jueves, 28 de febrero de 2019

Marta Bisbal

Marta Bisbal es una artista visual catalana (nacida en Mollerussa en 1974, vive en Lleida) que entiende la fotografía como una práctica lenta que le permite tomar conciencia de la realidad y del presente, e intenta expresarse a través de un lenguaje basado en la apreciación de variaciones y movimientos mínimos.


© Marta Bisbal
© Marta Bisbal


Biografía

Marta Bisbal Torres es licenciada en Derecho por la Universidad de Navarra, tiene un master en Periodismo por la Universitat de Barcelona y un doctorado en Derecho por la Universitat de Lleida, en la especialidad de Libertad de Expresión y Derecho a la Información.

En 2010 optó por las artes visuales como herramienta de investigación y reflexión personal y estudió Fotografía Artística en la Escuela de Arte Municipal Leandre Cristòfol en Lleida y posteriormente en Lens Escuela de Artes Visuales de Madrid y en varios talleres impartidos por Javier Vallhonrat, Joan Fontcuberta, Martin Parr, …

Se interesa por la fotografía como contemplación y trata de expresarse a través de un lenguaje basado en la apreciación de las variaciones y movimientos mínimos. Se siente atraída por la idea de explorar cosas que podrían pasar desapercibidas, ya que esta investigación la lleva a pensar en la percepción y en el acto de mirar.

Su primer proyecto fotográfico, Kosmos, se ha mostrado en diversas exposiciones individuales y colectivas y ha sido preseleccionado en varios festivales y premios como Panoràmic, Emergent, Scan Full Contact, Moscú International Photo Awards, Athens Photo Festival, Nexofoto Iberoamerican Prize Photography, Art Photo Bcn, Pa-ta-ta Festival y Descubrimientos de PhotoEspaña.  Con el mismo título, en 2016, lo publicó como fotolibro en el marco de la colección de Cuadernos de la Kursala.

En este proyecto Marta observó durante algún tiempo los cambios de luz que se producían, a lo largo del día, sobre las paredes de una habitación vacía. En esta evolución lumínica proyectada sobre la pared blanca de la casa, veía la elocuente manifestación del kosmos griego: un orden esencial que se opone al caos y que impregna cualquier superficie, cualquier dimensión, desde lo pequeño hasta lo inalcanzable, de lo físico a lo inmaterial. Con su cámara fotográfica, convertida en un doble invertido de la habitación, se hizo eco del kosmos y quedó plasmada una película sobre la luz, el silencio y la inmovilidad.

En el fotolibro las páginas interiores están encuadernadas en acordeón para permitir diferentes ritmos y niveles de lectura. Las cubiertas (portada y contraportada) son idénticas para que, de esta manera, resulte indiferente al lector empezar por una cara o por otra. Se trata de una secuencia sin principio ni fin, ya que representa un tiempo circular y continuo.


Referencias



Libros

  • Kosmos, 2016.

miércoles, 27 de febrero de 2019

Eduardo Susanna Almaraz

Eduardo Susanna Almaraz fue un fotógrafo español (nacido en 1894 en Guadalajara, fallecido en Madrid en 1951) que se sintió atraído principalmente por el retrato, el paisaje, las costumbres y el folclore nacional, dejando un legado compuesto por una gran cantidad de testimonios gráficos históricos y patrimoniales.


© Eduardo Susanna Almaraz

© Eduardo Susanna Almaraz



Biografía

Eduardo Susanna Almaraz descubrió la fotografía durante su juventud y compaginó esta actividad con la carrera de Ingeniería Militar. Coincidió con Ortiz Echagüe como compañero de aula, que pronto se convertiría en amigo y maestro, dejando sentir su influencia en toda su obra. 
 
Hubo de alternar su profesión de ingeniero con su afición, trabajando en una firma de electricidad y frío industrial. Sólo pudo dedicarse intensamente a la fotografía en la última parte de su vida.

Formó parte de la junta directiva de la Federación Española de Arte Fotográfico, constituida el 11 de abril de 1949 en la sede de la Agrupació Fotogràfica d’Igualada, junto con Ignacio Barceló Vidal y Antoni Campañá, y de la que Ortiz Echagüe fue nombrado presidente.

Su mayor actividad se desarrolló a partir de 1940. Su adscripción a la Sociedad Fotográfica de Madrid fue decisiva para estimular su actividad como fotógrafo, pues dicha sociedad realizaba múltiples actividades y contaba con salones que habían sido inaugurados por el rey Alfonso XIII.
 
Colaboró habitualmente con la revista Sombras (fundada en 1944 por la Real Sociedad Fotográfica de Madrid), donde publicó sus fotografías y artículos técnicos. También dirigió el anuario de fotografía de 1946 que la RSF editaba. Susanna, cuya obra figuró entre las elegidas para el anuario de 1924, se había formado en el pictorialismo y había experimentado todos los procedimientos pigmentarios desde los años 20.

Durante sus últimos años de vida abrió un pequeño taller, Construcciones Fotográficas, especializado en la reparación de aparatos y adaptación de objetivos focales a las cámaras Contax y Leica.

Referencias


Libros

martes, 26 de febrero de 2019

Luis Rueda

Luis Rueda fue un maestro y fotógrafo gallego (nacido el 13 de septiembre de 1921 en La Habana, Cuba, fallecido en Lugo, España, en 2004) que capturó, principalmente con su Ikoflex, paisajes, el trabajo del campo y la vida de la infancia.


© Luis Rueda

© Luis Rueda


Biografía

Luis Rueda Sánchez fue hijo de inmigrantes gallegos en Cuba, que regresaron a España cuando Luis tenía unos 5 años estableciéndose en Monforte de Lemos (Lugo), donde pasó su infancia y su juventud. Estudió Magisterio en Lugo, y con veinte años, en 1941, empezó a dar clase en distintos colegios de la provincia de Lugo, al principio en la montaña con difícil acceso, y finalmente en la capital.

Comenzó a hacer fotografías en 1941.  Al principio para guardar recuerdos familiares. Los temas de sus fotografías eran los paisajes, el trabajo en el campo, las ferias… Luego, cuando ya se dedicó a la fotografía artística,  influido por su profesión de maestro y profesor de Educación Física, centró su interés en documentar los juegos de sus alumnos, aunando así sus dos pasiones.

Fotógrafo espontáneo, caminaba por la ciudad con su cámara preferida, una Ikoflex, cámara réflex de doble objetivo muy querida a mediados del pasado siglo. Le interesaba la espontaneidad y sus fotografías se pueden considerar como más atrevidas formalmente que las de los demás fotógrafos de la época, utilizando picados y contrapicados, composiciones en diagonal, fotos a contraluz y fotos en los que las líneas destacasen. También le encantaba jugar con las sombras a la hora de hacer fotografías. Su periodo de máxima producción fotográfica fue entre los años 1955 y 1972.

Como no tenía un laboratorio para revelar sus fotos, pasaba muchas horas en el estudio fotográfico de Juan José Vivancos y allí veían cómo quedaban las fotos que hacía. Participó en muchos concursos consiguiendo numerosos premios. Algunas de sus fotos se utilizaron como portadas de libros de literatura gallega, algunos de ellos muy importantes.

Aunque la mayor parte de su obra muestra el interior de Galicia y no sus costas, tenía una casa en O Vicedo, en la costa de Lugo, y se cuenta que el nombre de la playa de Las Catedrales lo puso él, que le encantaba ir allí a hacer fotografías y llevaba a sus alumnos de excursión de fin de curso muchas veces a bañarse a esa playa.

Fue uno de los fundadores, en 1958, de la Agrupación Fotográfica Lucense de Educación y Descanso, que traería consigo hasta finales de los años 70 un importantísimo fomento de la fotografía en Lugo. En 1991 Manuel Sendón y Xosé Luis Suárez Canal publicaron el libro Album. Luis Rueda, con una retrospectiva de su obra. En 1998, con motivo del 40 aniversario de la agrupación, se celebró en el Museo Provincial de Lugo la exposición Da Agrupación Fotográfica ó Grupo Fonmiñá, 1958-1998, un recorrido por 40 años de fotografía que incluyó obras suyas.


Referencias



Libros


lunes, 25 de febrero de 2019

Alexandre Christiaens

Alexandre Christiaens es un fotógrafo belga (nacido en Bruselas en 1962, vive y trabaja en Dave, cerca de Namur) para el que viajar a destinos lejanos es la condición esencial para crear y cuyas fotografías reflejan los viajes temporales de un viajero abrumado por el mundo y que, con sus diferentes series fotográficas: paisajes industriales, cuevas y paisajes marinos se crean enlaces que tejen una visión sensible del mundo.


© Alexandre Christiaens
© Alexandre Christiaens

Mi principal objetivo es mezclar mi colección fotográfica, que a veces se realiza de forma aplicada y reflexiva, a veces de forma peligrosa. Entonces, se trata de reunir mis imágenes y escribir una historia. No la mía, porque aunque no me excluya, mi trabajo no es para nada autobiográfico; son más bien historias del mundo, historias de vidas, territorios, formas, horizontes y miradas lo que mis imágenes cuentan.


Biografía

Alexandre Christiaens se graduó en ebanistería en 1980, y asistió a varios cursos de artes plásticas e historia del arte. Practicó la escultura, realizó instalaciones y su camino personal lo llevó a descubrir la historia y el lenguaje de la fotografía. Eligió la técnica de usar película e imprimir manualmente en blanco y negro, que aprendió de forma autodidacta. Desde hace varios años enseña fotografía analógica, el trabajo en laboratorio en blanco y negro, fotografía digital y dirige talleres en Bélgica y en el extranjero.
 
Desde su primera serie de grabados fotográficos en blanco y negro, titulados Marines, los viajes, el mar y la fotografía van de la mano en su trabajo. Luego viaja por el mundo y reside en residencias, Estonia, Inglaterra, China, Brasil, Rumania, India, Rusia, Turquía, Grecia, Chile o en otros lugares. Sus fotografías reflejan paisajes naturales, industriales, portuarios o urbanos, presencias humanas, a veces manifiestas y otras sugeridas, sin olvidar nunca la contribución esencial del azar.

Desde 1999, sus fotografías han aparecido en varias colecciones públicas como el Service général du patrimoine culturel de la Fédération Wallonie-Bruxelles, Centre régional de la photographie en Nord Pas-de-Calais, Musée de la Photographie en Charleroi, Bibliothèque Nationale Richelieu en Paris, Centre Culturel de Hasselt, Space Collection, In Cité Mondi en Lieja, ...

Ha participado en exposiciones individuales y colectivas en Bélgica y en el extranjero y en numerosas residencias, principalmente 3 en Tallin, Estonia, que le sirvieron de base para sus libros Hunter Grill y ESTONIA.


Referencias



Libros

  • La neige bientôt, 2017.
  • Hunter Grill, 2016.
  • ESTONIA, 2016.
  • Eaux vives, peaux mortes, 2011.
  • En Mer, voyages photographiques, 2008.
  • Grotesques, concrétions et paysages, 2007,
  • Réseau cristallin, 2006.
  • Mythologie, 2005.

domingo, 24 de febrero de 2019

Agustín Sagasti

Agustín Sagasti es un fotógrafo vasco especialista en fotografía de arquitectura, industrial o social, así como de gastronomía y decoración.


© Agustín Sagasti
 
© Agustín Sagasti



Biografía

Agustín Sagasti es un reconocido fotógrafo profesional que ha realizado numerosas exposiciones fotográficas individuales y colectivas como ARKT. Arquitectura y tiempo en Bilboargazki y próximamente en Mallorca. Atesora más de 50 premios de ámbito local, regional, nacional e internacional. Colabora habitualmente con varias publicaciones con imágenes de naturaleza y paisaje urbano. Colabora para diferentes entidades e Instituciones del País Vasco. Muchas de sus fotografías han sido utilizadas para la publicidad: calendarios, publicidad de empresas o instituciones, fotografías para agencia, imágenes para editoriales, ...

Sagasti cuenta con una gran variedad de  trabajos fotográficos de arquitectura, industrial o social así como de gastronomía y decoración. Pero donde refleja mejor su visión personal es en la arquitectura, principalmente en sus trabajos en blanco y negro, incitando al espectador a recorrer con calma los precisos detalles de las formas arquitectónicas, transportándole a un mundo imaginario donde poder imaginarlas completas.

En sus imágenes muestra su visión sincera y respetuosa hacia la arquitectura, explorando una estética artística por encima de la propia obra arquitectónica, buscando a la vez sorpresa e impacto mediante ritmos, proporciones, simetrías y reflejos. 


Referencias

sábado, 23 de febrero de 2019

Antony Cairns

Antony Cairns es un fotógrafo inglés (nacido en 1980 en Londres, donde vive y trabaja) cuyos paisajes urbanos, desde Londres hasta Tokio, se presentan como un telón de fondo para su investigación sobre la herramienta de fotografía. Fascinado por su naturaleza reproductiva, explora procesos y formatos nunca antes vistos para crear su trabajo.

© Antony Cairns

La fotografía está infinitamente vinculada a la tecnología, siempre está avanzando con ella. Hay muchas formas de reproducir una fotografía, formas que a menudo se olvidan. Se trata de casar el proceso correcto con la imagen correcta.


Biografía

Antony Cairns nació en el east end de Londres, y ha estado haciendo fotografías desde los 15 años. Fotógrafo con formación tradicional aprendió su oficio en el London College of Printing y su práctica fotográfica se ha mantenido enraizada en las técnicas basadas en sustancias químicas. Trabaja  casi exclusivamente en película de blanco y negro e imprime su propio trabajo, a menudo experimentando con métodos olvidados o descartados, y con frecuencia disfrutando del proceso, sus imperfecciones y sus rarezas.

Sus series son en blanco y negro sobre su ciudad natal, Londres, pero también París, Los Ángeles, Las Vegas y Osaka. Su método manual y atemporal contrasta con estas metrópolis que cambian rápidamente. Son imágenes analógicas de ciudades futuristas.

Cairns trabaja a través de la fotografía, la instalación y la escultura. Preocupado por el proceso material de la fotografía y su interacción intrínseca con la tecnología, la raíz de su práctica es la fusión de medios avanzados de reproducción de imágenes con procesos tradicionales. Inspirado en gran medida por la ciencia ficción, particularmente el trabajo de William Gibson, Philip K. Dick y J.G Ballard, su tema - la metrópolis moderna, se revela a través de una lente distópica y extraña.

Desde que se dio cuenta de que podía congelar la pantalla de su lector kindle al desconectar su alimentación eléctrica, adquirió más de 500 lectores electrónicos de segunda mano, principalmente de eBay, como soporte para sus fotos. Al piratear los lectores electrónicos, puede cargar sus fotografías, congelarlas en la pantalla y luego quitarla de la carcasa del dispositivo. El resultado ha sido el libro LDN EI y exposición dentro de Shape of Light: 100 años de fotografía y arte abstracto en Tate Modern con 45 imágenes abstractas de metrópolis globales.

En 2015, Cairns recibió el Premio Hariban y el Premio especial del jurado en Images Vevey en 2017. Actualmente participa en importantes exposiciones institucionales en el London Museum, George Eastman Museum en Nueva York y en el Stedelijk Museum de Breda.

Ha expuesto individualmente El cuento de Adam Earl Gordons en Théâtre de Verdure en Vevey en 2018, TYO2-LDN4 en 2017 y OSC - Osaka Station City en 2016 en Roman Road en Londres y en grupo con A Matter of Memory: Photography as Object in the Digital Age en Tate Modern de Londres, George Eastman Museum de Nueva York, Museo Het Schip de Ámsterdam, Stedelijk Museum de Breda, Sfera Exhibition en Kioto  y Mudam en Luxemburgo.

Referencias



Libros

  • CTY, 2017.
  • Nightcity.
  • LA-LV.
  • Abstracts, 2017.
  • LDN, 2013.
  • LDN2.
  • LDN3.
  • LPT.
  • LDN4 IBM COMPUTER PUNCH CARD.
  • TYO2.
  • OSC.





viernes, 22 de febrero de 2019

Thomas Albdorf

Thomas Albdorf es un fotógrafo austriaco (nacido en 1982 en Linz, vive y trabaja en Viena) cuyo interés se centra en la fotografía y la escultura, en particular en el área de intersección entre ambas prácticas, sus percepciones cambiantes, el status quo contemporáneo de la imagen fotográfica y la descontextualización causada por la distribución de Internet.


I Made This For You © Thomas Albdorf
I Made This For You © Thomas Albdorf


Biografía

Thomas Albdorf trabajó durante varios años como diseñador gráfico y director de arte, estudió Transmedia Art en la Universidad de Artes Aplicadas de Viena, donde se graduó en 2013.
Cuando comenzó a experimentar con la fotografía, su práctica artística estaba dominada principalmente por la escultura. Gracias a artistas como Fischli & Weiss, Roman Signer o Koki Tanaka, se dio cuenta de cómo la fotografía (y también el video) podía extender el espacio escultórico y permitir construcciones que no eran posibles en la realidad. Hoy en día, a medida que avanzamos constantemente hacia imágenes que son creadas automáticamente por software sin intervención humana, le interesan más las configuraciones que se construyen digitalmente en gran parte en la postproducción, o incluso que son creadas por software en su totalidad.
Su interés principal se centra en la fotografía y la escultura, en particular, el área de intersección entre ambas prácticas, sus percepciones cambiantes, el status quo contemporáneo de la imagen fotográfica y la descontextualización causada por la distribución de Internet. Concibe la fotografía no como el único acto de liberar el obturador, sino como una cadena de decisiones que abarca desde la puesta en escena del objeto o del sujeto hasta el posprocesamiento y la imagen publicada en diversos medios.
Albdorf combina géneros fotográficos clásicos con técnicas visuales contemporáneas. Sus paisajes y naturalezas muertas son audazmente estéticas, pero su uso del medio fotográfico es altamente conceptual. Utilizando técnicas analógicas y digitales, construye realidades ficticias a partir de fotografías de clichés visuales persistentes que se encuentran en línea. Sus imágenes de un paisaje montañoso, unas vacaciones en la playa o un arreglo floral parecen familiares a primera vista, pero en realidad son imposibles.
Su libro General View toca el tema genuino y aparente de viajar al Parque Nacional de Yosemite, un lugar rigurosamente establecido en la historia fotográfica, pero que sin embargo, a través de las tecnologías modernas es también uno de los lugares más distribuidos visualmente del mundo. Estas innumerables imágenes de Yosemite son recontextualizadas cuidadosamente para su propio propósito.
En el anterior I Know I will see what I have seen before era su propia Austria natal y su espacio visual montañoso la que es explorada, reconstruida y abstraída a través de varios métodos de producción de imágenes, desde material escaneado apropiado, imágenes fotográficas digitalmente modificadas, ajustes de estudio, etc.
Fue seleccionado como uno de 30 Artists to Watch por British Journal of Photography en 2014; ganó el UNSEEN Amsterdam Talent Award en 2016.
Su trabajo ha sido mostrado en galerías de Austria, Alemania, Suecia, Reino Unido y EEUU, y ha sido presentado y entrevistado en revistas y blogs como FOAM Magazine, British Journal of Photography, It's Nice That, Phaidon UK, Computer Arts Magazine, Twin, Under the Influence, NOAH, Wallpaper*, Tell Mum Everything is Okay, A5 Magazine, Ain't Bad, Mossless y otros muchos.


Referencias



Libros

jueves, 21 de febrero de 2019

Joan Maria Pou i Camps

Joan Maria Pou i Camps fue un farmacéutico, químico y fotógrafo catalán (nacido en Girona el 1 de septiembre de 1801, fallecido en Madrid el 16 de octubre de 1865) coautor de la primera fotografía realizada en Madrid.


Joan Maria Pou i Camps y otros

Joan Maria Pou i Camps y otros




Biografía

Joan Maria Pou i Camps, hijo de una familia de farmacéuticos de Santa Coloma de Farnés, estudió farmacia en la Universidad de Barcelona. De 1829 a  1838 fue catedrático de análisis químico en el Real Colegio de Medicina, Cirugía y Farmacia del Reino de Navarra en Pamplona, ​​donde se licenció en medicina en 1837.

Durante un tiempo breve, entró en la vida política y fue elegido diputado a Cortes por Girona en la legislatura del 1837-1838. Duró poco como diputado para que renunció al cargo para dedicarse a la enseñanza cuando ganó la cátedra análisis químico de la Universidad Complutense de Madrid.

Cuando, a principios de 1839, Francesc Aragó presentó en París el gran invento de Daguerre, un numeroso grupo de catalanesvivían en la capital francesa. Algunos fueron atraídos por este invento y participaron activamente en la divulgación del daguerrotipo en Cataluña y en España. Uno de ellos, el médico Joaquim Hysern envió de París a Madrid una cámara daguerrotípica a Pou al que su afán investigador y científico le llevó a interesarse por la técnica fotográfica.

Joan Maria y su hermano José, con otros dos médicos catalanes establecidos en Madrid, Joaquim Hysern, Marià de la Pau Graells, obtuvieron en 1839 la que es considerada la fotografía más antigua de la capital española: una vista panorámica tomada desde el otro lado del río Manzanares a las tres de la tarde del Palacio Real de Madrid. Este daguerrotipo fue depositado en la Facultad de Farmacia, aunque hoy solo se conserva la placa plateada original.

El impacto del invento en España fue tal que se tradujeron y publicaron cinco versiones diferentes del manual de Daguerre. La editada en 1839 por Joan Maria, titulada Exposición histórica y descripción de los procedimientos del daguerrotipo y del diorama, fue la versión más interesante y documentada, corregida y considerablemente aumentada con notas, adiciones y aclaraciones que ponían esta tecnología al alcance de profesionales y aficionados de la época.

Pou fue también diseñador de un método fotométrico para la cámara daguerreotípica, y publicó numerosos estudios en publicaciones científicas. En 1852 fue elegido académico de la Real Academia de Ciencias Exactas, Físicas y Naturales.

Hombre políglota y cultivado, se distinguió por su humanitarismo durante la epidemia de cólera que sufrió Madrid en 1865, debido a la cual, se contagió del mal y murió en la capital.


Referencias



Libros

miércoles, 20 de febrero de 2019

Sebastian Bieniek

Sebastian Bieniek es un guionista, productor, pintor, actor y director de cine y fotógrafo alemán (nacido en Czarnowasy, Alta Silesia, Polonia, el 24 de abril de 1975, vive en Berlín) que domina los medios audiovisuales tanto en su producción como en su ejecución, habiendo sido guionista y director en diferentes películas. Ha practicado las artes escénicas del performance y dentro de la plástica como pintor y posteriormente como fotógrafo. Está considerado uno de los artistas más influyentes de Berlín y también en el mundo.


© Sebastian Bieniek

© Sebastian Bieniek



Biografía

Sebastian Bieniek nació en una región de la Polonia actual que a veces ha pertenecido a Alemania. De origen alemán su familia se repatrió cuando él tenía 13 años. Estudió fotografía en Universität der Künste (Universidad de las Artes)Braunschweig, estudiando con la artista serbia Marina Abramović y el artista conceptual suizo John Armleder. Siguió con un master en UdK en Berlín, donde filmó sus primeros videos. Posteriormente trabajó fuera de Alemania y consiguió una beca residencia del DFJW en Rennes, Francia, donde pasó medio año y participó en la exposición colectiva Aux voyageurs.
Comenzó sus estudios en la Deutsche Film-und Fernsehakademie (Academia Alemana de Cine y Televisión) en 2002. En 2007, dirigió The Gamblers, una película sin presupuesto que recorrió muchos festivales.
Bieniek fue un pintor antes que nada, y por eso para él la fotografía es otra forma de pintar: forma y colores, oscuridad y luz juegan un papel central. Como artista, siempre trabaja en series que contienen entre 10 y 90 imágenes, porque cree que cualquiera puede tomar una sola imagen, mientras que una serie "es más parecida a un trabajo de arte real, habla de cohesión". Estas imágenes incluyen retratos, naturaleza muerta, desnudos y paisajes que tienen un efecto lúdico, poco convencional y, a menudo, casi plástico.
Sus primeras obras fueron actuaciones radicales, como Mano sin cuerpo (1999), donde realizó diariamente durante 16 días un corte en su propio brazo, o Nacido para ser Boulette (1999) donde estuvo colocado durante tres días en 500 kg. de carne cruda, o Robo (1998) donde realizó un robo en un Deutsche Bank como una obra de arte. Más tarde, su trabajo se volvió más y más minimalista y conceptual, como los trabajos de texto a partir de 2001. En 2009 (después de un receso de siete años) reinició con Homeland Security, una serie de pinturas conceptuales realistas y otras series donde combinaba imagen pintada con texto.
En 2013 continuó con la fotografía, donde es más reconocido, especialmente con su serie Doublefaced. Un trabajo original y particularmente interesante porque se destacó y se difundió ampliamente a través de redes sociales como Facebook. Esta serie comenzó  cuando Sebastian dibujó una cara en la mejilla derecha de Bela, su hijo enfermo, trazando un solo ojo, utilizando el ojo derecho del niño para completar la cara. Así nació Doublefaced 1, un primer intento que llevó al artista a realizar un conjunto de 34 fotografías trabajando siempre con el mismo principio. Las 10 primeras fotografías son todas modelos femeninas, perfil de cabeza, con una cara dibujada en el lateral. Sólo las situaciones difieren.
Posteriormente Bieniek creó su propia obra en torno a este concepto combinando diferentes medios: pintura, dibujo, fotografía, creando varias series: Doll-Body, Dollface, Extremities, Twoneface, Interventions, Oneeye, Faceation, … Simultáneamente continúa trabajando en sus obras de texto minimalistas, performances y pinturas como sus series Perfect-Circles y Multiplications.



Referencias



Libros

  • Realfake.



martes, 19 de febrero de 2019

Mariano Moreno

Mariano Moreno fue un fotógrafo español (nacido el 25 de marzo de 1865 en Miraflores de la Sierra, Madrid, fallecido el 17 de diciembre de 1925 en Madrid) conocido sobre todo por documentar las obras de arte de los museos españoles más importantes.


Batalla naval, foto de Mariano Moreno

Batalla naval, foto de Mariano Moreno


Biografía

Mariano Moreno García trabajó como jornalero antes de entrar como aprendiz en el estudio del prestigioso fotógrafo Jean Laurent y se convertiría en un célebre fotógrafo de comienzos del siglo XX. Retomó en 1893 la labor comenzada por Laurent reproduciendo los fondos del Museo del Prado. En 1900 fotografió 128 pinturas para el catálogo de una gran exposición en torno a la figura de Goya. En 1901 el museo otorgó a Lacoste, heredero de Laurent, la exclusiva para fotografiar de sus fondos.

En 1907 trabajó para la Junta de Iconografía Nacional y la Sociedad de Amigos del Arte, colaborando con importantes historiadores de arte, como Aureliano de Beruete o Elías Tormo, que le encargó la reproducción de la obra de Goya y Zurbarán. Documentó la labor de artistas contemporáneos suyos como Benlliure, Sorolla o Echeverría.

También recorrió gran parte del país documentando iconográficamente los monumentos y obras de arte del pasado, por lo que visitó muchas ciudades españolas, entre las que destacan Ávila, Toledo, Jaca, Burgos, León, Granada o Segovia, que fueron especiales focos de interés de su objetivo.

Sus cuatro hijos se dedicaron a la práctica fotográfica, siendo Vicente el que trabajó junto a su padre y heredó su estudio. Entre 1893 y 1954, padre e hijo crearon lo que en su tiempo se conoció como el Archivo de Arte Español, uno de los fondos fotográficos más importantes de España sobre temática patrimonial. La obra de ambos se caracteriza por una gran calidad técnica que, unida a su sensibilidad estética, confiere a las imágenes un singular valor artístico y documental.

El fondo de los Moreno consta de más de 60.000 placas negativas en diversos formatos, como soportes de vidrio y plástico. El Ministerio de Cultura ha llevado a cabo la digitalización de muchas de estas fotografías para la Fototeca del Patrimonio Histórico. También hay una amplia selección de sus trabajos en los fondos de la Hispanic Society de Nueva York, en su mayoría imágenes de edificios y monumentos.


Referencias



Libros

lunes, 18 de febrero de 2019

J. Georges Lévy

J. Georges Lévy fue un fotógrafo francés (nacido en 1833, fallecido en 1913) fundador de una empresa familiar que se dedicó con éxito a la comercialización de copias a la albúmina, postales y vistas estereoscópicas bajo la firma L.L. trabajando principalmente la temática de viajes a países exóticos, como España, Marruecos y la fotografía de sus elemento arquitectónicos.


J. Georges Lévy
J. Georges Lévy


Biografía
Georges Lévy fundó en 1864 con el también fotógrafo y suegro suyo Moyse Léon la firma Léon et Lévy, al comprar el negocio de vistas estereoscópicas de sus anteriores dueños, Ferrier Père, fils et Soulier, donde trabajaban. Se darían a conocer a nivel internacional en 1867, gracias a la concesión que obtuvieron para realizar las vistas estereoscópicas de la Exposición Universal de París, trabajo que fue galardonado con la Grande Médaille d’Or de l’Empereur. Aquel momento marcó el inicio de una intensa actividad fotográfica, viajera y editorial. La firma se especializó en placas de vidrio estereoscópicas y postales ilustradas y se convirtió en una de las editoriales de postales más importantes de Francia.

En 1872, Lévy quedó solo al mando de la compañía, que pasó a llamarse J. Lévy et Cie., y en 1895, con la incorporación de sus dos hijos Ernest y Lucien, ésta volvió a cambiar el nombre a Lévy et ses fils, aunque las obras siguieron firmándose con las siglas L. L. La firma permaneció activa hasta 1920, y posteriormente siguió su actividad bajo otras nombres.

Enviaron a sus operarios (llegaron a tener hasta 600 empleados) por América y Europa, y fueron premiados en las exposiciones de Bruselas (1880), Burdeos (1882) y Ámsterdam (1883). Durante los años 1888 y 1889, con motivo de la Exposición Universal de Barcelona, los fotógrafos de la firma J. Lévy et Cie. realizaron un exhaustivo recorrido por las principales ciudades de España. A diferencia de los repertorios fotográficos urbanos realizados con anterioridad, en los que las ciudades aparecían  deshabitadas, consecuencia de la limitada fotosensibilidad del colodión húmedo, las fotografías tomadas en España mostraron por primera vez ciudades animadas, gracias a las mucho más sensibles placas al gelatinobromuro, que necesitaban de una exposición inferior a un segundo.

Estas fotografías aparecen recopiladas en el Catalogue des Épreuves Stéréoscopiques sur verre et vues pour la projection. Espagne, Portugal, Maroc, photographiés et publiés par Levy et ses fils, editado en 1904 y en el que también se reúnen las vistas tomadas en España con anterioridad por Ferrier Père, fils et Soulier. Su fondo fotográfico se conserva en París, en la Colección Roger-Viollet y en colecciones particulares. En 2012, el Palacio de la Aljafería de Zaragoza acogió la muestra Zaragoza en la mirada ajena. Instantáneas del archivo Roger-Viollet de París: J. Lévy et Cie., organizada por las Cortes de Aragón.


Referencias



Libros

  • Catalogue des épreuves stéréoscopiques sur verre et vues pour la projection. Espagne, Portugal, Maroc, París, Levy & ses fils, 1904.
  • Zaragoza en la mirada ajena. Instantáneas del archivo Roger-Viollet  de París: J. Lévy et Cie., 1889, 2012.
  • Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI, 2013.

domingo, 17 de febrero de 2019

Girault de Prangey

Girault de Prangey fue un fotógrafo y dibujante francés (nacido el 21 de octubre de 1804, fallecido el 7 de diciembre de 1892) cuyos daguerrotipos son las primeras fotografías sobrevivientes de Grecia, Palestina, Egipto, Siria y Turquía.



Girault de Prangey’s image of the Roman Forum, viewed from the Palatine Hill in 1842


Biografía

Joseph-Philibert Girault de Prangey nació cerca de Langres y fue el último descendiente de los señores de Vitry. Heredó una gran fortuna tras la muerte de sus padres y hermanos en 1828, que utilizó para sufragarse sus gastos personales, así como sus viajes a lo largo de su vida.

Comenzó sus estudios de letras y derecho en París en 1820, pero posteriormente estudió pintura en París, en la École des Beaux-Arts. En 1832 emprendió un viaje a España, principalmente por Andalucía, fruto de su creciente interés por el mundo musulmán. Allí realizó una serie de estudios y dibujos de los principales monumentos musulmanes en Andalucía que fueron publicados bajo el título Souvenir de Grenade et de l’Alhambra, première partie de ses Momuments árabes et moresques de Cordoue, Séville et Grenade dessinés et mesurés en 1832 et 1833.

Volvió a Francia en 1835, y se dedicó a planificar y construir su villa privada, realizada siguiendo el modelo de las villas otomanas construidas a orillas del Bósforo en Estambul.

En 1841 aprendió la técnica del daguerrotipo, posiblemente del propio Louis Daguerre o de Hippolyte Bayard. Muy interesado en la arquitectura del Medio Oriente, recorrió Italia y los países del este del Mediterráneo (Grecia, Palestina, Egipto, Siria y Turquía) entre 1841 y 1844, produciendo más de 900 daguerrotipos de vistas arquitectónicas, paisajes y retratos. Esto fue una epopeya por el peso de la cámara de placas 24x19cm, las propias placas y los componentes para los daguerrotipos, que tenía que mover con él para poder fotografiar.

De vuelta a Francia en 1846 realizó una lujosa publicación compuesta de litografías realizadas a partir de una selección de sus daguerrotipos titulada Monuments arabes d’Égypte, de Syrie et d’Asie Mineure  y posteriormente Monuments et paysages d’Orient que le supuso un fracaso editorial. Realizó estudios de acuarela y dibujos a pluma y creó una pequeña edición de litografías de ellos. También hizo estereografías de su finca y de las plantas exóticas que coleccionaba. Pasó los últimos 40 años de su vida solo y recluido en su mansión morisca, dedicándose a una de sus pasiones: la botánica.

Creó un pequeño jardín paradisíaco en su villa, rodeado de los recuerdos de sus viajes, del ambiente oriental de su mansión y por supuesto de sus cajas con daguerrotipos. Girault de Prangey no exhibió ni dio a conocer sus fotografías durante su vida y éstas se descubrieron en la década de los años 20 en un almacén de su propiedad y solo se dieron a conocer ochenta años después.

En mayo de 2003, el jeque Saud Al-Thani de Qatar compró un daguerrotipo suyo por un precio récord mundial de 922.488$. A primeros de 2019, The Metropolitan Museum of Art ha abierto la exposición Monumental Journey: The Daguerreotypes of Girault de Prangey con unas 120 fotografías de Grecia, Egipto, Siria, Turquía y Siria, un recorrido por Oriente Medio a principios de la década de 1840, incluyendo el Partenón de Atenas, la Mezquita Khayrbak en El Cairo y la Cúpula de la Roca en Jerusalén. Está organizada por la Bibliothèque Nationale de France en París.


Referencias




Libros






sábado, 16 de febrero de 2019

Ramón Caamaño

Ramón Caamaño, alias Muxía, fue un fotógrafo gallego (nacido el 9 de noviembre de 1908 en Muxía, La Coruña, fallecido el 13 de mayo de 2007 también en Muxía) que está considerado el mejor fotógrafo del ámbito rural de Galicia, no sólo por su calidad técnica, sino también por su interés documental desde el punto de vista histórico, sociológico y antropológico. Fue uno de los primeros fotógrafos que retrató el paisaje, las costumbres y los habitantes de la Costa da Morte. Su obra es de un realismo cabal, realizada con medios modestos, que ha logrado trascender lo inmediato, lo cotidiano, para alcanzar valores etnográficos.


© Ramón Caamaño
© Ramón Caamaño


Biografía

Ramón Caamaño Bentín fue hijo único y cuando tenía pocos meses su padre emigró a Cuba y después a México, dedicándose a la venta de encajes que elaboraban en la casa familiar. Con ocho años de edad su padre le envió un proyector de cine y alguna película y organizaba proyecciones para los jóvenes de Muxía, a quienes les cobraba la entrada. Aunque en un principio quiso ser electricista compró a su primera máquina fotográfica con 16 años, una Brownie Kodak, y empezó a fotografiar marineros, campesinos, paisajes y romerías.

En 1927 se compró una máquina Pathe Baby para proyectar cine, y comenzó a distribuir por la Costa da Morte películas, que él mismo comentaba, en improvisadas salas de cine o al aire libre. En los inviernos de los años 1929, 1930 y 1931 fue a Santiago de Compostela a trabajar con el fotógrafo Ksado con quien aprendió la técnica para colorear fotos con ácidos y otros aspectos técnicos.

En 1937 ya casado se trasladó a Cee, donde abrió un estudio fotográfico y ejerció como retratista hasta que, movilizado durante la Guerra Civil española, acudió al frente de Aragón, adonde llevó su cámara West Pocket tomando fotografías del frente de guerra y de los soldados, y revelando las fotografías hechas por los aviones de reconocimiento. Sus fotos de guerra pueden considerarse como el primer ejemplo de fotoperiodismo gallego.

Al terminar la guerra continuó trabajando en su estudio de Cee pero amplió su actividad fotográfica a toda la comarca de Finisterre aunque en mayor medida a Corcubión y Muxía.

En sus fotografías emplea fundamentalmente el blanco y negro y el tema que le ha hecho más conocido son los retratos.​ Es un ejemplo del fotógrafo de aldea que vivía de realizar fotografías por encargo a labradores y marineros que trataban a través de ellas de mantener el vínculo con los familiares emigrados. También tiene series de fotografías de difuntos a los que retrataba a petición de sus familiares. Casi todos sus retratos los realizaba en el estudio sobre decorados ficticios de tela, aunque también los hacía en las propias aldeas utilizando telas que colocaba como fondos en escenarios naturales. El contraste entre esos decorados y el realismo y austeridad de las fotografías originaba casi siempre retratos formales y hieráticos, característicos en este género fotográfico en esta época. Otro de sus temas preferidos fueron las romerías, en especial la de la Virgen de la Barca en Muxía.

Sus fotos aparecieron en muchas revistas y diarios, entre ellos La Voz de Galicia, El Ideal Gallego, Hijos de Mugía, ABC, La Noche, Céltiga, Vida Gallega y Alborada. En el año 1989 se realizó la exposición itinerante Álbum Ramón Caamaño, que repasaba su obra desde el año 1924 hasta 1970 y se inauguró en el Centro Cultural Caixavigo de Vigo. En 2005, expuso en el Centro Cultural Caixanova de Vigo sus Retratos da Costa da Morte.

En 1975 se retiró de la vida profesional y de la fotografía, aunque mantuvo desde 2001 su propia casa-museo en Muxía, donde se conservan su archivo, objetos personales y abundante material fotográfico: cámaras, trípodes, proyectores de cine, trofeos, etc. Tras su fallecimiento en 2007 su familia custodia su archivo fotográfico, formado por más de 6.000 copias fotográficas y cerca de 20.000 clichés.


Referencias




Libros

  • Muxía, guía turística enciclopédica, 1982.
  • Álbum Ramón Caamaño, 1989.
  • Ramón Caamaño, historia viva da Costa da Morte, 1999.
  • Historia de la fotografía en España (Publio López Mondéjar), 1999.
  • Retratos da Costa da Morte, 2002.
  • Cuspindo a barlovento, 2003.
  • Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI, 2013.


viernes, 15 de febrero de 2019

Aleix Plademunt

Aleix Plademunt es un fotógrafo catalán (nacido en 1980 en Hostalric, Girona, vive en Barcelona) cuya práctica fotográfica se apoya en el documental de sesgo poético, sostenido por una mirada atenta, contemplativa y acumulativa. Las imágenes que conforman sus diversos proyectos se presentan a modo de reflexiones visuales de una agudeza rotunda y sutil, teniendo siempre un hilo común: la exploración por los márgenes de los lugares comunes, con una mirada curiosa y tenaz.


© Aleix Plademunt

© Aleix Plademunt


Biografía

Aleix Plademunt hace fotos desde que tenía 15 años, cuando su tía le regaló una ampliadora. Entró en la universidad a estudiar ingeniería, pero tras terminar las clases se iba a casa a revelar fotos en vez de resolver problemas de aritmética, así que se decidió a estudiar fotografía en la Universitat Politècnica de Catalunya de Terrassa y complementó sus estudios con un posgrado en México. 

A partir de ahí no ha dejado de trabajar en proyectos fotográficos personales. En 2006 comenzó su vinculación con la galería Olivier Waltman en París y en 2011, junto con Roger Guaus y Juan Diego Valera, crea el proyecto editorial Ca l’Isidret Edicions para publicar sus propios trabajos. 

Ha obtenido numerosos premios, entre ellos una beca para estudiar en la Universidad de las Américas y la Beca Fotopress09 para crear el proyecto DubaiLand. Ha realizado hasta la fecha unas 20 exposiciones individuales en todo el mundo, incluyendo Francia, España, Venezuela y el Reino Unido, y ha formado parte de más de 40 exposiciones colectivas en Alemania, América, Camboya y España, entre otros lugares, entre las que destacan Almost There en las salas Le Bal de Paris en 2013 y IMA Gallery de Tokio y la exposición Regard sur la nouvelle scène photographique espagnole, junto a Antonio Xoubanova, Óscar Monzón y Ricardo Cases.

En casi todas sus series, hechas en lugares tan diferentes como España, América Latina, Estados Unidos, Japón o Egipto, y que muestran una gran diversidad paisajística, existe el nexo de la reflexión alrededor de la relación del hombre con el espacio y de cómo este ha dejado su marca en la naturaleza. Así, en sus proyectos principales:
  • Espectadores (2006) cuestiona la relación entre el hombre y el espacio. La tendencia a modificar nuestro entorno natural a merced de las necesidades e intereses de la sociedad moderna está representada con filas de sillas interviniendo en el paisaje.
  • Nada (2007), es una reflexión sobre el uso de las palabras y sobre la invasión de mensajes publicitarios en nuestras sociedades contemporáneas.
  • DubaiLand (2008), reúne meticulosamente símbolos que se refieren a la acción humana y la interferencia con el medio ambiente de la ciudad de Dubái, mostrando elementos como iconos de un parque temático global.
  • Almost There (2013), presenta un estudio sobre la idea de distancia, con un intento de medir ciertas distancias físicas, temporales, emocionales y fotográficas.
  • Morishita (2017) es un paseo, una búsqueda, un reconocimiento y un inventario de un período de 3 meses de su vida que tuvo lugar en Japón con 35 años.
  • Un passaggio 82017) es un proyecto de 2015, entre las ciudades de Luzzara y Reggio Emilia, tras una invitación para llevar a cabo un proyecto para el festival Fotografia Europea de Reggio Emilia, con el concepto de personas y de archivo. Pretende crear un inventario de una ciudad y su gente, considerando a la gente y la ciudad como una compleja unión de hogares.


Referencias


Libros

  • Un passaggio, 2017.
  • Morishita, 2017.
  • Almost There, 2013.
  • Ca l’Isidret (con Juan Diego Valera y Roger Guaus), 2012.
  • Movimientos de suelo (con Juan Diego Valera y Roger Guaus), 2011.