martes, 19 de febrero de 2019

Mariano Moreno

Mariano Moreno fue un fotógrafo español (nacido el 25 de marzo de 1865 en Miraflores de la Sierra, Madrid, fallecido el 17 de diciembre de 1925 en Madrid) conocido sobre todo por documentar las obras de arte de los museos españoles más importantes.


Batalla naval, foto de Mariano Moreno

Batalla naval, foto de Mariano Moreno


Biografía

Mariano Moreno García trabajó como jornalero antes de entrar como aprendiz en el estudio del prestigioso fotógrafo Jean Laurent y se convertiría en un célebre fotógrafo de comienzos del siglo XX. Retomó en 1893 la labor comenzada por Laurent reproduciendo los fondos del Museo del Prado. En 1900 fotografió 128 pinturas para el catálogo de una gran exposición en torno a la figura de Goya. En 1901 el museo otorgó a Lacoste, heredero de Laurent, la exclusiva para fotografiar de sus fondos.

En 1907 trabajó para la Junta de Iconografía Nacional y la Sociedad de Amigos del Arte, colaborando con importantes historiadores de arte, como Aureliano de Beruete o Elías Tormo, que le encargó la reproducción de la obra de Goya y Zurbarán. Documentó la labor de artistas contemporáneos suyos como Benlliure, Sorolla o Echeverría.

También recorrió gran parte del país documentando iconográficamente los monumentos y obras de arte del pasado, por lo que visitó muchas ciudades españolas, entre las que destacan Ávila, Toledo, Jaca, Burgos, León, Granada o Segovia, que fueron especiales focos de interés de su objetivo.

Sus cuatro hijos se dedicaron a la práctica fotográfica, siendo Vicente el que trabajó junto a su padre y heredó su estudio. Entre 1893 y 1954, padre e hijo crearon lo que en su tiempo se conoció como el Archivo de Arte Español, uno de los fondos fotográficos más importantes de España sobre temática patrimonial. La obra de ambos se caracteriza por una gran calidad técnica que, unida a su sensibilidad estética, confiere a las imágenes un singular valor artístico y documental.

El fondo de los Moreno consta de más de 60.000 placas negativas en diversos formatos, como soportes de vidrio y plástico. El Ministerio de Cultura ha llevado a cabo la digitalización de muchas de estas fotografías para la Fototeca del Patrimonio Histórico. También hay una amplia selección de sus trabajos en los fondos de la Hispanic Society de Nueva York, en su mayoría imágenes de edificios y monumentos.


Referencias



Libros

lunes, 18 de febrero de 2019

J. Georges Lévy

J. Georges Lévy fue un fotógrafo francés (nacido en 1833, fallecido en 1913) fundador de una empresa familiar que se dedicó con éxito a la comercialización de copias a la albúmina, postales y vistas estereoscópicas bajo la firma L.L. trabajando principalmente la temática de viajes a países exóticos, como España, Marruecos y la fotografía de sus elemento arquitectónicos.


J. Georges Lévy
J. Georges Lévy


Biografía
Georges Lévy fundó en 1864 con el también fotógrafo y suegro suyo Moyse Léon la firma Léon et Lévy, al comprar el negocio de vistas estereoscópicas de sus anteriores dueños, Ferrier Père, fils et Soulier, donde trabajaban. Se darían a conocer a nivel internacional en 1867, gracias a la concesión que obtuvieron para realizar las vistas estereoscópicas de la Exposición Universal de París, trabajo que fue galardonado con la Grande Médaille d’Or de l’Empereur. Aquel momento marcó el inicio de una intensa actividad fotográfica, viajera y editorial. La firma se especializó en placas de vidrio estereoscópicas y postales ilustradas y se convirtió en una de las editoriales de postales más importantes de Francia.

En 1872, Lévy quedó solo al mando de la compañía, que pasó a llamarse J. Lévy et Cie., y en 1895, con la incorporación de sus dos hijos Ernest y Lucien, ésta volvió a cambiar el nombre a Lévy et ses fils, aunque las obras siguieron firmándose con las siglas L. L. La firma permaneció activa hasta 1920, y posteriormente siguió su actividad bajo otras nombres.

Enviaron a sus operarios (llegaron a tener hasta 600 empleados) por América y Europa, y fueron premiados en las exposiciones de Bruselas (1880), Burdeos (1882) y Ámsterdam (1883). Durante los años 1888 y 1889, con motivo de la Exposición Universal de Barcelona, los fotógrafos de la firma J. Lévy et Cie. realizaron un exhaustivo recorrido por las principales ciudades de España. A diferencia de los repertorios fotográficos urbanos realizados con anterioridad, en los que las ciudades aparecían  deshabitadas, consecuencia de la limitada fotosensibilidad del colodión húmedo, las fotografías tomadas en España mostraron por primera vez ciudades animadas, gracias a las mucho más sensibles placas al gelatinobromuro, que necesitaban de una exposición inferior a un segundo.

Estas fotografías aparecen recopiladas en el Catalogue des Épreuves Stéréoscopiques sur verre et vues pour la projection. Espagne, Portugal, Maroc, photographiés et publiés par Levy et ses fils, editado en 1904 y en el que también se reúnen las vistas tomadas en España con anterioridad por Ferrier Père, fils et Soulier. Su fondo fotográfico se conserva en París, en la Colección Roger-Viollet y en colecciones particulares. En 2012, el Palacio de la Aljafería de Zaragoza acogió la muestra Zaragoza en la mirada ajena. Instantáneas del archivo Roger-Viollet de París: J. Lévy et Cie., organizada por las Cortes de Aragón.


Referencias



Libros

  • Catalogue des épreuves stéréoscopiques sur verre et vues pour la projection. Espagne, Portugal, Maroc, París, Levy & ses fils, 1904.
  • Zaragoza en la mirada ajena. Instantáneas del archivo Roger-Viollet  de París: J. Lévy et Cie., 1889, 2012.
  • Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI, 2013.

domingo, 17 de febrero de 2019

Girault de Prangey

Girault de Prangey fue un fotógrafo y dibujante francés (nacido el 21 de octubre de 1804, fallecido el 7 de diciembre de 1892) cuyos daguerrotipos son las primeras fotografías sobrevivientes de Grecia, Palestina, Egipto, Siria y Turquía.



Girault de Prangey’s image of the Roman Forum, viewed from the Palatine Hill in 1842


Biografía

Joseph-Philibert Girault de Prangey nació cerca de Langres y fue el último descendiente de los señores de Vitry. Heredó una gran fortuna tras la muerte de sus padres y hermanos en 1828, que utilizó para sufragarse sus gastos personales, así como sus viajes a lo largo de su vida.

Comenzó sus estudios de letras y derecho en París en 1820, pero posteriormente estudió pintura en París, en la École des Beaux-Arts. En 1832 emprendió un viaje a España, principalmente por Andalucía, fruto de su creciente interés por el mundo musulmán. Allí realizó una serie de estudios y dibujos de los principales monumentos musulmanes en Andalucía que fueron publicados bajo el título Souvenir de Grenade et de l’Alhambra, première partie de ses Momuments árabes et moresques de Cordoue, Séville et Grenade dessinés et mesurés en 1832 et 1833.

Volvió a Francia en 1835, y se dedicó a planificar y construir su villa privada, realizada siguiendo el modelo de las villas otomanas construidas a orillas del Bósforo en Estambul.

En 1841 aprendió la técnica del daguerrotipo, posiblemente del propio Louis Daguerre o de Hippolyte Bayard. Muy interesado en la arquitectura del Medio Oriente, recorrió Italia y los países del este del Mediterráneo (Grecia, Palestina, Egipto, Siria y Turquía) entre 1841 y 1844, produciendo más de 900 daguerrotipos de vistas arquitectónicas, paisajes y retratos. Esto fue una epopeya por el peso de la cámara de placas 24x19cm, las propias placas y los componentes para los daguerrotipos, que tenía que mover con él para poder fotografiar.

De vuelta a Francia en 1846 realizó una lujosa publicación compuesta de litografías realizadas a partir de una selección de sus daguerrotipos titulada Monuments arabes d’Égypte, de Syrie et d’Asie Mineure  y posteriormente Monuments et paysages d’Orient que le supuso un fracaso editorial. Realizó estudios de acuarela y dibujos a pluma y creó una pequeña edición de litografías de ellos. También hizo estereografías de su finca y de las plantas exóticas que coleccionaba. Pasó los últimos 40 años de su vida solo y recluido en su mansión morisca, dedicándose a una de sus pasiones: la botánica.

Creó un pequeño jardín paradisíaco en su villa, rodeado de los recuerdos de sus viajes, del ambiente oriental de su mansión y por supuesto de sus cajas con daguerrotipos. Girault de Prangey no exhibió ni dio a conocer sus fotografías durante su vida y éstas se descubrieron en la década de los años 20 en un almacén de su propiedad y solo se dieron a conocer ochenta años después.

En mayo de 2003, el jeque Saud Al-Thani de Qatar compró un daguerrotipo suyo por un precio récord mundial de 922.488$. A primeros de 2019, The Metropolitan Museum of Art ha abierto la exposición Monumental Journey: The Daguerreotypes of Girault de Prangey con unas 120 fotografías de Grecia, Egipto, Siria, Turquía y Siria, un recorrido por Oriente Medio a principios de la década de 1840, incluyendo el Partenón de Atenas, la Mezquita Khayrbak en El Cairo y la Cúpula de la Roca en Jerusalén. Está organizada por la Bibliothèque Nationale de France en París.


Referencias




Libros






sábado, 16 de febrero de 2019

Ramón Caamaño

Ramón Caamaño, alias Muxía, fue un fotógrafo gallego (nacido el 9 de noviembre de 1908 en Muxía, La Coruña, fallecido el 13 de mayo de 2007 también en Muxía) que está considerado el mejor fotógrafo del ámbito rural de Galicia, no sólo por su calidad técnica, sino también por su interés documental desde el punto de vista histórico, sociológico y antropológico. Fue uno de los primeros fotógrafos que retrató el paisaje, las costumbres y los habitantes de la Costa da Morte. Su obra es de un realismo cabal, realizada con medios modestos, que ha logrado trascender lo inmediato, lo cotidiano, para alcanzar valores etnográficos.


© Ramón Caamaño
© Ramón Caamaño


Biografía

Ramón Caamaño Bentín fue hijo único y cuando tenía pocos meses su padre emigró a Cuba y después a México, dedicándose a la venta de encajes que elaboraban en la casa familiar. Con ocho años de edad su padre le envió un proyector de cine y alguna película y organizaba proyecciones para los jóvenes de Muxía, a quienes les cobraba la entrada. Aunque en un principio quiso ser electricista compró a su primera máquina fotográfica con 16 años, una Brownie Kodak, y empezó a fotografiar marineros, campesinos, paisajes y romerías.

En 1927 se compró una máquina Pathe Baby para proyectar cine, y comenzó a distribuir por la Costa da Morte películas, que él mismo comentaba, en improvisadas salas de cine o al aire libre. En los inviernos de los años 1929, 1930 y 1931 fue a Santiago de Compostela a trabajar con el fotógrafo Ksado con quien aprendió la técnica para colorear fotos con ácidos y otros aspectos técnicos.

En 1937 ya casado se trasladó a Cee, donde abrió un estudio fotográfico y ejerció como retratista hasta que, movilizado durante la Guerra Civil española, acudió al frente de Aragón, adonde llevó su cámara West Pocket tomando fotografías del frente de guerra y de los soldados, y revelando las fotografías hechas por los aviones de reconocimiento. Sus fotos de guerra pueden considerarse como el primer ejemplo de fotoperiodismo gallego.

Al terminar la guerra continuó trabajando en su estudio de Cee pero amplió su actividad fotográfica a toda la comarca de Finisterre aunque en mayor medida a Corcubión y Muxía.

En sus fotografías emplea fundamentalmente el blanco y negro y el tema que le ha hecho más conocido son los retratos.​ Es un ejemplo del fotógrafo de aldea que vivía de realizar fotografías por encargo a labradores y marineros que trataban a través de ellas de mantener el vínculo con los familiares emigrados. También tiene series de fotografías de difuntos a los que retrataba a petición de sus familiares. Casi todos sus retratos los realizaba en el estudio sobre decorados ficticios de tela, aunque también los hacía en las propias aldeas utilizando telas que colocaba como fondos en escenarios naturales. El contraste entre esos decorados y el realismo y austeridad de las fotografías originaba casi siempre retratos formales y hieráticos, característicos en este género fotográfico en esta época. Otro de sus temas preferidos fueron las romerías, en especial la de la Virgen de la Barca en Muxía.

Sus fotos aparecieron en muchas revistas y diarios, entre ellos La Voz de Galicia, El Ideal Gallego, Hijos de Mugía, ABC, La Noche, Céltiga, Vida Gallega y Alborada. En el año 1989 se realizó la exposición itinerante Álbum Ramón Caamaño, que repasaba su obra desde el año 1924 hasta 1970 y se inauguró en el Centro Cultural Caixavigo de Vigo. En 2005, expuso en el Centro Cultural Caixanova de Vigo sus Retratos da Costa da Morte.

En 1975 se retiró de la vida profesional y de la fotografía, aunque mantuvo desde 2001 su propia casa-museo en Muxía, donde se conservan su archivo, objetos personales y abundante material fotográfico: cámaras, trípodes, proyectores de cine, trofeos, etc. Tras su fallecimiento en 2007 su familia custodia su archivo fotográfico, formado por más de 6.000 copias fotográficas y cerca de 20.000 clichés.


Referencias




Libros

  • Muxía, guía turística enciclopédica, 1982.
  • Álbum Ramón Caamaño, 1989.
  • Ramón Caamaño, historia viva da Costa da Morte, 1999.
  • Historia de la fotografía en España (Publio López Mondéjar), 1999.
  • Retratos da Costa da Morte, 2002.
  • Cuspindo a barlovento, 2003.
  • Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI, 2013.


viernes, 15 de febrero de 2019

Aleix Plademunt

Aleix Plademunt es un fotógrafo catalán (nacido en 1980 en Hostalric, Girona, vive en Barcelona) cuya práctica fotográfica se apoya en el documental de sesgo poético, sostenido por una mirada atenta, contemplativa y acumulativa. Las imágenes que conforman sus diversos proyectos se presentan a modo de reflexiones visuales de una agudeza rotunda y sutil, teniendo siempre un hilo común: la exploración por los márgenes de los lugares comunes, con una mirada curiosa y tenaz.


© Aleix Plademunt

© Aleix Plademunt


Biografía

Aleix Plademunt hace fotos desde que tenía 15 años, cuando su tía le regaló una ampliadora. Entró en la universidad a estudiar ingeniería, pero tras terminar las clases se iba a casa a revelar fotos en vez de resolver problemas de aritmética, así que se decidió a estudiar fotografía en la Universitat Politècnica de Catalunya de Terrassa y complementó sus estudios con un posgrado en México. 

A partir de ahí no ha dejado de trabajar en proyectos fotográficos personales. En 2006 comenzó su vinculación con la galería Olivier Waltman en París y en 2011, junto con Roger Guaus y Juan Diego Valera, crea el proyecto editorial Ca l’Isidret Edicions para publicar sus propios trabajos. 

Ha obtenido numerosos premios, entre ellos una beca para estudiar en la Universidad de las Américas y la Beca Fotopress09 para crear el proyecto DubaiLand. Ha realizado hasta la fecha unas 20 exposiciones individuales en todo el mundo, incluyendo Francia, España, Venezuela y el Reino Unido, y ha formado parte de más de 40 exposiciones colectivas en Alemania, América, Camboya y España, entre otros lugares, entre las que destacan Almost There en las salas Le Bal de Paris en 2013 y IMA Gallery de Tokio y la exposición Regard sur la nouvelle scène photographique espagnole, junto a Antonio Xoubanova, Óscar Monzón y Ricardo Cases.

En casi todas sus series, hechas en lugares tan diferentes como España, América Latina, Estados Unidos, Japón o Egipto, y que muestran una gran diversidad paisajística, existe el nexo de la reflexión alrededor de la relación del hombre con el espacio y de cómo este ha dejado su marca en la naturaleza. Así, en sus proyectos principales:
  • Espectadores (2006) cuestiona la relación entre el hombre y el espacio. La tendencia a modificar nuestro entorno natural a merced de las necesidades e intereses de la sociedad moderna está representada con filas de sillas interviniendo en el paisaje.
  • Nada (2007), es una reflexión sobre el uso de las palabras y sobre la invasión de mensajes publicitarios en nuestras sociedades contemporáneas.
  • DubaiLand (2008), reúne meticulosamente símbolos que se refieren a la acción humana y la interferencia con el medio ambiente de la ciudad de Dubái, mostrando elementos como iconos de un parque temático global.
  • Almost There (2013), presenta un estudio sobre la idea de distancia, con un intento de medir ciertas distancias físicas, temporales, emocionales y fotográficas.
  • Morishita (2017) es un paseo, una búsqueda, un reconocimiento y un inventario de un período de 3 meses de su vida que tuvo lugar en Japón con 35 años.
  • Un passaggio 82017) es un proyecto de 2015, entre las ciudades de Luzzara y Reggio Emilia, tras una invitación para llevar a cabo un proyecto para el festival Fotografia Europea de Reggio Emilia, con el concepto de personas y de archivo. Pretende crear un inventario de una ciudad y su gente, considerando a la gente y la ciudad como una compleja unión de hogares.


Referencias


Libros

  • Un passaggio, 2017.
  • Morishita, 2017.
  • Almost There, 2013.
  • Ca l’Isidret (con Juan Diego Valera y Roger Guaus), 2012.
  • Movimientos de suelo (con Juan Diego Valera y Roger Guaus), 2011.

jueves, 14 de febrero de 2019

Andreas Frei

Andreas Frei es un fotógrafo alemán (nacido en 1972, vive en Múnich) que trabaja en sus propios proyectos, enfocados principalmente como fotolibros.

© Andreas Frei
 
© Andreas Frei


Las fronteras entre la fotografía y el arte pueden ser más fluidas que en cualquier otro medio, debido a su relativa novedad, contexto histórico, aspectos técnicos inherentes y circulación actual de masas. Creo que este lugar es donde se define el medio y el fotolibro. El vehículo perfecto para explorar estas fronteras. Mientras que cada proyecto en el que estoy trabajando puede ser diferente, siempre tiene que haber una conexión personal con el tema. Ya sea ficción, documental o los dos, es esencial para mí poder poner algo de mí mismo en cada foto.



Biografía

Andreas Frei trabaja principalmente en sus propios proyectos y se centra en los fotolibros. En 2014 cofundó la editora cooperativa e independiente Million Books junto con su colega Jens Masmann, para mostrar su propio trabajo y el de otros autores y hasta esta fecha ha publicado cinco libros y dos revistas desplegables. A veces graba música bajo el nombre de tired.
Sus proyectos están relacionados a veces con temas que le tocan personalmente. Así, en:
  • Ich war hier (Yo estuve aquí), revisa 30 años después el lugar donde creció y vivió su familia, recordando su infancia en Großhadern, una zona suburbana típica de Múnich: familia, escuela, amigos, fútbol y el primer beso,  música moderna, fiestas, skate y el primer cigarrillo. Mucho tiempo libre y diversión, pero también, en el materialismo predominante en los años 80, había intrigas y envidia, suicidios, accidentes fatales y asesinatos, amistades rotas, alcoholismo, divorcios, desintegración familiar.
  • Ghosts In My Car, compagina y mezcla las dos cosas que le dejó su abuelo cuando murió de Alzheimer: su BMW y una caja de viejas fotografías familiares, con notas y nombres en la parte posterior de los retratos para recordar quiénes eran. Un viaje con este coche le hizo pensar en lo poco que sabía de sus antepasados, sintiéndose un poco como su abuelo se había sentido al final de su vida. En el libro resultante de este proyecto mezcla las fotografías realizadas en su viaje con las antiguas de su abuelo.
  • Hab Acht (Tenga cuidado) trata del tema del miedo a la oscuridad. Reacción a los atentados de París de 2015, es un acto poético y muy personal, metafórico, un trabajo sobre la angustia, que combina exteriores durante la noche y retratos íntimos de su familia y amigos en un estado entre dormido y despierto, logrando mantener al espectador inseguro hasta el final, donde, con una simple frase, todo tiene sentido. Este libro ha obtenido diversos e importantes premios.



Referencias


Libros

  • Hab Acht.
  • Ich war hier, 2017.
  • Long Way Home.
  • Ghosts in my car.
  • Salut Christine, 2010.
  • A Part, 2009.

miércoles, 13 de febrero de 2019

Masanao Abe

Masanao Abe fue un físico japonés (nacido en 1891 y fallecido en 1966) especialista en nubes, cuya obra, una combinación de imágenes individuales, imágenes en movimiento y grabaciones estereoscópicas fueron una forma ideal de estudio científico de las corrientes de aire y nubes en las montañas.  Pero la contemplación de sus fotografías de nubes dinámicas centradas en el monte Fuji cubierto de nieve poseen una belleza plástica que pueden elevar al espectador en el aire.


© Masanao Abe

© Masanao Abe


Biografía

Masanao Abe nació en el clan feudal Fukuyama, una noble familia samurai, y se dedicó a investigar las nubes. En 1927, fundó el Observatorio de Investigación de la Corriente del Aire de la Nube en las alturas de Gotemba, al pie del monte Fuji, y dejó un archivo de observación colosal sobre las nubes de montaña y las corrientes de aire cerca de esta icónica montaña. Bendecido en su infancia con la buena suerte de ver una de las primeras proyecciones del cinematógrafo en Japón, Abe se sintió fascinado por las imágenes que capturaban objetos cambiantes. Aplicando esto a su investigación relacionada con la observación de nubes, inventó varios dispositivos de observación y registro, y registró fenómenos meteorológicos. Aunque involuntariamente, los motivos de Abe encajan en una larga tradición iconográfica: la montaña y las nubes.

Desde la segunda mitad del siglo XIX, era bien sabido entre los investigadores de todo el mundo que la fotografía era eficiente en la investigación en las nubes. Sin embargo, la ingeniosa idea de aplicar técnicas de película, especialmente película acelerada e imágenes estereoscópicas, fue radicalmente nueva en el campo de la meteorología, incluso a escala internacional. Sus estudios de campo se completaron con túneles de viento experimentales y autoconstruidos. Sus artículos científicos, publicados en japonés e inglés, llegaron a una audiencia internacional.  En 1941, publicó los resultados de su trabajo en su tesis Nubes de montaña, sus formas y corrientes de aire conectadas.

Durante décadas, su archivo se mantuvo intacto en un cobertizo de un jardín de Tokio. El artista y diseñador gráfico alemán Helmut Völter descubrió su legado mientras trabajaba en su libro Cloud Studies, y publicó The Movement of Clouds around Mt. Fuji: Photographed and Filmed by Masanao Abe con la obra del físico. Este libro consiguió el Prix du livre photo-texte en los Rencontres d’Arles de 2017.


Referencias



Libros




martes, 12 de febrero de 2019

Francisco Fernández

Francisco Fernández es un fotógrafo español (nacido el 29 de octubre de 1945 en  Torreblascopedro, Jaén) con una dilatada carrera como colaborador gráfico y reportero para numerosos periódicos internacionales como Boston Globe, Framinghan News y reportero de la agencia United Press International, habiendo cubierto la información gráfica de las guerras de Nicaragua y El Salvador. En 1982 regresó a España, dedicándose al retrato y a la docencia en la Facultad de Bellas Artes de Granada.

Ana García López © Francisco Fernández
Ana García López © Francisco Fernández


Biografía

Francisco Fernández Sánchez se trasladó en su infancia con su familia a Granada, ciudad donde transcurrieron sus años de juventud y donde en la Escuela de Artes Aplicadas y Oficios Artísticos nació su inquietud por la fotografía, que aprendió mientras realizaba diversos trabajos ajenos a ella en España, Reino Unido, las Islas Bermudas y Estados Unidos … y que compaginó con sus primeros pasos como colaborador en periódicos.

En 1975 se instaló en Boston y se matriculó en la New England School of Photography, donde estudió de la mano de Minor White (1978) y su excelente dominio de la técnica fotográfica, de David Rabinowich, con quien trabajó durante un año en su estudio de fotografía publicitaria, de Harry Callahan y su exquisito sentido de la línea y la forma… y de Ansel Adams. También Yousuf Karsh o Arnold Newman.

Sus fotografías comenzaron a publicarse en The Boston Globe, realiza trabajos para National Geographic, para la agencia de la ONU en Boston, para UNICEF. En  1979 y 1980 fue contratado por United Press Intemational para documentar la información gráfica de las guerras de Nicaragua y El Salvador, también cubrió la campaña política de Edward Kennedy como candidato a la presidencia de los EEUU por el Partido Demócrata en 1980…

En 1985 volvió a Granada, donde ha reubicado hasta hoy su vida personal y profesional, jalonada de exposiciones, colaboraciones y publicaciones, además de su labor como docente en la Facultad de Bellas Artes Alonso Cano de la Universidad de Granada. En 1997 fue nombrado Doctor Honoris Causa por De Monfort University  en Leicester, Reino Unido) por su meritoria trayectoria profesional.

También se ha dedicación a la promoción y a la difusión cultural, participando en la génesis de la Colección de Arte Contemporáneo de la Universidad de Granada. En 2011 se inauguró en su pueblo natal Torreblascopedro el Centro de Arte Contemporáneo Francisco Fernández que posee un importante fondo de obras de arte, entre las que se encuentra su propia colección. Desde 2002 organiza desde este espacio el Certamen Nacional de Fotografía Francisco Fernández.
Su obra forma parte del fondo de diversas colecciones nacionales e internacionales, como las del Art Museum de Salem en Essex, Fine Arts Museum de Boston, De Monfort University en Leicester, el Museo de Arte Moderno y Contemporáneo de Santander y Cantabria (MAS), la Excma. Diputación Provincial de Jaén, la Universidad de Granada y el propio Centro de Arte Contemporáneo Francisco Fernández.


Referencias



Libros

  • Retratos en Granada 1988-1993: fotografías.
  • La luz de la palabra.
  • Un oriente perpetuo: fotografías de Francisco Fernández Sánchez.
  • Manolo ‘el Sereno’ y sus amigos.
  • De la luz de los hombres iluminados: fotografías.
  • Palacio de Villardonpardo.
  • El Carmen Rodríguez-Acosta.
  • Haikus de la Alhambra
  • Fotografías del Antiguo Hospital San Juan de Dios.
  • Granada sugerida (varios).
  • Francisco Fernández: fotografías
  • Tres jardines: Carmen de los Mártires, Fundación Rodríguez-Acosta y el Partal.
  • Fábula de Genil.
  • Con vivencias de España (varios).
  • La Alhambra.
  • Pulso enamorado de las horas.





lunes, 11 de febrero de 2019

Carma Casulá

Carma Casulá es una artista visual y fotógrafa de Barcelona que compagina sus proyectos artísticos de fotografía e instalación centrados en la antropización del territorio, el paisaje y en el arraigo, con sus proyectos de fotodocumentalismo. A su actividad artística y profesional une la docente y la investigadora.


© Carma Casulá

© Carma Casulá


Biografía

Carma Casulá es una artista visual y fotógrafa freelance doctorada en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid, con estudios superiores de fotografía en Istituto Europeo di Design IED de Milán, que amplió en el International Center of Photography ICP de Nueva York. Doctora en Bellas Artes en 2011, en la actualidad compagina su carrera como artista visual y fotógrafa independiente con la docencia y la investigación.

Centrada en la naturaleza y la intervención del hombre en el paisaje, sus diversos proyectos tocan estos temas, como, por ejemplo:

  • Al natural (2010-18), trata sobre la relación del urbanita con los espacios naturales protegidos.

  • Monsanto no es santo de mi devoción (2012-..) sobre las iniciativas de recolección de semillas de autoproducción, la cultura familiar de la tierra y la economía circular.
  • De-construcción (2007-09) y Piel ibérica (2000-04) siguen esta misma línea de investigación sobre la ciudad, su expansión y la relación del hombre con el entorno se inscriben
  • Ciudadanos de Peter, parte del proyecto fotodocumental Peter, es un retrato personal de San Petersburgo, fruto de sucesivos viajes a esta ciudad a lo largo de quince años. La narración, con fotografías y textos, ofrece un recorrido apasionante y en ocasiones crítico pero siempre cómplice por la historia de la ciudad y sus habitantes. La guerra, el amor, el dolor, los encuentros y los desencuentros, recuerdos, pasado y futuro son sus ingredientes.

  • Madriterráneos (2005), sobre las gentes del Mediterráneo que viven en Madrid.

Ha participado en diversos proyectos culturales con museos e instituciones y su trabajo ha sido expuesto desde 1993 en Museo Reina Sofía, Fundación Canal, PhotoEspaña, Casa Encendida en Madrid, Fundaciò La Caixa en Barcelona,  Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León (MUSAC), Centro de Arte La Regenta en Las Palmas de Gran Canaria, FotoNoviembre en  Tenerife, Centro de Arte y Naturaleza (CDAN) de Huesca, Fotoencuentros en Murcia-Cartagena, Kursala en Cádiz,  IVAM en Valencia, Instituto Cervantes de Moscú y París,  Fotomuseum Braunschweig en Alemania,  Galleria d'Arte Moderna en Bergamo, Biennale Europea della Fotografia de Autore en Florencia, Sukkertoppen Festival Escandinavo Art Photography y Round Tower en Copenhague, Festival Sonsbeek en Arnhem, Holanda, Centre Photographie en Ginebra,  Corcoran Gallery of Art en Washington, Ashuah-Irving Gallery en Boston, La Zona de Entrenarte en San José de Costa Rica, ….

Sus proyectos han sido objeto de becas como Beca Proyectos FotoPres de la Fundaciò La Caixa, Artes Plásticas/Colegio de España en París, Promoción Arte Español/Ministerio Cultura o Beca Proyectos Factoría Cultural.

Su obra está presente en las colecciones del Museo Reina Sofía (MNCARS), el Instituto Valenciano de Arte Moderno (IVAM) y la Universidad de Cádiz, entre otras.

Es docente universitaria sobre fotografía desde 2007 y ha sido invitada en diversas facultades de arte y arquitectura de España, Portugal e Italia y por Observatorio del Paisaje de Cataluña y el Observatorio del Urbanismo de la UAB. Ha realizado talleres y ponencias sobre Fotografía y Paisaje en Fundación Telefónica, Casa Encendida, CA2M, CBA y Ministerio Cultura, Expo Zaragoza 2008, COAC/ I Bienal Arte, Arquitectura y Paisaje en Santa Cruz de Tenerife, Ex-Mattatorio en Roma, Centre de la Photographie en Ginebra, …

Como investigadora forma parte del equipo interdisciplinar I+D+i sobre Humanidades ambientales. Estrategias para la empatía ecológica y la transición hacia sociedades sostenibles bajo el Ministerio de Economía y Competitividad SP (2016-2018). Colabora con arquitectos y urbanistas en la lectura y tratamiento del territorio.


Referencias



Libros (selección)

  • PETER, 2016.
  • Landschaft. Umwelt. Kultur. On the New Topographies Transnational Impact, 2015.
  • Arte y Ecología, 2015.
  • Sense of Place and rootedness: Transatlantic perspectives, 2015.
  • Diccionario de Fotógrafos Españoles. Del siglo XIX al XXI, 2014.
  • Tan cerca, tan lejos, 2007.
  • VIII Encuentros de Arte de Genalguacil, 2007.
  • Territorios, 2007.
  • Universo Mestizo, 2005.
  • Una geografía. Ocho viajes andaluces, 2002.
  • Cráneo y flor ( texto José Olivares), 2001.
  • La noche, 1997.
  • El Eo, 1996.

domingo, 10 de febrero de 2019

Miren Pastor

Miren Pastor es una dinamizadora cultural y fotógrafa española (nacida el 3 de enero de 1985 en Pamplona, vive entre Madrid y Lekeitio) a la que le interesan los procesos de cambio. Empezó investigando vínculos entre la naturaleza y la adolescencia, esa etapa vital efímera y vulnerable que da carácter y forma a nuestra identidad, y ahora es consciente de que esos altibajos se siguen repitiendo a lo largo de la vida, como los propios ciclos inestables de la naturaleza.
 


© Miren Pastor

© Miren Pastor



Biografía

Miren Pastor Olkoz se trasladó con tres años a Lekeitio, lugar en el que creció y que ahora compagina como residencia con Madrid desarrollando sus trabajos personales como fotógrafa y dinamizadora cultural. Licenciada en Bellas Artes en la UPV-EHU, ha sido asistente de artistas como Christian Patterson, Cristina Iglesias, Daniel Canogar y Roberto Coromina.
 
Estudiar el máster de fotografía en la escuela Blank Paper en 2010, le marcó un antes y un después. Aquí empezó a gestar su proyecto río Bidean, en el que sigue trabajando. Ha autopublicado tres fotolibros, ha expuesto el proyecto en diversos espacios nacionales e internaciones y en el festival Unseen Amsterdam de 2016 ganó el ING Unseen Talent Award Public Prize. Este reconocimiento como uno de los cinco mejores jóvenes talentos de la fotografía europea ha introducido su obra en el circuito fotográfico internacional.

Este proyecto, cuyo nombre significa “en el camino”, representa el salto de la adolescencia a la vida adulta, buscando paralelismos entre las efímeras etapas vitales y los ciclos inestables de la naturaleza. No es un proyecto ligado con un tiempo ni un espacio concreto, sino con un concepto, el cambio. Ha realizado tres autopublicaciones que se han convertido en una herramienta clave para estructurar este proyecto que sigue creciendo y cumplen una doble función, como libro y como recurso expositivo. Al desencuadernarlas y seguir las coordenadas indicadas en cada página, surge un mosaico representativo de cada etapa, acompañado de un texto de Iván del Rey de la Torre.

Apasionada por el fotolibro, organiza el Festival Fiebre Photobook, forma parte del colectivo La Troupe y no pierde la oportunidad de realizar talleres y realizar sesiones de bookjockey con el objetivo de acercar el fotolibro a todos los públicos.


Referencias



Libros

  • Bidean 2014.
  • Bidean 2015.
  • Bidean 2018.



sábado, 9 de febrero de 2019

Gema Polanco Asensi

Gema Polanco Asensi es una video artista y fotógrafa española (nacida en Valencia en 1992, vive entre Barcelona y Madrid) cuya obra es una interacción de matices que recorren las relaciones humanas mas cercanas mostrando  pequeños e inclasificables gestos que funcionan como el reflejo plácido en un pantano tranquilo, pero donde es más importante lo que pasa en el fondo que lo que se ve en la superficie.


© Gema Polanco Asensi
© Gema Polanco Asensi


Creo para trascender.

A través de las imágenes consigo descubrir, analizar, y entender el mundo, la mayoría de veces de forma intuitiva.

Las imágenes son las puertas acotadas por las que entro a otros mundos, son las puertas por la que adquiero conocimientos, me educo, evoluciono y por tanto trasciendo. El querer compartir esta experiencia es lo que hace que quiera mostrar mi trabajo. Creo en el poder de la fotografía y el arte que para mejorar el mundo y también nosotros como personas, y es a través de las imágenes la vía por la cual yo intento que esto suceda.



Biografía

Gema Polanco Asensi después de terminar el bachiller artístico se trasladó en 2011 a Londres queriendo ser pintora, pero descubrió la fotografía y la estudió hasta obtener una licenciatura en fotografía en el London College of Communication. Fue asistente de la fotógrafa, escritora y profesora de artes visuales Carol Mavor en su proyecto Like a lake. Poco después de trabajar en este proyecto, se dio cuenta de la presión social en la que había crecido: una sociedad católica tradicional, y decidió sumergirse profundamente e investigar este mundo por el que fue criada, como se refleja en sus proyectos.

A partir de 2013 comenzó a participar en exposiciones colectivas en toda Europa. En 2015 sus obras comenzaron a aparecer en publicaciones y festivales de arte como Anormal magazine, Source, PHotoEspaña, PhotoRomania, ladyfest, … 

En 2016 creó Navaja Automatica, su propia editorial, junto con el artista IndustriasDoc cuyos libros han participado en festivales y eventos como el offprintsale en la Tate Modern, el Museo de Arte Contemporáneo Reina Sofía, el festival Ladyfest de Barcelona, ​​y otros más.

Ganó la beca de colaboración 2016-2017 INDAGA'T que forma parte del Departamento de artes visuales y diseño de la Universidad de Barcelona, ​​donde ha estudiando un master en Artes Visuales y Educación. También ganó el premio al nuevo talento del Artphoto Barcelona Festival, IDEP Education Grant y el Centro Civic Pati i llimona. Aparece en el libro El autorretrato en fotografía contemporánea de Giorgio Bonomi, y ha finalizado el Master PHOTOESPAÑA.

Quizás su proyecto más representativo sea Como Dios manda, donde retrata a lo mas próximo y cercano: su madre, abuela y hermanas, a las mujeres de su familia, aparentemente de forma inocente, realizando un análisis de clase, género y de un pasado no tan pasado haciendo que su obra refleje una gran carga social: la imposición de la norma y la autorregulación por parte de sus prójimos. Vemos el entrenamiento y moldeado de sus mayores para llegar a ser “como dios manda”. Vemos la dureza de las buenas formas, de las caricias y de la sutileza como formas exhaustivas de imposición de una “verdad”, de una visión, de una realidad creada y de una ideología por la cual se sustenta todo un sistema económico. 


Referencias



Libros

  • Self, 2018.
  • Chicas de instagram, 2018.
  • Paris und Ungebung, 2017.
  • BikeWars, 2016.
  • Pulsion, 2016.


viernes, 8 de febrero de 2019

Erik Hijweege

Erik Hijweege es un fotógrafo holandés (nacido en 1963, vive en Ámsterdam) cuyo trabajo muestra su fascinación por el poder abrumador de la naturaleza.



Black Rhinoceros by Erik Hijweege


Biografía

Erik Hijweege decidió convertirse en fotógrafo en 1998 y estudió fotografía en la Academia de Fotografía de Ámsterdam. Desde entonces ha estado produciendo trabajos personales y trabajos por encargo.
 
En 2004 publicó Noir, un libro de retratos de las tribus Bushmen y Herero sobre fondo negro y de albinos de Senegal sobre fondos blancos. Fascinado con el poder abrumador de la naturaleza, comenzó a perseguir el gran clima y los tornados en 2006. Durante sus primeros años de tormenta, eligió un alter ego para este cuerpo de trabajo en preparación y su alias Kevin Erskine nació como granjero de Valentine, Nebraska. Esto dio lugar a su primera exposición individual en Nueva York y el libro Supercell.
 
Secuela de este proyecto es Sublime nature, donde combina las fuerzas de la naturaleza con la insignificancia del hombre. Árboles estrangulados alrededor de templos antiguos, cascadas, tormentas, ciclones y tornados muestran la grandeza de la naturaleza y la vulnerabilidad de la humanidad.
 
Las múltiples amenazas de nuestro entorno natural hicieron que Hijweege comenzara una segunda línea en su trabajo centrada en especies en peligro de extinción. Sobre la base de la Lista Roja de la UICN, fotografió a 23 animales en peligro de extinción conservados en hielo. Siendo un tema frágil, utilizó el proceso de colodión húmedo en placas del siglo XIX para capturar a estos animales congelados en ambrotipos. Su serie Endangered fue exhibida en el Museo de Historia Natural de Holanda en Rotterdam, creando conciencia sobre este importante asunto, y se publicó como libro en 2014.
 
Uncharted territories trata de la aventura de descubrir nuevos territorios, de pasear por junglas o contemplar cascadas a la luz de la luna, jugando a ser un explorador del siglo XIX con el colodión húmedo y lentes Petzval, como si fueran paisajes que el Doctor Livingstone contemplara.
 
Sus últimas series son fotograbados sobre papel de arroz japonés Kawasa. Le han interesado mucho las técnicas fotográficas antiguas que ofrecen una calidad incomparable. Desde 2013 está usando la técnica de colodión húmedo para crear ferrotipos (tintypes) sensibilizados con nitrato de plata que ofrecen negros ricos y hermosos contrastes. Estos ferrotipos son la base de Waterfall Photogravures realizados con la técnica del fotograbado que ofrece una hermosa suavidad y un gran rango tonal debido a la profundidad de la tinta en el proceso de grabado. Una muestra de esta técnica puede verse en este vídeo.
 
Hijweege ha realizado diversas exposiciones individuales en Eduard Planting Gallery en 2016 en Ámsterdam, Fotofestival Naarden en 2015 en Naarden, Holanda, Witzenhausen Gallery en 2012 en Milk Gallery de Nueva York, …


Referencias


Libros

jueves, 7 de febrero de 2019

Lucía Antebi

Lucía Antebi es una fotógrafa argentina (nacida el 6 de abril de 1976 en Buenos Aires, Argentina, vive en Madrid, España) que se pregunta cuál es el lugar del individuo frente a la masa, frente a la identidad colectiva, e intenta fotografiar todas esas contradicciones que nos acercan y que nos cuesta descifrar.


© Lucía Antebi
© Lucía Antebi


Biografía

Lucía Antebi es una fotógrafa documental que nació en Argentina, pasó su infancia en Barcelona y en la actualidad vive en Madrid. Cursó fotografía y periodismo en el lllinois Central College (Chicago) y en el Institut d’Estudis Fotogràfics de Catalunya (IEFC). A partir de una historia familiar de tres generaciones en movimiento y de uniones inesperadas, Lucía centró su trabajo en explorar los temas que nos unen: el deseo, el amor, la muerte, la familia, la sociedad, sus normas y sus apariencias.

En 2006 recibió el premio especial de las becas BAF – Beca Ángel de Fotografía de la ciudad de Córdoba, por su trabajo María tú eres. Fue seleccionada para asistir a Porfolio Reviews en los festivales Les Rencontres d´Arles en 2008 y Photoespaña en 2011. Dentro de estos festivales también realizó seminarios y talleres con Antoine D’Agata, Paolo Roversi y Martin Parr entre otros. En 2010 publicó Todas Direcciones junto a cinco fotógrafos más con la editorial PHREE. Fruto de dos residencias en Italia son sus trabajos Nel Blu y En lo salvaje. En 2016 se expuso parte de En lo salvaje en el Centro de Arte de Alcobendas de Madrid comisariado por Semíramis Gonzales. Expuso también en The Family of no Man en Cosmos en Arles 2018.

Retrata a gente de la cultura por encargo para diferentes medios, y en los últimos años se ha introducido en editoriales infantiles. Algunos de sus clientes son Harper’s, Yo Dona, XXL Semanal, Elephant, PSY Spain, PSY Italy, La Fábrica Editorial, Finland Zoom, Lady Golf, Rolling Stone y Ser Padres.

Su trabajo artístico está representado por la agencia inglesa Millenium images.



Referencias




miércoles, 6 de febrero de 2019

Rena Effendi

Rena Effendi es una fotógrafa azerí (nacida el 26 de abril de 1977 en Bakú, Azerbaiyán, vive actualmente en Estambul, Turquía) cuyo trabajo documental se centra en temas relacionados con el medio ambiente, la sociedad posterior al conflicto, los efectos de la industria del petróleo en las personas y la disparidad social.

Caucasian from the village Hynalyk, Azerbaijan, 2006 © Rena Effendi

Caucasian from the village Hynalyk, Azerbaijan, 2006 © Rena Effendi

[Cualidades de un buen fotoperiodista] Un buen ojo, una sensación de asombro, una sensación de urgencia y, definitivamente, un sentido del humor, especialmente en lugares solitarios y desolados. Paciencia, perseverancia, inteligencia, compasión, coraje, alta capacidad de adaptación a situaciones extrañas y hospitalidad del espíritu. Los fotógrafos de guerra también deben poseer la habilidad de desarmarse con encanto.

Biografía

Rena Effendi nació en Bakú, Azerbaiyán, y creció en la URSS, siendo testigo del camino hacia la independencia de su país, marcado por la guerra, la inestabilidad política y el colapso económico. Estudió en el Instituto Estatal de Lenguas de Azerbaiyán. Comenzó a fotografiar en 2001 y se convirtió en fotógrafa a tiempo completo en 2005 después de dejar su trabajo como especialista en desarrollo económico en la Agencia de los Estados Unidos para el Desarrollo Internacional en Bakú.
Desde el principio, Effendi enfocó su fotografía en temas de conflicto, justicia social y el efecto de la industria del petróleo en las personas y el medio ambiente, como testimonio de la dignidad humana y la capacidad de recuperación y resistencia.
De 2002 a 2008, recorrió el oleoducto Baku-Tbilisi-Ceyhan de 1.700 kilómetros a través de Azerbaiyán, Georgia y Turquía, documentando el impacto que este proyecto multimillonario ocasionaba a agricultores, pescadores y otros ciudadanos. Este viaje de seis años se convirtió en su primer libro Pipe Dreams: A Chronicle of Lives Along the Pipeline, publicado en 2009, y que recibió numerosos premios, entre ellos un Getty Images Editorial Grant, un Premio del Fondo Internacional Fifty Crows, un Premio Fotógrafo del Cáucaso de la Fundación Magnum y un premio al fondo conmemorativo de Mario Giacomelli.
En 2012, publicó su segunda monografía Liquid Land donde acentúa el tema de la fragilidad y el deterioro ambiental de su ciudad natal, combinando sus imágenes de Bakú con fotografías de mariposas muertas cazadas por su padre, un entomólogo soviético, que recolectó más de 30.000 mariposas en la Unión Soviética. 
Durante los últimos 10 años, Effendi ha cubierto historias en la región postsoviética, así como en Turquía e Irán, incluido el conflicto 2008 Rusia-Georgia, la vida en las zonas contaminadas de Chernobyl, mujeres víctimas de heroína y tráfico sexual en Kirguistán, las vidas ocultas de los jóvenes en Teherán y del los cristianos coptos en El Cairo, donde vivió una temporada.
En  2005 participó en la clase magistral Joop Swart del World Press Photo. Effendi ha recibido muchos premios internacionales, entre ellos el Alexia 2018 Professional Grant, el Prince Claus Fund Award for Culture and Development, 2 World Press Photo en 2014 en la categoría de Retrato), SONY World Photography Award en la categoría de Fine Art), Getty Images Editorial Grant, National Geographic All Roads Photography Award , “Fifty Crows” Documentary Photography Award y estuvo preseleccionada para el Prix Pictet Award en Fotografía y Sostenibilidad.
Su trabajo ha sido publicado en el National Geographic, The New Yorker, Newsweek, TIME, The New York Times magazine, Vogue, Marie Claire, The Sunday Times, GEO, International Herald Tribune, Financial Times, Courrier International, Le Monde y L'Uomo Vogue. También ha expuesto en la Saatchi Gallery en Londres, Miami Art Basel, Istanbul Modern, Aperture en Nueva York, 2009 Istanbul Biennial, Istanbul Museum of Modern Art, Breda Museum y en la 52ª Bienal de Venecia.


Referencias



Libros