domingo, 29 de septiembre de 2019

Emmy Andriesse

Emmy Andriesse fue una fotógrafa holandesa (nacida el 14 de enero de 1914 en La Haya, fallecida el 20 de febrero de 1953 en Ámsterdam) conocida por su trabajo con el grupo Underground Camera (De Ondergedoken Camera) durante la ocupación alemana de Holanda durante la Segunda Guerra Mundial, principalmente por su inolvidable representación del sufrimiento civil en el Invierno del Hambre de Ámsterdam de 1944-1945. Su enfoque riguroso pero sensible le permitió producir imágenes de un poder poético inusual, mientras que sus versátiles fotografías de moda, documentales, retratos y paisajes revelan su curiosidad por sus semejantes y su sentido de la belleza.



Boy with a pan © Emmy Andriesse


Su inquietante toma del "niño con cacerola", un niño solitario y desnutrido fotografiado en un canal de Ámsterdam en 1944, se ha convertido en su imagen más famosa, icono de una población hambrienta y agotada que lucha por sobrevivir el último año de la guerra.


Biografía

Emmy Eugenie Andriesse fue hija única de padres judíos liberales empleados en empresas textiles. Con 15 años perdió a su madre y como su padre estaba a menudo de viaje como representante internacional, fue criada por varias tías, todas ellas trabajadoras y autónomas. Así que mostró gran interés en la emancipación de las mujeres y en ideas políticas orientadas a la izquierda.

Aunque Emmy se formó diseño publicitario en la Academia de Bellas Artes de La Haya fundada en 1929 por el diseñador Gerrit Kiljan, apenas desarrolló sus preferencias por esta dirección, perteneciendo a un grupo de estudiantes agrupados alrededor del arquitecto izquierdista Paul Schuitema. Asistió a una clase experimental de éste, donde aprendió fotografía y el uso de la fotografía en carteles, publicidad y artículos de periódico. Ya desde el segundo año de estudios se centró  casi exclusivamente en la fotografía, consiguiendo el apodo de “Emma Leica”. Pronto, sin embargo, cambió la rápida cámara de 35"mm por una Rolleiflex de 6x6”.

En 1941 Andriesse se casó con el diseñador gráfico y artista visual Dick Elffers, pero a pesar de ser un matrimonio mixto durante la ocupación nazi ella no pudo publicar y se vio obligada a esconderse. Ambos crearon documentos falsos para los combatientes de la resistencia y los judíos. A fines de 1944, con la ayuda de la antropóloga Arie Froe, falsificó sus papeles y se reintegró a la vida cotidiana, uniéndose al grupo de fotógrafos De Ondergedoken Camera (Cas Oorthuys, Charles Breijer, …) que trabajaron clandestinamente con peligro de sus vidas para documentar la ocupación alemana de Holanda.

A las pocas semanas de la liberación, sus fotos formaron parte de una exposición sobre la ocupación que se convirtió en un libro en 1947. Sus fotos más icónicas (Niño con cacerola, La excavadora de la muerte y Los niños de Kattenburg) son de esa época, de la hambruna de 1944 conocida como el Invierno del Hambre, y no son sólo documentos de hambre, pobreza y miseria durante la ocupación sino también una muestra de sus inquietudes artísticas.

También documentó la liberación de los Países Bajos por los Aliados en 1945 y los primeros años de lucha y reconstrucción de la posguerra.  Después se convirtió en fotógrafa de modas y fue asociada y mentora de Ed van der Elsken; participó en la exposición colectiva Photo'48 y en 1952, junto con Carel Blazer, Eva Besnyö y Cas Oorthuys en la exposición Photographie, ambas en el Museo Stedelijk de Ámsterdam.

Su fotografía fue incluida en 1951 en la mítica exposición The Family of Man de Edward Steichen. Su último trabajo, el libro El mundo de Van Gogh, fue publicado póstumamente en 1953, tras su muerte, joven como su madre, por cáncer.

El Museo de Fotografía de La Haya conmemoró el 50 aniversario de su muerte con una importante retrospectiva de su trabajo. En octubre de 2006 fue incluida en una exhibición de fotografía europea del siglo XX en la Barbican Art Gallery de Londres. El Museo Van Gogh realizó también una exposición de su obra en el centenario de su nacimiento. Su archivo se guarda en la Universidad de Leiden.


Referencias



Libros

  • The world of Van Gogh, 1953.
  • Emmy Andriesse : 1914-1953, 1996.
  • Emmy Andriesse: Hidden lens, 2013.

viernes, 27 de septiembre de 2019

Carsten Peter

Carsten Peter es un fotógrafo, cineasta, biólogo y aventurero alemán, ganador del World Press Photo y colaborador habitual de la revista National Geographic, especializado en fotografía extremas: bucear en un glaciar en el Mont Blanc, cruzar el Sahara en camello, hacer espeleología en Borneo y en Vietnam. Siempre al límite con su cámara, buscando dónde la naturaleza sigue siendo pura y donde su supervivencia dependerá de su ingenio y sus habilidades como escalador técnico, parapentista, espeleólogo, buceador y cañonista.


Nyiragongo © Carsten Peter



Biografía

Carsten Peter tuvo su primer contacto con los volcanes con 15 años, con sus padres, en un rápido contacto con el Etna, el volcán activo de Sicilia. Con 17 años, tuvo su primera oportunidad de viajar de forma independiente y fue con un amigo a Stromboli, la isla frente a Sicilia, y subió a la cima de su volcán con la esperanza de hacer fotos desde el borde del cráter, pero una explosión lanzó lava sobre sus cabezas y se fueron corriendo sin hacer ninguna foto.

Su obsesión por la exploración parece inspirada en la curiosidad científica a partes iguales y el asombro infantil. Mientras Carsten estudiaba biología en la universidad en sus vacaciones viajaba por África en motocicleta, llevando siempre una cámara para mostrar a otros partes interesantes del mundo que son difíciles de alcanzar. Las ventas de sus fotos le ayudaron a financiar sus estudios y sus viajes.

Carsten también había comenzado a explorar cuevas y luego decidió adaptar sus técnicas de escalada para explorar los fascinantes glaciares alpinos, siempre cambiantes, como un ser vivo. Luego investigó los glaciares en Islandia y Groenlandia. En un momento, en el que pocos profesionales habían fotografiado los glaciares desde el interior, envió su portafolio de los glaciares a National Geographic, y consiguió su primera portada para la revista en 1996.

Siempre obsesionado con el diseño de técnicas fotográficas innovadoras para capturar imágenes nunca antes vistas de algunos de los entornos más aterradores del planeta. Sus muchas aventuras incluyen desafiar cavernas tóxicas y cascadas de ácido para fotografiar dentro de los pozos de hielo más profundos de la tierra, hacer rápel en volcanes activos con lagos de lava y cuevas térmicas sobrecalentadas, y romper récords de altitud mientras vuela su parapente motorizado.

Además de su premio World Press Photo por su cobertura de tornados en el oeste de Estados Unidos, también ha recibido un premio Emmy por su video desde el interior de un volcán activo en el Pacífico Sur.


Referencias



Libros

miércoles, 25 de septiembre de 2019

Fernando Debas

Fernando Debas fue un fotógrafo francés (nacido el 31 de agosto de 1842 en Moulins, Francia, fallecido el 21 de junio de 1914 en Madrid) que se estableció en España, especializado en retrato de estudio entre 1872 y 1902 en Madrid.


Fernando Debas

Fernando Debas




Biografía

Fernando Juan Bautista Debas y Dujat aprendió fotografía en su ciudad natal y tras trabajar en Angouleme, Cognac y Libourne, se instaló junto a su hermano Edgardo Debas en Madrid en la década de 1872, aunque muy pronto sus estudios se separarían, manteniendo Fernando el estudio en la calle del Príncipe. En 1878 abrió una sucursal en Valladolid, con gran éxito comercial.

Su origen francés quedaba patente en la publicidad del estudio: «Fotografía parisien» como un reclamo para el público madrileño. Ambos hermanos fueron retratistas excepcionales, expertos en fotos de grupo, y disfrutaron de gran prestigio y reconocimiento social.

Su fama era tal que el rey Alfonso XII, nada más llegar a España, se hizo retratar por ellos. Fernando se anunciaba como Primer fotógrafo de ss. mm. y de ss. aa. rr. la Princesa de Asturias, e Infantas.  En 1875 el rey le concedió el título de fotógrafo de cámara, así como el uso del escudo de armas reales en la muestra y facturas de su establecimiento. La documentación del Archivo de Palacio testimonia su vinculación con la Casa Real desde 1875 hasta 1900, con retratos oficiales de Alfonso XII y los primeros años de Alfonso XIII, así como de cada uno de los miembros de la familia, y de sus viajes y jornadas de recreo y entretenimiento.

Fernando Debas representa como ningún otro al fotógrafo de éxito del momento, el de los grandes estudios cuyos propietarios alcanzaron una gran prosperidad pero cuyos parámetros estaban llamados a desaparecer con el cambio de siglo. Además de los retratos reales, su estudió fotografió a lo más granado de la sociedad madrileña, acabando el propio fotógrafo integrado en la alta sociedad de la villa.
Su fama se mantuvo durante mucho tiempo, aunque a principios del siglo XX, otros fotógrafos como Antonio Cánovas, Campúa o Alfonso terminaron por eclipsar a los grandes fotógrafos anteriores, en lo que supuso el paso de una fotografía profesional basada en el retrato a un concepto más artístico de la fotografía.

Casado con Francisca Moullette, no tuvo descendencia. En 1887 adquirió el balneario de Caldeliñas y el manantial de Sousas, en Verín, haciendo allí importantes inversiones y comercializando sus aguas, una actividad que continuó hasta su muerte.

El Archivo de la Nobleza del Archivo Histórico Nacional de España posee algunas fotografías de Fernando en su colección. Patrimonio Nacional custodia cerca de trescientas imágenes de su autoría, algunas de ellas presentadas en exquisitos álbumes de la casa Schropp.


Referencias


Libros

  • Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI, 2013.
  • Diccionario Espasa Fotografía, 2002.
  • La fotografía en España: de los orígenes al siglo XXI, 2001.
  • La Fotografía en las Colecciones Reales, 1999.
  • Las fuentes de la Memoria: Fotografía y Sociedad en la España del siglo XIX, de P. López Mondéjar, 1989.

lunes, 23 de septiembre de 2019

Miles Aldridge

Miles Aldridge es un fotógrafo inglés (nacido en 1964 en Londres, donde vive y trabaja) considerado uno de los fotógrafos de moda contemporáneos más significativos, innovador y transgresor, con un estilo artístico verdaderamente inconfundible. En sus impresionantes fotografías crea mundos alternativos que se componen con precisión, saturados de color y vistos a través de su enfoque cinematográfico típico y cuya temática se puede resumir en cuatro palabras: glamour, religión, oscuridad y domesticidad.


© Miles Aldridge
© Miles Aldridge


Es un truco, los bonitos colores hacen que el mensaje sea más agradable.


Biografía

Miles Aldridge es hijo del diseñador gráfico Alan Aldridge y creció acostumbrado a las celebridades (John Lennon, Eric Clapton y Elton John eran amigos de su familia). Su primer contacto con la fotografía fue cuando era niño, posando con su padre para Antony Armstrong-Jones, Lord Snowdon.  Cuando tenía 12 años, su padre se mudó a Los Angeles formando una nueva familia, y Miles se quedó en Londres con su madre Rita y sus hermanos. Su madre moriría 5 años después.

Con 17 años tocó en la banda The X-Men, firmando con el sello discográfico de culto Creation.  Estudió diseño gráfico e ilustración en la Central St Martins para seguir los pasos de su padre y tras licenciarse en 1987 trabajó brevemente como ilustrador y dirigiendo videos musicales (para bandas como The Verve, The Charlatans y Catherine Wheel) antes de encontrar su camino a la fotografía.

Comenzó su carrera en la fotografía de moda de forma inesperada: mandó fotos de la que entonces era su novia y aspirante a modelo a Vogue y la revista les llamó a ambos. Después Aldridge realizó portadas de la revista mensual estadounidense W, y luego comenzó a trabajar para Numéro, Teen Vogue, Vogue, The New York Times Magazine, GQ, The New Yorker, The Face, Paradis y Harper's Bazaar. Durante muchos años contribuyó en Vogue Italia.

También realizó campañas para Longchamp, MAC Cosmetics, Sergio Rossi, Carolina Herrera, Lavazza y Mercedes E-Class, entre otros. Ha fotografiado para Karl Lagerfeld, Giorgio Armani, Yves Saint Laurent y Paul Smith.

Muchas galerías de arte privadas y públicas han expuesto sus fotografías en todo el mundo. Como ejemplo, en 2007 la Miami Beach Art Photo Expo, en 2006 y en 2008 la Galerie Alex Daniels en Ámsterdam con las expectaciones en solitario The Cabinet y Acid Candy. En 2009 la Steven Kasher Gallery exhibió Pictures for Photographs, su primera exposición individual en los Estados Unidos. Posteriormente, su trabajo fue exhibido también en el Centro Internacional de Fotografía con una exposición titulada Weird Beauty. En 2013, Somerset House de Londres acogió una gran exposición retrospectiva titulada I Only Want You to Love Me, con copias fotográficas a gran escala de obras producidas a lo largo de su carrera. Su obra forma parte de la colección permanente de la National Portrait Gallery en Londres, el Victoria and Albert Museum y The British Museum.


Referencias



Libros

  • (after Cattelan), 2016.
  • Please return Polaroid, 2016.
  • Miles of Mac, 2014.
  • One Black & White and Nineteen Colour Photographs, 2014.
  • Miles Aldridge's Carousel, 2014.
  • Miles Aldridge: I Only Want You To Love Me, 2013.
  • Miles Aldridge: Other Pictures, 2013.
  • Kristen: As seen by Miles Aldridge and Chantal Joffe, 2010.
  • Pictures for Photographs, 2009.
  • Acid Candy, 2008.
  • The Cabinet, 2006.




sábado, 21 de septiembre de 2019

Sibylle de Kaskel

Sibylle de Kaskel fue una fotógrafa alemana (nacida en 1905 en Dresde, fallecida en 2005 en Mallorca, España) cuya obra tocó la arquitectura urbana y de instalaciones turísticas, principalmente en las islas Baleares en la época previa a la Guerra Civil, y el retrato.



Gran Vía. 1936 © Sibylle de Kaskel




Biografía

Sibylle de Kaskel nació en el seno de una de las familias judías más ricas de Alemania. Parecía predestinada a vivir en la abundancia pero, sin embargo, pasó casi toda su vida adulta en el extranjero y largas temporadas en condiciones difíciles. Con la llegada de Hitler al poder escapó a Francia, donde comenzó a hacer fotografía para ganarse la vida. Su primera exposición fue una colectiva organizada en la Galerie de la Pléiade de París en 1933.

En la década de los años 30 visitó Ibiza y entre 1934 y 1936 se instaló en un pueblo de Mallorca, haciendo caso a los consejos de unos parientes que le hablaron de un lugar sin hoteles ni turistas., en una isla de Mallorca entonces no muy diferente a la Arcadia feliz. En Palma de Mallorca trabajó para el arquitecto racionalista Francesc Casas y colaboró con la revista Brisas desde su primer número. También publicó en la revistas Viviendas y Re·Co y trabajó para el Patronato Nacional de Turismo republicano.

Durante el otoño de 1935 colaboró con Las Cuatro Estaciones, una revista madrileña en la que publicaría fotografías de deportes, destacando las que hizo dedicadas a la natación, caracterizadas por una composición en diagonal que relegaba las figuras de los deportistas a meros elementos formales. En 1936 colaboró con Mundial y expuso en el Centro de Exposición e Información Permanente de la Construcción, sociedad de arquitectos modernistas cuyo órgano informativo era la revista Re·Co.

Cuando estalló la Guerra Civil española huyó a París y después a Nueva York, donde se dedicó al retrato de personalidades, entre las que figura el poeta y pensador Thomas Merton. Vivió también en Houston y en Beaumont, Tejas, donde ella y su esposo vivieron hasta su retiro de la fotografía en 1964. Su marido, Robert Wood Akers, era editor en jefe del Beaumont Enterprise y se trasladaron en 1965 a Washington, D.C., trabajando como subdirector y más tarde como director de la U.S. Information Agency en la administración del presidente Lyndon B. Johnson.

En 1969 ambos decidieron retirarse a Ibiza tras su jubilación, donde vivieron 25 años y luego se trasladaron a Mallorca hasta su muerte. Su legado se encuentra muy disperso: el Archivo General de la Administración de Alcalá de Henares conserva obra de la autora, y las 26 fotografías que realizó en septiembre de 1959 a Thomas Merton forman parte de la colección del Merton Center en Louisville, Kentucky.


Referencias



Libros

jueves, 19 de septiembre de 2019

Eniac Martínez

Eniac Martínez fue un fotógrafo, pintor, cineasta y gran apasionado de las artes mexicano (nació en 1959 en Ciudad de México, donde murió el 26 de julio de 2019) que pasó su vida mirando, de viaje en viaje, contando historias, explorando temas, entendiendo y aprendiendo del mundo a través del lente de su cámara.


© Eniac Martínez
© Eniac Martínez


El paso de hacer imágenes aisladas a concentrarse en hacer un ensayo divide a un fotógrafo amateur de uno profesional. En este mundo saturado de imágenes la gente interesada en la fotografía debe pensar, ¿cómo darle sentido a mis imágenes? Y si optas por las imágenes que van sueltas entonces la labor está en pensarlas, editarlas, pensar a quién se las vas a enseñar y si harás un texto que la acompañe o no.


Biografía

Álvaro Eniac Martínez Ulloa jugó al futbol americano, luego empezó a interesarse en la música. Con 15 años tocaba la guitarra con Ángel Parra, hermano de Violeta Parra, una gran cantante chilena. Eran canciones de protesta y actuaban en los pocos foros que tocaban esa música. Estuvo en otros grupos hasta darse de cuenta de que ya era tiempo de ponerse a estudiar, así que estudió Composición en la Escuela Nacional de Música, yéndose 3 años a Cuba a continuar sus estudios en música, hasta que se aburrió y tomó el camino de las artes plásticas, estudiando en 1980 en el Instituto Superior de Arte de La Habana, luego 4 años Artes Visuales en la ENAP (Escuela Nacional de Artes Plásticas de la UNAM) y dos años después perfeccionó sus conocimientos en el International Center of Photography de Nueva York.

Un día le invitaron al Consejo Mexicano de la Fotografía, al El taller de los lunes donde se juntaban los jóvenes y no tan jóvenes a hablar de lo que era la imagen y no tanto de técnicas de fotografía. Entre los estudiantes estaban Gabriel Orozco, Rubén Ortiz, Pablo Ortiz Monasterio.  Coincidió con Pedro Meyer, de quien aprendió mucho y después de asistir a sus talleres cambió definitivamente la pintura por la fotografía, pues ésta le permitía salir al mundo.

Armado con una cámara 35mm, Eniac recorrió rincones de todo el país realizando diversas series, donde el ritmo que adopta un proyecto es fundamental. Se trata de lograr que al juntar las imágenes, la narrativa suba, baje, haga ruido y luego vuelva al silencio.

Su primer trabajo fue Mixtecos: Norte/Sur (1994) para el Instituto Nacional Indigenista, luego llegaron Litorales con  Francisco Mata Rosas y una cámara panorámica barata, Camino Real Tierra Adentro, una ruta que comienza en Ciudad de México y culmina en Santa Fe (Nuevo México), Ríos, donde el camino se ha convertido en flujo donde confluyen vida y muerte, construcción y destrucción, Tánger a Calais con el móvil, en  2017 cuando viajó a Marruecos para hacer la fotográfica fija de una película y Basura, un trabajo de 3 años (2017-2019).

Ha tenido la oportunidad de exponer en lugares de alto prestigio como el Museo Nacional de Antropología en Ciudad de México, en la Tisch School of the Arts, N.Y.U en Nueva York y en Side Gallery en Newcastle, Inglaterra, entre otros. Ha obtenido distinciones del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura, del Maine Photographic Workshop y de la Mother Jones International Fundation for Documentary Photography. En 2017 recibió del INAH la Medalla al Mérito Fotográfico. Colaboró con el periódico La Jornada, sus imágenes se han publicado en diversas revistas y periódicos como New York Times, Gatopardo, Artes libres, Photo France, Los Angeles Times, Daily Telegraph, etc.  y trabajó en proyectos cinematográficos como Vivir mata, Before night falls, Babel y Arráncame la vida junto a Diego Luna, Alejandro González Iñárritu, Emmanuel Lubezki y Alfonso Cuarón.


Referencias




Libros

  • Mixtecos.
  • Litorales.
  • Camino Real de Tierra Adentro.
  • Ríos.
  • Basura.




martes, 17 de septiembre de 2019

Carlos Gallego Rodríguez

Carlos Gallego Rodríguez fue un fotoperiodista español (nacido en 1958 en Lanueva, Langreo, fallecido el 25 de septiembre de 2005 en Cartagena, Murcia) de reconocido prestigio en la región murciana, y en particular en Cartagena. Obtuvo importantes galardones a nivel nacional e internacional, entre los que destaca el Pravda de fotografía, en 1986. Su obra, vocacional y comprometida le llevó a realizar diversos reportajes en países con problemática social.


Carlos Fonseca. Mercado de Managua, Nicaragua, 1984. © Carlos Gallego Rodríguez
Carlos Fonseca. Mercado de Managua, Nicaragua, 1984. © Carlos Gallego Rodríguez



Biografía

Carlos Gallego Rodríguez nació en Asturias y tras estudiar maestría industrial, con 17 años se trasladó a Cartagena para trabajar en la Empresa Nacional Bazán. Pronto, en los años 80, sus inquietudes fotográficas le animaron a integrarse en la Asociación Fotográfica Cartagenera (AFOCAR), siendo un miembro muy activo de la asociación, profundizando en el conocimiento técnico de la fotografía, lo que le impulsó a decantarse por el reportaje fotográfico de temática social.

Tras el cierre de AFOCAR en 1988, desarrolló su profesión como informador gráfico trabajando para el diario La Opinión en su sede de Cartagena, y como colaborador en el Festival Internacional La Mar de Músicas, desde su creación en 1995 hasta el año 2002. También participó en la creación de la Asociación de Informadores Gráficos.

Inconformista y aventurero, entre 1983 y 1984, viajó a zonas de especial conflictividad social, como la Nicaragua sandinista, formando parte de los comités españoles de solidaridad con el pueblo nicaragüense. Fruto de este viaje es el reportaje realizado en colaboración con Josep Maria Ribas i Prous por el que recibió el Premio Pravda de Fotografía en 1986. Este galardón le permitió visitar la antigua Unión Soviética, viaje que también documentó con sus fotografías. En 1988 viajó a Chile durante la campaña contra Pinochet, registrando las protestas de los demócratas chilenos contra los militares, y posteriormente los campamentos de refugiados saharauis de Tinduf.

Su trabajo como fotoperiodista en Cartagena documentó, durante los duros años 90, la crisis industrial y las reivindicaciones de los trabajadores de las empresas públicas.

En 2003, el Centro Histórico Fotográfico de la Región de Murcia (Cehiform) le dedicó una exposición antológica de su obra, y publicó el libro Carlos Gallego dentro de la colección Biblioteca de Fotógrafos de la Región de Murcia. Además del Pravda, durante su trayectoria recibió el Premio de Honor Ciudad de Cartagena en 1985 y su obra fue seleccionada para FotoPres 1993. El fondo fotográfico Carlos Gallego, compuesto por unas 470.000 fotografías, fue adquirido por la Comunidad Autónoma de la Región de Murcia en 2008 y se conserva en el Archivo General de la Región.





Referencias




Libros




domingo, 15 de septiembre de 2019

Georg Gerster

Georg Gerster fue un fotógrafo suizo (nacido el 30 de abril de 1928 en Winterthur, fallecido el 8 de febrero de 2019 en las afueras de Zúrich) considerado uno de  los pioneros en la fotografía aérea. Durante más de 40 años ha tomado impresionantes imágenes de montañas y desiertos, costas y lagos, espectaculares sitios arqueológicos y monumentos antiguos, paisajes agrarios e industriales en más de 100 países de todos los continentes, cubriendo todo tipo de territorios, desde el Amazonas a la Antártida.


Qalat i Gird in Sistan, Iran 1977 © Georg Gerster
Qalat i Gird in Sistan, Iran 1977 © Georg Gerster


Veo mis mejores fotografías aéreas como un comienzo para vuelos de pensamiento. La imagen aérea es una herramienta de reflexión. Desde lo alto, uno ve no sólo lo que es, sino también lo que podría ser: el inventario de nuestras posibilidades.



Biografía

Georg Gerster estudió lenguas clásicas y después alemán e inglés en la Universidad de Zúrich, donde también recibió su doctorado. De 1950 a 1956 fue editor científico del Zurich Weltwoche, y desde 1956 periodista independiente especializado en reportaje científico y fotografía aérea. Ha realizado extensas visitas a todas las partes del mundo, incluida la Antártida.

En este campo, la fotografía aérea, realizó importantes trabajos pioneros en las décadas de los 50 y 60, consiguiendo un gran reconocimiento no sólo por la tecnología y la calidad de sus imágenes, sino sobre todo por la universalidad e internacionalidad de los temas.  Gerster ha convertido la fotografía aérea en algo más profundo que la simple descripción llevándola a ser un instrumento contemplativo y filosófico que fomenta una mayor reflexión sobre el mundo.

En sus comienzos fotografió paisajes del norte de África; en los años sesenta documentó lugares de interés arqueológico en más de 100 países de todos los continentes. Además, tomó fotos impresionantes de montañas y desiertos, costas y lagos, paisajes agrarios e industriales. Gerster enfatiza, por un lado, la belleza del paisaje; por otro lado señala el peligro a la naturaleza causado por su uso excesivo, erosión, tecnología y mecanización.

Durante dos décadas, sus fotografías aéreas en carteles y calendarios de Swissair han contribuido sustancialmente a la imagen de esta aerolínea. Gerster también trabajó regularmente para Neue Z'rcher Zeitung y National Geographic. Posteriormente para la plataforma suiza de noticias on-line Journal21.

Gerster fue honrado en 1976 con el Premio Nadar. Sus fotos han sido mostradas en exposiciones individuales y colectivas en Europa, Japón y Estados Unidos. Fue representado por la agencia fotográfica Rapho.




Referencias



Libros

viernes, 13 de septiembre de 2019

Lupe de la Vallina

Lupe de la Vallina es una fotógrafa freelance española (nacida en Madrid en 1983) especializada en retrato y viajes. Su técnica es intuitiva y natural, eligiendo la libertad de movimiento sobre la perfección, para adaptarse al sujeto y favorecer el diálogo profundo entre modelo y fotógrafo y que así surjan conmovedores retratos.


Alba Escartín © Lupe de la Vallina
Alba Escartín © Lupe de la Vallina


Pasaré a la historia reflejada en las pupilas de los que pasarán a la historia.

Cuando te quitas de las fotos, te estás borrando de la memoria de la gente.



Biografía

Guadalupe de la Vallina supo desde pequeña que su vida siempre iba a girar en torno al arte, descubriendo a temprana edad la fotografía con una cámara Pentax analógica y manual gracias a su padre. Esto la llevó a estudiar Comunicación Audiovisual en la Universidad Francisco de Vitoria en Madrid.

Tras graduarse en 2006, estuvo trabajando en diferentes empleos que no le llegaban a apasionar del todo y recaló en una ONG que le encargó llevar su cuenta de Twitter. Probó antes a crearse una personal y como había que incluir el enlace de una web metió el de su perfil de Flickr donde tenía las fotos de sus viajes. La revista JotDown vio las imágenes y contactó con ella haciendo su primer encargo como fotógrafa en la entrevista al periodista de ajedrez Leontxo García que se publicó en 2011.

Así descubrió que sus fotografías podían ser un medio para ganarse la vida. Desde hace 8 años es habitual ver sus trabajos (fotografías y artículos escritos) en publicaciones como JotDown, El País Semanal o Yo Dona. También ha publicado en medios nacionales e internacionales como Le Monde, Vanity Fair, GQ Italia, Sportweek, Magazine Fashion&Arts, Travel&Leisure y Life&Style y realizado campañas para Repsol, Vocento, Huawei, ...

Ha retratado a Xabi Alonso, Ana Pastor, el ex-ministro Wert, Chema Madoz, John Dickie, Arbeloa, Viggo Mortensen, Pedro Sánchez,  Toni Servillo, Ancelotti, Andrés Tapiello, Teresa Sapey, … Su técnica se basa en la naturalidad y la adaptación al entorno, buscando generar un encuentro auténtico entre el retratado y el público.

Imparte cursos y charlas sobre fotografía (Domestika, PhotoEspaña, Blank Paper) y sobre la capacidad de asombro (TedX, Universidad Francisco de Vitoria, …).


Referencias


miércoles, 11 de septiembre de 2019

Maleonn

Maleonn es un diseñador gráfico, director y fotógrafo chino (nacido en 1972 en Shanghái, donde vive y trabaja) cuya obra trata una variedad de temas, pero siempre con una visión única y surrealista. En sus interesantes proyectos tiene la habilidad de crear mundos imaginarios donde la belleza caricaturizada es una de sus características. Sus influencias artísticas son la belleza de China: sus mujeres, la fantasía, un gran colorido, el vestuario, etc. dando lugar a imágenes con tintes grotescos pero bellos, con toques surrealistas y buen humor, y siempre con una cuidada puesta en escena.


© Maleonn
© Maleonn


En 2012, Maleonn emprendió un ambicioso proyecto de fotografía itinerante y participativa, Studio Mobile. De febrero a noviembre de ese año, visitó unas 25 provincias chinas y fotografió a unos 2.000 modelos voluntarios en un estudio sobre ruedas. A medida que iba fotografiando publicaba las fotos en su cuenta de la red social china Weibo.

Mi obra es mi propio mundo interior. Las escenas que muestro han surgido de mis fantasías, a veces las dibujo antes de fotografiar. Cada detalle está claro en mi mente, lo que hago es convertir mi mundo interior en realidad.



Biografía

Ma Liang, alias Maleonn, nació en un campo de re-educación al que habían sido enviados sus padres (su padre era director de la Opera de Shanghái y su madre una famosa actriz de cine) durante la Revolución Cultural, y fue criado por su abuela hasta que sus padres fueron puestos en libertad.

Estudió pintura y diseño gráfico en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Shanghái donde se graduó en 1995. Su primera carrera fueron los cortometrajes comerciales. En 2004 fue premiado como el director del Mejor Vídeo Comercial en China. Sus anuncios de televisión hicieron de él una figura muy conocida, incluso una especie de icono cultural, en la comunidad de creadores en Shanghái y en cierta medida en la población en general.

En ese mismo año, 2004, comenzó a trabajar en fotografía. En su trabajo abundan elementos surrealistas, referencias a la literatura occidental (Goethe y Shakespeare), pero también y sobre todo, a la cultura china, empleando motivos clásicos chinos. Muchos de sus tableaux vivants tienen un destacado carácter oriental. El cine, la pintura (la cual estudió por 11 años) y la fotografía parecen fusionarse en sus imágenes. Sus fotografías siempre construidas hasta el más mínimo detalle son como escenarios e intentan contar una historia en una sola imagen.

Con 40 años, recién divorciado, “limpiado” del dinámico estudio colectivo Weihai 696 en el que trabajaba desde 2004, y cansado de lidiar con el sistema del arte contemporáneo, dejó su construcción de mundos digitales y surrealistas para "hacer algo con la gente común". Con siete ayudantes y a bordo de un camión y una miniván con todo el equipo de fotografía e iluminación y abundantes elementos escenográficos, se lanzó carretera casi todo 2012. La idea era emular a los antiguos fotógrafos ambulantes que recorrían el país ofreciendo sus servicios in situ, y así viajó por 25 provincias chinas y realizó fotografías a 200.000 personas en una instalación itinerante.

Sus trabajos y composiciones fotográficas son magníficas, inquietantes, oníricas y tan surrealistas que lo han llevado a exponer en las principales galerías de todo el mundo y ser considerado uno de los mejores exponentes actuales del surrealismo digital. Maleonn ha exhibido su obra en  Shanghái, Toronto, Singapur, San Francisco, Roma y París. Fue objeto de una exposición individual en el Museo de Arte de Shanghái y ha sido incluida en exposiciones colectivas en todo el mundo, en particular en el Museo de Fotografía Contemporánea de Chicago, el Museo de Arte Contemporáneo de Shanghái, el DeVos Art Museum en la Northern Michigan University, y el Victoria & Albert Museum en Londres.




Referencias




Libros





lunes, 9 de septiembre de 2019

Ana Muller

Ana Muller es una  fotógrafa española (nacida en Madrid en 1948) que ha tocado en su larga trayectoria la fotografía de reportaje, el retrato en estudio y la arquitectura en construcción.


Playa de San Lorenzo © Ana Muller
Playa de San Lorenzo © Ana Muller



Biografía
Ana Muller es hija de Nicolás Muller, el reconocido fotógrafo húngaro afincado en Madrid y consagrado retratista de la intelectualidad española. Se hizo fotógrafa de la mano de su padre, trabajando en su adolescencia como su aprendiz en el estudio familiar. A los 20 años, sin dejar de trabajar en el estudio, comenzó a realizar sus propias fotografías, utilizando cámaras de pequeño y mediano formato y especializándose en retratos y fotografía de arquitectura e ingeniería. Marchó a Asturias a finales de la década de los 70, donde destacó su labor en reportajes periodísticos del periódico Asturias Diario.

En 1980 fue llamada por su padre para que le relevara al mando del estudio fotográfico madrileño y volvió a la capital  continuando su carrera al frente del negocio familiar. La labor de Ana como retratista es fundamental y se mantiene viva hasta el día de hoy en el mítico estudio de su padre en la calle Serrano, donde continuó la tradición hasta 2015.

Pero también cubre bodas y celebraciones, despuntando en fotografía paisajística y sobre todo en reportajes sobre obra arquitectónica en construcción. Su fotografía de arquitectura e ingeniería se caracteriza por un formalismo exquisito, que conjuga composiciones equilibradas con juegos de luces y sombras, preferiblemente en blanco y negro. Ha documentado la construcción y rehabilitación de obras singulares como el Museo Guggenheim de Bilbao, el Museo Picasso de Málaga, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, el Teatro Real de Madrid, el edificio de Correos, Madrid-Rio, la Fundación Francisco Giner de los Ríos, la Universidad Carlos III de Madrid,  el Palacio de Comunicaciones de Madrid, y obras de puentes y demás infraestructuras viarias en distintos puntos de España.

Ha expuesto individualmente su trabajo en Oviedo, Madrid, Gijón, La Coruña, Barcelona, París y Tokio, y ha participado en diferentes exposiciones colectivas. En 2017 Ana Muller donó al Museo del Pueblo de Asturias más 4.500 fotografías realizadas en Asturias entre 1976 y 1995: un extenso y variado mosaico que cubre todo el territorio del Principado durante esos años, reuniendo todo tipo de perspectivas sobre su fisonomía y sus habitantes: paisajes, fiestas, patrimonio, edificios, actividad industrial y minera, retratos o momentos de la redacción del diario Asturias, que en su fugaz año de vida contó con Muller como reportera gráfica.


Referencias




Libros

  • Arquitectura de indianos en Asturias, 1987.
  • Un viaje hacia el Norte, 1992.
  • Asturias: otra mirada, 1991.
  • Ingeniería y naturaleza. Una carretera en Asturias, 1996.
  • Arquitectura: desde el siglo VI a. C. hasta el siglo XXI, 2003.
  • Razón y sed, 2008.
  • Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI, 2013.
  • Lo moderno y lo nuevo, 2014.
  • Madrid y su arquitectura.


sábado, 7 de septiembre de 2019

Ad Windig

Ad Windig fue un fotógrafo holandés (nacido el 8 de noviembre de 1912 en Heemstede, fallecido el 9 de marzo de 1996 en Ámsterdam) que fue uno de los fotógrafos de GKf que determinaron el rostro de la fotografía de reportaje holandés después de la Segunda Guerra Mundial. Su obra es de una calidad constante con un lenguaje visual propio reconocible y sus temas abarcaron desde retratos (incluidos los de las princesas de Holanda) hasta informes corporativos, desde paisajes hasta bodegones. Publicó sus fotografías en una veintena de libros y se hizo internacionalmente conocido a través de publicaciones en revistas alemanas, inglesas, francesas y japonesas.


© Ad Windig / Maria Austria Instituut
© Ad Windig / Maria Austria Instituut


Sus fotos eran pequeñas pinceladas humorísticas: una chica corriendo en una playa con niebla, un tren de vapor medio escondido detrás de un cobertizo que parece perforar, un trabajador calvo que se asemeja a los maniquíes que hace. Sus fotografías cotidianas están cuidadosamente compuestas y con una luz magistral, encajando perfectamente en la tradición documental humanista.


Biografía

Adrianus Windig tuvo su primera cámara, una Ernemann, regalo de su padre, a los 13 años. Su futuro hubiera sido trabajar en la agencia de seguros de su padre, pero la fotografía y su activismo le llevaron a otros lares. Miembro del Movimiento Oxford (un movimiento cristiano internacional que más tarde sería Rearme moral) trabajará a tiempo completo para este movimiento, grabando además las reuniones con una Rolleicord. Después de ver la exposición Foto'37 en el Museo Stedelijk de Ámsterdam, decidió convertirse en fotógrafo profesional.

En los primeros años de guerra (invadida Holanda por la Alemania nazi) estudió 6 meses con Carel Blazer y Emmy Andriesse teoría y práctica fotográfica respectivamente. Durante la ocupación, Windig será capturado tres veces por actividades ilegales. Entre otras cosas, hizo fotos de pasaporte para tarjetas de identidad falsas de personas escondidas. En 1943 Blazer fue condenado a muerte y Windig a 10 años, pero un error burocrático les libró de la condena después de un tiempo en la cárcel.

Junto con el también fotógrafo Kryn Taconis se conectó con el grupo de fotógrafos que más tarde se hicieron conocidos con el nombre de De Ondergedoken Camera (Cámara oculta) que documentaba la ocupación. Su esposa Annebet, también ocasionalmente fotografía ilegalmente con una Rolleiflex 'oculta' en la cintura como hacía él y después revelaban e imprimían sus fotos. Dos semanas antes de la liberación de Holanda, el matrimonio fue capturado por las SS pero Ad se escapó por la ventana del baño.

En 1945 fue uno de los fundadores de los GKf (Gebonden Kunsten Federatie). En 1948 se unió a Carel Blazer durante unos años bajo el nombre de Blazer y Windig. Ad fue a su vez maestro de Henny Henriét,  Annelies Romein, Ed van der Elsken y Philip Mechanicus.

Para él, el propósito de la fotografía era la publicación en libros, informes y publicidad impresa; otro uso no tenía valor para él. Afortunadamente, todo su archivo ha sido preservado en el Maria Austria Institut (MAI), que realizó la exposición titulada Les Vacances de Monsieur Windig en Maison Descartes en Ámsterdam en 1997, a partir de su fotografía de viaje que hizo a lo largo de los años por África Central, Congo Belga, África Ecuatorial Francesa, Chad y sobre todo por su favorita, Francia.




Referencias



Libros

jueves, 5 de septiembre de 2019

Marta Sentís

Marta Sentís es una fotógrafa catalana (nacida en 1949 en Barcelona, donde reside) que, tras viajar por todo el mundo, afirma la singularidad y el derecho a la diferencia del otro a través de la multiplicidad de las culturas del planeta. Es una antropóloga del paisaje de la dignidad humana.


ASSIA“ Kossala, Sudan, 1984 © Marta Sentís
“ASSIA“ Kossala, Sudan, 1984 © Marta Sentís


Biografía

Marta Sentís pasó su infancia desde los 3 años en París y posteriormente estudió en Barcelona, Oxford y Florencia. Al inicio de los 70, se trasladó a Nueva York investigando la cultura afroamericana, y después de varios empleos trabajó en Naciones Unidas, en el departamento de la Organización Mundial de la Salud

A mediados de esa década empezó a residir y fotografiar en diferentes continentes, permaneciendo durante un año en las islas Maldivas y, cuando se cansó de sus colores, se trasladó a la ciudad de El Cairo. En África, Brasil y otras tierras lejanas practicó el fotoperiodismo al mismo tiempo que se dejaba tentar por la intuición creativa.

Además de publicar sus reportajes trabajó como intérprete, en foto fija para cine y televisión y como fotógrafa itinerante de diferentes agencias de Naciones Unidas y como freelance para la agencias neoyorquina, Photo Researchers, y la barcelonesa AGE.

Al mismo tiempo, desarrollaba una obra fotográfica personal para diferentes soportes y espacios, buscando alternativas a las galerías de arte. Marta prefirió siempre el color por su realismo y actualidad. Su trabajo, en fotografía analógica, invita a asomarse a un mundo por aquel entonces aún en vías de globalización y en especial a las poblaciones de muy poco poder adquisitivo, a las que retrataba en su cotidianidad, lejos de los estereotipos de la mirada etnocéntrica.

Sus obras han sido expuestas en el Espacio 10 de la Fundación Joan Miró de Barcelona (1983), Museo Reina Sofía de Madrid (1991), en el Center for Creative Photography de la Universidad de Arizona en Tucson (1992) y en la Fotobiennale de Enschede de Holanda (1992) y la Fundación “la Caixa” (itinerante, 1993-94).

A mediados de los 90 dejó definitivamente la fotografía, aunque ha expuesto posteriormente en PHotoEspaña en 1998 y 1999, y en 2000 mostró su imagen de Brasil dentro del marco del festival La Mar de Músicas de Cartagena, donde expuso junto con Sebastião Salgado y otros autores.


Referencias



Libros