lunes, 31 de diciembre de 2018

Gillian Laub

Gillian Laub es una cineasta y fotógrafa estadounidense (nacida en 1975 en Chappaqua, Nueva York) conocida por sus retratos documentales de familias, amigos y desconocidos, en los que busca una comprensión más profunda de la familia y la tribu en todas sus formas.

© Gillian Laub

© Gillian Laub

Biografía

Gillian Laub se graduó en la Universidad de Wisconsin-Madison con una licenciatura en literatura comparada antes de estudiar fotografía en el International Center of Photography, donde comenzó su amor por contar historias visuales y narrativas familiares.

Su primer libro monográfico fue Testimony. Este proyecto comenzó como una respuesta a la cobertura de los medios de comunicación durante la segunda Intifada en el Medio Oriente, en un deseo de crear un diálogo entre enemigos aparentes. Este trabajo se compone de retratos y testimonios de judíos israelíes, árabes israelíes, libaneses y palestinos, todos ellos directa e indirectamente afectados por el complicado contexto geopolítico en el que vivían.

Ha pasado más de una década trabajando en Georgia explorando temas del racismo persistente en el sur de Estados Unidos, a consecuencia de una carta de una chica blanca que no podía llevar a su novio negro al baile de graduación. Laub realizó un retrato que va desde el comienzo de los segregados a la escuela secundaria de Mount Vernon en 2002 hasta su primer baile de graduación en 2010. Una visión de más de una década en la vida de los habitantes de esta pequeña localidad rural, un lugar donde se podía ver a mujeres vistiendo camisetas de la bandera confederada. Este trabajo se convirtió en su primer largometraje documental, Southern Rites, que se estrenó en HBO en 2015, y dio lugar a la monografía Southern Rites y a una exposición itinerante utilizada en una campaña de divulgación educativa en escuelas e instituciones de todo el país.

Este libro fue nombrado uno de los mejores fotolibros de 2015 por TIME, Smithsonian, Vogue, LensCulture y American Photo. También fue nominado para los premios Lucie y Humanitas.

Gillian ha sido entrevistada en NPR, CNN, MSNBC, Good Morning America, Times Talks, …  Su trabajo ha sido ampliamente publicado (TIME, The New York Times Magazine, …) y exhibido e incluido en las colecciones de museos como Harvard Art Museums en Cambridge, Museum of Fine Arts de Houston, Terrana Collection de Boston, Jewish Museum, Rose Art Museum, Brandeis University y Brooklyn Museum en Nueva York, Corcoran Gallery of Art en Washington DC,  y de una amplia gama de colecciones públicas y privadas.

Entre sus reconocimientos podemos citar las becas Aaron Siskind y Jerome Foundation Grant. Fue seleccionada para la clase magistral Joop Swart de World Press Photo en 2003 y consiguió el premio Nikon's Storyteller Award por su trabajo en Oriente Medio y en 2007 el premio al artista emergente de Aperture. Actualmente vive en Nueva York y está representada por la galería Bonni Benrubi.

Referencias

Libros

domingo, 30 de diciembre de 2018

Mabel Jover

Mabel Jover es una profesora y fotógrafa española (vive en Valencia) cuya fuente de inspiración es la naturaleza, desarrollando principalmente fotografía de paisaje y de viajes.  Su interés es saber aislar del conjunto visual una composición creativa, desarrollando una fotografía artística e investigar nuevas formas de interpretación visual.

© Mabel Jover

© Mabel Jover

Biografía

Mabel Jover Atienza comenzó con la fotografía cuando tenía vivencias que quería que perduraran en su memoria, luego ésta le acompañó en sus viajes y, actualmente, es en la naturaleza con la fotografía de paisaje cuando disfruta con esta afición. Vive en Valencia y es en esta comunidad donde realiza la mayor parte de su trabajo fotográfico, recorriendo sus costas y Parques Naturales.

Comenzó con su afición por la fotografía con  una sencilla máquina compacta, pero poco a poco fue aprendiendo y dedicándole tiempo y mas tiempo, formándose e invirtiendo en equipo, dominando la técnica y haciendo buenos amigos. Su trabajo actual se fundamenta en el dominio de una técnica fotográfica depurada, que la imagen salga prácticamente terminada de la máquina, evitando la manipulación digital de la misma..

Ahora la fotografía es una pasión que le enseña a mirar el mundo que le rodea de otra forma, que le acerca a la naturaleza y a las personas, y siente la necesidad de crear y mostrar sus imágenes como una forma de expresión personal, que hablen de ella, de sus sentimientos y reflexiones. También le gusta utilizar exposiciones múltiples para crear abstracciones, texturas o patrones, creando juegos visuales que atrapen la mirada del espectador. Sus series más recientes son proyectos más personales, como Bosquejados en la que muestra el laberinto de la vida en el caos visual del bosque, y Apariencias donde pretende a través de una doble lectura reflexionar sobre la identidad personal.

Es profesora de Geografía e historia en un instituto de Educación Secundaria, donde también imparte un taller de fotografía digital, con el objetivo de fomentar la creatividad en los adolescentes y despertar en ellos la pasión por la fotografía.

Referencias

sábado, 29 de diciembre de 2018

Heinrich Riebesehl

Heinrich Riebesehl fue un profesor y fotógrafo alemán (nacido el 9 de enero de 1938 en Lathen/Ems, fallecido el 31 de octubre de 2010 en Hanover) que tuvo una gran influencia en la fotografía artística contemporánea alemana. Su serie de paisajes agrícolas del norte de Alemania en la 2ª mitad de los 70 le valió ser considerado como uno de los primeros exponentes alemanes del estilo documental.

HeinrichRiebesehl

© Heinrich Riebesehl

Biografía

Heinrich Riebesehl tuvo su primer contacto con la fotografía durante sus años escolares. Después de un aprendizaje como farmacéutico, estudió fotografía de 1963 a 1965 en la Folkwangschule für Gestaltung en Essen con Otto Steinert y Erich vom Endt.

Interrumpió sus estudios por un conflicto con Steiner, y trabajó como asistente de fotógrafos hasta que comenzó a trabajar como fotoperiodista en 1967 en Hannoversche Presse y en 1968 se unió al personal docente en La Fachhochschule de Hannover.

Sus series más conocidas, junto a la ya comentada de paisajes agrícolas del norte de Alemania que le valió el Premio de Bellas Artes Bernard Sprengel en 1981, son:

  •  Gesichter (Caras), retratos de rostros de amigos y desconocidos contra un fondo neutro, 
  • Menschen im Fahrstuhl (Personas en el ascensor) realizada en 5 horas y media en el ascensor de Neue Hannoversche Presse retratando con su cámara de pequeño formato equipada con un gran angular y disparador de cable, más o menos oculta, a las personas que subían en él, presentando una sección transversal de todos los estratos sociales de la editorial,
  • Lokomotiven (Locomotoras) fotografías de máquinas de tren.

En 1972, junto con otros fotógrafos, fundó la Spectrum Photogallery, que dirigió hasta 1992. Completó sus estudios con Steinert en 1973, y compaginó su labor docente (enseñó en la Fachhochschule desde 1984 hasta 1997) con el comisariado y su propia obra con la que consiguió numerosos premios y se mostró en numerosas exposiciones en grupo y en solitario. Evolucionó desde las cámara de 35mm en su´época de fotoperiodista, al formato medio y luego al gran formato. En 2004, el Sprengel Museum de Hanover, depositario de su archivo desde 2000, presentó una retrospectiva completa de su obra.

Referencias

Libros

  • Menschen im Fahrstuhl / People in the Elevator, 2016.
  • Heinrich Riebesehl: Fotografische Serien, 1963-2001, 2004.
  • Heinrich Riebesehl – Agrarlandschaften, 1979 y 2002.
  • Heinrich Riebesehl. Bahnlandschaften, 1997.
  • Heinrich Riebesehl, 1986.
  • Heinrich Riebesehl. Situationen und Objekte. Eine Monografie, 1978.

viernes, 28 de diciembre de 2018

Madame Peripetie

Sylwana Zybura, alias Madame Peripetie, es una directora artística, estilista y fotógrafa polaca (vive en Alemania) que utiliza accesorios de estilo elaborados y su cámara para crear imágenes sorprendentes y potentes. Su enfoque principal es la creación de un diseño de personajes con elementos surrealistas y abstractos, inspirados en el cuerpo híbrido contemporáneo, su belleza sublime y su estudio en relación con la moda y el diseño. Su objetivo es crear una interacción entre el cuerpo como escultura, lenguaje y experimentación conceptual, unido con una explosión de texturas, colores y formas.

© Madame Peripetie

© Madame Peripetie

Mi mundo se compone de muchos elementos surrealistas y extraños que siguen regresando. Nunca me interesó representar la realidad tal como es: el escapismo y el pensamiento híbrido interdisciplinario siempre me han fascinado. Colores saturados y espacios oscuros, trajes fabulosos, personajes extraños, historias extravagantes e ideas inexplicables. Estos son los elementos que me hipnotizan cada vez que planifico un nuevo proyecto fotográfico. Un poco de misterio y abstracción son muy importante.

Biografía

Madame Peripetie es el seudónimo de Sylwana Zybura, una directora de arte, estilista y fotógrafa polaca que lleva al límite la moda, la escultura y la anatomía humana a través de distintos recursos como son decorados, maquillaje, elementos textiles y colores. Las fotos que hace son increíbles y a menudo un tanto inquietantes. La fantasía y los detalles surrealistas están siempre presentes en su obra, lo cual refuerza el profundo proceso creativo y de producción que conlleva crear cada imagen. Sus inspiraciones son el surrealismo, dadaísmo, así como la estética new wave de los 80, la escena post punk británica y el teatro vanguardista de Robert Wilson.

Peripetie ha logrado crear un estilo propio gracias a su indiscutible creatividad y a su capacidad de integrar en fotografías la esencia de las prendas de alta costura en un mundo surrealista, dónde la imaginación es la protagonista. Su trabajo más representativo por el momento es Dream Sequence, un hermoso libro de fotografías surrealistas, “una serie que trata de iluminar las fantasmagorías de ensueño en las que desaparecemos por la noche, creando personajes que irradian una sensación de temor y reverencia eterna” y que cuenta en su haber con premios como el Double Gold en el PX3  de París en 2011 o el International Photography Awards 2013 de Nueva York.

Sus creaciones han sido publicadas en prestigiosas revistas de moda como neo2, kinki, H,indie, Lab, glass, depesha N.Y., British journal of photography, Digital photographer UK, y muchas otras.

Referencias

Libros

  • Landscapes Between Eternities, 2018.
  • See yourself X (SYX), 2017.
  • Behind collections, 2015.
  • Super-modified, 2015.
  • CITIx60 city guides. London, 2014.
  • Dream sequence, 2014.
  • Palette 05: pastel. New light-toned graphics, 2014.
  • DIY fashion shoot book - We are photogirls, 2014.
  • Fast forward: Fashion. Where fashion defies function, 2011.
  • Mastermind: art direction, fashion styling, and visionary photography, 2011.
  • Not a toy. radical character design in fashion and costume, 2011.
  • Doppelgänger. Images of the human being, 2011.

jueves, 27 de diciembre de 2018

Valery Melnikov

Valery Melnikov es un fotógrafo ruso (nacido en Nevinnomyssk, vive en Moscú) que ha dedicado su vida al periodismo y que continúa creando imágenes increíbles en los lugares peligrosos del mundo para que las personas las vean y se conviertan en parte de esos eventos documentados.

ValeryMelnikov

© Valery Melnikov

Biografía

Valery Melnikov estudió periodismo en Stavropol, Rusia. Su carrera fotográfica comenzó cuando comenzó a trabajar para el periódico The North Caucasus. Durante diez años fue fotógrafo en plantilla de la editorial Kommersant y, también fue colaborador un tiempo de freelance para la agencia de noticias AFP y  desde 2009, de la agencia internacional de noticias Rossiya Segodnya.

Se ha dedicado a documentar la vida política y social de las sociedades en conflicto. Ha cubierto la guerra de Chechenia,  la toma de rehenes por terroristas en Stavropol y en Beslan, el conflicto entre Georgia y Osetia del Sur, la guerra del Líbano en 2006, el levantamiento de la República de Malí, la guerra en Siria. Cuando no está en las asignaciones de trabajo, Valery ejecuta múltiples proyectos independientes y exposiciones de sus imágenes que trae de esos viajes.

En 2014, Valery comenzó a documentar la guerra en el este de Ucrania. Este trabajo continúa en su actual proyecto en curso, Black days of Ukraine, sobre personas civiles normales que se convirtieron en participantes de la confrontación militar contra su voluntad. Por estos trabajos ha recibido muchos e importantes premios, como World Press Photo, Magnum Photography Awards, Pictures of the Year International, Sony World Photography Awards, LensCulture Visual Storytelling Awards, The Prix de la Photographie PX3, …

Su trabajo se ha expuesto en Francia, Austria, Italia, Estados Unidos, Alemania, Reino Unido, Rusia, …

Referencias

miércoles, 26 de diciembre de 2018

Mark Gray

Mark Gray es un fotógrafo australiano (nacido el 20 de febrero de 1981 en Melbourne) conocido por sus fotografías panorámicas de paisajes, tanto de Australia como en otros lugares. Su estilo característico de usar luz natural para capturar colores vibrantes lo ha llevado a convertirse en uno de los fotógrafos más aclamados de Australia.

Craigs Hut © Mark Gray

Craigs Hut © Mark Gray

Biografía

Mark Gray nació en Melbourne, de padres de herencia letona, inglesa e irlandesa. En su adolescencia pintó grafitis a lo largo de líneas ferroviarias y paredes vacías de Melbourne, una experiencia en la mostró sus conocimientos de color, composición y técnica artística. Después de estudiar multimedia en la Swinburne University of Technology en Wantirna   trabajó siete años a tiempo completo como diseñador web.

Su interés juvenil por el arte del grafiti, la música electrónica y la tecnología digital se interrumpió una noche cuando fue asaltado seriamente en la calle, y tras un tiempo en un hospital y una operación en su cráneo, Gray cambió a un estilo de vida más tranquilo, al amor por la naturaleza y más tarde a una pasión por el arte de la fotografía.

En esa época conoció a la mujer que pronto se convertiría en su esposa, Suzy Baryczka, y comenzaron a viajar juntos a zonas tranquilas. En una de estas excursiones, en Apollo Bay, en la costa sudoeste de Victoria, se levantó temprano una mañana y fue testigo de un amanecer espectacular, que fotografió con una gran decepción con los resultados. Así que comenzó a investigar a fotógrafos y cómo capturaban sus imágenes. Especialmente a Ken Duncan.

Y lo ha hecho muy bien. Gray es conocido por la espectacular luz natural en sus fotografías. Vuelve a visitar el mismo lugar, a veces hasta 20 veces, para conseguir la luz favorable. Algunas de sus fotografías han tardado años en capturarse, como su fotografía Craig's Hut que le hizo realizar tres años de visitas repetidas al monte Stirling de Victoria antes de conseguir la escena perfecta que estaba buscando.

Sus panorámicas están realizadas con cámaras panorámicas de medio formato (Fuji G 617, Fuji GX 617 y finalmente la Linhof 617 S III) con diapositiva Fuji Velvia que escanea, y las que que no lo son con cámaras digitales, como la Nikon D800E

En 2005, Gray estableció su primer negocio, Australian Landscapes, que luego cambió a Mark Gray Fine Art Landscape Photography. Su primera galería la estableció en 2011 en Merimbula, Nueva Gales del Sur, y un año más tarde abrió la segunda en Mornington, Victoria.

Gray también realiza talleres de fotografía en Australia y otros lugares. En 2012 sus fotografías Craig's Hut y Reef Dreaming se utilizaron para mostrar las cinco principales vistas de Australia, votadas por un panel de jueces de la revista Australian Traveler. Con una lista creciente de 169 premios internacionales, el trabajo de Mark se ha vendido y se colecciona en todo el mundo. Sus fotografías han aparecido en televisión en horario estelar y se publican regularmente en libros, revistas, periódicos, calendarios, ...

Referencias

martes, 25 de diciembre de 2018

Amber Bracken

Amber Bracken es una fotógrafa canadiense (vive en Edmonton, Canadá) cuyos proyectos tratan principalmente de mostrar cómo las comunidades nativas de América del Norte están cada vez más facultadas para luchar por una relación más justa con los gobiernos y las personas no nativas, mientras documenta los problemas relacionados con la cultura, el medio ambiente y los efectos del trauma intergeneracional de la colonización.

Two nations - Veterans carry an American and a Mohawk Warrior Society flag through the storm. The Mohawk flag came to prominence during the 1990 Canadian Oka Crisis, when the military confronted indigenous people in a major armed conflict for the first time in modern history. Camp is dedicated to stopping the Dakota Access Pipeline (DAPL) "in a good way" but there is some fear history will repeat itself, again.

© Amber Bracken

Biografía

Amber Bracken, después de comenzar su carrera fotográfica como miembro del personal del Edmonton Sun, trabaja de forma freelance en proyectos a largo plazo.

Ha realizado proyectos para National Geographic, The New York Times, The Globe and Mail, BuzzFeed, The Wall Street Journal, Maclean's y Canadian Geographic.

En su trabajo personal, su foco está en la intersección de la fotografía, el periodismo y el servicio público, con un enfoque especial a los problemas que afectan a los pueblos indígenas de América del Norte. Su interés por la justicia social le llevó a comenzar a fotografiar las comunidades indígenas de Alberta, su provincia natal en Canadá. Llegó a ver que la historia de la colonización era un hilo común que unía los problemas experimentados por los pueblos indígenas, una realización que a su vez le llevó a explorar el asentamiento de su propia familia en tierras que alguna vez pertenecieron a los nativos.

También documentó la oposición a la Dakota Access Pipeline, un proyecto diseñado para transportar petróleo producido por fracking del esquisto Bakken en Dakota del Norte, en la que cientos de tribus de nativos americanos comenzaron a reunirse en el campamento de Standing Rock en oposición a la construcción del oleoducto. Este proyecto, para el que realizó cuatro viajes en seis meses, tenía el objetivo de mostrar la lucha por los derechos a la tierra y la soberanía que han gobernado durante mucho tiempo la difícil situación de la libertad de estas comunidades.

Amber es miembro del colectivo canadiense de fotografía Rogue Collective, y ha obtenido los siguientes premios:

  • 2018
    • ICP Infinity Award: Documentary and Photojournalism.
    • Anja Niedringhaus Courage in Photojournalism Award, Honourable Mention.
    • Magenta Foundation Flash Forward Emerging Photographer.
  • 2017
    • Lens Culture Exposure Awards, Jurors' picks.
    • PDN Photo Annual, The Marty Forscher Fellowship.
  • 2016
    • World Press Photo, Contemporary Issues Story, 1º.
    • POYI, Issue Reporting Picture Story, 1º.

Referencias

lunes, 24 de diciembre de 2018

Andy Hatton

Andy Hatton es un director, cineasta y fotógrafo (vive en Melbourne, Australia) cuyo trabajo se caracteriza por su estilo documental con una sensación cinematográfica. Trabaja tanto en color como en blanco y negro y busca retratar la belleza y la energía que se encuentran en la vida cotidiana.

AndyHatton

© Andy Hatton

Biografía

Andy Hatton es un fotógrafo que encontró su nuevo hogar en Australia, Melbourne, donde realiza la mayor parte de su trabajo, pero para capturar momentos y hacerlos eternos puede viajar a todo el mundo.

Es un fotógrafo profesional muy versátil. A pesar de que le encanta capturar los momentos cotidianos y hacerlos especiales, ha trabajado en casi todos los campos: moda, deportes, publicidad, eventos musicales en vivo, comida, ... La versatilidad le da la oportunidad de crecer y abrirse a una gama de diversas oportunidades que serán beneficiosas en el futuro.

Sus proyectos personales están siempre en marcha y lo han ayudado a definir un estilo propio que aplica y adapta para trabajar en casi cualquier género. por su estilo documental con una sensación cinemática

Tiene su propio estudio, Studio Aton, que trabaja en fotografía, película, música y diseño. Está representado por Union Management. Su trabajo ha sido mostrado en diversas exposiciones por Australia. En los premios al Fotógrafo Emergente del Año de Australia en 2011 fue considerado uno de los mejores fotógrafos publicitarios.

Referencias

domingo, 23 de diciembre de 2018

Carla Andrade

Carla Andrade es una artista visual gallega (nacida en 1983 en Vigo, donde vive actualmente) que utiliza fotografía, video y cine para realizar su trabajo en el que no establece ninguna narrativa, hablando de temas muy universales que se podrían resumir principalmente en dos: el tiempo y el vacío.

© Carla Andrade

© Carla Andrade

Biografía

Carla Fernández Andrade comenzó haciendo fotos de forma amateur, con el único afán de generar su propio lenguaje-realidad ... hasta que decidió realizar su primer proyecto con una cierta coherencia … Se licenció en Comunicación Audiovisual en la Universidad de Salamanca en 2006 y actualmente es estudiante de Filosofía por la UNED en Madrid.

Su trabajo no pretende contar nada en concreto, no establece ninguna narrativa y habla de temas muy universales que se podrían resumir principalmente en el tiempo y el vacío. Estos conceptos aluden a los límites de la realidad: el tiempo es parámetro del cambio, el vacío es el límite máximo en la rarificación de la materia, su ausencia. Le interesa el hecho de la carencia de límites de lo visible, que incluye y excluye al mismo tiempo al hombre que ve y ve siempre que lo están abandonando.

Todo su trabajo es una investigación, no da respuestas, abre vías especulativas. Se acerca a lo incuantificable y a lo no racional, a lo poético y a la experiencia estética, plasmada principalmente en paisaje, que le interesa por lo que tiene de inconsciente, como una vuelta a los orígenes, a nuestro yo natural, lo primitivo. Representa el estado salvaje del la mirada, para así dejar de lado la racionalidad discursiva.  Además, al ser un elemento desposeído del ser humano, se torna un misterio en si mismo. Ser un misterio lo hace transcender, ya que supera lo estrictamente inmanente.

Le encanta la fotografía y no piensa en dejarla pero su idea ahora es experimentar con otros medios, en este caso el vídeo, en el que ha trabajado colaborando en diversos proyectos y ha dado el paso de hacer los suyos propios. Y en el futuro le gustaría poder salirse de los límites del cuadro que impone una imagen fotográfica o una pantalla.

Ha expuesto de forma individual en el MAC de A Coruña, el Colegio de España en París, Galería Trinta en Santiago de Compostela, el CDAN en Huesca, La Casa das Artes en Vigo, la Fundación BilbaoArte y la Fundación FIArt en Madrid, entre otros. De forma colectiva, su trabajo se ha mostrado en centros de arte contemporáneo como el Museo Guggenheim de Bilbao, el MARCO de Vigo, el Museo del Traje de Madrid, el 104 EN Paris, el CGAC en Santiago de Compostela, … y en festivales de fotografía y de cine como PhotoEspaña, el Mois de la Photo (París), Encontros da Imagem (Portugal), Festival Internacional de Fotografía de Granada, … y en galerías e instituciones de países como EE.UU, Brasil, Chile, Rumanía, Suecia, Alemania, Reino Unido, Francia y Portugal.

Entre sus premios destacan el Primer Premio de Artes Plásticas 2013 de la Universidad Complutense de Madrid, Premio de Fotografía Comunidad de Madrid SUMMA 2015 (accésit), entre otros.

Ha realizado residencias artísticas en Islandia, Suecia, Bilbao, La Rioja, Nepal, Chile y París. Ha sido becada con las Ayudas a la Creación Joven de Injuve, la Fundación BilbaoArte, VEGAP y Becas de Creación Artística en el Extranjero de Gas Natural Fenosa. Además, su trabajo fotográfico y de cine ha formado parte de múltiples publicaciones y festivales tanto nacionales como internacionales.

Referencias

sábado, 22 de diciembre de 2018

Israel Ariño

Israel Ariño es un fotógrafo catalán (nacido en 1974 en Barcelona) que reparte su tiempo entre la docencia, el trabajo de editor en Ediciones Anómalas y la producción de obras personales, en las que trata de un modo exquisito la relación entre las personas y el territorio y que están presentes en numerosas colecciones públicas y privadas, exponiéndose regularmente en España y sobre todo Francia.

IsraelArino

© Israel Ariño

Biografía

Israel Ariño se licenció en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona donde estudió grabado y escultura. Cursó estudios de fotografía en diversas escuelas, principalmente en el Institut d’Estudis Fotogràfics de Catalunya (IEFC), entre 1992 y 1998 y complementó su formación con diversos talleres (Manel Esclusa, Juan Manuel Castro Prieto, Llorenç Raich, Bernard Plossu, M. Szulc Kryzanowski, Pablo Ortiz Monasterio, …).

A partir de 2001 se instaló definitivamente como profesional en el campo de la imagen, repartiendo su tiempo entre la docencia, en la Facultat de Belles Arts y en otros centros especializados de Barcelona, y en la producción de obras personales.

Su trabajo se interpreta como una exploración de universos siempre desde el espectro de lo emocional. Para él, la fotografía no es otra cosa que intentar cartografiar un espacio ficcional repleto de significaciones abiertas, misteriosas y ambiguas que disminuyan la experiencia razonada y que sugieran el carácter más poético de la imagen.

A partir de 2001, empieza a exponer regularmente en España y particularmente en Francia. Entre sus exposiciones más importantes cabe resaltar: Cartographies éparses en la Box Galerie de Bruselas (2018), Le temps éparpillé 1995-2015 en l’Imagerie de Lannion y la Galerie VU de París, Le nom qui efface la couleur en el Moulin de la Filature, Le Blanc (2013), Atles i altres cartografies  en la Galeria Tagomago de Barcelona (2013), L’explorateur et les caprices du hasard en el Carré Amelot de La Rochelle (2012), Crónicas de un desembarco en el Festival Mapamundistas de Pamplona (2010) o Espacio Imaginario en la 6ème Biennale de photographie et des arts de Lieja (2008).

Ha sido invitado en distintas residencias de artista: en Diaphane / Pôle Photographique Hauts de France (2018), en la Résidence 1+2 en Toulouse (2017), en el Domaine de Kerguéhennec (2016), en el Aparté lieu d’art contemporain en Iffendic (2012), en el Carré d’art de Chartres Bretagne para el proyecto Territoires d’expériences (2012) o en la Artothèque de Vitré (2009).

En 2006, empezó a publicar libros de artista (Chambre avec vue en 2006, Otras canciones a Guiomar en 2008, Anatomía de una desaparición en 2009)  que le permiten explorar en términos visuales el potencial del libro y sus distintas narraciones. En 2012, su libro Atlas fue seleccionado para la exposición Books that are photos, photos that are books fotos en el Museo de Arte Reina Sofía de Madrid, que mostraba los libros más destacados de los últimos 5 años. En 2017, recibió el premio Arts Libris otorgado por la Fundació Banc de Sabadell por la publicación de La gravetat del lloc.

Ariño es un autor polivalente que disfruta tanto de la fotografía con diversas técnicas (entre ellas el colodión húmedo), como de la docencia y de su trabajo como editor, desde 2013, junto con Montse Puig en Ediciones Anómalas, una editorial independiente de referencia en el mundo del fotolibro español.

Está representado por la Galerie VU en Paris, Fifty Dots Gallery de Barcelona, Box Galerie en Bruselas, Tosei Gallery en Tokio y Espace JB en Ginebra.

Referencias

Libros

Libros de artista:

  • Espacio Imaginario, 2006.
  • Chambre con vue, 2006.
  • Crónicas de un desembarco, 2007.
  • Barcelona silente, 2007.
  • Otras Canciones a Guiomar, 2008.
  • Anatomía de una desaparición, 2009.
  • Images d’un monde flottant, 2010.
  • Atlas, 2012.

viernes, 21 de diciembre de 2018

Anne Sophie Costenoble

Anne Sophie Costenoble es una fotógrafa belga (nacida en 1967 en Kortrijk, vive en La Bouverie, cerca de Mons) que explora la creación fotográfica a través de ficciones íntimas y proyectos de colaboración, en Bélgica o en otros lugares.

© Anne Sophie Costenoble

© Anne Sophie Costenoble

Biografía

Anne Sophie Costenoble se acercó a la práctica fotográfica tras estudios de fisioterapia e historia del arte,  y descubrió este mundo lentamente. La asistencia a talleres y reuniones de fotografía le ha llevado a emplear una forma narrativa y poética.

En Portraits de champagne retrata diversos elementos de la vida en el campo, a en menudo primeros planos, realizando un trabajo extraordinario con sus imágenes en blanco y negro realizadas en 2009.

En L’heure Bleue, las 30 fotografías que componen la exposición nos conmueven con su sensualidad, su dulzura y su modestia y concisión, transportándonos a un mundo de apariencia de ensueño, un mundo de silencio propicio para la introspección. Sus fotografías contemplativas, como si estuvieran en desuso, mezclan momentos ordinarios y frágiles del orden de lo maravilloso y lo poético.

En Le silence de l’oiseau destila momentos comunes y frágiles, fragmentos de narrativa sin palabras (o susurradas), sin ruidos (o tan apagados, distantes), sueños despiertos de la intimidad, un conjunto de pequeñas cosas que arañan el corazón y lo llenan de una poesía singular, aparentemente atemporal.

Sus fotografías se han exhibido en Bélgica, especialmente en el Musée de la photographie de Charleroi y en el Espace Contretype en Bruselas, pero también en Francia como parte del festival de Photographes Voyageurs de Burdeos, en las Transphotographiques de Lille, en Arles, y en el Bal y en la Mep de París.

Su trabajo ha sido presentado en varios países europeos, así como en Malí (Rencontres de Bamako de 2007). Colabora con la Galería 44 y es representada en Francia por Neutral Grey.

Referencias

Libros

  • L’heure Bleue,
  • Le silence de l’oiseau, 2014.
  • Portraits de champagne.

jueves, 20 de diciembre de 2018

Venetia Dearden

Venetia Dearden es una cineasta y fotógrafa galesa (nacida en 1975 en Brecon, Gales, vive en Somerset, Inglaterra) cuyas fotografías oscilan entre las intimidades de la amistad y los lazos de parentesco, por un lado, y el paisaje más amplio, por otro, contextualizando sus temas y sugiriendo al espectador que reflexione sobre la vida en los lugares por los que se mueve.

© Venetia Dearden

© Venetia Dearden

Biografía

Venetia Dearden nació en Brecon, Gales, y creció desde los 5 años en Somerset, Inglaterra. Su madre era una apasionada de la fotografía y con 15 años realizó sus primeras clases de fotografía en blanco y negro, y fue de prácticas a África Oriental. Estudiando un master en Antropología, Religión Comparada e Historia del Arte de la Universidad de Edimburgo  se marchó a Perú donde enseñó y continuó practicando la fotografía. Durante este viaje conoció a franceses de  Perpiñán, gracias a los que participaría en el festival Visa pour l'image. Con 20 años se lanzó con fuerza a su carrera en fotografía.

Le apasiona contar historias y captar las intimidades de la amistad y la familia en película. Su objetivo es que sus proyectos combinen una narrativa fuerte y una hermosa gramática visual.

Luego realizó estudios de posgrado en periodismo fotográfico en el London College of Printing (1999-2000). Luego, de 2000 a 2004, se sumergió en el mundo del flamenco en Granada, España, lo que le permitió publicar en varias revistas. Posteriormente, se integró en misiones humanitarias, viajando a Europa, África y Asia. Durante este período, realizó dos exposiciones en Londres.

En 2005 comenzó su trabajo en Somerset, fotografiando a personas al margen de la sociedad, viviendo en remolques, en las carreteras, huyendo de la sociedad de consumo. Esta serie de fotografías fue presentada dos años consecutivos en la National Portrait Gallery y dio lugar en 2008 al libro Somerset Stories, Fivepenny Dreams.

Realizó una exposición individual de sus fotografías de 7 años de Glastonbury, el festival de música y arte más grande del Reino Unido,  en la National Portrait Gallery de Londres en 2010 y parte de estas fotografías forman parte de su colección,  y recibió el Premio Vic Odden de la Royal Photographic Society en 2011.  También en este año, comenzó un encargo de dos años de Mulberry para grabar un libro de mesa que celebraba el 40º aniversario de esta compañía.

En 2011, Venetia recibió un encargo de la marca de moda Joie para rodar cortometrajes y desde entonces ha disfrutado haciendo películas que tratan desde temas de caridad hasta comerciales. Ha sido miembro de VII Photo desde 2011 hasta 2013. Ahora está representada por Webberrepresents.com.

Referencias

Libros

miércoles, 19 de diciembre de 2018

José Sala y Sardá

José Sala y Sardá fue un fotógrafo y editor español, uno de los primeros fotógrafos que trabajaron en el Museo del Prado de Madrid.


J.Sala y Sardá, Fuente del Cisne en el Jardín del Príncipe de Aranjuez.
J.Sala y Sardá, Fuente del Cisne en el Jardín del Príncipe de Aranjuez.



Biografía

José Sala y Sardá fue de los primeros fotógrafos que trabajaron en el Museo del Prado. Fruto de su trabajo como fotógrafo del museo de 1850 a 1860 es su publicación Tesoro de la escultura: colección gráfica de las mejores obras del Museo y fuera de él, cuatro volúmenes publicados entre 1862 y 1864 con prólogo del periodista y escritor Manuel Ossorio y Bernard. Las imágenes, de calidad desigual y posiblemente realizadas por Sala, Charles Clifford y su esposa Jane, van acompañadas de textos explicativos. Con esta obra se intentaba tomar la iniciativa, frente a fotógrafos extranjeros, en la difusión de las obras de arte del país. Proyectó igualmente un Museo Real de Pintura que al parecer no llegó a publicarse.

Dentro de los grandes tesoros que se custodian en la Real Biblioteca en el Palacio Real de Madrid y formando parte de uno de los capítulos más interesantes de la Real Colección de Fotografía se encuentran como un centenar de publicaciones, entre libros y folletos, ilustradas con positivos fotográficos originales del autor.

En este contexto de las Bellas Artes, y como consecuencia de las campañas emprendidas tanto por Charles Clifford como por Jean Laurent para registrar fotográficamente el patrimonio artístico de toda España, no podemos dejar de señalar el Álbum Monumental de España, compendio de la riqueza arquitectónica española publicado entre 1863 y 1868 en cinco tomos, de los que la Real Biblioteca custodia los cuatro primeros, que constituyen una de las más valoradas y raras colecciones de fotografías que se conservan sobre monumentos españoles, por iniciativa de Sala y Sardá, (el 5º sería editado por su viuda Emilia Delgado).

En esta obra cumbre de la historia de la fotografía en España se presentan 226 positivos originales del célebre Charles Clifford de los más importantes monumentos arquitectónicos españoles de la época, intercalados con textos impresos en folio imperial con un estado de conservación óptimo.


Referencias



Libros

  • Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI, 2013.
  • Libros ilustrados con fotografías originales en la Real Biblioteca, Reyes Utrera Gómez, 2008
  • Documentación y difusión de las colecciones del Museo Nacional del Prado: del catálogo de Eusebi a la Galería on-line, Javier Docampo, 2010.

martes, 18 de diciembre de 2018

Dave Heath

Dave Heath fue un fotógrafo estadounidense, humanista y documental (nacido el 27 de junio de 1931 en Filadelfia, EEUU, fallecido el 27 de junio de 2016 en Toronto, Canadá) cuyo trabajo más reconocido fue dentro de la fotografía callejera candid (no posada), expresando de forma radical el sentido de alienación y soledad inherente a la sociedad moderna.

DaveHeath

© Dave Heath

El hecho de no haber tenido una familia, un lugar en la historia que me definiese, inspiró mi necesidad de unirme a la comunidad humana. Lo hice inventándome un tipo de poesía que vincula a esta comunidad, al menos simbólicamente, en mi imaginación, a través de su forma.

Biografía

David Martin Heath recorrió en su infancia, tras ser abandonado por sus padres cuando tenía 4 años, varias casas de acogida, hasta que a los 12 años fue admitido en un orfanato de niños judíos en Filadelfia. Allí tuvo contacto por primera vez con el medio fotográfico, cuando un compañero le regaló su primera cámara y le prestó su cuarto oscuro para revelar. La fotografía se convirtió en su obsesión, uniéndose al club de fotográfico de la escuela, leyendo revistas especializadas y siguiendo con detenimiento los reportajes de Life, estudiando detenidamente su puesta en página.

Con 15 años el reportaje Bad Boy´s story (Una historia de niños malos) de Ralph Crane en Life, que documentaba la vida de un joven huérfano en Seattle, un rebelde solitario, que parecía empezar a encontrar su sitio en el mundo, fue una revelación para él, identificado con el protagonista.

En 1952 fue reclutado y sirvió en Corea como artillero, haciendo muchas fotografías de sus experiencias allí. No eran de guerra, fotografió a sus compañeros soldados, en sus momentos de descanso, creando imágenes sinceras y de recogimiento.

A su regreso, asistió brevemente al Philadelphia Museum College y luego al Philadelphia College of Art, se trasladó a Chicago para estudiar en el Instituto de Diseño de Chicago y trabajó en un laboratorio de revelado de fotografías. En 1957, se mudó a la ciudad de Nueva York y se unió al Greenwich Village Camera Club. Estudió con el innovador fotoperiodista W. Eugene Smith y fue influenciado por el tono humanista de Smith y su énfasis en la narrativa fotográfica.

Heath consiguió la fama con la exposición de 1963 (y su publicación en 1965) de su trabajo A Dialogue with Solitude, una serie de imágenes en blanco y negro que abordan el aislamiento contemporáneo, con 82 imágenes tomadas desde 1952 a 1962, y agrupadas en diez capítulos donde la soledad queda expresada a través de la anarquía, la violencia, el amor, la niñez, la vejez, la guerra, la raza, la juventud y la muerte, cada uno precedido por citas literarias de diversos autores.

Posteriormente ganó dos becas Guggenheim. En la década de los 70, después de mudarse a Toronto donde enseñó fotografía en la Ryerson University de Toronto hasta 1997. Heath comenzó a experimentar con la tecnología Polaroid y produjo una serie de trabajos narrativos bajo el título Songs of Innocence. Desde 2001 también realizó trabajos en color digital, una selección de los cuales se publicó en su libro, Dave Heath's Art Show.

Su trabajo ha sido incluido en importantes estudios e investigaciones históricas y se encuentra en numerosas colecciones públicas y privadas, como el Museum of Modern Art de Nueva York, el Art Institute de Chicago y la National Gallery of Canada en Ottawa, entre otras. En 2015, el Philadelphia Museum of Art organizó una retrospectiva de su trabajo, que se mostró posteriormente en el Nelson-Atkins Museum of Art.

Referencias

Libros

lunes, 17 de diciembre de 2018

Niels Ackermann

Niels Ackermann es un fotógrafo documental suizo (nacido en 1987 en Ginebra, vive entre esta ciudad y Kiev, Ucrania) al que le gusta mezclar arte e información objetiva, y lo consigue a través de la fotografía, que le sirve como pretexto válido para llamar a cualquier puerta que lo lleve su curiosidad, conocer a muchas personas diferentes y aprender constantemente sobre el mundo en el que vive. Con el foco puesto en la política y la fotografía social, también tiende a hacer muchos retratos y experimentos en varios campos visuales, experimentando con diferentes medios.

© Niels Ackermann

© Niels Ackermann

Biografía

Niels Ackermann es un fotógrafo documental suizo, con un trasfondo dividido entre el periodismo fotográfico y los estudios de ciencias políticas en la Universidad de Ginebra,  que trabaja para la prensa internacional desde 2007 y es miembro fundador de la agencia Lundi13. Vive desde 2015 entre Kiev, Ucrania y Ginebra, Suiza, trabajando en ambos lugares, pero son sus series documentales en Ucrania las que le han dado más popularidad.

Su primer proyecto a largo plazo, The White Angel, que documenta durante más de 3 años la transición a la edad adulta en los alrededores de Chernobyl, ofreciendo una perspectiva distinta del desastre de Chernobyl al relatar los romances de Yulia y  sus amigos en la cercana ciudad de Slavutych. Fue publicado en 2016 y recibió múltiples premios, como el premio Ville de Perpignan Rémi Ochlik en Visa pour l'Image, y los premios Swiss Press Photo y Swiss Photo Awards, y fue recogido por CNN y el blog de periodismo fotográfico Lens del The New York Times.

Su segundo proyecto, Looking for Lenin realizado junto con el periodista francés Sébastien Gobert fue publicado en inglés y en francés y se estrenó en Les Rencontres d'Arles. Trata de la eliminación de las más de 7.000 estatuas de Lenin en Ucrania.

En Suiza, ha llevado a cabo varios proyectos a largo plazo, como Genève, Sa Gueule, un proyecto desarrollado con el servicio Agenda21 de la ciudad de Ginebra, cuyo objetivo es proporcionar una visión divertida, positiva y constructiva de la diversidad dentro de esta ciudad. También ha trabajado para el New York Times en el Val de Travers.

Niels colabora regularmente con instituciones sociales, ambientales y culturales en proyectos documentales y en talleres. También da frecuentemente conferencias y talleres sobre fotografía documental, trabajo freelance y financiación de proyectos documentales.

Referencias

Libros

  • Looking for Lenin, 2017.
  • L’Ange Blanc: Les Enfants de Chernobyl Sont Devenus Grands, 2016.