lunes, 27 de mayo de 2019

Damian Milczarek

Damian Milczarek es un fotógrafo polaco (nacido en 1984 en Sochaczew) que realiza fotografía de calle (principalmente) y de viajes.


© Damian Milczarek

© Damian Milczarek



Biografía

Damian Milczarek se graduó en el Departamento de relaciones internacionales de la Universidad de Lazarski en Varsovia y en el Departamento de Sociología de la Universidad SWPS. Es especialista en tecnologías de la Información y gerente en el sector de las telecomunicaciones.

Comenzó su aventura con la fotografía en 2009. Le apasiona el paisaje y la fotografía de viajes, pero especialmente la fotografía de calle desde 2016. Desde entonces, ha estado constantemente estudiando sus secretos y todos los días recorre el mundo con la cámara en la mano, en busca de historias inusuales, personas interesantes y situaciones con un cierto humor. Dos ciudades inspiradoras y muy diferentes, a las que a menudo vuelve en busca de escenas excitantes son la bulliciosa Londres y la tranquila y melancólica Oslo.

La fotografía de calle es un desafío tanto para el ojo como para la mente para controlar simultáneamente el espacio, los diferentes planos y las personas en movimiento. Por ello, en la calle apaga su pensamiento, se pone auriculares y escucha sus álbumes favoritos, Queen o Guns N 'Roses, llegando al trance, intentando sentir el momento en el que vale la pena detenerse y capturarlo.

Le inspiran los fotógrafos tailandeses contemporáneos, en especial Tavepong Pratoomwong y los polacos asociados en el colectivo Un-Posed.

Ha sido premiado en concursos de fotografía de calle y finalista en los Siena International Photo Awards, Leica Street Photo, StreetFoto San Francisco, Miami Street Photography Festival, Interphoto Białystok Festival Street Art Photo, ...


Referencias


domingo, 26 de mayo de 2019

Ramón Serras

Ramón Serras es un pastelero y fotógrafo vasco (nacido en 1943 en Zarautz, Gipuzkoa, donde vive) cuya obra se  fundamenta en la villa costera de Zarautz, plasmando en imágenes a personalidades locales, recogiendo con carácter artístico miles de imágenes de la playa, del malecón, acontecimientos deportivos o culturales de esta localidad.


© Ramón Serras

© Ramón Serras



Biografía

Ramón Serras nació en el seno de una familia dedicada a la pastelería. Pronto se aficionó a la fotografía con la máquina fotográfica de su padre. Autodidacta, comenzó no solo a fotografiar de forma documental o histórica su localidad natal, sino que buscó nuevas formas de desarrollo artístico y creativo. La curiosidad le llevó a practicar todos los temas y métodos desde el daguerrotipo a la goma bicromatada pasando por cibacrome, estenopeicas, fotografía con anilinas, … y sobre todo las Polaroids manipuladas, que con sus obras sobre la temática de la mujer han sido su obra más característica dentro de un estilo muy personal.
 
Sus primeros trabajos pronto alcanzaron reconocimiento tanto a nivel estatal como en el extranjero, siendo expuestos en numerosas salas como el Museo de San Telmo, Museo Bellas Artes de Bilbao y la Galería Contraluz de Pamplona. Ha expuesto de forma individual, desde 1982, en Zarautz, Donostia, Oñati, Bergara, Eibar, Ermua, Elgoibar, Deba, Lekeitio, Bilbao, Durango, Zumaia, Zaragoza, Barcelona, Salamanca, Valencia, Córdoba, entre otros lugares, así como en Italia y Austria. Participante asimismo en muestras colectivas en el País Vasco, España y en Estados Unidos, Francia, Alemania y Bélgica, entre otros países.
 
Maestro por la Federación Internacional de Arte Fotográfico (FIAP) en 1989, tiene en su haber premios internacionales como el de Birkenead (Inglaterra) en 1985 y 1986, Europicamera (Bélgica) en 1987, el Venus de Cracovia (Polonia) en 1987 y 1988, y el XXXIV Camera Luxembourg de 1989,  y los Trofeo Gipuzkoa Internacional de 1986, 1990 y 1991. Bernardo Atxaga, Anjel Lertxundi y Pello Esnal son solo algunos de los escritores o músicos que quisieron ilustrar alguna de sus portadas de sus libros o discos con una de sus imágenes.
 
Otra de las facetas destacadas de su vida ha sido la de dinamizador de la vida cultural y social de Zarautz. Desde su fundación participó activamente en la Asociación de Padres de Familia, en 1980 creó la Zarauzko Argazkizale Elkartea-Sociedad Fotográfica de Zarautz, siendo nombrado primer presidente de la misma, impulsando de esta forma la formación fotográfica entre los zarauztarras. Con la ayuda de Kutxa publicó el libro Zarauzko Argazkiak 1866-1936, publicación fundamental y básica para conocer la historia fotográfica de la villa de Zarautz a través de fotografías antiguas.
 
Como amante de la fotografía, además de creador y divulgador, también se convirtió en coleccionista fotográfico, tanto de instantáneas como de cámaras e instrumentos. Empezó comprando imágenes antiguas de Zarautz y alrededores, y terminó montando en 1993 junto con el promotor cultural Leopoldo Zugaza, y con la colaboración del Ayuntamiento de Zarautz fundó el Photomuseum de Zarautz, el primer museo especializado en fotografía del Estado español.

Referencias



Libros

  • Zarauzko Argazkiak, (Polaroid).
  • Zabalbideak (Panorámicas) con texto de Bernardo Atxaga, 2003.
  • Photo Álbum. Galería de retratos.
  • Lanak eta Egunak/Los trabajos y los días (Polaroid).
  • Zarauzko Argazkiak 1866-1936. (Colección de fotografías históricas de Zarautz).
  • Oteizak Zarautzeri (Oteiza en Zarautz).




sábado, 25 de mayo de 2019

Pawel Bajew

Pawel Bajew es un fotógrafo polaco (nacido en 1981, vive en Pulawy) que se caracteriza por un estilo surrealista, con toques humorísticos y satíricos, a través del retrato y del autorretrato.


© Pawel Bajew

© Pawel Bajew


Biografía

Pawel Bajew es un fotógrafo autodidacta que comenzó su aventura con la fotografía en 2007. Se caracteriza por un estilo surrealista, con toques humorísticos y satíricos, a través del retrato y del autorretrato. Su serie más conocida trata, precisamente, de autoretratos manipulados digitalmente que dejan entrever su lado más irónico.

Entre sus proyectos, Bajew realiza series de extraños retratos que representan a todo tipo de personajes, tanto divertidos como perturbadores. Algunas de las fotografías utilizan objetos inanimados, como soportes de jabón, para crear la apariencia de extrañas criaturas vivientes. Otras fotos también presentan seres humanos, pero no son retratos, utilizando las distintas partes del cuerpo de la persona de una manera abstracta para crear una imagen sorprendente. Brazos y manos se convierten en cuello y cara alienígenas, con botellas como ojos. Incluso las imágenes que muestran formas humanas reconocibles todavía tienen giros surrealistas, como un cuerpo sin cabeza colgando de la ropa en un tendedero o un hombre cuya cabeza es reemplazada por un fregadero. La mayor parte de los trucos visuales están realizados por composición, y no a través de la edición y están realizados con cámaras viejas.

Ha realizado numerosas exposiciones, como Świat według Bajewa en la ZPAF Gallery de Varsovia en 2008, Dziwadła (Caminando en el techo) en Puławy en 2009, consiguió un 3er lugar en el Festival Internacional de Fotografía Joven en Jarosław en 2009, obtuvo el primer lugar en el concurso Bandera de la República de Polonia en la lente organizado por la Oficina de Seguridad Nacional, publicó sus fotografías en el libro New Nude Polish Photography en 2009.

Ganó la sección ShowOff del Photomonth en Cracovia con su serie Autorretratos comisariada por Tomek Sikora en 2010, que se expondría posteriormente en la Galería Pauza de Cracovia y en el Instituto Polaco en Bulgaria en 2011. Realizó una sesión de fotos para la banda Illusion en 2011, presentó su trabajo en forma de proyección multimedia durante el 8º Festival Internacional de Fotografía en Rybnik, expuso en 2012 su serie Portraits en Varsovia, Poznań, Gdańsk, Puławy, Lublin y otras ciudades. Paweł es también el autor de 12 portadas consecutivas para la revista Zoom.


Referencias

viernes, 24 de mayo de 2019

Alejandro Kirchuk

Alejandro Kirchuk es un fotógrafo y videoperiodista argentino (nacido en 1987 en Buenos Aires, donde se reside) cuyo trabajo se centra principalmente en proyectos documentales personales a largo plazo en Argentina y Sudamérica.


© Alejandro Kirchuk
© Alejandro Kirchuk




Biografía
Alejandro Kirchuk descubrió la fotografía a finales de 2006, cuando apenas contaba con 19 años. Se graduó en la escuela de fotografía de Andy Goldstein, en Buenos aires.  Hoy es un fotógrafo documentalista freelance, cuyo trabajo está enfocado en proyectos documentales a largo plazo en Argentina y América Latina.

Entre 2011 y 2012 fue becado por los Fondos Nacionales para las Artes en Argentina (FNA). Ganador en 2012 del World Press Photo Award en historias de la vida diaria, por su trabajo Never let you go sobre la enfermedad de alzheimer de su abuela. En 2017, fue seleccionado para participar en la Joop Swart Masterclass del World Press Photo.

Sus trabajos han sido también reconocidos por múltiples organizaciones como POYi, Magnum Expression Award, Ian Parry Scholarship, PhotoEspaña, NPPA, Premio Terry O'Neill, Lumix FotoFestival, entre otras. Sus fotos se publican regularmente en distintos medios internacionales como The New York Times, The Wall Street Journal, The Guardian, Stern, ESPN Magazine, Sports Illustrated China, ...



Referencias

jueves, 23 de mayo de 2019

Hermenegildo Otero

Hermenegildo Otero fue un fotógrafo vasco (nacido en 1841 en San Sebastián, donde murió en 1905) cuya obra ha dado lugar a una estimadísima colección de fotografías en que se perpetúan recuerdos del San Sebastián del tiempo de las murallas y cuadros típicos de costumbres locales y cuantos sucesos de importancia se registraron en esta ciudad en la segunda mitad del siglo XIX.


Arco de Triunfo, Avenida de la Libertad  Hermenegildo Otero

Arco de Triunfo, Avenida de la Libertad Hermenegildo Otero




Biografía

Hermenegildo Otero comenzó a hacer fotografías hacia 1862 en el taller del pamplonés Valentín Marín, al cual se asociaría, para quedar posteriormente como único dueño del gabinete una vez que Marín se trasladó a Pamplona.

A comienzos de 1870 comenzó una relación profesional con el fotógrafo Miguel Aguirre Aristiguieta lo que unido a la afición de Otero por su tierra y sus fiestas populares, dio lugar a una estimada colección de fotografías que perpetúan las costumbres locales y cuantos sucesos de importancia tuvieron lugar en el San Sebastián del tiempo de las murallas y posterior. También realizaron fotografías de otros pueblos y ciudades españolas, como las andaluzas.

En aquella época, San Sebastián era una plaza fuerte, una pequeña población de pescadores amurallada, que marcaba la vida cotidiana de sus vecinos y la fisonomía del entorno. Los de intramuros, la gente que vivía en el interior se recogían al toque de queda. Los del exterior, dispersados en cientos de caseríos, se expandían por la vega del Urumea y las marismas que llegaban hasta Añorga.

Cuando se retiró la primera piedra de la muralla en 1863, el espacio urbano fue alcanzando, poco a poco, el entorno que hoy conocemos. Los fotógrafos de la época, como Otero y los citados Marín y Aguirre dejaron constancia de esa fusión de  áreas humanas y de la transformación de una población atrapada durante siglos en el interior de una ciudad amurallada, en una metrópoli cosmopolita.

Retratistas de estudio y documentalistas, el trabajo de estos fotógrafos refleja sobre todo la ciudad de San Sebastián del último tercio del siglo XIX. Por delante de sus cámaras desfilaron desde las familias más distinguidas hasta los tipos populares y los militares de la II Guerra Carlista. Realizaron decenas de retratos de la sociedad donostiarra y fueron los primeros en reflejar de una manera sistemática los deportes vascos. En sus placas han quedado inmortalizados elementos urbanos ya desaparecidos como el antiguo Puente de Santa Catalina o la Puerta de Tierra, así como los bombardeos de Durango y escenas de la defensa de San Sebastián, en las Guerras Carlistas.

En 1992, la exposición Las fuentes de la memoria I incluyó el trabajo de Otero y Aguirre. Ambos fotógrafos tienen obra en el Museo de San Telmo, en San Sebastián; también en la colección Iñaqui Aguirre, donde se conserva un autorretrato de ambos con la cámara, a orillas del río Urumea, realizado hacia 1880. También obras de ambos formaron parte de la colección Rafael Munoa que ahora pertenece a la Kutxateka.





Referencias




Libros


miércoles, 22 de mayo de 2019

Alfonso Ohnur

Alfonso Ohnur es un fotógrafo de moda español (nacido en Madrid) al que influyen notablemente en su fotografía el diseño, el arte, la arquitectura y el cine aunque, sin duda, lo que le más le mueve es el instinto. Instinto que ha conquistado a Dior, a Carolina Herrera, a Loewe y a Louis Vuitton.


© Alfonso Ohnur
© Alfonso Ohnur


Biografía

Alfonso Ohnur es un fotógrafo de origen uzbeko con más de 20 años de experiencia en la industria de la moda.  Ha colaborado con algunos de los fotógrafos de moda más relevantes como Javier Vallhonrat, Alexi Lubomerski, Paola Kudacki, Giampaolo Sgura, Mariano Vivanco, Danny Clinch, … y publicado en publicaciones nacionales e internacionales como Vogue, Esquire, Glamour, Harper's Bazaar, Marie Claire, L'Officiel, Madame Figaro y ha trabajado para marcas como Zara Woman, Zara Men, Zara Home, Carolina Herrera, Cartier, Carrera y Carrera, Massimo Dutti, Uterqüe, Custo, Sfera, Pedro del hierro, Hoss Intropia, Pepsi Worldwide y un largo etcétera.

Influenciado por el diseño, el arte, la arquitectura y el cine, Alfonso crea fotografías con atmósferas que recuerdan los fotogramas de las películas.


Referencias


martes, 21 de mayo de 2019

Adam Von Mack

Adam Von Mack es un fotógrafo húngaro (nacido en Budapest en 1981, vive en Londres) que realiza fotografía comercial y de moda.



© Adam Von Mack




Biografía

Adam Von Mack nació en Hungría en una familia de origen alemán. Estudió biología, pero después realizó sus estudios de fotografía en Hungría. Se trasladó a Londres, donde trabajo como asistente para fotógrafos de éxito como Ellen von Unwerteh o Luis Monteiro en Londres, antes de empezar por su carrera personal, centrándose en un estilo que mezcla el arte con los valores comerciales, trabajando principalmente en lencería, belleza y retratos.

Es un conocido admirador de la fotografía tradicional muy influenciado por el fenómeno de las supermodelos de los 90 y la intensa pero respetuosa relación que se establece entre ésta y el fotógrafo. En sus fotografías intenta ser honesto, buscando simplicidad, intimidad, elegancia y energía.

Su trabajo ha experimentado una larga evolución desde sus bellas fotos iniciales en blanco y negro, pasando por un período de trabajos en moda, hasta lo que ahora es su estilo favorito (sonrisas, energía, juventud y un enfoque lúdico) en belleza, estilo de vida y moda.

Divide su tiempo principalmente entre Londres, Alemania, Hungría y Sudáfrica, y cuando puede desarrolla sus proyectos personales de filmación de documentales y trabaja en un libro de retratos Men at Sea.

Fue galardonado por la Asociación Húngara de Fotógrafos en 2003 y nominado para el Hasselblad Masters Award en 2008. Entre sus clientes podemos citar a Lavera Cosmetics Germany, US Polo Assn., Taylor&Hart Jewellery, Wolford, Rimmel, Silhouette Eyewear, Wonderland Magazine, Metal Magazine, Schon Magazine, Tatler, Vulkan Magazine, Marie Claire, Costume Magazine, Cosmopolitan, …


Referencias

lunes, 20 de mayo de 2019

Alécio de Andrade

Alécio de Andrade fue un poeta, pianista y fotógrafo brasileño (nacido en 1938 en Río de Janeiro, Brasil, fallecido en París en 2003) que residió la mayor parte de su vida en París. Fue miembro de Magnum Photos y su obra está marcada por el uso del blanco y negro y la ausencia de retoque o flash. Le encantaba recorrer las salas del Museo del Louvre haciendo fotografías a sus visitantes.


© Alécio de Andrade
© Alécio de Andrade


Biografía

Alécio de Andrade estudio derecho entre los años 1957 y 1959. Entre 1960 y 1963 publicó poemas en diversos suplementos literarios en Brasil. En 1961 mientras ganaba premios por su poesía empezó a interesarse por la fotografía.

En 1964 recibió una beca del gobierno de París y comienza a dedicarse a la fotografía de manera profesional. Desde 1966 hasta 1973 fue corresponsal del semanal brasileño Manchete. Entre los años 1970 y 1976 fue miembro asociado de la agencia Magnum Photos.

Entre 1965 y 2002 publicó regularmente con la prensa: Elle, Madame Figaro, Geo, Le Nouvel Observateur, Lui, Marie-Claire, Realities, Il Tempo, Nuova Fotografia, Progresso Fotografico (Italia), Popa (Alemania), Fortune, Newsweek, Fatos e Fotos, Isto É, Jornal do Brasil, Veja (Brasil), …

Alécio focalizó su mirada sobre los visitantes del Museo del Louvre: un público variopinto y con actitudes muy diversas sin el que las obras de arte y la propia pinacoteca carecerían de sentido. Entre 1964 y 2002 hizo unas 12.000 fotos que han dado lugar a la exposición El Louvre y sus visitantes que ha recorrido España en esta década. Cada imagen semeja una escena de teatro que contemplamos por encima de los hombros del artista, mientras los visitantes ofician de actores. Una visión poética cuyo sentido del humor se une a la ternura para revelarnos tanto la apropiación de los espacios del museo por el público, como las relaciones, a veces insólitas, que se establecen entre algunos visitantes y ciertas obras de arte.


Referencias



Libros


domingo, 19 de mayo de 2019

Aëla Labbé

Aëla Labbé es una intérprete de baile en danza contemporánea y autora de fotografía francesa (nacida en 1986 en Saint-Nolff, en la Bretaña francesa, vive en Nantes) que tiene un universo único, desde la danza hasta la escritura a través de la fotografía.


© Aëla Labbé
© Aëla Labbé



Biografía

Aëla Labbé nació en Bretaña, una región donde los bosques pueden ser mágicos y los cuentos de hadas forman parte de la cultura. Desde muy temprana edad se dedicó al baile, y se trasladó a Holanda para estudiar danza contemporánea en la Hogeschool voor de Kunsten de Ámsterdam. Después iría girando su mirada sensible y poética hacia la exploración de la fotografía, jugando un doble papel como fotógrafa y bailarina.

Como en la coreografía, sus hermosas fotografías dramatizan la expresión del cuerpo e ilustran la relación entre la humanidad y la naturaleza. Los sujetos que fotografía son parte de su mundo privado, sus amigos y familiares, principalmente sus sobrinas. Llena de elegancia y misterio, sus retratos no convencionales nos llevan de vuelta a nuestra infancia y a sus sueños secretos más profundos. La nostalgia, la niñez, los sueños, el amor, los recuerdos, la melancolía son temas recurrentes en sus obras.

La luz y los detalles son muy importantes en sus fotografías. Utiliza cámaras analógicas, le gusta experimentar con película de color o blanco y negro. Lo que le interesa es la materia, el grano, las imperfecciones que dan una dimensión atemporal a sus fotografías.

Su obra ha aparecido en destacadas revistas independientes de todo el mundo y ha expuesto en Francia, Italia, España, Reino Unido y Estados Unidos. Ha realizado trabajos en moda y con varias sellos de música en las imágenes.


Referencias




Libros

  • L’Absente, 2013.

sábado, 18 de mayo de 2019

Rubén H. Bermúdez

Rubén H. Bermúdez es un fotógrafo y docente español (nacido en 1981 en Madrid) autor del libro “Y tú, por qué eres negro?” y cofundador del grupo de trabajo “Conciencia-Afro”.


© Rubén H. Bermúdez
© Rubén H. Bermúdez


Biografía

Rubén H. Bermúdez tuvo sus primeros trabajos como mozo de almacén y en fábricas, no continuó sus estudios en informática y comenzó a trabajar como diseñador gráfico. Empezó a estudiar fotografía como vía de escape. En 2008 consiguió una beca de EFTI para hacer su master.

Desde 2009 trabaja en diferentes proyectos en torno a la fotografía. Fue co-fundador del fanzine 10x15, publicó Looking for Freedom con CaravanBook y escribe en la revista fotográfica ClavoArdiendo-Magazine. Intercambia habitualmente el papel de alumno y profesor con frecuencia.

En 2014 comenzó su proyecto Y tú, ¿por qué eres negro? con el que consiguió la beca Fotopres. En 2017 autopublicó un fotolibro con el mismo nombre. Es un éxito y las editoriales Phree y Motto hacen una edición de bolsillo que se sigue vendiendo (o descargando) en muchos países del mundo. Su obra forma parte de la Colección de Arte Contemporáneo de la Comunidad de Madrid.

Es co-fundador del Espacio antes conocido Espacio Afroconciencia. A veces ejerce de comisario como en el ciclo de cine Lo Afro está en el centro que se celebró en CA2M Madrid.

Actualmente está trabajando en algo a lo que llama “mi película” gracias a una beca para artistas visuales del Centro de Residencias de Matadero Madrid.


Referencias



Libros



viernes, 17 de mayo de 2019

Kathryn Nee

Kathryn Nee es una fotógrafa estadounidense (vive en Atlanta, Georgia) que encuentra una belleza increíble en lugares y objetos antiguos, decadentes y olvidados y le gustan todas las cosas vintage, extrañas, macabras, oscuras, caprichosas, inusuales y extrañas.


© Kathryn Nee
© Kathryn Nee


Biografía

Kathryn Nee, alias Nobody Girl, soñaba de niña con ser fotógrafa de National Geographic. Siempre corría por ahí con una Kodak, sacando fotos de tonterías, gastándose su paga en revelar fotos. Hacia el final de su adolescencia, sus padres le regalaron una Nikon N60 y eso fue el inicio de su carrera autodidacta, aprendiendo a través del ensayo y el error y años de estudio y práctica.

Hoy es una fotógrafa artística,  freelance, comercial y exploradora urbana que lleva fotografiando la vida como arte más de 15 años. Kathryn encuentra una belleza increíble en lugares y objetos antiguos, decadentes y olvidados y le gustan todas las cosas vintage, extrañas, macabras, oscuras, caprichosas, inusuales y extrañas.

Cuando no está fotografiando estructuras abandonadas y vacías, Kathryn entra en la tierra de los vivos y captura la belleza de las personas, aunque a veces termine llevándolas a esos lugares abandonados.

Trabaja como fotógrafa freelance para Sports Gwinnett Magazine y es directora de fotografía del Urban Mediamakers Film Festival. También, desde 2015, trabaja como fotógrafa de bodas en Atlanta Wedding Artistry.

Kathryn ha sido publicada en National Geographic, All About Photo, LenScratch, Feature Photo, … y premiada con National Geographic Editor’s Picks, 13 premios de la Atlanta Photographic Society y en Terrabella Media Competitions. Ha expuesto en Sohn Fine Art Gallery en Massachusetts, Gertrude Herbert Institute of Art, PB&j Art Gallery en Atlanta, así como en otros lugares de Estados Unidos.


Referencias

jueves, 16 de mayo de 2019

Gloria Oyarzabal

Gloria Oyarzabal es una fotógrafa española (nacida en 1971 en Londres, vive en Madrid) muy relacionada con África que, a través de fotografías, imágenes de archivo y audiovisuales coloca al espectador en un lugar incomodo (o no) planteando nuevas preguntas, sobre la percepción de nuestra "blanquitud", los procesos de colonización, descolonización y neocolonización, la maquiavélica construcción de la Idea de África y el paternalismo imperialista de Occidente, sin olvidar la revisión de los discursos feministas en este continente.


© Gloria Oyarzabal
© Gloria Oyarzabal



Biografía

Gloria Oyarzabal Lodge nació en Londres y a los 2 años se trasladó a España. Se licenció en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid en 1998 y es también diplomada en Restauración y Conservación de Obras de Arte (1993). Ejerció de profesora de Análisis de Formas en IADE (2001-2010). En 1999 cofundó la Sala de Cine Independiente “La Enana Marrón”, dedicada a la difusión del cine de autor, experimental y alternativo, donde programó hasta su clausura en 2009.

Se fue a vivir a Bamako en Mali donde desarrolló su interés por la historia de la colonización y la descolonización y las nuevas tácticas del colonialismo y los feminismos africanos, hasta que un golpe de estado la devolvió a Madrid, donde terminó el Máster en Creación y Desarrollo de Proyectos Fotográficos de Blankpaper.

Gloria diversifica su actividad profesional entre la fotografía, el cine y la enseñanza. Suele utilizar soportes muy variados, muchos de ellos analógicos como Polaroid o Instax. También material encontrado en mercadillos como placas de cristal, postales o fotos antiguas. Experimenta con superposición de veladuras de color muy trabajadas sutilmente en parte de las imágenes de archivo lo que le ayuda a otorgarles un aspecto onírico envolvente, quizás por su vínculo con el cine experimental. A veces ve una imagen y la manipula en base a un ruido, un sonido, un movimiento repetitivo, a su imaginario cinematográfico, …

Ha expuesto en España, Nigeria, Mali, Grecia, Italia, Croacia, Lituania, Inglaterra, Portugal, Polonia, ... Sus trabajos se han visto en PHE PhotoEspaña, Athens PhotoFestival, Lagos PhotoFestival, Thessalonika Foto Museum , Lecce, Encontros da Imagem, Can Basté en Barcelona, Organ Vida Festival en Zagreb, Format en Derby, Fotofestiwal en Lodz, Polonia, … 

En 2017 fue seleccionada para la residencia artística Ranchito Matadero Nigeria-Sudáfrica, donde ha desarrollado su último proyecto sobre feminismos africanos en Madrid y Lagos. Ese mismo año ganó el premio Landskrona Book Dummy Award, que le permitió publicar su primer fotolibro Picnos Tshombé. También es la ganadora del Encontros da imagem Discovery Award en 2018. En 2019 ha obtenido una mención de honor en los premios PHmuseum, ha sido finalista en Fotofestiwal en Lodz y ha ganado el Prix du Livre Images Vevey 2019/2020 con su libro Woman go no’gree.



Referencias



Libros

miércoles, 15 de mayo de 2019

Alberto Goldenstein

Alberto Goldenstein es un fotógrafo argentino (nacido en 1951 en Buenos Aires) considerado una de las figuras fundamentales de la fotografía contemporánea argentina, por su novedosa aproximación al medio, la plasticidad de su uso del color y su forma de capturar lo cotidiano, los paisajes urbanos que lo rodean y las personas.


© Alberto Goldenstein
© Alberto Goldenstein


El color es para mí un elemento esencial, forma parte del impulso fotográfico. Yo veo la luz cromática, la luz que mueve las cosas y como las cosas se ven. Veo en color y tomo eso como materia prima, como tema.


Biografía

Alberto Goldenstein realizó un viaje por Europa durante tres meses con una cámara de fotos de la familia, en 1978, mientras estudiaba Economía y trabajaba en una financiera. Regresó con cientos de diapositivas que, casi por casualidad, vio un viejo pintor búlgaro, quien lo incentivó a desarrollar la práctica fotográfica. En 1982 se instaló por dos años en Boston, Estados Unidos, donde estudió en la New England School of Photography y conoció las obras de los grandes maestros de la fotografía, además de asistir a talleres con Joel Meyerowitz y Jerry Uelsmann y al seminario de Historia de la fotografía de John Szarkowsky. Hacia 1983 regresó a Buenos Aires donde comenzó a trabajar con película a color, algo que lo distinguiría desde entonces, aunque fuera por que no tenía cómo revelar en blanco y negro.

A mediados de los años ochenta, conoció al artista y comisario Jorge Gumier Maier y se integró al círculo de artistas relacionados con el Centro Cultural Rojas. Desde 1991, con la apertura del Departamento de Artes Visuales de este espacio, comenzó a realizar talleres anuales de fotografía y a comisariar las exposiciones de sus alumnos. En 1995 fue invitado a crear y dirigir la Fotogalería del Rojas. Ambos espacios ampliaron y dinamizaron la escena fotográfica de los años 90 y permitieron la formación y el despegue de nuevas generaciones de fotógrafos de Argentina.

A lo largo de su carrera, Goldenstein ha realizó exposiciones individuales en diversos espacios de Buenos Aires como el Centro Cultural Recoleta y el Centro Cultural Rojas, la galería Ruth Benzacar, la Fotogalería del Teatro San Martín, el Museo Castagnino de Rosario, y en galerías y museos de México, Madrid, Berlín y Zúrich.

En 2018 presentó una muestra retrospectiva en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, donde se refleja su recorrido artístico con un conjunto de 300 fotografías creadas entre 1982 y 2018. Todas las series han sido especialmente reeditadas para esta muestra y muchas de las fotografías eran inéditas.
Su obra forma parte de las colecciones de fotografía del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, Museo Nacional de Bellas Artes, Museo Nacional Carlos Castagnino-Macro de Rosario, Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (MALBA), Colección Rabobank y de otras colecciones privadas de Argentina y del exterior.


Referencias



Libros

  • La materia entre los bordes, 2018.
  • Miami, 2018.
  • Goldenstein, libros sobre artistas, 2016.
  • abecé (con Bruno Dubner y Cecilia Szalkowicz), 2015.
  • My Buenos Aires, 2015.
  • Berlín, 2014.
  • Fotografía Argentina, 2012.
  • Estructura de Ficción, 2011.
  • Fotografía en la Argentina 1840-2010, 2010.
  • Signes d’existence, 2007.
  • La Fotogalería del Rojas, 2005.
  • Colección Fotográfica del Museo Nacional de Bellas Artes, 2005.
  • Alltag und Vergessen, 2003.
  • Al Sur del Sur, Photoespaña, 2001.

martes, 14 de mayo de 2019

Anne de Gelas

Anne de Gelas es una fotógrafa belga (nacida en 1966 en Bruselas, donde vive y trabaja) cuya obra,  muy personal, explora emociones y experiencias intrínsecamente humanas como el luto y la pérdida, el amor y la familia. Sus imágenes son nostálgicas, seductoras y ensoñadoras, un collage de emociones mezcladas a través de fotografías, escritos y dibujos.


© Anne de Gelas
© Anne de Gelas



Biografía

Anne de Gelas estudió fotografía en la Ecole Supérieure des Arts de l'image «le 75» en Bruselas. Desde1994 ha estado exponiendo regularmente.

En 2013 publicó con «le Caillou Bleu» su trabajo L'Amoureuse como libro. Y en 2015 autopublicó su serie Mère et Fils que también se ha mostrado en galerías y festivales principalmente de Francia y Bélgica.

Su obra forma parte de grandes colecciones como la del Musée de la Photographie de Charleroi en Bruselas. Recientemente ha sido galardonada en 2015 por la SPES Foundation y también expuso en Arlés.

Su imagen fotográfica ha encontrado su lugar en sus revistas íntimas, diarios de viaje o incluso libros de artista, junto con textos, dibujos y archivos fragmentarios. Esta expresión, más allá de la autobiografía, siempre ha sido concebida por Anne como un humanismo, ya que esta anotación de la vida cotidiana se refiere a una necesidad universal del humano de representar el curso del tiempo y de su vida. Su cuerpo es su herramienta de trabajo y, a través de él puede expresar los sentimientos que se le cruzan o le empujan, pero su tema es la vida en general, no su vida.



Referencias





Libros

  • un visage de lignes (livret).
  • Mère et Fils (éditions LOCO).
  • Mère et Fils.
  • L'amoureuse.
  • une journée (presque)... parfaite.
  • Amnésia .
  • Mon besoin de consolation.
  • Processus.
  • le secret ... ou la question du journal intime.
  • portrait d'outre-voix (livret).
  • sur une intimité... qui m'inquiète.
  • carnets.
  • Collision con Thierry Berleur.

lunes, 13 de mayo de 2019

Rennie Ellis

Rennie Ellis fue un fotógrafo australiano (nacido el 11 de noviembre de 1940 en Melbourne, fallecido el 19 de agosto de 2003 también en Melbourne) que también trabajó, en varias etapas de su vida, como redactor publicitario, marinero, conferenciante y presentador de televisión. Fundó la galería de fotografía Brummels, la primera galería de fotografía dedicada de Australia, que estableció tanto un estudio fotográfico como una agencia dedicada a su trabajo, publicó en vida 17 libros y realizó numerosas exposiciones en Australia y en el extranjero.


At the Pub, QLD 1982 © Rennie Ellis Photographic Archive

At the Pub, QLD 1982 © Rennie Ellis Photographic Archive



Biografía

Rennie Ellis nació en el suburbio de la playa de Melbourne en Brighton y se educó en Brighton Grammar School, obteniendo una beca para la Universidad de Melbourne en 1959. Estuvo trabajando como chico de oficina en una agencia de publicidad de Melbourne, estudió publicidad en el Royal Melbourne Institute of Technology, y pasó dos años viajando por el mundo, comprando su primera cámara para grabar sus viajes, donde también trabajó como marinero. Fue director creativo, editor en varias revistas y ya en 1969 se convirtió en fotógrafo por su cuenta.

Publicó su primera exposición y publicó su primer libro en 1971, gracias a su trabajo en Kings Cross, Sídney. Un año más tarde relanzó Brummels Gallery, una galería comercial de pintura, escultura y grabados contemporáneos de la Australia modernista, establecida a mediados de la década de los 50, como Brummels Gallery of Photography, y en 1975 abrió en las mismas instalaciones su estudio, Rennie Ellis & Associates, y operó desde allí el resto de su vida.

Rennie veía sus acciones fotográficas como una serie de encuentros con la vida de otras personas. Sus fotos podían ser muy directas y flagrantes o llenas de sutilezas enigmáticas. Durante más de 30 años su búsqueda por la captura de la idiosincrasia de la conducta humana le ha llevado a lugares de todo el mundo: su Australia natal, el Carnaval de Río, los preparativos de las bambalinas del célebre Ballet Kirov, los zocos de Marrakech, el Ganges al amanecer, el desierto de Simpson, la Casa Blanca, el Moulin Rouge, …

Sus fotografías han sido ampliamente exhibidas en Australia y en el extranjero y su trabajo forma parte de varias colecciones como la Bibliotheque National de Francia, Department of Foreign Affairs, Embajada Australiana en Pekín, National Gallery of Australia, National Gallery of Victoria, National Portrait Gallery, Monash Gallery of Art, State Library of Victoria, State Library of NSW, National Library of Australia y colecciones privadas en Australia, Reino Unido y Estados Unidos.

Ellis recibió becas de la Visual Arts Board del Australia Council, ganó un Art Directors Club Award en fotoperiodismo y un United Nations Habitat Award en fotografía.

Murió con 62 años dejando un tesoro de más de medio millón de imágenes que abarcan más de tres décadas, que forman parte del Rennie Ellis Photographic Archive, que su segunda esposa, Kerry Oldfield Ellis, y Manuela Furci, su asistente, fundaron y codirigen, organizando exposiciones y publicando nuevos libros con su obra.


Referencias



Libros

domingo, 12 de mayo de 2019

Alexander Taran

Alexander Taran es un fotógrafo ruso (nacido en 1983) cuya fotografía se centra en su mayoría en el deporte y en el  blanco y negro.


© Alexander Taran

© Alexander Taran



Biografía

Alexander Taran empezó sus estudios de fotografía en 1999. Durante cuatro años estuvo estudiando en el estudio fotográfico Siluet en el Palacio de la Juventud Creativa bajo la dirección del fotógrafo German Pavlov.

En 2005, se graduó en Periodismo de la Universidad Estatal de San Petersburgo. Ese mismo año, comenzó a trabajar para la agencia fotográfica Interpress y como fotógrafo de Interpress para France-Presse cubriendo noticias y eventos deportivos. Durante estos años, sus fotografías fueron publicadas en los principales medios de comunicación rusos, así como en Newsweek, USA Today, Men's Health, SportWeek, Foto & video, Itogi, Kommersant, Spark, Vedomosti, Sports Illustrated, Fight Sport y BusinessWeek.

Taran es un fotógrafo profesional con más de una década de experiencia en fotografía de reportajes, en la de deporte y en la tradicional en blanco y negro, que actualmente se centra principalmente en trabajar con clientes corporativos.



Referencias