viernes, 30 de agosto de 2019

Philip Mechanicus

Philip Mechanicus fue un fotógrafo y publicista holandés (nacido el 13 de agosto de 1936 en Ámsterdam y fallecido el 30 de julio de 2005 en la misma ciudad) especializado en el retrato, siendo muy conocido por sus fotografías de escritores, aunque también por sus naturalezas muertas y por las fotografías de su ciudad natal. Tuvo una estética clásica a la hora de abordar el retrato, pero siempre desde una búsqueda intimista.


Tomoko Mukaiyama, 1997 © Philip Mechanicus/MAI
Tomoko Mukaiyama, 1997 © Philip Mechanicus/MAI




Biografía

Philip Mechanicus nació en la plaza de Waterloo en Ámsterdam, en una familia judía. Su tío del mismo nombre fue un conocido periodista que murió en 1944 en el campo de exterminio de Auschwitz. Compró su primera cámara con 13 años y asistió a la formación nocturna de la escuela de Artes y Oficios. En 1953 conoció a Cees Nooteboom en un albergue juvenil parisino, viajando en autostop a Cannes y luego de vuelta a Holanda. Nooteboom publicó estas experiencias en su novela prima Philip and the others, haciendo referencia a Mechanicus.
 
De 1956 a 1959 siguió un entrenamiento fotográfico con Ad Windig, mientras trabajaba como fotógrafo de prensa. Desde 1959 se especializó en la fotografía de retrato, siendo muy reconocido por ello, sobre todo por los que hizo entre 1979 y 1981 para NRC Handelsblad. Estos retratos fueron agrupados en el libro De pose der natuurlijkheid (La pose con naturalidad). Con el fotógrafo Ferry André de la Porte, mantuvo una estrecha amistad y una relación de trabajo durante diecisiete años (1970-1987) realizando en el estudio y cuarto oscuro de de la Porte casi todas las fotografías de retratos para La pose con naturalidad.
 
Mechanicus publicó Een cursus fotografie (Un curso de fotografía (Autobiografía en Palabra e imagen)) y Laatste keuze uit het fotografisch woordenboek van Philip Mechanicus (Ultima elección del Diccionario fotográfico de Philip Mechanicus) en 2005 pero, además, Mechanicus tuvo una rúbrica culinaria en De Groene Amsterdammer y en la página infantil de NRC Handelsblad durante mucho tiempo donde daba mucha importancia al aspecto ritual del comer. En 1998 consiguió el Granger de Plata con su libro De vrolijke keuken (La alegre cocina) y también participó en el libro EAT THIS! Het kookpunt van publiek domein desde su portátil.
 
Mechanicus vivió con la famosa pianista japonesa Tomoko Mukaiyama y su hija Kiriko. Murió después de una larga enfermedad a los 68 años de edad en Ámsterdam. Tres días antes de su muerte, fundó la fundación Stichting Philip Mechanicus que tiene como objetivo gestionar su colección de fotografía y dar a su trabajo una reputación duradera. Su archivo de negativos está en el Maria Austria Instituut, que junto con su fundación organizaron la primera gran retrospectiva de su obra se expuso en el Joods Historisch Museum en 2013. Su obra forma parte de colecciones como el Rijksmuseum Ámsterdam.


Referencias



Libros

  • De pose der natuurlijkheid.
  • Een cursus fotografie (Autobiografía en palabra e imagen).
  • De uivariaties.
  • De vrolijke keuken con ilustraciones de Judith Ten Bosch.
  • Laatste keuze uit het fotografisch woordenboek van Philip Mechanicus, 2005.
  • Verwarring zaait nieuwe identiteit, Opzet tot een manifest/pamflet/schotschrift, 2006.
  • Kookkunst in Nederland Unieke con Ferry André de la Porte.
  • La Hollande s'amuse, con fotografías de Ferry André de la Porte.
  • Tomoko Mukaiyama X Philip Mechanicus: En Blanc Et Noir, 2009.




miércoles, 28 de agosto de 2019

Tony D'Orio

Tony D'Orio es un fotógrafo estadounidense (nacido en 1953 en Chicago, donde vive y trabaja) cuya fotografía es ingeniosa, inteligente y llena de humor, trabajando en los campos de la publicidad y el retrato.


© Tony D'Orio
© Tony D'Orio




Biografía

Tony D'Orio quería ser un "chico listo", como aquellos personajes que veía todos los días en las calles de su turbulento vecindario del famoso West Side de Chicago. Codiciaba sus coches de lujo, sus trajes brillantes y sus apodos, incluso comenzó a llamarse Tony "Bolsa de Donuts" con 12 años, pero siendo medio polaco lo tenía difícil. Se matriculó en la Academia de Bellas Artes de Chicago y allí descubrió la fotografía y de repente se encontró fotografiando las calles de Chicago y sus gentes. En estas calles nació su historia de amor con el rostro humano, desarrollando un estilo voyeurista.

Trabajó como asistente de estudio y aprendió las técnicas más finas de iluminación y retratos. También descubrió que las fotografías de personas famosas sentadas en sillones de lujo, realizadas en cálidos y acogedores estudios de fotografía se pagan mucho mejor que las fotografías de indigentes acurrucados bajo los puentes de la autopista hechas congelado a las 3 de la mañana.

Perfectamente posicionado hoy en día en el campo de la publicidad, con numerosos premios por su labor, ha realizado numerosas campañas de publicidad para marcas como Altoids. Su fotografía es ingeniosa, inteligente y llena de humor.


Referencias

lunes, 26 de agosto de 2019

Mario Cattaneo

Mario Cattaneo fue un fotógrafo italiano (nacido en Milán en 1916, fallecido en 2004 en India) que perteneció a la generación de fotógrafos italianos que en la segunda mitad del siglo XX encontraron un lugar de expresión y un foro de debate sobre fotografía en el mundo de los clubes de fotografía amateur.



© Mario Cattaneo




Biografía

Mario Cattaneo hizo sus primeras fotografías en La Fera del Sinigaglia, el tradicional mercado de pulgas de Milán, revelando desde el principio su extraordinaria capacidad para capturar momentos de intensa y espontánea humanidad, con sencillez. En 1952 quedó fascinado por la bulliciosa vida de los callejones de Nápoles y volvió allí en los años siguientes, haciendo un gran número de fotografías que fueron publicadas por Electa en 1992 bajo el título Vicoli

Los temas predominantes en su investigación fotográfica son el reportaje y el retrato social y de vestuario, los dos temas a los que Cattaneo se ha dedicado a lo largo de su vida. Entre sus principales obras podemos citar sus reportajes realizados en Italia (La fera del Sinigaglia, años 50 y 60 en Milán, Vicoli di Napoli a partir de 1952, la Sicilia en 1952, Luna park en Milán 1956-60, Una domenica all'Idroscalo (Milán 1958-62), Giovani al Juke Box (Milán 1960-62), Caravaggio (1964-65), Mondo Beat in Piazza Duomo (1971) y Festival pop (Milán 1973-77) y algunos reportajes de viaje (India, Guatemala, Marruecos, Yemen, Túnez, Países Bajos, Alemania). La fotografía de retratos está presente en sus obras de reportaje, pero también en series de estudios insistentes sobre figura humana posada, predominantemente masculina, realizadas en interiores, dentro de la casa del autor, o al aire libre. 

Muchos trabajos suyos fueron publicados en las revistas Popular Photography y Ferrania en los años 60. Mario Cattaneo recibió premios y reconocimientos en Italia y en el extranjero, incluyendo el primer premio en el concurso Racconto e reportage fotografico en Fermo. En 1991 la FIAF (Federazione Italiana Associazioni Fotografiche) lo nombró Autor del Año y le dedicó una exposición itinerante acompañada de una monografía de su obra. En 1996 publicó La Fera del Sinigaglia.

Murió en 2004 en el último de sus muchos viajes a la India y su archivo, con casi 200.000 obras incluyendo negativos en película, diapositivas, impresiones en blanco y negro y en color e impresiones de muestras, está en el Fondazione Museo di Fotografia Contemporanea.


Referencias



Libros

  • La Fera del Sinigaglia, 1996.
  • Vicoli, 1992.

sábado, 24 de agosto de 2019

Toni Frissell

Toni Frissell fue una fotógrafa estadounidense (nacida el 10 de marzo de 1907 en Manhattan, Nueva York, fallecida el 17 de abril de 1988 en Long Island) conocida por su fotografía de moda, sus fotos de la Segunda Guerra Mundial y por sus retratos de famosos estadounidenses y europeos, de niños y de mujeres en todos los ámbitos de la vida.


My Shadow, 1944 © Toni Frissell
My Shadow, 1944 © Toni Frissell

Esta icónica fotografía de 1944, utilizada en la ilustración de libros, mostrando a un niño con los brazos extendidos admirando su larga sombra sobre la arena del mar, fue seleccionada por Edward Steichen para la mítica exposición mundial The Family of Man en el Museo de Arte Moderno en Nueva York en 1955, siendo vista por 9 millones de visitantes.


Biografía

Antoinette Frissell Bacon nació en una familia acomodada de Nueva York, y tras unos pinitos en el teatro, tuvo su primer acercamiento a la fotografía de la mano de su hermano, Varick Frissell, un productor de películas documentales. Aunque disfrutaba haciendo fotografías, no estaba interesada en esa actividad como una profesión.​ Comenzó como escritora en la revista Vogue, redactando los pie de foto. En pocos meses perdió su trabajo y su editora le sugirió que tendría más éxito en la fotografía que en la escritura. Así que Frissel comenzó su carrera como fotógrafa de modas a principios de la década de los 30. Fue asistente de Cecil Beaton y trabajó con muchos otros fotógrafos famosos de la época.

Sus fotos de moda, incluso de vestidos de noche, eran notables por sus entornos al aire libre, haciendo hincapié en mujeres activas. Fue una de las primeras fotógrafas en salir fuera del estudio para la fotografía de moda, estableciendo la tendencia de hacerlas al aire libre. Su tendencia a utilizar perspectivas poco comunes, colocando su cámara en un eje diagonal dramático, y /o usando un punto de vista bajo y una lente gran angular sobre fondo neutro, creaba así la ilusión de forma humana alargada. En pocos años, sus trabajos comenzaron a publicarse regularmente en Vogue y luego en su mayor competencia, la revista Harper's Bazaar.

En 1941 se ofreció como fotógrafa voluntaria de la Cruz Roja y del Women's Army Corps, la rama femenina del ejército estadounidense, consiguiendo permiso para trasladarse a Europa y documentar (hizo miles de fotos) el trabajo de enfermeras, soldados y civiles, aviadores afroamericanos y niños huérfanos. Pese a las objeciones de su familia, viajó a Inglaterra, donde registró la labor de las enfermeras de la Cruz Roja. En 1945 cubrió las operaciones de un escuadrón de pilotos negros en Italia.​ Sus fotografías fueron utilizadas por el ejército, en campañas de propaganda destinadas a luchar contra los prejuicios que la sociedad estadounidense tenía sobre las mujeres y negros incorporados al ejército.

Tras terminar la II Guerra Mundial  regresó a EEUU y a la fotografía de moda. En la década de 1950, tomó retratos informales de famosos y poderosos de los Estados Unidos y Europa, como Winston Churchill, Eleanor Roosevelt, los Vanderbilts, el arquitecto Stanford White y John F. y Jacqueline Kennedy y trabajó para las revistas Sports Illustrated (fue la primera mujer fotógrafa en plantilla) y Life. En trabajos posteriores se concentró en fotografiar mujeres activas en todos los ámbitos de la vida, a menudo como un comentario sobre la condición humana. 

Su trabajo ha sido incluido en exposiciones individuales en el Museo de Arte de Filadelfia y el ICP, y en grupo en la George Eastman House, entre otras exposiciones. En 1971, Frissell donó su obra a la Library of Congress asegurando su conservación y haciéndola accesible a todo el mundo. Ésta está compuesta con 340.000 ítems, unos 270.000 negativos en blanco y negro, 42.000 transparencias en color y 25.000 copias así como hojas de prueba, de las que se han procesado unas 1.800.


Referencias




Libros

jueves, 22 de agosto de 2019

Mario De Biasi

Mario De Biasi fue un fotógrafo italiano (nacido el 2 de junio de 1923 en Belluno, fallecido el 27 de de mayo de 2013 en Milán) que comenzó con la revista Epoca en 1953 su carrera como reportero fotográfico, que duró hasta la década de los 80. Durante estos 30 años realizó reportajes en diferentes países, incluyendo el levantamiento húngaro de 1956, el Nueva York de los años 50 y retratos de Marlene Dietrich , Brigitte Bardot y Sophia Loren. Formó parte de la generación de jóvenes que reveló al mundo las posibilidades renovadoras de la fotografía italiana. Partiendo de la estética de la imagen única con preocupaciones esencialmente formales, se encaminó hacia un lenguaje lleno de espontaneidad y de comunicación inmediata, un lenguaje que es fundamentalmente el del reportaje.


Gli italiani si voltano (Milán, 1954) © Mario De Biasi

Gli italiani si voltano (Milán, 1954) © Mario De Biasi


En 1994 su fotografía Los italianos miran hacia atrás en la que aparece Moira Orfei de espaldas, fue exhibida en el Museo Guggenheim de Nueva York.



Biografía

Mario De Biasi quedó huérfano a los diez años y fue cuidado por una tía suya, que emigraría a Suiza donde un joven Mario comenzó a trabajar como técnico de radio, con tan sólo dieciséis años. Fue deportado a Alemania y comenzó a hacer fotografías en 1944 gracias a una cámara y ampliadora encontradas entre los escombros de Nuremberg.

De vuelta a Italia, en 1948 organizó una exposición de su obra en el Circolo Fotografico Milanese en 1948 que fue un fracaso  pero que reafirmó su vocación y su deseo de que la prensa publicara sus fotografías. En 1953, por fin consiguió su objetivo y comenzó a trabajar con la revista Época, que contó con sus servicios como foto reportero durante más de tres décadas, manteniendo no sólo una relación profesional sino una perfecta simbiosis ideal y sentimental. Para esta revista captó magníficas imágenes documentales de la Guerra del Vietnam, la guerra árabe-israelí de 1973, los funerales de Tito, la insurrección de Praga, los viajes del Papa, los terremotos de Sicilia y Managua, o el cráter del Etna, donde corrió el peligro de asfixiarse por acercarse en exceso. Su trabajo más reconocido fue su impresionante reportaje sobre la revolución de Budapest en 1956 que le consagró a nivel mundial.

Además realizó importantes trabajos de ilustración gráfica en ciudades como Nueva York o Tokio, y  desarrolló proyectos personales que transformaba en libros de fotografía (más de 100)  y exposiciones en famosas y prestigiosas galerías, incluyendo el Museo Guggenheim de Nueva York y el Salón Fotográfico del Japan Camera Industry Institute en Tokio. Expuso en la exposición colectiva La metamorfosis italiana, 1943-1968 en el Museo Guggenheim de Nueva York, y su  fotografía Los italianos miran hacia atrás fue la portada del evento.

Durante su carrera recibió numerosos premios internacionales, convirtiéndose en uno de los más famosos fotógrafos italianos en el mundo, conocido entre otras cosas por sus retratos de estrellas y proyectos hermosísimos y conmovedores, como su trabajo sobre los besos, que comenzó en los años 50 y continuó hasta tiempos recientes, dando lugar a un proyecto que en 2012 se convertía en la exposición itinerante Un mundo di baci, una muestra que recogía 36 fotos vintage en blanco y negro y otras 12 en color.

En 2007, nació Forma - Centro Internacional de Fotografía de Milán con su exposición retrospectiva Racconti d'acqua e di vita – Fotografie di Mario De Biasi dal 1948 ad oggi.

Obtuvo numerosos premios, entre ellos, el Eric Salomon Colony Presi en 1973, el Premio San Vicente para el Periodismo en 1982, el premio a la trayectoria en el Festival de Arles en1994, el título de Maestro de la Fotografía Italiana, el más alto honor de la Federación Italiana de Asociaciones de Fotografía en 2003, y el Ayuntamiento de Milán le concedió su más alto honor, el Ambrogino de Oro en 2006. Unas pocas semanas antes de su muerte, en el Photoshow 2013 de Milán se le adjudicó el Lifetime Achievement Award, no solo por su habilidad para contar grandes eventos, sino también por la sensibilidad y la delicadeza con la que siempre registró la pequeña realidad que se cruzó en su camino.


Referencias



Libros

martes, 20 de agosto de 2019

José Medeiros

José Medeiros fue un fotógrafo brasileño (nacido en 1921 en Teresina, Piauí, fallecido en 1990 en L’Aquila, Italia) considerado como uno de los maestros del fotoperiodismo del Brasil del siglo XX.


© José Medeiros
© José Medeiros


Los reporteros de la revista O Cruzeiro acompañaron a los hermanos Villas-Boas en los viajes de la expedición Roncador-Xingu que, en los años 40 y 50, contactaron por primera vez con varias poblaciones indígenas en el noroeste de Brasil. Éstos reportajes fueron los primeros en revelar, a gran escala, imágenes de indios brasileños. Estas poblaciones eran mostradas como bárbaras siendo su imagen incompatible con la ideología del progreso. Unas de las fotos más conocidas de Medeiros, de 1949, muestra a varios indios empujando un avión, recreando el contraste entre lo "moderno" y lo "salvaje".


Biografía

José Araújo de Medeiros fue introducido muy joven en la fotografía: su padre, un fotógrafo aficionado, le enseñó la técnica del laboratorio con 12 años. En 1939, se trasladó con su familia a Río de Janeiro, donde trabajó en la Compañía de Correos y Telégrafos y en el Departamento Nacional del Café. Al mismo tiempo, fotografiaba a artistas en su estudio casero y trabajaba como freelance para las revistas Tabu y Rio.

Conoció al fotógrafo francés  Jean Manzon, uno de los fundadores del O Cruzeiro, el cual en 1946 le invitó a unirse al equipo de esta prestigiosa revista, que con el tiempo, tomó un look innovador y audaz de la realidad en Brasil, una realidad hasta  ese momento oculta y desconocida. Trabajó durante 15 años en la revista, produciendo reportajes significativos sobre la transformación de su país, viajando por Brasil, Europa, Ecuador, Estados Unidos y África.

Producido en este entorno, su trabajo es diversificado y sigue, en parte, la línea editorial de la revista. Fotografía a artistas y personalidades políticas de la época, la playa y el carnaval de Río de Janeiro, Copacabana, … documentando un estilo de vida glamuroso que el traslado de la capital a Brasilia no tardaría mucho en extinguir. Pero fuera del tratamiento editorial de la revista, su enfoque confiere dignidad a los excluidos y también es conocido principalmente por los registros de individuos, comunidades y manifestaciones culturales marginadas, como la población negra, el Candomblé, pacientes psiquiátricos, prostitutas y tribus indígenas. 

Sus trabajos con más impacto son varios ensayos realizados en las tribus indígenas de Mato Grosso y Pará, entre 1949 y 1957, la cobertura, con especial atención a las escenas de la tribuna, de la traumática derrota de la selección brasileña en la final del Mundial de Fútbol de 1950 en Maracaná y sus trabajos sobre el Candomblé en 1951, en un patio de Candomblé en Salvador, documentando en imágenes de fuerte dramatismo el ritual de iniciación, con sacrificio de animales, de las hijas jóvenes del santo. Su publicación en O Cruzeiro bajo el título Las novias de los dioses sedientos de sangre fue muy sensacionalista y polémico y Medeiros publicaría seis años más tarde este material ampliado y más sobrio en el libro Candomblé.

Al dejar la revista O Cruzeiro en 1962 fundó  con Flávio Damm y Yedo Mendoná la Agencia Image. A partir de 1965 comenzó a dedicarse al cine, firmando la dirección de fotografía de obras clásicas del cine brasileño como El fallecido de Leon Hirszman (1965), Xica da Silva de Carlos Diegues (1976) y Memorias de la Prisión de Nelson Pereira dos Santos (1983). También fue director de cortometrajes y dirigió Adventure Partners (1979). Fue profesor 2 años en la Escuela de Cine de Santo Antonio de los Baños en La Habana.

En 1986, la Fundación Nacional de las Artes (Funarte) realizó la exposición retrospectiva José Medeiros, 50 años de fotografía en Río de Janeiro y publicó el libro homónimo. Tras su muerte, se han realizado exposiciones póstumas de su obra en 1997 por Itaú Cultural  y en 2009 por el Instituto Moreira Salles, ambas en São Paulo, y su archivo, que abarca más de 20.000 negativos, se encuentra desde 2005 en el Instituto Moreira Salles (IMS) en Río de Janeiro.


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Libros






domingo, 18 de agosto de 2019

Toby Keller

Toby Keller es un diseñador y fotógrafo estadounidense (nacido en Santa Bárbara, California, vive en Chiang Mai, Tailandia) especializado en fotografía de paisajes nocturnos que, últimamente, ha estado trabajando con técnicas de lightpainting utilizando LEDs, alambres EL y luces negras para crear líneas de luz en sus imágenes.


© Toby Keller
© Toby Keller



Biografía
Toby Keller se graduó de la Universidad de California en Santa Bárbara en Estudios de Arte, y ha basado su trabajo en fotos nocturnas especialmente relacionadas con el mar y que nos permiten apreciar vivos colores y escenas casi imperceptibles en la realidad. Últimamente ha estado trabajando con técnicas de lightpainting utilizando LEDs, alambres EL y luces negras para crear líneas de luz en sus imágenes. No tiene formación formal en fotografía y ha aprendido la mayor parte de su visión de los blogs y la comunidad del diseño.

Las largas exposiciones a la luz de la luna llena y los senderos de luz se combinan para presentar al espectador una sensación etérea y surrealista. Inspirado en el trabajo de Tokihiro Sato y sus esferas de luz, incorpora senderos de luz que interactúan con el paisaje y que dibujan formas irregulares en los elementos del paisaje. Su fotografía está llenas de cosas que el ojo no puede ver sin ayuda: senderos de luz aparentemente animados, espuma de mar y nubes sedosas, las rayas de estrellas que se mueven en el cielo. El espectador se queda con la impresión de que hay muchas cosas que el rango de percepción humana es demasiado limitado para comprender.

Sus trabajos han aparecido en Digital Photographer, Sierra Magazine, Popular Photography, Smashing Magazine, La Repubblica y otras publicaciones.



Referencias


viernes, 16 de agosto de 2019

Jacques Olivar

Jacques Olivar es un fotógrafo francés (nacido en 1941 en Casablanca, Marruecos, vive en París) que realiza fotografía de moda. Fiel a su concepción de la humanidad, su fotografía es sensible antes que técnica y su carácter moderno es ante todo el resultado de la elegancia casual de las mujeres que fotografía.


”Another day in Paradise” Alexandra Tomlinson. Palmdale 2011 (California) © Jacques Olivar
”Another day in Paradise” Alexandra Tomlinson. Palmdale 2011 (California) © Jacques Olivar



Biografía

Jacques Olivar nació en Casablanca. Cuando era joven, fue a la escuela de vuelo para convertirse en piloto de aerolíneas. Sin embargo, el inmenso placer que obtuvo de volar aviones no evitó su pasión desbordante por las imágenes. Cuando empezó con la fotografía para poder sobrevivir tocaba la guitarra en el Metro de París. Tenía un ídolo en la fotografía que era Jeanloup Sieff y consiguió trabajar para él como buen copista que era.  Luego Sieff vio sus fotos y le recomendó consiguiendo la campaña publicitaria de medias DIM por la que fue galardonado con el premio del prestigioso Club des Directeurs Artistiques, comenzando rápidamente un camino de éxito. De ahí se fue al cine: como hacía un bonito blanco y negro, distintas compañías le llamaban para películas en blanco y negro.

Con 46 años decidió pasarse a la fotografía de moda, plasmando en ella su sensibilidad y el estilo cinematográfico que le ha caracterizado a lo largo de su carrera. Con glamour y sensualidad, Olivar cuenta historias, colaborando con  publicaciones internacionales como Vogue, Marie Claire, Glamour y con los principales diseñadores de ropa como Giorgio Armani, Hermás, Comme des Garsons, Céline, Trussardi, Strenesse, Rykiel, etc.

Su fotografía artística realizada íntegramente en película (Pentax 6×7) ha sido expuesta por todo el mundo, incluyendo el Museo Guggenheim Bilbao (2001), el MOMA (2008), Young Gallery de Bruselas (2011) y Galartis Gallery en Lausana (2013 ) y más recientemente en el Museo de la Moda de París, el Museo de Arte Moderno de Tokio, el Museo REINA SOFIA de Madrid y el Museo de Publicidad de París.

Su libro Forever Young pasea por los diferentes paisajes de Estados Unidos: moteles, gasolineras o paisajes singulares, junto a sorprendentes mujeres inmóviles, como figuras de hielo, casi fuera de contexto, sin ninguna referencia. Cada escenario es una parada donde la imagen parece extraída de una película de David Lynch o Alfred Hitchcock. Imágenes inquietantes en escenarios al limite del surrealismo y al mismo tiempo muy cotidianos.


Referencias



Libros

miércoles, 14 de agosto de 2019

Leszek Bujnowski

Leszek Bujnowski es un fotógrafo polaco (nacido en 1977 en Katowice, donde vive y trabaja) que realiza una manipulación creativa para crear mundos surrealistas.


© Leszek Bujnowski
© Leszek Bujnowski


Biografía

Leszek Bujnowski es un gran apasionado de la fotografía que, a veces, utiliza técnicas de manipulación digital. Está fascinado con las posibilidades de la interferencia en nuestro mundo circundante, y lo lleva a la práctica. La fotografía consume la mayor parte de su tiempo, es su gran pasión, pero también una gran aventura que le conduce a un mundo misterioso. Adora el surrealismo, y crea todos los elementos (paisajes estériles, cielos nublados, elementos circenses itinerantes y edificios vacíos y deformados, ...) que componen sus trabajos, inspirándose en la música de Radiohead, Nirvana, Placebo, Red Hot Chili Peppers, … 



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lunes, 12 de agosto de 2019

Kemal Jufri

Kemal Jufri es un fotoperiodista indonesio (nacido en 1974, vive en Yakarta) que trabaja de forma freelance para diversas publicaciones internacionales, documentando historias principalmente en el sudeste asiático y que ha obtenido numerosos galardones.


© Kemal Jufri / Panos Pictures
© Kemal Jufri / Panos Pictures


Biografía

Kemal Jufri comenzó su carrera hace más de una década como fotógrafo contratado para Agence France Presse (AFP) en su oficina de Yakarta en 1996. A finales de 1998 dejó AFP para trabajar como fotógrafo colaborador para la revista Asiaweek hasta su cierre en 2001.

Desde entonces, como fotógrafo freelance, trabaja regularmente en tareas que cubren historias en todo el sudeste asiático, principalmente en Indonesia, para importantes publicaciones internacionales como TIME Magazine, Newsweek, The New York Times, STERN, Der Spiegel y muchas más. Es miembro de la agencia Panos Pictures.

Ha narrado muchos momentos históricos de Indonesia, incluido el sangriento movimiento reformista que condujo a la caída del ex dictador Suharto, la violencia posterior al referéndum patrocinado por la ONU en Timor Oriental, la violencia étnica, …

También ha participado en numerosas exposiciones fotográficas en Indonesia e internacionalmente. Entre sus numerosos galardones se encuentran 2 premios POYi, premios de Newsweek (1998), de US News & World Report (2000) y de Time (2005), reconocimiento por la revista Tempo como Artista Indonesio del Milenio, un Premio de Plata a la fotografía de noticias de la IFRA y un primer premio del Concurso Internacional de Fotografía de Prensa de China, además del LensCulture Earth Award en 2015 y un 2º puesto en la categoría de People in the News Stories en el World Press Photo de 2011 con una serie sobre la erupción en 2010 del monte Merapi, en Java Central de Indonesia, que lanzó roca caliente y ceniza volcánica a un kilómetro y medio en el aire.


Referencias

sábado, 10 de agosto de 2019

Miron Zownir

Miron Zownir es un fotógrafo, cineasta y escritor de novelas policiacas alemán (nacido en 1953 en Karlsruhe, vive en Berlín) cuyas imágenes, con su sombría abstracción del blanco y negro demuestran que en 1978 o en 1916, Berlín sigue siendo el destino anhelante de monstruos y freaks de todo el mundo. Sus retratos son implacablemente expresivos y emocionales, y crean un campo de fuerza disidente en el que los individuos se hacen visibles con sus pasiones, su cotidianidad o incluso desde el abismo.


© Miron Zownir
© Miron Zownir


Biografía

Miron Zownir es hijo de ucraniano y alemana. En 1974 se trasladó a Berlín Occidental , más tarde a Londres, fotografiando el apogeo del punk en ambas ciudades. Desde el principio, ofreció una representación ajustada del movimiento y su peculiar actitud hacia la vida: una visión utópica de la anarquía y la autodestrucción nihilística.

En 1980 se fue a Nueva York, permaneciendo 15 años en los EEUU, residiendo en la Gran Manzana, Los Ángeles y Pittsburgh como fotógrafo freelance con sus primeras exposiciones fotográficas y como guionista y cineasta dirigiendo más de diez cortometrajes. En Nueva York, la metrópoli más fascinante y permisiva del mundo, su enfoque peculiar para cubrir la locura cotidiana de múltiples capas de la sociedad, fue rápidamente reconocido por la escena local. En un tono sombrío y expresionista, sus fotos de este período penetran en las esferas subculturales del interior de la ciudad, que en su contexto local original han ya desaparecido con el auge de los años 90. Su lente captó la lujuria indomable en las fiestas gay, poco antes de que el SIDA reclamara masivamente sus víctimas, la protesta fútil de artistas y sobre todo la desesperanza en el Bowery, el mundo sombrío de prostitutas o drogadictos.

En 1995 regresó a Berlín, después de una estancia de 3 meses en Moscú y San Petersburgo documentando el rápido y brutal declinar de la antigua Unión Soviética, fotografiando en película a drogadictos, personas sin hogar y grupos generalmente marginados.

Su libro Radical Eye se considera un clásico moderno. Desde entonces, su obra ha sido exhibida en galerías y museos de todo el mundo. Su calificativo “el poeta de la fotografía radical” sigue siendo válido hoy en día. Desde 2003, trabajó con el actor Bruno S., un documental y luego el largometraje Phantomania. Y comenzó a trabajar como novelista de crimen. En 2015, lanzó su segundo largometraje, Back to Nothing.

Muchas de sus imágenes fueron hechas a finales de los 70, cuando Berlín Occidental era la meca de los inconformistas y artistas radicales, quienes formaban un oasis urbano. Con su reciente Berlin Noir, nos retrotrae de nuevo al mundo rebelde de los punks y a los callejones de drogadictos.

Algunas de sus fotografías fueron exhibidas entre obras de artistas como Goya, Picasso, Alfred Kubin y Cindy Sherman en la exposición El Salvaje Europeo en 2004 en Barcelona y Valencia. En 2008, su fotografía fue presentada en el Fotomuseum Winterthur junto con obras de fotógrafos como Robert Mapplethorpe, Man Ray, Nan Goldin, Larry Clark, Andy Warhol, Nobuyoshi Araki y otros, en DARKSIDE I, y también en 2009, explorando el cuerpo humano fotografiado como víctima de deterioro, enfermedad, degeneración, violencia y muerte en  Darkside II, junto con obras de Eugene W. Smith, Weegee, Robert Capa, Don McCullin, …. Más recientemente, en 2016, ha realizado una exposición en solitario en el Deichtorhallen de Hamburgo.



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Libros







jueves, 8 de agosto de 2019

Xurxo Lobato

Xurxo Lobato es un fotógrafo gallego (nacido el 29 de abril de 1956 en A Coruña) que toca los géneros documental, periodístico y artístico. Galicia es el lugar que le vio nacer y donde desarrolla gran parte de su trabajo con la cámara. Además de su trabajo profesional sobre los acontecimientos que marcan la actualidad, mantiene una línea de fotografía más personal, de autor, retratando las romerías gallegas y utilizando el relato visual para reflejar, los cambios culturales que se producen en Galicia, desde la más profunda y tradicional a la modernidad. La ironía, el humor y el color forman parte de su peculiar estilo.


Premio Ortega y Gasset, 2003 © Xurxo Lobato
Premio Ortega y Gasset, 2003 © Xurxo Lobato




Biografía

Xurxo Lobato es licenciado en Historia Contemporánea en Geografía e Historia, por la Universidad de Santiago de Compostela. Es también miembro de la Real Academia Gallega de Bellas Artes Nuestra Señora del Rosario en la sección de artes visuales. Publicó sus primeras fotografías siendo aún estudiante universitario, en medios nacionales y extranjeros como El País, Cambio 16, El Mundo, La Vanguardia, Vogue, Elle, Telva, El Periódico de Cataluña, National Geographic y Der Spiegel. En 1980 entró a trabajar en La Voz de Galicia, publicación de la que llegó a ser redactor jefe de fotografía y archivo gráfico y en la que trabajó hasta el año 2004. También perteneció a la hoy desaparecida agencia Cover.

El fotoperiodismo es su vocación principal, aunque ha hecho publicidad, fotografía artística y retrato, y ahora está más dedicado a la fotografía documental.  Su intención siempre ha sido contar, comunicar mediante las imágenes, construir historias donde se refleje la vida de las gentes de su alrededor, aunque también ha fotografiado en África o América Latina.

También se ha dedicado a la docencia y a organizar seminarios sobre fotografía en diversas ciudades gallegas, así como a ser comisario de diversas exposiciones como Nuevos Fotógrafos Coruñeses en 1980, Fotoperiodismo Galego Hoxe en 1983, Miradas en el tiempo en 1986, Galicia a pie de foto en 1987, Mirando al sur en 1992 y Larry Towell en 1997. Director del Festival de Fotografía Olladas, también ha coordinado el Premio de Fotografía Luis Ksado de la Diputación de La Coruña.

Entre los premios y reconocimientos se encuentran el premio de la Crítica en el Día das Letras Galegas en 1991, el premio Compostela 93, el premio Ortega y Gasset en 2003 por una foto suya del Prestige, el premio Polo prestixio na información, el premio Fotoperiodismo Desarrollo Sostenible en Doñana en 2004, el premio Sumiller Gallaecia en 2005 o el Gourmand World Cookbook en 2008.

Presente en las ediciones de PHotoEspaña 1998 y 2002, entre sus últimas exposiciones individuales figuran Jalisia is my country celebrada en la Galería Moret de La Coruña (2010) y Pasión en la Galería Trinta de Santiago de Compostela (2011). Posee obra en las colecciones del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid), el Instituto Valenciano de Arte Moderno y la Fundación Coca-Cola, entre otras. Colabora actualmente con la agencia Getty Images y El País.



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Libros

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martes, 6 de agosto de 2019

Arlene Gottfried

Arlene Gottfried fue una fotógrafa estadounidense (nacida el 26 de agosto de 1950 en Coney Island, fallecida el 8 de agosto de 2017 en Manhattan, Nueva York) que documentó escenas de la vida cotidiana ordinaria en algunos de los barrios menos acomodados de Ciudad de Nueva York. Su trabajo no fue ampliamente conocido hasta que tuvo 50 años. Más tarde en su vida, se embarcó en una carrera como cantante de gospel.


© Arlene Gottfried

© Arlene Gottfried



Biografía

Arlene Harriet Gottfried nació en una  familia de inmigrantes judíos que se trasladó a los barrios de Alphabet City. Siendo adolescente, su padre le dio una vieja cámara de 35 mm, que finalmente llevó a Woodstock, sin tener una idea clara de lo que estaba haciendo. Viviendo en Coney Island, expuesta a todo tipo de personas,  nunca tuvo problemas para acercarse a la gente y pedir sacarles una foto.

Se graduó en el Fashion Institute of Technology. Trabajó como fotógrafa para una agencia de publicidad antes de trabajar freelance para publicaciones como The New York Times Magazine, Fortune, Life, The Village Voice y el londinense The Independent. En su trabajo personal fue una fotógrafa callejera de la ciudad de Nueva York grabó escenas de la vida cotidiana ordinaria en algunos de los barrios menos acomodados de la ciudad. Su trabajo no fue ampliamente conocido hasta que tuvo 50 años.

Era una habitual del Nuyorican Poets Café, amiga de Miguel Piñero, y en el Lower East Side cantó gospel con los Eternal Light Community Singers, tras convertirse a la iglesia Pentecostal. Su hermano, el comediante y actor Gilbert Gottfried la llamaba por esto “Judía por Jesús”.

Estaba representada por Daniel Cooney Fine Art Gallery.  Publicó cinco libros de su obra: The Eternal Light, Midnight, Sometimes Overwhelming, Bacalaitos and Fireworks donde se centró en los puertorriqueños en la década de los 70, y  Mommie, un retrato de tres generaciones de mujeres de su familia: su abuela inmigrante, su madre y su hermana y que obtendría el premio Time Magazine's Best Photobook Award en 2016.

Gottfried ha expuesto en Paris Photo, la Galería Leica en Nueva York y Tokio, en la Smithsonian Institution en Washington, D.C., y en Les Douches La Galerie en París. Sus fotografías se pueden encontrar en las colecciones del Museo de Arte de Brooklyn, la Biblioteca Pública de Nueva York y la Maison Européenne de la Photographie en París. Obtuvo numerosos premios, incluyendo el Berenice Abbott International Competition of Women's Documentary.

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Libros



domingo, 4 de agosto de 2019

Jean-Philippe Charbonnier

Jean-Philippe Charbonnier fue un fotógrafo francés (nacido el 28 de agosto de 1921 en París, fallecido el 28 de mayo de 2004 en Grasse)  cuyas obras caracterizan el impulso humanista en la fotografía en Francia en el período posterior a la Segunda Guerra Mundial. Sus fotografías tienen una mirada poderosa, sensible y atrevida al mundo que le rodea, capturando la expresión profunda de la vida, ya sea en la esquina de una calle, en una sala de estar familiar o en un viaje, combinando lo trágico, lo cómico, lo inusual, con una estética buscada y perfectamente dominada.


La fillette au chant, Roubaix 1958-59 © Jean-Philippe Charbonnier
La fillette au chant, Roubaix 1958-59 © Jean-Philippe Charbonnier


No creo en el genio, especialmente en la fotografía: los hombres no son genios. La naturaleza, el orden o el desorden de las cosas lo tienen. Depende de nosotros ver, saber captar el campo magnético de esta orden milagrosa, fugitiva y latente.

Me tomó 30 años y mucho dolor descubrir la verdad de lo que Henri Cartier-Bresson siempre decía:  uno sólo debe utilizar una cámara con una lente que coincida con su ángulo de visión, siempre con la misma película y a su velocidad normal. El resto es sólo truco y maquinaria.




Biografía

Jean-Philippe Charbonnier nació en París en el seno de una familia de artistas e intelectuales. Su madre era escritora e hija de gente relacionada con el teatro y su padre era pintor; de niño Jean-Philippe conoció a Max Ernst, Pierre Bonnard y al fotógrafo Jacques-Henri Lartigue. Sus padres se separaron y fue criado por su padrastro estudiando filosofía, inglés y alemán, pero a los 18 años una cámara que le regaló su padre lo animó a convertirse en fotógrafo, e interrumpió sus estudios para irse a trabajar en el estudio de retratos de estrellas de cine de Sam Lévin. La Segunda Guerra Mundial le llevó a exiliarse durante dos años en la Suiza neutral, donde se reunió con Jean Manevy quien le instruyó en el arte de la tipografía y el periodismo.

A su regreso a Francia en 1944, trabajó para Théo Blanc y Tony Demilly en sus laboratorios de Lyon, donde aprendió a revelar. Al final de la guerra fotografió, en el pueblo de Vienne, cerca de Grenoble, la ejecución de un colaborador nazi frente a una multitud de cinco mil personas. A finales de los 40 se convirtió en el principal tipógrafo de Liberation, y más tarde en el de France Dimanche. También escribió para Point de Vue, donde en 1949 por primera vez sus fotografías fueron publicadas.

En 1950, fue nombrado reportero de la revista Réalités, especializada en historias de la vida cotidiana francesa, pero que le permitió viajar por el mundo para la revista. En 1951 fotografió a tuaregs en el norte de África, en 1954 a los niños zapateros de Brasil, en 1955 visitó China y luego Mongolia Exterior, donde fue el primer fotógrafo occidental con licencia para trabajar. También Moscú durante la Guerra Fría, Kuwait, donde hizo una de sus mejores fotos recordadas, de una mujer kuwaití con velo y una máquina de coser en la cabeza (que le valió un premio en el World press Photo), la antigua África Ecuatorial Francesa y Alaska.

Fue incluido en la exposición Fotografía humanista, 1945-1968 en la Biblioteca Nacional de Francia de 2006-2007, junto con Sabine Weiss, Marcel Bovis, Jean Dieuzaide y otros autores. Este movimiento de posguerra ayudó a construir una identidad nacional francesa y una iconografía, tanto de sus lugares pintorescos como de sus clichés sociales pero denunciando las duras realidades de la época: el traslado a las ciudades, el crecimiento de la clase obrera urbana, la pobreza, la falta de vivienda y el miedo a la Guerra Fría. La agencia de fotografía Rapho fue partícipe de este estilo y Charbonnier se convirtió en miembro junto con otros como Jean Dieuzaide, Sabine Weiss y Janine Niepce.

En 1970, fue invitado  a participar en los primeros Rencontres d'Arles como invitado de honor, junto con Brihat Denis y Jean-Pierre Sudre. Decidió dejar la revista Realities en 1974 para concentrarse en su barrio parisino de Notre-Dame de Paris. Desde la década de  los 60, con la televisión empezando a reemplazar las revistas en papel se dedicó cada vez más a la fotografía comercial, trabajando para grandes empresas como Carrefour y Renault, como freelance para el Ministerio de Trabajo francés y la Organización Mundial de la Salud y también en la industria de la moda, fotografiando a Pierre Cardin, su moda y modelos, desde 1958.

Enseñó fotografía en París en la Ecole Supérieure des Arts Graphiques y también en Inglaterra. Su  fotografía es un documento histórico que nos muestra la transformación de la sociedad francesa entre 1945 y 2004. Recibió en 1996 el Grand Prix de la Photographie de la Ville de Paris.


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