sábado, 29 de junio de 2019

David C. Turnley

David C. Turnley es un fotógrafo estadounidense (nacido el 22 de junio de 1955 en Fort Wayne, Indiana, vive en Ann Arbor, Michigan) es considerado uno de los mejores fotógrafos documentales que trabajan hoy en día. Ganador de un Premio Pulitzer, dos World Press Photos of the Year y el Robert Capa Award for Courage, ha documentado la condición humana en más de 75 países.


Mandela in cell © David C. Turnley

Mandela in cell © David C. Turnley



Biografía

David Carl Turnley y su hermano gemelo Peter, también fotorreportero, nacieron en Fort Wayne, Indiana. Pasó su niñez y sus primeros años de adulto haciendo deporte al aire libre e, incluso, estuvo un mes a prueba en el equipo de rugby americano de Michigan. La tenacidad, pasión y resistencia que adquirió en su temprana vida deportiva ha sido el núcleo de su éxito como fotógrafo documental y director. David estudió literatura francesa en la Universidad de Michigan, donde se licenció en 1977. Habla fluido francés y español, y estudió también en la Sorbona y en la Universidad de Harvard.

David ha cubierto muchos de los acontecimientos mundiales más importantes de los últimos 40 años, como la lucha del fin del apartheid en Sudáfrica y la elección de Nelson Mandela como primer presidente electo democráticamente de ese país, las revoluciones en Europa del Este, el levantamiento estudiantil en China, la operación Tormenta en el desierto en Irak, también Afganistán, la guerra de Bosnia y la del Golfo y la caída de la Unión Soviética, la hambruna en Ruanda y Somalia y casi murió en un bombardeo a gran escala durante la guerra en Chechenia.

David tiene una amplia experiencia en las zonas de guerra más peligrosas de nuestro tiempo en medio de batallas y combates en vivo. Combinando sus habilidades de comunicación estratégica y negociación, ha avanzado y ha obtenido acceso a las regiones más restringidas, trayendo a la luz descubiertos y desconocidos crímenes de guerra, culturas y una amplitud de experiencias humanas y tragedias que necesitan ser conocidas en el mundo.

Después de regresar a los Estados Unidos para estudiar cine en Harvard con una beca Nieman, David se mudó a Ciudad de Nueva York, donde se encontró una vez más en una zona de guerra, ya que fue uno de los primeros fotógrafos en llegar a las torres del World Trade Center el 11S.  David es también un galardonado director y productor de documentales y comerciales de televisión.

Ha dirigido y producido tres largometrajes documentales: Dalai Lama: At Home and in Exile sobre con el Dalai Lama para CNN que fue nominado al Emmy, La Tropical sobre la esta sala de baile cubana y Shenandoah en 2012, sobre el asesinato en 2008 de un inmigrante mexicano por un grupo de estrellas locales de fútbol de la escuela secundaria de Shenandoah, Pensilvania. Sobre las vidas de David y su hermano gemelo Peter se realizó en 60 Minutes el episodio Doble exposición: Peter y David Turnley.

David ganó el Premio Pulitzer en fotografía en 1990 (ha sido finalista 4 veces) por imágenes de los levantamientos políticos en China y Europa del Este, el World Press Photo de 1988 por una foto tomada en Leninakan después del devastador terremoto de Spitak y en 1991 por una imagen de un sargento estadounidense llorando la muerte de un compañero durante la guerra del Golfo, así como Overseas Press Club Robert Capa Gold Medal.

Ha dirigido anuncios de televisión para NIKE Brand Jordan, State Farm y Ameriprise, entre otros; ha retratado a Kid Rock, Jerry Seinfeld, David Beckham, Obama, Clinton, Laird Hamilton, y más recientemente ha documentado al equipo de rugby americano de Michigan. Ha realizado charlas y conferencias en todo el mundo y es profesor adjunto en la University of Michigan School of Art and Design.



Referencia



Libros

jueves, 27 de junio de 2019

Damon Winter

Damon Winter es un fotógrafo estadounidense (nacido el 24 de diciembre de 1974 en Elmira, Nueva York, vive en Brooklyn) especializado en fotografía documental, editorial, retrato y de viajes. Ganó en 2009 un premio Pulitzer trabajando para The New York Times.


Senator Obama drenched, during a rally at Widener University in Chester, Pa. © Damon Winter / The New York Times

Senator Obama drenched, during a rally at Widener University in Chester, Pa. © Damon Winter / The New York Times


La fotografía me permite una vida en la que cada día puede ser diferente.


Biografía

Damon Winter creció desde los 6 años en Saint Thomas en las Islas Vírgenes. Llegó al fotoperiodismo un poco tarde, su madre le regaló una Canon bastante decente mientras estudiaba un grado en ciencias ambientales en la Universidad de Columbia en Nueva York. Comenzó a enviar fotos al periódico de la escuela, Columbia Daily Spectator, y terminó siendo el editor de fotografía y fotógrafo principal.

Desde entonces Winter ha cubierto una amplia gama de historias, como conflictos en Israel y Afganistán, los ataques terroristas del 11 de septiembre en Nueva York, los Juegos Olímpicos, y ha documentado historias en Vietnam, Cuba, Rusia, India y otros lugares. Fue uno de los primeros fotoperiodistas estadounidenses en llegar a la zona del seísmo de Haití y por sus trabajos sobre este terremoto obtuvo en 2010 el máximo galardón del festival de fotoperiodismo Visa pour l'Image de Perpiñán en Francia. Entre sus trabajos más conocidos y en otro tipo de trabajo se encuentra su serie Faces que recopila rostros de diversas personalidades del mundo del espectáculo.

Tras quedar finalista en el Premio Pulitzer de 2005 en la categoría Feature Photography con su ensayo fotográfico sobre víctimas de abuso sexual en el oeste de Alaska, lo ganó en 2009, también en Feature Photography por su memorable conjunto de imágenes capturando las múltiples facetas de la campaña presidencial de Barack Obama en 2008. En 2010, su proyecto A Year at War, en el que documentaba un año en la vida de un batallón de soldados de los Estados Unidos desplegados en Afganistán, ganó los premios Emmy y Dupont.

Damon se unió al personal del New York Times en mayo de 2007 después de trabajar los tres años anteriores como fotógrafo de personal en The Los Angeles Times. También ha trabajado para el Dallas Morning News, Newsweek, Magnum Photos, The Ventura County Star y The Indianapolis Star.

Ha ganado numerosos premios como varios World Press Photo, Pictures of the Year International y National Press Photographers Association (NPPA), además de los citados Premio Pulitzer y Visa pour l'image.



Referencias

martes, 25 de junio de 2019

Antonio García Peris

Antonio García fue un fotógrafo español (nacido el 7 de enero de 1841 en Valencia, donde falleció el 1 de julio de 1918) que llegó a ser uno de los fotógrafos valencianos más emprendedores y prestigiosos de su tiempo. Fue durante años el fotógrafo favorito de la burguesía local y trabajó para empresas e instituciones valencianas, obteniendo diversos premios que culminarían con la medalla de oro en la Exposición Nacional de Fotografía de 1905 organizada en el Ministerio de Fomento por los profesionales del gremio.


Antonio García Peris
Antonio García Peris



Biografía

Antonio García Peris nació en una modesta familia, su padre era sastre, y se formó como pintor en la Escuela de Bellas Artes de Valencia dedicándose, una vez terminados sus estudios, a pintar durante 2 años escenografías para el Teatro Principal de la misma ciudad, ​bajo las órdenes del pintor escenógrafo Baldomero Almejún, que también era fotógrafo y le enseñó la técnica fotográfica.

En 1862 abrió, junto a Hipólito Cebrián, su primera galería fotográfica. Tres años después, Antonio abrió ya un estudio propio donde su  trabajo en el retrato en la década de los 70 le reportó un importante prestigio profesional, buena posición social y notable fortuna, lo que le permitió comprar el edificio y abrir un nuevo y lujoso gabinete en 1878.​ Algunos de sus retratos más notables y conocidos son los que hizo a Sorolla, aunque también posaron para él los hermanos Mariano y José Benlliure, Antonio Cortina Farinós, María Guerrero, Frascuelo, Pastora Imperio y un largo etcétera de la burguesía y de ciudadanos normales de la ciudad.

A partir de los 80, también fotografió fábricas y maquinaria y realizó reportajes de los eventos comerciales más importantes de la ciudad, creando dos álbumes, uno para una exposición de motores de riego en 1880 y otro sobre la Exposición Regional de 1883. También hizo un amplio álbum para recordar el paso de la Reina Regente por Valencia en 1888, recogiendo imágenes de los arcos erigidos en honor a la Familia Real y las vistas de los edificios más importantes de Valencia. Hoy se conserva el ejemplar lujosamente encuadernado que la Diputación de Valencia envió a la soberana en el Archivo del Palacio Real.

Le tocó vivir en el periodo de desarrollo y auge de la fotografía. Su actividad fotográfica se prolongó alrededor de 50 años y abarcó desde el retrato de toda la escala social y de su familia hasta el reportaje institucional e industrial, pasando por la realización de postales y las colaboraciones periodísticas en revistas locales y nacionales como Blanco y Negro.

En su estudio entró a trabajar como iluminador y retocador un jovencísimo Joaquín Sorolla cuando era estudiante de arte. Antonio le acogió en su casa, le dio una pensión mensual, un lugar para trabajar... Fue también su amigo y mentor, le introdujo en los círculos artísticos de la época y más tarde se transformó en su suegro (al casarse Sorolla con Clotilde, segunda hija del fotógrafo). Contribuyó en gran medida a elaborar la imagen pública del pintor a partir de una larga serie de retratos fotográficos del artista y de la reproducción de sus cuadros. Sorolla también pintó varios retratos de su suegro.

En 1903 fue presidente de la Unión Fotográfica Valenciana. Obtuvo diversos premios que culminaron con la Medalla de Oro en la Exposición Nacional de Fotografía de 1905 en Madrid. El mayor volumen de su obra se dio por perdido tras el cese de la actividad de su negocio. Gracias al hijo de Pascual Boldún, sucesor de García, se conservan 104 negativos de gelatino bromuro sobre placas de cristal en el Archivo de la Diputación de Valencia.



Referencias



Libros

domingo, 23 de junio de 2019

Carli Davidson

Carli Davidson es una fotógrafa estadounidense (vive en Portland, Oregon), conocida internacionalmente por su trabajo con animales (especialmente mascotas) y, especialmente, por su serie Shake, gracias a la cual se ha hecho famosa en Internet.

© Carli Davidson


He descubierto que amo trabajar con animales que la gente puede considerar problemáticos o enfermos. Dedico mucho de mi tiempo a rescatar animales, especialmente a trabajar en la rehabilitación de mascotas traumatizadas o físicamente impedidas. Muchos de esos animales son rescatados; animales que la gente en un momento dado concluye que se le hace muy difícil cuidar, o muy enfermizos, pero que han encontrado nuevos hogares con gente capaz de apreciar su espectacular belleza.


Biografía

Carli Davidson pasó siete años al cuidado y entrenamiento de animales en zoológicos y centros de vida salvaje, antes de embarcarse en su carrera fotográfica, que comenzó recuperándose de un accidente de circulación.  Ya había tenido su primera clase de revelado en un humilde cuartucho de su escuela secundaria, y ella y su mejor amiga pasaron su primer año haciendo fotos super dramáticas, la una de la otra, en cementerios.
 
En 2011, su serie Shake, donde las mascotas se sacuden el agua y quedan simpáticas pero no muy favorecidas, se convirtió en un éxito mundial, consiguiendo millones de visitas a su web y situándola firmemente en el panorama de los fotógrafos de animales. En 2013 publicó el libro con el mismo nombre, al que han seguido las secuelas con pequeñines “sacudiéndose”, luego con elegantes gatos, y perros y gatos con la lengua fuera.
 
Sus fotos no solo incluyen mascotas cotidianas como gatos y perros, sino también una variedad de animales exóticos, desde zorros hasta escorpiones, pasando por los elefantes. Haciendo uso de su comprensión profesional de la conducta animal, captura las personalidades innatas de sus modelos. Ha trabajado como fotógrafa freelance del zoo de Oregon, y trabaja tanto en proyectos comerciales como artísticos.
 
Sus fotografías han sido publicadas en medios nacionales e internacionales, revistas de fotografía y sitios web, incluyendo National Geographic, Rolling Stone, The New York Times, Vanity Fair, Esquire, BBC, Huffington Post, The Daily Beast, Photo District News y ABC World News. Su sitio web recibió más de 2 millones de visitas en 2011, y tiene una base de fans por todo el mundo.



Referencias



Libros


viernes, 21 de junio de 2019

Scott Stulberg

Scott Stulberg es un fotógrafo estadounidense (nacido en  Los Ángeles, California, vive en Sedona, Arizona) que trabaja en paisajes y en diversos temas, sin embargo donde más disfruta es retratando al hombre y a sus diferentes etnias, sus múltiples razas y facetas. Es capaz de estar en el lugar correcto, a la hora adecuada para poder fotografiar el instante preciso.


© Scott Stulberg

© Scott Stulberg


Biografía

Scott Stulberg nació y creció en los Ángeles, California. A los 10 años sus padres le regalaron una sencilla cámara de fotos, y a los 13 le construyeron un cuarto oscuro en su sótano, donde bajo las luces de seguridad, el olor a productos químicos y escuchando música, perdía la noción del tiempo viendo sus imágenes cobrar vida. Tomó clases de fotografía en la escuela secundaria.
 
Tuvo la oportunidad de asistir a muchos fotógrafos en los Ángeles y adquirir los conocimientos que lo formaron para ser  hoy reconocido como uno de los mejores fotógrafos del mundo, buscando siempre la belleza, la verdad y la emoción en cada toma. Un viajero a tiempo completo, capaz de recorrer cientos de kilómetros por estar en el lugar y tiempo indicado para captar la imagen perfecta. Para él la creatividad no es solo la imaginación, sino ser siempre diferente a los demás.
 
Le encanta trabajar en temas muy diferentes en casa y en el extranjero, pero su principal objetivo es la fotografía de viajes y stock, con sus imágenes representadas por Corbis, Getty Images y otras compañías de stock.
 
Sus fotografías se encuentran hoy en colecciones de todo el mundo, incluyendo una exhibición permanente en las Naciones Unidas y muchos hospitales, incluido el centro médico de UCLA, que recientemente decoró 60 habitaciones de pacientes con sus fotografías.
 
Escribe para la revista Shutterbug y EOS Magazine. Enseña fotografía digital y Photoshop en la UCLA Extension, Julia Dean Photography Workshops, Art Wolfe Digital Photography Center, en otras escuelas de Los Ángeles y también en su propia página web. También dirige talleres fotográficos en diferentes lugares de los Estados Unidos y de todo el mundo.
 
Es el autor de Passage to Burma, un libro de mesa que abarca una docena de años de fotografiar su país favorito, Birmania. Sus fotografías se usan en todo el mundo, desde Microsoft, Newsweek, New York Times, Fuji, National Geographic, Conde Nast Traveler, Travel and Leisure, CNN y ABC News, hasta calendarios y portadas de libros.



Referencias



Libros

miércoles, 19 de junio de 2019

Facundo de Zuviría

Facundo de Zuviría es un fotógrafo argentino (nacido en 1954 en Buenos Aires, donde vive) y esta ciudad y su universo son el tema central en toda su obra: cierto tipo de construcciones, fachadas, vidrieras, maniquíes, pequeños comercios y todo lo que es parte de la arquitectura popular urbana, creando un retrato del alma porteña, una verdadera iconografía urbana primero en blanco y negro, luego en color.


© Facundo de Zuviría

© Facundo de Zuviría



Biografía

Facundo de Zuviría trabajó en el Programa Cultural en los Barrios de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires, entre 1983 y 1989, fotografiando la ciudad y su gente, y organizando cursos y talleres barriales de fotografía.
En 1988 organizó junto con otros colegas las Jornadas de Fotografía Buenos Aires-La Plata, primer festival fotográfico realizado en la Argentina.

Entre 1989 y 1991 dirigió los proyecto de rescate y preservación del patrimonio fotográfico argentino para la Fundación Antorchas, diseñando una Fototeca Argentina y un programa archivista de aplicación nacional. Con ese motivo realizó un viaje de estudios por museos y archivos de los Estados Unidos, Canadá, México, Brasil, España y Alemania.

Ha obtenido dos veces el Premio Konex (1992, 2012), el Primer Premio del Salón Nacional para las Artes Visuales - Fotografía (2012), el Premio Leonardo a la Trayectoria (1996) del Museo Nacional de Bellas Artes y el premio Ventanas al Futuro (2013) por su trabajo sobre tipologías urbanas, Frontalismo. Ha estado de jurado en gran cantidad de certámenes fotográficos del Museo de Arte Moderno, Museo Nacional de Bellas Artes, Fundación Antorchas, Biblioteca Nacional y del Fondo Nacional de las Artes, entre otras prestigiosas instituciones.

En 2009 creó, junto con Marjan Groothuis, una colección de fotografía para Rabo-Bank Argentina, exhibida en 2011 en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires y en el Museo Nacional de Bellas Artes, en 2012, donde fue donada por Rabo-Bank. En 2019 fue comisario de la muestra antológica Mundo Propio: Fotografía Moderna Argentina 1927-1962, presentada en MALBA (Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires) junto con un libro catálogo de su autoría.

Entre sus exposiciones individuales se pueden destacar Indicios de la vida urbana (CCK, Buenos Aires, 2019), Siesta Argentina and other modest observations (America’s Society, Nueva York, 2017), Frontalismo (Museo Lasar Segall, San Pablo, Brasil, 2015), Estampas 1982-2015 (Fundación A, Bruselas, Bélgica, 2015), Facundo de Zuviría: 24X3 (Centro Cultural Parque España, Rosario, Argentina, 2014-2015), Boca Juniors (Museo Lasar Segall, Sao Paulo, Brasil, 2014), Ciudades de América (Museo Fortabat, Buenos Aires, 2014), y muchas otras.

Ha participado en exposiciones colectivas en museos y salas institucionales de la Argentina, los Estados Unidos, México, Brasil, España, Francia, Alemania, y su obra integra las colecciones del Museo Nacional de Bellas Artes, Museo de Arte Moderno, Museo de Bellas Artes de Rosario, Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires/MALBA, Fondo Nacional de las Artes y Fundación PROA, en la Argentina, así como las colecciones del Museum of Modern Art (MoMA), Metropolitan Museum of Art y New York Library en Nueva York, Biblioteca Nacional de Paris, Museo de Arte de Rio de Janeiro, Halle Collection en Arizona, Fondation Cartier y Fondation Hermes en Paris, Fondation A. Stichting en Bruselas, entre otras.

Ha expuesto en las bienales de Sao Paulo (1991), del Mercosur (2000), y en las Bienales Internacionales de Arte de Buenos Aires (2000 y 2002). Recientemente ha participado en las muestras Géométries Sud: du Méxique à la Terre du Feu en la Fondation Cartier en Paris y Noches Fieras en el Museo Universitario del Chopo en México en 2018, Pulsions Urbaines: Photographie LatinoAméricain en Arlès en 2017, Adventures of the Black Square: Abstraction 1915-2015 en Whitechapell Gallery de Londres en 2015, Urbes Mutantes en Museo del Banco de la República en Bogotá en 2013 y en el International Center of Photoraphy (ICP) de Nueva York en 2014, América Latina en la Fondation Cartier en  París en 2013, …



Referencias



Libros

  • Estampas Porteñas, 1996.
  • Siesta Argentina, 2003.
  • Cada Vez te Quiero Más, 2004.
  • La UBA, dos miradas: Fotografías de Grete Stern y Facundo de Zuviría, 2005.
  • Buenos Aires: Coppola + Zuviría, 2006.
  • Cartagena de Indias, 2009.
  • Montevideo, 2011.
  • Paraná ra’angá, 2013.
  • Estampas 1982/2015, 2015.
  • El Ciudadano, 2016.
  • Frontalismo. Algunas tipologías urbanas, 2018.

lunes, 17 de junio de 2019

Melanie Bonajo

Melanie Bonajo es una artista holandesa (nacida el 13 de noviembre de 1978 en Heerlen, vive y trabaja en Ámsterdam) que trabaja con cine, performance, instalaciones, música, organización de eventos y fotografía. Sus obras abordan temas para erosionar la intimidad y el aislamiento en un mundo tecnológico cada vez más estéril. Sus documentales experimentales exploran normalmente comunidades que viven o trabajan en los márgenes de la sociedad, ya sea a través de medios ilegales o exclusión cultural.



© Melanie Bonajo

© Melanie Bonajo




Biografía

Melanie Bonajo estudió en la Academia Gerrit Rietveld y completó residencias en el Rijksakademie voor Beeldende Kunst en Ámsterdam, 2009-2010, y en el ISCP en Nueva York en 2014.

Melanie examinas las paradojas inherentes a nuestras ideas de confort basadas en el futuro. A través de sus fotografías, actuaciones, videos e instalaciones, examina temas relacionados con el progreso que eliminan del individuo un sentimiento de pertenencia y mira cómo los avances tecnológicos y los placeres basados en las materias primas aumentan los sentimientos de alienación dentro del individuo. Cautivada por los conceptos de lo divino, explora el vacío espiritual de su generación, examina la relación cambiante de los pueblos con la naturaleza y trata de entender las preguntas existenciales al mirar nuestra situación doméstica, la idea está en torno a la clasificación, conceptos de hogar, género y actitudes hacia el valor.

En 2013 lanzó el video Pee on Presidents, que presentaba una visión irónica de la anticensura y la positividad del cuerpo. En 2014 comenzó a trabajar en su trilogía en video Night Soil que narra las historias de mujeres que se rebelan contra el capitalismo a través de sistemas que actualmente son ilegales: Fake Paradise analiza los efectos curativos de la droga herbaria Ayahuasca en las mentes y cuerpos de los seres humanos modernos; Economy of Love, cuenta con un grupo de trabajadoras del sexo en Brooklyn y su investigación de la intimidad y el empoderamiento de la sexualidad; Nocturnal Gardening se centra en la agricultura y la cosecha radicales e innovadoras, con trabajo comunitario y en un profundo respeto por la naturaleza y los animales.

En 2016 comenzó su siguiente trilogía en video con Progress vs Regress, un análisis del crecimiento de la tecnología a través de los ojos de las personas mayores en los hogares de jubilados en Holanda, seguido por Progress vs Sunsets.

Bonajo ha actuado internacionalmente en perfomances y actuaciones musicales en lugares como Paradiso en Ámsterdam, Baby-'s OK en Ciudad de Nueva York y Collège des Bernardins en París junto a otros artistas y/o con su banda, ZaZaZoZo Toda su música es producida por su hermano Tommie Bonajo. En su serie fotográfica Furniture Bondage combina herramientas domésticas con el cuerpo femenino desnudo. En 2012 inició Genital International, un evento colectivo feminista sobre la participación y la igualdad.

Su trabajo ha sido exhibido y proyectado internacionalmente, desde la Tate Modern al MoMA PS1, pasando por De Appel Arts Centre, el Stedelijk Museum de Ámsterdam, el Centro de Arte Contemporáneo de Varsovia, Kunsthalle Basel, International Documentary Film Festival (IDFA), la Berlinale, el Festival Internacional de Cine de Rotterdam y el Treefort Film Fest.

Referencias



Libros
  • Matrix Botanica - Non Human Persons, 2015
  • Pee on Presidents, 2014.
  • SPHERES, 2012.
  • One Room, Nine Possible Answers, Three Rooms, 2012.
  • Volkerschau Zine, 2009.
  • Furniture Bondage, 2009.
  • Bush Compulsion, A Primitive Breakthrough in the Modern Mind, 2009.
  • I have a Room with Everything, 2009.
  • Modern Life of the Soul, 2007.

sábado, 15 de junio de 2019

Bob Gruen

Bob Gruen es un fotógrafo estadounidense (nacido en 1945 en Ciudad de Nueva York) reconocido mundialmente por fotografiar a las más importantes estrellas del rock.


John Lenon, 1974 © Bob Gruen

John Lenon, 1974 © Bob Gruen



Biografía

Bob Gruen aprendió fotografía con su madre, que revelaba e imprimía sus propias fotos como aficionada. Hizo fotos para el periódico de la escuela. Después de la Secundaría fotografiaba a los músicos del grupo de rock Glitterhouse y cuando firmaron con una productora ésta utilizó sus fotos y comenzó a conocer gente del negocio de la música. Hizo una buena foto a Tina Turner en 1970 y empezó a trabajar con Ike and Tina. Esto le permitió establecerse como fotógrafo de rock y hoy es uno de los fotógrafos más conocidos y respetados en el mundo del rock and roll. De John Lennon a Johnny Rotten, Muddy Waters a los Rolling Stones, Elvis a Madonna, Bob Dylan a Bob Marley, Tina Turner a Debbie Harry, ha capturado la escena de la música durante más de 40 años en fotografías que han obtenido reconocimiento mundial.

Poco después de que John Lennon se mudara a Nueva York en 1971, Bob se convirtió en el fotógrafo y amigo personal de John y Yoko, haciendo fotos de su vida laboral, así como de momentos privados. En 1974 creó las imágenes icónicas de John Lennon vistiendo una camiseta de la Ciudad de Nueva York de pie frente a la estatua de la libertad haciendo el signo de la paz.

Como fotógrafo jefe de Rock Scene Magazine en los 70, Bob se especializó en la fotografía de detrás de las bambalinas. Viajó mucho con bandas emergentes de punk y New Wave, como las New York Dolls, Sex Pistols, Clash, Ramones, Patti Smith Group y Blondie. Bob también ha trabajado con los grandes del rock como LED Zeppelin, The Who, David Bowie, Tina Turner, Elton John, Aerosmith, Kiss y Alice Cooper.

En 1989, documentó el épico viaje a Rusia del Moscow Music Peace Festival con Ozzy Osbourne, Mötley Crüe y Bon Jovi. Durante muchos años fue el fotógrafo oficial del New Music Seminar de Ciudad de Nueva York, cubriendo decenas de aspirantes a nuevas bandas en el transcurso de una semana de verano. Este cuerpo de trabajo seminal refleja un compromiso profundo y una amistad personal de larga duración con los artistas. Su riqueza de experiencias personales y su asombrosa memoria proporcionan las historias más esclarecedoras y completas de la cultura juvenil del rock.

Ha realizado numerosas exposiciones, como Rockers en la FAAP University en Sao Paulo, Brasil, y en la Morrison Hotel Gallery en el Bowery en Ciudad de Nueva York, y ha realizado trabajos en video, como su documental All dolled up, un documental en DVD sus primeros videos de los años 70 de los New York Dolls, entre otros. En 2011 Don Letts hizo un largometraje titulado Rock & Roll Exposed – the Photography of Bob Gruen, incluyendo entrevistas con Iggy Pop, Debbie Harry, Alice Cooper, Yoko Ono, Billie Joe Armstrong y muchos más.

Su foto  Sid Vicious with Hot Dog fue adquirida por la National Portrait Gallery de Londres, en 1999 para su colección permanente. The Experience Music Project de Seattle adquirió sus fotos Clash Live in Boston, Tina Turner Multiple Image y Bloody Sid Vicious para su colección permanente. Recientemente ha fotografiado el tour por Europa de Green Day, a Yoko Ono/Plastic Ono Band, Iggy Pop, Ozzy Osbourne, AC/DC, Jesse Malin, Ryan Adams, Courtney Love, The Strypes y otras actuaciones importantes en este mundo del rock.





Referencias







Libros

jueves, 13 de junio de 2019

Margarita González

Margarita González es una fotógrafa española (nacida en Palencia en 1956, vive en Madrid) que considera la fotografía como un instrumento de expresión y esclarecimiento de la vida interior y exterior. En sus trabajos reflexiona especialmente sobre la persona y su prolongación simbólica en el paisaje. Presenta sus trabajos en forma fotográfica y literaria, en libros y exposiciones.


© Margarita González

© Margarita González




Biografía

Margarita González Caballero  es Licenciada en Bellas Artes en la especialidad de pintura por la Universidad Complutense de Madrid. Ejerció inicialmente una intensa actividad en el campo de la pintura, el dibujo y el grabado, para centrarse en la fotografía y la literatura a partir de 1991, tras descubrir el libro La cámara lúcida de Roland Barthes, que despertó su interés por la fotografía como medio de expresión y esclarecimiento de la vida interior y exterior.

Desde entonces ha concentrado su obra artística en el medio fotográfico y literario, en el que ha realizado exposiciones, publicaciones, conferencias y actividades docentes.

Fue influida por fotógrafos americanos como Mark Klett, Ruth Thorne Thomsen, Jane Evelyn Atwood y Pablo Ortiz Monasterio, y también por europeos como Bernard Plossu, José Manuel Navia y Alberto García-Alix. Asistió a talleres con todos ellos y realizó su primera exposición individual en 1999.

Desde su primer trabajo El parque metafísico, realizado en Madrid con cámara estenopeica, ha seguido utilizando la fotografía para expresarse y reflexionar sobre la persona en su entorno en sus series Norteamérica (1996), China (1997) y Atacama (1999), y en su ámbito privado en Retratos (2000-2006). Ha evolucionado personalmente con el viaje exterior e interior y actualmente entiende el paisaje como espejo del alma y desde este punto de vista fotografía espacios intemporales, donde el vacío, la luz y el silencio son un estado mental propicio para la comunicación con ella misma y con el entorno. Un estado que se refleja en sus series Egipto, la mirada en el tiempo (2003-04), Cabo de Gata, más allá de la realidad (1997-2007) y  Paisaje y metamorfosis del zapillo almeriense (2010-13).

Ha presentado sus trabajos en diversos libros y en exposiciones como Viaje a China en el Photomuseum de Zarautz, Cabo de Gata en el Centro Andaluz de la Fotografía (CAF) en Almería y Egipto, la mirada en el tiempo en la Sala Efti en Madrid, Retratos en la Real Sociedad Fotográfica de Madrid, entre otras muchas. Ha recibido el Premio Especial del VII Premio de Fotografía Rosa Pardo y el premio del XIII Certamen Nacional de Fotografía de las Jornadas Fotográficas Ciudad de Leganés. Posee obra en el CAF y en la Galerie Seine 51 de París, entre otras colecciones.


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Libros





martes, 11 de junio de 2019

Sergi Pons

Sergi Pons es un fotógrafo catalán (nacido en Barcelona en 1970) que está considerado uno de los fotógrafos de moda y publicidad más reconocidos. Ha trabajado para editoriales de moda y campañas publicitarias de grandes marcas tanto nacionales como internaciones.


© Sergi Pons
© Sergi Pons


Biografía

Sergi Pons estudió Derecho en la Universidad de Barcelona y Fotografía en la Escuela de Artes y Oficios de Barcelona. Luego estuvo cinco o seis años como asistente de varios fotógrafos. Después empezó a publicar en revistas pequeñas y cada vez mejores y sobre todo, comenzó a trabajar en el El País Semanal lo que le dio mucha visibilidad. Llevan más de 15 años trabajando juntos.

Sus fotos son elegantes, originales y de composición simple, aunque contienen complejos juegos de colores, luces y sombras. Sergi ha sabido captar la esencia de la moda masculina como nadie, convirtiendo a sus modelos en iconos. Es actualmente uno de los fotógrafos españoles más reconocidos que trabajan en la moda, la belleza y la publicidad.

Su trabajo ha aparecido en revistas como El País, GQ Spain, Marie Claire, GQ France, Glamour, Vogue Joyas, Vanity Fair Italy, German GQ Style, BMM, Schon, GQ Japan, S Moda, anidad y Fashionisto entre otras. Ha realizado campañas para clientes como Sarda by Andres Sarda, El Corte Ingles, Lacoste, Fiorucci, Women secret, Olivier Strelli, Galeries Lafayette, Roca, Lottusse, Carrera Sunglasses, Vanity Fair, Mustang, 497o Escorpion, Mango, dosMares, Stradivarius, Pura lopez, Levi's, Coca-Cola, Aigne, Seat, … 



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Libros

domingo, 9 de junio de 2019

Paco Gómez García

Paco Gómez es un fotógrafo, editor de libros y escritor español (nacido el 23 de julio de 1971 en Madrid, donde vive y trabaja) cuyo trabajo fotográfico personal tiene una marcada influencia de los sueños, la arqueología, los recuerdos, la literatura y el cine. Sus series fotográficas tienen una tendencia a cuestionarse los límites de la realidad, utilizando los mensajes ocultos de las fotografías y la investigación documental para la construcción de historias.


El Ángel Exterminador. Izquierda: Carlos Sanva. 2006. Derecha : Nelson Modlin. 1976.  Paco Gómez

El Ángel Exterminador. Izquierda: Carlos Sanva. 2006. Derecha : Nelson Modlin. 1976.  Paco Gómez 


Me interesa mucho cuestionar el concepto de autoría de la imagen. […] ¿Quién es el autor de una fotografía? ¿El que dispara? ¿El que le otorga un estatus? ¿El que la imagina previamente?



Biografía

Paco Gómez García, mientras estudiaba Ingeniero de Caminos, Canales y Puertos, se inició en el mundo de la fotografía y se apuntó a la Asociación Fotográfica Caminos, y nunca ha ejercido su profesión. Desde 1996 se dedica al mundo de la imagen y actualmente compagina su labor de fotógrafo con la de realización de documentales, escritor, comisario y diseñador de exposiciones. Durante nueve años trabajó de positivador en el laboratorio de Juan Manuel Castro Prieto en Madrid donde tuvo un contacto directo con los maestros de la fotografía española. 

Su obra poco a poco se va distanciando de la fotografía buscando terrenos más híbridos relacionados con la investigación histórica y la literatura. En 2013 publicó su libro Los Modlin, un libro autoeditado e inusual, a medio camino entre la fotografía y la literatura, que cosechó un éxito sin precedentes en el mundo de la autodistribución con una campaña muy mediática de crowdfunding (Paco es un verdadero especialista en estos temas) y redes sociales, basado en el encuentro en 2003 de documentos y fotografías de la familia Modlin en la basura cerca de su casa. Artistas incomprendidos, los Modlin estaban obsesionados con la fama y murieron con la convicción de que su arte sólo sería reconocido con el paso del tiempo.

Entre sus premios destacan el premio de fotografía INJUVE 2001, fotógrafo revelación en PhotoEspaña 2002 y premio revelación como componente del colectivo NOPHOTO en PhotoEspaña 2006. Está especializado en realizar trabajos corporativos para empresas de ingeniería y arquitectura, libros de viajes, así como reproducciones de piezas de arte para galerías e instituciones. Actualmente colabora de fotógrafo en Matadero Madrid, Museo Thyssen-Bornemisza e Ivory Press.

Como diseñador de exposiciones fotográficas ha trabajado para instituciones como Matadero Madrid, Instituto Cervantes, Ministerio de Cultura, AECID, Ayuntamiento de Madrid y Casa Árabe. Sus fotografías han sido publicadas en revistas como El Pais Semanal, Le Monde, Vanity Fair, Matador, Rolling Stone, Siete Leguas y XL Semanal.

Ha participado en las fundaciones de la República No Fotos, de la edición de proyecciones digitales PROYECTA y del colectivo NOPHOTO, que dejó en 2018. Ha montado la editorial Fracaso Books, con la que publica sus libros y los de otros autores.


Referencias



Libros

  • Razón y Sed, 2008.
  • Construir Paisaje. Puentes de Cesma Ingenieros en la fotografía de Paco Gómez, 2011.
  • La felicidad, 2012.
  • Photo Poche 103. Paco Gómez, 2012.
  • Los Modlin, 2013. 2014.
  • Puentes de fábrica. Adif.
  • Montedidio. Una historia napolitana.
  • Esculturismo.
  • Volverás a la Antártida, 2017.
  • This is Spain. An incomplete travel guide (varios), 2014.
  • Proyecto K, 2016.

viernes, 7 de junio de 2019

Pierre Choinière

Pierre Choinière es un fotógrafo canadiense (nacido en 1958 en Quebec, vive en Montreal) que ha inmortalizado las instantáneas de campañas publicitarias ampliamente reconocidas para los grandes de la moda como Chrisitian Dior, Charles Jourdan y Chevignon.


© Pierre Choiniere
© Pierre Choiniere




Biografía

Pierre Choinière nació en Quebec en 1958, en una familia modesta. Con 16 años, decidió dejar la escuela y trabajar en una tienda de comestibles. Un año y medio después, comenzó a interesarse por la fotografía y asistió a la School 
of Modern Photography en Manhattan, donde fue discípulo del famoso fotógrafo Yousuf Karsh.

Choinière fue rápidamente reconocido en Montreal, trabajando para algunas revistas populares y para el teatro. Pionero de la fotografía de moda en Quebec, es uno de los primeros en haber trabajado para las revistas Clin d'oeil y Elle (Quebec). A través de los años, contribuirá a unas 70 portadas.

En 1988 se mudó a París, donde tuvo que empezar desde cero para hacerse un nombre. Lentamente subió las etapas en el mundo de la publicidad fotográfica y ganó su notoriedad trabajando con personalidades como Jean-Paul Gaultier, Issey Miyake y Carole Bouquet (para Maison Chanel).

Reconocido en la escena internacional de la moda, ha llevado a cabo campañas e innumerables anuncios para prestigiosas casas de moda como Christian Dior, Chevignon, Alain Mikli, Chantelle, Charles Jourdan, ...
Hoy reside en Montreal, donde fundó la galería Espace 40, y persigue proyectos personales inspirados en el fotoperiodismo mientras viaja por Marruecos, Mongolia y por todo el mundo.


Referencias



Libros

miércoles, 5 de junio de 2019

Hirano Aichi

Hirano Aichi es un artista multimedia y fotógrafo japonés (nacido en 1977 en Tokio, donde vive) que trabaja en los campos de la publicidad, los retratos y documentales. Desde 2009 aparece en numerosas listas de los mejores fotógrafos.



© Hirano Aichi

© Hirano Aichi



Biografía
Hirano Aichi comenzó a hacer fotos a la edad de 20 años, cuando estropeó una foto de un templo sintoísta con la cámara de su padre, para el el paisaje que se le mostraba fuera más realista que lo que capturó la cámara. Ha trabajado en los campos de la publicidad, del retratos y realizando documentales fotográficos que ha presentado en exposiciones y, tanto en su trabajo comercial como su obra artística, busca capturar la mayor cantidad de energía posible en una sola imagen.

Después del gran terremoto más reciente de la historia de Japón , Aichi repartió 50 cámaras desechables a las victimas para documentar sus vidas después del incidente, y así creo la documentación de la tragedia sin intermediarios, sin terceros y desde los ojos de las verdaderas víctimas. Hizo esto inmediatamente después del desastre, y de nuevo dos meses después, dando a las víctimas del tsunami la oportunidad de contar su propia historia, que ha visto la luz en exposiciones y en la página Rolls tohoku.

Acompañando a la cámara desechable, entregó esta nota “Por favor, haga fotos de las cosas que ve con sus ojos, cosas que desea grabar, recuerde, la gente cerca de usted, sus seres queridos, cosas que desea transmitir... por favor, hágalo libremente. Y por favor, disfrute del proceso si puede, incluso si es sólo un poco.

Además de su trabajo como fotógrafo, Hirano ha creado video, cine y música.



Referencias