viernes, 30 de noviembre de 2018

Hans Hiltermann

Hans Hiltermann es un fotógrafo holandés (nacido en 1960) que ha trabajado en el entorno publicitario para clientes nacionales e internacionales. Al mismo tiempo, ha trabajado en su proyecto personal, investigando el lenguaje minimalista en el retrato.

© Hans Hiltermann

© Hans Hiltermann

YOU trata de mi fascinación por la vida, por quiénes somos y cómo nos respondemos unos a otros. Quiero hacer que las personas sean conscientes del hecho de que todos interpretamos lo que vemos, pero que es prudente mirar más allá de nuestras primeras impresiones. Una vez que te das cuenta de esto como espectador, (YOU) dejas de hablar de los retratos, (YOU) te conviertes en ti.

Biografía

Hans Hiltermann ha trabajado como fotógrafo publicitario desde 1986, trabajando para clientes nacionales e internacionales, creando escenas elaboradas y artificiales para vender productos. A lo largo de este período, desarrolló simultáneamente su proyecto personal, una investigación del lenguaje minimalista de un retrato.

En 2002 inició su serie de retratos YOU, un documental de personas a través de retratos hiperrealistas de gente mirando directamente a la cámara. Sin maquillaje, sin joyas ni peinados. Sin sonrisa, seducción ni reacción.  Debido a esto, cada persona es reducida a su propia esencia única.

Con los años, YOU se ha convertido en un reportaje infinito, con más de 1.000 retratos de seres humanos desprovistos de sus máscaras.

  

Referencias

    Libros

    jueves, 29 de noviembre de 2018

    Adam Pretty

    Adam Pretty es un fotógrafo australiano (nacido en Sídney, vive actualmente en Múnich, Alemania) muy conocido y reputado en el mundo de la fotografía deportiva. En 2007 decidió ampliar su experiencia y comenzó a realizar proyectos publicitarios junto con su trabajo editorial deportivo. Tanto a través de sus deportes como de la fotografía publicitaria, desafía constantemente las percepciones de las personas con nuevas ideas, un elemento de su trabajo que disfruta especialmente.

    © Adam Pretty / Getty Images

    © Adam Pretty / Getty Images

    Biografía

    Adam Pretty creció en los suburbios del este de Sídney y asistió a la Sydney Boys High School, donde comenzó su interés por la fotografía y desarrolló sus primeras habilidades en el uso de una cámara. Después de la escuela, trabajó como fotógrafo independiente y comenzó su carrera finalmente consiguiendo su primer trabajo en el Sydney Morning Herald en 1997. Su deseo de especializarse en el deporte lo llevó a unirse a Allsport (actualmente Getty Images) en 1998.

    Desde que se unió al equipo de Getty Images, Adam ha trabajado en Los Ángeles, Sídney, Pekín, Tokio y Múnich donde vive actualmente. Ha fotografiado 7 Juegos Olímpicos y ha realizado encargos en todo el mundo para revistas como Time Magazine, Sports Illustrated, Life Magazine, Harpers Bazaar y Marie Claire.

    Su domino en el campo de la fotografía de acción deportiva ha sido ampliamente reconocido en todo el mundo fotográfico, formando parte del jurado del concurso World Press Photo en 2010, y siendo galardonado con numerosos e importantes premios internacionales, como 6 World Press Photo, SSF World Sports Photo Contest, Sony World Photography Award, 9 Pictures of the Year International, Kuala Lumpur International Photo Award, 4 Walkley Award, IOC Best of Sport: 1997 Silver Lens, 2 Canon AIPP Australian Professional Photographer, 5 NPPA Best of Photojournalism, ...

    Siempre buscando nuevos desafíos y experiencias en fotografía, en 2007, Adam decidió ampliar su experiencia y comenzó a realizar proyectos publicitarios junto con su trabajo editorial deportivo, trabajando para clientes como Adidas, Nike, New Balance, L'Oreal, BMW, Philips, General Motors, Coke y Sprite.

    Referencias

    miércoles, 28 de noviembre de 2018

    François Gillet

    François Gillet es un fotógrafo francés (nacido el 24 de septiembre de 1949 en Balleroy, Normandía, vive en Småland, Suecia) muy conocido por sus bodegones y por sus fotografías de niños.

    FrancoisGillet

    © François Gillet

    Biografía

    François Gillet estudió dibujo en la Ecole des Beaux-Arts de Caen. Se trasladó a Inglaterra para estudiar Lengua y Comercio en Bournemouth, realizó cursos de pintura en Bournemouth & Poole College of Art. Aunque su interés principal siempre había sido pintar, a finales de los años 60, realizó un curso de fotografía de tres años en el mismo colegio.

    Pronto le fascinó el medio. Trabajó duro y consiguió el premio al mejor estudiante cuando se graduó en 1971. Con poco más de 20 años se mudó a Suecia,  trabajando por primera vez como fotógrafo en el Institutet för Färgfoto de Malmoe, donde permaneció durante tres años, trabajando a comisión y experimentando mucho. Fue entonces cuando adoptó la cámara de gran formato como su principal herramienta.

    Su trabajo personal le introdujo en el mundo de la fotografía en Estocolmo y la agencia de publicidad Arbman (la agencia creativa líder en Escandinavia en ese momento) le proporcionó su propio estudio en Estocolmo.

    Su hija pequeña se convirtió en una nueva fuente de inspiración para él, fascinado por sus ojos recién abiertos al mundo, cuando en 1974 fue contactado para ilustrar, con una gran libertad para la creatividad, un producto rejuvenecedor de Johnson & Johnson en Suecia. La foto de su hija para la campaña fue un éxito y luego se vendieron más de 2 millones de copias como póster. Tras el éxito de esta imagen, se iba a convertir en un especialista en fotos de niños, pero no quiso entrar en una categoría especializada y permanecer en ella el resto de su vida.

    Luego siguieron muchas campañas premiadas en Suecia y Noruega. Después de varios portafolios en la revista Zoom, comenzó  a trabajar internacionalmente para clientes como Fuji, Silk-Cut, Korean Airlines, bodegas Brown Brothers, Bonne Maman, Orrefors,

    En el año 2000  trasladó su estudio a Gåsö, una pequeña isla en el archipiélago de Estocolmo donde podía encontrar más fácilmente no solo la armonía que necesitaba, sino también las piezas del rompecabezas que armaba lentamente. Empezó a trabajar esencialmente en sus propios proyectos, viajando 4 veces a Australia y realizando diversos proyectos relacionados con este continente austral.

    En 2014 se mudó Småland en Suecia, pasando los inviernos en Marruecos. Mantiene un estudio en ambos lugares.

    Referencias

    Libros

    • Seize the Light!: A Chronicle of Orrefors Glass, 1994.
    • Pour gourmets, 1991.
    • Cubisteries, 1986.
    • Le Petit Théatre, 1982.
    • L'album de François Gillet, 1981.

    martes, 27 de noviembre de 2018

    Eloy Alonso

    Eloy Alonso es un fotógrafo asturiano (nacido en Avilés, Asturias, en 1963) cuya labor como fotoperiodista le ha dado reconocimiento a nivel nacional e internacional, especialmente por sus fotografías de los sanfermines, de las movilizaciones mineras y de la naval, de los enterrados en fosas comunes y de numerosos conflictos sociales.

    © Eloy Alonso

    © Eloy Alonso

    Biografía

    Eloy Alonso es graduado social por la Universidad de Oviedo (1981-83) y fotógrafo de prensa autodidacta desde 1985. Comenzó en La Nueva España y en la Hoja del Lunes de Oviedo. Durante tres años ejerció como técnico de laboratorio en La Voz de Asturias, compatibilizando el laboratorio con la corresponsalía en Asturias de Diario 16 y más tarde de El Mundo. También ha sido colaborador en la Agencia EFE.

    A finales de los 80 comenzó a colaborar en publicaciones del Grupo Z como Interviú, Tiempo y Panorama. En 1990 se fue a trabajar como freelance a Madrid en la agencia Staff durante un año. En 1991 regresó a Oviedo como coordinador de fotografía al abrir Diario 16 una edición en Asturias (antiguo El Correo de Oviedo) y tras cuyo cierre de nuevo, se hizo cargo de la corresponsalía gráfica de El Mundo. Colaboró también en la agencia COVER, fue corresponsal gráfico del diario deportivo AS, colaboró con el diario El Comercio de Gijón, con PUBLICO desde su fundación hasta su cierre y en La Razón.

    Sus fotos han sido publicadas a través de la agencia Reuters, con la que lleva colaborando casi 2 décadas, en los principales diarios a nivel nacional e internacional así como en la principales revistas y magazines internacionales como El País, ABC, El Mundo, La Razón, La Vanguardia, The Washington Post, The New York Times, The Times, The Guardian, The Independent, Der Spiegel, Focus, Newsweek, ...

    Ha colaborado durante casi una década en los actos de la entrega anual de galardones de La Fundación Premios Príncipe de Asturias. Durante varios años fue fotógrafo oficial en viajes de La Presidencia del Gobierno del Principado De Asturias, y también ha realizado diversos trabajos para empresas como HC, EDP, Editorial NOVEL, OCTAGON, ICAL.

    Colabora asiduamente con la ARMH (Asociación para la Recuperación de la Memoria Histórica) y es miembro fundador de la APFA (Asociación Profesional de Fotoperiodistas Asturianos). Ha sido fundador y/o colaborador en foros como Cazadores de luz y Caminos Digitales y de la revista asturiana Atlántica XXII. También ha impartido conferencias en diversos cursos y escuelas de artes y oficios en la especialidad de fotoperiodismo y en la Universidad de Oviedo.

    Ha escrito  media docena de libros y participado en medio centenar de exposiciones colectivas e individuales. Ha sido galardonado tres veces con el premio Memorial Ramón González de la APFA (Asociación Profesional de Fotoperiodistas Asturianos), finalista en el premio Luis Ksado, nombrado fotógrafo del año 2013 por la ANIGP-TV y homenajeado por la Confederación Española de Fotografía (CEF) en 2018.

    Referencias

    Libros

    lunes, 26 de noviembre de 2018

    Sue Ford

    Sue Ford fue una artista y fotógrafa australiana (nacida el 19 de marzo de 1943 en St Kilda, Victoria, fallecida el 6 de noviembre de 2009 en Balaclava, Melbourne) considerada una de las más importantes fotógrafas feministas australianas de los 70. Normalmente hacía fotografías de amigos y familiares con fines sociales y políticos, y frecuentemente volvía la cámara sobre sí misma. Todo ello con un estilo fotográfico crudo, sencillo y personal y de forma tanto pragmática como experimental.

    'Ross', 1964; 'Ross', 1974. © Sue Ford Archive

    'Ross', 1964; 'Ross', 1974. © Sue Ford Archive




    Biografía

    Susanne Helene Winslow creció en los suburbios de la playa de Melbourne y consiguió su primera cámara en su adolescencia en unas vacaciones familiares en el extranjero. En 1962, se inscribió en un curso de tres años de fotografía en el RMIT, donde era una de las dos mujeres de una clase de treinta estudiantes. Sue completó solo el primer año por el acoso de uno de sus profesores en el cuarto oscuro y se dedicó a la fotografía con la teoría de que ésta es arte y no un producto técnico.

    Se casó a mediados de los 60 y tuvo dos hijos, hija e hijo a los que documentó ampliamente, experimentando con conceptos para libros infantiles, combinando imágenes y texto en secuencias narrativas imaginativas que a menudo estaban conectadas por un tema de escape.

    A fines de la década de los 60, creó varios cuerpos de trabajo que contenían montajes simplex, fotogramas y capas negativas, y trabajó largamente en el cuarto oscuro.

    En 1971 expuso en solitario su serie Tide Recedes en la galería de arte Hawthorn City y en 1974 su ahora famosa serie Time Series en la que fue la primera exposición individual de un fotógrafo australiano en la National Gallery of Victoria y también en Brummels Gallery.

    En 1982, Sue sufrió un grave accidente de equitación que resultó en una lesión en la espalda. No pudo fotografiar durante algún tiempo y comenzó a pintar. Una vez recuperada, su trabajo siguió consiguiendo logros significativos, con exposiciones individuales en la Art Gallery of New South Wales en 1982, en la National Gallery of Victoria en 1988 y 1994, y Sue Ford: A Survey 1960-1995, en la Monash University Gallery de Melbourne en 1995, y su último gran trabajo Self-Portrait with Camera, 1960-2006, en la misma galería en 2011.

    Trabajó paralelamente en películas y videos, comenzando en 1970 con Low Deposit Easy Terms. Su icónica película Faces 1976-1996 hecha con su hijo Ben tuvo el premio a la mejor película australiana en el Melbourne International Film Festival en 1997.

    Entre 1990 y 1992, su proceso pasó del trabajo de cámara directo a una serie de imágenes de collage. Cada collage se colocó en cuadrícula y luego se imprimió cada sección en tamaño A3 para crear imágenes en una cuadrícula de gran tamaño.  También trabajó con una serie de pinturas en tinta y acuarela relacionadas con su impresión de las Islas Cook, la Isla de Bathurst, donde realizó  talleres de fotografía con mujeres Tiwi y los desiertos en el territorio del norte de Australia.

    En 2004, recibió la beca Australia Council for the Arts Fellowship para comenzar el proceso de catalogación de su extenso archivo fotográfico. Ford murió en 2009 en su casa de Balaclava el 6 de noviembre, rodeada por su familia y amigos. En 2010 se estableció el Archivo de Sue Ford. Joy Hirst y su hijo Ben continúan identificando, catalogando, digitalizando y resguardando miles de sus negativos y obras de arte, la mayoría de los cuales no han sido publicados ni exhibidos. Su ecléctica obra se exhibió en una exposición póstuma en la National Gallery of Victoria en 2014.

      


    Referencias



    Libros

    • Sue Ford.
    • Self-Portrait with Camera, 1960-2006, 2011.
    • Art Journal of the NGV, 2011.
    • Last Light, 2007.
    • Continuum, 2003.
    • Mind of Tibet, 2003.
    • Shadow Portraits, 2002.
    • Faces 1976-1996, 1997 y 2003.
    • Somewhere in France, 1917, 1999.
    • Sue Ford: A survey 1960-1995, 1995.
    • Time Surfaces, 1994.
    • From Van Diemens land to videoland, 1993.
    • Sixtieth of a second 1961-1981, 1987.
    • A different landscape, 1989.

    domingo, 25 de noviembre de 2018

    Rosana Pita

    Rosana Pita es una fotógrafa española (nacida en 1970 en San Sadurniño, Galicia, vive en Mallorca) que disfruta de todos los aspectos de la fotografía, desde el reportaje, la fotografía de producto, el social hasta lo que, sin duda, es su mayor pasión, la fotografía de paisaje y naturaleza.

    RosanaPita

    Silencios de invierno© Rosana Pita

    Biografía

    Rosana Pita Aneiros es una apasionada por la montaña y la naturaleza, y su contacto con la fotografía fue, como en tantos otros, para tratar de atrapar para siempre los extraordinarios paisajes que veía. Pero esta afición, a parte de permitirle inmortalizar esos instantes cautivadores y muchas veces efímeros, le ha llevado a un mejor conocimiento de la naturaleza y a un disfrute más intenso del mundo natural.

    Un grave problema de salud le obligó a dejar su trabajo en 2004, y comenzó a estudiar seriamente fotografía: 2 años en el CEF de Palma de Mallorca, buenos y variados talleres fotográficos y José B. Ruíz, un revulsivo en su trayectoria fotográfica, le han servido para conseguir un gran nivel fotográfico. También este camino le llevó a AEFONA (Asociación Española de Fotógrafos de Naturaleza), asociación en la que ha ejercido de Secretaria (2012 a 2016) y en la que es vocal actualmente.

    A raíz de su estrecho contacto con fotógrafos conservacionistas ha tenido la oportunidad de colaborar en proyectos, exposiciones y publicaciones para apoyar iniciativas medioambientales y de conservación.

    Rosana aporta una visión artística al mundo de la fotografía de naturaleza, dando un paso más allá de la convencional imagen documental o de paisajes, atreviéndose con desenfoques, imágenes movidas, luces altas y mucha personalidad.

    Referencias

    sábado, 24 de noviembre de 2018

    Lynn Johnson

    Lynn Johnson es una fotógrafa estadounidense (vive en Pittsburgh, Pensilvania) reconocida y respetada por su trabajo a la vez sincero y sensible, con el que ha capturado las sutilezas de la condición humana durante 35 años. Colaboradora habitual de publicaciones como National Geographic, consigue realizar una nueva perspectiva en temas tan terribles como el flagelo de las minas terrestres, la desaparición de las lenguas amenazadas, las violaciones en el ejército de los EEUU, el desafío diario de las mujeres africanas a la hora de llevar agua a su casa, etc.

    © Lynn Johnson

    © Lynn Johnson

    Biografía

    Lynn Johnson era una chica tímida que pasó gran parte de la secundaria estudiando detenidamente los libros en la biblioteca. Un día, se encontró con un libro de fotografías de Dorothea Lange y otros fotógrafos documentales que habían trabajado para la Farm Security Admnistration (FSA), y eso cambió su vida.  En su corta y protegida vida, nunca había visto trabajadores migrantes ni aparceros, y ciertamente no había experimentado una pérdida o un dolor así, pero podía sentirlo en esas fotografías. Tuvo una reacción emocional que nunca había sentido.

    Le entraron ganas de coger una cámara y comenzó haciendo fotografías para el anuario de su escuela secundaria, una experiencia que le permitió descubrir su talento innato y descubrir que la cámara era una especie de escudo que le permitía ser un observador activo en lugar de pasivo.

    Johnson se licenció en fotoperiodismo en 1975 por el Instituto de Tecnología de Rochester, y fue contratada como la primera fotógrafa del personal de Pittsburgh Press, y allí estuvo 7 años. Desde entonces, esa muchacha tímida se ha subido a la antena de radio en lo alto de la torre John Hancock de Chicago, ha trepado andamios con trabajadores del acero, ha vivido entre pescadores en Long Island y guerrilleros en Vietnam. También ha realizado retratos de celebridades como Stevie Wonder, Michael Douglas y de toda la Corte Suprema de los Estados Unidos. Pero su pasión inicial permanece documentando las vidas de las personas normales.

    Lynn es conocida por documentar temas problemáticos como el idioma, la enfermedad, la violación, el agua, … y por hacer preguntas difíciles sobre ellos, con un enfoque principal en África y Asia. Ahora es una fotógrafa conocida por sus contribuciones a National Geographic Magazine, National Geographic Photo Camps, Ripple Effect Images, Robert Wood Johnson Foundation, Geo, Sports Illustrated y LIFE, entre otras importantes publicaciones.

    Su trabajo ha sido premiado con 7 premios Golden Quill en fotoperiodismo y 3 World Press Photo. También ha sido premiada por el Open Society Institute y por el Centro Robert F. Kennedy para la Justicia y los Derechos Humanos, entre otros galardones, así como por sus colegas fotógrafos en The Photo Society y, recientemente ha conseguido una beca de National Geographic.

    En su tesis Hate Kills como Knight Fellow en la Universidad de Ohio investigó crímenes de odio en la sociedad estadounidense; en la Escuela de Comunicaciones Públicas S.I. Newhouse de la Universidad de Siracusa desafía a los estudiantes a superar sus propios niveles de comodidad. Dedicada a explorar los confines de la condición humana, pasa unos dos meses al año en su casa en Pittsburgh, viajando el resto del año.

    Referencias

    Libros

    Su trabajo ha aparecido en los siguientes libros:

    • Women of Vision: National Geographic’s Female Photographers,  2013.
    • Through the Lens: National Geographic Greatest Photographs, 2003.
    • Edward Curtis: Coming to Light, 2002.
    • John Muir: Nature’s Visionary, 2001.
    • Nature’s Medicines: Plants that Heal, 2000.
    • Women Photographers at National Geographic, 2000.
    • Women in the Material World, 1996.
    • Power to Heal, 1990.
    • Men’s Lives, 1984.

    viernes, 23 de noviembre de 2018

    Marco Antonio Cruz

    Marco Antonio Cruz es un fotógrafo mexicano (nacido el 3 de noviembre de 1957 en Puebla, vive en Ciudad de México) que, en el transcurso de cuatro décadas de carrera, ha ido ofreciendo una crónica de la vida social y política de México, a través de sus fotografías de vida cotidiana, historias, reportajes y ensayos.

    PedroAntonioCruz

    Viernes Santo en Iztapalapa © Marco Antonio Cruz

    Biografía

    Marco Antonio Cruz, pintor de formación, se inició en la fotografía con Héctor García. La fotografía documental ha sido la principal vertiente de su obra, que asimismo muestra su experiencia con géneros como el dibujo, la pintura y la gráfica. Dar testimonio de la protesta social en contra de un régimen político antidemocrático y celebrar la riqueza visual de la vida cotidiana se destacan entre los propósitos que guiaron el desarrollo de su mirada fotográfica.

    Su obra tiene unos valores intrínsecos: un sentido de registro social sin olvidar la estructuración gráfica de la imagen:  puntos de fuga que obtiene con lentes gran angular, primeros planos que exacerban las situaciones, encuadres saturados hasta el barroquismo,  interacción de elementos diversos.

    Desde 1979 ha sido fotógrafo de prensa en publicaciones como el Semanario Oposición, Así es y la revista Interviú. Fundador de La Jornada, pertenece a una generación de fotoperiodistas que mezcla lo informativo con un estilo personal y que logró desarrollarse en un nuevo ambiente con cierta libertad de prensa. Coordinó el libro Fotografía de Prensa en México (PGR, 1992). En 1984 creó y dirigió la Agencia Fotográfica Imagenlatina. Es coordinador del departamento de fotografía de la revista Proceso y editor de la agencia Procesofoto (desde 2006).

    Entre sus exposiciones más importantes se encuentran: Nicaragua. Testimonio gráfico de tres fotógrafos mexicanos (1985), Memorial del tiempo y Días de guardar (1989). Ha obtenido premios en el VI Concurso de Fotografía Antropológica (1984), en el concurso fotográfico del Festival PSUM (1984), en el certamen de fotografía Imágenes de La Frontera (1992), mención honorífica en la XI Bienal de Fotografía (2004) y en el Grange Prize de Toronto (Canadá-México, 2009). Obtuvo la beca de producción de la Bienal de Fotografía del INBA (1986) y es miembro del Sistema Nacional de Creadores del Fonca.

    Desde hace más de veinte años también imparte talleres de fotografía documental en distintos centros de fotografía y universidades públicas y privadas de México.

     

    Referencias

    Libros

    • Contra la Pared, 1993.
    • Cafetaleros, 1996
    • Habitar la oscuridad, 2011.
    • Bestiario, 2014.
    • Bestiario II, 2018.

    jueves, 22 de noviembre de 2018

    Hélène Binet

    Hélène Binet es una fotógrafa suiza-francesa (nacida en 1959 en Sorengo, Suiza, vive en Londres) considerada como una de las fotógrafas de arquitectura más importantes del mundo. Es conocida principalmente por su trabajo con los arquitectos Daniel Libeskind, Peter Zumthor y Zaha Hadid, y ha publicado libros sobre obras de varios arquitectos.

    © Hélène Binet

    © Hélène Binet

    Biografía

    Hélène Binet estudió fotografía en el Instituto Europeo di Design en Roma, donde creció, y trabajó como fotógrafa para el Grand Théâtre de Genève, un teatro de ópera en Ginebra, Suiza, donde fotografió varias actuaciones durante dos años. Pronto desarrolló un interés por la fotografía arquitectónica y ha estado fotografiado arquitectura contemporánea e histórica durante un período de más de veinticinco años.

    Su lista de clientes incluye a los arquitectos Raoul Bunschoten, Caruso San Juan, Zaha Hadid, Daniel Libeskind, Studio Mumbai, Peter Zumthor, David Chipperfield, Tony Fretton, Zvi Hecker, John Hejduk, Peter Cook Sauerbruch Hutton, Josef Paul Kleihues y muchos otros. Mientras seguía el trabajo de arquitectos contemporáneos, a menudo desde la construcción hasta su finalización, Hélène también ha fotografiado las obras de arquitectos pasados ​​como Alvar Aalto, Geoffrey Bawa, Le Corbusier, Sverre Fehn, John Hejduk, Sigurd Lewerentz, Andrea Palladio y Dimitris Pikionis.

    Más recientemente, Hélène ha comenzado a dirigir su atención a la fotografía de paisajes, en la que transpone las preocupaciones clave de su fotografía arquitectónica.

    Su trabajo se ha publicado en una amplia gama de libros, y se muestra en exposiciones nacionales e internacionales. Fue galardonada con el Redaksjonell Fotografi de Visuelt en  1997, Wissenschaft fur Leben Scholarshipde Olympus Europa Stiftung en 2004, Forum AID Award en 2006 y Honorary Fellowship del Royal Institute of British Architects en 2008. Recientemente, fue honrada con el Julius Shulman Institute Excellence in Photography Award en 2015.

    Su trabajo ha sido exhibido en exposiciones individuales y en las ferias de arte y diseño más importantes del mundo. Desde 2014 y 2015, sus fotografías forman parte de la colección de arte moderno y contemporáneo del Museo de Arte Moderno de Nueva York y del Carnegie Museum of Art en Pittsburgh, Pensilvania.

    Es una defensora de la fotografía analógica y, por lo tanto, trabaja exclusivamente con película.

    Referencias

    Libros

    • The Inns of Court, 1996.
    • Helene Binet: Seven Projects, 2002.
    • Photographs, 2009.
    • Composing Space: The Photographs of Helene Binet, 2012.
    Ha colaborado en:
    • A passage through silence and light, 1997.
    • The House of the Book, 1999,
    • Architecture of Zaha Hadid in photographs, 2000.
    • Holocaust Mahnmal Berlin: Eisenman Architects, 2005.

    miércoles, 21 de noviembre de 2018

    Marie Hennechart

    Marie Hennechart es una fotógrafa francesa (vive en París) que lleva viajando por todo el mundo más de dos décadas, y cuyo objetivo recoge no solo los elementos arquitectónicos que visita sino los instantes, caras, detalles y comida que hacen de cada lugar un sitio especial que deseemos visitar.

    © Marie Hennechart

    © Marie Hennechart

    Biografía

    Marie Hennechart lleva viajando por todo el mundo ya más de dos décadas. Apenas sale del avión, ya está cazando y reuniendo lugares, instantes, caras, habilidades y joyas tan diversas como una colorida yurta kirguizia, una zanahoria operada por Thierry Marx, una pequeña mariposa de la colección Nabokov en San Petersburgo, un elefante volador con niños, una tienda excéntrica cerca de Kyoto, la casa cubana de Hemingway o las innumerables maravillas de París y sus alrededores.

    Su encantadora fotografía complementa miles de artículos sobre viaje y comida, colaborando de forma fructífera y duradera con algunas de las revistas y editoriales más prestigiosas del mundo como Condé Nast Traveler, W magazine, Travel & Leisure, Food & Wine, The Wall Street Journal Mag, Casa Brutus, Le Groupe Alain Ducasse , Madame Figaro Japon, L'Express Styles, Editions du Chêne, ...

    Su nombre aparece siempre entre las listas de los fotógrafos más importantes en fotografía de viajes. Entre escalas, vive en Montmartre por encima de los tejados de París.

    Referencias

      Libros

      martes, 20 de noviembre de 2018

      Ramón Batlles

      Ramón Batlles fue un fotógrafo catalán (nacido en 1901 en Barcelona, fallecido el 12 de junio de 1983) cuyas fotografías llenas de belleza, elegancia y glamour lo catapultaron como el retratista de la alta sociedad por excelencia.
       
      © Ramón Batlles
      © Ramón Batlles

      Biografía

      Ramon Batlles i Fontanet se profesionalizó en temas de acción y deportes, pero su éxito llegó como fotógrafo de retratos, moda y publicidad de productos de lujo, destacando sus imágenes para la marca Myrurgia y sus retratos de bailarinas que capturaba en sus visitas a los ensayos en la ópera del Liceo convirtiendo a algunas de ellas en rostros muy conocidos.
       
      Estuvo vinculado a la Agrupación Fotográfica de Cataluña, de la que formó parte desde los años 20. Influido por los postulados de la vanguardia del período de entreguerras, se especializó en retrato, moda y publicidad. Colaboró con varias empresas en campañas publicitarias. Fue innovador y muy reconocido entre sus contemporáneos durante la tercera década del siglo XX. Es conocido a nivel internacional por su uso de la técnica die transfer de Kodak, que aplicó a menudo a sus retratos y trabajos publicitarios. Publicó en las revistas D’Ací i d’Allá y Art de la Llum, dos de las más vanguardistas del momento. Fue miembro también de la Real Sociedad Fotográfica de Londres.
       
      Durante la Guerra Civil española desarrolló sus actividades en la España nacional, obteniendo varios retratos de Franco y de otras personalidades. Una vez finalizada la guerra abrió una galería en Barcelona con la ayuda del fotógrafo Josep Compte i Argimon, jefe de la Sección de Fotografía de Falange durante la contienda, retratando el glamour de la clase alta barcelonesa desde un suntuoso estudio en el centro de Barcelona. Trabajaron juntos hasta 1954, realizando sobre todo retratos pero también algún trabajo fotoperiodístico para las autoridades franquistas, como el Congreso Eucarístico de 1952.
       
      En 1956 expuso su obra en los salones de la Agrupación Fotográfica de Cataluña.
       

      Referencias

       

      Libros

      • Introducción a la historia de la fotografía en Cataluña, “La fotografía catalana de 1900 a 1940”, J. Fontcuberta, 2000, págs. 96-97.
      • Archivos de la fotografía, vol. IV, “El impresionismo fotográfico en España”, C. S. King, 2000, pág. 128.
      • Myrurgia. Belleza y glamour, 1916-1936, “Ramón Batllés: el ojo del glamour”, M. Fondevila, 2003, págs. 17-23.
      • Myrurgia. Belleza y glamour, 1916-1936, “Fotografía y publicidad, 1930-1936”, D. Balsells, 2003, págs. 195-200.

      lunes, 19 de noviembre de 2018

      Nick Rains

      Nick Rains es un fotógrafo australiano especializado en viajes y documentales.

      Evening looking over Sydney harbour, Australia © Nick Rains

      Evening looking over Sydney harbour, Australia © Nick Rains

      Biografía

      Nick Rains comenzó a hacer fotos de conciertos y bandas para su periódico de la Universidad en los años 80. En los más de 30 años desde que se graduó con honores en zoología, ha fotografiado una gran variedad de temas, incluidos deportes, noticias, celebridades, industria, viajes, moda y retratos, pero su labor m´s importante se centra en la fotografía documental tanto en Australia como en el extranjero. También ha trabajado para clientes comerciales como Shell, BBC, Orion, Ponant y el Gobierno australiano.

      Sus fotografías han sido publicadas en publicaciones como Australian Geographic, Australian Photography Magazine, Sports Illustrated,  Reader´s Digest, Outback, GEO, Sports Illustrated, TIME, BBC y otras varias.

      Es un fotógrafo importante dentro del Australian Institute of Professional Photography, el Instructor principal de Leica Akademie en Australia, también es Embajador de Leica para el Sistema S y realiza numerosos talleres en lugares remotos de todo el mundo.

      Ha sido nombrado Fotógrafo del Año por la revista Australian Geographic en 2002 y la AIPP (Australian Professional Photography) le premió en 2009, 2010, 2011 y 2014.

      Nick ha visto el desarrollo de nuevas tecnologías a lo largo de su carrera, y se ha mantenido siempre al día adaptándose a los cambios en la industria, incluido el mudo digital. La postproducción es una de sus fortalezas, siendo un reconocido experto en Photoshop y Lightroom y participando en la enseñanza de cursos avanzados en estas dos aplicaciones. Es también es un experto en impresión y ha sido nombrado recientemente Ilford master por sus habilidades en la impresión.

      Referencias

      Libros

      • Underwater Australia, 2018.
      • Aerial Australia, 2017.
      • Capturing the World, 2016.
      • Desert Australia, 2016.
      • Tropical Australia, 2016.
      • Coastal Australia, 2015.
      • Country Australia, 2015.
      • Australia: The Photographers Eye, 2013 y 2008.
      • Australia, 2007.
      • Australia's Hidden Places, 2006.
      • Paradise, 2005.
      • South Australia, 2001
      • The Kimberley, 1999.
      • Sydney, 1999.
      • This is Sydney, 1998 y 1996.

      domingo, 18 de noviembre de 2018

      Pere Català Pic

      Pere Català i Pic fue un publicista, escritor y fotógrafo catalán (nacido el 14 de septiembre de 1889 en Valls, Tarragona, fallecido el 13 de julio de 1971 en Barcelona) el cual, con sus atrevidas incursiones en el fotomontaje y en la fotografía publicitaria, fue una figura clave del movimiento renovador en Cataluña, en cuanto introductor de procedimientos técnicos y lingüísticos directamente relacionados con la vanguardia europea del periodo de entreguerras, en especial el surrealismo, el constructivismo, la Nueva Objetividad, la Bauhaus y el cartelismo publicitario.
       Aixafem el Feixisme, 1936 © @Arxiu Pere Català
      Aixafem el Feixisme, 1936 © @Arxiu Pere Català


      Biografía

      Pere Català i Pic quedó huérfano de padre y su madre se fue a vivir a Barcelona donde Pere realizó estudios primarios. Con 12 años entró a trabajar en un banco y allí tuvo la suerte de que le tocara en un sorteo una cámara fotográfica lo que le permitió aficionarse a la fotografía. Su formación fue básicamente autodidacta aunque estuvo unos meses aprendiendo en el estudio fotográfico de Rafael Areñas.
      Desde 1915 estuvo trabajando como fotógrafo retratista en Valls, donde realizó fotografía documental además de retratos. Durante esta etapa, sus inquietudes artísticas le llevarán a interesarse por cuestiones teóricas y técnicas así como a conocer la obra de fotógrafos europeos de vanguardia, a través de viajes entre 1928 y 1931 y de las revistas ilustradas. En su obra se pone de manifiesto la influencia de la fotografía moderna y de autores como László Moholy-Nagy, Man Ray, John  Heartfield y los fotógrafos de la nueva objetividad alemana.
      En 1931 regresó a Barcelona para establecer su estudio fotográfico, dedicando sus esfuerzos a la renovación de la fotografía publicitaria, terreno en el que fue pionero en Cataluña, junto con Josep Sala y Josep Masana. De este modo se interesó por las teorías psicológicas de la publicidad, en boga en aquellos momentos, y colaboró con el Instituto Institut Psicotécnic de la Generalitat, participando en congresos, cursos y conferencias sobre el tema.
      En 1931, especializado ya en fotografía industrial y publicitaria, se instaló definitivamente en Barcelona donde, hasta 1936 realizó fotografía publicitaria para diversas empresas bajo la marca PIC (Publicidad Ilustrada Català). Figura importante de la publicidad española en paralelo a su trabajo fotográfico, redactó numerosos artículos y pruebas sobre el potencial de la imagen fotográfica en la publicidad, colaborando en revistas como Mirador, Revista Ford, Nova Ibèria, Publi-Graf, Lluita i Acció Comarcal y Art de la LLum, reivindicando la modernidad de la fotografía publicitaria. Estuvo en contacto con asociaciones de vanguardia, como ADLAN (Amigos del Arte), participando activamente en la exposición que en 1935 ADLAN dedicó a Barcelona a Man Ray, y GATCPAC.
      Durante la guerra civil, estuvo trabajando al servicio de la propaganda republicana, ocupándose de las ediciones del Comisariado de Propaganda de la Generalidad. De esta época data un famoso cartel Aixafem el feixisme! (¡Aplastemos el fascismo!), que es uno de los primeros realizados de forma estrictamente fotográfica.
      Terminada la contienda por su militancia republicana, estuvo 6 meses oculto en su casa, no pudo reemprender su negocio hasta el año 1942, contando con la ayuda de sus hijos Català Roca: Maria-Àurea, pintora, Francesc, fotógrafo y Pere, fotógrafo y escritor. Persona de gran cultura, dedicó sus últimos años a escribir cuentos, novelas y obras teatrales. Murió en Barcelona en 1971.
      Durante la Primavera Fotográfica de 1998, la Fundación "la Caixa" organizó una exposición con las imágenes publicitarias que Català-Pic realizó entre 1940 y 1960. Diversas exposiciones de sus trabajos se han repetido en estos últimos años. Su obra gráfica forma parte de la colección del Instituto Valenciano de Arte Moderno (IVAM) y del Reina Sofía de Madrid. En 2017 su archivo y el de su hijo Pere (unas 15.000 imágenes, entre positivos y negativos y 15.000 documentos textuales y unos 15.000 libros) fueron cedidos (y serán donados en 10 años) al Arxiu Nacional de Catalunya. 

      Referencias 

      Libros 

      • Visions útils de Pere Català i Pic i Josep Sala, 1994.
      • Impressions d’un fotògraf. Memòries, 1995.
      • Pere Català i Pic : fotografia i pulicitat, 1998. 
      • Estratègies per a la localització i la recuperació del patrimoni fotogràfic en una ciutat mitjana: Pere Català i Pic com a exemple, 1998.
      • La fotografía en España en el período de entreguerras (1914-1939), 2000.
      • La Festa vista per tres fotògrafs vallencs: Pere Català Pic, Francesc Català-Roca i Pere Català Roca, 2011.
      • Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI, 2013.
      • Pere Català i Pic. Fotografia, publicitat, avantguarda i literatura (1889-1971), 2016.
      • Pere Català Pic. Fotografía, arte y publicidad, 2017.

      sábado, 17 de noviembre de 2018

      Juanan Requena

      Juanan Requena es un fotógrafo español (nacido en La Mancha en 1983) y al mismo tiempo un alquimista que ama la luz y la palabra, pero también las piedras, la madera, las cuerdas, el papel… Le seduce rasgar y pegar, escribir y tachar, construir y renovar, hacer y deshacer, tejiendo sin parar múltiples caminos en una eterna búsqueda de la poesía de lo cotidiano.

      © Juanan Requena

      © Juanan Requena

      Biografía

      Juanan Requena, como dice él mismo, nació en un árido pueblo de La Mancha, donde se embelesó de horizontes construyendo cabañas entre maizales. Tras hermosos fracasos y constantes derivas, se mudó al mar del Sur y allí aprendió de endecasílabos y quejíos vendiendo libros y poniendo cafés. Se convirtió en viajero cableando giras de grupos sin rock and roll y llenando inagotables diarios. Y así rodó ambulante, cubierto de salitre y dudas, hasta convencerse de que mirada y poesía podían unirse sobre la misma incandescencia: una pelea que aún hoy intenta reflejar sin detenerse.

      Juanan es un autor personal, con sus ritmos, sus sistemas, su forma de caminar, haciendo poesía de la foto, artesanía de la imagen. Después de muchos diarios y maquetas, de mezclar miles de palabras e imágenes, al fin publicó en 2016 su primer libro editorial, Al borde de todo mapa. Un proyecto muy esperado, por su conocida forma de presentar sus imágenes, su gusto por el objeto y su respeto por el proceso.

      El libro fue finalista en The 2017 Book Awards de los Rencontres d’Arles y ganador del premio al Mejor Libro Nacional de Fotografía en el PhotoEspaña de 2017. El proceso creativo de este libro ha sido mostrado en la Sala de los Arcos del Convento de Santa Fe, Museo de Santa Cruz, de Toledo con el título Al borde de toda emoción.

      Referencias

      Libros

      • Al borde de todo mapa, 2016.

      viernes, 16 de noviembre de 2018

      Fong Qi Wei

      Fong Qi Wei es un artista singapurense (nacido en Singapur, donde vive y trabaja) que utiliza la fotografía como medio de expresión. Sus trabajos más conocidos por el momento tratan del intento de capturar el tiempo y de expandir el espacio.

      © Fong Qi Wei

      © Fong Qi Wei

      Biografía

      Fong Qi Wei es un artista que utiliza la fotografía como medio de expresión. Su filosofía es tratar de hacer algo especial, que capte la atención del público desde el pensamiento y desde el sentimiento. Está fascinado por las intersecciones. Las intersecciones son lugares donde los límites se rompen y donde ocurren cosas realmente interesantes. Los límites son cómodos y estáticos. Las intersecciones son problemáticas, pero vale la pena explorarlas. En particular, está interesado en las intersecciones entre las ciencias, el arte y la tecnología.

      En su serie Time is a Dimension captura secuencias de fotografías de paisajes durante un período de 2 a 4 horas, principalmente en amaneceres y puestas de sol. Posteriormente, recorta sus fotografías para ensamblarlas en una misma fotografía que muestre el paso del tiempo.

      Las flores son una de las estructuras más hermosas y complejas que se encuentran en la naturaleza, específicamente diseñadas para lograr el propósito de la reproducción. En Exploded Flowers, ha creado una colección de imágenes que muestran la simetría radial de las flores y también sus componentes florales individuales. El acto de desmontaje deja al descubierto las diversas formas de las flores.

      He expuesto de forma individual y colectiva (Titian Budaya 2015, National Museum of Singapore y Alliance Francaise de Singapour), ha publicado en diversas revistas como Boston Globe, New York Times, This Is Colossal, ... y ha realizado encargos en Francia y los Estados Unidos. Ha ganado varios premios, incluido el 1er puesto en el International Photography Awards de 2013 en la categoría de Naturaleza: Flores.

      Ha usado la fotografía como medio durante más de 10 años, y ahora participa activamente en el proceso de impresión para lograr su visión final de su arte, ya que cree que la impresión sigue siendo el punto final del proceso artístico.

      Referencias

      jueves, 15 de noviembre de 2018

      Dany Be

      Dany Be es un fotógrafo malgache (nacido en 1935 en Antananarivo) ha construido, con su inestimable labor a lo largo de más de 50 años, un memorial documental de su país, Madagascar.

      DanyBe

      © Dany Be

      Biografía

      Daniel Félix Rakotoseheno, alias Dany Be, se unió en 1956 al ejército francés donde descubrió la fotografía mientras trabajaba como asistente de un fotógrafo. En 1959, dejó el ejército y se dedicó al periodismo gráfico, trabajando como fotógrafo para el principal periódico del país, el Courrier de Madagascar. También trabajó como corresponsal para las agencias de prensa Gama y Sygma.

      Recorría las calles de la capital y muchas ciudades del país en busca de temas para sus reportajes. Durante dos décadas, cubrió numerosos eventos sociopolíticos, incluida la revuelta de los niños sin hogar de la ciudad y la serie de protestas estudiantiles en 1972. Gracias a su mirada cambió la fotografía en Madagascar, se volvió más gruesa, viva, social. Hay mucho que aprender en sus imágenes, con las que alienta sistemáticamente al espectador a involucrarse en cada foto.

      El fotoperiodismo es sin duda la palabra que mejor describe su labor profesional: no hay necesidad de explicaciones para sentir el alcance de sus tomas. Su carrera siguió los altibajos de la situación política del país. Incluso pasó un tiempo en la cárcel en 1983 por desorden, y las autoridades le confiscaron buena parte de sus negativos, más de 2.000 películas, todo su archivo de los 60 y 70, pero nunca abandonó su trabajo de registro de los acontecimientos que han marcado la historia de la isla.

      Dany Be se mantuvo fiel a la fotografía en blanco y negro incluso después del advenimiento de la fotografía en color. Su archivo consta de cientos de miles de películas archivadas que cubren muchos eventos deportivos en las islas del Océano Índico, África, América Latina, 3 Copas del Mundo de Fútbol, ​​1 Campeonato Mundial de Baloncesto femenino (Brasil), Juegos Olímpicos en México, etc..

      Pero donde realmente es importante su trabajo es como fiel testigo de la historia contemporánea de Madagascar, documentando sus conflictos políticos, económicos y armados, como son los últimos años del período colonial, los eventos de 1947, el viaje del general De Gaulle para el referéndum de 1958 y la proclamación de la República de Madagascar, su independencia el 26 de junio de 1960, y los periodos de los distintos gobiernos del país, como el movimiento liderado por el nacionalista Monja Jaona en el sur de la isla en 1971, el levantamiento popular de mayo de 1972 y el asalto del campo de GMP Antanimora en 1975, hasta las crisis actuales.

      Dany Be también compartió sus experiencias con jóvenes fotógrafos malgaches, entre ellos el famoso Pierrot Men.

      Referencias