, y muchas cosas. A mi me interesaba destacar la personalidad de un ser humano, a partir de lo que hace.



Biografía

Antonio Gálvez nació en Barcelona de padre alicantino y madre manchega, comenzando en el arte a muy temprana edad. De niño le apasionaba la pintura, por lo que comenzó siendo pintor y fueron unos amigos los que le dieron a conocer lo que para él sería su gran descubrimiento: una máquina de retratar.

Tras la Guerra Civil Española y la Posguerra, con la falta de libertad que acompañaron a estos periodos, vio la necesidad de marcharse a Paris por la necesidad de mostrar su mundo interior. Allí estaría casi 30 años, desde 1965 hasta 1992, y conocería a lo más granado de la sociedad intelectual del momento. Allí se fue solo y en coche, huyendo del oscuro periodo de dictadura que vivía España, sin conocer a nadie ni saber francés, teniendo que dormir en su vehículo en las calles de París al comienzo.

Cuando ya hablaba un poco de francés, concretó una entrevista con el director de uno de los teatros más importantes de Paris en ese momento, para ver si podía hacer una exposición del mundo del teatro. Para conseguir su fin, le presentó como aval sus muestras y bocetos, lo que le sirvió para conseguir trabajo retratando la representación teatral de la obra Marat/Sade del dramaturgo alemán Peter Weiss, siendo además la primera exposición que acogería la sala. La muestra, formada por 6 imágenes, estuvo expuesta durante tres meses con gran éxito, con la anécdota de que uno de los cuadros fue robado, precisamente el que representaba la muerte de Marat. Le apasionaba el mundo de la cultura y sobre todo la literatura y el teatro, siempre desde la perspectiva del escritor, del creador de la obra. Durante los años 60, trabajó la imagen en la escenografía teatral tanto en España como en Francia.

A partir de 1969 inició una colaboración con Luis Buñuel y empezó la serie Huellas de una mirada sobre él, acompañando al cineasta en sus rodajes, fotografiándolo discretamente en medio de situaciones cotidianas y realzando su parte más humana. También recreó su universo por medio del fotomontaje, técnica a la que añadió otras prácticas, como la pintura.

De 1971 a 1972 colaboró en varias películas y en un documental sobre el pintor Francis Bacon, encargo de la televisión francesa. En 1973 emprendió la serie Esa falsa luz del día, que finalizaría en 1992. Compaginó la realización de este proyecto con una serie de trabajos sobre Gaudí (1979) y el inicio de su serie de 70 retratos de grandes personajes (entre ellos Antonio Saura, Juan Goytisolo, Julio Cortázar, Pablo Neruda, Marguerite Duras, Mario Vargas Llosa y Gabriel García Márquez) del mundo de la cultura Mes amis les grosses têtes (Mis amigos, la gente importante).

De 1976 a 1979 trabajó en su proyecto Antonio Gálvez y la descomposición de los mitos, 10 cofres compuestos de 10 obras y 5 textos manuscritos de grandes escritores contemporáneos. Colaboró con la Unesco como fotógrafo del Año Internacional del Niño y realizó sus series El erotismo con la ironía quevedesca (terminada en 1987) y La maravillosa monstruosidad de París, un trabajo en color sobre las muñecas de Marta Kuhn Weber.

Entre las exposiciones que se han hecho de su obra, cabe señalar las realizadas en el Théâtre Sarah Bernhardt de París en 1966, el Museo Gaudí en Barcelona en 1966, el Palais des Papes de Aviñón, durante el festival de teatro en 1968, la Posada del Potro en Córdoba en 1988, La Virreina Centre de la Imatge en Barcelona en 1992, Huellas de una mirada en 17 ciudades en 2000, el Palau Robert en Barcelona en 2005, Institutos Cervantes diversos, como el de París en 2019, …  Su obra forma parte de colecciones públicas y privadas como la Bibliothèque Nationale de France y los Fonds National d’art Contemporain en París.


Referencias




Libros

  • Mis amigos los cabezones, 2018.
  • Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI, 2013.
  • La ferida del món, 2009.
  • Buñuel, una relación circular con Antonio Gálvez, con Julio Cortázar, Juan Goytisolo y Julián Ríos, 1994.
  • Antonio Galvez: inèdit, 1992.
  • Alegoría a Luis Buñuel, 1989.
  • Poupées de Marta Khun-Weber, 1973.
  • Prosa del observatorio, con Julio Cortázar, 1972.

lunes, 7 de octubre de 2019

Don Hunstein

Don Hunstein fue un fotógrafo estadounidense (nacido el 19 de noviembre de 1928 en St. Louis, Missouri, fallecido el 18 de marzo de 2017 en Manhattan, Nueva York) cuyas fotografías se han convertido en símbolos de una época. En la historia de la fotografía musical, su trabajo durante sus 30 años en Columbia Records es insuperable en su alcance y amplitud. A través de su humor sutil y naturaleza tranquila, fue capaz de grabar muchos grandes momentos en la historia de la música. Fotografió al famoso y al no tan famoso, cientos de portadas de álbumes y miles de escenas en los escenarios y detrás de las bambalinas.


Bob Dylan and Suze Rotolo, Freewheelin’ session 1963 © Don Hunstein
Bob Dylan and Suze Rotolo, Freewheelin’ session 1963 © Don Hunstein


Una de sus imágenes más conocidas es ésta de Bob Dylan caminando con su novia Suze Rotolo y que fue utilizada para la portada del álbum de Dylan The Freewheelin' Bob Dylan. Es en color, cuando la mayor parte de su obra es en blanco y negro.

"Conocí a Bob en su apartamento, un tercer piso en West 4th Street en Greenwich Village. El apartamento era bastante sombrío, pero pude hacer una buena serie, incluyendo algunas con su novia Suze. Dylan era ya entonces bastante seguro de sí mismo y consciente de su imagen y sabía cómo aparecer ante la cámara. Entonces decidimos probar la calle, pero la luz se desvanecía tan rápido que solo pude disparar un rollo de color y varios de blanco y negro".


Biografía

Donald Robert Hunstein creció en St. Louis, Missouri, y asistió a la Universidad de Washington, graduándose en 1950 con un título en inglés. Después de la universidad se alistó en la Fuerza Aérea de los Estados Unidos y durante la Guerra de Corea estuvo destinado en Fairford, Inglaterra, donde se le asignó un trabajo de oficina.

Sus padres le habían dado una cámara modesta para que pudiera enviar fotos a la familia. Pero cuando esa cámara fue robada del cuartel compró un Leica M3 en el economato de la base. Con su nueva cámara e inspirándose en los libros de Henri Cartier Bresson, que compró en un permiso de 3 días en París, su hobby comenzó a transformarse en una vocación. Después de un año en Fairford, fue destinado a una base a las afueras de Londres. Allí, se unió a un club de cámara local y tomó clases nocturnas en la Central School of Art and Design de Londres, donde creció influenciado por los artistas y diseñadores a los que conoció allí.

En 1954 Don regresó a los Estados Unidos, primero a St. Louis y luego a Nueva York para unirse a un amigo que tenía un trabajo en publicidad allí. Su portafolio de fotos de Londres no impresionó a los fotógrafos locales. Sin embargo, se le ofreció un aprendizaje en un estudio comercial, donde aprendió a dominar cámaras de gran formato y el uso de iluminación y luego trabajó como asistente de un fotógrafo conocido.

En pocos años estuvo listo, al menos técnicamente, para emprender su propia carrera como fotógrafo. Deborah Ishlon, que dirigía el departamento de publicidad de Columbia Records, en un momento en que el negocio discográfico se estaba expandiendo rápidamente necesitaba a alguien que la ayudara a dirigir la biblioteca de imágenes y suministrar copias a la prensa, le ofreció el trabajo a un ordenado y riguroso Don, que poco a poco se convirtió en el fotógrafo principal de la compañía, para la que trabajó más de 30 años, en una distinguida carrera en la que retrató a músicos de todo tipo: clásico, Jazz, folk y luego rock, en conciertos, sesiones de grabación, en la carretera, y en el estudio.

Hunstein tenía la habilidad para estar en el lugar correcto en el momento adecuado y la capacidad de escuchar con su cámara. Instintivamente comprendió que para capturar a los artistas en sus mejores momentos, se necesitaba paciencia, confianza y humildad. Rodó cientos de portadas discográficas y documentó las sesiones de grabación de muchos de los músicos más importantes del siglo XX.  Sus fotografías documentaban una rara época en la que los músicos dedicaban la mayor parte de su tiempo a su arte, en lugar de su publicidad.


Referencias




Libros

sábado, 5 de octubre de 2019

Edgardo Debas

Edgardo Debas fue un fotógrafo francés (nacido el 23 de mayo de 1845 en Moulins, Francia, fallecido el 28 de diciembre de 1891 en Madrid) que se estableció en España, especializado en retratos que también colaboró con la prensa ilustrada de finales del siglo XIX.


Edgardo Debas
Edgardo Debas



Biografía

Pedro Edgardo Debas y Dujat aprendió fotografía en su ciudad natal y tras trabajar en Angouleme y en París para Le Monde Illustré, se instaló junto a su hermano Fernando Debas en Madrid en la década de 1870, aunque muy pronto sus estudios se separarían. Se instaló en la Puerta del Sol madrileña y en la carrera de San Jerónimo, y tuvo su periodo de apogeo entre los años 80 y 90 del siglo XIX. Se especializó con gran éxito en retrato así como en colaborar con la prensa ilustrada de finales del siglo XIX, realizando vistas de las calles de Madrid.

Su origen francés quedaba patente en la publicidad del estudio: «Fotografía parisien» como un reclamo para el público madrileño.  Ambos hermanos fueron retratistas excepcionales, expertos en fotos de grupo, y disfrutaron de gran prestigio y reconocimiento social. Su fama era tal que la realeza española se hizo retratar por ellos. Edgardo fotografió a  la Infanta Isabel de Borbón La Chata, muy querida por los madrileños, y a muchos de los intelectuales de la época.

Su fama se mantuvo durante mucho tiempo, aunque a principios del siglo XX, otros fotógrafos como Antonio Cánovas, Campúa o Alfonso terminaron por eclipsar a los grandes fotógrafos anteriores, en lo que supuso el paso de una fotografía profesional basada en el retrato a un concepto más artístico de la fotografía.

Edgardo publicó en las revistas Blanco y Negro, Nuevo Mundo, El Teatro y La Ilustración Española y Americana. Fue premiado con la Medalla de Oro en las exposiciones de Oporto (1880), Florencia (1887) y Barcelona (1888), y con Medalla de Plata en la de París (1889).



Referencias




Libros

  • Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI, 2013.
  • Diccionario Espasa Fotografía, 2002.
  • La fotografía en España: de los orígenes al siglo XXI, 2001.
  • La Fotografía en las Colecciones Reales, 1999.
  • Las fuentes de la Memoria: Fotografía y Sociedad en la España del siglo XIX, de P. López Mondéjar, 1989.