miércoles, 31 de julio de 2019

Riccardo Venturi

Riccardo Venturi es un fotógrafo italiano (nacido en 1966 en Roma) que compagina sus proyectos documentales personales con trabajos sobre zonas y temas de conflictos por todo el mundo.


© Riccardo Venturi
© Riccardo Venturi



Biografía

Riccardo Venturi se interesó por la fotografía durante sus últimos años de escuela secundaria estudiando en el Istituto Superiore di Fotografia en Roma. Su carrera como fotoperiodista comenzó 1988, cubriendo principalmente noticias y eventos nacionales y europeos, y temas como la inmigración y el activismo estudiantil. Un proyecto de investigación personal sobre la ciudad de Nápoles, y una investigación sobre el escándalo que rodeaba al Fondo de Terremotos de Irpinia, le llevaron a una serie de publicaciones en las principales revistas y periódicos italianos.

Durante la década de los 90 amplió su campo de interés a un enfoque más internacional con proyectos como las condiciones de vida en Albania después de la era comunista, una investigación de la prostitución infantil en Tailandia y otra sobre los cabezas rapadas nazis en Alemania.

A mediados de esta década, su atención se dirigió principalmente a países en conflicto como Afganistán (consiguiendo con su serie Work on Afghanistan un 2º premio World Press Photo en 1997)  y Kosovo (Mención Honorífica Leica en 1999) y también Sierra Leona, Burundi, Somalia, Liberia y Ruanda. Ha cubierto importantes acontecimientos internacionales, como el tsunami en Sri Lanka y en Indonesia, y el terremoto que sacudió Irán en 2004.

Realizó en colaboración con la Organización Mundial de la Salud un proyecto fotográfico sobre la propagación de la tuberculosis por todo el mundo y ha participado en un proyecto asignado por la ANMIL por las llamadas "muertes blancas", muertes y accidentes relacionados con el trabajo.

Venturi cubrió el terremoto de Haití y sus secuelas a lo largo de 2011. Con su proyecto Haiti Aftermath ha conseguido numerosos premios como un 1º premio World Press Photo, el Luis Valtueña, Sophot.com Prize y fue finalista en el  Sony World Photography y en el CARE International Award, siendo publicado el libro en 2015.

En 2013 fundó la Asociación Cultural Akronos a través de la cual ha desarrollado sus últimos proyectos, creando un laboratorio creativo donde se reúnen el arte, la educación y la cultura, creando una serie de reportajes multimedia que resumen los diferentes potenciales de las herramientas de comunicacion contemporanea.

En 2016  trabajó en el proyecto Italians and the UK-A Love Story sobre la inmigración italiana en el Reino Unido, en colaboración con National Geographic y patrocinado por el Ministerio de Relaciones Exteriores de Italia. A partir de 2017 trabaja en su proyecto Italiani d’Europa. que será una trilogía hablando de los italianos que viven en Bélgica, Alemania y finalmente en la Europa del Este.

Comprometido sobre todo en la realización de proyectos a mediano y largo plazo centrados en temas relacionados con temas sociales y ambientales, en los últimos años también ha tratado el tema de la energía verde en el continente africano por primera vez con una exhibición multimedia titulada Next Africa, celebrada en MaXXi - Museo Nacional de Artes del Siglo XXI en Roma en 2017, y luego con el libro y documental web Open Africa, presentado en el Minerva Roof Garden en Roma en 2018.

Representado por la agencia Contrasto desde 2001, también ha colaborado con los principales organismos humanitarios del mundo, desde UNICEF hasta ACNUR, desde la OMS hasta MSF.


Referencias



Libros

  • Italiani dell’Est (próximamente).
  • Italiani di Germania, 2018.
  • Open Africa, 2018.
  • Italiani del Belgio, 2018.
  • Italians and the UK-A Love Story, 2016.
  • Haiti aftermath, 2016.
  • DPR 448, 2014.
  • Da Estambul a El Cairo, 2009.
  • NO! – Al dramma degli incidenti sul lavoro, 2008.
  • Afghanistan. Il nodo del tempo, 2004.
  • Sette Minuti, 2000.

lunes, 29 de julio de 2019

Jaume de Laiguana

Jaume de Laiguana es un diseñador gráfico, director artístico, productor musical y fotógrafo catalán (nacido el 14 de junio de 1966 en Barcelona)  conocido principalmente por dirigir varios videos musicales de Shakira, de cuya gira mundial 2006-2007 fue el director artístico. La búsqueda incesante de la belleza en las imperfecciones, los accidentes o las casualidades son el nexo de unión de sus imágenes.



© Jaume de Laiguana


Cada foto es el final de un camino que termina donde había comenzado. Y cada fotografía es para empezar de nuevo desde cero. Porque con cada nuevo proyecto comenzó un nuevo camino y aprendizaje.


Biografía

Jaume López se asoció en 1990 con su hermano Carlos y Ricard Puignou para crear LAIGUANA, un centro de comunicación gráfica integrado por un equipo de diseñadores y creativos con juventud y entusiasmo permanentemente abierto a todas las nuevas tendencias estéticas.

Después de trabajar durante varios años como director artístico, Jaume comenzó, a mediados de los 90, su carrera como fotógrafo, participando en importantes campañas publicitarias y fotografiando a actrices como Pilar Bardem, Rossy de Palma, Ariadna Gil, Paz Vega, a diseñadoras como Agatha Ruiz de la Prada y Sara Navarro, a tenistas como  Carlos Moyá, a cantantes como Rosario Flores, Gloria Stefan y Marta Sánchez y a tops models como Martina Klein, Adriana Sklenarikova y Eleonora Bosé.

Tras el fallecimiento de su hermano, cambió su su nombre artístico por Jaume de Laiguana dando así continuidad al proyecto y a la gente que lo formó. LAIGUANA es actualmente, además, un colectivo que recoge artistas dentro de varias disciplinas como son la fotografía, el arte digital, el video arte, o incluso la danza.

Poco después, comenzó a hacer comerciales y videoclips: además de dirigir algunos videos de Shakira, también ha trabajado con otros artistas como Alejandro Sanz y Miguel Bosé, obteniendo reconocimiento nacional e internacional.

Gran parte de su obra tiene su origen en la publicidad, pero tiene vida propia. Y es que una de sus principales facultades es convertir los trabajos por encargo en trabajos de autor, enfocándolos desde su propio y particular punto de vista. Su obra también incluye otros proyectos que reflejan problemáticas sociales y el principal objetivo es hacer reflexionar al espectador. Su máxima: la virtud del defecto.

Jaume de Laiguana también ha publicado varios libros fotográficos, marcados siempre por su particular visión estética, y por una queja social. Sus beneficios se han otorgado a diferentes causas, desde la lucha contra el SIDA a la protección del medio ambiente pasando por la concesión de becas para fotógrafos novatos.

En 2002 publicó Libro 5, una obra en la que recopila sus trabajos más representativos de los últimos 15 años. Este trabajo, con 158 fotos de gran formato en los que se da a conocer su trayectoria profesional, con una particular visión estética y un claro compromiso social, se expuso en el Palau Robert de Barcelona.

Ha sido ganador de multitud de premios LUX de la Asociación de Fotógrafos Profesionales de España entre 1998 y 2002, en distintas categorías como publicidad, moda, editorial, reportaje y retrato, participando de jurado en varias ediciones posteriores.




Referencias





Libros



sábado, 27 de julio de 2019

Judy Dater

Judy Dater es una fotógrafa y feminista estadounidense (nacida en 1941 en Hollywood, vive en Berkeley, California) que ha utilizado la fotografía como instrumento para desafiar las concepciones tradicionales del cuerpo femenino. Sus primeros trabajos se unieron al surgimiento del movimiento feminista y su trabajo se asoció fuertemente con él. Su  carrera ha sido larga y variada, combinando docencia, creando libros, viajando y realizando talleres, haciendo copias, videos y fotografiando continuamente.


Imogen y Twinka en Yosemite, 1974 © Judy Dater
Imogen y Twinka en Yosemite, 1974 © Judy Dater


Judy es autora de esta icónica fotografía, donde presenta a una anciana Imogen Cunningham, una de las primeras mujeres fotógrafas de Estados Unidos, que se encuentra en los bosques de Yosemite con una ninfa, la modelo Twinka Thiebaud. Esta fotografía fue publicada en la revista Life en su número de 1976 sobre los primeros 200 años de mujeres estadounidenses y fue el primer desnudo frontal publicado en EEUU. 


Biografía

Judy Rose Lichtenfeld nació en Hollywood y creció en Los Angeles. Su padre era dueño de una sala de cine, por lo que las películas se convirtieron en el prisma a través del cual veía el mundo y tuvieron una profunda influencia en su fotografía. Estudió arte en UCLA de 1959 a 1962 y luego obtuvo una licenciatura en 1963 y un master en 1966, ambas de la Universidad Estatal de San Francisco, a donde se trasladó. Fue allí donde estudió fotografía por primera vez con Jack Welpott, con quien se casaría, publicaría en 1975 una obra conjunta, titulada Women and Other Visions y se divorciaría  en 1977.

En 1964 conoció a la fotógrafa Imogen Cunningham en un taller centrado en la vida y el trabajo de Edward Weston en Big Sur Hot Springs. Judy se convirtió en parte de la comunidad de la escuela de fotografía de la costa oeste, representada principalmente por los fotógrafos Ansel Adams, Brett Weston, Wynn Bullock e Imogen Cunningham. Todos ellos se interesaron en su trabajo y la animaron a dedicarse a la fotografía como carrera.

Dater se inspiró enormemente en la vida y obra de Imogen, compartiendo interés en el retrato y siendo amigas hasta la muerte de ésta en 1976. Tres años más tarde publicó Imogen Cunningham: A Portrait, que contiene entrevistas con muchos de los fotógrafos de la época, amigos y familiares de Cunningham junto con fotografías de ambas.

A través de los años, Dater ha experimentado con paisajes, bodegones, imágenes manipuladas por computadora, imágenes compuestas y collage de fotos y ha trabajado con una variedad de medios, incluyendo copias impresas, instalación, video y perfomances. Regularmente guarda un diario y un cuaderno de sus sueños, trozos y piezas de los cuales se han utilizado en su trabajo desde principios de la década de los 80. La amplitud de su obra es sorprendente, dada la relativa falta de respuesta crítica desde finales de la década de los 80, y nunca se ha instalado en un cómodo pacto con el mercado o con la posición que ha alcanzado en la fotografía artística.

En un momento en que la desnudez frontal femenina se consideraba muy arriesgada Dater empujó los límites tomando fotos del cuerpo femenino desnudo. Aunque su temática y mensaje se mantuvo relativamente constante a lo largo de su carrera, Judy ha experimentado con una gran variedad de composiciones. Influenciada por la segunda ola de feminismo que comenzó en la década de los 60 y duró hasta los 80, ha tratado temas como la identidad, el feminismo y la conexión humana con la naturaleza, haciendo fotografías hasta hoy en día.

Dater también es conocida por sus autorretratos, donde creaba a menudo personajes que encarnaban las preocupaciones conscientes e inconscientes de las mujeres, con títulos como Ms. Cling Free y Leopard Woman. Hizo retratos de otras mujeres, usando luz natural. Trabajó en blanco y negro hasta 1979, cuando comenzó a trabajar en color. Recibió una beca Guggenheim en 1978 y dos National Endowment for the Arts en 1976 y 1988.

Su fotografía se ha expuesto en el Getty Museum entre otros. En 2018 en de Young Museum se expuso Judy Dater: Only Human, que recogía cinco décadas de trabajo de la artista, celebrando su logro como figura pionera en el arte feminista de los años 70 y su posterior evolución creativa.


Referencias



Libros

jueves, 25 de julio de 2019

Solve Sundsbo

Sølve Sundsbø es un fotógrafo noruego (nacido el 14 de octubre de 1970, vive y trabaja en Londres) que realiza fotografía de moda manipulando inteligentemente las imágenes llevándolas fuera de lo común. Su trabajo incorpora desde radiografía y escaneo 3D hasta manipulación de alta tecnología y laborioso retoque pintado a mano. Su trabajo tan diverso tiene como elementos comunes un extraordinario uso de la iluminación, un compromiso con la tecnología, un alto nivel de precisión y un gusto por la fantasía.


© Solve Sundsbo
© Solve Sundsbo


Si tengo un estilo, es precisamente no tener un estilo.


Biografía

Sølve Sundsbø llegó a Londres en 1995 para estudiar fotografía en el London College of Printing. A los 4 meses dejó la universidad para trabajar como primer asistente del fotógrafo británico Nick Knight con el que estuvo 4 años.

Trabaja regularmente con publicaciones como Vogue Italia, China y Japón, Love, Visionaire, V, Interview, i-D, NYTimes, y W Magazine. En 2012 colaboró con W Magazine, creando y exhibiendo una instalación de su película The Ever Changing Face of Beauty.

Su obra ha sido expuesta  en numerosas ocasiones, como Beyond the Still Image en el Palazzo Reale de Milán como parte del Photo Vogue Festival 2018 en colaboración con Vogue Italia, Rosie and 21 Men en la Galería Shoot en Oslo en 2013, Perroquets en 2008 en la galería Gun de Estocolmo, …

Sundsbø ha realizado anuncios para marcas de moda y belleza, incluyendo Giorgio Armani, Chanel, Cartier, Gucci, Mugler, Dolce & Gabbana, Louis Vuitton, Yves Saint Laurent, Hermes, Guerlain, Givenchy, H&M, Lancéme, Estée Lauder, Sergio Rossi y Boucheron. Además, ha creado cortometrajes para Chanel, Gucci, Lancéme, LOVE, NYTimes, Nike y SHOWstudio.

Su película (utiliza imágenes en movimiento desde 1999) para el New York Times titulada 14 Actors Acting ganó un premio Emmy en 2011. Su obra ha sido incluida en subastas por Phillips De Pury y se encuentra en la colección permanente de la National Portrait Gallery de Londres. Está representado por Art+Commerce.




Referencias




Libros

  • Perroquets, 2008.
  • Savage Beauty, 2011.
  • Rosie and 21 men, 2013.

martes, 23 de julio de 2019

Holger Droste

Holger Droste es un artista y fotógrafo alemán (vive en Dortmund) cuya obra, principalmente en blanco y negro es muy inspiradora y tiene un gran impacto visual.  Sus imágenes son impresionantes y su trabajo es emotivo, expresivo y visceral.


Closing Time © Holger Droste

Closing Time © Holger Droste

La fotografía es parte de mi alma, mi arte es realismo surrealista.



Biografía

Holger Droste creció en la zona del Ruhr. Desde su infancia siempre ha estado haciendo obras artísticas, escogiendo finalmente la fotografía como medio de expresión.  También siempre ha visitado regularmente museos de arte, espectáculos y exposiciones para observar la obra de otros artistas.

Hay pocos lugares mejores que su entorno de la zona del Ruhr, uno de los centros culturales de Europa, donde se puedan experimentar opuestos tan fuertes, ya sea en arquitectura urbana y en paisaje, con su contraste entre la antigua cultura industrial y el mundo moderno. Es un emocionante crisol cultural, siempre inspirador y el reino ideal para el sentido fotográfico.

Como persona Droste es muy abierto de mente a todas las cosas nuevas, pero como fotógrafo tiene una conexión emocional con el pasado y las viejas fotos de su infancia. Le encanta devolver el pasado a la vida, y su imaginación no conoce fronteras. Su visión fotográfica también está inspirada por los viejos clásicos del cine en blanco y negro del período Film Noir de los años 40 y 50 con actores como Humphrey Bogart, Orson Welles, Peter Lorre. También el neorrealismo italiano de Roberto Rosselini o Vittorio de Sica (un buen ejemplo es la película El ladrón de bicicletas).

Holger se define como alguien a quién le gustan las "fotografías con alma".






Referencias

domingo, 21 de julio de 2019

Txema Yeste

Txema Yeste es un fotógrafo español (nacido en 1972 en Barcelona, donde vive) cuyas impresionantes y siempre icónicas imágenes en el mundo de la moda son la combinación de una técnica de alta gama, un sofisticado mundo imaginario con pinceladas surrealistas,  una mirada perfeccionista y una experimentación gráfica y narrativa.


© Txema Yeste
© Txema Yeste



Biografía

Txema Yeste se formó como reportero gráfico en Barcelona y en Birmingham (Inglaterra). Tras finalizar sus estudios, publicó sus primeras fotos en The Independent, luego volvió a España y emprendió una serie de viajes y colaboraciones con El País Semanal que influyeron de forma decisiva en el tipo de trabajo editorial que realiza en la actualidad, al que imprime un carácter narrativo.

Volvió a Inglaterra y publicó un reportaje de una familia magrebí en el primer número de la revista Punk. También empezó a colaborar con Neo2 en Madrid. Todo esto con un enfoque social, como fotorreportero. Le llamaron de Magnum interesados en un proyecto que estaba desarrollando sobre gente en movimiento, Travellers del siglo XXI, pero la revisión de su trabajo la realizó un fotógrafo de guerra, clásico de blanco y negro, y su trabajo era todo color, con flash, sobre cosas del día a día, mundanas, nada excepcional, y le recomendó que cambiara su estilo fotográfico y que volviera al cabo de cuatro años.

A partir de ese día, poco a poco, no cambió su estilo sino su campo de trabajo y se empezó a dedicar al mundo de la moda, donde hoy es una figura respetada y colabora con publicaciones como Vogue, V Magazine, Numero, Vanity Fair y Harper’s Bazaar, habiendo realizado también trabajos comerciales realizados para Giorgio Armani, Diesel y Nike.

Trata de que sus imágenes sean tan inesperadas, sofisticadas y fuertes como sea posible, siempre tratando de crear una imagen que todos recuerden. Para él la verdadera belleza es la belleza que proviene de una personalidad fuerte y única, que salga del interior de la persona. No le interesa la belleza que esté vacía.



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Libros

viernes, 19 de julio de 2019

Louis de Clercq

Louis de Clercq fue un industrial, político, coleccionista de arte y fotógrafo francés (nacido el 24 de diciembre de 1837 en París, fallecido el 27 de diciembre de 1901 en Oignies) cuya obra está dentro del orientalismo de la época trabajando con calotipos. Su estilo muestra un ingenuo primitivismo enteramente fotográfico, sin teatralidades, exotismos impostados ni artificios externos.



Louis de Clercq
Louis de Clercq




Biografía
Louis Constantin Henri François Xavier De Clercq nació en el seno de una familia adinerada del norte de Francia y se apasionó muy pronto por la arqueología y la fotografía. Tras servir en el ejército francés durante la campaña contra Italia, en 1859 solicitó al Ministerio de Bellas Artes la misión de acompañar como fotógrafo al arqueólogo Emmanuel-Guillaume Rey en su proyecto de ilustrar fotográficamente una publicación sobre los castillos de los cruzados en Siria. De Clercq utilizaba finamente el método inventado por Gustave Le Gray: negativo de papel encerado y positivado en albúmina y consiguió el encargo, recorriendo juntos Oriente Medio durante cinco meses, pero luego de enero de 1860 De Clercq continuaría su viaje por Jerusalén, Egipto y España en solitario.

A su llegada a París, publicó por cuenta propia seis volúmenes con sus fotografías bajo el título Voyage en Orient, traicionando en cierto modo a Rey al incluir entre las imágenes publicadas las fotografías realizadas durante la expedición conjunta sin mencionar apenas al arqueólogo. 

Voyage en Orient está compuesto de copias en albúmina a partir de negativos en papel encerado, y se divide en 6 tomos Villes, monuments et vues pittoresques de Syrie; Châteaux des temps des croisades en Syrie; Vues de Jérusalem et des lieux saints, Palestine; Les stations de la Voie douloureuse à Jérusalem; Monuments et sites pittoresque de l’Egypte y Voyage en Espagne. El álbum de España se centra en los monumentos árabes de Granada y Sevilla, en un intento de establecer una comparación con  los visitados en Oriente Medio, incluyendo también vistas de Cádiz y Málaga, panorámicas de Granada y otras fotografías realizadas en Aranjuez, El Escorial y Madrid.

En 1861 exhibió la serie completa en la exposición de la Sociéte française de photographie en París. En 1862, participó con tres imágenes en la Exposición Universal de Londres, donde recibió una mención de honor. La Bibliothèque Nationale de France organizó y acogió en 2012-13 la muestra colectiva La photographie en cent chefs d’oeuvre - BnF, una selección de 100 obras maestras pertenecientes al fondo de la biblioteca, en la que se incluyó el trabajo de Luis de Clercq.

Su actividad fotográfica y viajera se vio desplazada por su actividad política, siendo alcalde de Oignies desde 1871 hasta su muerte en 1901, consejero general del cantón de Carvin, diputado por Pas-de-Calais sentado en la derecha con la mayoría conservadora y monárquica en la Asamblea Nacional en 1871, 1876 y 1885.

En 1889, comenzó el catálogo de su notable colección de objetos de arte, consistente principalmente en antigüedades orientales de Caldea, Asiria y Chipre, que legaría al estado. El Metropolitan Museum of Art, el Museo del Louvre y el Musée d’Orsay poseen tiradas completas del Voyage en Orient.



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Libros

miércoles, 17 de julio de 2019

Fred Stein

Fred Stein fue un fotógrafo alemán (nacido el 3 de julio de 1909 en Dresde, fallecido el 27 de septiembre de 1967 en Nueva York, EEUU) que hizo fotografía de calle en París y Nueva York después de que se viera obligado a huir de su Alemania natal por la amenaza nazi a principios de la década de los años 30. Exploró las nuevas posibilidades creativas de la fotografía, capturando escenas espontáneas de la vida en la calle. También fue retratista, fotografiando a muchas de las grandes personalidades del siglo XX.


© 2018 Fred Stein Archive
© 2018 Fred Stein Archive



Biografía

Fred Stein estuvo profundamente interesado en la política desde su adolescencia y pronto se convirtió en un activista antinazi. Fue un estudiante brillante y obtuvo una licenciatura en derecho en una Universidad de Leipzig llena de ideales humanistas, en un tiempo impresionantemente corto, pero el gobierno nazi le negó la autorización para ejercer de abogado por ser judío. La amenaza del fascismo se hacía cada vez más grande y sabiéndose investigado por las SS  huyó a París en 1933 con su esposa, Liselotte Salzburg, con el pretexto de su viaje de luna de miel.

En su vida en París en un círculo de expatriados, intelectuales y artistas, Fred comenzó a hacer fotografías con la Leica que se habían comprado como regalo de boda, saliendo a la calle a fotografiar escenas de la vida en París. También retrató a su círculo de amistades, entre los que se encontraban intelectuales como Hannah Arendt, Willy Brandt o André Malraux. En su apartamento de París tuvo como inquilina a Gerda Taro y, a través de ella conoció a Robert Capa, haciéndoles entre 1935 y 1936 varios retratos.

Tras derrotar Alemania a Francia en 1939, Stein fue enviado a un campo de internamiento para extranjeros enemigos del Reich cerca de París, pero logró escapar y reunirse con su esposa y su bebé en Marsella, donde consiguieron embarcarse en el S.S. Winnipeg, uno de los últimos barcos en salir de Francia, llevándose sólo a su nueva vida en EEUU la Leica y algunos negativos.

En una Nueva York vibrante centro de la cultura, Stein aprovechó la oportunidad, conoció y fotografió a escritores, artistas, científicos, políticos y filósofos cuyo trabajo conocía a través de su extensa lectura y estudio y con los que entablaba conversaciones durante las sesiones de retrato. Caminaba por las calles de Nueva York, documentando la vida desde la Quinta Avenida hasta Harlem, trabajando discreta y rápidamente, con una iluminación natural o mínima, evitando configuraciones elaboradas, así como efectos dramáticos.

La movilidad de Stein disminuyó en la década de los 50, y fomentó un creciente interés en el retrato, que ya había practicado y que era su principal fuente de ingresos. Amigo de importantes escritores, artistas, científicos y filósofos, fotografió a Albert Einstein, Georgia O’Keeffe, Marc Chagall, Hannah Arendt, …

Stein murió en 1967 a la edad de 58 años tras realizar numerosas exposiciones en solitario, dar conferencias y publicar varios libros. Sus retratos y reportajes habían aparecido en periódicos, revistas y libros de todo el mundo.  Su retrato de Albert Einstein es una de las imágenes más icónicas de la historia de la fotografía, conseguida en una sesión acordada de 10 minutos, pero que se extendió a una conversación de dos horas.

El archivo de su obra, The Fred Stein Archive, está intacto y conservado por su hijo, Peter Stein, un consumado cineasta con más de cincuenta largometrajes premiados, películas de televisión y documentales.




Referencias




Libros


lunes, 15 de julio de 2019

Slevin Aaron

Slevin Aaron es un fotógrafo polaco (nacido en 1991 en Szczecin) cuya obra dibuja una metáfora con poesía visual entre humanos y flores. Se considera a sí mismo como un fotógrafo de 'emociones' y su fotografía artística semi-surrealista entra en contacto con el realismo.


© Slevin Aaron
© Slevin Aaron



Biografía

Slevin Aaron se empezó a dedicar a la fotografía en 2007 y ésta se ha convertido en su mayor pasión. Se describe como un fotógrafo de la emoción e intenta transmitirla en sus fotografías. Hace retratos, belleza, glamour, moda, arte callejero, macro y mucho más, pero siempre en cada foto, en cada sesión que crea hay alguna historia, algún mensaje.

Quiere mejorar continuamente, descubrir cosas nuevas, nuevas técnicas, cada vez más profundamente inmerso en su imaginación y sacar a relucir las historias e ideas más nuevas e interesantes. Ama la forma en que puede mostrar las emociones humanas congeladas en un marco, y eso es para él la fotografía, los sentimientos, las emociones, la nostalgia, la felicidad y la tristeza, ¡la vida!

Sus fotos aparecen en portadas de libros, en revistas, carteles de cine y teatro y en portadas de discos. También participa en diversas campañas sociales por el mundo y ha realizado varias exposiciones fotográficas en Polonia e Italia, algunas organizadas gracias a PhotoVogue.

Es autodidacta, pero su constante deseo de mejora le ha empujado a la Academia de Arte de Szczecin, donde hace proyectos muy diferentes como videos, instalaciones y esculturas.


Referencias

sábado, 13 de julio de 2019

Florian Ritter

Florian Ritter es un diseñador y fotógrafo alemán (nacido en julio de 1981 en Nieder-Erlenbach, vive en Berlín) que compagina sus proyectos de diseño y publicitarios con fotografía personal de paisaje y viajes.


© Florian Ritter
© Florian Ritter




Biografía
Florian Ritter creció con sus hermanos y su madre en Nieder Erlenbach, cerca de Frankfurt am Main, y desde los 7 años de edad, desarrolló una habilidad para el dibujos y el esbozo. En 2006 comenzó a estudiar diseño de medios en la Berufsakademie Ravensburg. Mientras estudiaba ilustraciones, película, fotografía y diseño gráfico, trabajó paralelamente en publicidad clásica.

Hasta los 25 años, nunca había mostrado ningún interés en la fotografía ni en los fotógrafos. En 2006, de repente, se comenzó a fascinar por la perfección de la fotografía publicitaria. En pocas semanas estudió a varios fotógrafos y dentro de esta investigación encontró a sus fotógrafos más inspiradores: Gregory Crewdson y James Nachtwey.

En 2007 Florian decidió probar la fotografía así que renunció a su trabajo y planeó viajar seis meses por el mundo, contactando a fotógrafos en varios lugares del mundo y trabajando gratis para ellos con el fin de aprender y ganar experiencia. Después de 18 meses de viaje fotográfico, regresó a Alemania con más de 30.000 fotos, sabiendo que la fotografía seria el futuro en su vida, pero se encontró con una Europa en crisis.

En 2009 se mudó a Shanghái y vivió allí 8 años como fotógrafo paisajista y comercial y diseñador. En 2012 creó su propia compañía Pflock para poder realizar sus propias producciones no sólo fotográficas, sino también en diseño web y publicidad, realizando campañas publicitarias para Adidas, Remy Martin, Haier, UK Pavilion, FinnAir, Ikea y Opel, entre otras.

Desde enero de 2017 ha vuelto con su familia a Berlín, trabajando entre la capital alemana y Shanghái.


Referencias

jueves, 11 de julio de 2019

Anna Devís y Daniel Rueda

Anna Devís y Daniel Rueda son un dúo creativo español (con sede en Valencia) que crea fotografías maravillosamente frescas que encantan y deleitan a partes iguales, utilizando una arquitectura llamativa como telón de fondo, a sí mismos como modelos, y un gran toque de imaginación.


© Anna Devís y Daniel Rueda

© Anna Devís y Daniel Rueda



Biografía

Anna Devís y Daniel Rueda son dos imaginativos fotógrafos españoles, nacidos en 1990. Se conocieron en la Universitat Politècnica de València, donde ambos se graduaron en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura. A día de hoy, este dúo creativo utiliza su bagaje arquitectónico para contar historias mediante imágenes divertidas y originales que distan mucho de la fotografía de arquitectura convencional. Su particular estilo se caracteriza por el uso del humor, la creatividad, la precisión y una delicada estética inspirada en la ciudad, la geometría y el minimalismo.

Ambientadas en ciudades de todo el mundo y llenas de estructuras llamativas, formas sencillas y colores pastel, estas fotografías no sólo hablan de abstracción, elegancia y simpleza. Además de subrayar arquitecturas sorprendentes y hermosas nos muestran una forma única de interactuar con nuestro entorno más cercano gracias al poder de la imaginación. Paredes, calles y fachadas, habitualmente relegadas al segundo plano, se convierten aquí en las protagonistas absolutas de estas fotografías a través de la refrescante mirada de este joven dúo que trabaja incansablemente para arrancarnos una sonrisa.

Aunque pueda resultar sorprendente o incluso difícil de creer, Anna y Daniel crean estas escenas sin el uso de software de edición de imágenes, sino que las crean meticulosamente en la vida real sirviéndose de todo tipo de objetos cotidianos, localizaciones inesperadas y luz natural.

El auge del interés por el arte en Internet ha provocado que sus imágenes hayan dado la vuelta al mundo, especialmente gracias a la red social Instagram, donde, con más de 700.000 seguidores entre los dos, Anna y Daniel son más conocidos como @anniset y @drcuerda. Su estilo singular e inconfundible, les ha llevado también a trabajar con marcas de prestigio internacional como Facebook, Netflix, Hasselblad o Disney, entre otras. Además de haber participado en numerosas campañas publicitarias, su trabajo ha ilustrado carteles de festivales, portadas de libros y ha sido publicado en numerosas revistas internacionales como Surface Mag, The New York Times Style, Marie Claire, Glamour o El País.


Referencias


 

martes, 9 de julio de 2019

Scott Typaldos

Scott Typaldos es un fotógrafo documental suizo (nacido en 1977 en Lausana) que desde 2010 ha estado fotografiando e investigando extensamente el tema de la enfermedad mental a través de su proyecto a largo plazo Butterflies.



© Scott Typaldos / Prospekt
© Scott Typaldos / Prospekt




Biografía

Scott Typaldos nació en Suiza de padre griego y de madre egipcio-alemana y se dedicó a la fotografía al final de sus estudios de cinematografía en 2001. Sus primeros años activos se dedicaron a proyectos personales, diarios e íntimos. En 2005, su documental sobre buscadores de petróleo en la región de Lambarn en Gabón cambió su enfoque y lo llevó al exterior, fuera de su círculo cercano y a un cambio en la forma en que fotografiaba.

Desde 2010, ha estado fotografiando e investigando extensamente el tema de la enfermedad mental a través de su proyecto a largo plazo Butterflies fotografiando extensamente en Ghana, Togo y Kosovo. Su objetivo a largo plazo es crear un proyecto global sobre enfermedades mentales y las grandes desigualdades presentes en sus terapias.  Ha desarrollado relaciones con asociaciones locales en muchos países de Europa oriental (Serbia, Moldavia, Albania, Macedonia) tratando de mejorar el tratamiento local de los enfermos mentales. Sus fotografías sirven para recaudar dinero para sus acciones.

En la Grecia antigua, las almas a la deriva eran a menudo representadas por símbolos de mariposas. Este fue un vínculo directo con Psyche, la diosa del alma, que fue representada de manera similar con delicadas alas de lepidóptero. Al buscar un título para su trabajo sobre la condición mental, Scott quería una palabra que elevara a las personas que había conocido por encima de los rancios traumas y estigmatizaciones creados socialmente, que habían arruinado sus vidas. La palabra Butterflies (Mariposas) pronto se impuso como una imagen de un estado delicado pero radiante del ser, una descripción de la libertad constantemente aterrorizada por el mundo exterior. Esta vulnerabilidad del alma constantemente inmersa en el miedo se convirtió en su principal obsesión mientras fotografiaba a hombres y mujeres clausurados en instituciones o centros de curación.

Desde 2013 es miembro de la agencia fotográfica Prospekt con sede en Milán. Su trabajo ha sido mostrado en numerosos países en exposiciones y revistas como Fstop, Archivo, Doc Photo magazine, L'oeil de la photographie, Burn, smbh mag, ... y premiado en Barcelona International Photo Awards 2016 , Il Reportage photo award 2016, Lugano Photo days 2015, Sony World Photography 2015 Awards (en la categoría Contemporary Issues), Swiss Photo Award 2014 (en la sección de Reportage), Proof Award 2012, por citar aquellos en los que ha resultado ganador.


Referencias


domingo, 7 de julio de 2019

Eric Ryan Anderson

Eric Ryan Anderson es un director de video y fotógrafo estadounidense (nacido en Texas, vive entre su casa en Nashville y su estudio de producción en Manhattan) que se esfuerza por crear autenticidad y humanidad a través de su trabajo. Su increíble composición visual ha dado lugar a una carrera diversa que abarca desde campañas mundiales de fotografía para transmitir anuncios a hermosos documentales.


© Eric Ryan Anderson
© Eric Ryan Anderson

Biografía

Eric Ryan Anderson nació y creció en Texas. Estudio arquitectura y negocios en la Texas A&M University. Su padre, un arquitecto que quería que Eric trabajara con él en su estudio, le compro una cámara cuando cumplió los 24 años, algo inesperado pues nunca se había planteado la fotografía como una forma de vida. Tras graduarse, mientras vivía en Dallas, trabajando en finanzas durante unos años, empezó a salir a la calle para fotografiar la arquitectura de la ciudad.

Era una manera creativa de llevar el trabajo del día, pero poco poco su gusto por la cámara fue creciendo. Se mudo a Nueva York en 2006 y rápidamente decidió que era el momento de buscar una historia diferente, así que dejó su trabajo y se zambulló en el mundo de la fotografía, contando historias con imágenes. Su personalidad le permite acercarse a cada tema con la intención de hacer algo fresco, mientras se aferra a una estética atemporal y tangible.

Fuera de Texas comenzó a apreciar plenamente su estado natal y regresó a casa para comenzar un proyecto personal, recorriéndola por carretera, fotografiando a personas y lugares con el fin de experimentar historias con las que había crecido. Documentó de todo, desde verdaderos vaqueros hasta startups tecnológicas, música country, artistas de hip hop, playas y montañas.

Trabaja con Canon, Hasselblad, Polaroid y un sinfín de otras cámaras antiguas. Para el flujo de trabajo digital es un gran fan de Photo Mechanic, Lightroom y Photoshop. Pero intenta seguir utilizando película.


Referencias

viernes, 5 de julio de 2019

Gijsbert Hanekroot

Gijsbert Hanekroot es un fotógrafo holandés (nacido el 1 de mayo de 1945 en Bruselas, vive en Ámsterdam) era  conocido como Gilbert entre las estrellas de rock que fotografió, mostrando sus fotografías en blanco y negro de las leyendas del rock de los años 70 en su mejor momento, incluyendo a David Bowie, Mick Jagger, Patti Smith, Neil Young, BB King y otros artistas que cambiaron la música para siempre.



© Gijsbert Hanekroot
© Gijsbert Hanekroot


Mi artista favorito de todos los tiempos fue David Bowie.

Biografía

Gijsbert Hanekroot creció en Ámsterdam. Con 13 años, su madre le regaló su primera cámara y para perfeccionar sus habilidades se leyó todos los libros que pudo encontrar sobre fotografía. Con 16 años abandonó la escuela y poco después fue asistente 3 meses con Philip Mechanicus, un célebre fotógrafo conocido principalmente por sus retratos de escritores. Aprendió a disparar en condiciones de luz imperfectas y a positivar sus copias en papel en el cuarto oscuro siempre con un estilo en blanco y negro con mucho grano.

Comenzó su carrera como fotógrafo de músicos rock en 1969 aunque ya en 1963 fotografió a John Coltrane con  esmoquin sosteniendo su saxo tenor, esperando para tocar. Pasó los años 70 trabajando para Oor (la primera revista de música holandesa) y otras publicaciones como Nieuwe Revu, Margriet, Viva, … visitando cientos de actuaciones y fotografiando músicos en numerosas entrevistas. Su carrera como fotoperiodista está perfectamente alineada con la explosión de la escena del rock,  documentando esta época dorada de la música fotografiando a muchos de los iconos más grandes de la época. Revelaba al ser humano detrás del músico, expresando verdades profundas sobre sus sujetos en retratos naturales e íntimos, relajados y sinceros.

Poco después de Woodstock, la escena del rock y el pop literalmente explotó: un día era Abba y Zappa al siguiente, The Eagles en Londres, Paul McCartney en el sur de Francia, Bob Dylan en Nueva York y los Stones en Hamburgo. Viajaba a Londres cada dos meses. Era la cosa más natural del mundo en ese entonces, y fue un momento fantástico.

Se retiró de la fotografía musical en 1983 y se convirtió en empresario, dueño de una editorial y una tienda web para ordenadores y cámaras digitales. Hace unos años comenzó a digitalizar sus archivos y de ellos salió el libro Abba... Zappa: Seventies Rock Photography (2008), con exposiciones en París, Londres, Moscú, Tokio, Frankfurt y Ámsterdam.

Mientras trabajaba en su libro y exposiciones Gijsbert sintió el deseo de volver a la fotografía. Comenzó de nuevo viajando y disparando su cámara, principalmente fotografía documental y de calle en la India, China, Europa del Este y los Estados Unidos y sigue trabajando su archivo con el que está editando diversos libros de los grupos más míticos de aquella época.


Referencias



Libros

miércoles, 3 de julio de 2019

Matthew Edward Loh (Edlo Kawa)

Edlo Kawa, alias Matthew Edward Loh, es un fotógrafo y retocador fotográfico (vive en Singapur) que trabaja en el área de la publicidad con gran éxito, realizando campañas para las más grandes compañías.


© Matthew Edward Loh
© Matthew Edward Loh




Biografía

Edward Loh Kar Wai, alias Matthew Edward es un renombrado fotógrafo y retocador fotográfico. Comenzó a principios de los años 90 como animador 3D y artista de efectos Flame en la plataforma SGI. Desde entonces ha continuado desarrollando sus habilidades en el arte tecnológico aplicado.

A mediados de los 90, exploró el retoque digital y fundó un estudio que ganó múltiples premios internacionales en  retoque digital. A finales de los años 90, comenzó su viaje convirtiéndose de retocador en fotógrafo.

En el año 2000, ganó casi todos los premios importantes de fotografía en la industria de la publicidad asiática. Durante su viaje como fotógrafo y retocador, reclamó para sí la denominación de Photocrafter, aquél que crea imágenes perfectas capturándolas y transformándolas.

En 2003, entró en otra fase de su carrera cuando dirigió su primer comercial de televisión. Su clientela a lo largo de los años incluye algunas de las mejores marcas con presencia global como Singapore Airlines, Cathay Pacific, Northwest Airlines, Mercedes, BMW, Volvo VW, SEAT, MasterCard, American Express, Motorola, Nokia, Oppo, China Mobile, Sprite, Coca-Cola, Shangri-la Hotel, Pan Pacific Hotel Asia, Langham Hotel, Henderson Land, Ritz-Carlton Dubai, Ben & Jerry, HSBC, DBH, Carlsberg, AIG, Hong Kong Land, Levi's, Mont Blanc, ...


Referencias