domingo, 15 de septiembre de 2019

Georg Gerster

Georg Gerster fue un fotógrafo suizo (nacido el 30 de abril de 1928 en Winterthur, fallecido el 8 de febrero de 2019 en las afueras de Zúrich) considerado uno de  los pioneros en la fotografía aérea. Durante más de 40 años ha tomado impresionantes imágenes de montañas y desiertos, costas y lagos, espectaculares sitios arqueológicos y monumentos antiguos, paisajes agrarios e industriales en más de 100 países de todos los continentes, cubriendo todo tipo de territorios, desde el Amazonas a la Antártida.


Qalat i Gird in Sistan, Iran 1977 © Georg Gerster
Qalat i Gird in Sistan, Iran 1977 © Georg Gerster


Veo mis mejores fotografías aéreas como un comienzo para vuelos de pensamiento. La imagen aérea es una herramienta de reflexión. Desde lo alto, uno ve no sólo lo que es, sino también lo que podría ser: el inventario de nuestras posibilidades.



Biografía

Georg Gerster estudió lenguas clásicas y después alemán e inglés en la Universidad de Zúrich, donde también recibió su doctorado. De 1950 a 1956 fue editor científico del Zurich Weltwoche, y desde 1956 periodista independiente especializado en reportaje científico y fotografía aérea. Ha realizado extensas visitas a todas las partes del mundo, incluida la Antártida.

En este campo, la fotografía aérea, realizó importantes trabajos pioneros en las décadas de los 50 y 60, consiguiendo un gran reconocimiento no sólo por la tecnología y la calidad de sus imágenes, sino sobre todo por la universalidad e internacionalidad de los temas.  Gerster ha convertido la fotografía aérea en algo más profundo que la simple descripción llevándola a ser un instrumento contemplativo y filosófico que fomenta una mayor reflexión sobre el mundo.

En sus comienzos fotografió paisajes del norte de África; en los años sesenta documentó lugares de interés arqueológico en más de 100 países de todos los continentes. Además, tomó fotos impresionantes de montañas y desiertos, costas y lagos, paisajes agrarios e industriales. Gerster enfatiza, por un lado, la belleza del paisaje; por otro lado señala el peligro a la naturaleza causado por su uso excesivo, erosión, tecnología y mecanización.

Durante dos décadas, sus fotografías aéreas en carteles y calendarios de Swissair han contribuido sustancialmente a la imagen de esta aerolínea. Gerster también trabajó regularmente para Neue Z'rcher Zeitung y National Geographic. Posteriormente para la plataforma suiza de noticias on-line Journal21.

Gerster fue honrado en 1976 con el Premio Nadar. Sus fotos han sido mostradas en exposiciones individuales y colectivas en Europa, Japón y Estados Unidos. Fue representado por la agencia fotográfica Rapho.




Referencias



Libros

viernes, 13 de septiembre de 2019

Lupe de la Vallina

Lupe de la Vallina es una fotógrafa freelance española (nacida en Madrid en 1983) especializada en retrato y viajes. Su técnica es intuitiva y natural, eligiendo la libertad de movimiento sobre la perfección, para adaptarse al sujeto y favorecer el diálogo profundo entre modelo y fotógrafo y que así surjan conmovedores retratos.


Alba Escartín © Lupe de la Vallina
Alba Escartín © Lupe de la Vallina


Pasaré a la historia reflejada en las pupilas de los que pasarán a la historia.

Cuando te quitas de las fotos, te estás borrando de la memoria de la gente.



Biografía

Guadalupe de la Vallina supo desde pequeña que su vida siempre iba a girar en torno al arte, descubriendo a temprana edad la fotografía con una cámara Pentax analógica y manual gracias a su padre. Esto la llevó a estudiar Comunicación Audiovisual en la Universidad Francisco de Vitoria en Madrid.

Tras graduarse en 2006, estuvo trabajando en diferentes empleos que no le llegaban a apasionar del todo y recaló en una ONG que le encargó llevar su cuenta de Twitter. Probó antes a crearse una personal y como había que incluir el enlace de una web metió el de su perfil de Flickr donde tenía las fotos de sus viajes. La revista JotDown vio las imágenes y contactó con ella haciendo su primer encargo como fotógrafa en la entrevista al periodista de ajedrez Leontxo García que se publicó en 2011.

Así descubrió que sus fotografías podían ser un medio para ganarse la vida. Desde hace 8 años es habitual ver sus trabajos (fotografías y artículos escritos) en publicaciones como JotDown, El País Semanal o Yo Dona. También ha publicado en medios nacionales e internacionales como Le Monde, Vanity Fair, GQ Italia, Sportweek, Magazine Fashion&Arts, Travel&Leisure y Life&Style y realizado campañas para Repsol, Vocento, Huawei, ...

Ha retratado a Xabi Alonso, Ana Pastor, el ex-ministro Wert, Chema Madoz, John Dickie, Arbeloa, Viggo Mortensen, Pedro Sánchez,  Toni Servillo, Ancelotti, Andrés Tapiello, Teresa Sapey, … Su técnica se basa en la naturalidad y la adaptación al entorno, buscando generar un encuentro auténtico entre el retratado y el público.

Imparte cursos y charlas sobre fotografía (Domestika, PhotoEspaña, Blank Paper) y sobre la capacidad de asombro (TedX, Universidad Francisco de Vitoria, …).


Referencias


miércoles, 11 de septiembre de 2019

Maleonn

Maleonn es un diseñador gráfico, director y fotógrafo chino (nacido en 1972 en Shanghái, donde vive y trabaja) cuya obra trata una variedad de temas, pero siempre con una visión única y surrealista. En sus interesantes proyectos tiene la habilidad de crear mundos imaginarios donde la belleza caricaturizada es una de sus características. Sus influencias artísticas son la belleza de China: sus mujeres, la fantasía, un gran colorido, el vestuario, etc. dando lugar a imágenes con tintes grotescos pero bellos, con toques surrealistas y buen humor, y siempre con una cuidada puesta en escena.


© Maleonn
© Maleonn


En 2012, Maleonn emprendió un ambicioso proyecto de fotografía itinerante y participativa, Studio Mobile. De febrero a noviembre de ese año, visitó unas 25 provincias chinas y fotografió a unos 2.000 modelos voluntarios en un estudio sobre ruedas. A medida que iba fotografiando publicaba las fotos en su cuenta de la red social china Weibo.

Mi obra es mi propio mundo interior. Las escenas que muestro han surgido de mis fantasías, a veces las dibujo antes de fotografiar. Cada detalle está claro en mi mente, lo que hago es convertir mi mundo interior en realidad.



Biografía

Ma Liang, alias Maleonn, nació en un campo de re-educación al que habían sido enviados sus padres (su padre era director de la Opera de Shanghái y su madre una famosa actriz de cine) durante la Revolución Cultural, y fue criado por su abuela hasta que sus padres fueron puestos en libertad.

Estudió pintura y diseño gráfico en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Shanghái donde se graduó en 1995. Su primera carrera fueron los cortometrajes comerciales. En 2004 fue premiado como el director del Mejor Vídeo Comercial en China. Sus anuncios de televisión hicieron de él una figura muy conocida, incluso una especie de icono cultural, en la comunidad de creadores en Shanghái y en cierta medida en la población en general.

En ese mismo año, 2004, comenzó a trabajar en fotografía. En su trabajo abundan elementos surrealistas, referencias a la literatura occidental (Goethe y Shakespeare), pero también y sobre todo, a la cultura china, empleando motivos clásicos chinos. Muchos de sus tableaux vivants tienen un destacado carácter oriental. El cine, la pintura (la cual estudió por 11 años) y la fotografía parecen fusionarse en sus imágenes. Sus fotografías siempre construidas hasta el más mínimo detalle son como escenarios e intentan contar una historia en una sola imagen.

Con 40 años, recién divorciado, “limpiado” del dinámico estudio colectivo Weihai 696 en el que trabajaba desde 2004, y cansado de lidiar con el sistema del arte contemporáneo, dejó su construcción de mundos digitales y surrealistas para "hacer algo con la gente común". Con siete ayudantes y a bordo de un camión y una miniván con todo el equipo de fotografía e iluminación y abundantes elementos escenográficos, se lanzó carretera casi todo 2012. La idea era emular a los antiguos fotógrafos ambulantes que recorrían el país ofreciendo sus servicios in situ, y así viajó por 25 provincias chinas y realizó fotografías a 200.000 personas en una instalación itinerante.

Sus trabajos y composiciones fotográficas son magníficas, inquietantes, oníricas y tan surrealistas que lo han llevado a exponer en las principales galerías de todo el mundo y ser considerado uno de los mejores exponentes actuales del surrealismo digital. Maleonn ha exhibido su obra en  Shanghái, Toronto, Singapur, San Francisco, Roma y París. Fue objeto de una exposición individual en el Museo de Arte de Shanghái y ha sido incluida en exposiciones colectivas en todo el mundo, en particular en el Museo de Fotografía Contemporánea de Chicago, el Museo de Arte Contemporáneo de Shanghái, el DeVos Art Museum en la Northern Michigan University, y el Victoria & Albert Museum en Londres.




Referencias




Libros





lunes, 9 de septiembre de 2019

Ana Muller

Ana Muller es una  fotógrafa española (nacida en Madrid en 1948) que ha tocado en su larga trayectoria la fotografía de reportaje, el retrato en estudio y la arquitectura en construcción.


Playa de San Lorenzo © Ana Muller
Playa de San Lorenzo © Ana Muller



Biografía
Ana Muller es hija de Nicolás Muller, el reconocido fotógrafo húngaro afincado en Madrid y consagrado retratista de la intelectualidad española. Se hizo fotógrafa de la mano de su padre, trabajando en su adolescencia como su aprendiz en el estudio familiar. A los 20 años, sin dejar de trabajar en el estudio, comenzó a realizar sus propias fotografías, utilizando cámaras de pequeño y mediano formato y especializándose en retratos y fotografía de arquitectura e ingeniería. Marchó a Asturias a finales de la década de los 70, donde destacó su labor en reportajes periodísticos del periódico Asturias Diario.

En 1980 fue llamada por su padre para que le relevara al mando del estudio fotográfico madrileño y volvió a la capital  continuando su carrera al frente del negocio familiar. La labor de Ana como retratista es fundamental y se mantiene viva hasta el día de hoy en el mítico estudio de su padre en la calle Serrano, donde continuó la tradición hasta 2015.

Pero también cubre bodas y celebraciones, despuntando en fotografía paisajística y sobre todo en reportajes sobre obra arquitectónica en construcción. Su fotografía de arquitectura e ingeniería se caracteriza por un formalismo exquisito, que conjuga composiciones equilibradas con juegos de luces y sombras, preferiblemente en blanco y negro. Ha documentado la construcción y rehabilitación de obras singulares como el Museo Guggenheim de Bilbao, el Museo Picasso de Málaga, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, el Teatro Real de Madrid, el edificio de Correos, Madrid-Rio, la Fundación Francisco Giner de los Ríos, la Universidad Carlos III de Madrid,  el Palacio de Comunicaciones de Madrid, y obras de puentes y demás infraestructuras viarias en distintos puntos de España.

Ha expuesto individualmente su trabajo en Oviedo, Madrid, Gijón, La Coruña, Barcelona, París y Tokio, y ha participado en diferentes exposiciones colectivas. En 2017 Ana Muller donó al Museo del Pueblo de Asturias más 4.500 fotografías realizadas en Asturias entre 1976 y 1995: un extenso y variado mosaico que cubre todo el territorio del Principado durante esos años, reuniendo todo tipo de perspectivas sobre su fisonomía y sus habitantes: paisajes, fiestas, patrimonio, edificios, actividad industrial y minera, retratos o momentos de la redacción del diario Asturias, que en su fugaz año de vida contó con Muller como reportera gráfica.


Referencias




Libros

  • Arquitectura de indianos en Asturias, 1987.
  • Un viaje hacia el Norte, 1992.
  • Asturias: otra mirada, 1991.
  • Ingeniería y naturaleza. Una carretera en Asturias, 1996.
  • Arquitectura: desde el siglo VI a. C. hasta el siglo XXI, 2003.
  • Razón y sed, 2008.
  • Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI, 2013.
  • Lo moderno y lo nuevo, 2014.
  • Madrid y su arquitectura.


sábado, 7 de septiembre de 2019

Ad Windig

Ad Windig fue un fotógrafo holandés (nacido el 8 de noviembre de 1912 en Heemstede, fallecido el 9 de marzo de 1996 en Ámsterdam) que fue uno de los fotógrafos de GKf que determinaron el rostro de la fotografía de reportaje holandés después de la Segunda Guerra Mundial. Su obra es de una calidad constante con un lenguaje visual propio reconocible y sus temas abarcaron desde retratos (incluidos los de las princesas de Holanda) hasta informes corporativos, desde paisajes hasta bodegones. Publicó sus fotografías en una veintena de libros y se hizo internacionalmente conocido a través de publicaciones en revistas alemanas, inglesas, francesas y japonesas.


© Ad Windig / Maria Austria Instituut
© Ad Windig / Maria Austria Instituut


Sus fotos eran pequeñas pinceladas humorísticas: una chica corriendo en una playa con niebla, un tren de vapor medio escondido detrás de un cobertizo que parece perforar, un trabajador calvo que se asemeja a los maniquíes que hace. Sus fotografías cotidianas están cuidadosamente compuestas y con una luz magistral, encajando perfectamente en la tradición documental humanista.


Biografía

Adrianus Windig tuvo su primera cámara, una Ernemann, regalo de su padre, a los 13 años. Su futuro hubiera sido trabajar en la agencia de seguros de su padre, pero la fotografía y su activismo le llevaron a otros lares. Miembro del Movimiento Oxford (un movimiento cristiano internacional que más tarde sería Rearme moral) trabajará a tiempo completo para este movimiento, grabando además las reuniones con una Rolleicord. Después de ver la exposición Foto'37 en el Museo Stedelijk de Ámsterdam, decidió convertirse en fotógrafo profesional.

En los primeros años de guerra (invadida Holanda por la Alemania nazi) estudió 6 meses con Carel Blazer y Emmy Andriesse teoría y práctica fotográfica respectivamente. Durante la ocupación, Windig será capturado tres veces por actividades ilegales. Entre otras cosas, hizo fotos de pasaporte para tarjetas de identidad falsas de personas escondidas. En 1943 Blazer fue condenado a muerte y Windig a 10 años, pero un error burocrático les libró de la condena después de un tiempo en la cárcel.

Junto con el también fotógrafo Kryn Taconis se conectó con el grupo de fotógrafos que más tarde se hicieron conocidos con el nombre de De Ondergedoken Camera (Cámara oculta) que documentaba la ocupación. Su esposa Annebet, también ocasionalmente fotografía ilegalmente con una Rolleiflex 'oculta' en la cintura como hacía él y después revelaban e imprimían sus fotos. Dos semanas antes de la liberación de Holanda, el matrimonio fue capturado por las SS pero Ad se escapó por la ventana del baño.

En 1945 fue uno de los fundadores de los GKf (Gebonden Kunsten Federatie). En 1948 se unió a Carel Blazer durante unos años bajo el nombre de Blazer y Windig. Ad fue a su vez maestro de Henny Henriét,  Annelies Romein, Ed van der Elsken y Philip Mechanicus.

Para él, el propósito de la fotografía era la publicación en libros, informes y publicidad impresa; otro uso no tenía valor para él. Afortunadamente, todo su archivo ha sido preservado en el Maria Austria Institut (MAI), que realizó la exposición titulada Les Vacances de Monsieur Windig en Maison Descartes en Ámsterdam en 1997, a partir de su fotografía de viaje que hizo a lo largo de los años por África Central, Congo Belga, África Ecuatorial Francesa, Chad y sobre todo por su favorita, Francia.




Referencias



Libros

jueves, 5 de septiembre de 2019

Marta Sentís

Marta Sentís es una fotógrafa catalana (nacida en 1949 en Barcelona, donde reside) que, tras viajar por todo el mundo, afirma la singularidad y el derecho a la diferencia del otro a través de la multiplicidad de las culturas del planeta. Es una antropóloga del paisaje de la dignidad humana.


ASSIA“ Kossala, Sudan, 1984 © Marta Sentís
“ASSIA“ Kossala, Sudan, 1984 © Marta Sentís


Biografía

Marta Sentís pasó su infancia desde los 3 años en París y posteriormente estudió en Barcelona, Oxford y Florencia. Al inicio de los 70, se trasladó a Nueva York investigando la cultura afroamericana, y después de varios empleos trabajó en Naciones Unidas, en el departamento de la Organización Mundial de la Salud

A mediados de esa década empezó a residir y fotografiar en diferentes continentes, permaneciendo durante un año en las islas Maldivas y, cuando se cansó de sus colores, se trasladó a la ciudad de El Cairo. En África, Brasil y otras tierras lejanas practicó el fotoperiodismo al mismo tiempo que se dejaba tentar por la intuición creativa.

Además de publicar sus reportajes trabajó como intérprete, en foto fija para cine y televisión y como fotógrafa itinerante de diferentes agencias de Naciones Unidas y como freelance para la agencias neoyorquina, Photo Researchers, y la barcelonesa AGE.

Al mismo tiempo, desarrollaba una obra fotográfica personal para diferentes soportes y espacios, buscando alternativas a las galerías de arte. Marta prefirió siempre el color por su realismo y actualidad. Su trabajo, en fotografía analógica, invita a asomarse a un mundo por aquel entonces aún en vías de globalización y en especial a las poblaciones de muy poco poder adquisitivo, a las que retrataba en su cotidianidad, lejos de los estereotipos de la mirada etnocéntrica.

Sus obras han sido expuestas en el Espacio 10 de la Fundación Joan Miró de Barcelona (1983), Museo Reina Sofía de Madrid (1991), en el Center for Creative Photography de la Universidad de Arizona en Tucson (1992) y en la Fotobiennale de Enschede de Holanda (1992) y la Fundación “la Caixa” (itinerante, 1993-94).

A mediados de los 90 dejó definitivamente la fotografía, aunque ha expuesto posteriormente en PHotoEspaña en 1998 y 1999, y en 2000 mostró su imagen de Brasil dentro del marco del festival La Mar de Músicas de Cartagena, donde expuso junto con Sebastião Salgado y otros autores.


Referencias



Libros

martes, 3 de septiembre de 2019

Olivo Barbieri

Olivo Barbieri es un artista y fotógrafo italiano (nacido en 1954 en Carpi, Módena, en la Emilia-Romagna, donde vive y trabaja) que, a través de un uso experimental del medio y del lenguaje fotográfico, pone en crisis el modo de representación aceptado del universo humano. Lo que le interesa no es reproducir fielmente ni de forma espectacular el mundo, sino traducir en narraciones, en relatos, su experiencia perceptiva de lo visible.


© Olivo Barbieri

© Olivo Barbieri


Me di cuenta de que todo se transformó en un modelo, un modelo a escala de parte del mundo representado. Las relaciones jerárquicas entre los objetos, edificios y personas cambian.



Biografía

Olivo Barbieri tuvo su primera cámara, una Eura Ferrania italiana (que todavía usa ocasionalmente) con 8 años, pero no fue hasta los 18 años cuando empezó a hacer fotos seriamente. Quería ser un fotógrafo artístico, no comercial, y tener sus obras colgadas en una galería, como Monet o Andy Warhol, y estudió en DAMS (Drama, Arte y Estudios de Música) en la Facultad de Artes y Humanidades de la Universidad de Bolonia. A partir de 1971, su interés por la fotografía fue creciendo y, en un principio, centró su investigación en la iluminación artificial. En 1978, participó en varias exposiciones en Italia y también en el extranjero. En 1989 comenzó a viajar regularmente al Lejano Oriente, especialmente a China.

La técnica de Barbieri simula la profundidad de efecto de campo de la fotografía macro por la inclinación del ángulo de la lente al plano posterior de la cámara, lo que crea un progresivo desenfoque de los bordes superior e inferior o derecho e izquierdo de la imagen filmada. El resultado es que la imagen de una ciudad real se parece a la imagen de un modelo a escala. Utiliza helicópteros para tomar las escenas de las ciudades y cree que una parte importante de su trabajo está en la selección de su docena de imágenes finales de las 2.000 que ha tomado.

En 1993, 1995 y 1997 Barbieri expuso su obra en la Bienal de Venecia, entre otras exposiciones internacionales, y en galerías y museos de toda Europa, América del Norte y China. En 1996, el Museo Folkwang de Essen, Alemania, dedicó una retrospectiva a su obra, que ha sido recogida por museos de todo el mundo.

En 2001 publicó el volumen Virtual Truths y realizó el proyecto NOTSOFAREAST en China para la Triennale di Milano mostrado en la exhibición Effetti Collaterali. En 2002 fue invitado por el Palazzo delle Papesse, Centro Arte Contemporanea Siena, para llevar a cabo el proyecto Cityscapes/Landscapes.

En 2003 sus trabajos se mostraron en la exposición Strangers, en la primera Triennial of Photography and Video, organizada por la ICP (International Center of Photography) en Nueva York y también comenzó su proyecto Site Specific (en fotos y películas) que describe ciudades como Roma, Turín, Montreal, Amman, Las Vegas, Los Ángeles, Shanghái, Sevilla, Nueva York, …. Ha realizado varias películas de 35 mm dentro de este proyecto, que abarca 10 años de trabajo y unas 40 ciudades.

En 2005 comenzó dos nuevas series de películas llamadas Seascape# y Riverscape#. Ha presentado sus películas a los festivales más importantes. Ha conseguido diversos premios con su fotografía y cine, como el Premio Friuli Venezia Giulia Fotografia en 1990 y el mejor corto del Nashville Film Festival por SEVILLA → (∞) 06 en 2008.

Ha realizado numerosas exhibiciones como Alps Geographies and People  en la Yancey Richardson Gallery en Nueva York en 2013, por la que es representado.

Su obra forma parte de colecciones públicas y privadas y de museos como el MoMA de Nueva York y el SFMoMA de San Francisco.



Referencias


Libros

De artista:

  • Cinematography, 2016.
  • ITALIAN QUAKES Gibellina and other diseases, 2016.
  • Adriatic Sea (staged) Dancing People, 2015.
  • TUNNEL – Mont Blanc 1965 – 2015.
  • Alps – Geographies and People, 2012.
  • Louvre 2002: Inediti, 2011.
  • site specific_ISTANBUL 11.
  • Flippers 1977-1978.
  • site specific_LAS VEGAS 05.
  • PAINTINGS FIRENZE, 2002.


Monografías:

domingo, 1 de septiembre de 2019

Marino Parisotto

Marino Parisotto es un fotógrafo italiano (nacido en 1967 en Toronto, Canadá, vive en Milán, Italia) cuya fotografía nos transporta a un misterioso universo de erotismo y sofisticación, inspirado en pintores y escultores renacentistas. Define sus imágenes como fotogramas de una película imaginaria, donde los modelos se convierten en personajes de una historia.


© Marino Parisotto
© Marino Parisotto



Biografía

Marino Parisotto Vay nació en Toronto en Canadá en 1963, hijo de italianos, y creció en Venecia admirando la belleza clásica de las pinturas y esculturas que influirían en su trabajo. Con 18 años se mudó a Milán, y comenzó a trabajar como modelo para pagar sus estudios de Economía. Pero su gusto por el arte pronto lo llevaría al mundo de la moda. Fue director de la creación de una agencia de publicidad especializada en moda, y con sólo 24 años se convirtió en director artístico de Givenchy.

Se especializó en fotografía de moda y ha creado campañas para Givenchy, Emporio Armani, Baccarat, Rochas, Rémy Martin, Carte Noire, Swatch , Wolford, Wella, Audi, Swarovski, Campari, Lavazza, …, trabajando regularmente para la marca de lencería La Perla que le ha confiado su comunicación visual desde los años 90. En 1997, se publicó el libro Senso: La Perla que fue un éxito con más de 10.000 copias vendidas.

También publicó el libro The Sky over New York, donde mostraba una Gran Manzana poblada por criaturas angelicales, top models vestidas de ángeles, originarias de campañas para grandes marcas de lencería como La Perla y Wolford.

Es uno de los pocos fotógrafos que puede convertir la publicidad en arte. Muchas de sus obras expuestas en museos y galerías fueron hechas originalmente para campañas publicitarias o calendarios.

A veces ha visto algunas de sus fotos censuradas por revistas estadounidenses. En 1998 y en 2012 fue el fotógrafo elegido para el calendario italiano del café Lavazza. En 2008 realizó otro calendario para Campari con la actriz Eva Mendes, en extravagantes paisajes costeros, otra marca registrada de su trabajo. Fue calificado por la revista Photo entre los diez mejores fotógrafos del mundo y ha obtenido diversos premios, como el Gold Award for Photography del International Art Directors Club en 1997 y 1998.



Referencias




Libros