viernes, 22 de marzo de 2019

Juan Ibáñez Abad

Juan Ibáñez Abad fue un fotógrafo español (nacido en 1846 o 47 en Jumilla, Murcia, fallecido en Yecla, Murcia, el 7 de abril de 1932) que trabajó y desarrolló notablemente la fotografía de su tiempo. Él mismo se fabricaba las antiguas placas al colodión, y vivió la gran transformación y progreso de las nuevas emulsiones fotográficas, cuando había comenzado con los papeles de ennegrecimiento directo. Retrató a miles de personas, documentó tradiciones, antiguos oficios y actos sociales, y creó la primera serie de postales de vistas de Yecla.


Los hijos de Juan Ibáñez Abad. Autor: Juan Ibáñez Abad. Yecla, 1895

Los hijos de Juan Ibáñez Abad. Autor: Juan Ibáñez Abad. Yecla, 1895


Biografía

Juan Ibáñez Abad y sus hermanos fueron la 2º generación de una de las mayores sagas de fotógrafos profesionales que se conocen en España. Su padre, Juan Antonio Abad Martínez, uno de los pioneros en Castilla-La Mancha y Murcia, fue discípulo de Luis Tarszenski, conde de Lipa. Todos sus hermanos y sus hijos fueron fotógrafos con estudio propio. Varios nietos, entre ellos Vicente Ibáñez, y algunos biznietos han perpetuado la saga Ibáñez hasta nuestros días.

Su nacimiento profesional se produjo hacia 1865 en Hellín (Albacete), localidad a la que se habían trasladado sus padres desde Jumilla. Compaginó la fotografía ambulante por la zona del Altiplano con el estudio de Hellín hasta 1875, año en que se instaló en Yecla definitivamente tras la muerte de su padre. Desarrolló su trabajo durante casi 60 años en el estudio del número 52 de la calle Niño, en Yecla, donde retrató a miles de personas de la zona y a toda su descendencia.

Conoció las técnicas primitivas (trabajó el colodión húmedo, la albúmina y los papeles de ennegrecimiento directo) y vivió los grandes adelantos tecnológicos del siglo XX. Construía sus propias cámaras, era un hábil retocador de negativos y positivos, iluminaba, retrataba al carbón y destacaba en el manejo intimista de las luces: con muy pocos medios creaba atmósferas mágicas.

Hombre enormemente emprendedor, fue un hábil ebanista, afinador de pianos,  pintor, dibujante, fabricante de su propio material fotográfico como las placas para el colodión húmedo, y repostero con unas pastas hojaldradas que por su calidad fueron objeto de atención de la Casa Real de la que fue nombrado proveedor oficial.

Obtuvo un diploma en la Exposición Internacional Gevaert de 1911-12 por su serie Vida. En el mismo certamen, su hijo Juan Ibáñez Navarro obtuvo Medalla de bronce. El grueso de su archivo se perdió cuando se vendió el estudio, pero se conservan álbumes familiares y alguna obra en el Museo Comarcal de Hellín. Quizás sus obras mejor conservadas sean sus autorretratos.



Referencias



Libros

jueves, 21 de marzo de 2019

Manuel Sendón

Manuel Sendón es un profesor, investigador, comisario y fotógrafo gallego (nacido el 11 de junio de 1951 en A Coruña, vive en Vigo) que milita en un realismo documental que pone de manifiesto su preocupación por la calidad técnica de la imagen, precisa, exacta, sin necesidad de alardes.



© Manuel Sendón


Biografía

Manuel Sendón Trillo  se licenció en Matemáticas y se doctoró en Bellas Artes en 1997. Desde 1993 es profesor de Fotografía en la Facultad de Bellas Artes de Pontevedra y dirige el Grupo de Investigación de Fotografía de la Universidad de Vigo.

Con Xosé Luis Suárez Canal dirige el Centro de Estudos Fotográficos de Vigo (CEF), que nació en 1985 con la intención de recuperar, estudiar y difundir la fotografía histórica gallega y dinamizar la contemporánea. Realizaron libros monográficos sobre fotógrafos históricos gallegos, como Ramón Caamaño, Ksado, Luis Rueda, José Suárez, Raniero Fernández y Virxilio Vieitez, recuperaron el amplísimo Archivo Pacheco, el Arquivo Sarabia y el Arquivo José María Massó, y son también responsables de la edición de las colecciones Álbum y O Trinque.

Sendón es además el creador del blog Inédito, un proyecto fotográfico en el que se presentan trabajos de distintos autores que no han sido publicados, con la intención de establecer un diálogo entre fotógrafos emergentes y fotógrafos consagrados y haciendo especial énfasis en los fotógrafos gallegos jóvenes.

Su tarea de investigador se refleja en importantes publicaciones, tanto individuales como colectivas, como la titulada Informe de comunicación en Galicia y su tesis doctoral, recogida en el libro titulado Imaxes na penumbra. A fotografía afeccionada en Galicia (1950-1965).

Como fotógrafo Sendón milita en un realismo documental que pone de manifiesto su preocupación por la calidad técnica de la imagen, precisa, exacta, sin necesidad de alardes de desenfoques o habilitados de laboratorio. Por el contrario, imágenes y elementos documentales están reflejados con la máxima claridad, con total precisión, aunque al fin los dote de algo indefinible, pero apreciable, que emparentaría estas fotografías con el mejor hiperrealismo pictórico.
A través de su obra personal ha reflexionado sobre del uso de la fotografía de paisaje (Paisaxes, 1989-91), el paso del tiempo (Tempos que hai neste tempo, 1991-94) y la construcción de la memoria individual (A memoria do álbum, 2004).
Actualmente su producción se centra en cuestiones directamente vinculadas con la vida y cultura gallegas, temática que comenzó a tratar en 2002 con Cuspindo a barlovento, sobre el desastre del Prestige. De 2007 es Casas doentes, sobre las propiedades abandonadas del entorno rural gallego; y de 2009, Crebas, sobre los objetos que arrastra la marea hasta la Costa da Morte, Derradeira sesión, sobre la muerte del cine como espectáculo colectivo y el proyecto Mil ríos conjunto con Fran Herbello.

Desde 1983 expone con regularidad, destacando su participación en muestras colectivas celebradas en el Centre de la Photographie de Ginebra, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid , The Museum of Contemporary Photography de Chicago, Illinois, The Museum of Fine Arts de Houston, Texa, Noorderlicht en Groningen, Holanda, el Centro Galego de Arte Contemporánea de Santiago de Compostela, … Entre otras, ha realizado exposiciones individuales en el Museo de Imagem en Braga, el Museo de la Ciudad de México, el Museo de Arte Contemporáneo Sofía Imber de Caracas, el Conjunto Cultural da Caixa de Salvador de Bahía y la Fundación Barrié de La Coruña y Vigo.

En 2010 comisarió la exposición itinerante Proxecto Costa da Morte, y junto a Suárez Canal, las exposiciones también itinerantes Virxilio Vieitez (1998) y Madrid mirada (2008), así como la programación de la Fotobienal de Vigo y Vigovisións hasta 2000.


Referencias



Libros

miércoles, 20 de marzo de 2019

Luuk Wilmering

Luuk Wilmering es un artista visual, profesor y asesor holandés (nacido en 1957 en Haarlem, donde vive y trabaja) cuya obra comprende piezas de instalación, collages, fotos, obras para carruseles de diapositivas, paseos de audio, libros y libros de artistas. Su obra ofrece un comentario humorista sobre aspectos de la vida cotidiana y tiene una mirada para captar la poesía de lo común.


© Luuk Wilmering

© Luuk Wilmering



Biografía
Luuk Wilmering estudió en la Gerrit Rietveld Academie de Ámsterdam y en la Jan van Eyck Academie de Maastricht. En 1984 estuvo de asistente de Sol LeWitt.

Su trabajo incluye, entre otros medios: instalaciones, collages, fotografía, dibujos y pinturas. En su trabajo, investiga continuamente, no sin humor, su posición como persona y como artista. El efecto espejo entre el artista y su público es un elemento importante en su trabajo. En sus collages, saca las imágenes fuera de contexto de la misma manera que lo hace repetidamente como artista fuera del contexto de la práctica artística general.

Su obra es muy variada, pero la vida diaria y la rutina son una fuente importante de inspiración para Luuk. Sus fotografías, collages, … están inspirados en parte por la sensación de que la realidad está formada por cadenas de coincidencias y situaciones absurdas en las que uno se pierde fácilmente, al igual que en las noticias diarias ...

En 2011 realizó la exposición y publicación Une Histoire naturelle que recogía diversos trabajos de sus últimos doce años que nos muestran sus diversas maneras de enfrentarse con el arte:
  • En Visiting Versaille et les Trianons (2008/2009) ha utilizado una guía turística de lujo de 1905, ilustrada con fotografías en blanco y negro de Versalles y les Trianons. Buscando un contraste con este palacio, que en cierto sentido es sinónimo de decadencia, combinó las imágenes en color de la guía (como fondo) con detalles de fotografías en blanco y negro de los catálogos de World Press Photo coloreados utilizando tintes pastel.
  • En A Personal Geographic / The Acts of Mercy (2000-2008) muestra 40 collages, hechos a mano con material visual de la revista National Geographic, en los que la estética característica y tranquilizadora de las fotos originales se traduce en imágenes implacables de un mundo caótico, convirtiéndose en un comentario irónico sobre esta revista y sobre el incesante diluvio de información de noticias en los medios de comunicación.
  • En Cut Out recorta noticias de las portadas de periódicos internacionales. La ausencia total de texto e imágenes convierte las páginas en ventanas abstractas, que recuerdan los planos de construcción en los que cada elemento es intercambiable.
  • Birds Need Shelter muestra cómo el hombre, a través del "abuso de poder", causa la extinción de ciertas especies, cómo se cazan las aves y cómo deben servirse y comerse adecuadamente. 


Referencias




Libros y ediciones




martes, 19 de marzo de 2019

Louise Oates

Louise Oates es una artista que vive en Londres y trabaja con fotografía y escultura. Su práctica se ocupa de los procesos y redes materiales que se desarrollan en nuestro mundo globalizado como, por ejemplo, la extracción de minerales o sistemas de agua, y se involucra con estos temas a través de una variedad de técnicas fotográficas, químicas y de materiales.

Digital C type print, 37" x 30", white aluminium tray frame with non reflective glass. © Louise Oates




Biografía

Louise Oates estudió fotografía en el London College of Communication. Actualmente (2018/20) está realizando un master en Finas Artes en la Slade School of Art del University College London gracias a una beca Felix Grant.

Louise trabaja con fotografía y escultura. Es una artista que usa el medio fotográfico como una forma de representar y explorar ideas y su entorno. Piensa cada vez más en forma escultórica, pero por ahora, su trabajo se manifiesta en la fotografía.  Mira un poco la escultura, pero se inspira mucho leyendo filosofías de ciencia, geografía y antropología. Está realmente interesada en la geología y en materiales, algunos de los cuales le parecen simplemente increíbles. También está un poco obsesionada con el hormigón, pero su trabajo está principalmente relacionado en cómo interactuamos físicamente con el medio ambiente, ya sea en extracción de minerales o en juegos de niños. También piensa mucho en el futuro y en los efectos que tendrá nuestra acción en los tiempos venideros.

Su práctica se ocupa de los procesos y redes materiales que se desarrollan en nuestro mundo globalizado, por ejemplo, la extracción de minerales o sistemas de agua, y se involucra con estos temas a través de una variedad de técnicas fotográficas, químicas y de materiales. Su libro auto publicado, Notes on Hydraulic Fracturing, reúne una extensa investigación sobre la explotación de la tierra y las intervenciones artísticas. Combinando estos dos aspectos de una manera sorprendente y natural, Louise nos da acceso a su forma de pensar y actuar en relación con los problemas actuales.

Cree que los elementos formales son un vehículo para lo metafórico. En Notes on Hydraulic Fracturing utiliza el proceso de trabajar con materiales que están físicamente vinculados al tema como una forma de investigación y trata de encontrar nuevas formas de representar cosas que puedan no ser vistas. Por ejemplo, las fotografías de vistas aérea son proyecciones imaginarias del futuro paisaje del Reino Unido (si se realiza el fracking) creadas con el suelo recolectado de pozos exploratorios.

En el libro hay 3 mapas de suelo, construidos utilizando tierra y arena recolectadas en sitios de prueba del Reino Unido. El material está diseñado para imitar las imágenes de vista aérea de Pennsylvania, donde una gran industria de fracking se apoderó del espacio en los últimos 12 años. Años después, cuando fue a hacer el libro, descubrió que se habían formado cristales en la superficie de las fotografías y volvió a fotografiar las copias para agrandar los cristales y los residuos químicos. Así que las imágenes son quizás especulaciones sobre el líquido del frack que se pierde en el subsuelo. Éstos mapas de suelo se exhibieron en la Galería Whitechapel como parte de A Handful of Dust de David Campany.


Referencias



Libros

  • Notes on Hydraulic Fracturing.

lunes, 18 de marzo de 2019

Sakiko Nomura

Sakiko Nomura es una fotógrafa japonesa (nacida en 1967 en Shimonoseki, prefectura de Yamaguchi, vive en Tokio) muy reconocida por sus desnudos masculinos en blanco y negro. Secuencia series y libros de fotografías en blanco y negro, mezclando desnudos, paisajes urbanos, animales y naturalezas muertas.


© Sakiko Nomura, courtesy of Akio Nagasawa Gallery

© Sakiko Nomura, courtesy of Akio Nagasawa Gallery



Biografía

Sakiko Nomura se interesó por la fotografía con 18 años y se graduó en 1990 en el Departamento de Fotografía por la Universidad de Kyushu Sangyo en Fukuoka. Trabajó como asistente para Nobuyoshi Araki durante varios años, lo cual se nota en su trabajo y la convierte en su alumna aventajada. Sus fotografías tienen una imperceptible carga erótica y están revestidas de una cierta trágica melancolía. Después trabajó como fotógrafa independiente.

Los desnudos masculinos en blanco y negro son sus temas principales. Explora detrás de los rostros fachada introduciéndose en la psique de sus modelos, revelándonos temores ocultos, tristezas y ternuras. El modelo nos es revelado desnudo, tanto física como psíquicamente, mostrando su lado más frágil. Secuencia series y libros de fotografías en blanco y negro, mezclando desnudos, paisajes urbanos, animales y naturalezas muertas.

Tras su primera exposición individual Clock Without Hand (Reloj sin manos) en  1993, ha participado en numerosas exposiciones individuales y colectivas, principalmente en Tokio, pero también en otros lugares de Asia y Europa, consiguiendo un gran reconocimiento. Después de ganar un New Figure Encouragement Prize en Photo City Sagamihara 2013, actualmente es una de las fotógrafas más reconocidas.

Pero Sakiko también trabaja otros temas, como en Night flight, donde utiliza un color intenso tomado en la oscuridad durante un período de siete años con una cámara micromini espía. Además de desnudos masculinos, el libro presenta fotografías de paisajes que no han aparecido en trabajos anteriores, hasta un total de 103 fotografías.

En Ango dejó de lado su desnudo masculino habitual, eligiendo modelos femeninos y escenas solitarias, logrando un resultado cautivador, en el que el aislamiento de la narrativa original resuena en sus imágenes cuyas delicadas sombras realzan la sensualidad de la novela. Este proyecto está basado en la novela Una mujer y la guerra de Ango Sakaguchi, publicada en 1946 y censurada hasta 2000 por las fuerzas aliadas que ocupaban Japón y que relataba la vida  de una ex prostituta, obligada a mudarse con un hombre, durante la guerra.
 
El libro es una parte fundamental de su trabajo (ha publicado más de 40 títulos) y se convierte en una relación secreta  con su público, con el que puede convertirse en cómplice y puede compartir historias secretas.


Referencias



Libros

  • Moonlight, 2018.
  • Koshiro MATSUMOTO My Last Remaining Dream, 2018.
  • Ai ni tsuite, 2017.
  • On Love-Journey without Maps-Lingering Shadows, 2017.
  • Sakiko Nomura: Ango, 2017.
  • Light Source, 2016.
  • GUN, 2016.
  • Another Black Darkness, 2016.
  • Another Language 8 Japanese Photographers (varios), 2015.
  • Flower, 2015.
  • TAMANO, 2014.
  • Grau Zone vol.2, 2014.
  • Caramel, 2014.
  • sex / snow, 2014.
  • hotel pegasus, 2013.
  • NUDE | A ROOM | FLOWERS, 2012
  • 0618 23:36, 2012.
  • Monthly Ayano, 2010.
  • Monthly Natsuko Tatsumi, 2009.
  • Night Flight, 2008.
  • Black Darkness, 2008.
  • Undulation: Kihako NARISAWA, 2008.
  • ALL ABOUT Daisuke Miyazaki, 2008.
  • Monthly Momoko Tani, 2007.
  • Kondo Ryohei, 2006.
  • tsukuyomi, 2005.
  • another day on the planet, 2004.
  • SCOBUL SOMEGORO, 2002.
  • A Black Cat, 2002.
  • TWENTY SEVEN SOMEGORO ICHIKAWA, 2000.
  • ai no jikan, 2000.
  • Aren't you lonely keeping on telling life without embracing burning skin?, 1999.
  • a ripple of the silence, 1999.
  • NAKED TIME, 1997.
  • 40+1 PHOTOGRAPHERS PIN-UP, 1995.
  • Watch without Hand, 1995.
  • Naked Room, 1994.

domingo, 17 de marzo de 2019

Francisco Zagala

Francisco Zagala fue un fotógrafo gallego (nacido en 1842 en Verín, fallecido en 1908 en Pontevedra). Uno de los primeros fotógrafos españoles que tomaron el relevo de los extranjeros que se establecieron en España a mitad del siglo XIX. Su buen hacer como fotógrafo le proporcionó fama y clientela. En su producción, muy cuantiosa, destacan tanto sus retratos, excelentes, de familias burguesas conocidas y de ciudadanos menos pudientes, como vistas de calles, plazas, monumentos y escenas de la vida cotidiana de Galicia.


Francisco Zagala

Francisco Zagala


Biografía

Francisco Zagala Pérez se desplazó a estudiar a Madrid donde además adquirió su formación fotográfica y tuvo una activa militancia política en las filas republicanas, que le llevaría a participar en los convulsos acontecimientos que sufrió el país durante el Sexenio Democrático. Tras un periplo por diferentes ciudades de Galicia hacia 1880 decidió asentarse definitivamente en Pontevedra, una ciudad en la que encontró un ambiente sociocultural y político de acuerdo con sus ideas, donde  instaló un estudio fotográfico llamado La Madrileña.

Su profesionalidad, unida al empleo de las más avanzadas técnicas fotográficas del momento, pronto le proporcionó una sólida clientela. Su estudio comenzó a ganar fama entre la burguesía local pero también entre las clases menos favorecidas, a las que hasta ese momento la fotografía les había estado vetada por su alto precio.

Zagala fue también testigo gráfico del período de expansión y readaptación urbanística que sufrió Pontevedra en las últimas décadas del siglo XIX. Compagina desde su llegada la actividad como retratista con el registro de vistas urbanas y de los monumentos más destacados de la ciudad, encaminando su producción fotográfica hacia la comercialización de estas últimas mediante la serie Pontevedra artística e pintoresca, que mantendrá a lo largo de toda su vida profesional.
 
Su interés por mostrar las excelencias del municipio a las personas visitantes le llevó a editar en 1883 el álbum fotográfico Recuerdo de Pontevedra, que está considerado el primer álbum fotográfico editado en Galicia, y al que seguirán, a lo largo de los años, otros de igual o similar título.

Fue el fotógrafo oficial de la Sociedad Arqueológica de Pontevedra.  Colaboró con la revista La Ilustración Española y Americana durante 1884 aportando fotografías de Pontevedra. Cuando Pedro Ferrer publicó en 1904 la colección de fotografías titulada Portafolio de Galicia con la colaboración de numerosos fotógrafos también estuvo encargado de proporcionar las imágenes de Pontevedra.

Gracias a la donación de sus fondos (placas, positivos originales y postales) al Museo Provincial de Pontevedra se puede disponer de muchas imágenes de tipo etnográfico de la vida en Pontevedra entre los siglos XIX y XX que se encuentran en el denominado Archivo Zagala. En 1994, este museo le homenajeó con la exposición retrospectiva F. Zagala, fotógrafo (1842-1908). Posteriormente, su obra se ha incluido en colectivas como Telón de fondo, celebrada en el Centro Cultural Caixanova de Vigo en el año 2010.


Referencias



Libros





sábado, 16 de marzo de 2019

Julia Borissova

Julia Borissova es una artista nacida en Estonia y residente en San Petersburgo que trabaja con fotografía, collage, instalación y creación de libros. Sus obras se convierten en un lugar de actualización para una amplia gama de temas, entre los cuales el tema central es el cuestionamiento de la verdad y la ficción. El libro es su medio natural para contemplar historias reales y combina elementos documentales con cosas imaginarias.

© Julia Borissova
Julia Borissova, From the series Running to the Edge, 2014, © Julia Borissova




Biografía

Julia Borissova emplea el libro como su medio natural para contemplar historias reales y combina elementos documentales con cosas imaginarias.

Sus libros se pueden encontrar en las colecciones de muchas instituciones importantes, como Tate Modern y Victoria and Albert Museum, ambas en Londres, la Biblioteca Nacional de España en Madrid, Biblioteca del Museo de Arte de Estonia en Tallin, la Colección Bibliográfica de los Archivos Municipales de Lisboa, Centre for Fine Print Research. UWE en Bristol, Reminders Photography Stronghold  en Tokio, Indie Photobook Library y Library of the School of the Art Institute of Chicago, Phoenix Art Museum, en EEUU.

Borissova ha exhibido frecuentemente sus fotografías y libros por todo el mundo en exposiciones individuales y en grupo.



Referencias



Libros

viernes, 15 de marzo de 2019

Iñaki Izquierdo Muxika

Iñaki Izquierdo Muxika es un fotógrafo vasco (nacido en Sestao en 1965) que realiza un trabajo documental-humanista. En sus fotografías las personas son las protagonistas, bien en presencia o a través de su ausencia, mostrando los espacios habitados por ellas.


© Iñaki Izquierdo Muxika
© Iñaki Izquierdo Muxika



Índice, testimonio, tiempo detenido. La fotografía provoca en mi la ilusión de encontrarme ante la realidad. Cuando yo soy el fotógrafo necesito tener la vivencia, acercarme, sentir lo que voy a fotografiar.


Biografía

Iñaki Izquierdo Muxika es licenciado en Ciencias de la Información por la Universidad del País Vasco. Atraído en sus inicios por el paisaje industrial de su niñez, se abre a otros temas bajo la premisa de empatizar con lo fotografiado. Ha completado tres trabajos documentales con producción de exposición y edición de libro:
  • Pasiegos siglo XXI, en el que muestra el fenómeno sociológico y cuasi etnográfico más singular que aún perdura en España, los pasiegos. Incluido en las actividades del 10º aniversario de la convención del Patrimonio Cultural Inmaterial de la UNESCO (2013).
  • Imágenes de La Minería (1998) donde reconstruyó la actividad minera del entorno de La Ría de Bilbao a través de sus vestigios. Es fondo del Museo de Las Encartaciones de Avellaneda.
  • Viviendo en Sestao. Fin de una cultura industrial (2006) en el que mostró el último proceso de cambio del pueblo de Sestao, el fin de una época que dio forma a una ciudad omnipresentemente industrial y a sus habitantes. Es fondo del Museo de Las Encartaciones.

Miembro de Kolektibo Garage Lux con quien realiza Confluencias en formato libro y audiovisual, y afterWALL, una intervención urbana fotográfica.

Actualmente está trabajando en la edición de un trabajo sobre Bielorrusia, como apoyo a las asociaciones que facilitan la acogida temporal de niños de aquel país afectado por Chernobil. Y realizando una serie amplia sobre espacios en desuso, lugares donde hubo actividad humana, bien como vivienda, lugar de trabajo u ocio; que añaden al documento la idea de provisionalidad.



Referencias



Libros

  • Pasiegos. Siglo XXI, 2011.
  • Viviendo en Sestao, 2006.
  • Meagintza irudietan / Imágenes de la minería, 1998.

jueves, 14 de marzo de 2019

Estela de Castro

Estela de Castro es una fotógrafa española (nacida en Madrid en 1978) cuyo interés principal es el ser humano. Tiene la capacidad de entrar por un instante en el interior de la persona y mostrarla con naturalidad y aparente sencillez.


Oriol Maspons © Estela de Castro

Oriol Maspons © Estela de Castro


Biografía

Estela de Castro decidió ya con 12 años que iba a ser fotógrafa y desde entonces la fotografía ha marcado su vida. Con 16 años comenzó a formarse en la escuela de fotografía Look donde pasó 7 años realizando cursos de retrato, fotografía de autor, moda, publicidad y técnico de laboratorio en b/n entre otros. También trabajó un año como asistente de fotógrafo en Ciclorama Estudios. Ha realizado distintos talleres de formación fotográfica con Oscar Molina, Javier Vallhonrat, Valentín Vallhonrat y Eduardo Momeñe.

En 2005 hizo su primera exposición individual en la galería de arte Las tres Ranas de Mérida. Participó en la exposición colectiva Nómadas que se expuso en varias salas y museos nacionales, como el Museo Abierto de Mérida y el Museo de la Ciudad de Carmona, Sevilla. En 2008 realizó el proyecto Mi Hermano, sobre su proceso hospitalario debido a una enfermedad neurodegenerativa, que se proyectaría en el festival Traffic de Barcelona y en numerosos festivales nacionales e internacionales.

Pero su tema principal es el retrato, tanto editorial por encargo para las revistas como Esquire, Forbes y Tapas, como  trabajo personal, donde Estela tiene la capacidad de entrar por un instante en el interior de la persona y mostrárlo con naturalidad y aparente sencillez. Ejemplo de ello es su serie Fotógrafos, donde retrata con luz natural a los mas importantes fotógrafos españoles en la intimidad de su casa y realiza una pequeña entrevista en video. Las fotografías de esta serie nos muestran a Ramón Masats, Rafael Sanz Lobato, Joan Colom, Chema Madoz, Eduardo Momeñe, Miguel Trillo, Alberto García Alix, Carlos Pérez Siquier, Manolo Laguillo, Tony Catany, Leopoldo Pomés, Joan Fontcuberta, Eugeni Forcano, Colita, Oriol Maspons, Cristina García Rodero, Alberto Schommer, ...

Desde hace más de dos años utiliza la fotografía de manera activista para luchar por los derechos humanos y de los animales en la guerra de Siria a través de su proyecto Phes y lucha contra el especismo a través de su proyecto Zoocosis, para el que lleva más de dos años visitando diferentes zoos para denunciar el encierro que viven los animales.

En 2012 obtuvo la Beca del Seminario de Fotografía y Periodismo de la Fundación Santa María de Albarracín. Ha participado en la sección oficial de Photoespaña en 2014 en la sala Tabacalera con su proyecto Fotógrafos, también expuesto en el CAF de Almería, en el festival Revela-t en Barcelona y en Granada Eclipsa.

Ha mostrado su trabajo: Zoocosis, 35.597, 33.293, Interpretaciones, … en distintos festivales como Sevilla Foto, Traffic, Emulsión Sur, GetxoFoto y Engranaje y en exposiciones tanto individuales como colectivas.

Dirige el proyecto Phes “Fotografía Española Solidaria”. Ha impartido clases en la Escuela de Fotografía Efti y en el Centro Universitario de Artes TAI de Madrid. También imparte numerosos talleres de retrato a nivel nacional.



Referencias



Libros

  • Fotógrafos (catálogo), 2014.
  • 33.293 (fotolibro, Proyecto PHES).

miércoles, 13 de marzo de 2019

Emma Hardy

Emma Hardy es una fotógrafa inglesa que compagina su trabajo comercial en digital, con un trabajo personal en película donde capturar con una gran facilidad los matices de la vida cotidiana, fascinada por el comportamiento de las personas, con sus tensiones e interacciones.



© Emma Hardy


Biografía

Emma Hardy se formó inicialmente como actriz y estudió teatro en la Universidad de Bristol desde 1981 hasta 1983. Sin embargo, en el año 2000, comenzó un curso de fotografía en el Suffolk College. Aunque no completó sus estudios por  una lesión, se ha convertido en una fotógrafa respetada. Su producción está mayoritariamente basada en el retrato, con una gran facilidad en capturar los matices de la vida cotidiana, fascinada por el comportamiento de las personas, sus tensiones e interacciones.
 
Emma, ​​principalmente autodidacta, prefiere trabajar con luz natural, intentado no imponer demasiada técnica o demasiado de sí misma en sus temas. Sus retratos íntimos incluyen a Tilda Swinton, Natalia Vodianova, Noomi Rapace, Michael Fassbender y Stella McCartney, entre otras.
 
Aunque Emma dispara digitalmente para clientes comerciales, prefiere utilizar películas para su trabajo personal. Su lista de clientes incluye a Aigle, Airbnb, Vogue, Bloomberg, Bumble & Bumble, Canon, EF, EMI, The Fader, Facebook, Honda, Intelligent Life, Interview Russia, J Crew, The Lab Magazine, Matches Fashion, Monocle, New York Times, Paul Smith, Port, Porter Magazine, Radley, Rolling Stone, SKY, The Telegraph Magazine, Time, Toast, Travel & Leisure, Vanity Fair, V Magazine, W Magazine, Wall Street Journal.


Referencias


martes, 12 de marzo de 2019

Javier Ramírez Limón

Javier Ramírez Limón fue un fotógrafo, educador y comisario mexicano (nacido en Hermosillo, Sonora, en 1960, fallecido el 4 de diciembre de 2018 en París) figura importante en la fotografía artística y contemporánea de México.


© Javier Ramírez Limón

© Javier Ramírez Limón



Biografía

Javier Ramírez Limón estudió fotografía en México y Nueva York. Ha exhibido su trabajo en bienales y festivales e impartido talleres y conferencias, al mismo tiempo que ha realizado labores de comisariado.

Como fotógrafo, Ramírez Limón ha expuesto su obra en Alemania, Austria, Estados Unidos, Polonia, México y varios países de América Latina. En el 2009 obtuvo el Start up Award, premio que otorga el Museo de Arte Contemporáneo de San Diego (MACSD) a un artista destacado de la región fronteriza México-Estados Unidos. Con este motivo expuso en MACSD: Mexican Quinceañera y From Altar to Sasabe.

Su obra forma parte de la colección del MACSD, la Colección de Fotografía Contemporánea del Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro, Fundación Cultural Televisa, el Museo de Arte de Sonora, el Instituto Sonorense de Cultura y diversas colecciones particulares. En 2002 obtuvo la beca del Sistema Nacional de Creadores del FONCA.

Sus principales exposiciones han sido  Muestra de Fotografía Latinoamericana en Ciudad de México en 1996, Fotofest en Houston en 1998, Encuentros Abiertos de Fotografía en Buenos Aires en 2000, Fluss en Viena en 2000, Visions: Contemporary Mexican Photography en Nueva York en 2001, In this place en Nueva York en 2004, Viva Mexico en Varsovia en 2007, Laberinto de miradas en Ciudad de México en 2008, Proyecto Cívico en Tijuana en 2008, Visiones de México en Valencia en 2008, Subvision Kunst Festival Off en Hamburgo en 2009, Tara en Hermosillo en 2012, After Álvarez Bravo en Madrid en 2013, Future timeline, Tj in China en Tijuana en 2015, ...
 
Como educador, creó en 2011 el Programa de Fotografía Contemporánea (PFC), modelo educativo que se ha implementado en diversas ciudades mexicanas. En 2014, junto al artista visual Gabriel Boils Terán, creó la Bienal Nacional del Paisaje. Fue responsable de 1998 a 2002 de la coordinación educativa del Centro de la Imagen en Ciudad de México. En el 2000 desarrolló un programa de enseñanza fotográfica en la Escuela-Albergue Tribu Pápago en Sonora. De 2007 a 2009 tuvo a su cargo el Programa de Profesionalización Artística del Centro Cultural Tijuana (CECUT)

Como comisario, junto al también comisario y artista visual Sergio de la Torre, desarrolló una investigación curatorial sobre la última década de la fotografía en México, proyecto expositivo presentado en 2015 con el nombre Existe lo que tiene nombre. Fotografía Contemporánea en México, con el apoyo de The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts. Es colaborador de PhotoEspaña, el Festival SCAN de Tarragona y responsable de la Tierney Fellowship para el Norte de México.  Colaboró con el Museo de Arte de Sonora en diversos proyectos expositivos.
 

Referencias



Libros

lunes, 11 de marzo de 2019

Darren Harvey-Regan

Darren Harvey-Regan es un artista inglés (nacido en Exeter en 1976, vive y trabaja en Londres) cuyo trabajo media entre la fotografía y la escultura, explorado de manera auto reflexiva las convenciones del objeto artístico y abarcando la  convergencia de los géneros: abstracto, paisaje y naturaleza muerta, a menudo mirando hacia las líneas y curvas propias de la naturaleza, para crear mundos puramente abstractos con dimensiones mixtas y contornos limpios.


© Darren Harvey-Regan

© Darren Harvey-Regan


Como medio dependiente de cómo el mundo natural se le muestra ¿puede una fotografía ser verdaderamente abstracta? Sin embargo, ¿qué proceso es más abstracto que el colapso de masa, profundidad y tiempo en una sola superficie?


Biografía

Darren Harvey-Regan se consideraba un fotógrafo de paisajes, hasta que se apuntó al Royal College of Art, donde se graduó con un master en fotografía en 2010.

Le había interesado la idea de que "paisaje" era una especie de término construido, que denotaba una forma de mirar más que un objeto existente, hablando de la perspectiva de una cosa en particular. Trabajó con múltiples exposiciones para dar la impresión de un objeto existente, pero al examinarlo más de cerca, el espectador se daría cuenta de que estaba mirando un espacio construido. Comenzó a trabajar con taxidermia y animales, siguiendo un concepto similar de que las ideas y el lenguaje sobre los animales son siempre desde una perspectiva humana. Hacia el final de su época en la Royal College of Art comenzó a hacer un trabajo que enfatizaba la fotografía como un objeto material, en desacuerdo con la imagen que representaba. En los próximos años se centró en tres ideas principales: el objeto original que fotografiaba, el material de la propia fotografía y luego la imagen en sí misma. La parte visual del esfuerzo es reunir estas tres cosas en encuentros complementarios extraños o inusuales. Posteriormente se interesó más en el aspecto escultórico de hacer algo, con la única intención de fotografiarlo.

Darren ha mostrado su trabajo en varias exposiciones y publicaciones internacionales y su obra forma parte de la colección de fotografía permanente del Victoria and Albert Museum. Después de exposiciones individuales en Pisa, Ámsterdam, Londres y Exeter en los últimos años, su exposición más reciente, The Erratics, se presentó en la Copperfield Gallery, Londres, y ha formado parte de la exposición MAC International en Belfast.

The Erratics contiene  trabajos fotográficos y de escultura comprometidos en una discusión convincente entre la forma y la abstracción. En geología, una "errática" se refiere a una roca que difiere de su entorno nativo, ya que ha sido transportada y depositada allí por un glaciar desaparecido. The Erratics comenzó como una serie de fotografías de gran formato en el desierto egipcio, capturando monolitos de la manera más objetiva posible. Estas imágenes fueron seguidas por meses de meticulosa talla y fotografía de rocas de creta en el estudio. El proyecto combina estos conjuntos de imágenes en un nuevo trabajo de texto de Harvey-Regan que explora cómo los procesos y las preocupaciones dentro del trabajo se pueden expresar y dar forma a través del acto de escribir.




Referencias



Libros