jueves, 14 de noviembre de 2019

Björn Lofterud

Björn Lofterud es un fotógrafo sueco (vive en Estocolmo) que realiza principalmente fotografía de arquitectura.


© Björn Lofterud
© Björn Lofterud



Biografía

Björn Lofterud es un fotógrafo sueco especializado en fotografía simple pero hermosa. Algunos de sus mejores trabajos están realizados al atardecer o al amanecer, ya que es especialmente bueno en la manipulación de la luz solar y los niveles de luz en sus fotografías.

Comenzó en la fotografía a principios de los años 80 realizando retratos y paisajes. A finales de los años 90 empezó a dedicarse profesionalmente a ella. Lofterud tiene un portafolio diverso que va desde la fotografía de alimentos a la fotografía de interiores, pasando por los objetos y su favorita, la fotografía de arquitectura.

Trabaja para empresas de publicidad y directamente también para marcas, en campañas como las de Absolut, Budweiser y Ever-clear. Su estilo simplista le permite obtener imágenes llamativas con mensajes y motivos fáciles de entender. La naturaleza muerta es otra área en la que es especialista gracias a su capacidad para fotografiar artículos básicos de una manera elegante y emocionante.



Referencias

martes, 12 de noviembre de 2019

Maureen Bisilliat

Maureen Bisilliat es una fotógrafa brasileña (nacida el 16 de febrero de 1931 en Englefield Green, Surrey, Inglaterra) que ha construido una sólida investigación fotográfica del alma brasileña desde la década de los 50. Su mirada extranjera impregnada con un profundo respeto por la gente que documentaba (sertanejos e indios sobre todo) y una investigación apoyada conceptualmente en antropología y en las grandes obras de la literatura brasileña son las bases de su obra, junto con sus estudios y trabajos de pintura que le dejaron una fascinación expresionista por el claroscuro.


Torso Treated as a Grecian Frieze, 1971 © Maureen Bisilliat
Torso Treated as a Grecian Frieze, 1971 © Maureen Bisilliat


Brasil era una búsqueda de las raíces que yo no tenía de niña. Nací en Inglaterra, sí, pero vivía en muchos lugares. Mi padre era diplomático, lo que me obligó a vivir una especie de vida camaleónica. El destino me ató a Brasil. Fue una estancia deliberada.


Biografía

Sheila Maureen Bisilliat nació en Inglaterra, hija de pintora inglesa y diplomático argentino y viajó intensamente (Inglaterra, Estados Unidos, Dinamarca, Colombia, Argentina y Suiza) cuando era niña, lo que más tarde la llevó a buscar las raíces que han  caracterizado su trabajo. Llegó por primera vez a Brasil en 1952 acompañada por su primer marido, el fotógrafo español José Antonio Carbonell. Inició sus estudios en artes plásticas con André Lhote en París en 1955 y en el Art Students' League con Morris Kantor en Nueva York en 1957, tras lo que se estableció en Sao Paulo, y se naturalizó brasileña en 1963.

Sintiendo la necesidad de un contacto más directo con la realidad aparente, llegó de la pintura a la fotografía en 1962. Trabajó como fotoperiodista para la Editora Abril, entre 1964 y 1972, en la revista Quatro Rodas y especialmente en la desaparecida revista Realidade. Diez años de fotoperiodismo que le dieron la posibilidad de viajar constantemente a las regiones más lejanas del país y le permitieron la elaboración de un proyecto en el que traza equivalencias fotográficas de los mundos retratados por los escritores Euclides da Cunha, João Guimarães Rosa, Jorge Amado, João Cabral de Melo Neto, Mário de Andrade y Adélia Prado plasmados en libros.

De 1972 a 1977 viajó con frecuencia al Xingu y, en 1979 publicó junto con con los hermanos Villas Boas el libro Xingu. Território Tribal, publicado en cinco idiomas, y del que se derivó una instalación en la XIII Bienal de São Paulo que consiguió el  Premio de la Crítica en 1975, y Xingu/Terra (1982), un largometraje documental filmado por Lúcio Kodato, que abrió en 1982 el Margaret Mead Film Festival en el Museo de Historia Natural de Nueva York.

Ha obtenido las becas John Simon Guggenheim Foundation (1970), Conselho Nacional de Desenvolvimento Científico e Tecnológico CNPq (1981-87), de la Fundação de Amparo à Pesquisa do Estado de São Paulo FAPESP (1984-87) y de la Fundación Japón (1987).

Junto a su 2º marido, Jacques Bisilliat, y su socio, el arquitecto Antônio Marcos Silva, creó O Bode Galeria de Arte Popular (1972 a 1992). Durante este período, viajó por Brasil en busca de obras de artistas y artesanos populares, para componer la colección de la galería. Esa experiencia práctica y vivencial motivó su invitación a la creación del Acervo de Arte Popular Latinoamericano, del que nació el Pabellón de la Creatividad del Memorial de América Latina, inaugurado en 1989, del que fue directora desde su creación.

En 2003 el Instituto Moreira Salles adquirió su archivo fotográfico, con más de 16.000 imágenes, incluyendo fotografías, negativos en blanco y negro y tarjetas de colores, en formatos de 35mm y 6x6cm, publicando, en octubre de 2009, el libro Fotografías / Maureen Bisilliat y organizando la exposición de su trabajo. Una iniciativa que ha reavivado el interés por su fotografía, hasta entonces olvidada en los armarios del tiempo. Los premios Porto Seguro de Fotografía, la Orden de Ipiranga, la Orden del Mérito Cultural y la Orden de la Defensa, todos ellos en 2010, señalan la repercusión positiva de este redescubrimiento.


Referencias




Libros

  • A João Guimarães Rosa, 1969.
  • A Visita, 1977.
  • Xingu: Detalhes de uma Cultura, 1978.
  • Xingu: Território Tribal, 1979.
  • Sertões, Luz e Trevas, 1982.
  • O Cão sem Plumas, 1983.
  • Terras do Rio São Francisco, 1985.
  • Chorinho Doce (con poemas de Adélia Prado), 1995.
  • Bahia Amada Amado (con textos de Jorge Amado), 1996.
  • Fotografías / Maureen Bisilliat, 2009.

domingo, 10 de noviembre de 2019

Rossano Ronci

Rossano Ronci es un fotógrafo italiano (nacido en 1970 en Rimini) que ha explorado temas narrativos en todas las áreas, desde la fotografía industrial y arquitectónica hasta la moda y el retrato, en el que su hábil uso de la luz y el contraste le ha permitido expresar el lado más íntimo de las figuras populares que ha retratado.


© Rossano Ronci
© Rossano Ronci



Biografía

Rossano Ronci estudió arte comercial en la Escuela del Libro de Urbino, comenzando su carrera como fotógrafo cuando tenía quince años. Después de trabajar como asistente en un estudio de fotógrafo especializado en diseño de interiores, comenzó sus actividades artísticas y profesionales como freelance.

A los dieciocho años estableció una importante relación con Montanari Navigazioni, propietaria de petroleros y gaseros, que ofrecía la posibilidad de crear un gran portafolio de fotografías; de esta experiencia surgió más tarde la oportunidad de fotografiar arquitectura para las principales empresas de construcción y estudios de diseño. Ha producido imágenes para arquitectos destacados como Vincenzo De Cotis, Norman Foster (WTC RSM), Zaha Hadid (MAXXI, Roma, Italia), Giancarlo De Carlo (Nuevo Palacio de Justicia, Pesaro), Gino Valle (Deutsch Bank, BiCocco) y Marg von Gerkan (Fiera di Rimini y Palacongressi, Rímini).

En 2000 se acercó a la fotografía de moda, trabajando en campañas publicitarias y editoriales para varias revistas italianas y extranjeras. Trabajó de 2001 a 2007 como fotógrafo en Condé Nast (Vogue y AD), y en 2013 en Men’s Vogue.

Desde 2005 ha producido notables libros de fotografía de retratos con editoriales como Skira y Electa Mondadori. Sus retratos de celebridades italianas como Fiorello, Arbore y Boncompagni, y figuras deportivas como Valentino Rossi, Zoff, Agostini, Rivera, Totti y Buffon, revelan una humanidad e intimidad absolutamente sin precedentes. Su hábil uso de la luz y el contraste le ha permitido expresar su lado más íntimo, dando una visión más límite de estas figuras populares.

En 2008 la editorial milanesa L'Archivolto creó una monografía sobre su obra, un camino creativo que ha explorado temas narrativos en todas las áreas, desde la fotografía industrial y arquitectónica hasta la moda y el retrato. Imparte talleres de fotografía de retrato y de arquitectura.


Referencias



Libros

viernes, 8 de noviembre de 2019

Michael David Adams

Michael David Adams es un fotógrafo estadounidense (nacido en Northeast, vive en Ciudad de Nueva York) que realiza fotografía de moda y belleza y de viajes. Especialista en la fotografía subacuática, emplea este entorno complicado para conseguir una estética visual intrínseca a cada colección y proyecto, ya sea de publicidad, retratos, moda o, incluso, belleza.

Fire in the sky © Michael David Adams
Fire in the sky © Michael David Adams


Mi esperanza es que con la emoción que pongo en las imágenes que creo, ese mismo impacto de la emoción se transfiera al espectador de las imágenes, y que esas imágenes consigan una impresión duradera.


Biografía

Michael David Adams descubrió la fotografía después de años de dibujo y pintura en su juventud y de numerosas exposiciones en galerías de pinturas. Posteriormente, la fotografía que comenzó de niño con una Kodak Instamatic X-15F con muy buena mano, tomó el relevo como su medio de expresión artística. Tuvo la suerte de pasar tiempo en el cuarto oscuro tocando el procesado físico de la película, lo que hizo que la fotografía fuera más tangible para él y que los conceptos de manipular tu trabajo fueran una experiencia física.

Siempre ha estado muy sintonizado para la experimentación, llevando más lejos lo que la cámara y el proceso de impresión clásico pueden lograr, mediante la manipulación física del papel o mediante el uso de múltiples ampliadoras para lograr una composición fotográfica que no podría existir de otra manera.

El éxito de su fotografía artística le llevó enseguida a hacer fotografía de moda y belleza y al trabajo publicitario en general, trasladándose de Pensilvania a Nueva York dedicándose a la fotografía ya a tiempo completo y comenzó enseguida a producir trabajos que fueron portadas de revistas, siendo contratado por las mejores revistas y clientes de publicidad de todo el mundo.

Su mujer Viktorija es nativa de la costa de Croacia y en un viaje allí, Adams aprendió a bucear y fotografía subacuática., en la que se ha convertido en un auténtico especialista dentro del mundo de la moda y belleza.

Hoy en día, tiene su sede en Nueva York, pero también se le puede encontrar en todo el mundo buscando localizaciones para sus próximas sesiones, desde París a Croacia, pasando por Venecia, Londres y muchos más lugares, o sumergido fotografiando su siguiente serie subacuática.

Su trabajo ha sido publicado en portadas de revistas de todo el mundo como Vogue Girl Korea, Vogue Nippon, Vanity Fair Italy, y otras ediciones internacionales y locales de Glamour, Elle, Harper's Bazaar, Marie Claire, Marie Claire Beauty, Gotham, Qvest, SOMA, MUSE, Cosmopolitan, Vision, y muchas otras.


Referencias

miércoles, 6 de noviembre de 2019

Nobuyuki Kobayashi

Nobuyuki Kobayashi es un fotógrafo japonés (nacido en 1970 en la ciudad de Yokoze, prefectura de Saitama) que trabaja en cámara de gran formato e imprime paisajes naturales utilizando platinotipia sobre papel Hosokawa Kozo Washi, un papel que sigue produciéndose hoy como hace más de mil años.

© Nobuyuki Kobayashi
© Nobuyuki Kobayashi


Desde la antigüedad, los japoneses han construido su cultura y valores a través de la naturaleza. El rápido crecimiento económico nos ha hecho perder la fe en ella y en los miles de dioses que habitan en todas las cosas. La costumbre de que el agua es una fuente de vida, y los dioses habitan montañas, rocas y árboles, está casi olvidada ahora.
Al redescubrir esos dioses en los paisajes que están frente a mí, ahora renacen como trabajo. Por eso continúo capturándolos. Porque creo que esto debería ser contado y transmitido a la siguiente generación para que pueda compartir un sentimiento similar al mío.


Biografía

Nobuyuki Kobayashi se graduó en la Escuela de Fotografía de Tokio, trabajando para una compañía especializada en publicación y edición y después, en 1993, comenzó a trabajar como fotógrafo freelance haciendo principalmente retratos y fotografías de moda para anuncios y revistas.

En 2001 se fue a Nueva York para estudiar los fundamentos de la fotografía artística y aprender habilidades de impresión alternativas, como la impresión en platino-paladio que utiliza con el papel Hosokawa con lo que logra crear un ambiente elegante y único en sus obras.  Con esta técnica especial espera que sus copias duren miles de años y que puedan coexistir con una naturaleza abundante como la que captura en sus imágenes.

Para él, los dioses se encuentran en la naturaleza. Como se enseña en la religión más antigua de Japón, el sintoísmo, la naturaleza es lo más sagrado. Por eso, sus imágenes de ríos, árboles, piedras y otros objetos de la naturaleza son representaciones de los mismos dioses.

Desde 2005 ha tenido la oportunidad de presentar su trabajo en varios países europeos, incluido España (Portrait of Nature, una cuidada muestra de quince platinotipias de tamaño 50×60 cm.), así como en Taiwán, con gran éxito de público. En 2008 estableció su empresa Zenne estudio, Inc. para la distribución y venta de su obra.

El platino-paladio se considera la más noble forma de impresión fotográfica porque ofrece una riqueza de tonos grises superior a cualquier otra técnica además de estimarse una longevidad de algo más de mil años. En la actualidad, Kobayashi es  uno de los máximos exponentes de la platinotipia a nivel mundial.  Y como parte de su compromiso para inmortalizar la naturaleza para generaciones venideras, sigue empleando materiales ancestrales como es el papel Hosokawa, cuya fabricación ha sido declarada patrimonio inmaterial de la humanidad por la UNESCO.

En los siguientes días después de la publicación de este artículo, se inaugurará en la galería Sway de Londres una exposición en la que Kobayashi reintroduce el sentido japonés de la belleza y la conexión con la naturaleza a través de la nueva serie de obras maestras de fotografía.




Referencias


Libros




lunes, 4 de noviembre de 2019

Corina Arranz

Corina Arranz es una fotógrafa española (nacida en 1961 en Vallelado, Segovia, vive en Madrid) cuyo trabajo como fotógrafa de temas de actualidad es en parte responsable de la visión comprometida que imprime a sus proyectos (principalmente flujos migratorios conflictivos) y a su forma de abordar la fotografía, de la que se desprende una voluntad de narración visual.


© Corina Arranz
© Corina Arranz


Biografía

Corina Arranz estudió fotografía en la School of Visual Arts y el International Center of Photography en Nueva York y  completó su formación con un máster en Fotografía Documental y Narración en la escuela EFTI de Madrid y un máster en Artes Visuales, Fotografía y Proyecto Creativo en la Universidad Miguel Hernández de Elche (Alicante).

Tras hacer fotografías en 1997 en Ecuador para el Proyecto Pro-Andes de Unicef, se instaló en Nueva York entre 1999 y 2005, comenzando a colaborar de manera fija para ABC desde esta ciudad y la sede central de las Naciones Unidas. Esta colaboración llega hasta la actualidad, con trabajos para el diario y su suplemento cultural.

También ha publicado en periódicos como International Herald Tribune, El Mundo, Reforma y Hora Cero, así como en las revistas The Lancent, Conde Nast Traveler, Descubrir el Arte, Tiempo, Cuaderno de Estilo y Emociones.

Interesada por los flujos migratorios conflictivos, en 2005 desarrolló junto al periodista Alfonso Armada el proyecto documental Desde la frontera, para el cual recorrió y retrató de costa a costa los más de 3.000 kilómetros de frontera que separan EEUU y México. Las crónicas y las fotos se publicaron cada día durante el mes de agosto en el diario ABC.

Esta exposición, Fronteras a la esperanza, fue inaugurada en 2007 durante las Jornadas sobre Derechos Humanos e Inmigración de Motril y el Centro de Estudios Árabes de la Universidad de Granada. También este año, el Instituto Cervantes de Madrid acogió su serie Desde la frontera, que entre dicho año y 2012 itineró por las sedes del Instituto Cervantes en Rabat, Tánger, Tetuán y Lisboa.


Referencias



Libros

  • España, de sol a sol (con Alfonso Armada), 2001.
  • El rumor de la frontera, 2006.
  • Ars Itineris (varios), 2010.
  • Mar Atlántico. Diario de una travesía (con Alfonso Armada), 2012.
  • Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI (varios), 2013.
  • Corina Arranz. Desde la frontera (catálogo), 2017.
  • Por Carreteras Secundarias (con Alfonso Armada), 2018.

sábado, 2 de noviembre de 2019

Martin Amis

Martin Amis es un fotógrafo británico que realiza fotografía de calle y que es principalmente reconocido por haber documentado el mundo peculiar y colorido, lleno de dramas y sueños, de los apostantes en las carreras de caballos del Reino Unido.


© Martin Amis
© Martin Amis

Tengo recuerdos particularmente cariñosos de los días en que mi padre me llevaba con él a las carreras. Me encantaba ver la carrera y los caballos, pero me encantaba aún más ver el abigarrado elenco de personajes apostando por ellos. El hedor de la cerveza y el tabaco llenaba el aire mientras los cánticos de las casas de apuestas de las últimas cuotas atravesaban las animadas conversaciones de los jugadores. Más tarde, cuando empecé como fotógrafo, era un tema obvio para explorar donde me sentía muy cómodo.



Biografía

Martin Amis es un fotógrafo de calle, cuyo trabajo fotográfico ha sido publicado en diversas publicaciones, y ha sido premiado en “Hey, HotShot!” , PDN Photo Annual y Flash Forward de la Fundación Magenta. En 2006, estableció el principal centro de venta de photobooks en línea, Photobookstore.co.uk que supervisa personalmente.

Desde una edad bastante temprana, tiene recuerdos de su padre apostando en carreras de caballos; ya sea en televisión o en las carreras, ver carreras de caballos fue parte de su infancia. Las carreras eran un asunto animado, con un mar de rostros que expresaban cada emoción bajo el sol. Intensas conversaciones venían de todos los lados, ya fueran los apostadores discutiendo la oportunidad de su caballo o el canto constante de la casa de apuestas del último momento.

Aún recuerda a su padre explicando la gran cantidad de jerga asociada con las apuestas en las carreras: las probabilidades, el argot y los misteriosos hombres tic-tac que transmitirían movimientos del mercado entre las casas de apuestas mucho antes de los días en que todo estaba informatizado.

Así que fue natural que Amis, un fotógrafo de calle, en 2005, cuando regresó a las carreras como un adulto comenzara a realizar una larga investigación de 13 años sobre este mundo en su proyecto The Gamblers, documentando a los apostadores de los hipódromos del sur de Inglaterra, capturando una comunidad animada, diversa y vibrante, en un retrato íntimo, capturando perfectamente los altibajos de ganar y perder en tomas cuidadosamente construidas pero francas. Viajando a través del sur de Inglaterra a Bath, Brighton, Cheltenham, Epsom, Plumpton, Sandown Park y Windsor, Amis se encontró con personas de todos los ámbitos de la vida, capturando personalidades peculiares y emociones intensas.



Referencias




Libros

  • The Gamblers, 2018.

jueves, 31 de octubre de 2019

Julio López Saguar

Julio López Saguar es un fotógrafo español (nacido en Madrid en 1954, vive en Alcorcón) cuyo trabajo fotográfico es un reflejo de lo que vive. Vive en las afueras de Madrid y durante años ha atravesado  esta ciudad en transporte público de punta a punta. Inspirado por el mundo urbano, la ciudad y sus habitantes, siempre está pendiente de todo lo que se mueve a su alrededor y ve, escucha y, a veces, fotografía.


© Julio López Saguar
© Julio López Saguar


Biografía

Julio López Saguar ha sido realizador de spots publicitarios desde los 20 años y ha trabajado hasta su jubilación en una de las compañías más importantes del país. De formación autodidacta, su primer contacto con la fotografía fue a los 15 años con una cámara Werlisa Color. Con 19 estaba ansioso por aprender, pero no tenía medios, ni cámara, ni conocía a nadie que fotografiara. Así que la única solución fue un curso por correspondencia. En 1975 compró su primera réflex, una Yashica TL electro X, que aún conserva y también montó un laboratorio improvisado.

Enamorado del formato 1:1 se compró una Yashica Mat 124 y comenzó a interactuar con miembros de la Real Sociedad Fotográfica de Madrid, de la que ha sido socio más de 25 años, enriqueciendo su técnica y cambiando la forma de mirar.  En 1990 finalmente consiguió  la  cámara de sus sueños, una Hasselblad, utilizando casi exclusivamente blanco y negro como medio. A principios de los 90 comenzó a fotografiar exclusivamente en color y ya en 2003 cruzó la frontera pasándose al digital de una manera natural.

Como fotógrafo tiene una mirada privilegiada que le permite seleccionar una pequeña parte de la realidad para transmitirnos una idea. Su obra es irónica, directa, conceptual y utiliza las metáforas con maestría. No manipula la realidad, sólo nos muestra aquello que se ajusta a la idea que quiere transmitir.

En su ya larga trayectoria ha ganado más de 400 premios nacionales e internacionales, publicando sus fotos en libros, catálogos, revistas (La Fotografía, Metaphore, Pozytyw Foto, ÑShots, Photo, Diorama, Foto Profesional, …) y sitios web. También ha realizado numerosas exposiciones y su obra forma parte de diversas colecciones públicas y privadas como las de La Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, el I.V.A.M. de Valencia, Colección Gabriel Cualladó, Museo de Brescia, …


Referencias



Libros

martes, 29 de octubre de 2019

Marisa Culatto

Marisa Culatto se define más como artista que como fotógrafa, ya que sus procesos y forma de trabajo no coinciden cómodamente con la idea tradicional del medio fotográfico. Nacida en 1964 en Gran Canaria, vive y trabaja en Hertford, Reino Unido.


Honest Landscape 15, 2018 © Marisa Culatto

Honest Landscape 15, 2018 © Marisa Culatto


Biografía

Marisa Culatto tuvo su primera cámara, una compacta, con 11 años, y con 18, se hizo con su primera réflex y asistió a unos talleres de fotografía impartidos por el fotógrafo canario Fachico Rojas Fariña. Aprendió fotografía analógica en Gran Canaria y Barcelona, pero fue el encuentro con la fotografía digital lo que consolidó su práctica artística, ya que le interesa traspasar – desdibujar – los límites del lenguaje tradicional fotográfico.

Su práctica se apoya en las restricciones, el entorno doméstico y los rituales de cada día. También le interesa el concepto de la realidad como hipótesis, por lo que su trabajo a menudo contiene contradicciones, percepciones equívocas y una cierta ambigüedad visual. Y dada su ambivalente relación con el medio fotográfico, éste es un recurrente tema de investigación para ella. 

Culatto ha expuesto sus trabajos mayoritariamente en España y el Reino Unido en exposiciones en grupo y en solitario. En 2011 obtuvo la beca AlNorte dentro de la X Semana Nacional de Arte Contemporáneo de Asturias. Fue finalista en el Premio VIA (Londres) en 2017 y en 2015 en el premio Talentos Contemporáneos de la Fondation François Schneider en Francia, y Mención Especial del Jurado en el XXI Premio de Fotografía Rafael Ramos García en Tenerife en 2016. Recientemente su obra ha sido adquirida para la colección Soho House.




Referencias


domingo, 27 de octubre de 2019

Alessandro Rocchi

Alessandro Rocchi es un fotógrafo italiano (nacido en 1974 en Pesaro, donde vive y trabaja) interesado en los documentales y viajes y en la fotografía callejera.


© Alessandro Rocchi
© Alessandro Rocchi


Biografía

Alessandro Rocchi nació en Pesaro, una pequeña ciudad en la costa adriática de Italia. Empezó a hacer fotografías cuando era niño y sus padres le compraron una cámara automática de película. Estudió economía y decidió dedicarse también a la fotografía, estudiándola con el fotógrafo italiano Rossano Ronci. Fue seleccionado para una clase magistral con Jonas Bendiksen de la Agencia Magnum. Sigue a autores como Martin Parr, Chris Killipt, Martin Kollar y Philiph Lorca diCorcia.

A la hora de disparar su cámara, es su fascinación por las personas y la forma en que viven sus vidas el elemento clave. Simplemente mira a la gente y a veces la gente le da una razón para capturar ese momento. Ama a las personas mientras están pensando o trabajando, o simplemente viviendo su vida. Encuentra la inspiración escaneando la calle todo el tiempo mientras está caminando, buscando momentos interesantes, caras expresivas y situaciones. Viaja cada vez que le es posible.

Colabora con OffSet como artista destacado y su trabajo ha aparecido publicado en diversas publicaciones en línea.


Referencias

viernes, 25 de octubre de 2019

Ferry André de la Porte

Ferry André de la Porte es un fotógrafo holandés (nacido el 26 de enero de 1950 en Ámsterdam, donde vive y trabaja). Su estilo es clásico, preferiblemente en blanco y negro y con una Hasselblad con una lente estándar de 80 mm. No le gusta la manipulación y básicamente usa todo el negativo.


Marion Peters © Ferry André de la Porte

Marion Peters © Ferry André de la Porte




Biografía

Leonard Louis Ferdinand (Ferry) André de la Porte es nieto de banquero y artista surrealista. Con 15 años tenía su laboratorio en un ático. Después de estudiar fotografía, fue asistente del fotógrafo pop Gijsbert Hanekroot. En Nueva York, se hizo amigo del artista visual del grupo Zero Jan Henderikse y del famoso fotógrafo de publicidad Ryszard Horowitz.
  
De vuelta en los Países Bajos, trabajó con el fotógrafo Philip Mechanicus, quien lo llamó su “aprendiz de hechicero” y con quien compartía su visión de la fotografía. Su colaboración dio lugar a una amistad que duró diecisiete años.
  
Además de Mechanicus, fue influenciado también por el diseñador gráfico Pieter Brattinga, que fue uno de sus principales directores durante más de un cuarto de siglo y con quien realizó entre 1978 y 1988 una serie de carteles para el Museo Kr'ller-Méller, que le proporcionaron una nueva forma de mirar. Gracias a Brattinga también André de la Porte se convirtió en el fotógrafo permanente de Dick Bruna y la compañía Mercis-Bruna.
  
Como freelance, Ferry ha sido principalmente activo en el campo de la fotografía periodística, la reproducción y la fotografía de productos, los informes corporativos y la fotografía de retratos. Fotografió para De Tijd, Hollands Diep, Skoop en Quote. También ha fotografiado conciertos pop, fotografías de largometrajes holandeses, retratos de escritores, pintores y artistas visuales, proporcionando fotografías para docenas de catálogos y carteles, portadas de libros y cds.
  
Sin embargo, gran parte de su obra es personal. Con su compañera, la historiadora Marion Peters viajó a Asia, donde capturó la herencia holandesa en la India en la época de la United East Indies Company. Esto dio lugar a una exposición para el Rijksmuseum y el libro In steen geschreven (2002), por el que ambos recibieron el galardón Van linschotenprijs en 2003. Su interés por los monumentos funerarios ya había apareció en 2000 con su trabajo Alleen de dood is tussen u en mij.
  
Su obra forma parte de las colecciones de los museos Foam Fotografiemuseum Amsterdam, Museum of Modern Art (MoMa) de Nueva York, Prentenkabinet Universiteit Leiden, Rijksmuseum Amsterdam y Stedelijk Museum de  Ámsterdam. Su archivo consiste aproximadamente en unos 80.000 negativos en blanco y negro y una cantidad desconocida de materiales en color, copias en blanco y negro y diapositivas en color.


Referencias




Libros

  • Een foto van niets. Overpeinzingen bij het werk van Ferry André de la Porte, 1981.
  • Ferry André de la Porte, 1981.
  • Dick Bruna 60 jaar, 1987.
  • Kook Kunst in Nederland: Unieke Recepten med Nederlandse Produkten, con Philip Mechanicus, 1987.
  • Oscar van Alphen, Ferry André de la Porte en Nick Sinclair: Oog voor Kunst, 1988.
  • De activiteiten van/The activities of Pieter Brattinga, 1988.
  • Fotolexicon: Geschiedenis van de Nederlandse Fotografie 32, 1999.
  • In steen geschreven, 2002.






miércoles, 23 de octubre de 2019

Andrés César

Andrés César es un fotógrafo español (nacido el 15 de febrero de 1960 en Almería, vive en Las Palmas de Gran Canaria) que realiza fotografía de calle.


© Andrés Cesar
© Andrés Cesar

Cuando empecé prefería el blanco y negro, hasta que llegaron los carnavales y fue aquí donde empezó este proyecto (Coloreando) que es también un juego de palabras.

En mi opinión, fotografiar es poner el ojo, el humor y la ironía en un mismo eje.


Biografía

Andrés César nació en Almería, pero lleva más de 30 años en Canarias por trabajo. Por motivos de salud tuvo que dejar de trabajar así que, mientras se recuperaba, se dedicó a dar paseos por la playa y comenzó a ver la vida de otra manera y observar todo lo que pasaba a su alrededor. En 2014, primero con el móvil y después con una pequeña cámara de fotos empezó a inmortalizar esos momentos y esto fue su mejor terapia.

Vive en una ciudad con una gran playa urbana, Las Canteras, y fantásticos carnavales, y le gusta mostrar en sus fotos la vida de la gente en la calle y en estos dos ambientes. La fotografía ha liberado su creatividad, intuición y curiosidad como si siguiera siendo un niño.

Algunas de sus obras han sido expuestas a nivel local y mundial, al ser seleccionadas para exposiciones en París, Berlín, Bucarest, Calcuta e Israel. También ha sido finalista del Concurso SIPA de Siena en 2017 con una de sus imágenes en la categoría de fotografía monocroma, varias menciones en National Geographic, y ganador del reciente concurso de fotografía callejera patrocinado por Pentax-Ricoh-España y Portugal en Instagram en 2019, entre otros.


Referencias

lunes, 21 de octubre de 2019

Ryszard Horowitz

Ryszard Horowitz es un fotógrafo estadounidense (nacido el 5 de mayo de 1939 en Cracovia, Polonia, vive y trabaja en Nueva York) reconocido como un pionero de la fotografía de efectos especiales anterior a la imagen digital.


© Ryszard Horowitz

© Ryszard Horowitz


Contemplando la definición de mi arte, creo que es una combinación de surrealismo de Galitzia y locura americana. Tuve la suerte de no perder el contacto con mis raíces. Fui bien educado en Polonia y tenía una sólida formación que me permitió encontrar mi propio lugar en Estados Unidos. La colisión de ambos mundos forjó mi estilo de trabajo.


Biografía

Ryszard Horowitz nació en Cracovia, Polonia, en el seno de una familia judía, unos meses antes de que Alemania invadiera su país. Los nazis les enviaron a diversos campos de concentración. Milagrosamente sobrevivieron, Ryszard fue uno de los de la lista de Schindler y su madre lo encontró con 5 años en un orfanato gracias a una fotografía en un documental ruso. Al final de la guerra se encontraban entre las pocas familias judías que fueron capaces de restablecer sus vidas en Cracovia. Ryszard es uno de los supervivientes más jóvenes conocidos de Auschwitz.

Comenzó a hacer fotos con 14 años. Durante un breve período de tiempo en su infancia creció junto a Roman Polaski con quien hizo su primera ampliación fotográfica. Estudió arte en la Escuela Superior de Bellas Artes de Cracovia y luego se especializó en pintura en la Academia de Bellas Artes de su ciudad natal. En 1956, durante un breve deshielo político y cultural en Polonia, el gobierno otorgó subsidios para fomentar nuevas y originales formas de arte y Cracovia surgió repentinamente como un centro de jazz de vanguardia, pintura, teatro y cine. Ryszard, que tenía diecisiete años en ese momento y tocaba el clarinete en un grupo de jazz, aprovechó al máximo estar en el centro de la acción y, quedó fascinado con la fotografía estadounidense. Él mismo foto-documentó el nacimiento de jazz polaco y en 1958 fotografió a leyendas del jazz como Dave Brubeck, Louis Armstrong, Count Basie, Duke Ellington y Sonny Rollins en el Newport Jazz Festival.

En 1959, finalmente logró su ambición de emigrar a los Estados Unidos y se matriculó en el famoso Pratt Institute de Nueva York. Mientras todavía era estudiante allí, consiguió una beca para ser aprendiz de Alexey Brodovitch, una de las figuras más influyentes en el mundo del diseño editorial y la fotografía de la época. También trabajó como asistente de Richard Avedon en 1963, incluyendo en su famosa sesión de retratos con Salvador Dalí. Después de graduarse en 1963, trabajó para varias compañías de cine y diseño y como director artístico de Grey Advertising.

En noviembre de 1967 abrió su propio estudio de fotografía, desarrollando una exitosa carrera en fotografía tanto artística como comercial, pero es principalmente conocido por crear complejos compuestos fotográficos, que han sido comparados con las obras surrealistas de Magritte y Dalí. Al principio de su carrera, para obtener tales efectos utilizó una multitud de técnicas fotográficas como retoques de cuarto oscuro, múltiples exposiciones cinematográficas y manipulación de su cámara. La fotografía ha sido y es su carrera y pasión de toda la vida.

Su trabajo ha sido exhibido, publicado y recogido en todo el mundo y Ryszard ha sido galardonado con todos los grandes galardones que se pueden otorgar a un fotógrafo, incluyendo Gloria Artis Medalla de Oro al mérito a la cultura otorgada por el ministerio de cultura de Polonia y Doctor Honoris Causa otorgado por la Academia de Bellas Artes de Varsovia, y la Academia de Bellas Artes de Breslavia.


Referencias



Libros

sábado, 19 de octubre de 2019

Dmitriy Krakovich

Dmitriy Krakovich es un fotógrafo ucraniano (nacido en Kiev, vive entre Kiev y Brooklyn, Nueva York) cuyos principales puntos de interés son el retrato psicológico, la fotografía artística  y proyectos conceptuales.

© Dmitriy Krakovich

© Dmitriy Krakovich

La fotografía para mí es una especie de investigación. Estoy investigando una personalidad y un mundo interior de una persona frente a la cámara como en el psicoanálisis. Mientras estoy creando una imagen que puede producir algunos sentimientos específicos y reacciones en un observador también. Además de eso, también estoy muy interesado en poner en discusión temas sociales y éticos, por lo que trabajo en series que representan estos de alguna manera indirecta y artística mediante el uso de escenas absurdas y surrealistas. En mi trabajo me encanta usar el mundo emocional de los modelos y la atracción del cuerpo humano, tanto la belleza como la vulnerabilidad del mismo.



Biografía

Dmitriy Krakovich estudió Construcción de Equipos Electrónicos, luego se graduó de la Universidad Nacional Taras Shevchenko de Kiev con un master en Sociología. Trabajó como investigador para varias agencias sociológicas hasta que se trasladó a Nueva York, donde trabajó como periodista, diseñador gráfico, investigador de mercado para periódicos y canales de televisión, y se ofreció como voluntario en el cine de rodaje. Estudió Teatro, Cine y Fotografía en el Hunter College de Nueva York.

Sus principales intereses en la fotografía son el retrato psicológico, la fotografía artística y proyectos conceptuales. Dmitriy considera su fotografía un trabajo de investigación, estudiando la personalidad, el mundo interior, las emociones profundas de una persona. El retrato es uno de sus géneros favoritos. También está interesado en cuestiones sociales y éticas, y desarrolla series que representan esto de manera artística e indirecta mediante el uso de imágenes surrealistas o absurdas. Le encanta utilizar el mundo emocional de las modelos y la atracción del cuerpo humano, tanto la belleza como la vulnerabilidad del mismo.

Ha expuesto tanto individual como colectivamente, ha publicado sus fotografías en Estados Unidos, Canadá, México, Austria y Ucrania. Ha impartido conferencias sobre fotografía para el Instituto de Periodismo de Kiev en la Universidad Nacional Taras Shevchenko, y actualmente dirige clases magistrales para fotógrafos. Es, también, comisario del Festival del Photobook de Kiev.



Referencias

viernes, 18 de octubre de 2019

Chema Alvargonzalez

Chema Alvargonzalez fue un artista español (nacido el 4 de enero de 1960 en Jerez de la Frontera, Cádiz, fallecido el 18 de octubre de 2009 en Berlín) cuya obra, de marcado carácter conceptual, abarca diversas disciplinas destacando la fotografía, las instalaciones y la escultura. Los espacios urbanos y el papel del hombre en la sociedad actual fueron sus preocupaciones fundamentales a partir de las cuáles experimentó con la luz (natural o artificial), en intervenciones en edificios, instalaciones con neones y cajas de luz.


© Chema Alvargonzález All rights reserved to Memoria Artística Chema Alvargonzález

© Chema Alvargonzalez All rights reserved to Memoria Artística Chema Alvargonzalez



Biografía

Chema Alvargonzalez estudió el curso Procesos de las imágenes contemporánea y de pintura y multimedia en la Escola Massana de Barcelona y más tarde el Master of Fine Arts and Multimedia en la Hochschole Der Künste de Berlín, donde fue alumno de la artista Rebecca Horn.

Su vida artística se dividió entre Berlín y Barcelona. Sus exposiciones individuales comenzaron en 1985 con El televisor prosecleptico y pinturas en Valencia, exponiendo regularmente en las galerías Carles Taché de Barcelona, Oliva Arauna en Madrid, Artinprogress en Berlín, y en diversas ciudades de España, Alemania, Inglaterra y Brasil. También ha participado en numerosas exposiciones colectivas tanto en España como en el extranjero.

Cronista de espacios inhabitados, memoria histórica o crítica de la sociedad contemporánea, sus fotografías plasmaban ciudades aparentemente fantásticas, repletas de sugerencias visuales y dotadas de un trasfondo comprometido y comprometedor. En 1997 recibió el Premio Fomento a las Artes de Münster y en 1994 el Primer Premio del 39th Salón de Montrouge en Francia.

Ha realizado instalaciones en las fachadas de edificios tan emblemáticos como Abwesenheit en la Embajada Española en Berlín en 1992, el Aeropuerto de Munich en 2000 y la Embajada Suiza en Berlín, situada a pocos metros del parlamento alemán, en 2001, Sombra azul en el Centro de Arte Contemporáneo de Málaga en 2003 y El adentro afuera de las palabras, reflexionando sobre la gran cantidad de palabras que rodean a diario al ser humano condicionando su rutina, en el edificio de Telefónica de Madrid durante la Noche en Blanco de 2007. En PhotoEspaña 2019, la Fundación ENAIRE expuso ¡Volar! 100 años en el cielo con fotografías de su colección, incluyendo obra de Alvargonzalez. 

Fundó los talleres GlogauAIR, donde residen y trabajan temporalmente artistas internacionales en el barrio berlinés de Kreuzberg. A título póstumo, en 2013 recibió la Cruz de Oficial de la Orden del Mérito Civil. Su obra forma parte de colecciones de reconocido prestigio, como las del Centro Galego de Arte Contemporànea en Santiago de Compostela, la colección Circa XX-Pilar Citoler, Deustche Bank, Fundación ENAIRE, ARTIUM en Vitoria, …

Como conmemoración del décimo aniversario de la partida de Chema Alvargonzalez, La Memoria junto a la Escola Massana han organizado el día 24 de octubre una serie de actividades y charlas en Barcelona para conmemorar su ausencia pero celebrar que su legado sigue vivo. Se celebrarán una serie de eventos en torno a su instalación TRANSFORMACIÓ.


Referencias




Libros

jueves, 17 de octubre de 2019

Nadir Bucan

Nadir Bucan es un fotógrafo turco (nacido en 1978 en Rize, vive y trabaja en Van) que realiza fotografía documental y que ha pasado los últimos seis años documentando la vida en los pequeños pueblos de la región de Van, Turquía. El proyecto, Bajo la Sombra del Sol, es un testimonio de la vida despojada que existe en esta zona remota, donde la supervivencia de las personas se basa en sus animales y no en la tecnología.


Mother Aliye returns home after milking in the village of Alacayar Van © Nadir Bucan
Mother Aliye returns home after milking in the village of Alacayar Van © Nadir Bucan


Biografía

Nadir Bucan es un fotógrafo académico y documental, que empezó a hacer fotos con una cámara analógica en 1999, antes del dominio digital. Ha usado película hasta 2009 y ha pasado por todas las etapas de la fotografía, desde el baño químico hasta la impresión. Le interesan los aspectos prácticos y teóricos de la fotografía.

Estudió Relaciones públicas y Publicidad en la Universidad de Ankara. Fue destinado a la Universidad Yuzunci Yil en Van como profesor en 2011 y ha estado compaginando su labor académica en la facultad de Bellas Artes con la fotografía de los pueblos de los alrededores generalmente los fines de semana desde esa fecha. Estos pueblos están a unos 80 Kms de su casa.

Este es un proyecto a largo plazo, Under the Shadow of the Sun, comenzado en 2011 y en curso todavía, donde trata de presentar algunos perfiles de la vida cotidiana en el campo, realizando principalmente un testimonio sobre la relación de las personas de la región con la naturaleza y otras criaturas. La provincia oriental de Van, en Turquía, tiene una población principalmente kurda y está compuesta por pequeñas aldeas.

Al mismo tiempo realizó un master en Cine y Televisión en la Universidad Ataturk de Erzurum, con la tesis Reading Documentary Photography Through Walter Benjamin, y después su doctorado en Ciencias Básicas de la Comunicación y ahora está trabajando en su tesis sobre fotografía post-documental. Ha publicado los artículos académicos Walter Benjamin and Documentary Photography y A Sociologist with a Camera: Sebastião Salgado. Y ahora ejerce como PhD en la Universidad Yuzunci Yil de Van.

Sus obras, han sido publicadas en revistas internacionales como Gezgin, İz, İgnant, Les Others, Deniz, Tutti Fotografi, P3 y LensCulture, … y expuestas en Nueva York, París, Londres, Berlín, Pekín y Rusia. Ha participado en festivales como Head On, La Quatrieme Image, Songzhuang y San José. Desde 2017 ha obtenido numerosos premios como The Seventh Annual Exposure Photography Award de PDN Magazine, Documentary Award en The Independent Photographer, People y Editorial en el Moscow International Foto Awards – MIFA, Series en People en el 12th Pollux Awards, Editorial Photo Essay en Tokyo International Foto Awards – TIFA, Barcelona International Photography Awards – BIPA, …



Referencias