jueves, 31 de enero de 2019

Tarek Ode

Tarek Ode es un fotógrafo canario (nacido en 1969 en Santa Cruz de Tenerife) cuya fotografía responde a un marcado estilo poético y narrativo y una preocupación por rescatar la memoria, por mostrar el paso del tiempo y su huella sobre la imagen.

  
© Tarek Ode


© Tarek Ode



Biografía

Tarek Ode Febles es técnico especialista en Imagen y Sonido y técnico superior en Fotografía, habiendo realizado además estudios de Filosofía. Es también director de cine, escritor y poeta. Ha pasado largas temporadas en Cuba, Londres, Nueva York, Madrid, París y Barcelona. Desde 1993 expone regularmente su obra. Compagina su labor creativa con charlas y conferencias en escuelas de arte y universidades.
Su fotografía responde a un marcado estilo poético y narrativo y una preocupación por rescatar la memoria, por mostrar el paso del tiempo y su huella sobre la imagen, objeto de investigación del artista desde hace más de 15 años. Destacan sus series Tiempo infinito, fotografías analógicas y digitales en color sobre las que interviene con procesos de envejecimiento hasta mezclar realidad y sueño en torno a la temática del viaje; Ciudadanos, donde disecciona el rostro humano a partir de distintos individuos construyendo un nuevo rostro con la intención de conducir al espectador a reflexionar sobre el rechazo a «lo otro»; La zona, compuesta por imágenes resultado de exposiciones de entre una y 24 horas; o el proyecto de investigación y restauración San Borondón, la isla descubierta, realizado con David Olivera.
Sus trabajos han sido publicados en revistas nacionales e internacionales como Lápiz, Gente di Fotografia, Foto, La Fotografía Actual o Arte Fotográfico. Presente en festivales internacionales como Les Rencontres d’Arles de 1995, los Encontros da Imagen en Braga en 1998, FotoNoviembre de Tenerife, Photo District en Nueva York, Festival Op. Art-Quisisana en Croacia y la Primavera Fotogràfica de Catalunya en 2000 y 2002. Entre sus últimas exposiciones destacan Ciudadanos en la Cité Internationale des Arts de París en 2005, Sáhara de Tomás Acárate Ristori en Tenerife Espacio de las Artes de 2010 y La zona en el Círculo de Bellas Artes de Santa Cruz de Tenerife en 2012.
Premio Regional de Fotografía de las Cajas de Ahorros de Canarias en 2003. En 2004 el gobierno francés le concedió una beca en la Ciudad de las Artes de París.  También ha sido becado por el Centro de Fotografía Isla de Tenerife y por el Cabildo Insular de Tenerife. En 2007 recibió el Premio a la Dirección Fotográfica en el Festival Internacional Ateneo en Corto por La Spiral.
Posee obra en las colecciones Tenerife Espacio de las Artes, Photo District Gallery de Nueva York y la Cité Internationale des Arts de París, donde fue becado. Tarek compagina su labor creativa con charlas y conferencias sobre su obra en escuelas de arte y universidades.


Referencias



Libros

miércoles, 30 de enero de 2019

Oskar Manso

Oskar Manso es un fotógrafo vasco (natural de Vitoria-Gasteiz) cuyo propósito es utilizar la fotografía para contar historias y tratar de despertar en quien las contempla las mismas sensaciones que emergen en él cuando está en proceso creativo.


Hope © Oskar Manso
Hope © Oskar Manso


Cuando un fotógrafo trata de contar una historia es necesario viajar a través de lo cotidiano para ver más allá de lo que se ve a simple vista; sólo así podremos captar aquello que buscamos, porque la belleza a veces se esconde en lo más sencillo y en los lugares más insospechados. No sólo es importante saber ver sino saber mirar.



Biografía
Oskar Manso comenzó en la fotografía tras nacer su hijo, haciéndole miles de retratos con una cámara compacta y aprendiendo fotografía de manera autodidacta.

En 2009 ganó un concurso en el programa Teknopolis de la televisión ETB-1 con una fotografía sacada a su hijo y gracias a eso se compró su primera réflex y, de ahí en adelante, a base de leer libros y artículos de fotografía y visualizar cantidades ingentes de fotos, poco a poco se fue introduciendo en este mundo: descubrió Flickr, empezó a fotografiar paisajes pero, poco a poco, se dio cuenta que lo suyo era el retrato, con el tiempo cada vez más a personas conocidas. También le encanta el cine, y eso se refleja en parte de sus fotografías.

Su propósito desde hace ya algunos años ha sido utilizar su pasión, la fotografía, para contar historias y tratar de despertar en quien las contempla las mismas sensaciones que emergen en él cuando está en pleno proceso creativo. Y sobre todo, transmitir su pasión por este arte a través de sus trabajos.

Fotógrafo en gran momento creativo, está obteniendo numerosos premios en concursos nacionales e internacionales, especialmente en series por su facilidad de contar historias y desarrollar temas, algunas no demasiado fáciles. Entre estos premios podemos citar 2 premios Argizaiola (2018 y 2016), ambos con fotografías de su hijo al que sigue fotografiando cuando se deja, 1º en Deportes en los 11th Internacional Color Awards (2018 y 2017), 1º premio a la colección en los concursos Indalecio Ojanguren (Eibar) y Peio Urtxegi (Irun) y un accésit en la categoría de naturaleza en  Asisafoto, estos últimos en 2017.



Referencias

martes, 29 de enero de 2019

Andreas H. Bitesnich

Andreas H. Bitesnich es un músico y fotógrafo austriaco (nacido en 1964 en Viena) cuya obra cautiva por su belleza y sensibilidad estética. Su fotografía de desnudo no trae el erotismo al primer plano, sino que transforma los cuerpos desnudos de sus modelos en esculturas. Sus imágenes están perfectamente elaboradas y celebran la forma humana con un toque de erotismo.


Sina & Anthony. Vienna, 1995 © Andreas H. Bitesnich

Sina & Anthony. Vienna, 1995 © Andreas H. Bitesnich

Biografía

Andreas H. Bitesnich trabajó como vendedor de electrodomésticos antes de descubrir con 25 años su pasión por la fotografía y su talento para la misma. Esta pasión le llevó a abandonar su empleo en 1989 para dedicarse por completo a la fotografía.

Al principio creyó que quería ser fotógrafo de moda, pero a mediados de la década de los 90, fotografió su primer desnudo y descubrió que tenía olfato y sensibilidad para plasmar el cuerpo humano, comenzando un largo proceso autodidáctico de entrenamiento en este trabajo.  Los desnudos que le reportaron fama internacional eran sorprendentes y estilizadas imágenes de parejas tan minuciosamente entrelazadas que casi formaban jeroglíficos vivientes. Pronto llamaron la atención de las mejores revistas europeas como Stern, Playboy, Max, GQ, …

Trabaja de forma intuitiva, sin una idea preconcebida de lo que una fotografía debería significar o ser, buscando armonía y equilibrio, pero la tensión también es un ingrediente importante en su trabajo. Como él dice “las (imágenes) pertenecen a un proceso creativo orgánico que tiene que ver con la fascinación por la relación entre cuerpo, tiempo y espacio en una interacción continua de tensión y equilibrio”.

Expuso por primera vez en 1994 y, a partir de entonces, ha realizado exposiciones en Austria, Alemania, Francia, Estados Unidos, Portugal y otros muchos países. Su primer libro Nudes, publicado en 1998, ganó el Premio al Libro de Fotografía Kodak de ese mismo año. En 2001 comenzó su cooperación a largo plazo con la prestigiosa editorial teNeues, y hasta el momento, ha publicado 18 libros de desnudos, viajes y fotografía de calle.

Además de la fotografía de desnudos y los retratos en su estudio, Bitesnich siente pasión por la fotografía de calle y la de viajes. Comenzó a extender su horizonte creativo en sus viajes profesionales para el mundo de la moda, cuando al finalizar las sesiones salía del hotel cámara en mano para intentar capturar un mundo que le era del todo ajeno. Pero aquí también le acompaña su obsesión por la belleza formal, perfeccionismo técnico y espíritu romántico.


Referencias


Libros

lunes, 28 de enero de 2019

Photographer Hal

Photographer Hal es un fotógrafo japonés (nacido en 1971 en Tokio, donde vive y trabaja) que trabaja el tema del amor fotografiando a parejas juntas, evolucionado con el tiempo a que esta unión sea cada vez mayor, llegando al envasado en vacío.

© Photographer Hal

© Photographer Hal



En Flesh Love Returns, hombres y mujeres se sienten atraídos el uno al otro para convertirse en uno. Este deseo fundamental trae una energía que afecta a toda la materia en el mundo. Me pregunto ¿cuál es la razón por la que tenemos que hacer un esfuerzo para convertirnos en uno sólo?. Posiblemente éramos originalmente uno sólo. Ya que creo esto, tengo la intención de visualizar este poder del amor mediante la adhesión y la unificación de las parejas. Cuanto más cerca están entre ellos, más fuerte es el poder. Decidí  sellar a las parejas al vacío como un método para expresar la coherencia.



Biografía

Haruhiko Kawaguchi, nacido, educado y actualmente residente en Tokio, vivió sus días universitarios deseando conocer diferentes personas de otras culturas de todo el mundo. Tan pronto como pudo dejó Japón y comenzó sus viajes con un enfoque especial en Oriente Medio y la India. Fue aquí donde encontró la pasión por la fotografía, la cámara se convirtió en la herramienta clave para superar su timidez y sus limitadas habilidades en el idioma local, y de alguna manera se pudo comunicar con las personas que conoció.

Después de graduarse en la universidad, se unió a una productora de publicidad en Tokio y esto le permitió adquirir un conjunto mucho más amplio de habilidades fotográficas, con trabajos variados y únicos, retratando a celebridades y a iconos de la moda. Su alias, Photographer Hal, tiene su origen en el cerebro electrónico de la película A Space Odyssey.
Las bañeras, las parejas, el amor y el desafío son los temas principales en todo su trabajo. Atrae a completos desconocidos a sus espacios confinados, en forma de crisol, solo para transmitir su tema continuo del "amor de la pareja".

A través de la fotografía, la pareja se ha convertido en el vehículo que ha elegido para expresar el tema principal del amor en el mundo. Por supuesto, esto requiere buscar a gente que quiera participar en su proyecto. Hal va a Kabukicho en Shinjuku, a los bares subterráneos de Shibuya y a muchos otros lugares que están llenos de actividad, como las deliciosas colmenas nocturnas. Cuando ve una pareja que parece interesante comienza a negociar con ellos, su inusual propuesta. Sus modelos pertenecen a todos los ámbitos de la vida: músicos, bailarines, strippers, trabajadores, gerentes de restaurantes y bares, fotógrafos, empresarios y desempleados. Sus parejas son muy variables: jóvenes y viejas, del mismo sexo o del sexo opuesto, de diferentes razas, con diferentes estilos, chicas del norte y hombres del sur y muchos otros que han estado dispuestos a participar. Afortunadamente, la mayor parte de las ocasiones han ido bien, con muchos momentos felices con muchas escenas interesantes para capturar.

En Pinky & Killer usó un espacio pequeño o una habitación para capturar a sus parejas, luego en Couple Jam les colocaba juntos en una bañera, más tarde en Fresh Love las introduciría en un paquete transparente sellado al vacío sobre fondos de colores a juego con su ropa, y en Flesh Love Returns también las envasa al vacío, pero en los lugares que ellas elegían.


Referencias


Libros

  • Flesh Love returns, 2017.
  • 43: Zine, Self Made, 2015.
  • Zatsuran, 2014.
  • Flesh Love, 2011.
  • Couple Jam, 2009.
  • Pinky & Killer DX, 2007.
  • Pinky & Killer, 2004.

domingo, 27 de enero de 2019

Paolo Gioli

Paolo Gioli es un fotógrafo, artista visual y cineasta experimental italiano (nacido el 12 de octubre de 1942 en Sarzano, Rovigo, vive y trabaja en Lendinara) que trabaja desde 1969 con fotografía y cine, alterando herramientas y técnicas fotoquímicas tradicionales para obtener peculiares usos de la luz y los químicos. Entre las distintas técnicas exploradas a lo largo de su carrera ha intervenido cámaras de cine quitándoles el obturador o reemplazando su arrastre por el de máquinas de coser, ha trabajado con archivo encontrado, trasferencias Polaroid, fotografía estenopeica, procesos fotoquímicos antiguos y el cine sin cámara, entre otras.

© Paolo Gioli

© Paolo Gioli

Biografía

Paolo Gioli asistió a la Scuola Libera del Nudo en la Accademia di Belle Arti en Venecia a partir de 1960. En 1967 viajó con una beca de la Fundación John Cabot a Nueva York, donde conoció a los galeristas Leo Castelli y Martha Jackson y descubrió el Nuevo cine estadounidense. Obligado a regresar a Italia en 1968, centró sus actividades en Roma en 1970 donde entró en contacto con la Cooperativa Cinema Indipendente. Moviéndose entre Rovigo y Roma, produciría sus primeras películas, usando su cámara de película como laboratorio, siguiendo los pasos de los hermanos Lumière. Fue en este momento cuando comenzó a interesarse por la fotografía.

En 1976, se trasladó a Milán, donde decidió dedicarse a su investigación fotográfica, encontrando en Polaroid, con la introducción de la película instantánea SX-70, lo que él llama "el incunable húmedo de la historia moderna", una forma sorprendente de desarrollar su investigación sobre fotografía instantánea. Al igual que sus películas experimentales, que establecen “una analogía esencial entre el celuloide y la piel como la interfaz sensible entre el yo y el mundo exterior”, sus transferencias Polaroid utilizan el cuerpo y sus fragmentos como un medio para interrogar la historia de la fotografía y los fundamentos teóricos. Usando cámaras estenopeicas hechas a mano y soportes de papel y seda alternativos, Gioli combinó los procedimientos más elementales de la fotografía primigenia con un uso sofisticado de esta película de un solo paso.

A principios de la década de los 80, decidió regresar a su región natal donde vive y trabaja y comenzó a obtener reconocimientos importantes por sus actividades fotográficas con una exposición individual en el Instituto Nacional para la Gráfica-Calcografía de Roma (1981), en el Centro Pompidou de París (1983) y en el Musée Nicéphore Nièpce en Chalon/Saone en el mismo año, en los Rencontres Internationales de la Photographie en Arles, donde su trabajo se mostró varias veces (1982, 1996, 1998), en el Musée Réattu (1987) y en una exposición individual en el Palazzo delle Esposizioni en Roma (1995), la 54ª Bienal de Venecia en 2015 y el Harvard Carpenter para las artes visuales en 2016. Sus fotografías se pueden encontrar en las colecciones de MOMA de Nueva York, el Centro Georges Pompidou y el Instituto de Arte de Chicago.

En 2006, la compañía italiana Rarovideo publicó un conjunto de 2 DVDs con una selección de catorce de sus películas y sus películas se presentaron por primera vez en Views from the Avant-Garde, una sección especial de la NYFF. También  fue invitado al Festival Internacional de Cine de Hong Kong. En 2008, una selección de sus películas se presentó en la Cinemateca de Ontario en Toronto y en 2009 el Festival de Cine de Pesaro y la Cinemateca Francesa en París le rindieron un homenaje con retrospectivas de sus películas y el SCS-Centro Sperimentale di Cinematografia publicó en Roma una monografía sobre su trabajo como cineasta.

Referencias

Libros

Catálogos:

  • Omaggio a Paolo Gioli, 2009.
  • Paolo Gioli. Thirthy Polaroids 50x60 And Five Films, 2007.
  • Paolo Gioli: The Face Of Another Cinema, 2007.
  • Paolo Gioli. Volti attraverso/Tokyo 1996, 2007.
  • Paolo Gioli. Polaroid B&N e col. su carta da disegno 1987/1998, 2004.
  • Paolo Gioli. Gran positivo nel crudele spazio stenopeico, 1991.
  • Paolo Gioli. Autonatomie, 1987.
  • Paolo Gioli. Obscura. La natura riflessa, 1986.
  • Paolo Gioli. Il volto inciso, 1984.
  • Paolo Gioli. Hommage à Niépce,1833-1983, 1983.
  • Paolo Gioli. Il punto trasparente-grafie, 1981.

DVD:

sábado, 26 de enero de 2019

Shae DeTar

Shae DeTar es una artista estadounidense (nacida en 1978 en Pensilvania, vive y trabaja en Nueva York) que combina la fotografía y la pintura para crear impresiones fotográficas de otro mundo con desnudos. En su últimos trabajos imprime a gran tamaño fotografías analógicas y digitales y luego agrega capas de pintura para enfatizar el color, la textura y darle un aire de fantasía.

ShaeDeTar

Dream © Shae DeTar

Biografía

Shae DeTar creció entre Pennsylvania y Nueva York y comenzó con unos 12 años a pintar fotografías que encontraba en las revistas y a hacer collages con ellas en su diario personal. Pero lo que realmente quería en aquella época era ser una actriz, haciendo teatro, musicales, anuncios de televisión y audiciones para películas. Con 18 años fue a trabajar como modelo a Milán, y allí su compañera de habitación vio su diario con sus collages de fotos pintadas y le sugirió que estudiara arte. Cuando volvió a Nueva York entró en la School of Visual Art para estudiar diseño gráfico, pero no disfrutaba estando todo el día colgada del ordenador, así que lo dejó después de 2 años.

Con 30 años cogió por primera vez una cámara, comenzó a hacer sus propias fotos y a pintar sobre ellas a mano, con acrílico y acuarela, como siempre había hecho, pero esta vez con sus propias fotos. Fue un proceso muy natural.

Con este proceso, mezclando colores, paisajes y desnudos femeninos, crea imágenes de otro mundo, sacando a sus sujetos de la realidad y colocándolos dentro de su universo etéreo, mediante capas de pintura con las que exagera el color, crea texturas y agrega elementos de fantasía. Todo esto a gran escala, de 1 a 2 metros.

Gracias a su éxito en Instagram, Shae ha desarrollado su carrera con reconocidos trabajos personales y comerciales, exponiendo su trabajo a nivel internacional como en la exhibición The Female Gaze con Vogue Italia, en Londres con NARS y Refinry 29, en una muestra colectiva en la Galería Johannsan de Berlín, …

Su trabajo se ha publicado en Interview Magazine, Italian Vogue,The New Yorker, The Huffington Post, Nylon Magazine, Juxtapose, I.D, Vice, Dazed, Forbes, Nylon, Marie Claire, Style.com, ElleUk, TeenVogue,  ElleUk, Blouin Art Info, Fast Company y Refinery29.

Ha realizado campañas para marcas como NARS, The New Yorker Magazine, G.O.O.D Music, Aritzia, Def Jam, Cosabella, Alice and Olivia, Ballet Beautiful, Free People, Sally Sohn Fine Jewelry, Fast Company, Pierce And Ward, …

Shae está estudiando pintura al óleo de representación clásica.

Referencias

viernes, 25 de enero de 2019

Yosigo

Jose Javier Serrano, alias Yosigo, es un fotógrafo vasco (nacido en 1981 en San Sebastián, vive en Barcelona) que parece observar sin cesar la vida cotidiana que transcurre a su alrededor. Artista prolífico e incansable, encuentra encuadres casi cinematográficos dentro de lo ordinario, y sus fotos mantienen una estética impecable y un uso exquisito de la luz natural.

© Yosigo

© Yosigo

Biografía

Jose Javier Serrano estuvo siempre interesado por la fotografía, haciendo fotos con la cámara de su padre, pero su primer acercamiento en condiciones fue mientras estudiaba diseño gráfico y la tenía como asignatura. Inicialmente disparaba en analógico, pero la aparición de la fotografía digital le permitió salsear mucho más y disparar todo lo que se movía. Tras terminar de estudiar diseño gráfico entró a trabajar en Loreak Mendian, donde estuvo unos años compaginando fotografía y diseño. Con el tiempo se fue dando cuenta de que la fotografía le apasionaba, y se dedicó completamente a ella, compaginando encargos profesionales con sus trabajos personales. Y ha vuelto a su primer amor, el film.

Su nombre artístico, Yosigo, proviene de un poema que su padre le escribió cuando cumplió 24 años, y que refleja su empeño por seguir trabajando en algo durante horas sin parar. Su mirada: composición, cromatismo, los elementos que elige para aparecer en la escena, etc., dotan a su propuesta de una personalidad intransferible.

Realizó su primera exposición individual en 2008. En 2010 participó en la feria de fotografía de Jeonju (Corea) con su serie Prater, y fue portada en las revistas de fotografía Colors (Italia), Wired (Los Ángeles) y Homeland (Japón). En 2011 presentó en Vitoria su trabajo Mapa de Memoria y editó una publicación del mismo proyecto junto al colectivo donostiarra Primo; también colaboró en el festival Getxophoto con un proyecto por encargo sobre sobre los txikiteros. Expuso Azken Urteak en la sala Okendo y sus imágenes de playas Kresala (salitre) en el AQVARIVM de Donostia.

Actualmente residiendo en Barcelona, además de los proyectos profesionales y los que ha realizado con Salva López (Have a nice book, el álbum de fotos de la casa de ambos Rocafort153, ...) ha documentado el río Llobregat y las playas de Benidorm en sus serie y libros Riu Avall y Greetings From.

Referencias

Libros

  • Greetings From, 2017.
  • Riu Avall, 2014.
  • Ura Begi-Bistan, 2013.
  • Mapa de Memoria.
  • Souvenir.

jueves, 24 de enero de 2019

Catherine Leroy

Catherine Leroy fue una fotoperiodista y fotógrafa de guerra francesa (nacida el 27 de agosto de 1944 en París, fallecida el 8 julio de 2006 en Santa Mónica, California, EEUU) reconocida principalmente por sus imágenes de la Guerra de Vietnam en las páginas de la revista Life y en otras publicaciones. Nacida en una clase media católica muy tradicional, fue más allá de los tabúes más resistentes en un mundo profesional esencialmente masculino.


Corpsman In Anguish © Dotation Catherine Leroy

Corpsman In Anguish © Dotation Catherine Leroy

Vernon Wike


Cuando miras las fotografías de guerra, es un momento silencioso de la eternidad. Pero a mí me transmiten sonido, un sonido ensordecedor.

En Vietnam, la mayor parte del tiempo fue extremadamente aburrido. Agotador y aburrido. Recorriendo millas y millas a través de arrozales o jungla, caminando, gateando, en las circunstancias más insoportables. Y no pasaba nada. Hasta que, de repente, todo el infierno se desataba.



Biografía

Catherine Leroy pasó su infancia en Enghien-les-Bains, en las afueras de París. Estudió para ser pianista, pero con 18 años y para impresionar a su novio, comenzó a practicar el paracaidismo.

Conmovida por las imágenes de la guerra de la revista Paris Match decidió viajar a Vietnam para "dar un rostro humano a la guerra". En 1966, con 21 años, esta mujer, pequeña y delgada, se compró un billete de avión de ida a Laos para ir a Vietnam. Tenía una Leica M2 recién estrenada y 100$ en el bolsillo.

A su llegada a Saigón fue a ver al fotógrafo Horst Faas, jefe de la oficina de Associated Press, que le permitió trabajar siendo pagada por foto utilizada. Un año más tarde se convirtió en la primera periodista acreditada en participar en un salto de combate (lo que representaba su 85º salto) en paracaídas, con a la 173d Airborne Brigade durante la operación Junction City. En mayo de 1967 fue herida por un obús de mortero mientras acompañaba a una unidad de marines cerca de la zona desmilitarizada (DMZ). Su cámara le salvó de parte de la metralla, aunque estuvo convaleciente 6 semanas antes de volver al frente.

En 1968, durante la Ofensiva del Tet, fue capturada brevemente por el Ejército de Vietnam del Norte junto con el periodista François Mazure. Al darse cuenta de que eran periodistas franceses les dejaron libres. Fue el primer periodista en hacer fotos de soldados de Vietnam del Norte desde sus propias líneas. Sus fotografías y su relato en primera persona se convirtieron en la portada de la revista Life el 16 de febrero de 1968.

Su foto más famosa es Corpsman In Anguish, de 1967, que forma parte de una serie de 5 que realizó al enfermero de la Marina de EU Vernon Wike realizando los primeros auxilios a un compañero abatido durante la batalla de la colina 811. En esta foto acaba de darse cuenta que el soldado está muerto.

Después de 3 años en Vietnam, volvió a París, pero se adaptó con dificultad a la vida normal. Así que se fue a Estados Unidos, y cubrió conflictos en Irlanda del Norte, Chipre, Somalia, Afganistán, Irak, Irán, Libia y Líbano. En 1972, realizó con Frank Cavestani The Last Patrol, una película sobre el movimiento de antiguos combatientes contra la Guerra de Vietnam.

Leroy es también coautora del libro God Cried con Tony Clifton sobre la Guerra Civil del Líbano, sobre el asedio de Beirut en 1982. Después de sus experiencias en Beirut dejó ya la cobertura de guerra. Sus fotografías han sido distribuidas principalmente por las agencias Black Star, Sipa Press y Gamma, y publicadas en las más grandes revistas internacionales como París Match, Time, Life, Look, Epoca, etc.

Después de haber dejado los conflictos, empezó a trabajar en fotografía de moda, principalmente en Japón.

Consiguió importantes premios por su trabajo, incluyendo el George Polk​ en 1967 y la Robert Capa Gold Medal en 1976 por su cobertura de la guerra civil en el Líbano.​ En 1997 recibió un premio especial por su “contribución al fotoperiodismo” por el departamento de periodismo de la Universidad de Missouri.

Vivió en el Hotel Chelsea en Nueva York durante finales de los 80.​ Posteriormente, instalada en Los Angeles creó un sitio web con una galería con fotos de ella y sus compañeros de la Guerra de Vietnam, y publicó en 2005 el libro Under Fire: Images from Vietnam (Random House).​

Catherine Leroy murió de cáncer en Santa Mónica, California,en 2006.



Referencias



Libros

  • Under fire: great photographers and writers in Vietnam, 2005.
  • God cried (con Tony Clifton),1983.

miércoles, 23 de enero de 2019

Alix Marie

Alix Marie es una artista francesa (nacida en 1989 en París, vive en Londres) que trabaja con escultura, fotografía e instalaciones. Considera la fotografía como un objeto y explora su potencial de materialidad, tacto y tridimensionalidad, cruzando y mezclando los medios de la fotografía y la escultura. Trabaja las nociones de corporalidad y feminidad.


© Alix Marie

© Alix Marie


Estoy investigando las similitudes entre la piel y la fotografía: ambas superficies, ambas frágiles, ambas llenas de secretos y tabúes. Como fotógrafa y como persona me molesta la imposibilidad de ver lo que hay debajo de la imagen y lo que hay debajo de la piel de la gente, me gustaría rascar la superficie y cavar. Es por eso que estoy tratando de unir ambos, a veces al borde de lo abyecto, mirando lo que hace jugar con los límites de la representación del cuerpo.

Se trata de explorar los límites de mi relación con la fotografía y la creación de imágenes tanto como los límites de mi relación con los cuerpos. La imposibilidad de agarrar un cuerpo es inherente al medio de la fotografía tanto como al deseo y al amor, pero al hacer ambas cosas a la vez, se alivia lo insaciable.



Biografía

Alix Marie fue a estudiar a Londres, donde se graduó en 2011 en el Central Saint Martins College con una licenciatura en Bellas Artes y en 2014 realizó un master en fotografía artística en el Royal College of Art de Londres. Su trabajo considera la fotografía como un objeto y continúa llevando su práctica hacia nuevas direcciones al investigar el potencial de materialidad y las tres dimensiones del medio.

Comenzando con imágenes de desnudos de sí misma y de sus personas más cercanas, Marie hace sus fotografías y las transforma en instalaciones y esculturas a gran escala. Las proporciones hinchadas y la carne arrugada se desvían del origen de la fotografía, dando como resultado formas gigantescas de algo no completamente humano. Enfocando nuestra relación e incomodidad con nuestros cuerpos, así como las corrientes ocultas implícitas de la feminidad, la serie presenta una intimidad desnuda, despojada hasta los huesos y profundamente apasionada, tratando, a través del proceso de abstracción, fragmentación y objetivación, de romper el límite de las envolturas de nuestra piel.

En 2017 ganó el Portfolio Review Award y fue seleccionada para la 11ª edición de Foam Talent Call. Su trabajo ha sido presentado recientemente en la exposición internacional Foam Talent, presentada en Ámsterdam, Nueva York, Londres y Frankfurt. Sus exposiciones individuales más recientes incluyen La Femme Fontaine en Roman Road en Londres, y ADYTA en Ratinger Tor dentro del Duesseldorf Photo Weekend 2018. 

Ha expuesto individualmente en Mois de la Photo Off en la Galerie LJ en París en 2012,  Venez Fruits Presses en La Manutention en París en 2014, BAB DAR en colaboración con la Bienal de Marrakech en 2014,  Salon de la photo OFF en  La Belleviloise en París en 2013,  Rural en la Red Gallery de Londres en 2013, An Eye For An Ear en China House en Malasia en 2013, Guest Room Maribor en Eslovenia en 2012 y Fresh Winds en Gardur, Islandia, en 2012.

   


Referencias



    Libros

    • BLEU, 2017.
    • MDAM, 2017.
    • Science and Fiction (varios), 2014.

    martes, 22 de enero de 2019

    Mateusz Sarello

    Mateusz Sarello es un fotógrafo polaco (nacido en 1978 en Varsovia, donde vive y trabaja) que realiza fotografía en blanco y negro. Es principalmente reconocido por su libro Swell, una historia con el mar Báltico presente y en 2 partes sobre la soledad, la ausencia y la incapacidad de aceptar y dejar ir.

    © Mateusz Sarello

    © Mateusz Sarello

    Biografía

    Mateusz Sarello se graduó en la Academia de Fotografía de Varsovia.

    Su proyecto más reconocido es Swell (Mar de fondo) y nació en otoño de 2010 como un proyecto documental sobre el Mar Báltico, acompañado por su novia. Pero después de la ruptura, solo quedaron una docena de postales de aquellos días, un comienzo de algo inconcluso, un punto de inflexión que llevó al autor a construir una nueva narración, a enfrentar viajes agotadores, impulsados por la necesidad de regresar a su mar Báltico, a los mismos lugares y recuerdos inolvidables. Es pues, una historia agresiva sobre la soledad, la ausencia y la incapacidad de aceptar y dejar ir. El libro resultante tiene dos mitades, ambas con visitas al mar Báltico: la primera con su novia y la segunda sin ella. Tan diferentes son las imágenes y el estado de ánimo que reflejan que son dos libros en uno.

    Este libro fue elegido como finalista en Best Photography Book Award en el Pictures of the Year International en 2014, consiguió el 3er premio en el International Photography Awards en 2013 y una mención de honor en la Best Photography Book from Central and Eastern Europe 2013-2014 en el European Month of Photography en Bratislava en 2014 y fue elegido para la lista Best Books of 2013 de Photo-Eye.

    Swell ganó el Grand Prize en el Prix Photo La Quatrieme Image con una residencia en la Cite des Arts en Paris y el City of Paris Grant que le permitió cumplir su siguiente proyecto en 2015.

    Otros premios y galardones por su trabajo son Center Santa Fe Awards, Lucie Foundation Scholarship, FotoVisura Grant, Photolucida Critical Mass, Celeste Prize, PDN Photo Annual, FotoWeekDC International Awards, Prix de la Photographie Paris, International Photography Awards y el International Photography Festival Organ Vida Prize.

    Finalista de los Lens Culture Exposure Awards, de la Lucie Foundation Scholarship y el Grand Press Photo, ha expuesto en el Festival Cortona On The Move, Chobi Mela International Festival of Photography en Dhaka, FotoWeekDC en  Washington DC, Photomonth y Pauza Gallery en Cracovia, Karas Galler en Zagreb, Leica GalleryObok ZPAF Gallery en Varsovia, Gallery of Photography en Dublín, Gallery Nine en Belfast y Splashlight Studios en Nueva York.

    Su obra ha sido publicada en Lens Culture, GUP Magazine, Foto8, PDN - Photo District News, Blow Magazine, Archivo Magazine, Der Greif Magazine, F-Stop Magazine, Prism Magazine, Exklusiv, Here, Flip, 5klatek, Doc! Photo Magazine y Private Photo Review.

    Referencias

    Libros

    • Swell, 2013 y 2014.

    lunes, 21 de enero de 2019

    Nicholas Hughes

    Nicholas Hughes es un fotógrafo inglés (nacido en Liverpool en 1963) cuyo trabajo examina el espacio entre el mundo que habitan las personas y aquello que la naturaleza todavía reclama como propio. Busca explorar la esencia del espíritu humano y su relación con la naturaleza a través del uso de una cámara de película de gran formato.


    Field (Verse I) #1 © Nicholas Hughes

    Field (Verse I) #1 © Nicholas Hughes



    Biografía

    Nicholas Hughes comenzó a hacer fotografías en su juventud, pero fue en 1998 cuando nació su vocación como artista fotográfico, y completó una educación fotográfica formal a través de un master en arte en el London College of Communication en 2002.

    Hughes se interesó en el ecologismo a una edad temprana y al ver cómo sufría el mundo natural a expensas de las ganancias de las grandes empresas lo llevó a recaudar fondos para un grupo de presión ambiental. La creciente conciencia de la fragilidad y la belleza de la naturaleza lo llevó en el ámbito de la fotografía al paisaje.

    Su trabajo, aparentemente dependiente de un estilo de vida transitorio, alude a temas universales románticos, aliados a una sensibilidad ambiental. Cada proyecto busca ilustrar el frágil residuo del desierto contemporáneo a través de visiones reducidas de lo sublime dentro de la naturaleza localizada. Hughes trabaja principalmente en las inmediaciones de donde reside, ya sea en el centro de Londres, Cornualles, la costa británica, Suiza o Alemania. Algunas imagen están construidas con exposiciones múltiples en un solo negativo, creando efectos atmosféricos que evocan bosques primordiales.

    Su monografía Nowhere Far abarca seis series y quince años de trabajos en gran formato, impresos a mano en su cuarto oscuro. Arraigado en las tradiciones del romanticismo y el pictorialismo, el libro se desliza hacia los bordes externos de la abstracción, desplazándonos en vastas extensiones de tierra, mar y cielo.

    Su trabajo ha obtenido un creciente reconocimiento internacional a través exposiciones individuales en Photographers’ Gallery de Londres, en la galería Nailya Alexander de Nueva York y como expositor en 'Earth' The Houston Bienal Fotofest en 2006, así como en 'Landscape', el 5º Festival Internacional de Fotografía en Seúl en 2005.  También se ha visto en las principales ferias de arte fotográfico del mundo en Los Ángeles, Nueva York y París.  

    Su obra ha aparecido en numerosas publicaciones, como Next Level, Exit, Hotshoe International, The Photographer y British Journal of Photography, y se encuentra en una variedad de colecciones fotográficas de todo el mundo, incluyendo colecciones públicas en el Victoria and Albert Museum, Museum of Fine Arts en Houston y el Gana Art Center en Seúl.


    Referencias


    Libros

    • Nowhere Far, 2017.
    • Aspects of Cosmological Indifference, 2013.

    domingo, 20 de enero de 2019

    Massao Mascaro

    Massao Mascaro es un fotógrafo francés (nacido en Lille en 1990, vive y trabaja en Bruselas, Bélgica) cuyo trabajo busca un delicado equilibrio entre la autobiografía, la topografía y la política, girando a menudo en torno al territorio.

    © Massao Mascaro

    © Massao Mascaro

    Biografía

    Massao Mascaro estudió fotografía en ESA Le Septante Cinq en Bruselas y en BlankPaper de Madrid. Su trabajo siempre está buscando un delicado equilibrio entre la autobiografía, la topografía y la política. Su obra a menudo gira en torno al territorio.

    En Ramo (2010-2014) descubre los múltiples significados que puede llevar la imagen al construir una historia que mezcla la memoria de su familia italiana con la suya. Con la riqueza de la fértil tierra calabresa, en las proximidades de Pianopoli, la pequeña ciudad de donde proceden sus abuelos, los rostros de los hombres que trabajan a la luz del sol y aquellos elementos que permiten reconstituir los elementos de la memoria de una familia de campesinos, revela paso a paso la genealogía de su familia.

    En Jardin toca el espacio mítico del jardín, que, en este caso, se encuentra en las calles y parques de Madrid. En esta serie, compuesta por 40 imágenes, aborda simultáneamente estas dos actividades culturales: crear jardines, narrar cuentos, y sus imágenes encarnan las delicadas tensiones creadas en el espacio y el tiempo.

    En su nuevo proyecto What a big river, está trabajando en las costas del Mediterráneo, cuna de muchas civilizaciones, utilizando el viaje de Ulysses como una guía vaga. El alcance de su trabajo es profundamente político, ya que se basa en la necesidad de explorar cómo los humanos se relacionan con los espacios (tanto culturales como geográficos) que habitan.

    En 2016, fue galardonado con el Bozar Monography Award por Jardin. En 2017, fue nominado y fue parte de .TIFF por el Antwerpen Foto Museum. Su obra forma parte de la prestigiosa colección de la Fundación A Stichting.

    Massao vive y trabaja en Bruselas y es miembro fundador del colectivo de fotógrafos con sede en Bruselas, La Grotte.

    Referencias

    Libros

    • Ramo.
    • Jardin (previsto para julio 2019).

    sábado, 19 de enero de 2019

    Bego Antón

    Bego Antón es una fotógrafa vasca (nacida en 1983 en Bilbao, vive en Barcelona) cuyo trabajo se centra en el comportamiento humano y reflexiona sobre nuestra implicación psicológica y moral con el mundo natural. También muestra particular interés por pequeños grupos con intereses extraños para destripar conceptos como la verdad, la realidad o la fantasía. Utiliza un lenguaje documental con un corte naturalista, en un trabajo que disecciona la antropología y lo social de las personas.

    BegoAnton

    © Bego Antón

    Biografía

    Bego Anton estudió periodismo en la Universidad de País Vasco y se especializó en fotografía documental en Barcelona. Su trabajo fotográfico disecciona el comportamiento humano y reflexiona sobre nuestra implicación psicológica y moral con el mundo natural. También muestra particular interés por pequeños grupos para trabajar sobre conceptos como la verdad, la realidad o la fantasía.

    Su trabajo ha sido publicado en el blog Lens del New York Times, National Geographic, Le Monde, Esquire, CNN Photos y The British Journal of Photography entre otros, habiendo expuesto en FotoWeek DC, en el Museo Guggenheim de Bilbao, en Canal Isabel II de Madrid y en Nueva York, Washington, Suiza, Alemania, Islandia, India, Londres, ...

    Ha sido becada por Vegap, Spain USA Foundation, EEA Grants de la embajada de Noruega en Madrid, la Diputación Foral de Bizkaia y El Instituto Vasco Etxepare. Fue elegida para participar en la Joop Swart Masterclass del World Press Photo en 2014.

    Su trabajo aporta una mirada fresca a la fotografía documental, profundizando en el comportamiento humano desde una mirada superficial hasta un estudio profundo en el que reflexiona sobre la implicación psicológica y moral con el mundo natural, como se puede ver en sus trabajos:

    • Everybody Loves to ChaChaCha, un fantástico documento que nos muestra la relación emocional entre perros y dueños bailarines de los concursos de baile de perros en Norteamérica.
    • Lady Winter. Una residencia en Óslafsfjördur, un remoto pueblo del norte de Islandia le permite una investigación socio-antropológica sobre el comportamiento humano en un contexto donde las condiciones climáticas no son favorables para la vida.
    • Butterfly Days, se centra en un grupo de personas que están interesadas en las mariposas y las polillas en un pequeño pueblo al sur de Inglaterra.
    • The Earth is Only a Little Dust Under Feet (2013-2015), de nuevo en Islandia, un país donde gran parte de sus habitantes cree en seres mágicos como hadas, trolls, elfos, huldufolk, y demás seres míticos. A través de entrevistas con personas que creen en estos seres busca e indaga este tipo de criaturas.
    • Haiek Danak Sorginak (Todas Ellas Brujas) es una recreación visual de la caza de brujas en el País Vasco durante un periodo de 300 años.

    En 2017 Bego fue galardonada con el premio artista revelación de Photo España al artista menor de 35 años residente en España, cuyo trabajo ha destacado en el último año. Realiza talleres de fotografía en EFTI en Madrid e Idep en Barcelona.

    Referencias

    Libros

    viernes, 18 de enero de 2019

    Thomas Kellner

    Thomas Kellner es un fotógrafo alemán (nacido en Bonn en 1966, vive y trabaja en Siegen) cuyo interés principal siempre ha sido la fotografía experimental y conceptual. Experimentó con diferentes procesos, como cámaras estenopeicas, fotogramas, cianotipos, impresiones en papel de sal y otros, mientras buscaba su propia voz visual. En 1997, comenzó a trabajar con negativos, realizando impresiones a partir de hojas de contacto y a componer el trabajo con el rollo de película. Desde entonces ha fotografiado los monumentos más famosos del mundo, creando imágenes que desafían las perspectivas habituales en un juego visual caleidoscópico que muestra la arquitectura de una manera distorsionada.



    Creo que soy más un artista que un fotógrafo. En este momento estoy trabajando en arquitectura, pero no es una fotografía de arquitectura clásica. Hay definiciones en el arte sobre "construcción/deconstrucción" o "collage/decollage", pero no creo que nada de esto se ajuste a lo que estoy haciendo en este momento,. Tal vez mi trabajo esté más cerca del arte conceptual o de la fotografía conceptual. Muchos han dicho que mi fotografía es "muy alemana", y eso podría estar más cerca de la realidad.

    Biografía

    Thomas Kellner estudió arte, sociología, política y economía en la Universidad de Siegen. En 1996 Kodak Alemania le otorgó el Premio Jóvenes Profesionales por lo que se decidió a vivir del arte y la fotografía. Desde 1997, Thomas vive y trabaja como artista visual en Siegen. En 2003 y 2004, fue profesor visitante de fotografía artística en la Universidad de Giessen. Desde 2005, Kellner ha sido invitado regularmente como experto en fotografía por todo el mundo, como los festivales de Brasilia, Houston y Pekín.
    Desde el comienzo de sus estudios, su interés fue la fotografía experimental y conceptual, trabajando con cámaras estenopeicas, fotogramas e impresiones en técnicas alternativas, como el cianotipo, el papel a la sal y otros. Su interés  siempre fue encontrar un lenguaje visual sólido combinado con capas de contenido. Después de un proyecto en la frontera alemana, comenzó a trabajar en monumentos europeos en 1997 utilizando el método de la hoja de contacto y "deconstruyendo la arquitectura como lenguaje visual". Desde 2003, ha trabajado en exteriores e interiores arquitectónicos de todo el mundo. Sus edificios parecen estar separados, bailando y nos recuerdan la vulnerabilidad de nuestros valores y creaciones.
    Sus fotomontajes deconstruyen monumentos arquitectónicos icónicos y paisajes urbanos. Cada fotograma se toma secuencialmente, luego se imprime en el orden exacto de la película (sin cortar/pegar ni manipular digitalmente) antes de cortar las tiras y luego colocarlas juntas. El tamaño de cada montaje de la hoja de contacto final depende de la cantidad de película que use para cada tema: con un rollo de película, los montajes son de solo 20 x 24 cm.
    Thomas ha mostrado su trabajo en exposiciones individuales en Aarhus, Brasilia, Boston, Chicago, Colonia, Giessen, Hamburgo, Londres, Los Ángeles, Múnich, Nueva York, Portland, Siegen y Stuttgart, entre otros lugares.

    Referencias

    Libros

    • Contacts N&B 1997–2005, 2016.
    • Tango Metropolis, 2016.
    • Thomas Kellner, 2016.
    • Black & White, 2016.
    • Kontakt, 2014.
    • Contacts 1997–2013, 2014.
    • genius loci, 2014.
    • Houston we’ve had a problem, 2013.
    • Wir sind von Idealbildern umgeben, 2012.
    • Mexiko, 2011.
    • Thomas Kellner. Brasilia, 2010.
    • Brasília – 50 years of a modern utopia, 2010.
    • FarbWelt 135-36, 2010.
    • Wir sind das Volk!, 2009.
    • All shook up. Thomas Kellner Photographs The Boston Athenaeum, 2008.
    • Dancing walls 2003–2006, 2007.
    • Tango Metropolis, 2005.
    • Ozymandias, 2003.
    • Thomas Kellner – interactive (CD-Rom), 2003.
    • Monumente, 2001.
    • 11-Loch-Arbeiten, 2000.
    • Deutschland. Blick nach Draußen, 1998.