lunes, 30 de diciembre de 2019

Amanda Rowan

Amanda Rowan es una educadora, cineasta, actriz y fotógrafa estadounidense ((nacida el 3 de enero de 1979, vive en Los Angeles, California) cuyo trabajo fotográfico examina la performance, el poder, la fama y la sexualidad dentro del ámbito de la domesticidad a través del retrato y la naturaleza muerta, con un estilo visual con énfasis en el color, la yuxtaposición y un toque dramático.


© Amanda Rowan
© Amanda Rowan


Mi nuevo proyecto, Arrangement, es una serie de imágenes de bodegones, así como autorretratos, hechos en estudio. Las imágenes son de flores y frutas y otras materias orgánicas junto con objetos personales como joyas y plumas. Los objetos y objetos de las imágenes son todos simbólicos para mí y representan la calidad "performativa" de los actos de curación doméstica, como poner una mesa para la cena. Las imágenes cuentan una historia de seducción, vulnerabilidad y poder.

Utiliza película Kodak a color 4x5” para lograr la exuberante y atemporal sensación de los bodegones holandeses.


Biografía

Amanda Rose Rowan es  hija del músico de bluegrass y country Peter Rowan y de la estilista y modelo Leslie Rowan. Nacida y criada en el norte de California, creció rodeada de músicos prolíficos: madrina, tíos, su padre, ... Amanda siempre ha disfrutado de la música, el canto y la composición. Con 8 años, colaboró con su padre en la letra de la canción On the Wings of Horses y viajaría con su padre por todo el mundo, a menudo actuando con él en el escenario.

Comenzó a rodar conciertos de rock durante la escuela secundaria. Se mudó a Nueva York para asistir a la Tisch School of the Arts en la New York University con una doble especialización en artes escénicas y fotografía, graduándose cum laude en 2001.

Su dominio de la iluminación, combinado con su habilidad para interactuar con los temas que toca, le ha llevado a una floreciente práctica comercial que traduce su estilo visual distintivo en imágenes para campañas publicitarias con clientes como Disney, NBC, HBO y Hilton Entertainment. Su estilo visual se centra en los elementos teatrales de la vida y en el estudio con énfasis en el color exuberante y la yuxtaposición.

Además de muchos papeles teatrales, Amanda ha aparecido en series de televisión y trabajado en largometrajes como She Pedals Fast y Hold On Loosely como actriz y también como productora. En 2014, lanzó el proyecto Born Backstage, una serie de retratos de artistas e intérpretes hijos de leyendas del folk y el rock, como The Grateful Dead, Crosby Stills y Nash, The Beatles, Frank Zappa, y muchos más.

Rowans ha sido premiada en el Tokyo International Foto Award de 2019 en la categoría People/Self Portrait, en el LACP’s The Cretive Portrait Contest, y galardonada como Fotógrafo Cromático del Año 2018 de los Premios Internacionales de Fotografía Cromática por sus logros en fotografía en color.

Su trabajo ha sido publicado por New York Magazine, Grub Street, Total Beauty y Beverage Media Group. Su portafolio de retratos incluye a Rufus Wainwright, Inara George, Sean Lennon, Diva Zappa, Amy Smart, Harper Simon,  Paris Hilton, Jenni Muldaur y la compañía de ballet acuático Aqualillies.

Sus imágenes han sido exhibidas y publicadas internacionalmente en Photo LA y Paris Photo, así como en la Wall Street Gallery y la Leica Gallery en Los Angeles. Sus imágenes forman parte de la colección de arte contemporáneo de The Palms Hotel en Las Vegas.



Referencias


Libros

  • Born Backstage.

sábado, 28 de diciembre de 2019

Isabelle Chapuis

Isabelle Chapuis es una fotógrafa francesa (nacida en 1982 en París) que combina arte y moda, retrato y puesta en escena, buscando lo que está escondido bajo la superficie. Como fotógrafa, le encanta crear un universo, y luego llenarlo de personajes y contar su historia.


© Isabelle Chapuis
© Isabelle Chapuis


"Dandelion" es el resultado de mi encuentro creativo con el artista vegetal Duy Anh Nhan Duc. Me apasiona el material de la crisálida y él está obsesionado con las plantas. No es de extrañar que nuestra primera colaboración haya dado lugar a una creación onírica, inspirada en una planta esquiva: el delicado diente de León.


Biografía

Isabelle Chapuis se graduó en 2005 en Artes Gráficas en ESAG-Penninghen en París. Durante dos años viajó y vivió en Asia y Oriente Medio, lo que le permitió experimentar diferentes estilos de vida y realidades, optando por la fotografía y orientándose hacia creaciones que combinan arte y moda, retrato y puesta en escena.

A su vuelta a París, ganó el Premio Picto 2010 de moda joven. En 2011, se unió a la agencia francesa de fotógrafos LN'B. Un año más tarde, su serie Barbapapa, galardonada por la Bourse du Talent, se exhibió en la Biblioteca Nacional de Francia Francois-Mitterrand y ahora forma parte de su colección fotográfica.

Ha colaborado con varias revistas, como Le Monde Magazine, Citizen K, Paulette, OOB, etc.  Su trabajo se exhibe regularmente en galerías e instituciones, como Bettina Gallery en París, Snap Gallery en los Estados Unidos y el Centro de Arte Contemporáneo del Chateau des Adhémar en Montélimar. En Asia, en la Galería Paris 1839 en Hong Kong y en China, donde expuso durante el mes franco-chino del medio ambiente en 5 grandes ciudades: Pekín, Changsha, Guangzhou, Shenzhen y Dalian.

Su serie Rituels forma parte desde 2016 de la colección permanente del Gran Museo del Parfum de París y presentó una instalación en el Palais Galliera, Museo de la Moda de París en 2018. Como invitada en residencia para la 9a edición del Festival Planche(s) Contact, expuso su nueva serie, Anitya, en Deauville en 2018.

En constante búsqueda de transformaciones internas, se sumerge con deleite en materiales orgánicos donde pueda tener lugar cualquier metamorfosis. Escenifica un diálogo sensible entre la piel y materiales cuidadosamente elegidos para servir a la emoción, impulsando su enfoque creativo, centrado en la textura de la crisálida. El ser humano está en el corazón de su trabajo, la epidermis se convierte entonces en una textura vibrante y el apoyo de una narrativa, el cuerpo, una revelación de nuestra relación con lo íntimo y una dimensión de nuestra identidad.

Los materiales que emplea pueden ser tan delicados como las semillas del diente de león (Dandelion) y los pétalos de flores (Etamine) en colaboración con el artista botánico Duy Anh Nhan Duc, o la arena y el mar en Anitya, una serie que trata de la impermanencia, un  principio fundamental del budismo, donde muestra a un elenco de personajes moviéndose cubiertos de arena, una arena que evoca la individualidad humana.



Referencias

jueves, 26 de diciembre de 2019

Carel Blazer

Carel Blazer fue un fotógrafo holandés (nacido el 16 de junio de 1911 en Ámsterdam, fallecido el 16 de enero de 1980 en Nijmegen) que luchó en la resistencia holandesa durante la Segunda Guerra Mundial.


Barakkenbouw (1945), Carel Blazer
Barakkenbouw (1945), Carel Blazer


Es considerado uno de los representantes más importantes en Holanda de la llamada Nueva Visión junto con Éva Besnyő, Emmy Andriesse y Cas Oorthuys. Este estilo de fotografía estaba caracterizado por ángulos inusuales.





Biografía

Carel Blazer estudió para ingeniero mecánico, pero lo dejó por la fotografía, trasladándose a Suiza  un año a la Escuela de Artes Aplicadas de Zúrich, donde aprendió bajo Hans Finsler,uno de los representantes más importantes de la Nueva Objetividad. Después de su regreso a Ámsterdam en 1935, abrió un estudio fotográfico junto con Éva Besnyő, donde realizó principalmente retratos comerciales y fotografía publicitaria.

Se apuntó al Partido Comunista de Holanda (CPN) y se hizo miembro de la Vereniging van Arbeidersfotografen (Asociación de Fotógrafos de Trabajadores),  un movimiento fundado en 1931 con el objetivo de documentar fotográficamente las condiciones de trabajo de los trabajadores holandeses, y se unió a la junta directiva del Departamento de Fotografía de la Bond van Kunstenaars ter Verdediging van de Kulturele Rights(Asociación de Artistas para la Defensa de los Derechos Culturales).

Después de un año de estancia en París, Blazer se fue a España en el 1937, donde se unió a las Brigadas Internacionales luchando en el lado republicano durante unos tres meses en la Guerra Civil, documentando la vida de los soldados en primera línea y también el colapso de la vida normal en España con la guerra. Estas imágenes fueron publicadas en varios periódicos y mostradas en la exposición Foto '37 en el Museo Stedelijk de Ámsterdam, con gran atención de la prensa. En este tiempo se desilusionó con el comunismo, terminando su relación con el PCN poco después.

En 1938, Blazer fue el único fotógrafo extranjero que acompañó la anexión de parte de Checoslovaquia al Reich alemán en el curso del Acuerdo de Múnich. Allí se concentró en documentar los flujos de refugiados de los Sudetes Alemanes, pero fue arrestado y tuvo que regresar a su país.

Ocupada Holanda por los alemanes en la II Guerra Mundial, Carel se unió al grupo de resistencia De Ondergedoken Camera (La cámara oculta) que trató de documentar la ocupación alemana. En ese grupo enseño fotografía a Ad Windig. También participó con la organización de resistencia Persoonsbewijzencentrale en la falsificación y distribución de documentos de identidad para combatientes de la resistencia y personas en la clandestinidad, siendo detenido por los alemanes en 1943 y condenado a muerte, pero lo consiguieron liberar en 1944.

Tras de la liberación de los Países Bajos, Blazer fotografió la captura de soldados alemanes y los esfuerzos de reconstrucción del país. Durante este tiempo se ganó la vida principalmente con fotos publicitarias y como fotógrafo de juicios contra alemanes, siendo también testigo en ellos. Cofundó en 1945 la asociación de artistas Gebonden Kunsten federatie (GKf).

En 1948 se unió a Ad Windig durante unos años bajo el nombre de Blazer y Windig. En las décadas de  los 50 y 60 se centró en la publicidad y la fotografía industrial, pero también hizo viajes en el país y a Europa y Asia Oriental, y luego fotografió a la gente durante sus actividades diarias. Uno de los temas en los que tuvo mayor interés era la relación del agua con su país, documentando los esfuerzos de protección contra las inundaciones, el desastre de las inundaciones de 1953 y los posteriores trabajos de construcción en el Delta. El otro fue la documentación de las condiciones de vida de la clase trabajadora.

Posteriormente trabajó como profesor para jóvenes fotógrafos como Paul Huf y Krijn Taconis, dejando la fotografía en 1974 tras un accidente en el que sufrió una lesión de cadera. Su archivo fotográfico está gestionado por el Instituto Maria Austria en Ámsterdam.


Referencias




Libros

  • 50 Jaar Bruynzeel 1897-1947, 1947.
  • 80 jaar van Leer, 1949.
  • Rome, 1950.
  • Gebroeders Klinkenberg, 1955.
  • De zaak is rond, 1960.
  • Wegen naar morgen, 1962.
  • Willem Ruys:de wereld rond, 1964.
  • Rotterdam-Europoort, natuurlijk, 1969.
  • Van duin tot IJsselmeer, 1970.
  • Anderland, 1979.
  • Carel Blazer Fotograaf, 1979.
  • Zeeland Droog, 1992.
  • Een beeld van Carel Blazer, 1995.
  • Holland zonder haast, 2002.






martes, 24 de diciembre de 2019

Cristiano Mascaro

Cristiano Mascaro es un arquitecto y fotógrafo brasileño (nacido el 22 de octubre de 1944 en Catanduva, vive en São Paulo) considerado como uno de los fotógrafos más importantes de São Paulo y su arquitectura, que ha estado documentando sistemáticamente durante más de dos décadas. También ha documentado el interior del Estado de São Paulo y el patrimonio histórico de todo Brasil.


 Estação da Luz vista do pontilhão às 6.20 h da manhã © Cristiano Mascaro
 Estação da Luz vista do pontilhão às 6.20 h da manhã © Cristiano Mascaro

[En Sao Paulo] Hay diversidad, movilidad, escenarios variados. Te paras en una esquina, y las cosas pasan en tu ausencia.


Biografía

Cristiano Alckmin Mascaro tiene en la arquitectura de las ciudades uno de los ejes fundamentales de su obra. Esto se explica por su formación en la Facultad de Arquitectura y Urbanismo de la Universidad de Sao Paulo (FAU-USP). De su trabajó como reportero fotográfico en la revista Veja entre 1968 y 1972, le queda su rapidez para captar lo inesperado, pero su mirada tiene más que ver con el paisaje urbano que ya tocó en su 1ª exposición individual, Paisagem Urbana, en 1974 en la galería Enfoco de São Paulo.

En su faceta docente ha sido profesor de fotoperiodismo en la Escuela de Fotografía Enfoco (1972-1975), realizó el Laboratorio de Recursos Audiovisuales de FAU-USP (1974 y 1988) y enseñó comunicación visual en la Facultad de Arquitectura y Urbanismo de Santos (1976-1986). En 1986 realizó un master (con la disertación El uso de la fotografía en la inserción del espacio urbano) y se doctoró en 1995 con la tesis Fotografía y Arquitectura por la FAU/USP.

Mascaro ha peregrinado a través de muchas ciudades del mundo, desde metrópolis hasta pequeños pueblos muertos, o simplemente hasta el centro de São Paulo, una ciudad inagotable como las otras pero en la que creció, estudió y trabaja.

Su obra forma parte de colecciones públicas y privadas como las del International Museum of Photography en el George Eastman House de Rochester, Nueva York, Bibliothèque Nationale y Centre National d’Art et de Culture Georges Pompidou en Paris, Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro, Fundação Cultural de Curitiba, Paraná, Pinacoteca do Estado de São Paulo, Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo, Museu de Arte Moderna de São Paulo, Instituto Cultural Itaú e Instituto Moreira Salles en São Paulo, Museu de Arte Moderna da Bahia (MAM) en Salvador, Bahia, …

Recibió el Premio Internacional de Fotografía Eugenio Atget en 1984, y la Beca Vitae de Fotografía en 1989. En 2006, participó como arquitecto de honor de la 6a Bienal Internacional de Arquitectura y Diseño, con la exposición O Brasil en X, en Y, en Z. En 2007 le fue otorgado el Premio Especial Porto Seguro de Fotografia por toda su obra. Actualmente, Cristiano Mascaro es un fotógrafo independiente y se dedica a proyectos personales.


Referencias



Libros



domingo, 22 de diciembre de 2019

Ryan Pavlovich

Ryan Pavlovich es un fotógrafo estadounidense (vive en Los Angeles, California) que realiza fotografía de moda de niños y de estilo de vida con una sensación de crudeza y minimalismo.


© Ryan Pavlovich
© Ryan Pavlovich



Soy un fotógrafo comercial de moda para niños y estilo de vida que creció con sueños de rock and roll y una pasión por explorar. Inspirándome en el skate, la cultura de las motocicletas y las portadas de CD que colgaban de mis paredes, tomé una cámara en la universidad y nunca miré hacia atrás.




Biografía

Ryan Pavlovich creció en un pequeño pueblo de Michigan. Se enamoró de la fotografía mientras veía a su padre crear presentaciones de diapositivas con canciones de Neil Diamond para sus viajes de buceo, aunque no cogió una cámara hasta la universidad, donde se enganchó a la fotografía viendo aparecer su primera foto en la oscuridad del laboratorio.

Después de la universidad, trabajó como diseñador para una compañía de snowboard durante un par de años, persiguió también sus propios sueños musicales durante varios años tocando la batería para bandas de punk e indie, antes de sumergirse en el mundo de la fotografía a tiempo completo, estudiando y trabajando como asistente de diversos fotógrafos locales del oeste de Michigan.

Después de trabajar solo durante unos años y después de algunos eventos personales, casi abandonó la fotografía, pero en 2013 se mudó con su familia a Los Ángeles, donde tardó dos años en familiarizarse con el nuevo entorno y comenzar de nuevo, despertando nuevamente a la pasión creativa, con un mayor enfoque en la fotografía comercial de moda y estilo de vida para niños.

Hoy es padre de cinco hijos, esposo, amante de la fotografía analógica y la cultura de la motocicleta. Siempre está soñando con la próxima vez que pueda usar su cámara, o salir y explorar con su familia o sobre dos ruedas.


Referencias

viernes, 20 de diciembre de 2019

Rasel Chowdhury

Rasel Chowdhury es un fotógrafo bangladesí (nacido en 1988, vive en Dhaka) que realiza fotografía documental con cámara analógica, destacando los problemas ambientales que se asoman en su país. Le gusta tomarse su tiempo y conocer su tema antes de disparar. Ha desarrollado un estilo visual propio para abordar sus temas con un aspecto distintivo.


© Rasel Chowdhury
© Rasel Chowdhury


Mientras celebramos los 400 años de la ciudad de Dhaka, el río Buriganga, que ha desempeñado un papel vital en su crecimiento, está luchando por sobrevivir. Hoy está siendo asfixiado hasta la muerte, extremadamente frágil e incapaz de seguir su curso natural. Nosotros, la gente de Dhaka, lo estamos matando. La población de Dhaka está creciendo día a día. Este río es la forma más popular de viajar a otras partes del país. Muchas fábricas e industrias están instaladas a lo largo del río, descargando productos químicos, aguas residuales y residuos industriales directamente en el agua, lo mismo que hacen los barcos que lo navegan con el aceite de sus motores.
Este río de 41 km de largo que fluye a través de Dhaka una vez nos bendijo con esperanzas y sueños de construir una nueva ciudad. Pero hoy, la ciudad misma está causando la muerte del Buriganga.


Biografía

Rasel Chowdhury tuvo su primer contacto con la fotografía cuando su padre le envió una cámara Yashica automática desde el extranjero. Todavía tiene el  negativo de su primera foto realizada a su tutor. Después de completar un curso básico de fotografía en 2002, comenzó su carrera como fotógrafo freelance. En 2012, completó su graduación en fotografía de Pathshala, South Asian Media Academy. Le gusta explorar y hacerlo solo. Le gusta tomar el tren a Jamalpur, su ciudad natal, para presenciar los cambios en los paisajes y las estructuras de la línea ferroviaria.

Empezó a fotografiar sin un plan consciente inicialmente, convirtiéndose en un adicto, decidiendo documentar espacios de su país. Ha asistido a talleres internacionales de profesores de renombre, incluyendo Philip Blenkinsop y Stanley Green de NOOR Images, Robert Pledge y David Burnett de Contract Press, Jorge Villacorta Chávez de Perú, Raghu Rai, Antoine D'Agata y Sohrab Hura de Magnum Photo, David Kafford del Reino Unido, Jemmy Penny de Getty Images y Shahidul Alam de Bangladesh.

Empezó  por documentar un río moribundo, el Buriganga, la ciudad sin vida de Sonargaon, casas de ancianos, las inundaciones de Bangladesh, la megaciudad Dhaka y los espacios recién transformados alrededor del ferrocarril con el fin de explorar un entorno cambiante, las estructuras de una ciudad no planificada, una nueva forma de paisaje y  la gentrificación en todo el mundo, produciendo historias fotográficas como Waiting for Own Land sobre los refugiados tibetanos en Nepal, Desperate Urbanization sobre el río muerto de Dhaka, Before the End sobre una ciudad muerta,   Railway Longings, un viaje a las raíces, etc.

Recibió la prestigiosa beca Ian Parry en 2011 por su trabajo Desperate Urbanization, el Getty Image Emerging Talent Award 2012 y también fue nominado para la Joop Swart Masterclass en 2011 y el Prix Pictet en 2012. En 2010 fue finalista en el prestigioso premio Magnum Expression Photography. En 2016,  recibió el premio al mejor arte contemporáneo de Bangladesh, el Samdani Art Prize, y tambien el Syngenta Award,

Su trabajo ha sido publicado en revistas internacionales como Lliberation.,Frieze, ARTNET, Artreview, Financial Times, Cobo, E-FLUX, The Guardian, The Sunday Time Magazine, New York Times, Platform, Courrier International, 6Moies, Punctum Magazine, La Internazionale, Business Times, The Daily Star, The New Age, … y expuesto en Cosmopolis #1.5 en Chengdu, China, en 2018, Lahore Art Biennial en Pakistán en 2018, Dhaka Art Summit en Dhaka, Bangladesh, en 2018, 2016, 2014 y 2012, Goa Photo Festival en India en 2017, Fotospace Gallery en Escocia en 2017, KHoj International Workshop en 2017, Asian Art Biennial y Weapon Can’t Kills en Dhaka en 2016, Beijing Biennial Photography Exhibition en 2015, Bronx Museum (BACC) en Nueva York en 2015, Syngenta Photography Exhibition en Somerset House en Londres en 2015, Singapore Photo Festival en 2014, Eyes On Bangladesh en Nueva York en 2014, PIX photo Exhibition en Delhi en 2014, Photo Quai Festival en Paris en 2013, Chobi Mela VII en Bangladesh en 2013, Mother Gallery en Londres en 2013, Photo Phnom Penh festival en Camboya en 2011, Getty Image Gallery en Londres en 2011, Noorderlicht Photo Festival en Holanda y Dubái en 2011, Longitude Latitude en Old Dhaka, Bangladesh, en 2011. Y ha participado en residencias como KHoj International Residency en Goa en 2017, Delfina Foundation en Londres en 2016, Villa Perochon en Niort, Francia, en 2013.

Chowdhury es cofundador de Daagi Art Garage, un grupo multidisciplinar de artistas contemporáneos en Bangladesh.


Referencias


miércoles, 18 de diciembre de 2019

Lotta Lemetti

Lotta Lemetti es una fotógrafa finlandesa (nacida en 1995, vive en Los Angeles, California, EEUU) con una visión única que abraza la belleza de lo sencillo y lo mundano. Su estética minimalista se muestra a través del trabajo diverso que le encanta hacer y no tiene miedo de utilizar procesos alternativos, medios mixtos y diseño gráfico en su creación de sus imágenes.


© Lotta Lemetti
© Lotta Lemetti



Biografía

Lotta Lemetti fue patinadora artística durante 15 años y, a veces, la presión que sentía era abrumadora, por lo que comenzó a utilizar la fotografía y el dibujo como un medio para liberarse del estrés y de la ansiedad que le causaba la competición. Cuando decidió poner fin a su carrera de patinaje su nuevo camino en las artes visuales había estado ya madurando en el fondo de su mente. Se trasladó a Nueva York para estudiar fotografía inmediatamente después de graduarse de la escuela secundaria, asistiendo en 2015 al Conservatorio de Artes Fotográficas de la Academia de Cine de Nueva York (PAC en NYFA) antes de continuar sus estudios en Los Angeles y ganar su BFA en Fotografía.

En 2015 fue la ganadora de la prestigiosa beca Fulbright, una de los 3 finlandeses de ese año y la única en el campo de las artes. Desde entonces, su trabajo ha sido exhibido en galerías de todo el mundo, incluyendo Nueva York, Los Angeles, Italia y Finlandia. Su trabajo ha sido publicado en FAYN Magazine, U+I Magazine, NewBeauty Magazine, PhotoVogue, FLOAT Magazine e IRK Magazine. Ha ganado dos becas de la ciudad de Vantaa, ganó la CCC Ad Open Call 2019 y fue nombrada Fotógrafa del año 2019 por Latitude Life APS.

Ha estado trabajando junto a las fotógrafas Leila Fakouri, Naomi White y Amanda Rowan, y ha trabajado como director artístico para los dos últimos números de PAC en la revista de fotos de NYFA. Prefiere rodar con película en cualquier formato, pero también está familiarizada con las mejores cámaras digitales.

En 2018, con su serie Kekta, ganó el título de Fotógrafo del Año de Latitude Life APS. Kekta se exhibió en Nueva York y en  Pravisdomini, Italia. Esta serie es una exploración de la mezcla cultural y la identidad nacional, originada a partir de su propia experiencia de vivir entre dos culturas, y está formada por escenas inspiradas en las creencias inmemoriales de la unidad entre los seres humanos y la naturaleza, y las tradiciones culturales que se han transmitido durante generaciones en forma de cuentos populares orales sobre la mitología finlandesa, principalmente de la épica nacional finlandesa Kalevala, un libro de poemas recogidos de diferentes regiones de Finlandia. Estas escenas están realizadas en diversos paisajes americanos, con personas de diferentes orígenes étnicos, creando una nueva narrativa de identidad policultural.

En su serie The Ordinary  un conjunto de hermosas composiciones de bodegones que incluyen varios tipos de alimentos coloridos sobre un fondo blanco, muestra los fundamentos de su trabajo fotográfico: el uso de la luz, el color y el espacio vacío, así como su deseo de simplicidad y ligereza. También su fascinación por la belleza que existe en las cosas ordinarias si se las observa de la manera adecuada. Nada es demasiado insignificante ni ordinario, como para que no haya belleza en ello.



Referencias

lunes, 16 de diciembre de 2019

Timothy Hogan

Timothy Hogan es un fotógrafo estadounidense (vive en Ojai, California) que realiza principalmente fotografía de objetos para una gran variedad de marcas internacionales y agencias de publicidad de las industrias de bebidas, tecnología, fragancia y diseño.


© Timothy Hogan
© Timothy Hogan

theFINproject fusiona el amor de Timothy Hogan por el surf con su amor por la fotografía. El proyecto tiene dos ángulos: la aleta (de la tabla de surf) como objeto, y las historias de los innovadores que están o han estado detrás de la aleta. Para explorar la aleta como un objeto, Hogan ha realizado miles de fotografías de aletas, mostrando lo únicas que pueden ser todas y cada una de las aletas. También ha documentado las historias de los innovadores que están detrás de la evolución de la aleta.



Biografía

Timothy Hogan se graduó en la Universidad de Siracusa en 1998, donde estudió fotografía. En aquella época  fotografía significaba productos químicos y cuarto oscuro. Después de graduarse se trasladó a Nueva York donde trabajó como asistente durante un año y luego trabajó por su cuenta. Abrió su primer estudio en 2000. A lo largo de los años, Timothy ha sido propietario de varios estudios en Nueva York y se mudó a Los Ángeles en 2011. Fundó el estudio de comercio electrónico CONVYR en 2016 para proporcionar servicios a las crecientes necesidades de contenido de las marcas de comercio electrónico.

Ha estado haciendo fotografía a tiempo completo (80% publicidad de objetos y 20% belleza) desde que se graduó, unos 20 años, donde su dominio de la iluminación y sus imágenes de objetos únicas y precisas, le han permitido trabajar para una variedad de marcas internacionales y agencias de publicidad de las industrias de bebidas, tecnología, fragancia y diseño, como David Yurman, Johnnie Walker, Maybelline, Tommy Hilfiger, Visa y Vince Camuto, por nombrar algunos.


Referencias

sábado, 14 de diciembre de 2019

Jeff Dunas

Jeff Dunas es un fotógrafo estadounidense (nacido el 23 de octubre de 1954 en Los Angeles, donde vive) que en su larga trayectoria de 5 décadas ha realizado fotografía de desnudos, documental, retrato de celebridades, principalmente del mundo de la música, y callejera.  Fundador y editor de revistas de fotografía, también es el fundador y director del Palm Springs Photo Festival.


David “Honeyboy” Edwards © Jeff Dunas
David “Honeyboy” Edwards © Jeff Dunas

State of the Blues es el conmovedor tributo del fotógrafo Jeff Dunas al poder del blues, una tradición estadounidense que tiene sus raíces en el delta del Misisipi y ramas que se han extendido por todo el mundo. El blues hace poesía del dolor y encuentra humor e ironía amarga en las dificultades de la vida. Incluye una serie de retratos íntimos de los mejores artistas de blues como B.B. King, Koko Taylor, Charlie Musselwhite, Clarence "Gatemouth" Brown y muchos otros.



Biografía

Jeff Dunas comenzó su vida profesional en la fotografía con 18 años. Desde 1972 hasta 1980 publicó foto-ensayos y portafolios en revistas de todo el mundo. En 1977, se trasladó a París, y en 1981 fundó Melrose Publishing Company. En 1983 creó Collector's Editions, Ltd., una distribuidora por correo de publicaciones de fotografía artística. Esto sentó las bases para Blue Series, que publicaría 24 libros de fotografía de varios autores. Desde 1985 hasta 1988, Dunas escribió y publicó más de 100 entrevistas y perfiles de fotógrafos para las revistas Collector's Photography y Darkroom Photography.

En 1989 volvió a Los Angeles, realizando fotografía comercial, de moda, de belleza y artística. También comenzó sus proyectos personales, como American Indian SeriesDisappearing America, donde documentó la vida en 62 pequeñas ciudades de Oregón, Legends of The Blues, un ensayo fotográfico sobre La Habana, y el Rural Mississippi Delta, un proyecto patrocinado por Agfa y Mamiya. Produjo y dirigió una película de 26 minutos titulada Willy Ronis: Menilmontant/ Belleville, Les Fruits du Hazard, que se mostró durante el Mes de la Fotografía en París.

Montó su nuevo estudio, creando pequeños decorados, tanto en interiores como en interiores, donde podía colocar a sus modelos de variadas formas, fotografiando a innumerables estrellas de cine, modelos y artistas. A diferencia de muchos fotógrafos famosos, Dunas nunca ha cultivado relaciones con los famosos que ha retratado (Cameron Diaz, Angelina Jolie, Morgan Freeman, BB King, …) y muchas veces ni siquiera ve sus películas.

Una de las claves de éxito es que también se toma tiempo para trabajar en libros (ha publicado más de una docena de monografías) y exposiciones (12 expos unipersonales en museos y unas 50 en galerías), teniendo siempre varios proyectos personales en marcha. Su trabajo ha aparecido en cientos de revistas, portadas de álbumes, libros y calendarios. Sus principales áreas de trabajo son los desnudos, la fotografía documental, el retrato de celebridades y la fotografía de calle.

Dunas fundó el Palm Springs Photo Festival en 2006 y la Official Portfolio Review en PhotoPlus Expo en 2010. En 2014, produjo y dirigió PhotoSynthesis, un festival de fotografía y música en Los Angeles para la Annenberg Foundation.



Referencias




Libros

  • Captured Women, 1981.
  • Mademoiselle!, 1982.
  • Voyeur, 1983.
  • Jeff Dunas, 1989.
  • Jeff Dunas: Blue Series & Duotones, 1991.
  • Indians and Mountain Men, 1992.
  • Laura, 1993.
  • Disappearing America, 1995.
  • State of the Blues, 1998.
  • Jeff Dunas (catálogo), 1999.
  • American Pictures, 2002.
  • Jeff Dunas:  Eros Fotografia, 2003.
  • Up Close & Personal, 2003.
  • Working America (con Steve McCurry & James Natchewey), 2009.
  • The Character Project (varios), 2009.
  • Welcome To My World, 2009.

jueves, 12 de diciembre de 2019

Fokion Zissiadis

Fokion Zissiadis es un arquitecto, empresario y fotógrafo griego (nacido en 1956 en Tesalónica) que traslada su amor por la naturaleza y vida salvaje, el deporte, la aventura del viaje y la vida al aire libre a la fotografía que realiza.


© Fokion Zissiadis
© Fokion Zissiadis


Biografía

Fokion Zissiadis estudió arquitectura en la Universidad Aristóteles de Tesalónica y realizó un master en la Universidad de Pensilvania en Filadelfia, EEUU, graduándose en 1983. Ha continuando la tradición familiar en el sector hotelero y turístico griego. Se interesó inicialmente por la fotografía fotografiando edificios y paisajes urbanos durante sus años como estudiante de arquitectura. Más tarde fue la naturaleza, a pequeña o gran escala, la que se convirtió en su prioridad narrativa, mientras que poco a poco fue desarrollando un estilo personal e interpretativo de los paisajes que trataba de capturar.

Persona activa y con pasión por el mundo natural y amor por la aventura, ha realizado viajes a destinos donde la naturaleza se revela majestuosa y primigenia y donde el visitante debe afrontarla con humildad. En todos sus viajes fotográficos es acompañado por su compañera de vida y asesora, su esposa Mata Tsolozidi Zissiadis.

Su trabajo fotográfico abarca una amplia gama de fenómenos geológicos y diversos terrenos: desiertos, glaciares, sabanas, volcanes, ríos, mares, cordilleras y tierras altas. Ha visitado y fotografiado lugares tan variados como Pekín, Moscú, Nueva York, Los Angeles, Buenos Aires, las capitales de Europa, Egipto, Patagonia, Botsuana, Namibia, Sudáfrica, Bahamas, Israel, Capadocia, Constantinopla, Malta, Omán, Qatar, Dubái y, más recientemente, Islandia y Groenlandia, a las que ha dedicado sus libros Iceland e Icebergs, y Vietnam, objeto de un próximo libro.


Referencias




Libros

martes, 10 de diciembre de 2019

Nick Onken

Nick Onken es un fotógrafo estadounidense (vive en Nueva York) que realiza fotografía de moda y estilo de vida para las mejores marcas, artistas y emprendedores de hoy en día.


© Nick Onken
© Nick Onken


Biografía

Nick Onken trabajó inicialmente como diseñador gráfico, tocando un poco la fotografía porque tuvo algunas clases obligatorias en la escuela secundaria y en la universidad como parte del programa de diseño. Cuando apareció la fotografía digital, se compró una cámara para apoyar con imágenes (bodegones y cosas parecidas) su trabajo de diseño. Consiguió convencer a una ONG cliente suya de compartir los gastos de un viaje a África para hacerles un banco de imágenes y disfrutó tanto del viaje y la fotografía que empezó a fotografiar con un mayor interés, terminando por  enamorarse de la fotografía y poco a poco, con mucha sangre, sudor y lágrimas, se convirtió en fotógrafo a tiempo completo.

Consigue imágenes impactantes (lo que él llama Realismo elevado) para emprendedores que quieran elevar su marca personal y conectar con su audiencia profundamente a través de la narración visual. Ha fotografiado a celebridades como Justin Bieber, Tom Hanks, Usher y Jessica Alba y a empresarios como Tony Robbins y Lewis Howes. También ha trabajado en campañas publicitarias mundiales para grandes marcas como Nike, Chevy, Adidas, Lamborghini y Coca-Cola. Su trabajo ha sido publicado en Marie Claire, Seventeen, Conde Nast Traveler, French Cosmopolitan y otros medios.

En NION Radio Nick explora el cuerpo, la mente y el alma del emprendedor creativo, trayendo a invitados inspiradores e influyentes para ayudar a llevar la creatividad, negocios y vida al siguiente nivel. Adobe también le ha reconocido por su actividad como difusor de la creatividad. Ha trabajado con la organización benéfica Pencils of Promise y cree que la educación es el problema fundamental de nuestro mundo.


Referencias



Libros

domingo, 8 de diciembre de 2019

Nieves Mingueza

Nieves Mingueza es una artista visual española (nacida en Valencia, vive y trabaja en Londres) que trabaja con fotografía experimental, collage y texto. Los temas que trata tienen en común su fascinación por los libros antiguos, historias cinematográficas, cámaras vintage, micropoesía y dibujos minimalistas. En última instancia, su trabajo trata sobre la relación nebulosa entre la ficción y la realidad. Además, actualmente está explorando sobre la memoria, la salud mental y los conflictos humanos.

© Nieves Mingueza
© Nieves Mingueza


Elegí la fotografía analógica porque adoro la magia de los negativos y por mi profunda afinidad con el cine. Es un medio de expresión con el que puedo experimentar y jugar, y sorprenderme con los resultados finales.
Sin embargo hay otros proyectos en los que deseo una específica narrativa, que no puedo obtener a través de fotos, entonces acudo al collage, … porque adoro el acto de buscar piezas antiguas de papel, incluyendo libros, revistas, fotos, postales, etc, que toco, huelo y acumulo en cajas, y después cuando llega el momento las recorto y manipulo para obtener la imagen deseada.


Biografía

Nieves Mingueza vive y trabaja en Londres, donde ejerce como educadora en un Colegio Especial de Primaria para niños-as autistas. Experimenta con la fotografía, el collage, textos... Conocida por su práctica narrativa y visual, ella manipula y reinterpreta imágenes, agrega palabras, dibujos y, como consecuencia de este proceso, otorga un significado completamente nuevo a las piezas originarias.

Como ejemplo de su trabajo podemos citar su serie Here I am, compuesta por 19 collages analógicos y un poema que muestran un retrato sensible y no invasivo del autismo en la niñez, que ha sido inspirada en su experiencia profesional en una escuela para estudiantes con necesidades especiales en el sur de Londres. Esta serie fue premiada en el marco del Alpine Fellowship Visual Arts Prize en Venecia.

En su serie The malady of Suzanne explora la historia de Suzanne, una mujer vietnamita que después de casarse con un inglés se mudó a Londres, y algunos años más tarde se enfermó mentalmente. Cuando Nieves se mudó a su nuevo apartamento en Londres, se enteró de que este lugar había sido un hospital de salud mental, cruzando así caminos con Suzanne.

Su trabajo  se ha mostrado en numerosas exposiciones internacionales en España, Reino Unido, Francia, Australia y  EEUU, como The Royal Academy of Art y Tate Britain en Londres, PhotoEspaña2016 en Madrid,  Retina Scottish International Photography Festival en Edimburgo, Espai Rambleta en Valencia, Copeland Gallery, Les rencontres de la photographie Arles, Fondazione Giorgio Cini, Saatchi Gallery, … 

Destaca su estrecha colaboración artística con sellos discográficos de música experimental, así como con revistas y editoriales entre las que podemos citar Low Light Magazine, SHOTS Magazine, WITTY KIWI Magazine, Sarmad Magazine, Eyemazing Editions, YET Magazine, VogueIT,  LensCulture, Editorial 8mm, Fisheye, Der Greif, Low Light Magazine y L'oeil de la photographie, entre otros.

Recientemente, en julio de 2019, su primer libro monográfico all other voices gone, only yours remains fue publicado por IIKKI Books Editorial.


Referencias



Libros

viernes, 6 de diciembre de 2019

Dhiky Aditya

Dhiky Aditya es un fotógrafo indonesio (vive en Solo, Java) que tiene como temas principales la fotografía creativa y la artística y, cuyo estilo, eminentemente abstracto, combina esteticismo y surrealismo.


Tarian Ikan Cupang © Dhiky Aditya



Biografía

Dhiky Aditya tuvo su primera cámara en 2010 con 20 años. Autodidacta, ganó rápidamente competiciones en toda Indonesia, su país natal, antes de conquistar el mundo (Indonesia Nikon Photo Competition en 2012, Fujifilm X Batik Photocontest en 2016, 3º premio en el APEC de 2016, HIPA 2016, Canon Photo Marathon IX  en 2017, International Photography Awards en 2017, 2º premio en la categoría de fotografía creativa en los Sony World Photography Awars en 2019, etc.).

Vivir en un país lleno de diversas culturas, tradiciones y belleza natural, combinado con una visión moderna de la fotografía, un meticuloso e incansable trabajo y una reposada post-edición en Photoshop le llevan al éxito en su producción fotográfica, en la que toca todos los temas: moda, boda, paisaje, retrato, viajes, calle, manipulación digital y fotografía creativa y artística.


Referencias

miércoles, 4 de diciembre de 2019

Jaime Belda Alted

Jaime Belda Alted fue un fotógrafo español (nacido en 1878 en Novelda, Alicante, fallecido en 1951 en Albacete) ejemplo de la fotografía costumbrista, folclórica y etnográfica de su época, principalmente en la provincia de Albacete.


© Jaime Belda Alted
© Jaime Belda Alted



Biografía
Jaime Belda Alted estudió el oficio fotográfico en Valencia junto a Antonio García, el retratista más prestigioso de la capital, que le enseño las técnicas del estudio y del laboratorio. En 1898 regresó a su pueblo natal donde se puso a trabajar con su hermano mayor Antonio, trabajando bajo el nombre comercial de Hermanos Belda,  realizando  retratos y vistas de la ciudad. A partir de 1901 se anuncia en solitario como Jaime Belda o J. B. Alted en esta misma localidad. Entre 1901 y 1905 no sabemos si mantuvo un estudio en Denia con el nombre de Belda y Señora, o era su hermano Antonio. En 1914, se trasladó a Albacete dedicándose al retrato, haciéndose cargo su sobrino Alberto Escolano del establecimiento de Novelda. 

De su trabajo se conservan cientos de placas de cristal, principalmente retratos y fotografía costumbrista, en formatos que van del 18×24 hasta el 9×13, siendo reseñables dos trabajos en concreto: el álbum fotográfico de 1913 que realizó  con motivo de la celebración del segundo centenario del natalicio de Jorge Juan y Santacilia que es considerado como uno de los primeros reportajes gráficos de un importante acontecimiento de comienzos del siglo XX, y el que, para la empresa Manuel Alberola e Hijos,  realizó sobre el comercio y exportación del azafrán en la primera década del siglo XX.

Fue corresponsal de prensa gráfica como Blanco y Negro, Mundo gráfico, Oro y Azul, La Flecha, y también un consumado paisajista, siendo comercializada su colección de postales de Novelda por Hauser y Menet en 1904. Concursó y consiguió importantes premios, como la medalla de oro en la exposición de Valencia de 1910. Incluso practicó el dibujo.

Ha sido el origen de una saga de fotógrafos de 4 generaciones hasta el momento, que ha tenido su reconocimiento por el Ayuntamiento de Albacete que en 1996 organizó la muestra Albacete, cuatro miradas, un recorrido de la obra de los cuatro fotógrafos, y en 2010, Tiempos de Feria, un centenar de fotografías de los Belda realizadas entre 1910 y 1965, testimonio antropológico de la evolución de la Feria de Albacete.

Su hijo, Jaime Belda Seller, le ayudaba en su estudio y al final se dedicó a esta profesión. Aprendió la técnica del color en Sevilla, de la mano de Ducker, y se dedicó a la fotografía de arquitectura y estudio social, heredando posteriormente el negocio. Tras la Guerra Civil española destruyó gran parte de su trabajo para evitar que los vencedores identificasen a los asistentes a los actos republicanos fotografiados en Albacete durante la contienda.

Jaime Belda Martínez estudió Derecho pero, al acabar la universidad, empezó como ayudante en el estudio familiar, para acabar haciéndose cargo de su dirección hasta 2012. Su obra se caracteriza por el uso del color, siendo destacables sus fotos de paisajes manchegos. Actualmente, el estudio familiar está a cargo de Víctor Belda Garrido.



Referencias



Libros