martes, 30 de abril de 2019

Arantxa Boyero

Arantxa Boyero es una fotógrafa española (nacida en Palma, Mallorca en 1982) cuyos proyectos son rituales que le conectan o desconectan de las banalidades y obsesiones de la sociedad moderna. Le interesan las personas y las sensaciones, estudia el comportamiento humano observando la conducta de otros seres vivos, como los gatos y las plantas. A través técnicas de atención consciente, juega con su entorno cercano con el fin de cuestionar las tradiciones y reflexionar sobre temas como la intimidad y las relaciones.


© Arantxa Boyero


Juego en mi entorno cercano para reflexionar sobre temas como la intimidad, las relaciones, la cultura y las tradiciones. Disfruto con los procesos y la experimentación. Denomino miniacciones a todos mis proyectos y me sirvo de técnicas como fotografía, performance, vídeo para llevarlos a cabo, esperando que el tiempo y el espectador las completen. Siento el espacio como excusa y utilizo continuamente elementos como el gato, las flores y las frutas de forma simbólica. Mis proyectos son rituales que me conectan o desconectan de las banalidades y obsesiones de la sociedad moderna.


Biografía

Arantxa Boyero tuvo un contacto temprano con la fotografía, pues su madre es también fotógrafa. Es Técnica Superior en Fotografía por la Escuela Superior de Diseño Palma de Mallorca. Estudió en 2006 fotografía avanzada en The Dark Room en Florencia y en 2007 realizó el master de Fotografía, Concepto y Creación en EFTI en Madrid. 

Sus proyectos son rituales que le conectan o desconectan de las banalidades y obsesiones de la sociedad moderna. Bebe de anécdotas, lecturas y acumulación de vivencias. Disfruta con los procesos y la experimentación. Utiliza el espacio como excusa, la simbología como semilla, la repetición como principio y el color como pedestal. Denomina mini-acciones a todos sus proyectos y se sirve de técnicas como la fotografía, la performance o el vídeo para llevarlos a cabo, esperando que el tiempo y el espectador las completen.

También le interesa el espacio íntimo de la mujer, como se relaciona con su entorno, sus secretos, sus deseos y banalidades, sus obsesiones y paranoias de la sociedad moderna: consumismo, Internet, familia, sexo, salud, rutina ... A veces indecisas, experimentan, persiguen sus sueños y disfrutan de los pequeños placeres. La mayoría de su trabajo se desarrolla en entornos domésticos o campestres, utilizando como modelos a amigos, familiares, mascotas y a ella misma. Representa lo femenino de forma personal y cercana a través de lo ella denomina: bucles de pequeñas acciones, autorretratos, bodegones en movimiento y reflexiones cotidianas.

Su obra ha sido expuesta en numerosas exposiciones colectivas en espacios como Es Baluard, Museu d’Art Modern i Contemporani en Mallorca, Círculo de Bellas Artes, Matadero y C Arte C en Madrid, Centro Portugués de la Fotografía en Oporto, MUU Galleria de Helsinki. Desde 2010 ha realizado exposiciones individuales y acudido a ferias de arte como Just Madrid y Casaarte con las galerías Cero y Addaya Centre d´Art Contemporani. Ha participado en festivales internacionales como Nio en Colombia, Region 0 en Nueva York, PhotoPhnomPenh en Camboya. Ha recibido becas y premios como Propuestas Fundación Arte y Derecho, Certamen Rei en Jaume de Arte Calvià y Jóvenes Fotógrafos del Consell Insular de Mallorca. Durante el 2014 ha participado en las residencias en Atelier en la Sala de Arte Joven y Residencia Creativa DDZ en DDZ Estudio, ambas en Madrid.

Fue miembro fundador del proyecto 10x15 Fanzine. Después de 11 años en Madrid, ha vuelto a su Mallorca natal realizando en 2018 una exposición retrospectiva, Xanadú, una reflexión sobre los proyectos de los últimos años: fotografía, vídeo, instalación y esculturas.


Referencias




lunes, 29 de abril de 2019

Oliver Curtis

Oliver Curtis es un fotógrafo inglés (nacido en 1963) que compagina sus trabajos como director de fotografía en largometrajes con la fotografía comercial y sus proyectos personales. Es principalmente conocido por su proyecto Volte-Face donde muestra el lado contrario de los principales monumentos del mundo.


Facing towards and away from the Taj Mahal in India © Oliver Curtis
Facing towards and away from the Taj Mahal in India © Oliver Curtis


Me encontré mirando desde la dirección de la que venía, con la pirámide a mi espalda. La vista era realmente notable, con basura en el primer plano, un campo de golf en el medio, y los suburbios de Giza al fondo. Pensé que esto era la expresión alternativa a la pirámide. Tiene un diálogo con la pirámide, pero también es muy diferente y establece una dinámica muy interesante.


Biografía

Oliver Curtis se crio en los Cotswolds. Comenzó su educación fotográfica estudiando fotografía en el renombrado curso del Filton Technical College en Bristol. Pasó a estudiar cine y televisión en el London College of Printing y ha estado compaginando su trabajo de imágenes fijas y en movimiento desde entonces.

Su primera exposición individual, VoLTE-Face, se inauguró en la Royal Geographical Society de Londres en 2016. Realizada durante un período de cuatro años, VoLTE-Face es una serie de imágenes tomadas en los sitios históricos, edificios y monumentos más fotografiados del mundo, pero mirando al lado contrario al monumento.

Otros proyectos suyos recientes incluyen London Conversation, un viaje impresionista a través de la capital donde los lugares y las personas se reducen a una serie de formas y colores. Más recientemente ha mostrado una obsesión enfermiza con las cartas antropomórficas de Venecia in cassette delle Letters di Venezia.

Oliver ha realizado encargos para clientes de alto perfil como Pantene, L'Oreal, La Perla, Ferragamo, Palmolive, Rimmel, Coca Cola, Sony, Guinness, Canon y Cadbury’s, así como generando sus propios proyectos de exhibición y publicación.

Al mismo tiempo, continúa labrándose su camino como director de fotografía en largometrajes tan diversos como The Wedding Date,Death At A Funeral y Unrelated, así como en instalaciones experimentales.



Referencias


Libros

  • Volte-Face, 2016.

domingo, 28 de abril de 2019

Pablo Serret de Ena

Pablo Serret de Ena es un artista español (nacido en Madrid, reside actualmente en Copenhague, Dinamarca) cuyo trabajo se mueve principalmente alrededor de temas como el pionerismo, los poderes, el tránsito o el error ... , entre lo circunstancial y lo evidente. Todo ello a través de la imagen en movimiento, el sonido y las artes visuales.



© Pablo Serret de Ena

© Pablo Serret de Ena


Biografía

Pablo Serret de Ena nació en Madrid, hijo de una trabajadora social y un matemático. Ahora tiene su sede en Copenhague. Trabaja principalmente alrededor de temas como el pionerismo, los poderes, el tránsito o el error... entre otros; entre lo circunstancial y lo evidente. También disfruta navegando a través de la imagen en movimiento, el sonido y las artes visuales.

En el mismo centro de su práctica artística, hay una relación basada en el proceso entre el artista y la audiencia, que tiende a ser de alguna manera parte de la obra de arte. Completándola, participando de ella, o incluso como parte de un gran juego. Por tanto, existe un entendimiento del arte como una experiencia compartida, un lugar para ganar a partir del diálogo entre las personas y sus (nuestros) contextos. No tanto en el negocio de estatuas ecuestres.

En los últimos diez años ha tenido la oportunidad de presentar su trabajo a nivel local e internacional en más de 20 países y ahora trata de mantener un equilibrio saludable entre vida, arte y familia. Todavía está buscando el significado completo de los dos primeros, incluso con la certeza de que vivimos en un estado de beta (permanente) ...


Referencias


sábado, 27 de abril de 2019

Morten Andersen

Morten Andersen es un fotógrafo noruego (nacido en 1965 en Akershus, vive en Oslo) considerado una de las principales figuras de la fotografía de su país y que ha publicado más de 20 libros de fotografía. Es un agudo testigo de su entorno y crea de sus propias historias sobre la existencia cotidiana, mundos extraños, naturaleza silenciosa y personajes inusuales. Su obra ocupa un espacio único entre lo objetivo y lo subjetivo, lo ilusorio y lo real.




© Morten Andersen


Además de ser un objeto de arte en sí mismo, el libro es un medio democrático, accesible e íntimo donde la suma de las imágenes individuales y la edición crea un conjunto más grande que, como en una novela o una película, hace una historia que te puede llevar a un nuevo lugar y a nuevas experiencias. Común para todo mi trabajo, la motivación para fotografiar proviene de la curiosidad y el deseo de explorar e investigar lugares y ambientes, ya sea la escena de rock underground de Oslo, los bosques noruegos, mi propio barrio o ciudades internacionales.


Biografía

Morten Andersen comenzó a hacer fanzines y a hacer fotos de amigos en bandas de punk rock con 15 años. Continuó disparando para bandas y la prensa noruega durante la década de los 80, trabajando también en el laboratorio de un periódico diario en Oslo.

En 1990 se trasladó a Nueva York y estudió en el International Center of Photography, donde sus maestros fueron fotógrafos como Joan Liftin, Nan Goldin, Ken Schles y Larry Clark, y donde coincidió con su amigo Antoine D'Agata al que fotografió durante sus años de estudiante en la gran manzana (dando lugar al libro Now I wanna be you dog 25 años después).

Trabajó como asistente del fotógrafo de Magnum Gilles Peress. Más tarde fundó Hit me Records con su viejo amigo Kjetil Andersen y publicó música con bandas noruegas como Gluecifer, Backstreet Girls, Turbonegro, Fuck UPS, etc. antes de concentrarse en la fotografía y publicar sus propios libros.
Su primera exposición individual fue en Fotogalleriet en Oslo en 1992, y desde entonces ha realizado exposiciones en solitario y en grupo en Nueva Zelanda, Francia, Alemania, Grecia, Rusia, Italia, Austria, Holanda, Inglaterra, Suecia, Estados Unidos, Noruega, Portugal y Suiza.

Desde 1999, el photobook ha sido su principal medio para mostrar su trabajo. Ha hecho y publicado más de 20 libros, la mayoría de ellos auto-publicados.


Referencias




Libros

  • Country.Rock, 2017.
  • Tokyo 20002002, 2016.
  • Now I wanna be you dog, 2015.
  • Girls just wanna have fun, 2014
  • Never mind the bollocks here’s Foto Nice, 2014.
  • Stock, 2014.
  • Untitled.Cities., 2013.
  • 16 bilder (lost dogs), 2012.
  • Flying, Bodø 85/86, 2012.
  • Black and Blue, 2011.
  • M in M, 2011.
  • Color F., 2010.
  • Blå skog/Blue Forest, 2009.
  • Jetlag and Alcohol, 2009.
  • Ass time goes by, Turbonegro 1990-98, 2008.
  • Fast/Days, 2007.
  • White Nights, 2006.
  • Leira, 2006.
  • Oslo F., 2005.
  • Days of Night, 2003.
  • Fast City, 1999.

viernes, 26 de abril de 2019

Hana Pesut

Hana Pesut es una fotógrafa canadiense (nacida en Vancouver) conocida principalmente por su proyecto Switheroo, una serie de fotografías de parejas de todo el mundo, donde en una de las fotos cada uno sale con su propia ropa y en la segunda se intercambian la ropa usando el mismo fondo intentando repetir la escena.

© Hana Pesut
© Hana Pesut


Biografía

Hana Pesut, alias Sincerely Hana, es una fotógrafa autodidacta de una pequeña ciudad de montaña canadiense. En 2010 se embarcó en su serie Switcharoo y, desde entonces ha viajado alrededor del globo, ha conocido a cientos de personas, ha obtenido reconocimiento mundial y ha publicado un libro.

La idea de Switcharoo nació al ver a dos de sus amigos que estaban vestidos de forma totalmente opuesta, por lo que decidió ver qué pasaría si intercambiaban su vestimenta y registrar el antes y el después. El proyecto se basa en retratar situaciones cotidianas y personales, mostrándose el antes y el después en un mismo fondo o paisaje y en idéntica actitud, por lo que se logran dos fotografías en serie, que a simple vista se ven muy similares. Sus fotos retratan hombres con faldas y vestidos y mujeres con pantalones anchos y camisas,  logrando un contraste que resulta visualmente llamativo y divertido.

El resultado es una serie lúdica que invita a la discusión y reflexión sobre las normas de género. Algunas de las parejas acentúan el interruptor emparejando las posturas de los demás en los disparos de antes y después.

Después de fotografiar más de 200  parejas de todo el mundo: España, Japón, Francia, Austria, México, Canadá, EEUU, … Pesut publicó un libro con el mismo nombre, de 64 páginas con sus fotos favoritas y realizó su primera exposición individual en la Galería Black & Yellow en 2013 en Vancouver.

Realiza fotografía de moda y publicó en Vogue una serie de retratos en la línea de Switcharoo.



Referencias




Libros

jueves, 25 de abril de 2019

Araldo de Luca

Araldo de Luca es un editor y fotógrafo italiano (nacido en 1962 en Roma) especializado en fotografía artística y fue recompensado de 1980 por el prestigioso premio ILFORD por su catálogo Spazi ed immagini del Barocco Romano. En 1995 creó un archivo con su  portafolio de imágenes artísticas, alrededor de unas 90.000 fotografías, que constituye un fondo apreciado internacionalmente. Considerado uno de los fotógrafos más importantes del mundo en estatuaria y joyería, también ha desarrollado y perfeccionado nuevas técnicas de iluminación que le permiten crear imágenes únicas, capturando la pasión y reflejos del alma que los artistas pusieron en sus obras.


© Araldo de Luca
© Araldo de Luca



Biografía

Araldo de Luca comenzó a trabajar muy joven en el campo de la fotografía artística y la arquitectura. Participó en varias competiciones fotográficas, ganando varios premios incluyendo el premio ILFORD con su catálogo Spazi ed immagini del Barocco Romano en 1980. Desde entonces ha desarrollado su interés por la fotografía artística y utiliza su propio lenguaje visual-narrativo a través del hábil uso de las luces, a lo que une una instrumentación fotográfica vanguardista.

Sus primeros encargos fueron para importantes agencias públicas y privadas, incluyendo el Quirinale, los Museos Vaticanos, la Accademia dei Lincei, la Academia de Francia-Villa Medici, la Embajada francesa, etc., para la realización de publicaciones de elementos artísticos. Su brillante carrera continuó con la realización de importantes campañas fotográficas en varias partes del mundo para editoriales y organismos públicos y privados, como la prestigiosa Fundación Packhard.

En 1997, trabajó en el Museo Egipcio de El Cairo para la editorial White Star, publicando el volumen Tesoros egipcios traducido a numerosos idiomas en todo el mundo. En 2000, fotografió en Luxor las principales tumbas del Valle de los Reyes, el Valle de las Reinas y los nobles, publicando El valle de los Reyes. En 2002, fotografió Abu Simbel y Asuán, publicando Abu Simbel y los templos de Nubia y documentó en Xian, China, el ejército de terracota y los tesoros  relacionados, publicando El ejército de terracota. En 2005, documentó los tesoros del monasterio de Santa Catalina, en el Sinaí, y publicó en todo el mundo Los tesoros del monasterio de Santa Catalina. Su incesante actividad le ha permitido crear un patrimonio de unas 80.000 imágenes de obras de arte, que desde 1995 convirtió en un archivo fotográfico digital.

En 2002, constituyó una empresa con la restauradora Alessandra Morelli, comenzando a trabajar en la conservación y mejora de material fotográfico vintage, como el perteneciente a la Fondazione Primoli y al que se dotó también de un archivo digital. En 2005, también con Alessandra Morelli creó ImagoArte para trabajar en el campo de la restauración de imágenes fotográficas, trabajando en 2006 en la restauración analógica y digital y su almacenamiento de 3.050 negativos en placa de cristal pertenecientes a la recién encontrada colección fotográfica que documentó los trabajos de construcción del distrito EUR de la Roma de Mussolini (1937). En 2008, trabajó en el proyecto de restauración analógica y digital y de almacenamiento de 1.400 placas de cristal pertenecientes al archivo fotográfico de Ostia Antica.

Desde 1994 también lleva a cabo su propia actividad como editor, dedicada enteramente a la cultura del arte.


Referencias



Libros

miércoles, 24 de abril de 2019

Barbara y Michael Leisgen

Barbara (nacida el 18 de agosto de 1940 en Gengenbach, Alemania, fallecida el 24 de abril de 2017) y Michael Leisgen (nacido el 30 de marzo de 1944 en Spital am Pyhrn, Austria) fueron una pareja de artistas alemanes, cuya obra en los años 70 fue un importante contrapunto ante la fotografía conceptual europea que se venía desarrollando desde la década anterior.


© Barbara y Michael Leisgen

© Barbara y Michael Leisgen


Biografía

Barbara y Michael Leisgen coincidieron estudiando en la Academia Estatal de Bellas Artes de Karlsruhe. Tras terminar sus estudios Michael en 1970, ambos decidieron trabajar juntos en fotografía y sus exposiciones también han sido siempre juntos. La pareja ha vivido y trabajado desde 1970 en Aquisgrán (Aachen) y París.

En los años 70 sus obras fueron un importante contrapunto para la fotografía conceptual europea especialmente liderada por la escuela tipológica de Bernd & Hilla Becher en Düsseldorf , que se venía desarrollando desde la década anterior y que supuso una revolución en la historia del arte contemporáneo. En un tiempo donde algunas tendencias y corrientes como el arte social o el Land Art tenían un creciente peso específico en el circuito internacional, esta pareja de artistas germanos experimentó con el mundo real para desafiar la perspectiva tradicional, generando composiciones lúdicas donde los planos se alternan y se conjugan a través de curiosos matices. Sus obras más conocidas, como la serie Mímesis, se caracterizan por el contraste de los paisajes abiertos con sus propias siluetas, mimetizándose con el horizonte y la naturaleza, en una clara reminiscencia del romanticismo histórico.

Con la ayuda de un procedimiento desarrollado por ellos mismos, lograron capturar fotográficamente la luz del sol. Se encuentran entre los fundadores del Light Art. Además, han contribuido a la fotografía experimental y al arte del medio ambiente, que se ocupa de la relación entre objeto y entorno.

Sus trabajos tuvieron un amplio reconocimiento en libros tan emblemáticos como Le sentiment de paysage à la fin du Xxèmesiècle de Bernard Ceysson (1977) y, más recientemente, en Feminism Art Theory: ananthology (1968-2014) de Hilary Robinson y Video Art Historicized: traditions and negotiations de Mailin Hayden.


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Libros




martes, 23 de abril de 2019

Ben Hassett

Ben Hassett es un fotógrafo británico (nacido en Londres, vive y trabaja en Nueva York) considerado uno de los fotógrafos de retratos y belleza más importantes del mundo en la actualidad. Experimentando con la sombra y la luz (color y forma) como fotógrafo comercial, también realiza fotografía artística experimental de paisaje y naturaleza muerta. Su trabajo forma parte de la colección de la National Portrait Gallery de Londres y es colaborador habitual de las revistas de Vogue en todo el mundo.
 
 
© Ben Hassett

© Ben Hassett
 

Necesito errores. Necesito verlos, darles la bienvenida. En mi estudio, intento hacer que ocurra un accidente delante de la cámara. Da vida a todo el asunto. Busco espontaneidad.



Biografía

Ben Hassett nació y se crio en Londres. Su pasión por la fotografía le llegó con 14 años usando película Tri-X en blanco y negro y revelando en el cuarto oscuro. Estudió cine documental en una universidad en el norte de Inglaterra después de terminar la escuela, experimentando con película, vídeo, perfomance, instalaciones y, en menor medida, fotografía. Después de graduarse, se trasladó a los Ángeles para trabajar con el cineasta Roger Corman, y luego regresó a Londres para construir su portafolio de fotografía.
 
Inicialmente trabajó como fotógrafo de reportajes, y se encontró a gusto en este campo. Un encargo para Vogue lanzó su carrera como fotógrafo de belleza y moda, se trasladó a París y hoy es reconocido por su impactante fotografía de retratos y por su uso de las luces y las sombras para crear sus imágenes espectaculares. En el transcurso de su carrera ha fotografiado a muchas de las actrices y supermodelos más importantes del mundo, como Marion Cotillard, Cate Blanchett, Jennifer Lawrence, Tilda Swinton y Jennifer Aniston, por citar algunas.
 
También ha publicado en las mejores revistas internacionales de moda como Vogue, Harper's Bazaar, Numéro y W Magazine, y ha creado campañas publicitarias emblemáticas para marcas como Christian Dior, YSL, Shiseido, Burberry, Bulgari, Calvin Klein y L'Oréal.
 
Su pasión por la fotografía sigue intacta, ampliando los límites de la fotografía y más recientemente, utilizando imagen en movimiento.



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lunes, 22 de abril de 2019

Hans-Christian Schink

Hans-Christian Schink es un fotógrafo alemán (nacido en 1961 en Erfurt, vive y trabaja en Berlín) que explora la relación donde un paisaje natural, que una vez constituyó el entorno, se define como algo más, separado de sus cimientos y ya no como parte del país circundante. Sus paisajes están realizados en las intersecciones donde la actividad humana condiciona sus condiciones naturales.


© Hans-Christian Schink

© Hans-Christian Schink


Biografía
Hans-Christian Schink estudió fotografía desde 1986 a 1991 en la Hochschule für Grafik und Buchkunst (HGB). De 1991 a 1993 realizó un master en la Universidad de Leipzig. En los años siguientes obtuvo varias becas y residencias, entre ellas la de la fundación Kulturfonds para la residencia de artistas Schloss Wiepersdorf, Villa Aurora en los Ángeles,  el fondo Else Heiliger de la fundación Konrad Adenauer, Villa Kamogawa en Kyoto y Villa Massimo en Roma.
 
Durante sus estancias en la Antártida, Japón, Perú, Rusia, Estados Unidos y Vietnam realiza fotografías en el sentido clásico que, sin embargo, no son personas sino paisajes y ciudades, lugares donde la naturaleza y el desarrollo humano se encuentran, pero la gente está visiblemente ausente.
 
Schink trabaja sistemáticamente en series fotográficas o grupos de obras con una amplia gama de temas fotográficos y enfoques de contenido, como pueden ser paisajes de la Alemania Oriental en 1997 (Fläming) con muchas reminiscencias todavía de la RDA, pinturas de propaganda en las estaciones de metro (Corea del norte, 1989), proyectos de tráfico (Deutsche Einheit), detalles de las estructuras de las autopistas, como las barreras de ruido (Autobahn), fachadas  de casas unifamiliares uniformes (Rötha), solarizaciones (1H), suburbios y zonas escasamente pobladas de grandes ciudades (Hinterland), la Roma de antiguas ruinas romanas que convive con la "imperial" del fascismo (Eur. Aqua Claudia), la ciudad de Kochi (Kochi Nights) por la noche, un país en transición después de casi 50 años de dictadura (Burma), …
 
Ha obtenido diversos premios, como el premio por su libro Verkehrsprojekte en 2004 y el ING Real Photography, dotado con 50.000 euros, en 2008. Su obra forma parte de colecciones públicas como Bundeskunstsammlung – Contemporary Art Collection de la República Federal Alemana, Museum of Fine Arts en Houston, Texas, Spencer Museum of Art en Lawrence, Kansas, Frederick R. Weisman Foundation en Los Angeles, Wilson Center for Photography en Londres, como en privadas de Australia, Bélgica, Alemania, Francia, Suiza, Reino Unido y EEUU.



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Libros

domingo, 21 de abril de 2019

Noell Oszvald

Noell Oszvald es una fotógrafa húngara (nacida en 1990, vive y trabaja en Budapest) que plasma en sus fotografías emociones y experiencias personales a través de sus autorretratos en blanco y negro para alejar de sus composiciones otros elementos que distraigan la atención del espectador. El equilibrio, las líneas y formas geométricas y la ausencia de color conforman un mundo onírico de sus fotografías.


© Noell Oszvald

© Noell Oszvald


Biografía

Noell S. Oszvald es una artista visual autodidacta, que empezó a crear pinturas digitales y fotomontajes, que le llevaron a la fotografía. No se considera fotógrafa aunque sí usa una cámara para crear su arte.

Entre sus trabajos recientes se encuentran una serie de sorprendentes fotos de autorretratos que, rara vez muestran su rostro, expresando emociones a través de la forma en que inclina la cabeza o en la sutil curva de su cuello. Cada una es una pieza surrealista que se centra en el minimalismo en blanco y negro, en formato cuadrado, centrándose en jugar con líneas, horizontes, posturas y contrastes para crear escenas abstractas, perfectamente equilibradas.



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sábado, 20 de abril de 2019

Laura Gómez Lerena

Laura Gómez Lerena es una fotógrafa española (nacida en Mallorca en 1989, vive en Barcelona) que compagina su trabajo en prensa con la fotografía de arquitectura e interiores, además de cubrir eventos deportivos y realizar sus proyectos personales.


© Laura Gómez Lerena

© Laura Gómez Lerena



Biografía

Laura Gómez Lerena estudió periodismo y fotografía en Barcelona. Trabaja como freelance y ha colaborado con diferentes publicaciones como Vice, El Confidencial, Diario ABC, La Razón, El Nacional.cat y el Diari Ara entre otros.

Actualmente compagina su trabajo en prensa con la fotografía de arquitectura e interiores. Sus trabajos personales han sido expuestos en diversas exposiciones individuales y colectivas, principalmente su proyecto más reciente, Agnus. Éste es un trabajo que no pretende ser testimonio objetivo del mundo ganadero, ni sitúa al agricultor en el centro del relato. Es una mirada parcial sobre la realidad, una metáfora sobre la vida y la muerte con las ovejas como protagonistas. Los altos contrastes de luz y oscuridad de las imágenes representan dos mundos antagónicos: la vida y la muerte, el hombre y la naturaleza. Este tipo de explotación ganadera es representada como un mundo estanco e inalterable en el que sus habitantes vagan sujetos a la transitoriedad de la vida.


Referencias

viernes, 19 de abril de 2019

Christian Franzen y Nisser

Christian Franzen y Nisser fue un diplomático y fotógrafo danés (nacido el 18 de diciembre de 1863 en Fjolde, Dinamarca, fallecido el 17 de septiembre de 1923 en Madrid) que desarrolló su labor fotográfica en Madrid. Llamado "fotógrafo de reyes y rey de los fotógrafos", fue el primero en realizar en España fotografías al magnesio y a lo largo de su vida fotografió a casi toda la nobleza española de la corte de Alfonso XIII.


 S.M, la Reina Doña Victoria, de Christian Franzen y Nisser


Biografía
Christian Franzen y Nisser se afincó en Madrid hacia 1885 y fue uno de los fotógrafos preferidos de la Familia Real española y de la aristocracia. Son famosos sus retratos del rey Alfonso XIII, de su esposa la reina Victoria Eugenia y de la regente María Cristina de Habsburgo-Lorena, de quien se afirma que profesaba cierto afecto al fotógrafo.

Desde 1901 tuvo su estudio en la calle del Príncipe de Madrid, que pronto gozó de gran reconocimiento, gracias a los retratos que realizó a los miembros de  la Familia Real española, que además le concedió el permiso de poner el escudo real en los cartones de sus fotos. Su trabajo tuvo mucha repercusión por el uso del platinotipo, con el que conseguía imágenes más estables. Junto a Kaulak y Manuel Company, está considerado uno de los mejores retratistas de la transición a la Restauración.

Trabajó para las primeras revistas ilustradas de la época, en especial con la revista Blanco y Negro, donde ilustró tres de sus secciones: Estudios fisonómicos, Madrid de Noche y Fotografías íntimas, también en La Ilustración Española y Americana, Nuevo Mundo y La Esfera. En 1889 participó en la Exposición Universal de Barcelona. Fue también cónsul de Dinamarca.

Gracias a los flash de magnesio, su labor fotográfica se desarrolló también dentro de los salones de la aristocracia madrileña, donde se reunían las figuras más importantes de la sociedad económica y cultural, como Doña Eulalia de Borbón y la Baronesa de Renzis de Montanaro, el alcalde de Madrid Alberto Aguilera, el presidente Canalejas, y celebridades tales como el maestro de esgrima y campeón mundial Afrodisio Aparicio. En 1897 se publicó el libro del cronista Eugenio Rodríguez conocido como Monte-Cristo bajo el título de Los salones de Madrid, con ilustraciones de Franzen que constituye un archivo iconográfico de gran variedad al reflejar las estancias palaciegas de la aristocracia madrileña (marqueses de Cerralbo, Asprillas, Viana, Linares, ...), así como de las principales embajadas, dejando testigo de las grandes solemnidades sociales.

Su obra como retratista incluye a periodistas, a políticos como Sagasta, a escritores como Concha Espina y Emilia Pardo Bazán y a pintores como Joaquín Sorolla, a quien retrató en su estudio madrileño y  que retrataría a Franzen en uno de sus cuadros.

Tiene obra en la colección de la National Portrait Gallery de Londres. Parte de su legado también se encuentra en el Museo Cerralbo y en el Museo Sorolla en Madrid, donde se conservan numerosos positivados suyos de retratos de los Reyes de España y de la aristocracia de la época. Un fondo de 33.000 clichés, en su mayoría placas de cristal y negativos en gelatina, será digitalizado por RTVE.

Referencias



Libros




jueves, 18 de abril de 2019

Bettina von Zwehl

Bettina von Zwehl es una fotógrafa alemana (nacida en 1971 en Múnich, vive y trabaja en Londres) conocida por su sutil y tranquila fotografía de retratos. A medida que su práctica se ha desarrollado, ha buscado diferentes maneras de afrontarla: desde sus primeras obras, más definidas por las rigurosas condiciones que imponía a sus modelos, ha evolucionado en sus proyectos más recientes hacia la tradición de la miniatura del retrato pintado.


© Bettina von Zwehl

© Bettina von Zwehl


Biografía

Bettina von Zwehl  estudió en Londres, obteniendo una licenciatura en fotografía en el London College of Printing y un master en fotografía artística por el Royal College of Art de Londres, donde comenzó a hacer retratos usando un método del siglo XIX, que encontró trabajando como asistente en Roma, trabajando en película con una cámara de placas de 10x8". La mayor parte de su trabajo está realizado en estudio y se inspira fundamentalmente en su fascinación por el rostro humano y las relaciones humanas.

Sus primeros trabajos se basaban en circunstancias físicas o emocionales inusuales, para conseguir un mayor grado de vulnerabilidad de sus modelos, a los que fotografiaba a medida que se despertaban de un sueño profundo, mientras se recuperaban de un esfuerzo físico, empapados por la lluvia o escuchando atentamente música en una habitación oscura, y con su quietud llevar al espectador a los más mínimos detalles: manchas, arrugas, pelos perdidos, rubor en las mejillas, ...  También ha estado interesada, bajo la influencia de la pintura renacentista, en la fotografía de perfil, que para ella es una de las formas más poderosas de representar a una persona. 

Su actual interés por las miniaturas, y su subgénero menos conocido, la miniatura ovalada de ojos, se desarrolló durante sus seis meses como artista en residencia en el Victoria & Albert Museum.

También participó en una residencia de 5 meses en el Freud Museum de Londres en 2013-2014. donde creó una instalación permanente para la sala Anna Freud en respuesta a la vida y el legado de Anna Freud. La obra es una exploración delicada y en profundidad del dolor, la pérdida y la amistad. Expuso Invitation to Frequent the Shadows en el Freud Museum de Londres en 2016.

Ha realizado exposiciones individuales en museos y galerías europeos y americanos, incluyendo el Freud Museum de Londres en 2016, Fotogaleriet de Oslo en 2014, National Portrait Gallery en Londres en 2014, Centrum KulturyZamek en Poznan en 2011, V&A Museum of Childhood en Londres en 2009, The Photographers’ Gallery de Londres en 2005 y la galería Lombard Freid de Nueva York en 2004.

Sus fotografías forman parte de colecciones como las del Solomon R. Guggenheim Museum en Nueva York, Mint Museum en Charlotte, Carolina del Norte, Victoria and Albert Museum, Arts Council Collection y The National Portrait Gallery en Londres, Rubell Family Collection en Miami y Pier 24 Photography en San Francisco.


Referencias




Libros


    Antologías
    • The Photograph as Contemporary Art, 2004.
    • The Portrait Now, 2006.
    • Vitamin Ph: New Perspectives in Photography, 2006.
    • The Body in Contemporary Art, 2009.
    • Road to 2012, 2012.
    • 21st Century Portraits, 2013.

    miércoles, 17 de abril de 2019

    Jaap Scheeren

    Jaap Scheeren es un fotógrafo holandés (nacido en 1979 en Nijmegen, vive y trabaja en Ámsterdam) cuyas imágenes siguen una cierta lógica infantil que toca el mundo real, pero con un cierto positivismo. Su obra evoca continuamente una sensación de nostalgia y una celebración de la juventud.


    © Jaap Scheeren

    © Jaap Scheeren



    Biografía

    Jaap Scheeren decidió estudiar fotografía tras una aventura fallada en química. Se graduó en 2003 en la St. Joost Academie en Breda. Podríamos calificar o describir su trabajo como Fresh anarchy (una fresca anarquía).  Con un estilo propio, ligeramente absurdo, investiga la coherencia entre la realidad y la fotografía. Al hacerlo, desarrolla un mundo visual en el que sigue su propia intuición, lógica y reglas. Siempre con un giro humorístico.

    Ganó la 21ª competición del Festival Internacional de Mode et de Photography en Hyères (Francia) en 2006. Colaboró con la artista Anouk Kruithof en el proyecto The Black Hole, por el que ganaron el Unique Photography Prize. La serie fue exhibida en Foam. En 2007 autopublicó el fotolibro Oma Toos sobre su divertida abuela.

    Ha expuesto su trabajo ampliamente incluyendo el Nederlands Fotomuseum de Rotterdam, Fotofestival Naarden, W 139 and De Balieen en Ámsterdam, Villa Noailles en Hyères (Festival Internacional de Mode et photographie), Centro australiano de fotografía en Sídney,  6ª Bienal Internacional de fotografía y artes plásticas en Lieja y Galería Michalsky Dvor en Bratislava.

    Su libro más reciente, Cut Shaving, The Xerox Edition combina por primera vez todo su trabajo, explorando diversas formas de reproducir la fotografía, fotolibros y archivos visuales, dando como resultado una publicación fresca y anarquista que no sólo documenta su obra, sino que también forma parte de ella.

    Su fotografía se ha mostrado en diversas revistas y publicaciones, incluyendo nrc.next, FOAM, Wallpaper, Kilimanjaro, Le Book, Beaux-Arts, Libération, LeMonde, DasMagasin, PICNIC, IANN, Blast y Picnic.


    Referencias



    Libros

    • Jaap Scheeren Cut Shaving, 2013.
    • Il/Elle s’appelle Margriet, 2012.
    • Fake Flowers in Full Colour, 2009.
    • Gassboggreidn, 2009.
    • 3 roses, 9 ravens, 12 months, 2008.
    • Oma Toos, 2008.
    • The Black Hole (con Anouk Kruithof), 2006.

    martes, 16 de abril de 2019

    Horst Diekgerdes

    Horst Diekgerdes es un fotógrafo alemán (vive en Zúrich, Suiza) que, a lo largo de su carrera ha realizado desde campañas publicitarias para Miu Miu a portadas de álbumes para Pulp (This Is Hardcore), pasando por retratos de iconos culturales con un lenguaje visual siempre distintivo. Es uno de los fotógrafos de moda más reconocidos de Alemania y  sus imágenes oscuras, sorprendentes y surrealistas han formado parte de campañas publicitarias icónicas y de grandes revistas.
     
    © Horst Diekgerdes
    © Horst Diekgerdes

     

    Biografía

    Horst Diekgerdes ha trabajado internacionalmente en todo el Reino Unido, Europa, Estados Unidos y Asia. Después de muchos años en París, la capital de la moda, donde asiste regularmente a los desfiles de moda, ahora reside en Zúrich pero viaja por todo el mundo por motivos de trabajo.
     
    Su trabajo editorial se ha mostrado en publicaciones de renombre como Interview, Another, Another Man, Arena Homme+, Muse, Self Service, Vogue UK, Vogue Spain y Vogue Japan, Numéro, Numéro Homme, Harper’s Bazaar, Interview Germany, Teen Vogue y GQ Style, entre otros. Horst ha colaborado con Fabien Baron, Work in Progress, Peter Saville, ARNYC, David James, Becha Achermann, Alex Wierderin y Robin Derrick.
     
    Su lista de clientes de publicidad de moda y perfumería incluye a Escada, Miu Miu, Chloé, Sonia Rykiel, Thomas Burberry, Burberry Blue Label, L'Oreal, Loro Piana, Alessandro Dell’Aqua, Kenzo, Levis, Joop!, Max Mara, Rochas y Hermès. También ha trabajado de forma continua con Louis Vuitton, Mytheresa, Bergdorf Goodman y Lacoste. Asimismo ha realizado retratos de iconos culturales desde Alexander McQueen a Erykah Badu, pasando por Charlotte Gainsbourg.
     
    Altamente celebrado por exposiciones en el Instituto de Arte Contemporáneo de Boston, The Winterthur Museum for Photography y el Migros Museum de Suiza, sigue inspirando con su muy personal perspectiva del mundo de la moda, que realiza con una modernidad atemporal. Es provocador, sensual y ligeramente excéntrico.
     
    Su primera monografía, Horst Diekgerdes, es una celebración de la vida, la moda y la fotografía en forma de un viaje fotográfico desde mediados de la década de los 90 hasta el presente, combinando fotografías de moda con imágenes de sus diarios personales, observaciones de la vida cotidiana y obras inéditas.
     
    Está representado internacionalmente por SHOTVIEW.

    Referencias

     

    Libros

    lunes, 15 de abril de 2019

    Piergiorgio Casotti

    Piergiorgio Casotti es un fotógrafo italiano (nacido en 1972 en Reggio Emilia) al que siempre le ha atraído la dinámica de los seres humanos. Desde que descubrió la fotografía la he visto como un medio que le permite explorar el mundo y a sí mismo al mismo tiempo. Intenta crear proyectos complejos con el fin de expresar la complejidad del mundo y la vida a través de imágenes y textos, vídeos y música, queriendo romper viejos patrones y ampliar las fronteras. Le gusta contar historias, estados de ánimo y experiencias que tienen poco que ver con los estándares estéticos.


    © Piergiorgio Casotti

    © Piergiorgio Casotti



    Biografía

    Piergiorgio Casotti se graduó en economía/estadística de la Universidad de Parma. Después de terminar varios cursos de fotografía en el Pratt Institute of Nueva York City en 2005, encontró trabajo como fotógrafo de moda, pero anhelaba perseguir su verdadera pasión por la fotografía documental. Desde entonces, ha estado explorando la dinámica única de las sociedades de todo el mundo a través de la interacción constante con las personas y los lugares que les dan forma. Su fotografía equilibra una fuerte emoción personal con cualidades documentales. En 2010 comenzó a trabajar con video, lo que le permite contar historias de maneras que la fotografía no lo hace.

    Sus proyectos principales, que han tomado forma de libro, son:
    • Sometimes I cannot smile. Un viaje íntimo y personal hacia el mundo juvenil de la comunidad Inuit en la costa este de Groenlandia, donde la naturaleza, el aburrimiento, la violencia y un fuerte legado cultural han estado reclamando durante décadas el triste peaje de hasta un 25% de intentos de suicidio.
    • Where does the White go. Un homenaje a sus montañas y a su silencio, un tributo personal y al mismo tiempo una conciencia de su despoblación y transformación, mostrando un cambio lento de su tejido social y cultural.  Y en los pueblos abandonados lo que alguien ve como melancolía, nostalgia, desolación y tristeza, se convierte en una fuente de reflexión y energía. Una aceptación fatalista pero positiva de la vida y su incesante movimiento.
    • INDEX G. Trata sobre la segregación racial en St. Louis, Estados Unidos. Describe en un lenguaje experimental las experiencias de vida y los sentimientos de los americanos marginalizados dentro de su ciudad. Este trabajo se desarrolla como un juego de "teatro del silencio", hecho de una ausencia de personajes y sus historias peculiares, donde las cosas vistas y narradas permanecen incontadas y suspendidas en el tiempo, en ese momento específico de incertidumbre, entre algo elusivo que acaba de suceder, y cuyas consecuencias sólo somos capaces de percibir, o la emocionante sensación de que ocurrirá pronto. Un limbo lleno de tensiones y dudas. No sucede nada aparentemente, pero la historia tiene lugar en el silencio de las vidas.


    Referencias



    Libros