sábado, 20 de abril de 2019

Laura Gómez Lerena

Laura Gómez Lerena es una fotógrafa española (nacida en Mallorca en 1989, vive en Barcelona) que compagina su trabajo en prensa con la fotografía de arquitectura e interiores, además de cubrir eventos deportivos y realizar sus proyectos personales.


© Laura Gómez Lerena

© Laura Gómez Lerena



Biografía

Laura Gómez Lerena estudió periodismo y fotografía en Barcelona. Trabaja como freelance y ha colaborado con diferentes publicaciones como Vice, El Confidencial, Diario ABC, La Razón, El Nacional.cat y el Diari Ara entre otros.

Actualmente compagina su trabajo en prensa con la fotografía de arquitectura e interiores. Sus trabajos personales han sido expuestos en diversas exposiciones individuales y colectivas, principalmente su proyecto más reciente, Agnus. Éste es un trabajo que no pretende ser testimonio objetivo del mundo ganadero, ni sitúa al agricultor en el centro del relato. Es una mirada parcial sobre la realidad, una metáfora sobre la vida y la muerte con las ovejas como protagonistas. Los altos contrastes de luz y oscuridad de las imágenes representan dos mundos antagónicos: la vida y la muerte, el hombre y la naturaleza. Este tipo de explotación ganadera es representada como un mundo estanco e inalterable en el que sus habitantes vagan sujetos a la transitoriedad de la vida.


Referencias

viernes, 19 de abril de 2019

Christian Franzen y Nisser

Christian Franzen y Nisser fue un diplomático y fotógrafo danés (nacido el 18 de diciembre de 1863 en Fjolde, Dinamarca, fallecido el 17 de septiembre de 1923 en Madrid) que desarrolló su labor fotográfica en Madrid. Llamado "fotógrafo de reyes y rey de los fotógrafos", fue el primero en realizar en España fotografías al magnesio y a lo largo de su vida fotografió a casi toda la nobleza española de la corte de Alfonso XIII.


 S.M, la Reina Doña Victoria, de Christian Franzen y Nisser


Biografía
Christian Franzen y Nisser se afincó en Madrid hacia 1885 y fue uno de los fotógrafos preferidos de la Familia Real española y de la aristocracia. Son famosos sus retratos del rey Alfonso XIII, de su esposa la reina Victoria Eugenia y de la regente María Cristina de Habsburgo-Lorena, de quien se afirma que profesaba cierto afecto al fotógrafo.

Desde 1901 tuvo su estudio en la calle del Príncipe de Madrid, que pronto gozó de gran reconocimiento, gracias a los retratos que realizó a los miembros de  la Familia Real española, que además le concedió el permiso de poner el escudo real en los cartones de sus fotos. Su trabajo tuvo mucha repercusión por el uso del platinotipo, con el que conseguía imágenes más estables. Junto a Kaulak y Manuel Company, está considerado uno de los mejores retratistas de la transición a la Restauración.

Trabajó para las primeras revistas ilustradas de la época, en especial con la revista Blanco y Negro, donde ilustró tres de sus secciones: Estudios fisonómicos, Madrid de Noche y Fotografías íntimas, también en La Ilustración Española y Americana, Nuevo Mundo y La Esfera. En 1889 participó en la Exposición Universal de Barcelona. Fue también cónsul de Dinamarca.

Gracias a los flash de magnesio, su labor fotográfica se desarrolló también dentro de los salones de la aristocracia madrileña, donde se reunían las figuras más importantes de la sociedad económica y cultural, como Doña Eulalia de Borbón y la Baronesa de Renzis de Montanaro, el alcalde de Madrid Alberto Aguilera, el presidente Canalejas, y celebridades tales como el maestro de esgrima y campeón mundial Afrodisio Aparicio. En 1897 se publicó el libro del cronista Eugenio Rodríguez conocido como Monte-Cristo bajo el título de Los salones de Madrid, con ilustraciones de Franzen que constituye un archivo iconográfico de gran variedad al reflejar las estancias palaciegas de la aristocracia madrileña (marqueses de Cerralbo, Asprillas, Viana, Linares, ...), así como de las principales embajadas, dejando testigo de las grandes solemnidades sociales.

Su obra como retratista incluye a periodistas, a políticos como Sagasta, a escritores como Concha Espina y Emilia Pardo Bazán y a pintores como Joaquín Sorolla, a quien retrató en su estudio madrileño y  que retrataría a Franzen en uno de sus cuadros.

Tiene obra en la colección de la National Portrait Gallery de Londres. Parte de su legado también se encuentra en el Museo Cerralbo y en el Museo Sorolla en Madrid, donde se conservan numerosos positivados suyos de retratos de los Reyes de España y de la aristocracia de la época. Un fondo de 33.000 clichés, en su mayoría placas de cristal y negativos en gelatina, será digitalizado por RTVE.

Referencias



Libros




jueves, 18 de abril de 2019

Bettina von Zwehl

Bettina von Zwehl es una fotógrafa alemana (nacida en 1971 en Múnich, vive y trabaja en Londres) conocida por su sutil y tranquila fotografía de retratos. A medida que su práctica se ha desarrollado, ha buscado diferentes maneras de afrontarla: desde sus primeras obras, más definidas por las rigurosas condiciones que imponía a sus modelos, ha evolucionado en sus proyectos más recientes hacia la tradición de la miniatura del retrato pintado.


© Bettina von Zwehl

© Bettina von Zwehl


Biografía

Bettina von Zwehl  estudió en Londres, obteniendo una licenciatura en fotografía en el London College of Printing y un master en fotografía artística por el Royal College of Art de Londres, donde comenzó a hacer retratos usando un método del siglo XIX, que encontró trabajando como asistente en Roma, trabajando en película con una cámara de placas de 10x8". La mayor parte de su trabajo está realizado en estudio y se inspira fundamentalmente en su fascinación por el rostro humano y las relaciones humanas.

Sus primeros trabajos se basaban en circunstancias físicas o emocionales inusuales, para conseguir un mayor grado de vulnerabilidad de sus modelos, a los que fotografiaba a medida que se despertaban de un sueño profundo, mientras se recuperaban de un esfuerzo físico, empapados por la lluvia o escuchando atentamente música en una habitación oscura, y con su quietud llevar al espectador a los más mínimos detalles: manchas, arrugas, pelos perdidos, rubor en las mejillas, ...  También ha estado interesada, bajo la influencia de la pintura renacentista, en la fotografía de perfil, que para ella es una de las formas más poderosas de representar a una persona. 

Su actual interés por las miniaturas, y su subgénero menos conocido, la miniatura ovalada de ojos, se desarrolló durante sus seis meses como artista en residencia en el Victoria & Albert Museum.

También participó en una residencia de 5 meses en el Freud Museum de Londres en 2013-2014. donde creó una instalación permanente para la sala Anna Freud en respuesta a la vida y el legado de Anna Freud. La obra es una exploración delicada y en profundidad del dolor, la pérdida y la amistad. Expuso Invitation to Frequent the Shadows en el Freud Museum de Londres en 2016.

Ha realizado exposiciones individuales en museos y galerías europeos y americanos, incluyendo el Freud Museum de Londres en 2016, Fotogaleriet de Oslo en 2014, National Portrait Gallery en Londres en 2014, Centrum KulturyZamek en Poznan en 2011, V&A Museum of Childhood en Londres en 2009, The Photographers’ Gallery de Londres en 2005 y la galería Lombard Freid de Nueva York en 2004.

Sus fotografías forman parte de colecciones como las del Solomon R. Guggenheim Museum en Nueva York, Mint Museum en Charlotte, Carolina del Norte, Victoria and Albert Museum, Arts Council Collection y The National Portrait Gallery en Londres, Rubell Family Collection en Miami y Pier 24 Photography en San Francisco.


Referencias




Libros


    Antologías
    • The Photograph as Contemporary Art, 2004.
    • The Portrait Now, 2006.
    • Vitamin Ph: New Perspectives in Photography, 2006.
    • The Body in Contemporary Art, 2009.
    • Road to 2012, 2012.
    • 21st Century Portraits, 2013.

    miércoles, 17 de abril de 2019

    Jaap Scheeren

    Jaap Scheeren es un fotógrafo holandés (nacido en 1979 en Nijmegen, vive y trabaja en Ámsterdam) cuyas imágenes siguen una cierta lógica infantil que toca el mundo real, pero con un cierto positivismo. Su obra evoca continuamente una sensación de nostalgia y una celebración de la juventud.


    © Jaap Scheeren

    © Jaap Scheeren



    Biografía

    Jaap Scheeren decidió estudiar fotografía tras una aventura fallada en química. Se graduó en 2003 en la St. Joost Academie en Breda. Podríamos calificar o describir su trabajo como Fresh anarchy (una fresca anarquía).  Con un estilo propio, ligeramente absurdo, investiga la coherencia entre la realidad y la fotografía. Al hacerlo, desarrolla un mundo visual en el que sigue su propia intuición, lógica y reglas. Siempre con un giro humorístico.

    Ganó la 21ª competición del Festival Internacional de Mode et de Photography en Hyères (Francia) en 2006. Colaboró con la artista Anouk Kruithof en el proyecto The Black Hole, por el que ganaron el Unique Photography Prize. La serie fue exhibida en Foam. En 2007 autopublicó el fotolibro Oma Toos sobre su divertida abuela.

    Ha expuesto su trabajo ampliamente incluyendo el Nederlands Fotomuseum de Rotterdam, Fotofestival Naarden, W 139 and De Balieen en Ámsterdam, Villa Noailles en Hyères (Festival Internacional de Mode et photographie), Centro australiano de fotografía en Sídney,  6ª Bienal Internacional de fotografía y artes plásticas en Lieja y Galería Michalsky Dvor en Bratislava.

    Su libro más reciente, Cut Shaving, The Xerox Edition combina por primera vez todo su trabajo, explorando diversas formas de reproducir la fotografía, fotolibros y archivos visuales, dando como resultado una publicación fresca y anarquista que no sólo documenta su obra, sino que también forma parte de ella.

    Su fotografía se ha mostrado en diversas revistas y publicaciones, incluyendo nrc.next, FOAM, Wallpaper, Kilimanjaro, Le Book, Beaux-Arts, Libération, LeMonde, DasMagasin, PICNIC, IANN, Blast y Picnic.


    Referencias



    Libros

    • Jaap Scheeren Cut Shaving, 2013.
    • Il/Elle s’appelle Margriet, 2012.
    • Fake Flowers in Full Colour, 2009.
    • Gassboggreidn, 2009.
    • 3 roses, 9 ravens, 12 months, 2008.
    • Oma Toos, 2008.
    • The Black Hole (con Anouk Kruithof), 2006.

    martes, 16 de abril de 2019

    Horst Diekgerdes

    Horst Diekgerdes es un fotógrafo alemán (vive en Zúrich, Suiza) que, a lo largo de su carrera ha realizado desde campañas publicitarias para Miu Miu a portadas de álbumes para Pulp (This Is Hardcore), pasando por retratos de iconos culturales con un lenguaje visual siempre distintivo. Es uno de los fotógrafos de moda más reconocidos de Alemania y  sus imágenes oscuras, sorprendentes y surrealistas han formado parte de campañas publicitarias icónicas y de grandes revistas.
     
    © Horst Diekgerdes
    © Horst Diekgerdes

     

    Biografía

    Horst Diekgerdes ha trabajado internacionalmente en todo el Reino Unido, Europa, Estados Unidos y Asia. Después de muchos años en París, la capital de la moda, donde asiste regularmente a los desfiles de moda, ahora reside en Zúrich pero viaja por todo el mundo por motivos de trabajo.
     
    Su trabajo editorial se ha mostrado en publicaciones de renombre como Interview, Another, Another Man, Arena Homme+, Muse, Self Service, Vogue UK, Vogue Spain y Vogue Japan, Numéro, Numéro Homme, Harper’s Bazaar, Interview Germany, Teen Vogue y GQ Style, entre otros. Horst ha colaborado con Fabien Baron, Work in Progress, Peter Saville, ARNYC, David James, Becha Achermann, Alex Wierderin y Robin Derrick.
     
    Su lista de clientes de publicidad de moda y perfumería incluye a Escada, Miu Miu, Chloé, Sonia Rykiel, Thomas Burberry, Burberry Blue Label, L'Oreal, Loro Piana, Alessandro Dell’Aqua, Kenzo, Levis, Joop!, Max Mara, Rochas y Hermès. También ha trabajado de forma continua con Louis Vuitton, Mytheresa, Bergdorf Goodman y Lacoste. Asimismo ha realizado retratos de iconos culturales desde Alexander McQueen a Erykah Badu, pasando por Charlotte Gainsbourg.
     
    Altamente celebrado por exposiciones en el Instituto de Arte Contemporáneo de Boston, The Winterthur Museum for Photography y el Migros Museum de Suiza, sigue inspirando con su muy personal perspectiva del mundo de la moda, que realiza con una modernidad atemporal. Es provocador, sensual y ligeramente excéntrico.
     
    Su primera monografía, Horst Diekgerdes, es una celebración de la vida, la moda y la fotografía en forma de un viaje fotográfico desde mediados de la década de los 90 hasta el presente, combinando fotografías de moda con imágenes de sus diarios personales, observaciones de la vida cotidiana y obras inéditas.
     
    Está representado internacionalmente por SHOTVIEW.

    Referencias

     

    Libros

    lunes, 15 de abril de 2019

    Piergiorgio Casotti

    Piergiorgio Casotti es un fotógrafo italiano (nacido en 1972 en Reggio Emilia) al que siempre le ha atraído la dinámica de los seres humanos. Desde que descubrió la fotografía la he visto como un medio que le permite explorar el mundo y a sí mismo al mismo tiempo. Intenta crear proyectos complejos con el fin de expresar la complejidad del mundo y la vida a través de imágenes y textos, vídeos y música, queriendo romper viejos patrones y ampliar las fronteras. Le gusta contar historias, estados de ánimo y experiencias que tienen poco que ver con los estándares estéticos.


    © Piergiorgio Casotti

    © Piergiorgio Casotti



    Biografía

    Piergiorgio Casotti se graduó en economía/estadística de la Universidad de Parma. Después de terminar varios cursos de fotografía en el Pratt Institute of Nueva York City en 2005, encontró trabajo como fotógrafo de moda, pero anhelaba perseguir su verdadera pasión por la fotografía documental. Desde entonces, ha estado explorando la dinámica única de las sociedades de todo el mundo a través de la interacción constante con las personas y los lugares que les dan forma. Su fotografía equilibra una fuerte emoción personal con cualidades documentales. En 2010 comenzó a trabajar con video, lo que le permite contar historias de maneras que la fotografía no lo hace.

    Sus proyectos principales, que han tomado forma de libro, son:
    • Sometimes I cannot smile. Un viaje íntimo y personal hacia el mundo juvenil de la comunidad Inuit en la costa este de Groenlandia, donde la naturaleza, el aburrimiento, la violencia y un fuerte legado cultural han estado reclamando durante décadas el triste peaje de hasta un 25% de intentos de suicidio.
    • Where does the White go. Un homenaje a sus montañas y a su silencio, un tributo personal y al mismo tiempo una conciencia de su despoblación y transformación, mostrando un cambio lento de su tejido social y cultural.  Y en los pueblos abandonados lo que alguien ve como melancolía, nostalgia, desolación y tristeza, se convierte en una fuente de reflexión y energía. Una aceptación fatalista pero positiva de la vida y su incesante movimiento.
    • INDEX G. Trata sobre la segregación racial en St. Louis, Estados Unidos. Describe en un lenguaje experimental las experiencias de vida y los sentimientos de los americanos marginalizados dentro de su ciudad. Este trabajo se desarrolla como un juego de "teatro del silencio", hecho de una ausencia de personajes y sus historias peculiares, donde las cosas vistas y narradas permanecen incontadas y suspendidas en el tiempo, en ese momento específico de incertidumbre, entre algo elusivo que acaba de suceder, y cuyas consecuencias sólo somos capaces de percibir, o la emocionante sensación de que ocurrirá pronto. Un limbo lleno de tensiones y dudas. No sucede nada aparentemente, pero la historia tiene lugar en el silencio de las vidas.


    Referencias



    Libros

    domingo, 14 de abril de 2019

    Melanie Manchot

    Melanie Manchot es una artista visual interdisciplinar (nacida en 1966 en Witten, Alemania, vive y trabaja en Londres) que trabaja con fotografía, cine y vídeo entendidos como una práctica performativa y colaborativa. Sus proyectos suelen explorar lugares específicos, espacios públicos o comunidades singulares con el objeto de definir identidades individuales o colectivas. 


    © Melanie Manchot

    © Melanie Manchot


    Biografía

    Melanie Manchot llegó al arte a través de su interés por la filosofía, la teoría cultural y la historia del arte, involucrándose en él, cada vez,  y en crearlo ella misma mientras estudiaba en la New York University (1988–1989). Cuando llegó a Londres, supo que quería trabajar como artista, y se había apasionado por las imágenes fotográficas en particular. Este medio, por su capacidad para lidiar con la intimidad física y psicológica,  se ha convertido en uno de los medios de comunicación más importantes en su búsqueda como artista. Continuó sus estudios en la City University  y más tarde realizó un doctorado en Fotografía Artística en el Royal College of Art.

    De 1992 a 2005, Manchot fue conferenciante en varias instituciones, como Goldsmiths College of Art, Central St Martins, London College of Communication, Middlesex University y The University of the Arts, continuando su labor como conferenciante y participante en simposios internacionales.

    Melanie trabaja con la fotografía, el cine y el vídeo como una práctica performativa y participativa. Sus proyectos a menudo exploran lugares específicos, espacios públicos o comunidades particulares con el fin de localizar nociones de identidades individuales y colectivas.

    Fijas o en movimiento, las cámaras son dispositivos cruciales en la configuración de la obra. Las cámaras no funcionan como una mera maquinaria de generación de imágenes sino, fundamentalmente, como un principio de organización, un mecanismo que sostiene y produce el agenciamiento artístico y que, por lo tanto, se erige en parte del conjunto de coordenadas que estructuran la obra en sí.

    Basada con frecuencia en largos períodos de investigación y compromiso con los participantes, su praxis y su producción muestran una clara tendencia a la metodología procesual. Cada proyecto propone diferentes modalidades de compromiso, diálogo e intercambio de relaciones con las personas involucradas en las piezas.

    Su trabajo ha sido exhibido nacional e internacionalmente en espacios como Hayward Gallery, Bloomberg Space, Whitechapel Gallery, Photographers Gallery y Courtauld Institute  en Londres, Towner Art Gallery en Eastbourne, MacVal, Musee d’Art Contemporain y La Nuit Blanche en París,  Brooklyn Museum en Nueva York, Australian Museum of Photography en Sídney,  Museum Folkwang en Essen, entre otros.

    Manchot ha recibido multitud de premios, como el Oriel Davies Award en 2012 y su obra forma parte de  importantes colecciones públicas y privadas, incluyendo Arts Council Collection en Londres, Fonds Municipal d’Art Contemporain (FMAC) en París y el Brooklyn Museum en Nueva York.


    Referencias



    Libros

    • Look at You Loving Me, 1998.
    • Love is a Stranger, 2001.
    • Moscow Girls, 2006.
    • 100. Engelberg Mountain Railways, 2013

    sábado, 13 de abril de 2019

    Yoshikatsu Fujii

    Yoshikatsu Fujii es un fotógrafo japonés (nacido en 1979 en Hiroshima, donde vive y trabaja) cuyo trabajo fotográfico se ocupa de temas históricos y de la memoria persistente en los acontecimientos contemporáneos, a menudo a través de su propia visión de las relaciones dentro de su familia.


    © Yoshikatsu Fujii

    © Yoshikatsu Fujii




    Biografía

    Yoshikatsu Fujii nació y se crio en la ciudad de Hiroshima, graduándose en Art Film por la Universidad de Artes de Tokio Zokei. Comenzó a trabajar en fotografía en Tokio en 2006.

    Su obra se ha expuesto en el New York Photo Festival, PHotoEspaña en Madrid, Phoenix Art Museum, Delhi Photo Festival, Getty Images Gallery  en Londres, Chobi Mela International Festival de fotografía en Dhaka, Bangladesh, Jimei × Festival Internacional de fotografía de Arles en Xiamen, China, etc.

    Su proyecto Red String fue inspirado por el divorcio de sus padres y por la leyenda japonesa que cuenta que un hombre y una mujer que estén predestinados a reunirse han sido atados al dedo meñique por una cuerda roja invisible desde su nacimiento. En todo caso, podría decirse que es entre padres e hijos donde existe una irrompible cadena roja del destino. Tomó forma de un fotolibro de edición limitada hecho a mano, y posteriormente de una edición más comercial, que ha sido nominado para varios premios, incluyendo el Paris Photo-Aperture Foundation PhotoBook Awards. El libro fue seleccionado como uno de los mejores fotolibros de 2014 por numerosas publicaciones, incluyendo la revista TIME.

    En su siguiente proyecto, Incipient Strangers describe un tema más amplio, yendo de sus padres a su familia extendida. Un fotolibro con el mismo título ganó el premio Self Publishing PHOTOLUX.

    En 2015 se trasladó de nuevo a su ciudad natal Hiroshima para participar en su proyecto de investigación a largo plazo llamado Hiroshima Graph, que intenta arrojar nueva luz sobre las huellas que desaparecen de la guerra, para transmitirla a la futura generación, visto todo ello a través de los ojos de una tercera generación de víctimas. El libro resultante, Hiroshima Graph - Rabbits abandon their children, fue el ganador de la 3ª edición de The Anamorphosis Prize en 2017.

    Sus fotolibros Red String e Hiroshima Graph - Rabbits abandon their children forman parte de la librería de The Museum of Modern Art (MoMA) de Nueva York.


    Referencias





    Libros

    • Hiroshima Graph - Rabbits abandon their children, 2017.
    • Red String, 2016.
    • Incipient Strangers, 2015.
    • Red String, original hecho a mano, 2014.

    viernes, 12 de abril de 2019

    Claudius Galen Wheelhouse

    Claudius Galen Wheelhouse fue un doctor, cirujano, conferenciante y fotógrafo inglés (nacido en 1826 en Snaith, North Linconlnshire, fallecido el 9 de abril de 1909 en Filey). Pionero de la fotografía, como muchos de sus contemporáneos, tuvo en Tierra Santa y en España la meta de sus aventuras artísticas y profesionales. En 1849 realizaría numerosos calotipos de España, Portugal, Egipto e Italia.


    Claudius Galen Wheelhouse

    Claudius Galen Wheelhouse



    Biografía

    Claudius Galen Wheelhouse era hijo de cirujano y a los 7 años dejó la escuela primaria en Snaith para prepararse en medicina. Con 10 años entró en el Christ's Hospital en Londres, siendo aprendiz con 16, ingresó en la Escuela de Medicina de Leeds con 20, entró al Real Colegio de Cirujanos con 23, y a la Sociedad de Boticarios con 24.

    Realizó en 1849 un crucero en yate por el Mediterráneo como cirujano de Henry Pelham-Clinton, Lord Lincoln y futuro Duque de Newcastle, un aristócrata inglés, que más tarde también tendría un papel transcendental para la historia de la fotografía al autorizar, como ministro de Guerra británico, a Roger Fenton para que pudiera cubrir la campaña de Crimea.

    En este viaje de placer, en el barco Gitana, se recaló en Portugal, España, Italia, Malta, Grecia, Egipto, Palestina y Siria, capturando el Partenón y el templo de Karnak. En todos estos lugares Wheelhouse hizo fotografías con una de las primeras cámaras fotográficas que salieron de Inglaterra. Fue el segundo fotógrafo británico que realizó fotografías de Tierra Santa tras el reverendo George Bridges, y también se le considera el primero en realizar fotografías sobre papel (calotipo) en suelo español, una en Cádiz y tres en Sevilla. Tras hacer la fotografía de Cádiz fue detenido, y tuvieron que intervenir Lord Lincoln y el cónsul inglés para que fuera liberado, al ser considerado un espía.

    Estas fotografías fueron recogidas en un álbum, Photographic Sketches from the Shores of the Mediterranean, compuesto por pruebas de albúmina tiradas a partir de sus negativos de papel originales y diversos textos anecdóticos, y del que sólo se conserva un ejemplar en el Museo de Bradford y de muy pocas imágenes sueltas, una de las cuales está en el Fondo Fotográfico de la Fundación Universitaria de Navarra (FFF). (lamentablemente todos los negativos fueron destruidos por el fuego en 1879,

    Se dedicó a la medicina como médico general y cirujano, fue también conferenciante en anatomía, fisiología, y cirugía. Una técnica suya es conocida como “operación de Wheelhouse”. Al final de su vida, y de manera filantrópica, fundó varios hospitales en Leeds, Inglaterra, mientras era presidente de la  British Medical Association.

    Aunque sólo se le conoce una exposición en vida, en la Leeds Photographic Society en 1857, numerosas exposiciones han repasado su labor y la de los primeros fotógrafos que trabajaron en la Península Española, destacando De París a Cádiz: calotipia y colodión, celebrada en el Museo Nacional d‘Art de Catalunya durante la Primavera Fotogràfica a Catalunya de 2004.


    Referencias




    Libros

    jueves, 11 de abril de 2019

    Cole Barash

    Cole Barash es un artista visual (nacido en 1987, vive en Brooklyn, Nueva York) cuyo trabajo, en los medios de la fotografía digital, analógica y archivística, se centra a menudo en la conversación de color y composición entre dos objetos o momentos.


    © Cole Barash
    © Cole Barash



    Biografía

    Cole Barash es un artista autodidacta que se encontró con la fotografía a la edad de 14 años. Dos años más tarde, siguiendo su intuición y sus sueños, se trasladó a California para fotografiar snowboard y la cultura del surf, convirtiéndose en uno de los principales fotógrafos de este campo. Pasó un año documentando al surfista profesional John John Florence en Hawái, creando un retrato íntimo y único detrás de las escenas de este prodigio del surf. En los últimos años, Barash se ha centrado en proyectos más personales en fotografía artística, experimentando y potenciando su creatividad.

    Bien familiarizado con las subculturas internacionales, Cole busca temas donde los límites son abiertos y no tan experimentados. Utilizando un enfoque orgánico, sus retratos y naturalezas muertas se han hecho muy conocidos por su sentido sincero y espontáneo de intimidad. Su fotografía ha aparecido en numerosas publicaciones, entre ellas, Time Lightbox, Rolling Stone, Vogue y Relapse Mag.

    Su libro, Grimséy (2015) fue reconocido por TIME como uno de los mejores fotolibros de 2015 y sus imágenes se han exhibido en una exposición individual en el Museo Nacional de Islandia en 2017. Esta serie se centra en las vidas de una pequeña comunidad pesquera insular en uno de los lugares más singulares de la tierra: la remota isla de Grimséy, a veinticinco millas al norte de Islandia continental y bordeando el círculo polar ártico. Realizadas en múltiples visitas en el transcurso de dos años, estas imágenes capturan la idiosincrasia de la vida en una región con una notable mezcla de influencias.

    Su fotolibro Smokejumpers (2017), presenta una visión del mundo de los bomberos de élite de las tierras salvajes que se embarcan en zonas de difícil acceso para combatir los incendios forestales. Entrenados para lanzarse en paracaídas, aterrizar con éxito en el bosque, asegurar su equipo y luchar contra un incendio forestal millas lejos de cualquier ayuda, para intentar llegar a los incendios lo suficientemente temprano para luchar contra ellos antes de que se conviertan en un peligro. Fue finalista del Anamorphosis Prize 2017, forma parte del Franklin Furnace Archive y de la colección de la MoMA Library.

    Su visión se guía por la creatividad, la pasión y la precisión. Su trabajo ha sido galardonado internacionalmente y ha sido incluido en la lista PDN’s 30 New and Emerging Photographers. Cuando no trabaja para sus clientes: Adidas, Analog Clothing, Anon Optics, Billabong, Brixton, Burton, Dakine, Fuji Film, Gernade, G Shock, Kodak, Nike, Forum, Nemo Design, Nice Reusables, The North Face, Oakley, Olukai, Poler Stuff, Rag n Bone, Red Bull, Roxy, Spy Optics, Vans Snowboarding, … Cole persigue activamente sus proyectos personales.


    Referencias



    Libros

    • Stiya, 2019.
    • Smokejumpers, 2017.
    • Get Gone, 2016.
    • Kraag, 2016.
    • Grimsey, 2015.
    • Six Girls Six Cities, 2015.
    • Tangible Grounds, 2015.
    • Talk Story, 2014.

    miércoles, 10 de abril de 2019

    Dominika Gesicka

    Dominika Gesicka es una fotógrafa polaca (nacida en 1981 en Włocławek, vive y trabaja en Varsovia) conocida principalmente por su relato sobre la vida de la población más septentrional del mundo.


    © Dominika Gesicka

    © Dominika Gesicka



    Biografía

    Dominika Gesicka encontró una vieja cámara en un armario de sus padres cuando tenía 9 años. Completamente fascinada con la cámara obligó a su hermana a posar como modelo para ella. Desde entonces ha estado haciendo fotos siempre. Es su pasión y su obsesión.

    Se graduó de Asuntos internacionales en la Escuela de Economía de Varsovia, estudió en el Instituto de fotografía creativa en Opava (República Checa). Ha sido miembro del colectivo People You May Know, premiada en Show off programme, Photomonth en Cracovia en 2014, finalista en el Exposure Award de Lens Culture en 2016. Gracias a las becas Idea Tap Foundation y Magnum Photos  en 2015 pudo terminar su proyecto This Is Not Real Life con el cual ha conseguido un gran reconocimiento, diversas exposiciones y el Grand Prix Łódź Fotofestiwal 2017.

    Este proyecto nació después de un viaje en 2015 de Dominika a la ciudad noruega de Longyearbyen en la isla de Spitzberg en el océano Ártico. En esta ciudad  de unos 2.000 habitantes el sol desaparece del 26 de octubre al 16 de febrero y no se pone desde el 19 de abril al 24 de agosto. Longyearbyen es la ciudad más septentrional del planeta y allí nadie nace (las mujeres van a dar a luz al continente) ni nadie es enterrado (los cuerpos no se descomponen en este terreno congelado)  y es un lugar sólo de visita o de estancias de poco tiempo.

    Dominika ha vuelto cuatro veces para fotografiar este lugar sin gatos, árboles, ni semáforos, pero también para absorber este estilo de vida totalmente peculiar. En verano, si tienes suerte, puedes ver un increíble cielo rosado y violeta. En invierno la oscuridad te hace dormir todo el tiempo, estar cansado, perezoso y deprimido. A veces tienes la impresión de que la gente del lugar está tratando de escapar de algo. Esto no es una vida real.


    Referencias



    Libros

    martes, 9 de abril de 2019

    Giancarlo Shibayama

    Giancarlo Shibayama es un fotógrafo peruano de origen japonés reconocido, principalmente, por su premiado proyecto en forma de libro que recoge la  historia de su familia emigrante y que es un viaje de la memoria, la suya y la de su familia, la de los japoneses asentados en la Amazonía peruana y, en cierto sentido, la de todos los migrantes.


    © Giancarlo Shibayama

    © Giancarlo Shibayama


    Soy consciente de la naturaleza frágil de la memoria y de cómo siempre está en transformación, ésta es la razón por la cual estoy interesado en materializar este proceso en proyectos visuales. La ficción me permite completar ciertos vacíos en mi memoria, y utilizo la fotografía para visualizar estos momentos que se han desvanecido en el tiempo. De esta manera, estoy comenzando a contar mi historia personal, a través de la historia de mi familia.



    Biografía
    Giancarlo Shibayama nació en Perú como tercera generación de emigrantes japoneses. Estudió Comunicación en la Universidad de Lima y se especializó en Cinematografía (2007). Ha trabajado como editor de fotografías y en fotografía documental durante más de 10 años, en el diario El Comercio. En 2008 se unió a Supay Fotos, un colectivo peruano enfocado en el fotodocumentalismo que ha exhibido en Perú y en el extranjero. Entre 2016 y 2017, Shibayama realizó el master Mal de Foco en el Centro de la Imagen de Lima.

    El traslado de una parte de su familia de Japón a Perú en 1918 supuso un proceso de transculturización y una reorganización de sus parámetros identitarios. El día en que su abuelo paterno falleció en 1997, vio cómo algunos miembros de su familia arrancaban de sus álbumes de fotos las imágenes en las que ellos aparecían para llevárselas. Los álbumes parcialmente vacíos le indujeron a indagar sobre sus orígenes, japoneses en la Amazonia peruana.

    Eso le llevó a buscar sus orígenes en Japón a donde viajó, y realizó el taller Photobook As Object, Photobook Who Cares  dirigido en Tokio por Yumi Goto, una de las más destacadas editoras de fotolibros del Japón. Este taller era ideal para seguir desarrollando su trabajo y darle forma final. Tras terminar los quince días del taller, Yumi le ofreció a Giancarlo quedarse un mes más como residente, para continuar perfilando su proyecto que, para ese entonces, se había convertido en He Traveled on an Island y que abordaba más directamente la historia de su abuelo.

    El fotolibro final se compone de una caja que incluye tres piezas diferentes:
    • He never talked, el diario personal de su abuelo, mezclado con los archivos históricos de la migración japonesa al Perú y las fotos del álbum de su familia;
    • He traveled on an island, un libro de viajes, donde escanea el reverso de las fotos del álbum de su familia con la idea de construir sus propios mapas, haciendo referencia a islas o archipiélagos;
    • The Shibaymas, libro que compila un grupo de documentos oficiales peruanos en los que su apellido aparece con errores de ortografía.
    El libro consiguió en 2017 el Premio al Mejor Álbum de Fotografía del año por FOLA (Argentina), el premio Nuevo Cosmos de la Fotografía por el Museo de Arte Fotográfico de Tokio (Japón), y obtuvo con imágenes pertenecientes al proyecto He travelled on an Island el segundo lugar en el Salón de Fotografía del Instituto Cultural Peruano Norteamericano en Lima (Perú). También fue preseleccionado para el Anamorphosis Prize (Estados Unidos) y el Photobook Dummy Award en Photo London (Reino Unido) y el concurso de maquetas de La Fábrica (España) y elegido por el comisario español Alejandro Castellote para ser presentado como parte de la Trienal de la Imagen de Guangzhou (Cantón, China).

    Durante los últimos 10 años, Shibayama ha expuesto en China, Japón, Perú, Brasil, España, Guatemala, Reino Unido y Estados Unidos. Ha publicado en Japón, Perú, México y España.


    Referencias



    Libros

    • The Shibaymas, 2017.

    lunes, 8 de abril de 2019

    Sanne de Wilde

    Sanne de Wilde es una fotógrafa belga (nacida el 15 de abril de 1987 en Amberes, vive en Ámsterdam, Holanda) que investiga el papel que desempeña la genética en la vida de las personas y cómo forma e influye en las comunidades. Lo hace proponiendo personas que sufren de una condición que los hace vulnerables a la sociedad.


    © Sanne de Wilde

    © Sanne de Wilde



    Biografía

    Sanne de Wilde realizó en 2012 un máster en Bellas Artes en la Real Academia de Bellas Artes (KASK) en Gante, Bélgica. Desde entonces ha trabajado en proyectos editoriales de corte documental, centrándose en el modo en que la genética influye en la vida de la gente y el efecto que tienen en las comunidades, como se puede ver en sus series principales:
    • The Dwarf Empire (El imperio enano) relata con imágenes un lugar del sur de China, cerca de Kunming (la ciudad de la eterna primavera), una especie de parque temático que es el hogar de 77 enanos, cuyos habitantes presentan un espectáculo de canto y danza dos veces al día. Patrocinado el lugar por un chino rico y alto para “hacer algo bueno” para la gente pequeña, es caridad china con vestimenta comercial. Mezcla sus fotografías con las que los enanos le hicieron a ella.
    • Snow White (Blancanieves) es una serie sobre el albinismo y los problemas que sufren quienes tienen esa enfermedad. El hecho de que sean albinos, de hecho, nos lleva a hablar de la diferencia y del rechazo social que genera, altísimo en algunos continentes. El albino es el otro y suele tener problemas con la vista, sobre todo de sensibilidad a la luz por falta de pigmentos. Esto le llevó a su siguiente proyecto.
    • Samoa Kekea, trata sobre la acromatopsia congénita (daltonismo completo), una afección hereditaria en la que el ojo no puede detectar el color (los conos en la retina no funcionan, dejando la visión solo a las varillas, que son las que detectan los tonos de grises). En la mayoría de los lugares la enfermedad es rara, ocurriendo en menos de una de cada 30.000 personas, pero en la aislada isla micronésica Pingelap es mucho más común, presente en más del 5% de la población.
    • Esta serie ha dado lugar a la publicación del libro The Island Of The Colorblind donde utiliza las fotos tomadas en esta isla con fotografías infrarrojas y con fotografías en blanco y negro coloreadas por los propios enfermos.

    The Dwarf Empire consiguió el premio Photo Academy Award en 2012 y el International Photography Award Emergentes DST en 2013. Snow White los premios 16ème Prix National Photographie Ouverte y NuWork Award for Photographic Excellence. Sanne consiguió los galardones Nikon Press Emergent Award en 2014 y 2016. La revista British Journal of Photography la eligió como uno de los mayores talentos emergentes del mundo en 2014 y, más recientemente,ha  recibido el Firecracker Grant 2016, PHmuseum Women's Grant y el  Zilveren Camera Award de 2016 por The Island of the Colorblind.

    Sus fotos se han publicado en The Guardian, New Yorker, Le Monde, CNN, Vogue, … y presentado en exposiciones por todo el mundo como Voies OFF, Festival de Cine de Tribeca, Circulations, Lagos Photo, Lodz Fotofestiwal, IDFA, STAM,  EYE y Fotoforum Brasschaat.

    Desde 2013, trabaja como freelance para la publicación holandesa Volkskrant y se unió a la agencia NOOR como nominada en 2017.

      

    Referencias


    Libros

    domingo, 7 de abril de 2019

    Véronique de Viguerie

    Véronique de Viguerie es una fotógrafa francesa (nacida el 12 de abril de 1978 en Carcassonne, vive en París) cuyo concepto de la profesión periodística, de la cual son motores la urgencia y la humanidad, le ha hecho recorrer el mundo desde Colombia a Irak, desde Somalia a Pakistán, a menudo en condiciones muy peligrosas, para poder relatar los principales y más dolorosos acontecimientos del mundo.


    Le quartier de Jalousie a Port-au-Prince, Haití. Nov 2014. Photo by Veronique de Viguerie/Reportage by Getty Images

    Le quartier de Jalousie a Port-au-Prince, Haití. Nov 2014. Photo by Veronique de Viguerie/Reportage by Getty Images



    Biografía

    Veronique de Viguerie realizó un master en derecho en Francia y estudió fotoperiodismo en Inglaterra. Pasó 3 años viviendo y trabajando en Afganistán, donde se salvó por poco de un atentado suicida. Sus trabajos sobre los talibanes le valieron el Canon Prize for Female Photojournalist of the Year en el festival Visa Pour l'Image en Perpignan en 2006 y, en 2008 Paris Match la envió a Ouzbin, a 50 km al este de Kabul, donde realizó un muy controvertido reportaje sobre el comando talibán que mató a diez soldados franceses en una emboscada.

    Desde 2006, ha cubierto multitud de historias en todo el mundo: Irak, Somalia, Líbano, Cachemira, México, Argelia, Guatemala, Pakistán, Níger, Nigeria, Mali, Siria, etc. Ha fotografiado a talibanes en Afganistán, piratas en Somalia, piratas del petróleo en Nigeria y a las sicarias en Colombia, el MNLA en Mali, colegialas secuestradas por Boko Haram en Nigeria, combatientes kurdos contra el Estado Islámico en Irak, la guerra contra las drogas en Filipinas, los "esclavos" de la industria en China, los habitantes de la "jungla” de Calais, el colectivo activista FEMEN, minas terrestres en los Balcanes, … Asume valientemente estas desafiantes tareas y proyectos personales en algunos de los lugares más peligrosos del planeta, a menudo trabajando con su amiga la periodista francesa Manon Quérouil-Bruneel.

    Sus fotos se publican regularmente en Paris-Match, New-York Times Magazine, Newsweek,  El País, Stern, Der Spiegel, Figaro Magazine, Geo, Marie-Claire, Mail on Sunday, The Guardian, l’Optimum, etc. Está representada por Getty Reportage y Verbatim Photo Agency.

    Su trabajo Afganistán Insh'Allah fue exhibido en Visa pour l'Image en Perpiñán y en París y en el Festival Scoop de Angers. The Oil War in Nigeria se exhibió en el Festival de Bayeux para corresponsales de guerra.  En 2012, fue elegida por HBO para ser una de las tres fotógrafas del programa Witness por su trabajo con los Arrow Boys en Sudán del sur.

    En 2009, recibió el 3º Premio del World Press Photo en la categoría Contemporary Issues, Singles y, en 2010, el Premio Bayeux-Calvados de corresponsales de guerra. En 2018, Véronique de Viguerie ganó la Visa de Oro de Paris Match News y la Visa de Oro del Comité Internacional de la Cruz Roja (CICR) en el Festival Internacional de Fotoperiodismo Visa Pour l'Image, por su reportaje Yemen, la guerra que nos esconden.


    Referencias



    Libros

    • Afghanistan, regards croisés (con la periodista Marie Bourreau), 2008.
    • Carnets de reportage du XXIe siècle (con la periodista Manon Quérouil-Bruneel), 2011.
    • 100 photos pour la liberté de la presse, 2019.