domingo, 31 de marzo de 2019

Martín Sampedro

Martín Sampedro es un fotógrafo español (nacido el 12 de octubre de 1966 en Santander) cuya práctica se basa en gran medida en la relación entre la figura humana y las creaciones virtuales de técnicas digitales.


© Martín Sampedro

© Martín Sampedro


¿No es la fotografía sino alucinación?


Biografía

Martín Sampedro comenzó su pasión por la fotografía a la edad de ocho años. De esa época es la extensa colección de fotografías con las que obtuvo sus primeros premios y exposiciones locales. En sus primeros años en Madrid, fue director del Taller Escuela de Fotografía “El Matadero” para la Fundación Colegio del Rey. Fue seleccionado para la Muestra de Arte Joven 1992, durante años compartió su actividad de autor con trabajos para agencias de publicidad.

Entre los trabajos comerciales más destacados se encuentran campañas publicitarias con premios internacionales como la de Turismo de Europa en 1993, la campaña de Turismo de Andalucía 2001, las de prevención del Sida para el COGAM o las realizadas para las marcas Telefónica, Kodak, Ford, Toyota, Hyundai, Kia, Mercedes, Jaguar, convirtiéndose en uno de los fotógrafos más prestigiosos en la fotografía publicitaria.

Su propuesta artística está llena de trabajos de experimentación. Precursor del Copy Art en los años ochenta en España, sus fotografías realizadas con fotocopiadoras dieron paso a las imágenes de palabras y otras series en las que la fotografía sirve de soporte para expresar su personal mundo poético.

Con el cambio de siglo toman relevancia sus obras audiovisuales, introduce en sus fotografías la figura humana creada virtualmente con técnicas digitales, inaugurando lo que posteriormente llamaría “Nueva Fotografía” o “Fotografía Fantástica”.

Esta  “Nueva fotografía” de Sampedro incorpora luces y formas de vida latentes, seres virtuales, o alucinaciones que cuestionan la naturaleza de la fotografía en su relación con las nuevas formas de creación de imágenes en la era digital.  Nueva fotografía, fotografía fantástica o realismo mágico, su obra se basa en un imaginario complejo y perspectivas drásticas de la vida motivadas por un enfoque intuitivo.

Al imaginar el ser virtual, el artista rompe con las restricciones de la figuración, permitiendo que la cámara virtual viaje dentro del cuerpo y a través de los planos carnosos como un medio para explorar las diferentes dimensiones de la existencia. La idea de la latencia es tanto sobre la energía vital de la materia, como sobre la naturaleza germinal de la imagen en sí.

Sus trabajos mas recientes como Interior Ulterior, La extrañeza de existir, Sangre Azul, Latente o Ray Gropius, son una muestra de su esfuerzo por conectar las diferentes dimensiones de la existencia, y afirmar una imaginería propia a la vanguardia internacional de lo que hoy llamamos post fotografía. En esta era digital, para él, “el arte es visitado, revisado, copiado, duplicado, imitado, acariciado, mejorado, valorado, devaluado, enviado, robado y regalado, con el impulso de posponer en lugar de proponer”.

Ha impartido clases y talleres en diferentes escuelas como el Máster de Efti, el Centro Fotográfico Manuel Álvarez Bravo de Oaxaca, o la Facultad de Bellas Artes de Cuenca, UCLM. En la actualidad participa activamente de la cultura fotográfica con textos en libros, seminarios y publicaciones.



Referencias

sábado, 30 de marzo de 2019

Chloe Sells

Chloe Sells es una fotógrafa estadounidense (nacida en 1976 en Aspen, Colorado, vive y trabaja entre Londres y Maun, Botswana) que divide su tiempo entre su casa en Botswana, donde fotografía con cámaras de película de formato mediano y grande, y la de Londres donde produce impresiones C-type únicas a mano en su laboratorio. En algunos casos, altera sus imágenes usando pintura, rotulador o tintas.


Untitled from the book Swamp © Chloe Sells

Untitled from the book Swamp © Chloe Sells


Biografía

Chloe Sells comenzó a usar la fotografía en su obra de arte en 1993. Se graduó en la Rhode Island School of Design en 2000 con una licenciatura en Bellas Artes, con especialidad en fotografía, realizando un master en Bellas Artes en Central St. Martins en 2011. Durante sus últimos 12 años ha vivido y fotografiado en tres continentes: Asia, Norteamérica y África, que ha sido parte integrante de su obra de arte.
  
Divide su tiempo entre su casa en Botswana, donde fotografía con cámaras de película de formato mediano y grande, Contax 645 y una Linhof 4x5, y en Londres donde produce impresiones C-type únicas a mano en su laboratorio. En algunos casos, altera sus imágenes usando pintura, rotulador o tintas. Cada una de sus impresiones es el resultado de su profunda manipulación del proceso de impresión en el cuarto oscuro, a la vez físico, espontáneo y deliberado. Emplea métodos experimentales y espontáneos como pantallas, superposiciones, telas de tejido abierto y movimientos de papel, combinados para crear sus fotografías únicas, atrevidas y soñadoras. La estratificación de la imagen, el color y la textura en las impresiones cromogénicas crea un efecto soñador, transportando al espectador a reinos desconocidos.
  
Su proceso de impresión aporta una perspectiva totalmente nueva a los paisajes que fotografía. Desde su niñez en las montañas de Colorado y sus extensos viajes una vez adulta, ha venerado la sublime belleza de la naturaleza, que ella impregna de una interpretación colorida y emocional de cada ambiente, interpretando el lugar como un recuerdo o como una evocación de un sentimiento. Su dedicación al proceso analógico tradicional nos recuerda que incluso los métodos más tradicionales pueden llegar al límite del medio fotográfico.
  
Ha expuesto en solitario en la Michael Hoppen Gallery de Londres, The Craft Center en Maun, The Toy Factory en Los Angeles y The Omnibus Gallery en Aspen. Su trabajo ha sido incluido en numerosas exposiciones en grupo y en instituciones como el Santa Monica Museum of Art en Los Angeles. Está representada por Michael Hoppen Gallery en Londres y Julie Saul Gallery en Nueva York.



Referencias



Libros

  • Swamp, 2016.
  • Flamingo, 2017.

viernes, 29 de marzo de 2019

Salvi Danés

Salvi Danés es un fotógrafo catalán (nacido el 14 de enero de 1985 en Barcelona) que centra su objetivo en escenas que explican fragmentos de diversas situaciones sociales con un estilo directo y personal. Con los clásicos del reportaje como referente, utiliza la narrativa del género con el fin de encontrar un lenguaje expresivo propio para dar sentido a sus historias.


© Salvi Danés

© Salvi Danés




Biografía

Salvi Danés cursó sus estudios en el Institut d’Estudis Fotogràfics de Catalunya (IEFC), centrando su interés por la fotografía con un marcado carácter documental, jugando con las bases del reportaje periodístico y la fotografía conceptual. Centra su objetivo en escenas que explican fragmentos de diversas situaciones sociales con un estilo directo y subjetivo. Con los clásicos del reportaje como referente, utiliza la narrativa de género con el fin de encontrar un lenguaje expresivo propio para dar sentido a sus historias.
Ha sido reconocido en certámenes nacionales e internacionales como en el Sony World Photography Awards de 2009, Nuevo Talento FNAC de fotografía en 2011, Foam Talent 2013 y College Photographer of the Year 2011 en la Universidad de Missouri, Columbia, entre otros. Sus trabajos se han publicado en diversos medios como FOAM, Camera Austria y The British Journal of Photography.

Fue finalista en el MACK First book Award de la prestigiosa editorial londinense con su maqueta Blackcelona, que muestra un viaje a los tonos más grisáceos de esa policromía urbana, guiándonos a través del claroscuro que envuelve la morfología de la ciudad y las criaturas que la habitan.

Transmontanus es un diario personal sobre el reencuentro con un territorio conocido durante la infancia. Narra el reconocimiento y el redescubrimiento de ese lugar con una nueva mirada, una mirada que el poso del tiempo ha cambiado para siempre, con esa certeza de que ni nosotros ni nuestros paisajes seremos los mismos nunca más.

Origen, con Marti Gasull y Yurian Quintana, se presenta como un cuento de aventuras de otra época y, de entrada, nos invita a una experiencia, de descubrimiento, aprendizaje y sensaciones, en un entorno que puede ser hostil y preocupante, pero que los autores hacen suyo poco a poco. Sin defensas, entre cielo, tierra y mar, los Robinsones intentan adaptarse al espacio.



Referencias



Libros

  • Transmontanus.
  • Blackcelona.
  • Extra Blackcelona.
  • A place both wonderful and strange (varios).
  • Origen (varios).






jueves, 28 de marzo de 2019

María Sánchez

María Sánchez es una artista española (nacida en Ávila en 1977) que, para expresar y materializar los temas principales que mueven su pensamiento, como la presencia corporal y la fragilidad o inocencia, utiliza fotografía, fotomontaje, autorretrato, vídeo y perfomances.


© María Sánchez

© María Sánchez



Biografía

María Sánchez se licenció en Bellas Artes por la Universidad de Salamanca. Hizo pintura, y se fue de Erasmus. Empezó a hacer vídeo y alguna fotografía pues se planteó que si producía cuadros gigantes no iba a poder traerlos. Luego llegó a Madrid y encontró trabajo en el laboratorio fotográfico que dirigía Javier Valhonrat. Esa ha sido una gran influencia, sobre todo para concretar cuáles eran sus estrategias para contar sus preocupaciones.

Durante un tiempo, la apariencia estética y la belleza le atraparon, pero ahora cada vez menos, sobre todo después de su Master Internacional de Fotografía Conceptual y Artística en EFTI. Le interesa mucho más acercarse a la idea que a la apariencia final de la foto, que casi no le interesa. Casi solo hace fotos y vídeos con el móvil o con una compacta y el haberse desligado de lo estético le ha dado mucha libertad.

Por su cabeza rondan diferentes cuestiones que  se reflejan en su obra. Trata de acercarse a esas imágenes mentales desde  una manera o procedimiento inconsciente, traerlas desde el mismo lugar donde se originan. Los temas principales que mueven su pensamiento son la presencia corporal y la fragilidad o inocencia. Piensa en la idea de planitud, desmaterialización, de-cosificación, en una especie de nudo o lugar donde confluyen espacio, tiempo y mirada: la necesidad de estar o no estar al mismo tiempo, pertenecer a la levedad, volverse infinitamente  pequeña, ver el mundo a través.

Interactúa con la gente de una manera sutil en la calle y en el metro y lo graba en video. Le encanta Sophie Calle. Aunque sus primeros trabajos eran muy fotográficos, sus trabajos actuales están en el límite de lo fotográfico.


Referencias



Libros

  • Claustre.
  • Mieldeabeja.

miércoles, 27 de marzo de 2019

Emili Vilà i Gorgoll

Emili Vilà i Gorgoll fue un pintor, cartelista y fotógrafo catalán (nacido el 18 de octubre de 1887 en Llagostera, Girona, 1887, fallecido el 28 de diciembre de 1967, también en Llagostera)  de carteles catalán que trabajó para Gaumont, Paramount y Fox, convirtiéndose en uno de los ilustradores más importantes de la década de los años 1920 en Francia,  conociendo a decenas de artistas de París de principios del siglo XX. Pasó los últimos años en su ciudad natal, pintando paisajes de la Costa Brava y convirtió su hogar en un museo.


© Emili Vilà i Gorgoll

© Emili Vilà i Gorgoll


Biografía

Emili Vilà i Gorgoll mostró capacidades artísticas desde temprana edad. Con la llegada de la crisis de la industria en 1903, su padre se vio obligado a cerrar el negocio familiar de Llagostera, trasladándose la familia a Barcelona, donde trabajó en una fundición al mismo tiempo que estudiaba bellas artes, siendo discípulo de Rafael Masó i Valentí y Joan Baixas i Carreter. Con 16 y 18 años fue galardonado en la exposición de Bellas Artes de Barcelona.

Su padre consiguió trabajo en una empresa de corchos para champán y la familia se mudó en 1906 a Èpernay, Francia. Poco después comenzó a trabajar en una fundición en el Val d'Oise., donde Emili trabajó en 1909 de Ilustrador para el periódico L'echo du Nord-Est, donde en 1914 haría una serie de impresiones sobre la vida de los soldados de la primera guerra mundial.

Unos años más tarde, hizo un viaje a París con su hermana para cobrar algunas facturas y buscar trabajo, consiguiéndolo en una fundición por su experiencia. Más tarde trabajó como aprendiz de rotulista y siguió su vocación de cartelista, consolidándose en Francia como un destacado ilustrador y pintor.  Trabajó duramente para mantener a su familia, por lo que nunca compartió la vida bohemia que la mayoría de los pintores y sus amigos llevaban entonces.

En 1912 se había convertido ya uno de los cartelistas más reconocidos de la ciudad, trabajando para prestigiosas empresas como Gaumont, Paramount, Fox, Galeries Barbés, Monat Films, además de la ya citada Pathé, creando carteles publicitarios de todo tipo de productos, ya fueran comestibles, cosméticos o coches, y realizando también diversas exposiciones.

Su faceta como fotógrafo es la menos conocida. A través de esta disciplina exploró las posibilidades del lenguaje corporal por medio de cuidadas composiciones. Destacan sus escenas interiores e intimistas, con la presencia de mujeres como únicas protagonistas, en un juego con sus vestidos y gestos que serviría de base a sus creaciones pictóricas. Durante los años que vivió en Francia, realizó frecuentes viajes a la Costa Brava, para tomar fotografías que luego trabajaba en París.
Tras años de trabajo como cartelista, regresó a España en 1936. En Barcelona regentó diferentes estudios y talleres, en los que pintaba y organizaba exposiciones. Se trasladó a vivir a Sant Feliu de Guixols para, en los últimos años de su vida, comprar su primera residencia en Llagostera, donde, tras arreglarla y transformarla,  en 1967, tres meses antes de su muerte, se inauguró el Museu Emili Vilà i Gorgoll.

Recibió de las instituciones francesas la medalla de Caballero de la Legión de Honor y el Premio de la Cruz del artista francés.


Referencias



Libros

martes, 26 de marzo de 2019

Colin Pantall

Colin Pantall es un escritor, fotógrafo, comisario y profesor inglés (nacido en Bath, donde vive) cuya fotografía se centra en su ambiente doméstico y en la interacción entre las narrativas personales, ambientalistas y históricas experimentadas a través de la familia.


© Colin Pantall

© Colin Pantall


La fotografía tiene muchas cosas terribles, pero es muy buena para la fascinación. Aprovecha la posibilidad de jugar de una manera diferente dando al niño un vistazo a la mirada de los adultos, mientras que también le recuerda al adulto lo que era mirar al mundo con ojos jóvenes y/o sin edad.


Biografía

Colin Pantall obtuvo una licenciatura en filosofía en la Universidad de Bristol en 1986 y un master en fotografía documental por la Universidad de Gales en Newport, en 2006. Actualmente enseña fotografía en universidades del Reino Unido.

Escribe sobre fotografía para el British Journal of Photography, Photomonitor, Magnum, World Press Photo Witness  y otras publicaciones. También publica desde 2007 un blog, donde sus pensamientos menos editados reciben voz.

En educación dirige talleres independientes sobre teoría, práctica y narración de historias. También enseño en UWE, University of Gloucester y Bath Spa. También dirige una matrícula individual adaptada a fotógrafos que buscan expandir su voz fotográfica, histórica y crítica e incrustarla dentro de su práctica.

All Quiet on the Home Front, publicado en 2017, recopila decenas de imágenes tomadas entre 2005 y 2017 de su hija Isabel, y es un bello ensayo en imágenes y palabras, secuenciado para que nuestras impresiones de la niña cambien de una página a otra, astillándose ante nuestros ojos. Errático e intrigante, crea la sensación de que el autor está acaparando cada momento anticipándose a una despedida inevitable.



Referencias



Libros

lunes, 25 de marzo de 2019

Xiaoyi Chen

Xiaoyi Chen es una fotógrafa china (nacida en 1992 en Sichuan, vive y trabaja en Chengdu) cuya práctica está ligada a una estética natural y oriental, influenciada por el arte abstracto occidental y la filosofía oriental. La fotografía es una herramienta personal para ella, que utiliza para cuestionar conceptos amplios que migran del ámbito personal al filosófico. Su trabajo reciente se centra en la combinación de fotografía y grabado, una combinación de técnicas utilizadas para explorar bajo la superficie de las cosas simplificando y abstrayendo, con un enfoque encaminado a revivir la conciencia espiritual y la intuición antes de entrar en la naturaleza simbólica de lo que vemos.


© Xiaoyi Chen, from the series Koan

© Xiaoyi Chen, from the series Koan


En el budismo Zen, un Koan es una historia o enigma que se utiliza para ayudar a conseguir un estado espontáneo, libre de la planificación y del pensamiento analítico. En contradicción con la filosofía occidental, el Koan enfatiza la insuficiencia del lenguaje y las palabras, y la importancia de la intuición sobre la razón y la lógica, para transformar el yo.


Biografía

Xiaoyi Chen hizo un master en el London College of Communication en 2014, donde consiguió ese mismo año el premio LCC/PhotoFusion. También ha sido galardonada con el premio Three Shadows Photography Award, el premio de fotografía más prestigioso de China, en 2015 y nombrada una de las Asia’s 30 Artist under 30 de la revista Forbes en 2017.
 
Sus recientes exposiciones individuales incluyen The stranger:…and while I blossomed all alone, the world slumbered en Theatre Crochetan en Suiza en 2018, One Giant Leap en Matèria Gallery en Roma en 2017, Never! en A Thousand Plateaus Art Space en Chengdu en 2017, Art Project- London Art Fair en Matèria Gallery en Londres en 2017, The Inadequacy of Lauguage en Matèria Gallery en Roma en 2016 ) y también numerosas exposiciones en grupo entre las que podemos citar Extravaganza en el Festival Images de Vevey en 2018, 40 Years of Chinese Contemporary Photography en Three Shadows Photography Art Centre en OCAT Shenzhen, China, en 2017-2018, Ten Directions: The 10th Anniversary Exhibition of Three Shadows Photography Award en Three Shadows Photography Art Centre en Pekín en 2018, Athens Photo Festival: Main-Embedded in Nature en el Benaki Museum en Grecia en 2018, …

Su serie más importante, plasmada también en dos ediciones de libros, es Koan, cuyas fotografías de paisajes abstractos  procesadas en fotograbado consiguen un resultado poético y pleno de imaginación. Utilizando tinta negra e impresión en papeles japoneses, crean una atmósfera de desolación y melancolía y la expresión del minimalismo de la antigua poesía China. En el budismo Zen, un Koan es una historia o enigma que se utiliza para ayudar a conseguir un estado espontáneo, libre de la planificación y del pensamiento analítico.



Referencias



Libros

  • KOAN 2nd, 2017.
  • KOAN, 2014.
  • RAY Magazine, 2012.

domingo, 24 de marzo de 2019

Brian Griffin

Brian Griffin es un fotógrafo inglés (nacido en Birmingham el 13 de abril de 1948, vive y trabaja en Londres) considerado uno de los fotógrafos más influyentes de su generación, los fotógrafos británicos de los años de la Thatcher. Griffin ha marcado la imagen y la popularidad de cientos de compañías y artistas durante los años 70 y 80. Debido a su talento poco ortodoxo, su sentido de la aventura y su estilo a la vez reconocible y diverso ha llegado a la cima absoluta en diversas disciplinas: como cineasta, y como fotógrafo comercial y pop. Se inspira más en el trabajo de pintores y artistas que en otros fotógrafos. En particular, sus  influencias son el cine expresionista y el pintor Caspar David Friedrich.


A Broken Frame © Brian Griffin
A Broken Frame © Brian Griffin


Biografía

Brian Griffin nació en Birmingham, pero vivió en Black Country. Con16 años trabajó en una fábrica haciendo transportadores. Con 21 fue al Manchester Polytechnic para estudiar fotografía. Después de terminar sus estudios en 1972, se fue a Londres con la intención de ser un fotógrafo de moda y conoció a Roland Schenk, el carismático director artístico de Management Today, para quien trabajó hasta mediados de los años 80.

Expuso por primera vez en Young British Photographers en 1975. Fotografiar la portada de Look Sharp de Joe Jackson significó su gran avance en la escena musical: Ian Dury, The Clash, Ringo Starr, Peter Gabriel, Depeche Mode , REM, Echo & the Bunnymen, Iggy Pop, Kate Bush, The Specials, Siouxsie and the Banshees, Elvis Costello y innumerables otras estrellas han posado para él. Su fotografía  A Broken Frame para Depeche Mode  sigue siendo considerada como una de las portadas de álbumes más bellas jamás hechas.

Obtuvo el galardón Freedom of the city of Arles, Francia en 1987. Publicó el libro Work en 1988 con una exposición individual en la National Portrait Gallery. El trabajo fue galardonado con el premio al Mejor libro de fotografía del mundo en la Barcelona Primavera Fotografía de 1991. En 1989, el periódico The Guardian lo proclamó como "El fotógrafo de la década". En 2005 el British Journal of Photography le llamó "el fotógrafo de retratos británico más impredecible e influyente". También la revista Life usó su fotografía A Broken Frame en la portada de su suplemento especial The Greatest Photographs Of The 80's.

Desde 1991 hasta 2002 trabajó como director de cine haciendo comerciales de televisión, videos musicales y cortometrajes. En 2003, trabajó en la candidatura de Birmingham para convertirse en la Capital Europea de la Cultura. Sus anuncios de televisión y videos musicales incluyen también un documental sobre Sir Paul McCartney en 2004. Tuvo una retrospectiva en el Museo de Arte de Reykjavik en Islandia en 2005. Luego produjo un libro y una exposición para la apertura real de St. Pancras Station y High Speed ​​1 en 2007. En 2009 fue el patrocinador del Festival de Fotografía de Derby y sigue siendo el patrocinador de estos festivales. Para los Juegos Olímpicos de Londres en 2009, lanzó el proyecto fotográfico Road To 2012 en la National Portrait Gallery junto a Lord Coe y Dame Kelly Holmes.

Ha publicado en Sunday Times Magazine, The Face, Time Out, The Observer Magazine y L'Uomo Vogue, y ha producido imágenes publicitarias para muchas compañías internacionales, como British Airways, Sony y Smirnoff.

En 2010 tuvo una gran retrospectiva de sus retratos, Face to Face, en Birmingham. y numerosos galardones y reconocimientos, como la Centenary Medal de la Royal Photographic Society, y el ser incluido en la portada del álbum Hall Of Fame, entre otros.

Griffin ha expuesto ampliamente en Gran Bretaña y en el extranjero: en galerías, museos, bienales fotográficas y festivales, destacando Portraits of Our Time (1978) en la National Portrait Gallery de Londres, Brian Griffin (1984) en la Galería Olympus de Tokio, 20 for Today (1986) en la National Portrait Gallery, Createurs d’Images Createurs de Mode(1988) en el Museé des Arts de la Mode en París,  Towards a Bigger Picture (1988) en el Victoria & Albert Museum, Work (1988) en la National Portrait Gallery, Beyond the Portrait (1992) en Derby City Art Museum, Seeing Things (1992) en el Victoria and Albert Museum, People and the City (2003) en Birmingham Art Gallery & Museum, Influences (2005) en el Art Museum de Reikiavik, Islandia, y A Question of Identity (2005) en la National Portrait Gallery.

Su obra forma parte de colecciones públicas y privadas como las del Victoria and Albert Museum de Londres, Arts Council of Great Britain, National Portrait Gallery de Londres, Museum Folkwang de Essen, Alemania, Birmingham Museum and Art Gallery  y el Art Museum de Reikiavik, Islandia.



Referencias


Libros

  • Brian Griffin Copyright, 1978.
  • Power, 1981.
  • Y, 1983.
  • Auras, 1983.
  • Power (bolsillo), 1984.
  • Open, 1986.
  • Portraits, 1987 y 1988.
  • Work, 1989.
  • Film Stills, 1989.
  • Brian Griffin “Influences”, 2005.
  • The Water people, 2005.
  • Baugur The Movie, 2006.
  • Team, 2006.
  • The White Glove, 2006.
  • Loaf of White Bread, 2006.
  • Face to Face, 2010.
  • Business As Usual, 2013.
  • The Black Kingdom, 2013.
  • Himellstrasse, 2015.
  • Pop, 2017.
  • Spud, 2018.
  • England 1970’s, 2018.
  • Moscow.


sábado, 23 de marzo de 2019

Deana Lawson

Deana Lawson es una artista, educadora y fotógrafa estadounidense (nacida en 1979 en Rochester, Nueva York, vive en Brooklyn, también Nueva York) cuyo trabajo gira principalmente en torno a temas de intimidad, familia, espiritualidad, sexualidad y estética negra.


Mama Goma , 2014; from Deana Lawson: An Aperture Monograph © Deana Lawson

Mama Goma , 2014; from Deana Lawson: An Aperture Monograph © Deana Lawson


Biografía

Deana Lawson estudió fotografía en la Universidad Estatal de Pensilvania, y obtuvo un master en la Rhode Island School of Design en 2004. Durante sus años de pregrado, Deana se sorprendió por la falta de becas para los fotógrafos de color. Esto la llevó a aprender más acerca de los artistas negros, como Lorna Simpson, cuyo trabajo la inspiró a perseguir la fotografía como medio.

Su trabajo examina la capacidad del cuerpo para canalizar historias personales y sociales, abordando temas de legado familiar, comunidad, romance y estética espiritual. Su práctica toma prestado de las tradiciones visuales simultáneas, que van desde retratos fotográficos y figurativos, la estética documental social y las fotografías del típico álbum familiar de toda la vida. Lawson se inspira visualmente en la materialidad de la cultura negra y su expresión como se ve a través del cuerpo y en los ambientes domésticos. Presta especial atención a la iluminación y la pose para transformar e intensificar representaciones de poder y liberación a través del espacio personal e íntimo. Encuentra a sus modelos en la vida cotidiana: supermercados, trenes subterráneos, avenidas ocupadas en Bed-Stuy, Brooklyn, o viajes por carretera por el sur profundo.

Su trabajo ha sido publicado en The New Yorker, The Collector's Guide to New Art Photography (Vol. 2), Time Out New York,TIME Magazine, BOMB, Photo District News, Contact Sheet #154 y PQ Journal for Contemporary Photography (Volumen 24). Ha realizado numerosas exposiciones en solitario y en grupo, como  en 2015, la 2017 Whitney Biennial, New Photography 2011 en el Museum of Modern Art (MoMA) de Nueva York, The Studio Museum en Harlem, Artists Space en  Nueva York, Spelman College Museum of Fine Art en Atlanta, y en las galerías Rhona Hoffman Gallery de  Chicago, Yancey Richardson Gallery en Nueva York, Helene Bailly Gallery en París y Light Work Gallery en Syracuse, Nueva York, entre otras.

Ha obtenido las becas Guggenheim Fellowship que le permitió trabajar en Jamaica, Haití y África occidental, John Gutmann Photography Fellowship, Rema Hort Mann Foundation Grant, Aaron Siskind Fellowship Grant y  New York Foundation for the Arts Grant. Ha participado en diversas residencias, como Workspace en Lower Manhattan Cultural Council, Light Work en Syracuse, y Visual Studies Workshop en Rochester, Nueva York.

Lawson ha sido profesora asistente de fotografía en la Princeton University en Nueva Jersey desde 2012. También ha dado clases en el California Institute of the Arts, International Center for Photography, California College of the Arts y en la Rhode Island School of Design.


Referencias



Libros

  • Deana Lawson: An Aperture Monograph, 2018.

viernes, 22 de marzo de 2019

Juan Ibáñez Abad

Juan Ibáñez Abad fue un fotógrafo español (nacido en 1846 o 47 en Jumilla, Murcia, fallecido en Yecla, Murcia, el 7 de abril de 1932) que trabajó y desarrolló notablemente la fotografía de su tiempo. Él mismo se fabricaba las antiguas placas al colodión, y vivió la gran transformación y progreso de las nuevas emulsiones fotográficas, cuando había comenzado con los papeles de ennegrecimiento directo. Retrató a miles de personas, documentó tradiciones, antiguos oficios y actos sociales, y creó la primera serie de postales de vistas de Yecla.


Los hijos de Juan Ibáñez Abad. Autor: Juan Ibáñez Abad. Yecla, 1895

Los hijos de Juan Ibáñez Abad. Autor: Juan Ibáñez Abad. Yecla, 1895


Biografía

Juan Ibáñez Abad y sus hermanos fueron la 2º generación de una de las mayores sagas de fotógrafos profesionales que se conocen en España. Su padre, Juan Antonio Abad Martínez, uno de los pioneros en Castilla-La Mancha y Murcia, fue discípulo de Luis Tarszenski, conde de Lipa. Todos sus hermanos y sus hijos fueron fotógrafos con estudio propio. Varios nietos, entre ellos Vicente Ibáñez, y algunos biznietos han perpetuado la saga Ibáñez hasta nuestros días.

Su nacimiento profesional se produjo hacia 1865 en Hellín (Albacete), localidad a la que se habían trasladado sus padres desde Jumilla. Compaginó la fotografía ambulante por la zona del Altiplano con el estudio de Hellín hasta 1875, año en que se instaló en Yecla definitivamente tras la muerte de su padre. Desarrolló su trabajo durante casi 60 años en el estudio del número 52 de la calle Niño, en Yecla, donde retrató a miles de personas de la zona y a toda su descendencia.

Conoció las técnicas primitivas (trabajó el colodión húmedo, la albúmina y los papeles de ennegrecimiento directo) y vivió los grandes adelantos tecnológicos del siglo XX. Construía sus propias cámaras, era un hábil retocador de negativos y positivos, iluminaba, retrataba al carbón y destacaba en el manejo intimista de las luces: con muy pocos medios creaba atmósferas mágicas.

Hombre enormemente emprendedor, fue un hábil ebanista, afinador de pianos,  pintor, dibujante, fabricante de su propio material fotográfico como las placas para el colodión húmedo, y repostero con unas pastas hojaldradas que por su calidad fueron objeto de atención de la Casa Real de la que fue nombrado proveedor oficial.

Obtuvo un diploma en la Exposición Internacional Gevaert de 1911-12 por su serie Vida. En el mismo certamen, su hijo Juan Ibáñez Navarro obtuvo Medalla de bronce. El grueso de su archivo se perdió cuando se vendió el estudio, pero se conservan álbumes familiares y alguna obra en el Museo Comarcal de Hellín. Quizás sus obras mejor conservadas sean sus autorretratos.



Referencias



Libros

jueves, 21 de marzo de 2019

Manuel Sendón

Manuel Sendón es un profesor, investigador, comisario y fotógrafo gallego (nacido el 11 de junio de 1951 en A Coruña, vive en Vigo) que milita en un realismo documental que pone de manifiesto su preocupación por la calidad técnica de la imagen, precisa, exacta, sin necesidad de alardes.



© Manuel Sendón


Biografía

Manuel Sendón Trillo  se licenció en Matemáticas y se doctoró en Bellas Artes en 1997. Desde 1993 es profesor de Fotografía en la Facultad de Bellas Artes de Pontevedra y dirige el Grupo de Investigación de Fotografía de la Universidad de Vigo.

Con Xosé Luis Suárez Canal dirige el Centro de Estudos Fotográficos de Vigo (CEF), que nació en 1985 con la intención de recuperar, estudiar y difundir la fotografía histórica gallega y dinamizar la contemporánea. Realizaron libros monográficos sobre fotógrafos históricos gallegos, como Ramón Caamaño, Ksado, Luis Rueda, José Suárez, Raniero Fernández y Virxilio Vieitez, recuperaron el amplísimo Archivo Pacheco, el Arquivo Sarabia y el Arquivo José María Massó, y son también responsables de la edición de las colecciones Álbum y O Trinque.

Sendón es además el creador del blog Inédito, un proyecto fotográfico en el que se presentan trabajos de distintos autores que no han sido publicados, con la intención de establecer un diálogo entre fotógrafos emergentes y fotógrafos consagrados y haciendo especial énfasis en los fotógrafos gallegos jóvenes.

Su tarea de investigador se refleja en importantes publicaciones, tanto individuales como colectivas, como la titulada Informe de comunicación en Galicia y su tesis doctoral, recogida en el libro titulado Imaxes na penumbra. A fotografía afeccionada en Galicia (1950-1965).

Como fotógrafo Sendón milita en un realismo documental que pone de manifiesto su preocupación por la calidad técnica de la imagen, precisa, exacta, sin necesidad de alardes de desenfoques o habilitados de laboratorio. Por el contrario, imágenes y elementos documentales están reflejados con la máxima claridad, con total precisión, aunque al fin los dote de algo indefinible, pero apreciable, que emparentaría estas fotografías con el mejor hiperrealismo pictórico.
A través de su obra personal ha reflexionado sobre del uso de la fotografía de paisaje (Paisaxes, 1989-91), el paso del tiempo (Tempos que hai neste tempo, 1991-94) y la construcción de la memoria individual (A memoria do álbum, 2004).
Actualmente su producción se centra en cuestiones directamente vinculadas con la vida y cultura gallegas, temática que comenzó a tratar en 2002 con Cuspindo a barlovento, sobre el desastre del Prestige. De 2007 es Casas doentes, sobre las propiedades abandonadas del entorno rural gallego; y de 2009, Crebas, sobre los objetos que arrastra la marea hasta la Costa da Morte, Derradeira sesión, sobre la muerte del cine como espectáculo colectivo y el proyecto Mil ríos conjunto con Fran Herbello.

Desde 1983 expone con regularidad, destacando su participación en muestras colectivas celebradas en el Centre de la Photographie de Ginebra, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid , The Museum of Contemporary Photography de Chicago, Illinois, The Museum of Fine Arts de Houston, Texa, Noorderlicht en Groningen, Holanda, el Centro Galego de Arte Contemporánea de Santiago de Compostela, … Entre otras, ha realizado exposiciones individuales en el Museo de Imagem en Braga, el Museo de la Ciudad de México, el Museo de Arte Contemporáneo Sofía Imber de Caracas, el Conjunto Cultural da Caixa de Salvador de Bahía y la Fundación Barrié de La Coruña y Vigo.

En 2010 comisarió la exposición itinerante Proxecto Costa da Morte, y junto a Suárez Canal, las exposiciones también itinerantes Virxilio Vieitez (1998) y Madrid mirada (2008), así como la programación de la Fotobienal de Vigo y Vigovisións hasta 2000.


Referencias



Libros

miércoles, 20 de marzo de 2019

Luuk Wilmering

Luuk Wilmering es un artista visual, profesor y asesor holandés (nacido en 1957 en Haarlem, donde vive y trabaja) cuya obra comprende piezas de instalación, collages, fotos, obras para carruseles de diapositivas, paseos de audio, libros y libros de artistas. Su obra ofrece un comentario humorista sobre aspectos de la vida cotidiana y tiene una mirada para captar la poesía de lo común.


© Luuk Wilmering

© Luuk Wilmering



Biografía
Luuk Wilmering estudió en la Gerrit Rietveld Academie de Ámsterdam y en la Jan van Eyck Academie de Maastricht. En 1984 estuvo de asistente de Sol LeWitt.

Su trabajo incluye, entre otros medios: instalaciones, collages, fotografía, dibujos y pinturas. En su trabajo, investiga continuamente, no sin humor, su posición como persona y como artista. El efecto espejo entre el artista y su público es un elemento importante en su trabajo. En sus collages, saca las imágenes fuera de contexto de la misma manera que lo hace repetidamente como artista fuera del contexto de la práctica artística general.

Su obra es muy variada, pero la vida diaria y la rutina son una fuente importante de inspiración para Luuk. Sus fotografías, collages, … están inspirados en parte por la sensación de que la realidad está formada por cadenas de coincidencias y situaciones absurdas en las que uno se pierde fácilmente, al igual que en las noticias diarias ...

En 2011 realizó la exposición y publicación Une Histoire naturelle que recogía diversos trabajos de sus últimos doce años que nos muestran sus diversas maneras de enfrentarse con el arte:
  • En Visiting Versaille et les Trianons (2008/2009) ha utilizado una guía turística de lujo de 1905, ilustrada con fotografías en blanco y negro de Versalles y les Trianons. Buscando un contraste con este palacio, que en cierto sentido es sinónimo de decadencia, combinó las imágenes en color de la guía (como fondo) con detalles de fotografías en blanco y negro de los catálogos de World Press Photo coloreados utilizando tintes pastel.
  • En A Personal Geographic / The Acts of Mercy (2000-2008) muestra 40 collages, hechos a mano con material visual de la revista National Geographic, en los que la estética característica y tranquilizadora de las fotos originales se traduce en imágenes implacables de un mundo caótico, convirtiéndose en un comentario irónico sobre esta revista y sobre el incesante diluvio de información de noticias en los medios de comunicación.
  • En Cut Out recorta noticias de las portadas de periódicos internacionales. La ausencia total de texto e imágenes convierte las páginas en ventanas abstractas, que recuerdan los planos de construcción en los que cada elemento es intercambiable.
  • Birds Need Shelter muestra cómo el hombre, a través del "abuso de poder", causa la extinción de ciertas especies, cómo se cazan las aves y cómo deben servirse y comerse adecuadamente. 


Referencias




Libros y ediciones




martes, 19 de marzo de 2019

Louise Oates

Louise Oates es una artista que vive en Londres y trabaja con fotografía y escultura. Su práctica se ocupa de los procesos y redes materiales que se desarrollan en nuestro mundo globalizado como, por ejemplo, la extracción de minerales o sistemas de agua, y se involucra con estos temas a través de una variedad de técnicas fotográficas, químicas y de materiales.

Digital C type print, 37" x 30", white aluminium tray frame with non reflective glass. © Louise Oates




Biografía

Louise Oates estudió fotografía en el London College of Communication. Actualmente (2018/20) está realizando un master en Finas Artes en la Slade School of Art del University College London gracias a una beca Felix Grant.

Louise trabaja con fotografía y escultura. Es una artista que usa el medio fotográfico como una forma de representar y explorar ideas y su entorno. Piensa cada vez más en forma escultórica, pero por ahora, su trabajo se manifiesta en la fotografía.  Mira un poco la escultura, pero se inspira mucho leyendo filosofías de ciencia, geografía y antropología. Está realmente interesada en la geología y en materiales, algunos de los cuales le parecen simplemente increíbles. También está un poco obsesionada con el hormigón, pero su trabajo está principalmente relacionado en cómo interactuamos físicamente con el medio ambiente, ya sea en extracción de minerales o en juegos de niños. También piensa mucho en el futuro y en los efectos que tendrá nuestra acción en los tiempos venideros.

Su práctica se ocupa de los procesos y redes materiales que se desarrollan en nuestro mundo globalizado, por ejemplo, la extracción de minerales o sistemas de agua, y se involucra con estos temas a través de una variedad de técnicas fotográficas, químicas y de materiales. Su libro auto publicado, Notes on Hydraulic Fracturing, reúne una extensa investigación sobre la explotación de la tierra y las intervenciones artísticas. Combinando estos dos aspectos de una manera sorprendente y natural, Louise nos da acceso a su forma de pensar y actuar en relación con los problemas actuales.

Cree que los elementos formales son un vehículo para lo metafórico. En Notes on Hydraulic Fracturing utiliza el proceso de trabajar con materiales que están físicamente vinculados al tema como una forma de investigación y trata de encontrar nuevas formas de representar cosas que puedan no ser vistas. Por ejemplo, las fotografías de vistas aérea son proyecciones imaginarias del futuro paisaje del Reino Unido (si se realiza el fracking) creadas con el suelo recolectado de pozos exploratorios.

En el libro hay 3 mapas de suelo, construidos utilizando tierra y arena recolectadas en sitios de prueba del Reino Unido. El material está diseñado para imitar las imágenes de vista aérea de Pennsylvania, donde una gran industria de fracking se apoderó del espacio en los últimos 12 años. Años después, cuando fue a hacer el libro, descubrió que se habían formado cristales en la superficie de las fotografías y volvió a fotografiar las copias para agrandar los cristales y los residuos químicos. Así que las imágenes son quizás especulaciones sobre el líquido del frack que se pierde en el subsuelo. Éstos mapas de suelo se exhibieron en la Galería Whitechapel como parte de A Handful of Dust de David Campany.


Referencias



Libros

  • Notes on Hydraulic Fracturing.