lunes, 20 de mayo de 2019

Alécio de Andrade

Alécio de Andrade fue un poeta, pianista y fotógrafo brasileño (nacido en 1938 en Río de Janeiro, Brasil, fallecido en París en 2003) que residió la mayor parte de su vida en París. Fue miembro de Magnum Photos y su obra está marcada por el uso del blanco y negro y la ausencia de retoque o flash. Le encantaba recorrer las salas del Museo del Louvre haciendo fotografías a sus visitantes.


© Alécio de Andrade
© Alécio de Andrade


Biografía

Alécio de Andrade estudio derecho entre los años 1957 y 1959. Entre 1960 y 1963 publicó poemas en diversos suplementos literarios en Brasil. En 1961 mientras ganaba premios por su poesía empezó a interesarse por la fotografía.

En 1964 recibió una beca del gobierno de París y comienza a dedicarse a la fotografía de manera profesional. Desde 1966 hasta 1973 fue corresponsal del semanal brasileño Manchete. Entre los años 1970 y 1976 fue miembro asociado de la agencia Magnum Photos.

Entre 1965 y 2002 publicó regularmente con la prensa: Elle, Madame Figaro, Geo, Le Nouvel Observateur, Lui, Marie-Claire, Realities, Il Tempo, Nuova Fotografia, Progresso Fotografico (Italia), Popa (Alemania), Fortune, Newsweek, Fatos e Fotos, Isto É, Jornal do Brasil, Veja (Brasil), …

Alécio focalizó su mirada sobre los visitantes del Museo del Louvre: un público variopinto y con actitudes muy diversas sin el que las obras de arte y la propia pinacoteca carecerían de sentido. Entre 1964 y 2002 hizo unas 12.000 fotos que han dado lugar a la exposición El Louvre y sus visitantes que ha recorrido España en esta década. Cada imagen semeja una escena de teatro que contemplamos por encima de los hombros del artista, mientras los visitantes ofician de actores. Una visión poética cuyo sentido del humor se une a la ternura para revelarnos tanto la apropiación de los espacios del museo por el público, como las relaciones, a veces insólitas, que se establecen entre algunos visitantes y ciertas obras de arte.


Referencias



Libros


domingo, 19 de mayo de 2019

Aëla Labbé

Aëla Labbé es una intérprete de baile en danza contemporánea y autora de fotografía francesa (nacida en 1986 en Saint-Nolff, en la Bretaña francesa, vive en Nantes) que tiene un universo único, desde la danza hasta la escritura a través de la fotografía.


© Aëla Labbé
© Aëla Labbé



Biografía

Aëla Labbé nació en Bretaña, una región donde los bosques pueden ser mágicos y los cuentos de hadas forman parte de la cultura. Desde muy temprana edad se dedicó al baile, y se trasladó a Holanda para estudiar danza contemporánea en la Hogeschool voor de Kunsten de Ámsterdam. Después iría girando su mirada sensible y poética hacia la exploración de la fotografía, jugando un doble papel como fotógrafa y bailarina.

Como en la coreografía, sus hermosas fotografías dramatizan la expresión del cuerpo e ilustran la relación entre la humanidad y la naturaleza. Los sujetos que fotografía son parte de su mundo privado, sus amigos y familiares, principalmente sus sobrinas. Llena de elegancia y misterio, sus retratos no convencionales nos llevan de vuelta a nuestra infancia y a sus sueños secretos más profundos. La nostalgia, la niñez, los sueños, el amor, los recuerdos, la melancolía son temas recurrentes en sus obras.

La luz y los detalles son muy importantes en sus fotografías. Utiliza cámaras analógicas, le gusta experimentar con película de color o blanco y negro. Lo que le interesa es la materia, el grano, las imperfecciones que dan una dimensión atemporal a sus fotografías.

Su obra ha aparecido en destacadas revistas independientes de todo el mundo y ha expuesto en Francia, Italia, España, Reino Unido y Estados Unidos. Ha realizado trabajos en moda y con varias sellos de música en las imágenes.


Referencias




Libros

  • L’Absente, 2013.

sábado, 18 de mayo de 2019

Rubén H. Bermúdez

Rubén H. Bermúdez es un fotógrafo y docente español (nacido en 1981 en Madrid) autor del libro “Y tú, por qué eres negro?” y cofundador del grupo de trabajo “Conciencia-Afro”.


© Rubén H. Bermúdez
© Rubén H. Bermúdez


Biografía

Rubén H. Bermúdez tuvo sus primeros trabajos como mozo de almacén y en fábricas, no continuó sus estudios en informática y comenzó a trabajar como diseñador gráfico. Empezó a estudiar fotografía como vía de escape. En 2008 consiguió una beca de EFTI para hacer su master.

Desde 2009 trabaja en diferentes proyectos en torno a la fotografía. Fue co-fundador del fanzine 10x15, publicó Looking for Freedom con CaravanBook y escribe en la revista fotográfica ClavoArdiendo-Magazine. Intercambia habitualmente el papel de alumno y profesor con frecuencia.

En 2014 comenzó su proyecto Y tú, ¿por qué eres negro? con el que consiguió la beca Fotopres. En 2017 autopublicó un fotolibro con el mismo nombre. Es un éxito y las editoriales Phree y Motto hacen una edición de bolsillo que se sigue vendiendo (o descargando) en muchos países del mundo. Su obra forma parte de la Colección de Arte Contemporáneo de la Comunidad de Madrid.

Es co-fundador del Espacio antes conocido Espacio Afroconciencia. A veces ejerce de comisario como en el ciclo de cine Lo Afro está en el centro que se celebró en CA2M Madrid.

Actualmente está trabajando en algo a lo que llama “mi película” gracias a una beca para artistas visuales del Centro de Residencias de Matadero Madrid.


Referencias



Libros



viernes, 17 de mayo de 2019

Kathryn Nee

Kathryn Nee es una fotógrafa estadounidense (vive en Atlanta, Georgia) que encuentra una belleza increíble en lugares y objetos antiguos, decadentes y olvidados y le gustan todas las cosas vintage, extrañas, macabras, oscuras, caprichosas, inusuales y extrañas.


© Kathryn Nee
© Kathryn Nee


Biografía

Kathryn Nee, alias Nobody Girl, soñaba de niña con ser fotógrafa de National Geographic. Siempre corría por ahí con una Kodak, sacando fotos de tonterías, gastándose su paga en revelar fotos. Hacia el final de su adolescencia, sus padres le regalaron una Nikon N60 y eso fue el inicio de su carrera autodidacta, aprendiendo a través del ensayo y el error y años de estudio y práctica.

Hoy es una fotógrafa artística,  freelance, comercial y exploradora urbana que lleva fotografiando la vida como arte más de 15 años. Kathryn encuentra una belleza increíble en lugares y objetos antiguos, decadentes y olvidados y le gustan todas las cosas vintage, extrañas, macabras, oscuras, caprichosas, inusuales y extrañas.

Cuando no está fotografiando estructuras abandonadas y vacías, Kathryn entra en la tierra de los vivos y captura la belleza de las personas, aunque a veces termine llevándolas a esos lugares abandonados.

Trabaja como fotógrafa freelance para Sports Gwinnett Magazine y es directora de fotografía del Urban Mediamakers Film Festival. También, desde 2015, trabaja como fotógrafa de bodas en Atlanta Wedding Artistry.

Kathryn ha sido publicada en National Geographic, All About Photo, LenScratch, Feature Photo, … y premiada con National Geographic Editor’s Picks, 13 premios de la Atlanta Photographic Society y en Terrabella Media Competitions. Ha expuesto en Sohn Fine Art Gallery en Massachusetts, Gertrude Herbert Institute of Art, PB&j Art Gallery en Atlanta, así como en otros lugares de Estados Unidos.


Referencias

jueves, 16 de mayo de 2019

Gloria Oyarzabal

Gloria Oyarzabal es una fotógrafa española (nacida en 1971 en Londres, vive en Madrid) muy relacionada con África que, a través de fotografías, imágenes de archivo y audiovisuales coloca al espectador en un lugar incomodo (o no) planteando nuevas preguntas, sobre la percepción de nuestra "blanquitud", los procesos de colonización, descolonización y neocolonización, la maquiavélica construcción de la Idea de África y el paternalismo imperialista de Occidente, sin olvidar la revisión de los discursos feministas en este continente.


© Gloria Oyarzabal
© Gloria Oyarzabal



Biografía

Gloria Oyarzabal Lodge nació en Londres y a los 2 años se trasladó a España. Se licenció en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid en 1998 y es también diplomada en Restauración y Conservación de Obras de Arte (1993). Ejerció de profesora de Análisis de Formas en IADE (2001-2010). En 1999 cofundó la Sala de Cine Independiente “La Enana Marrón”, dedicada a la difusión del cine de autor, experimental y alternativo, donde programó hasta su clausura en 2009.

Se fue a vivir a Bamako en Mali donde desarrolló su interés por la historia de la colonización y la descolonización y las nuevas tácticas del colonialismo y los feminismos africanos, hasta que un golpe de estado la devolvió a Madrid, donde terminó el Máster en Creación y Desarrollo de Proyectos Fotográficos de Blankpaper.

Gloria diversifica su actividad profesional entre la fotografía, el cine y la enseñanza. Suele utilizar soportes muy variados, muchos de ellos analógicos como Polaroid o Instax. También material encontrado en mercadillos como placas de cristal, postales o fotos antiguas. Experimenta con superposición de veladuras de color muy trabajadas sutilmente en parte de las imágenes de archivo lo que le ayuda a otorgarles un aspecto onírico envolvente, quizás por su vínculo con el cine experimental. A veces ve una imagen y la manipula en base a un ruido, un sonido, un movimiento repetitivo, a su imaginario cinematográfico, …

Ha expuesto en España, Nigeria, Mali, Grecia, Italia, Croacia, Lituania, Inglaterra, Portugal, Polonia, ... Sus trabajos se han visto en PHE PhotoEspaña, Athens PhotoFestival, Lagos PhotoFestival, Thessalonika Foto Museum , Lecce, Encontros da Imagem, Can Basté en Barcelona, Organ Vida Festival en Zagreb, Format en Derby, Fotofestiwal en Lodz, Polonia, … 

En 2017 fue seleccionada para la residencia artística Ranchito Matadero Nigeria-Sudáfrica, donde ha desarrollado su último proyecto sobre feminismos africanos en Madrid y Lagos. Ese mismo año ganó el premio Landskrona Book Dummy Award, que le permitió publicar su primer fotolibro Picnos Tshombé. También es la ganadora del Encontros da imagem Discovery Award en 2018. En 2019 ha obtenido una mención de honor en los premios PHmuseum, ha sido finalista en Fotofestiwal en Lodz y ha ganado el Prix du Livre Images Vevey 2019/2020 con su libro Woman go no’gree.



Referencias



Libros

miércoles, 15 de mayo de 2019

Alberto Goldenstein

Alberto Goldenstein es un fotógrafo argentino (nacido en 1951 en Buenos Aires) considerado una de las figuras fundamentales de la fotografía contemporánea argentina, por su novedosa aproximación al medio, la plasticidad de su uso del color y su forma de capturar lo cotidiano, los paisajes urbanos que lo rodean y las personas.


© Alberto Goldenstein
© Alberto Goldenstein


El color es para mí un elemento esencial, forma parte del impulso fotográfico. Yo veo la luz cromática, la luz que mueve las cosas y como las cosas se ven. Veo en color y tomo eso como materia prima, como tema.


Biografía

Alberto Goldenstein realizó un viaje por Europa durante tres meses con una cámara de fotos de la familia, en 1978, mientras estudiaba Economía y trabajaba en una financiera. Regresó con cientos de diapositivas que, casi por casualidad, vio un viejo pintor búlgaro, quien lo incentivó a desarrollar la práctica fotográfica. En 1982 se instaló por dos años en Boston, Estados Unidos, donde estudió en la New England School of Photography y conoció las obras de los grandes maestros de la fotografía, además de asistir a talleres con Joel Meyerowitz y Jerry Uelsmann y al seminario de Historia de la fotografía de John Szarkowsky. Hacia 1983 regresó a Buenos Aires donde comenzó a trabajar con película a color, algo que lo distinguiría desde entonces, aunque fuera por que no tenía cómo revelar en blanco y negro.

A mediados de los años ochenta, conoció al artista y comisario Jorge Gumier Maier y se integró al círculo de artistas relacionados con el Centro Cultural Rojas. Desde 1991, con la apertura del Departamento de Artes Visuales de este espacio, comenzó a realizar talleres anuales de fotografía y a comisariar las exposiciones de sus alumnos. En 1995 fue invitado a crear y dirigir la Fotogalería del Rojas. Ambos espacios ampliaron y dinamizaron la escena fotográfica de los años 90 y permitieron la formación y el despegue de nuevas generaciones de fotógrafos de Argentina.

A lo largo de su carrera, Goldenstein ha realizó exposiciones individuales en diversos espacios de Buenos Aires como el Centro Cultural Recoleta y el Centro Cultural Rojas, la galería Ruth Benzacar, la Fotogalería del Teatro San Martín, el Museo Castagnino de Rosario, y en galerías y museos de México, Madrid, Berlín y Zúrich.

En 2018 presentó una muestra retrospectiva en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, donde se refleja su recorrido artístico con un conjunto de 300 fotografías creadas entre 1982 y 2018. Todas las series han sido especialmente reeditadas para esta muestra y muchas de las fotografías eran inéditas.
Su obra forma parte de las colecciones de fotografía del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, Museo Nacional de Bellas Artes, Museo Nacional Carlos Castagnino-Macro de Rosario, Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (MALBA), Colección Rabobank y de otras colecciones privadas de Argentina y del exterior.


Referencias



Libros

  • La materia entre los bordes, 2018.
  • Miami, 2018.
  • Goldenstein, libros sobre artistas, 2016.
  • abecé (con Bruno Dubner y Cecilia Szalkowicz), 2015.
  • My Buenos Aires, 2015.
  • Berlín, 2014.
  • Fotografía Argentina, 2012.
  • Estructura de Ficción, 2011.
  • Fotografía en la Argentina 1840-2010, 2010.
  • Signes d’existence, 2007.
  • La Fotogalería del Rojas, 2005.
  • Colección Fotográfica del Museo Nacional de Bellas Artes, 2005.
  • Alltag und Vergessen, 2003.
  • Al Sur del Sur, Photoespaña, 2001.

martes, 14 de mayo de 2019

Anne de Gelas

Anne de Gelas es una fotógrafa belga (nacida en 1966 en Bruselas, donde vive y trabaja) cuya obra,  muy personal, explora emociones y experiencias intrínsecamente humanas como el luto y la pérdida, el amor y la familia. Sus imágenes son nostálgicas, seductoras y ensoñadoras, un collage de emociones mezcladas a través de fotografías, escritos y dibujos.


© Anne de Gelas
© Anne de Gelas



Biografía

Anne de Gelas estudió fotografía en la Ecole Supérieure des Arts de l'image «le 75» en Bruselas. Desde1994 ha estado exponiendo regularmente.

En 2013 publicó con «le Caillou Bleu» su trabajo L'Amoureuse como libro. Y en 2015 autopublicó su serie Mère et Fils que también se ha mostrado en galerías y festivales principalmente de Francia y Bélgica.

Su obra forma parte de grandes colecciones como la del Musée de la Photographie de Charleroi en Bruselas. Recientemente ha sido galardonada en 2015 por la SPES Foundation y también expuso en Arlés.

Su imagen fotográfica ha encontrado su lugar en sus revistas íntimas, diarios de viaje o incluso libros de artista, junto con textos, dibujos y archivos fragmentarios. Esta expresión, más allá de la autobiografía, siempre ha sido concebida por Anne como un humanismo, ya que esta anotación de la vida cotidiana se refiere a una necesidad universal del humano de representar el curso del tiempo y de su vida. Su cuerpo es su herramienta de trabajo y, a través de él puede expresar los sentimientos que se le cruzan o le empujan, pero su tema es la vida en general, no su vida.



Referencias





Libros

  • un visage de lignes (livret).
  • Mère et Fils (éditions LOCO).
  • Mère et Fils.
  • L'amoureuse.
  • une journée (presque)... parfaite.
  • Amnésia .
  • Mon besoin de consolation.
  • Processus.
  • le secret ... ou la question du journal intime.
  • portrait d'outre-voix (livret).
  • sur une intimité... qui m'inquiète.
  • carnets.
  • Collision con Thierry Berleur.

lunes, 13 de mayo de 2019

Rennie Ellis

Rennie Ellis fue un fotógrafo australiano (nacido el 11 de noviembre de 1940 en Melbourne, fallecido el 19 de agosto de 2003 también en Melbourne) que también trabajó, en varias etapas de su vida, como redactor publicitario, marinero, conferenciante y presentador de televisión. Fundó la galería de fotografía Brummels, la primera galería de fotografía dedicada de Australia, que estableció tanto un estudio fotográfico como una agencia dedicada a su trabajo, publicó en vida 17 libros y realizó numerosas exposiciones en Australia y en el extranjero.


At the Pub, QLD 1982 © Rennie Ellis Photographic Archive

At the Pub, QLD 1982 © Rennie Ellis Photographic Archive



Biografía

Rennie Ellis nació en el suburbio de la playa de Melbourne en Brighton y se educó en Brighton Grammar School, obteniendo una beca para la Universidad de Melbourne en 1959. Estuvo trabajando como chico de oficina en una agencia de publicidad de Melbourne, estudió publicidad en el Royal Melbourne Institute of Technology, y pasó dos años viajando por el mundo, comprando su primera cámara para grabar sus viajes, donde también trabajó como marinero. Fue director creativo, editor en varias revistas y ya en 1969 se convirtió en fotógrafo por su cuenta.

Publicó su primera exposición y publicó su primer libro en 1971, gracias a su trabajo en Kings Cross, Sídney. Un año más tarde relanzó Brummels Gallery, una galería comercial de pintura, escultura y grabados contemporáneos de la Australia modernista, establecida a mediados de la década de los 50, como Brummels Gallery of Photography, y en 1975 abrió en las mismas instalaciones su estudio, Rennie Ellis & Associates, y operó desde allí el resto de su vida.

Rennie veía sus acciones fotográficas como una serie de encuentros con la vida de otras personas. Sus fotos podían ser muy directas y flagrantes o llenas de sutilezas enigmáticas. Durante más de 30 años su búsqueda por la captura de la idiosincrasia de la conducta humana le ha llevado a lugares de todo el mundo: su Australia natal, el Carnaval de Río, los preparativos de las bambalinas del célebre Ballet Kirov, los zocos de Marrakech, el Ganges al amanecer, el desierto de Simpson, la Casa Blanca, el Moulin Rouge, …

Sus fotografías han sido ampliamente exhibidas en Australia y en el extranjero y su trabajo forma parte de varias colecciones como la Bibliotheque National de Francia, Department of Foreign Affairs, Embajada Australiana en Pekín, National Gallery of Australia, National Gallery of Victoria, National Portrait Gallery, Monash Gallery of Art, State Library of Victoria, State Library of NSW, National Library of Australia y colecciones privadas en Australia, Reino Unido y Estados Unidos.

Ellis recibió becas de la Visual Arts Board del Australia Council, ganó un Art Directors Club Award en fotoperiodismo y un United Nations Habitat Award en fotografía.

Murió con 62 años dejando un tesoro de más de medio millón de imágenes que abarcan más de tres décadas, que forman parte del Rennie Ellis Photographic Archive, que su segunda esposa, Kerry Oldfield Ellis, y Manuela Furci, su asistente, fundaron y codirigen, organizando exposiciones y publicando nuevos libros con su obra.


Referencias



Libros

domingo, 12 de mayo de 2019

Alexander Taran

Alexander Taran es un fotógrafo ruso (nacido en 1983) cuya fotografía se centra en su mayoría en el deporte y en el  blanco y negro.


© Alexander Taran

© Alexander Taran



Biografía

Alexander Taran empezó sus estudios de fotografía en 1999. Durante cuatro años estuvo estudiando en el estudio fotográfico Siluet en el Palacio de la Juventud Creativa bajo la dirección del fotógrafo German Pavlov.

En 2005, se graduó en Periodismo de la Universidad Estatal de San Petersburgo. Ese mismo año, comenzó a trabajar para la agencia fotográfica Interpress y como fotógrafo de Interpress para France-Presse cubriendo noticias y eventos deportivos. Durante estos años, sus fotografías fueron publicadas en los principales medios de comunicación rusos, así como en Newsweek, USA Today, Men's Health, SportWeek, Foto & video, Itogi, Kommersant, Spark, Vedomosti, Sports Illustrated, Fight Sport y BusinessWeek.

Taran es un fotógrafo profesional con más de una década de experiencia en fotografía de reportajes, en la de deporte y en la tradicional en blanco y negro, que actualmente se centra principalmente en trabajar con clientes corporativos.



Referencias

sábado, 11 de mayo de 2019

Aaron Ruell

Aaron Ruell es un director, actor y fotógrafo estadounidense (nacido el 23 de junio de 1976 en Fresno, California, vive en Portland, Oregón) que, aunque principalmente conocido por su actuación como Kip en la película indie Napoleon Dynamite, abandonó la actuación por la fotografía y la dirección creativa, siendo reconocido por sus ingeniosas y meticulosamente elaboradas fotografías y películas que entran dentro de los reinos de la publicidad, el documental y la ficción.

  
© Aaron Ruell
© Aaron Ruell


Mis imágenes usualmente empiezan con una cara que he visto, y luego intento construir un ambiente alrededor de esa cara que me parezca creíble e interesante. O, una imagen comienza con un accesorio, y voy tratando de construir un entorno donde pueda convivir, y la selección se convierte en otra pieza del rompecabezas, y encaja más adelante en el juego aunque no lo haga al principio.




Biografía

Derek Aaron Ruell estudió cine en la Brigham Young University y es un consumado director creativo, actor y fotógrafo.

Como director comercial, está representado por Biscuit Filmworks en los Angeles, y fue declarado uno de los nuevos directores más prometedores en el mundo de la publicidad por la revista Shoot en 2009, habiendo dirigido comerciales para clientes como T-Mobile, Nintendo, Coke y Burger King. También fue el único cineasta en tener dos películas: Everything' s Gone Green y Mary, escritas y dirigidas por él, en el Festival de cine de Sundance en 2005.

Como actor es muy conocido por interpretar el papel de Kipland Dynamite en la película indie Napoleon Dynamite en 2007, y protanizó On the Road With Judas, estrenada en el Festival de cine de Sundance de 2007 y donde daba vida un exitoso empresario neoyorquino con una doble vida como ladrón de ordenadores.

Como fotógrafo, sus imágenes tienen un aire retro, como si fueran una mirada nostálgica a los años 60 y 80, inspiradas en la música, el diseño modernista, la gente de día a día, recuerdos de su niñez en el centro de California, … construyendo meticulosamente escenas inteligentes con ambigüedad, nostalgia y humor. Su trabajo fotográfico se ha mostrado individualmente en Collette en París en 2010 y en Micamera Gallery en Milán en 2008, y colectivamente en These Friends, This Gallery en Los Angeles en 2010, ThisIsNotAGallery en Buenos Aires en 2008, M Gallery en Los Angeles en 2008, …


Referencias



Libros

viernes, 10 de mayo de 2019

Enzo Sellerio

Enzo Sellerio fue un fotógrafo, editor y coleccionista italiano (nacido en 1924 en Palermo, fallecido el 22 de febrero de 2012, también en Palermo) cuyas fotografías en blanco y negro documentan los aspectos públicos más relevantes de la vida siciliana de la época. Es considerado uno de los principales fotógrafos del neorrealismo, un movimiento artístico italiano, que contempla un enfoque realista en el cine, la fotografía y la literatura. En sus fotos logra captar, gracias a una gran calidad técnica y a una sensibilidad extraordinaria, el alma de su patria, Sicilia, y de su gente.


© Enzo Sellerio

© Enzo Sellerio





Biografía
Enzo Sellerio nació en Palermo, hijo de un padre italiano y una madre rusa. Estudió derecho y durante algún tiempo fue profesor de derecho en la Universidad de Palermo, pero su afición por la fotografía le llevó, después de una breve experiencia en el periodismo, a participar en 1952 en un concurso de fotografía regional, ganando el primer premio, 50.000 liras, y decidió tomar la fotografía de una manera casi profesional, convirtiéndose en fotógrafo a tiempo completo a principios de la década de los 50.

En ese mismo año, 1952, sus primeras fotografías fueron publicadas en la revista Sicilia, una revista trimestral europea. En 1955 realizó su primer reportaje, Borgo de Dios, publicado en Fotodocumentari Nuovo Cinema y considerada una de las obras maestras de la fotografía neorrealista en Italia. Expuso en solitario en la Galería Obelisco de Roma en 1956, en la Galleria La Bussola en Turín en 1957 y en la Trienal de Milán en 1960 y realizó colaboraciones con varias revistas como el legendario Il Mondo y la revista suiza Du, que le abrió las puertas de la fotografía internacional. En 1962 ZDF invitó a Sellerio, Hiroshi Hamaya y Will McBride a hacer una película sobre el pueblo alemán, MIT offenen Augen.

Estuvo un corto período a mediados de los 60 trabajando en los Estados Unidos para revistas como Vogue y Fortune, fotografiando en esos años a una serie de artistas e intelectuales como Arthur Miller, Christo, Saul Steinberg y otros protagonistas de la vida cultural de la época. En 1969 Sellerio se movió a la publicación y creó Sellerio Editore con su esposa Elvira Giorgianni. Él se haría cargo directo de la división de arte de la compañía, que, como Enzo Sellerio Editore, se independizó en 1983. Entre sus publicaciones se encuentran libros sobre artefactos sicilianos tradicionales, muchos de ellos de su propia colección.


Referencias


Libros

  • Palermo: Porträt einer Stadt, 1961.
  • Castelli e monasteri, 1968.
  • Inventario siciliano, 1977.
  • Enzo Sellerio (I grandi fotografi), 1983.
  • Persone, 1990.
  • Enzo Sellerio fotografo ed editore, 1991.
  • Fotografo in Sicilia, 1996.
  • A Photographer in Sicily, 1996.
  • Fotografie 1950-1989, 2000.
  • Milloss al Massimo, 2000.
  • Per volontà o per caso, 2004.
  • Fermo imagine, 2007.

jueves, 9 de mayo de 2019

Anthony Hernandez

Anthony Hernandez es un fotógrafo estadounidense (nacido en 1947 en Aliso Village, Los Ángeles, California, vive y trabaja entre  Los Angeles, California y Challis, Idaho) que empezó a practicar muy joven la fotografía. A lo largo de su trayectoria ha trabajado tanto la fotografía en blanco y negro como en color, pasando de una cámara de 35 mm a las de gran formato y de la fotografía callejera centrada en la figura humana, al paisaje urbano hasta centrar una obra casi abstracta de gran poética. Toda ella contiene una preocupación por la composición y la belleza estética, sin abandonar en ningún momento un compromiso con los problemas sociales.



© Anthony Hernandez


Algunas personas me preguntan “¿Hacer fotos de temas tan desagradables como los habitantes de la ciudad es tan importante o necesario?“ ... Mi trabajo puede ser hermoso o no, pero eso no es lo que me preocupa. Trato de estar abierto y confrontarme con la ciudad. ... Para mí no es desagradable o poco hermosa, es sólo vida, que no tiene por qué ser amenazante si es interesante. 



Biografía

Anthony Hernandez nació en Los Ángeles hijo de emigrantes mexicanos y pasó su infancia en la calle. Mientras sus padres trabajaban, él se divertía al salir del colegio jugando o explorando rincones cercanos de la ciudad junto a sus hermanos, primos y otros chicos del barrio. En principio nada preveía su futuro como fotógrafo pero el hecho de recibir un manual de fotografía básico de manos de un amigo cambió su destino. Comenzó a realizar sus primeras fotografías y tras su destino en el servicio médico en Vietnam, la fotografía le ayudó a construirse una nueva vida, proporcionándole un medio para canalizar su sensibilidad visual innata como una forma de estar en el mundo que tuviera sentido y resultara productiva. 

El panorama social en un entorno urbano es el foco principal de su fotografía. Después de realizar algunos cursos básicos en fotografía en East Los Angeles College, Anthony comenzó a fotografiar alrededor de su vecindario, retratando la vida cotidiana en su Los Ángeles natal en la década de los 70, reconociendo sus diferencias culturales implícitas de clase y raza, desarrollando un particular estilo fotográfico adaptado a las peculiaridades de su ciudad natal, a su belleza desolada y a sus crecientes extensiones de asfalto y cemento. Ya de adulto y como fotógrafo, nunca ha buscado cosas convencionalmente hermosas, sino que ha encontrado poesía visual en zonas urbanas deprimidas y potencial estético en lo abandonado, en lo descartado.

A lo largo de su carrera, Hernandez se ha pasado con destreza del blanco y negro al color, de las cámaras de 35 mm a las de gran formato, como la Deardorff de 5x7 pulgadas con placas en color, y de la figura humana al paisaje y a la abstracción de los detalles, dando lugar a una obra inusualmente variada que permanece unida por su arrebatadora belleza formal y por un compromiso sutil con temas sociales contemporáneos.

Ha realizado numerosas exposiciones individuales, incluyendo The Nation’s Capital in Photographs en la Corcoran Gallery of Art en Washington, D.C. (1976), California Museum of Photography en la University of California en Riverside (1982), Opsis Foundation en Nueva York (1990), Centre National de la Photographie en París (1997), Laguna Art Museum en Laguna Beach, California (2001) y en el Seattle Art Museum (2002). 

En 2016 el Museo de Arte Moderno de San Francisco (SFMOMA) montó una exposición retrospectiva de la obra de Hernández que ha llegado en 2019 a España de la mano de la Fundación MAPFRE y que, con más de 110 fotografías, realiza un amplio recorrido por su dilatada y prolífica carrera, celebrando así su personal estilo de fotografía de calle y su significativa evolución a lo largo del tiempo.

Ha obtenido 3 becas National Endowment for the Arts (1975, 1978 y 1980), Charles Pratt Memorial Award (1993), DG Bank Förderpreis Fotografie del Sprengel Museum Hannover (1995), Higashikawa Prize (1998) y una beca COLA de la Ciudad de Los Angeles (1999). Y una Guggenheim Fellowship 2017/18 le permite realizar su proyecto más reciente sobre una nueva manera de ver el paisaje.


Referencias




Libros







miércoles, 8 de mayo de 2019

Mikhail Potapov

Mikhail Potapov es un fotógrafo ruso (nacido en 1983 en Rostov-on-Don, donde vive y trabaja) que realiza fotografía artística y de viajes. Es comisario en 1x.com.


© Mikhail Potapov

© Mikhail Potapov


Biografía

Mikhail Potapov es un consumado fotógrafo artístico que busca constantemente descubrir algo nuevo. Trabaja como maestro y da clases de judo a niños.

Compró su primera cámara en 2010 y se interesó fuertemente por la fotografía en 2014, y es un gran pasatiempo para él, desde entonces. Se considera un artista más que un fotógrafo. Toca diferentes estilos: fotografía callejera, documental, fotografía de la naturaleza o viajes y está buscando constantemente cosas nuevas. Le gusta viajar, le es difícil quedarse en un lugar durante mucho tiempo, siempre está esperando la oportunidad de dejarlo todo e irse a otro sitio, para descubrir nuevos lugares, le encanta viajar en coche y escuchar a la gente inteligente.

Es comisario profesional de la galería 1x.com y ha ganado numerosos concursos como 1x PhotoAward, Px3, 35Award, FAPA, TPSA, CPA, Best of Russia, …


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martes, 7 de mayo de 2019

Ludovisi y su señora

Antonio Ludovisi (nacido en Italia en 1817, fallecido en Valencia en 1875) y su esposa Luisa Esperón (nacida en 1828 en Guchen, Francia, fallecida en 1912 en Valencia) crearon el estudio fotográfico Ludovisi y su señora en Valencia en torno a 1864, donde realizaron  la clásica producción de tarjetas de visita y retratos de religiosos, militares, niños, tipos populares y necrológicas. 





Biografía

Antonio Ludovisi y Jeanne-Catherine Esperon, que españolizó su nombre al de Luisa Esperón, crearon el estudio fotográfico Ludovisi y su señora en Valencia en torno a 1864. El gabinete se dedicó al retrato y al negocio de la tarjeta de visita, regentando ellos el negocio durante unos 15 años, firmando sus trabajos como Ludovisi y su Sra, fotógrafos romanos, lo cual pone de manifiesto el importante papel de la mujer en el negocio familiar y la convierte en pionera de la fotografía en Valencia.

Por el estudio, además de otros aprendices, pasaron 3 hermanos de Luisa. Alfredo, Eugenio y Benjamín Esperon aprendieron allí fotografía e implantarían sus estudios en diferentes provincias de España, consiguiendo Alfredo ser Fotógrafo de la Casa Real en tiempos de Isabel II y Alfonso XII.

En 1875 murió Antonio y Luisa dejó la fotografía y traspasó el establecimiento a F. Amayra y Cía., aunque continuó llamándose Antigua Casa de Ludovisi y Señora para aprovechar el prestigio que los Ludovisi habían alcanzado profesionalmente en la ciudad.

Por el volumen y la calidad de las fotografías que se conservan, la actividad del establecimiento debió de ser muy profusa. El conjunto alberga retratos de religiosos, militares, niños, tipos populares y necrológicas. La mayor parte de la obra conservada corresponde a un álbum familiar de retratos individuales en los que se ve al fotógrafo con gabán casero y a la esposa con mandil o apoyada en una cámara fotográfica. Este álbum personal, que deja constancia de la evolución del matrimonio a lo largo del tiempo, se trata probablemente del único conjunto de fotografías familiares de un fotógrafo de la época.

Algunas de estas imágenes formaron parte de las exposiciones Memoria de la luz: fotografía en la comunidad valenciana 1839-1939 (Valencia, 1992) y La Fotografia a Espanya al segle XIX (CaixaForum de Barcelona y Museo Municipal de Málaga, 2003). El archivo Ludovisi, compuesto de unas 200 tarjetas de visita, se conserva en su mayor parte en la Colección José Huguet en Valencia.


Referencias




Libros

lunes, 6 de mayo de 2019

Natalia Baluta

Natalia Baluta es una fotógrafa rusa (nacida en Moscú, donde vive y trabaja) que trabaja con fotografía, collage, instalaciones y libros de artista. También investiga y colecciona photobooks, especialmente álbumes soviéticos de 1940 a 1980.


© Natalia Baluta
© Natalia Baluta



Biografía

Natalia Baluta se graduó de la Universidad Estatal de Electrónica de Moscú en 1998. En 2012-2015 estuvo emprendiendo el curso Fotografía como estudio en el Instituto FotoDepartament de San Petersburgo. En 2015 realizó el curso Arts, Entertainment y Media Management de la Universität Lüneburg y el Goethe Institut.

Natalia trabaja con fotografía, collage, instalaciones y libros de artista. También investiga y colecciona photobooks, especialmente álbumes soviéticos de 1940 a 1980. En 2015, cofundó el colectivo Autopublicación Independiente Rusa para representar libros de artistas y fotógrafos de Rusia en festivales y ferias internacionales.

Su práctica artística se centra en cuestiones de interconexión e influencia mutua del espacio, el tiempo y la información, la mitología local, la decodificación y la creación de nuevos rituales y mitos. En sus obras combina los métodos de arte y ciencia, empleando diversas metodologías de investigación.

Sus obras han sido incluidas en diversas exposiciones colectivas y sus libros se encuentran en colecciones privadas e institucionales y bibliotecas de Rusia y del extranjero, incluyendo Beinecke Rare Book & Manuscript Library de la Yale University, biblioteca del Thomas J. Watson Metropolitan Museum of Art en Nueva York, biblioteca del John Flaxman Art Institute de Chicago, etc.




Referencias



Libros

  • Live even for 100 years, 2018.
  • Sea I become by degrees, 2017.
  • Magma, 2015.
  • After a while, 2014.