viernes, 18 de enero de 2019

Thomas Kellner

Thomas Kellner es un fotógrafo alemán (nacido en Bonn en 1966, vive y trabaja en Siegen) cuyo interés principal siempre ha sido la fotografía experimental y conceptual. Experimentó con diferentes procesos, como cámaras estenopeicas, fotogramas, cianotipos, impresiones en papel de sal y otros, mientras buscaba su propia voz visual. En 1997, comenzó a trabajar con negativos, realizando impresiones a partir de hojas de contacto y a componer el trabajo con el rollo de película. Desde entonces ha fotografiado los monumentos más famosos del mundo, creando imágenes que desafían las perspectivas habituales en un juego visual caleidoscópico que muestra la arquitectura de una manera distorsionada.



Creo que soy más un artista que un fotógrafo. En este momento estoy trabajando en arquitectura, pero no es una fotografía de arquitectura clásica. Hay definiciones en el arte sobre "construcción/deconstrucción" o "collage/decollage", pero no creo que nada de esto se ajuste a lo que estoy haciendo en este momento,. Tal vez mi trabajo esté más cerca del arte conceptual o de la fotografía conceptual. Muchos han dicho que mi fotografía es "muy alemana", y eso podría estar más cerca de la realidad.

Biografía

Thomas Kellner estudió arte, sociología, política y economía en la Universidad de Siegen. En 1996 Kodak Alemania le otorgó el Premio Jóvenes Profesionales por lo que se decidió a vivir del arte y la fotografía. Desde 1997, Thomas vive y trabaja como artista visual en Siegen. En 2003 y 2004, fue profesor visitante de fotografía artística en la Universidad de Giessen. Desde 2005, Kellner ha sido invitado regularmente como experto en fotografía por todo el mundo, como los festivales de Brasilia, Houston y Pekín.
Desde el comienzo de sus estudios, su interés fue la fotografía experimental y conceptual, trabajando con cámaras estenopeicas, fotogramas e impresiones en técnicas alternativas, como el cianotipo, el papel a la sal y otros. Su interés  siempre fue encontrar un lenguaje visual sólido combinado con capas de contenido. Después de un proyecto en la frontera alemana, comenzó a trabajar en monumentos europeos en 1997 utilizando el método de la hoja de contacto y "deconstruyendo la arquitectura como lenguaje visual". Desde 2003, ha trabajado en exteriores e interiores arquitectónicos de todo el mundo. Sus edificios parecen estar separados, bailando y nos recuerdan la vulnerabilidad de nuestros valores y creaciones.
Sus fotomontajes deconstruyen monumentos arquitectónicos icónicos y paisajes urbanos. Cada fotograma se toma secuencialmente, luego se imprime en el orden exacto de la película (sin cortar/pegar ni manipular digitalmente) antes de cortar las tiras y luego colocarlas juntas. El tamaño de cada montaje de la hoja de contacto final depende de la cantidad de película que use para cada tema: con un rollo de película, los montajes son de solo 20 x 24 cm.
Thomas ha mostrado su trabajo en exposiciones individuales en Aarhus, Brasilia, Boston, Chicago, Colonia, Giessen, Hamburgo, Londres, Los Ángeles, Múnich, Nueva York, Portland, Siegen y Stuttgart, entre otros lugares.

Referencias

Libros

  • Contacts N&B 1997–2005, 2016.
  • Tango Metropolis, 2016.
  • Thomas Kellner, 2016.
  • Black & White, 2016.
  • Kontakt, 2014.
  • Contacts 1997–2013, 2014.
  • genius loci, 2014.
  • Houston we’ve had a problem, 2013.
  • Wir sind von Idealbildern umgeben, 2012.
  • Mexiko, 2011.
  • Thomas Kellner. Brasilia, 2010.
  • Brasília – 50 years of a modern utopia, 2010.
  • FarbWelt 135-36, 2010.
  • Wir sind das Volk!, 2009.
  • All shook up. Thomas Kellner Photographs The Boston Athenaeum, 2008.
  • Dancing walls 2003–2006, 2007.
  • Tango Metropolis, 2005.
  • Ozymandias, 2003.
  • Thomas Kellner – interactive (CD-Rom), 2003.
  • Monumente, 2001.
  • 11-Loch-Arbeiten, 2000.
  • Deutschland. Blick nach Draußen, 1998.

jueves, 17 de enero de 2019

Meridith Kojut

Meridith Kojut es una fotoperiodista estadounidense (nacida en 1983, vive en Caracas, Venezuela) que ha trabajado cubriendo América Latina para la prensa extranjera desde 2007. Colaboradora habitual de The New York Times, ha producido ensayos fotográficos en profundidad sobre la revolución socialista de Hugo Chávez en Venezuela, el tráfico de drogas en Bolivia, la transición de Cuba, la violencia de pandillas en Venezuela y El Salvador, refugiados y cuestiones migratorias en América Central, derechos laborales en Haití, prostitución en Colombia y hacinamiento en las prisiones en El Salvador y Venezuela.

Enlace a la foto elegida de Meredith Kojut

Biografía

Meridith Kohut se graduó en la School of Journalism de la University of Texas y ha asistido al Eddie Adams Workshop de 2007 y a la World Press Photo Masterclass de 2015 en América Latina. Desde 2007 vive en Caracas, Venezuela, donde ha trabajado cubriendo América Latina para la prensa occidental.

Durante los últimos años, ha trabajado principalmente documentando información económica y humanitaria de la crisis en Venezuela, fotografiando a miles de personas esperando en las colas para el pan, a pacientes que mueren a causa de la escasez de medicamentos en hospitales públicos colapsados, a personas que se enfrentan a las fuerzas de seguridad en violentas protestas callejeras antigubernamentales, que trabajan en minas de oro ilegales y a las que salen del país en botes junto con la cocaína de contrabando.

Su trabajo ha dado lugar a docenas de historias de portada publicadas en The New York Times, y ha sido ampliamente reconocido por The Overseas Press Club, The George Polk Journalism Awards y Pictures of The Year International. Su investigación de 5 meses y ensayo fotográfico que reveló que cientos de niños murieron de desnutrición infantil severa en hospitales públicos fue finalista del Premio Pulitzer en la categoría Feature Photography en 2018. Meridith obtuvo el Premio Courage in Journalism Awards de la International Women’s Media Foundation también en 2018.

Es una colaboradora habitual de The New York Times. Sus fotografías también han sido publicadas por National Geographic, Leica, Bloomberg News, NPR, The Washington Post Magazine y Der Spiegel y han sido exhibidas en Visa pour L'Image, Sotheby de Londres, The Annenberg Space for Photography, Columbia University, The Leica Gallery Salzburg y Photoville en Brooklyn, Nueva York.

Referencias

miércoles, 16 de enero de 2019

Peter Dekens

Peter Dekens es un fotógrafo documental belga (vive en Gante) con un gran interés en temas socialmente sensibles y que no generan una amplia cobertura mediática.

Mine crater on Bellewaerde Ridge, Zillebeke © Peter Dekens

Mine crater on Bellewaerde Ridge, Zillebeke © Peter Dekens

Biografía

Peter Dekens se graduó con distinción en 1987 como diseñador gráfico en el colegio St. Lucas de Gante (Bélgica). Inmediatamente después de graduarse comenzó a trabajar como director artístico para varias agencias de publicidad en Bruselas. En 1998 inició su propia empresa,  considerada durante años una de las agencias de diseño web más creativas de Bélgica.

En 2008 comenzó un curso de 4 años en fotografía documental en la St. Joost Art Academy en Breda, Holanda, y a partir de entonces realiza proyectos de fotografía documental sobre temas socialmente sensibles que no reciben mucha atención de los medios de comunicación. En los últimos años ha cubierto las consecuencias sociales de la ceguera, el tema del sexo cuando tienes una discapacidad, así como una familia en los márgenes de la sociedad. Sus proyectos principales han tomado cuerpo en forma de exposiciones y libros con éxito:

  • Touch trata sobre las consecuencias sociales de la ceguera y fue nominado para los premios DutchDoc, el premio más importante en el campo de la fotografía documental en los Países Bajos.
  • (Un)expected retrata el proceso de afrontar el suicidio de un familiar. Flandes occidental, la región donde Peter creció, tiene índices de suicidio más altos que la media europea. En 2008 su madre se quitó la vida, un hecho que fue la génesis de este proyecto, que contiene cinco historias sobre el duelo de los parientes de personas que se han suicidado y las diferentes maneras que tienen de enfrentarse a la perdida. Este libro ha sido seleccionado en PHotoESPAÑA 2017 como el  mejor libro de fotografía internacional del año, además de conseguir otros galardones.
  • Shaky Ground investiga sobre la urgencia del pasado (Primera Guerra Mundial) en la perspectiva de una Europa unida sosteniblemente. En 1979 un primo suyo murió mientras desmantelaba un viejo proyectil. Las huellas de la Gran Guerra se han borrado casi por completo del paisaje, pero aún se encuentran restos humanos y proyectiles a lo largo de la antigua línea del frente en Ypres. Peter cuenta la historia de estos restos y ofrece una reflexión sobre la situación europea actual en la que la conciencia de la importancia de la unidad se encuentra de nuevo en un terreno inestable.

    Referencias

    Libros

    martes, 15 de enero de 2019

    Michele Tagliaferri

    Michele Tagliaferri es un fotógrafo italiano (nacido en 1980) cuyo trabajo se caracteriza por la asociación sutil y orgánica de sus fotografías, consiguiendo una energía narrativa que se encuentra en el intermedio, en el momento en el que la mirada se desliza de una imagen a otra y que es el resultado de la confrontación o de la analogía sutil por su silueta, su materialidad o su disposición en el espacio.

    © Michele Tagliaferri

    © Michele Tagliaferri

    Por su propia naturaleza, cada fotografía nace para reproducir una imagen. Las caras, historias y paisajes se enmarcan y fijan para siempre dentro de las cuatro esquinas de la impresión. Sin embargo, sería maravilloso si estos rincones pudieran abrirse de alguna manera, rompiendo así el perímetro de la fotografía y dejando que la imagen regrese al mundo del que una vez vino.

    Cada cosa, cada persona, cada imagen está presa dentro de su propia figura, dentro de las esquinas de la forma en que ha caído. Pero si logramos arañar la superficie que la envuelve, es posible captar la energía que se guarda en su interior. Una energía invencible que crea, transforma y destruye la vida que nos rodea.

    Biografía

    Michele Tagliaferri es licenciado en Ingeniería de Software. En 2005 se trasladó a España, al mismo tiempo que se acercaba a la fotografía, comenzando a fotografiar escenarios de su propia cotidianeidad, paisajes de la monotonía, del ritual que metódicamente estructura nuestras vidas. Se trasladó a Madrid y continuó fotografiando: aquellos lugares por donde pasaba al ir a trabajar, los que veía desde la ventana de su trabajo, a su novia, al regresar a casa, … En 2007 ingresó en la escuela de fotografía Blank Paper, donde estudió fotografía durante dos años y donde ha sido profesor.

    La fotografía es para él una herramienta visual que amplia con el uso de otros soportes tecnológicos a la hora de contar historias. Interesado en la relación entre la fotografía y el vídeo, reflexionando sobre el hecho de que cuando grabas un vídeo estás haciendo veinticuatro fotografías al segundo, investiga, utiliza el vídeo para luego volver a las fotografía, extrapola las frames y trabaja en la edición de este grupo de obra digital.

    Su primer trabajo, Mapa, se publicó como fanzine gracias a un premio otorgado en el Festival Internacional de Fotografía Emergente de Lleida. GRASS, publicado por Dalpine en 2015, es su primer libro con el que consiguió en 2016 la Mención especial del jurado del Prix Levallois.

    Estas imágenes quedaron recogidas en la instalación expositiva A Swimming Pool que pudo verse en la Sala Equis de Madrid dentro del ciclo Expand.

    Referencias

    Libros

    lunes, 14 de enero de 2019

    Fabian Oefner

    Fabian Oefner es un fotógrafo suizo (nacido en 1984, vive cerca de Zúrich) especializado en fotografía publicitaria, industrial y editorial. Su expresión visual de los efectos invisibles de las ciencias naturales y las propiedades del tiempo son la génesis de sus instalaciones de fotografía, cine y cinética. Sus formas artísticas nos alientan a conceptualizar de nuevas maneras y a aceptar que el arte y la ciencia no son opuestos, sino que se relacionan entre ellos.

    Disintegrating No 03 © Fabian Oefner

    Disintegrating No 03 © Fabian Oefner

    Estas son posiblemente las imágenes de alta velocidad más lentas que se hayan capturado. Me ha llevado casi dos meses crear esta imagen que parece que fue capturada en una fracción de segundo. Sólo el desmontaje completo me lleva más de un día por cada automóvil debido a la complejidad de los modelos. Pero esto no tiene importancia. Hay placer en el análisis, en descubrir algo al desarmarlo, como cuando pelas una cebolla.

    Lo que se ve en estas imágenes es un momento que nunca existió en la vida real. Lo que parece un coche despiezado es, de hecho, un momento en el tiempo que se ha creado artificialmente al combinar cientos de imágenes individuales.

    Biografía

    Fabian Oefner estudió inicialmente pintura, fotografía, tipografía e historia del arte en la Universidad de Arte de Basilea. Luego se licenció en Diseño de producto por la Universidad de Ciencias y Artes Aplicadas en el noroeste de Suiza, donde aprendió que el diseño exitoso es un proceso complejo de múltiples capas, que combina la más amplia variedad de factores: definición táctil, estética, legibilidad, efecto emocional y lenguaje, todo ello en la forma de un solo producto funcional.

    Paralelamente a su trabajo como Director de Estilo Visual para Geosistemas de Leica (2009-2012), continuó explorando y experimentando con la visualización del tiempo y los efectos invisibles de las ciencias naturales. En 2013, fundó Studio Oefner.

    Es un curioso investigador, fotógrafo y artista, cuyo trabajo se mueve entre los campos del arte y la ciencia. Sus imágenes capturan de manera única e imaginativa los fenómenos naturales que aparecen en nuestra vida cotidiana, como las ondas de sonido, las fuerzas centrípetas, la iridiscencia o las propiedades únicas de los ferrolíquidos magnéticos. Sus exploraciones en la poesía efímera del tiempo y en el mundo natural nos hacer parar, permitiéndonos ver lo invisible y al mismo tiempo hacer que nos preguntemos sobre los innumerables momentos mágicos que no vemos.

    Su trabajo se presenta con frecuencia en blogs internacionales y publicaciones impresas como The Washington Post, National Geographic, Der Spiegel, Stern, Wired, BBC, entre muchos otros. Sus fotografías se han exhibido en países como japón, Suiza, Dubai, EEUU, China, Inglaterra, UAE, Bélgica, Italia y Francia, y forman parte de colecciones privadas de todo el mundo. Además de perseguir sus propios proyectos, también colabora con importantes marcas internacionales en campañas publicitarias y proyectos artísticos. En 2013, dio una charla en TED sobre su arte y el proceso que hay detrás.

    Referencias

    Libros

    • Look Inside, 2016.

    domingo, 13 de enero de 2019

    Pere Casas Abarca

    Pere Casas Abarca fue un pintor, escultor, cartelista y fotógrafo catalán (nacido en 1875 en Barcelona, donde murió en 1958). Personaje polifacético, fue director artístico de la revista Mercurio, presidente del Cercle Artistic de Barcelona, fundador y presidente de la Asociación Amics dels Museus, realizando una innovadora labor en la aplicación de la fotografía a la publicidad, a la ilustración de libros y al diseño gráfico durante la primera década del siglo XX.
    PereCasasAbarca
    © Pere Casas Abarca

    Biografía

    Pere Casas Abarca estudió Derecho al mismo tiempo que desarrollaba sus aficiones como dibujante y pintor, estudiando en la Escuela de la Llotja de Barcelona y también escultura con sus tíos Agapito y Venancio Vallmitjana i Barbany. En 1901 fue nombrado director artístico de la Revista Comercial Hispano-Americana, posteriormente denominada Mercurio por iniciativa suya, por José Puigdollers, con quien viajará en 1903 por la zona del pirineo catalán y las fotografías realizadas durante ese viaje se publicarán en la obra Por los Pirineos, Impresiones de un viaje. Posteriormente fue presidente del consejo de administración de esta revista y futuro gestor de Casa Amèrica Catalunya.
    Como pintor practicó un realismo mundano, hábil y elegante, que le dio renombre. Últimamente, sin embargo, ha sido muy valorada también su labor de fotógrafo, caracterizada por una temática simbolista o orientalista, a menudo con cierto erotismo. Sus fotografías de desnudos femeninos, que se consideran entre las primeras realizadas en España, en un principio servían de apoyo a sus cuadros aunque después formaron parte de sus escenificaciones puramente fotográficas.
    En 1902 se encargó de la dirección artística de la revista Mercurio. A partir de 1903 publicó una serie de postales fotográficas tituladas Bucólicas, Místicas, Modernistas, Fantasías, Orientales, Sensuales, etc., que eran de tipo alegórico y mitológico y se pueden considerar un buen ejemplo de la fotografía pictorialista española de la época.  En 1904 editó una colección de fotografías artísticas marcando un estilo que tendría gran demanda desde el extranjero.
    Casas Abarca fue uno de los pocos creadores modernistas que experimentaron con la fotografía en el campo de la publicidad, a partir de un nuevo modelo de mujer que adoptaba una actitud moderna, lo que se reflejaba en su forma de vestir. Sus fotografías no fueron realizadas para promocionar la moda, pero preconizan las futuras pautas de la fotografía de moda, al mostrar atmósferas y estilos de vida que van más allá de la mera descripción de los vestidos. Durante la primera década del siglo XX realizó una innovadora labor en la aplicación de la fotografía a la publicidad, a la ilustración de libros y al diseño gráfico dentro de la corriente modernista, movimiento en plena efervescencia en toda Europa y con notable repercusión en Cataluña.
    Participó en exposiciones, certámenes y muestras, como su exposición en 1906 en la sala Parés de Barcelona, plataforma de difusión del modernismo en Cataluña, y en la Exposición Universal de Buenos Aires (1910-11), donde ganó el Gran Premio de Honor por su imagen femenina para la marca de aceite de oliva Carbonell. Este diseño de 1904 con la mujer andaluza en las latas de aceite aún se mantiene en la actualidad con algunas variaciones.
    Fue presidente del Reial Cercle Artistic de Barcelona entre 1930 y 1934, desempeñando una intensa labor de recuperación artística del siglo XIX, y de la Sociedad de amigos de los Museos y también académico en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid y de la Real Academia de Bellas Artes de Santa Isabel de Hungría de Sevilla y recibió diversos reconocimientos.
    Algunas de sus obras se puede contemplar en la colección del Museo Nacional de Arte de Cataluña y una de sus pinturas en el Museo del Prado. Ya en la actualidad, algunas de sus fotografías han formado parte de la exposiciones  colectivas Retrats: fotografía espanyola, 1848-1995 de la Fundació Caixa Catalunya en 1996, y de DISTINCIÓN. Un siglo de fotografía de moda en 2016.

    Referencias

     

    Libros

    sábado, 12 de enero de 2019

    David Mondedeu

    David Mondedeu es un fotógrafo norteamericano (nacido el 17 de abril de 1973 en Houston, Texas) conocido por sus libros de artista en ediciones limitadas, impresas a mano usando la técnica de fotograbado.

    © David Mondedeu

    © David Mondedeu

    Al final, mis fotografías son de situaciones emocionales como decía el pintor inglés, Howard Hodgkin. Estas fotografías no son abstractas. Son la reducción de todo para llegar a la esencia. Todo lleva a la luz y al silencio.

    Biografía

    David Mondedeu, hijo de madre española, vivió su infancia en Houston y San Antonio (Texas) hasta los 15 años. Después se mudó con su familia a Chicago y luego a Memphis donde vivió hasta su ingreso en la Universidad de Texas en Austin donde cursó estudios de literatura inglesa. Fue la novela de Faulkner, El Sonido y La Furia la que despertó su lado artístico.

    Mondedeu hace todas sus fotografías con una Hasselblad y en película de blanco y negro. Pasa las imágenes a una plancha de fotopolímero que entinta a mano y las estampa usando un tórculo. Entre las claras influencias de fotógrafos, está Paul Strand, no solo por el uso de la técnica del fotograbado sino por el rechazo del “pictorialismo” hacía una fotografía más directa, sin ningún adorno.

    Su primer libro de artista, Variations on a Song, esta inspirado en Las Variaciones Goldberg de Bach con su Aria, Variaciones y Aria da Capo. Detrás de esta inspiración y estructura de Bach se percibe que foto tras foto, nos muestra su visión de la condición humana con toda su complejidad. En este libro esta todo el génesis de su trabajo: apenas hay texto, no hay dípticos ni trípticos, solo una larga secuencia de imágenes como fotogramas de una película muda.

    Después de Variations on a Song viajó a los campos de refugiados saharauis en  la provincia de Tinduf, a Mozambique, Uganda, China, Israel, Palestina, Perú, India y Nepal. Estos viajes están reflejados en sus siguientes libros que están llenos de muchas capas y dan una visión más amplia del mundo como si de un narrador omnisciente se tratara. Decía Susan Sontag acerca del escritor W.G. Sebald, que es una influencia de Mondedeu: “Es frecuente que el narrador empiece el viaje cuando surge alguna crisis. Y, por lo común, el viaje es una indagación, aun cuando la naturaleza de esa indagación no se manifiesta enseguida.”

    Su último libro de artista, One Side Will Have to Go, es la síntesis de todo lo que Mondedeu ha hecho hasta ahora. Hay un abandono de la narración donde se ve un duelo o baile entre luz y sombra que se repiten, donde se aprecia la influencia de Rothko y Malévich.

    Sus libros de artista (algunos son un único ejemplar) se pueden ver en La Biblioteca de El Museo Reina Sofia en Madrid, La Biblioteca Nacional del Museo Victoria and Albert en Londres, La Biblioteca Hirsch del Museo de Bellas Artes en Houston, El Museo Israel en Jerusalén, The Glenn Gould Foundation, La Biblioteca San Telmo en San Sebastián, The Deutsche Börse Photography Foundation y en Ivorypress, disponibles para venta.

    Referencias

      Libros de artista

      • Variations on a Song (2000-2015)
      • Further South than Planned, 2014.
      • From the East, Light, 2013.
      • Fugue of the Blackbird, 2016.
      • Blue is the First Light, 2015.
      • Sonnets of 40 Winters and 40 Springs, 2013.
      • The Armies of Those I Love, 2018.
      • One Side Will Have to Go, 2018.

      viernes, 11 de enero de 2019

      Josep Maria Casals i Ariet

      Josep Maria Casals i Ariet fue un fotógrafo catalán (nacido en 1901 en Viladrau, Girona, fallecido en 1986 en Barcelona) representante del pictorialismo tardío en Cataluña y que practicó las técnicas del bromóleo transportado y de la tricromía.

      © Josep Maria Casals i Ariet

      © Josep Maria Casals i Ariet

      Biografía

      Josep Maria Casals i Ariet, contable de profesión,como aficionado a la fotografía aprendió de forma autodidacta, convirtiéndose en un importante representante del pictorialismo tardío español junto a otros fotógrafos como Claudi Carbonell, Joan Porqueras, Joaquim Pla Janini y José Ortiz Echagüe. Su vasta cultura artística lo convirtieron en uno de los mejores exponentes de esta corriente fotográfica, que en Cataluña se practicó hasta los años 60.

      Su obra está formada por paisajes montañosos, marinas, vistas de puertos, naturalezas muertas y retratos, temas que resolvió con un gran sentido de la luz, una cuidada composición y un aire bucólico, transmitiendo una atmósfera irreal, especialmente en los celajes borrascosos o en los rayos de sol atravesando los follajes frondosos de los árboles.

      La técnica que más usó fue el bromóleo transportado, una técnica compleja de la que se convirtió en un especialista y con la que consiguió imágenes de alto contenido artístico y de aspecto cercano a los grabados y un aire irreal.

      También practicó la tricromía (procedimiento con el que se obtenían fotografías en color), donde destacó a nivel internacional, gracias a su refinamiento técnico y a su ejemplar tratamiento de la luz y de la textura.

      Casals dio a conocer su obra en varias exposiciones celebradas en la Agrupación Fotográfica de Cataluña, institución de la cual fue socio, y en otras muestras locales, nacionales e internacionales, llegando a protagonizar su primera retrospectiva, ya póstuma, en 1994, Casals i Ariet : el darrer clàssic en la  Fundación "la Caixa" y en 2003 su obra formó parte de la exposición colectiva La mirada de Verdaguer en el Museo Nacional de Arte de Cataluña (MNAC).

      En este museo se puede ver una buena parte de su obra gracias al depósito del Fondo de Arte de la Generalidad de Cataluña y la obra cedida en depósito inicialmente y donada en 2108 por su hija Gabriela Casals Roig: 254 bromóleos transportados, 1.164 diapositivas en color y más de 13.000 copias sobre papel, acetato y vidrio, que permiten acercarse de manera privilegiada al proceso de creación del artista.

      Referencias

      Libros

      jueves, 10 de enero de 2019

      Llorenç Raich

      Llorenç Raich es un docente, ensayista y fotógrafo catalán (nacido en 1959 en Barcelona) cuya línea  de investigación se centra, principalmente, en los aspectos poéticos y narrativos del medio fotográfico a través de audiovisuales en los que mezcla fotografía, literatura y poesía para entrelazar ficción y documento.

      Winterreise VII, 2012 © Llorenç Raich

      Winterreise VII, 2012 © Llorenç Raich

      Winterreise en un proyecto en curso centrado en la adaptación fotográfica de los 24 poemas que bajo el mismo título escribiera Wilhelm Müller y que Franz Schubert popularizó en su ciclo de canciones.

      Biografía

      Llorenç Raich Muñoz es profesor del Institut d’Estudis Fotogràfics de Catalunya desde el año 1987, donde imparte las asignaturas de Imagen y Percepción, Reportaje de Actualidad y Documental y Narrativa visual. Su labor docente la compagina en el mismo IEFC con la de corresponsable del departamento de Actividades Culturales.

      Su línea  de investigación se centra, principalmente, en los aspectos poéticos y narrativos del medio fotográfico como se muestra en sus audiovisuales Son Siberià, Noches Blancas, Rüzgâr, Nic Dwa Razy, Trí turais, Devenir, The journey of Kathleen Ferrier, Els poemes de Dreden, y Gedichte zu dritt mit Epilog.

      Además de su labor docente en IEFC ha sido invitado como profesor y conferenciante en la Universidad de Cabueñes en Gijón, en el Espacio Fotográfico Can Basté, en la Fundación Pedro Meyer, en el Encuentro Gran Canaria Foto 2016 y en el Aterlierretaguardia de Barcelona, donde realizó varios seminarios de fotografía y creación.

      A través del Departamento de Actividades Culturales del IEFC ha participado en el comisariado de numerosas exposiciones. Además, en 2009 colaboró con el Festival SCAN con una propuesta de autores para la exposición Talents Latents, en 2010 su proyecto de comisariado Narrativas Latentes fue seleccionado en el certamen Trasatlántica de PHotoEspaña, y en 2016 comisarió la exposición El vel de l’ordre para la Galeria Barcelona Visions. Ha participado como jurado en las convocatorias Emergentes y Visionados-Diálogos organizadas por el Festival BFOTO.

      Ha colaborado en la planificación de las I, II y III Jornadas de fotografía social en el Palau de la Virreina en 2014, 2016 y 2018 y ha formado parte del comisariado de las I y II Jornadas de fotografía contemporánea en el Palau de la Virreina, ambas organizadas por IEFC en 2015, y 2017.

      Tiene publicados varios textos en artículos, libros y catálogos de exposiciones como En la propia luz, La dualidad de la luz, A Través de…, La primera voz, Una fotografía, Los relieves de la esfera, Ese otro, Los diálogos de un caminar, Umbral, Las Imágenes Escritas, Esencia y Presencia, Por igual y La naturaleza de la luz (presentación de El lápiz de la naturaleza de William Henry Fox Talbot).

      En su faceta de ensayista ha publicado en la editorial Casimiro libros las siguientes obras: Corpografía. El cuerpo en la fotografía contemporánea y una trilogía dedicada a las relaciones afines entre la poesía y la fotografía formada por Poética fotográfica, Fotografía y motivo poético y Fotografía como poesía.

      Referencias 

      Libros

      miércoles, 9 de enero de 2019

      André Gelpke

      André Gelpke es un profesor y fotógrafo alemán (nacido el 15 de marzo de 1947 en Beienrode, vive en Zúrich y en Grattino, Italia) que está considerado como uno de los de los mejores fotógrafos europeos que realizan la llamada “fotografía de autor”. En la década de los 70  fue uno de los pioneros del arte fotográfico en Alemania junto con Heinrich Riebesehl y Michael Schmidt.

      © André Gelpke

      © André Gelpke

      Biografía

      André Gelpke estudió, tras su servicio militar, en la Folkwangschule de Essen con Otto Steinert de 1969 a 1974. En este tiempo también estuvo de asistente con un fotógrafo comercial y en 1973 realizó un largo viaje a Nepal.

      Influido por Steinert y su Fotoform (fotografía subjetiva), exploró de manera intensa y personal a personas y entornos en un estilo objetivo y documental. A partir de 1970, su primera serie trató con grupos en los límites de la sociedad definidos tanto por su aspecto homogéneo como por su comportamiento ritualizado: travestis en Sicilia, monjes en un monasterio en la región de Eifel en Alemania, rockeros y posers en bares y burdeles en Hamburgo, retratando al individuo dentro de una apariencia aparentemente uniforme. Su serie Sex-Theater, publicada en libro en 1981, documenta la época del teatro burlesque. Otros temas que Gelpke ha tratado de forma continua entre 1980 y 2010 han sido eventos sociales, festivales y rituales como bailes, fiestas, festivales y carnavales.

      Su interés por los temas sociales lo llevó a realizar trabajos fotoperiodísticos y a la fundación de la agencia de fotografía Visum en 1975, junto con sus ex compañeros de estudios Rudi Meisel y Gerd Ludwig. Paralelamente a su fotografía socialmente crítica, también adoptó un enfoque decididamente subjetivo hacia las imágenes y visiones interiores. Su libro Fluchtgedanken de 1981 ejemplifica esta práctica, no muy alejada de la mentalidad del surrealismo o del tipo de realismo mágico practicado por sus contemporáneos.

      Al mismo tiempo, Gelpke formuló su crítica del uso manipulador de las imágenes periodísticas que había presenciado. y dejó la agencia por el conflicto entre la fotografía comercial y sus esfuerzos para realizar la fotografía de autor artística, ganándose la vida a través de exposiciones y talleres internacionales, así como distintos viajes por el mundo. Sus obras, hasta principios de la década de los 80, son en blanco y negro, lo que le permitía concentrarse en la esencia de las cosas y facilitaba las formas de abstracción. De 1980 a 1990 vivió en Dusseldorf, siendo en 1987 y 88  profesor invitado en la Fachhochschule Dortmund y en la Hochschule für Gestaltung en Zúrich. La fotografía de viajes y los textos recopilados en Der schiefe Turm von Pisa (La Torre Inclinada de Pisa) de 1985, también muestran el deseo de transmitir una visión personal de lejanía y extravagancia más allá de cualquier convención estética e imágenes masivas. Ya sea en el continente americano, en Europa, el norte de África o Asia, dibuja las irritaciones de la vida cotidiana en la estética idílica e prefabricada de la publicidad y las postales.

      En 1990 se trasladó a Suiza donde enseñó hasta 2012 como profesor de fotografía en la Universidad de las Artes de Zúrich, realizando también de 2006 a 2008, una tarea docente adicional en la Universidad Zeppelin en Friedrichshafen. En esta época comenzó a crear notas visuales de sus experiencias personales de la vida cotidiana, los viajes y su carrera.  Su libro Amok, publicado en 2014, comprime visualmente la discrepancia de la experiencia humana y el aparente absurdo de la vida. Las imágenes realizadas entre 2000 y 2012 son todas en color, una inclinación evidente ya en la década de 1990 en las observaciones fragmentarias de su vida familiar cotidiana.

      Referencias

      Libros

      • Sex-Theater, 1981.
      • Fluchtgedanken, 1983.
      • Der schiefe Turm von Pisa, 1986.
      • Amok, 2014.
      • Sex-Theater, 1981 y 2015.

      Catálogos

      • André Gelpke, 1975.
      • Karneval im Gürzenich, 1981.
      • Heim-Weh, 1987.
      • Kontamination, 1991.

      martes, 8 de enero de 2019

      Nia Diedla

      Nia Diedla es una fotógrafa chilena (nacida en Santiago de Chile en 1979, vive en París). Entre sus temas principales están las raíces, el recuerdo inventado que nos queda de la infancia y esa mitología que se construye con las piezas que faltan, así como el hallazgo en historias cotidianas que habitan al borde de lo real y lo irreal.

      © Nia Diedla

      © Nia Diedla

      Mis tatarabuelas se fueron de Europa en barco, no sé en cuál ni tampoco cuándo. Pero lo que sí sé, es que nunca volvieron. Sin duda, algo de ellas se quedó aquí. Yo las imagino como hierba silvestre, esa que crece en todas partes, y donde ahora crezco también yo.

      Extracto serie Maleza, 2015.

      Biografía

      Después de terminar sus estudios de ciencia en Chile, Nía Diedla se trasladó a Francia en 2006, para ser profesora asistente de español en la Academia de París. Al año siguiente se apuntó a una escuela de marionetas y la ciencia se durmió en un sueño del que no despierta. Colaboró entre 2009 y 2015 con compañías de teatro visual y marioneta contemporánea.

      Siempre le había apasionado la fotografía, y gradualmente fue explorando ese lenguaje, hasta decidir dedicarse por completo.

      Nía ve su trabajo fotográfico como un lugar íntimo, donde las historias nacen del desgarro y la fábula de lo cotidiano. Las imágenes son algo así como piezas de un puzle que construyen una geografía en constante muda. Su trabajo es una invitación a un viaje profundo, delicado y sensible.

      Referencias

      Libros

        lunes, 7 de enero de 2019

        Benedict Campbell

        Benedict Campbell es un artista digital y fotógrafo de publicidad inglés reconocido a nivel mundial, que ha estado produciendo imágenes llamativas para las marcas líderes del mundo durante más de veinte años. Su carrera fotográfica  comenzó en Londres a principios de los años 80 en la industria de la moda; luego trabajó como fotógrafo para la automoción y se hizo conocido por sus efectos especiales y conjuntos dramáticos. Mientras dirigía comerciales de perfumes descubrió el mundo de los gráficos 3D generados por ordenador y rápidamente se convirtió en uno de sus pioneros. Sus robots y visiones futuristas han inspirado a artistas, escritores y cineastas de todo el mundo.

        © Benedict Campbell

        © Benedict Campbell

        Me apasiona la imagen y por eso … usaré todos los medios disponibles para crearla ...

        A veces, creo que hago las mejores fotos cuando no estoy disparando.

        Biografía

        Benedict Campbell lleva más de veinte años dedicado al mundo de la publicidad. Es un polifacético artista que domina la fotografía, el video, el dibujo, la infografía y el diseño digital y no duda en utilizar cualquiera de estos medios para lograr el resultado final que busca en sus imágenes.

        Ha realizado campañas para un elevado número de marcas líderes del mercado, como Ford, Dulux, Vauxhall, Sennheiser, Domestos, Andrex, Chevrolet, Axe/Lynx, Ted Baker, Fruit 20, … que buscan sus habilidades dentro de la fotografía y la ilustración para crear imágenes hiperrealistas y a menudo audaces, manipuladas o no, a través del ordenador, para realzar y mejorar una visión muy particular del universo que nos rodea.

        Con la combinación de sus facetas artísticas Benedict es capaz de crear escenarios en donde la imaginación no tiene límites, ampliando las fronteras de la percepción pero sin dejar de ser al mismo tiempo accesible a la realidad.

        Entre su obra podemos apreciar una variada gama de estilos que pueden recoger desde la fotografía pura, sencilla y bien iluminada hasta las más atrevidas, sensuales y exuberantes obras generadas por ordenador. Éste es el caso de su serie sobre robots, en la que el artista nos muestra un futuro brillante y seductor.

        Reconocido a nivel mundial por su trabajo publicitario, artista del CGI y cineasta, Benedict sigue haciendo fotos simplemente por el amor de hacer fotos. No trata de hacer ninguna declaración social ni política, solo intenta mostrar el mundo según él, con humor, ironía y humanidad. Simplemente su mundo, visto a través de su lente, que podemos contemplar en su web personal.

        Referencias

        domingo, 6 de enero de 2019

        Eli Garmendia

        Eli Garmendia es una fotógrafa vasca (nacida en 1984 en Tolosa). Tras 15 años viviendo en Barcelona, actualmente es nómada y está viajando por toda Europa. Le interesan temas como la identidad, el cuerpo, la naturaleza y la música.

        © Eli Garmendia

        © Eli Garmendia

        Biografía

        Eli Garmendia se licenció en Fotografía y Creación Digital en CITM-UPC de Terrassa, Universidad Politécnica de Cataluña, en 2006. Ha complementado sus estudios a través de talleres con Antoine d´Agata, David Jiménez y Jorge F. Bazaga, entre otros. Utiliza la fotografía documental como herramienta de observación y experimentación autobiográfica. Genera imágenes que no tienen intención de llevar incorporado un significado específico, sino que por el contrario se constituyen como dispositivos capaces de generar significado. En cierto modo, son imágenes que contienen grandes dosis de silencio. Esos silencios son el núcleo de la obra, de manera que los receptores disponen de un amplio margen para elaborar sentido.

        Eli Garmendia muestra en sus proyectos, relatos íntimos atravesados por distintos planos de sentido. Los lugares que visita, entre los que predomina el bosque en sus infinitas connotaciones ancestrales y vivenciales, son experimentados con calma, casi con devoción contemplativa. Transita el paisaje, vinculando el espacio exterior con su propia vida, de donde surge un diálogo lúcido entre el silencio de la mirada y la agitación del mundo exterior. Junto al territorio, el rostro y la piel reaparecen en las imágenes, dando cuenta de movimientos internos, biográficos, en una búsqueda continua e inacabada. En sintonía con los ciclos de la vida y del mundo. Además, la autora establece en su último proyecto, El Bosque Dormido, un diálogo fructífero con creadores como el poeta Roberto R. Antúnez y el compositor letón Pēteris Vasks.

        Actualmente es nómada desde hace 9 meses. Junto a su pareja Carlos Pericás, también fotógrafo, decidieron mudarse a vivir a una autocaravana. Este movimiento vital responde a una necesidad de cambio de ritmo y de reencuentro con la naturaleza. Juntos, desde Nomad Studio Art, están empezando a desarrollar diferentes proyectos que aúnan retrato y naturaleza.

        Referencias

        Libros

        sábado, 5 de enero de 2019

        Andrés Medina

        Andrés Medina es un diseñador gráfico y fotógrafo español (nacido en Madrid en 1978, vive en Coslada y trabaja en Madrid) que compagina su trabajo como director de arte en una agencia de publicidad con proyectos personales de fotografía documental.

        © Andrés Medina

        © Andrés Medina

        Biografía

        Andrés Medina, tras estudiar HND Multimedia y Diseño en ESI Design School en Madrid, trabaja como diseñador gráfico, director de arte y fotógrafo.

        Comenzó a fotografiar compulsivamente en 2008. Apasionado por los blogs y las redes sociales, en 2009 creó Seeking Magazine, un blog en inglés y español donde compartía y analizaba el trabajo de fotógrafos emergentes y proyectos relacionados con la fotografía contemporánea. También es el fundador del colectivo de fotografía 'Thinking Photography', donde ha publicado seis números con algunos fotógrafos españoles emergentes, y colaboró como blogger en el alemán Der Greif Magazine.

        Como fotógrafo, su trabajo ha sido mostrado en exposiciones individuales como La Corteza de la Noche en el Centro Cultural Margarita Nelken de Coslada en 2011, Río en el Eurostars Zarzuela Park de Madrid en 2012, y en grupo, y en blogs y revistas especializadas en arte y fotografía.

        Su experiencia en el ámbito de los fotolibros cubre un gran abanico de perfiles: la autoedición como autor, comisario en publicaciones autoeditadas, blogger o publicado por otros editores. En 2010 edita y publica como comisario el libro colectivo Here Comes The Night, un fotolibro sobre fotografía nocturna, que mostraba el trabajo de diferentes fotógrafos de todo el mundo.

        La editorial The Velvet Cell Books publicó en 2011 una edición limitada de su serie fotográfica Nêbula. En 2013 autopublicó el fanzine Tránsito, que rápidamente se agotó después de tres ediciones. Este trabajo también fue seleccionado en el Rock Your Dummy! Show & Awards dentro de Le PhotoBookFest 2013 en París.

        Publicó L’autre Paris en 2014, un libro de artista que fue seleccionado en el Athens Photo Festival 2015 para una exposición de fotolibros, y también fue seleccionado para Artbook en Embarrat Festival de Creación Contemporánea de 2015.

        Su libro más actual es Río, resultado de un proyecto de cinco años de trabajo que se originó en 2011 en su necesidad de fotografiar algo extraño, en un acercamiento inicial al paisaje salvaje e indomable de un río, el Tajo, ampliado posteriormente a otros cauces. Cubriendo diferentes áreas de este río, trata de registrar trozos de paisaje y las huellas profundas de la actividad humana en este lugar. Un territorio donde los hombres y los animales se encuentran y se relacionan entre sí, dando lugar a conflictos de intereses y supremacía.

        Este libro habla sobre caminar y moverse lentamente, a través del paisaje, como un río. Este trabajo se pregunta acerca de quiénes somos en el mundo, y de una necesidad antigua, de un sentido de pertenencia, de reunión con nuestra verdadera esencia, la naturaleza.

        Su obra está disponible en las galerías 52 Editions Gallery de EEUU y Wallflowers Gallery en Rusia.

        Referencias

        Libros

        • Nêbula, 2011.
        • Tránsito, 2013. 
        • L’autre Paris, 2014,
        • Río, 2018.

        viernes, 4 de enero de 2019

        María Isabel Arango

        María Isabel Arango es una artista colombiana (nacida en 1979 en Medellín) cuyo trabajo se realiza en diferentes formatos (dibujo, impresión, texto y performance) que interactúan entre sí para crear instalaciones deconstruidas, que a veces son activadas por artistas o espectadores. El interés central es reformular y cuestionar las relaciones establecidas entre historia, memoria, evidencia e información. De esta manera, está interesada en diferentes metodologías a través de las cuales se construye y manipula la historia.

        Los gestos muertos © María Isabel Arango

        Los gestos muertos © María Isabel Arango

        Biografía

        María Isabel Arango estudió diseño gráfico en Medellín e ilustración en la Parsons School of Design de Nueva York. Posteriormente obtuvo un master en 2008 y realizó un doctorado en 2015 por la University of the Arts de Londres.

        Su intención es señalar lo que es invisible, inadvertido, indescifrable y propenso a la desaparición. Utiliza datos y documentos, concentrándose esencialmente en el proceso de recopilación y todo lo que sucede alrededor de esa actividad. Cualquiera que sea la forma final que tome un trabajo, cada pieza o instalación es un instrumento de memoria que afecta a la política.

        En los últimos años, ha trabajado con tecnologías de impresión casi obsoletas, rescatando y utilizando sus cualidades como un dispositivo conceptual formal en la producción de su trabajo. Esta exploración se ha convertido en una forma de investigar cómo los medios usan el contenido en favor de agendas ideológicas específicas bajo la apariencia de neutralidad.

        Su trabajo se ha mostrado en la Galería Casas Riegner en 2018 en Bogotá,  La Fermeture éclair en Caen y Centre d’art Contemporain Passerelle en Brest, Francia, en 2017, Ediciones SQUASH en Ciudad de México en 2016, Sicardy Gallery en  Houston en 2013 y No Soul For Sale: A festival of Independents en Tate Modern 10th anniversary en Londres en 2010.

        Fue artista invitada en Bayerische Staatsoper en Múnich en 2011. Ha conseguido becas de la Secretaría de Cultura Ciudadana - Alcaldía de Medellín en 2016 y AMEXCID - Becas de excelencia de programas Especiales del Gobierno de México para Extranjero sen 2015.

        Su libro Los gestos muertos disecciona alrededor de 1200 fotografías de políticos colombianos mientras discuten o pronuncian discursos en público sobre el proceso de paz entre el gobierno y la guerrilla de las FARC. Entre recortes de prensa, revistas e imágenes tomadas de internet, el énfasis está puesto en las manos de los interlocutores. Este libro participó en el Anamorphosis Prize en Nueva York en 2017, obteniendo una mención especial y ha sido incluido en la biblioteca del Museo de Arte Moderno (MoMA) de Nueva York. Sus obra también forma parte de la colección de libros de artista The Franklin Furnace de Nueva York, y la biblioteca del Chelsea College of Arts de la University of the Arts de Londres.

        Referencias

            Libros

            • Sin Título, 2014.
            • Los gestos muertos, 2017.
            • (        ), 2010-2012.