miércoles, 31 de octubre de 2018

Masahisa Fukase

Masahisa Fukase fue un fotógrafo japonés (nacido el 25 de febrero de 1934 en la ciudad de Bifuka, distrito de Nakagawa, Hokkaido, fallecido el 9 de junio del 2012 en Tokio) reconocido como uno de los fotógrafos más innovadores de su tiempo, aunque la fatalidad impidiera durante 20 años la adecuada difusión de su obra, radical en muchos aspectos, incluyendo técnicas del arte conceptual en su obra, como el uso de series, la performance y el autorretrato.

© Masahisa Fukase

© Masahisa Fukase

Fotografío para detenerlo todo. En ese sentido, mi obra podría ser un tipo de venganza contra el drama de vivir.

Biografía

Masahisa Fukase nació en una familia de fotógrafos. Su abuelo había fundado un estudio fotográfico y su padre seguía la tradición del retrato. Tras terminar en 1956 sus estudios de fotografía en la Universidad Nihon de Tokio, él también trabajó en el negocio familiar, que pronto se quedó corto para las amplias miras del inquieto y complejo artista, quien se trasladó a Tokio. Tras trabajar en diversos medios editoriales y de publicidad, como Nippon Design Center y Kawade Shobo Shinsha Publishers decidió en 1968 convertirse en fotógrafo independiente.

En 1971 publicó su primer libro fotográfico con el título de Yumi. Homo Ludence, donde recopilaba fotos de sus dos primeras esposas. A mediados de los 70 con Shomei Tomatsu y Daido Moriyama fundaron la escuela de fotografía The Workshop. A principios de la década de 1960 Fukase se había casado con su 2ª esposa, Yoko, que se convirtió en su musa.  Neurótico, complejo y depresivo, su trabajo creativo tuvo como objeto central a Yoko a la que estuvo realizando retratos y desnudos con gran éxito durante más de diez años, recogiendo estos trabajos en series y el libro Yoko.

Pero Yoko le abandonó en 1976, después de 13 años de matrimonio y su obra se dirigió hacia el paisaje, a su gato Sasuke al que dedicó varios libros y a los amaneceres de la isla de Hokkaidō, su tierra natal, en la que se refugió, dedicando especial atención a los cuervos como un símbolo del dolor de la separación. Estas fotografías son un claro reflejo de su situación emocional, recordando el arte tradicional del sumi-e, y pudieron contemplarse por primera vez en una exposición en 1977 con el título de Karasu (Cuervos), consiguiendo el premio Ina Nobuo.

En 1982 volvió a casarse, dejando de fotografiar cuervos, pero poniendo en valor su trabajo con ellos publicando en 1986 el libro Karasu (Cuervos), un oscuro poema impresionista, que está considerado como una obra maestra y que algunos autores consideran el mejor libro de los últimos 25 años.​ Libro oscuro, denso, muy poético y expresivo, consigue incorporar el lenguaje formal de la fotografía a un estilo muy personal.

Su actitud frente al retrato y autorretrato estuvo obviamente influida por la tradición familiar como fotógrafo de estudio, pero su carácter innovador e inventivo le hizo jugar con todas las convenciones propias de este. En la etapa final de su trayectoria artística, en sus retratos de familia de estudio colocaba a sus sujetos de espaldas o encapuchados, rompiendo el concepto de foto de familia típico de estudio. En la serie bukububu (cuyo nombre hace alusión al ruido de las burbujas), se encerró en su cuarto de baño durante un mes, sumergido en la bañera como símbolo de la soledad y el aislamiento que experimentaba en ese momento. También manipuló sus imágenes con tinta y pintura, tendiendo puentes entre distintos medios.

En 1992 consiguió el Premio Especial en los 8th Higashikawa Photography Awards. Pero ese mismo año, deprimido, rodó borracho por la escalera de su bar de cabecera dándose un golpe le dejó en coma durante veinte años, hasta que falleció en 2012.

Su obra quedó invisible hasta su muerte, cuando su sobrino, Tomo Kosuga, se hizo cargo de su archivo y subsanó el limbo legal. Así, a sus exposiciones en vida: New Japanese Photography en el Museum of Modern Art en 1974, Black Sun: The Eyes of Four en el Oxford Museum of Modern Art y en otros muchos sitios en 1984 y By Night en la Fondation Cartier pour l’Art Contemporain en 1996, le pudieron seguir post mortem las de The Unpublished Works en la Stephen Wirtz Gallery de San Francisco en 2001, Out of Japan del Victoria & Albert Museum en 2002, Solitude of Ravens en la Michael Hoppen Gallery de Londres y Performing for the Camera (su serie Bukubuku) en el Tate Modern, ambas en 2016, Another Language: 8 Japanese Photographers exhibition en los Rencontres d’Arles, The Incurable Egoist en la Diesel Art Gallery de Tokio, Chromophotographic Game en el festival KYOTOGRAPHIE 2018 que han restituido a Fukase como una figura muy importante en la fotografía japonesa moderna.

Referencias

Libros

  • Yūgi (遊戯) = Homo Ludence, 1971.
  • Yōko (洋子) = Yohko, 1978.
  • Biba! Sasuke (ビバ! サスケ, Viva Sasuke), 1979.
  • Sasuke, Itoshiki Neko yo (サスケ、いとしき猫よ, Sasuke, My Dear Cat), 1979.
  • Neko no Mugi Wara Boshi (猫の麦わら帽子, The Straw-hat Cat), 1979.
  • Kūkai to Kōyasan (空海と高野山, Kūkai and Mount Kōya), 1982.
  • Karasu (鴉, Ravens), 1986. 
  • Kazoku (家族, Family), 1991.
  • The Solitude of Ravens: A Photographic Narrative, 1991.
  • Chichi no Kioku (父の記憶) = Memories of Father, 1991.
  • Fukase Masahisa (深瀬昌久), 1998.
  • Bukubuku (家族, Bubbling), 2004.
  • Fukase Masahisa (深瀬昌久), 2004.
  • Karasu (鴉) = The Solitude of Ravens, 2008.
  • To (屠) = Slaughter, 2015.
  • Wonderful Days, 2015.
  • Hibi, 2016.
  • Afterword, 2016.
  • Ravens, 2017.
  • Masahisa Fukase, 2018.

martes, 30 de octubre de 2018

Anna Adén

Anna Adén es una fotógrafa sueca (vive en Umeå) cuyas mágicas fotografías hablan de naturaleza o de ambientes privados en el interior de una habitación, siempre con una atmósfera ensoñadora y amable.

© Anna Adén

© Anna Adén

Biografía

Anna Adén es un fotógrafa sueca con un maravilloso talento que vive en Umeå, al norte de Suecia. Todas sus fotografías muestran la alegría de vivir y son positivas, con una tenue pátina que les da un aire entre retro y actual. Las hay cálidas y otras más frías, más por la languidez de las mujeres retratadas que por el propio paisaje que las acompaña.

Referencias

lunes, 29 de octubre de 2018

Mona Kuhn

Mona Kuhn es una fotógrafa brasileña (nacida en 1969 en São Paulo, Brasil, trabaja y vive en Los Angeles, EEUU) conocida  por fotografías a gran escala de la forma humana.
MonaKuhn
© Mona Kuhn

Biografía

Mona Kuhn nació en São Paulo, Brasil, de padres de ascendencia alemana. Comenzó a hacer fotografías a los 12 años, cuando sus padres le regalaron una cámara Kodak para su cumpleaños. Se mudó a los Estados Unidos en 1992 para asistir a la Ohio State University y luego amplió sus estudios en el San Francisco Art Institute.
Kuhn eligió el desnudo como foco de su trabajo porque representa un canon eterno y le interesaba la idea del cuerpo como residencia. Los realiza con sus amigos o con personas con las que tiene algún tipo de relación y así consigue dotar a su trabajo de una intimidad genuina.
Su vocabulario visual es figurativo, sin embargo, en trabajos recientes ha comenzado exploraciones con la abstracción. Su trabajo inicial se centró en los detalles del cuerpo en blanco y negro pues no se sentía cómoda fotografiando la figura completa. Cuando dio un paso atrás con la cámara y comenzó a ver más del entorno, se dio cuenta enseguida de que el color era muy importante y se convirtió en una fuente de inspiración.
Además de su fotografía artística, Kuhn también tiene una extensa carrera en moda y en trabajos editoriales en publicaciones como Numéro, Le Monde, Harper's Bazaar y W (magazine).
Kuhn ha sido invitada a comisariar exposiciones y desde 1998, ha sido una académica independiente en el Getty Research Institute en Los Ángeles. Su obra ha sido mostrada internacional y repetidamente y forma parte de varias colecciones, incluyendo el J. Paul Getty Museum, The Los Angeles County Museum of Art, Hammer Museum, Pérez Art Museum Miami, George Eastman House Museum en Nueva York, Museum of Fine Arts de Houston, Musée de l'Elysée en Suiza, Musée de la Photographie de Charleroi en Bélgica, Hiroshima Peace Memorial Museum, el Museo del Louvre en Paris, y la Buhl Foundation en Nueva York.
Kuhn fue una de las artistas invitadas a The Arts Pasadena. Ha impartido diversas conferencias sobre sus obras en el Museo de Arte de Cincinnati, en el North Carolina Museum of Art, en el Georgia Museum of Art y en el Centro Internacional de Fotografía de Nueva York.
Desarrolla una labor de investigación sobre la representación del ser humano en obras de arte, especialmente desnudos, en el The Getty Research Institute.

Referencias

Libros

domingo, 28 de octubre de 2018

Mark Mawson

Mark Mawson es un fotógrafo inglés (nacido en 1968, vive en Londres) con más de 30 años de experiencia en la producción de imágenes creativas e inspiradoras. Su conocida serie líquida de colores Aqueous es mundialmente conocida y ha sido imitada por muchas personas.

© Mark Mawson

© Mark Mawson

Mi objetivo es crear imágenes atmosféricas que inspiren a las personas

Biografía

Mark Mawson creció en Newark, Nottinghamshire, y tuvo su primera cámara, una Nikon, en sus manos a los 8 años. Después de dejar la escuela a los 18, estudió fotoperiodismo en el Richmond College en Sheffield, comencé a trabajar como fotógrafo a tiempo completo con 19, y luego trabajó en muchos de los diarios nacionales de Londres, como The Times, The Sunday Times, Today, The Daily Mail y The Mail Sunday

Después de unos años, Mark buscó algo que le diera más control sobre los temas que fotografiaba y también sobre su iluminación. Trabajó para revistas y agencias de publicidad y sus temas iban desde retratos de celebridades hasta paisajes.

Posteriormente, se especializó en fotografiar personas y moda bajo el agua y ha estado filmando una serie personal titulada Aqueous desde 2005. Aqueous es un viaje a un mundo desconocido o extraterrestre sin descubrir, utilizando una combinación de líquidos de colores y fotografía. Los colores se arremolinan y se mezclan dando como resultado hermosas creaciones que se asemejan a criaturas extrañas de lugares lejanos o explosiones intergalácticas. Este trabajo lleva detrás una larga investigación sobre el comportamiento de los fluidos.

Esta serie es por el momento la más conocida y coleccionable. Incluso se proyectó un video Aqueous en las paredes del Palacio de Buckingham como telón de fondo del Magical Mystery Tour de Paul McCartney como parte del Concierto de Jubileo de Diamante de la Reina de Inglaterra.

Está representado para el trabajo comercial por Silverlake Photography Ltd en Londres, Reino Unido. Su trabajo personal se encuentra en muchas colecciones privadas de todo el mundo y ha obtenido numerosos premios en concursos internacionales.

Referencias

sábado, 27 de octubre de 2018

Jesse Burke

Jesse Burke es un fotógrafo estadounidense (nacido en 1972 en Nueva Inglaterra, vive en Rhode Island) cuyo trabajo personal trata temas relacionados con la vulnerabilidad y la identidad, así como la complicada relación de los seres humanos con la naturaleza.

© Jesse Burke

© Jesse Burke

Biografía

Jesse Burke creció en Stratford, Connecticut, una ciudad costera, en un barrio de bajos ingresos, así que su escape natural fueron los bosques y lugares naturales alrededor de su casa, naciendo ahí su respeto por la naturaleza y lo salvaje. Pasó una década en Tucson, Arizona, estudiando finalmente fotografía en la Universidad de Arizona, antes de ir a la escuela de posgrado en fotografía de la Escuela de Diseño de Providence en Rhode Island, donde ahora enseña.

Jesse divide su tiempo entre encargos comerciales y proyectos artísticos personales, en los que trata temas relacionados con la vulnerabilidad y la identidad, así como la complicada relación del ser humano con la naturaleza. Sus proyectos más reconocidos (y publicados como libros) hasta el momento son:

  • Intertidal, donde explora la identidad masculina en sus círculos sociales y familiares, con fotografías de tíos sin camisa, gente disparando a latas de cerveza, equipo de caza de camuflaje, fútbol, un ciervo muerto, …. recorriendo la delgada línea entre la realidad y la metáfora, reflexionando también sobre sus propias ideas y estereotipos.
  • Wild & Precious, donde reúne imágenes de una serie de viajes por carretera que realizó durante 5 años con su hija Clover para explorar el mundo natural, para fomentar una conexión entre su hija y la naturaleza, brindándole una educación esencial, que le permita desarrollar apreciación, respeto, conservación y confianza en sí misma.

Su trabajo ha sido exhibido en numerosas galerías y museos de Nueva York, Tokio, Milán, Estocolmo, Madrid, Miami, Los Ángeles, Seattle, Tucson, Providence, Ottawa, Boston, … incluidos el Museo Haggerty, el Centro de Fotografía de Perth y el Museo de Arte de Tucson. Su obra forma parte de muchas colecciones privadas y públicas, como las del Museo de Bellas Artes de Houston, el Museo de Fotografía Contemporánea de Chicago, el Museo de Arte de Carolina del Norte y el Museo de la Escuela de Diseño de Rhode Island.

Jesse fue nombrado recientemente por la revista Time Magazine como uno de los 50 mejores fotógrafos de los Estados Unidos para seguir en Instagram y por el The New York Times Style Magazine como uno de los 5 mejores a seguir en Instagram. Fue finalista en los Critical Mass de 2009 y 2010.

Referencias

Libros

viernes, 26 de octubre de 2018

Victoria Will

Victoria Will es una fotógrafa estadounidense (oriunda de Washington DC, vive en Nueva York) reconocida por sus retratos de celebridades, en especial por su serie de artistas del Sundance Film Festival con el proceso histórico del colodión húmedo.

2014 Sundance TIn Type Portraits - Sam Shepard © Victoria Will/Invision/AP

2014 Sundance TIn Type Portraits - Sam Shepard © Victoria Will/Invision/AP

Biografía

Victoria Will se graduó en la Universidad de Princeton y comenzó su carrera como fotógrafa en el New York Post. En un entorno de noticias responsable de titulares como "Headless Body in Topless Bar" perfeccionó sus habilidades y su sentido del humor, desarrollando la capacidad de poner lo ordinario en una luz extraordinaria mientras equilibra a la perfección composiciones heroicas y naturales.

Con el foco en el retrato y las imágenes de estilo de vida, sus fotografías aparecen en periódicos y revistas de todo el mundo, desde W Magazine hasta Associated Press, pasando por The New York Times y Vogue.  De su cartera de clientes podemos citar a Levi’s y Carhartt.

Tras  tres años de retratar a actores en el Sundance Film Festival,  en el cuarto decidió dar un giro de 180 grados, reemplazando su cámara réflex por una cámara Graflex Super D para utilizar en los retratos una técnica fotográfica del siglo XIX: el ferrotipo (tintypes), proceso que utiliza como soporte una placa de aluminio o de otro metal, que se cubre con colodión húmedo fotosensibilizado con nitrato de plata, y que tiene que ser expuesto y revelado antes de que se seque, lo que hace en algo menos de 10 minutos. La impregnación de la placa y el revelado son procesos completamente manuales que causan numerosas imperfecciones que dan a cada copia un valor único. Este trabajo se ha publicado en forma del libro Borne Back que incluye 38 de estos retratos.

Constantemente en evolución, Victoria ha tocado también el tema nuevamente novedoso de los GIFs animados, quizás como contraposición a su trabajo con los ferrotipos. Ha realizado y realiza numerosas exposiciones y ha obtenido numerosos premios, entre los que podemos citar como más actuales, en este mismo 2018 el Communication Arts Photo Annual Winner, y el AI-AP American Photography Winner

Referencias

Libros

jueves, 25 de octubre de 2018

Mathieu Bernard-Reymond

Mathieu Bernard-Reymond es un fotógrafo francés (nacido en 1976 en Gap, vive y trabaja en Lausana, Suiza) cuya fotografía trata del paisaje, la arquitectura y los medios de comunicación. Su uso de las nuevas tecnologías pretende cuestionar el medio fotográfico a través de un nuevo enfoque poético. Ve la fotografía como una forma de crear realidades extrañas, de crear mundos posibles.

© Mathieu Bernard-Reymond

© Mathieu Bernard-Reymond

Biografía

Mathieu Bernard-Reymond se graduó en el Instituto de Estudios Políticos de Grenoble y estudió fotografía en la Escuela de Fotografía de Vevey, Suiza. Su trabajo utiliza bloques de construcción de paisaje, arquitectura y datos para un lenguaje poético constantemente renovado. Para él, la fotografía es una herramienta para crear realidades extrañas, para dar nacimiento a mundos posibles. Su enfoque digital le permite organizar datos, así como el mundo tangible.

Con estas premisas en común, sus proyectos también tienes formas distintas de afrontar esta realidad imaginada:

  • Monuments, con el que ganó el premio Arcimboldo entrelaza fotografías y manipulaciones informáticas, utilizando gráficos económicos y otras visualizaciones de la información existente para crear accidentes arquitectónicos en paisajes naturales.
  • TV, muestra paisajes urbanos nocturnos que destilan una sensación de amenaza no identificable y donde las ventanas iluminadas han sido reemplazadas por pantallas de televisión y las criaturas "salvajes" de la calle sólo son imágenes construidas con parpadeo y imágenes de televisión borrosas. 
  • Intervals muestra paisajes que a primera vista pueden parecer normales, pero que en ellos aparecen personajes repetidos, clonados.
  • Transform se basa en imágenes realizadas en plantas de energía nuclear e hidráulicas que se muestran a través de detalles arquitectónicos, y que son manipuladas hasta perder su apariencia formal para convertirse en abstractas.

Ha recibido diversos premios, entre ellos el Prix HSBC pour la photographie en 2003, Prix No-Limit en Rencontres d'Arles en 2005, Prix BMW en Paris Photo, 2006, Prix Arcimboldo pour l'image numérique en 2009, Fondation Irène Reymond en 2016.

Sus imágenes se pueden encontrar en numerosas colecciones públicas y privadas como Musée Nicéphore Niépce, Musée de l’Elysée y Fonds National pour l’Art Contemporain en Francia.

Es miembro del colectivo europeo Piece of Cake y está representado por la galería Baudoin Lebon de Paris.

Referencias

Libros

  • TV, 2008.
  • Transhumance 6 - Mathieu Bernard-Reymond, Marc Chostakoff, Ellen Kooi, Clark et Pougnaud, LawickMüller, Nicole Tran Ba Vang, 2004.
  • Vous êtes ici, 2003.

miércoles, 24 de octubre de 2018

Dylan Maddux

Dylan Maddux es un fotógrafo y director de videos estadounidense (nacido en Los Angeles, vive actualmente en Phnom Penh, Camboya) cuya obra ha ido evolucionando desde sus inicios con editoriales de hip-hop, publicidad en la industria del monopatín, moda, fotografía callejera reflejando la vida en California, Tailandia y Camboya. En su fotografía el entorno y el fondo están extremadamente interconectados con el papel del sujeto principal.

© Dylan Maddux

© Dylan Maddux

Biografía

Dylan Maddux nació en Los Ángeles, y se sumergió en el mundo de la fotografía en 1999 cuando se mudó a San Francisco, donde pasó los siguientes 12 años perfeccionando su oficio. La mayor parte de su tiempo lo pasó en Lower Haight, un distrito que en última instancia daría forma a su estilo característico.

Comenzó a trabajar con la recientemente establecida compañía de ropa y galería Upper Playground y filmó las obras de los artistas que la compañía representaba en ese momento. Sus otros trabajos iniciales consistieron principalmente en editoriales de hip-hop y publicidad en la industria del monopatín. Desde allí pasó a la fotografía de la calle fotografiando retratos de estafadores, miembros de pandillas y "las chicas sexys de al lado".

Su fotografía ha sido publicada en publicaciones nacionales e internacionales, incluyendo Intersection (Reino Unido), Warp (Japón), Slap, Thrasher, Juxtapoz, Mass Appeal y Swindle. También fue uno de los diez fotógrafos publicados en Juxtapoz Photo, the book. Ha expuesto en numerosas galerías, incluyendo Known Gallery, YBCA, 1AM  y la Galería Cassel Gallery en California, FTC en Japón y  BACC en Bangkok.

Entre sus clientes podemos citar a Derby SF, Goorin Bros., Ambre, Blick Art Supplies, FTC, Vattanika, Original Tumber, Vodka, Washouse Music, ...

Siempre en necesidad de un desafío, Maddux ha entrado en el mundo de la dirección y la grabación de videos. Hasta la fecha, ha realizado numerosos trabajos de video en Kingston (Jamaica), Hawái, Bangkok, Hong Kong y San Francisco.

Ha estado en el sudeste asiático durante los últimos años: más de un año en Bangkok fotografiando moda, luces rojas y cultura callejera y luego en Phnom Penh, Camboya, donde actualmente está trabajando para completar su primer libro, una colección de sus tomas de la vida en Camboya.

Referencias

martes, 23 de octubre de 2018

Marco Bolognesi

Marco Bolognesi es un artista multimedia italiano (nacido en 1974 en Bolonia, vive y trabaja en Londres) que ha centrado el desarrollo de su investigación artística en la creación de un mundo paralelo fantástico y futurista que cobra vida gracias al uso de técnicas mixtas: su trabajo abarca desde fotografías hasta dibujo a través de video e instalaciones.

Koto, The Moon’s house © Marco Bolognesi

Koto, The Moon’s house © Marco Bolognesi

Biografía

Marco Bolognesi es el hijo único de una familia intelectual y pasó su juventud en un ambiente artístico, estudiando en la Escuela de Arte Dramático, Artes y Música de la Universidad de Bolonia. Con 20 años, ilustró una selección de obras del poeta Roberto Roversi, y al año siguiente colaboró ​​con el artista gráfico Guido Crepax en uno de sus comics. También colaboró con el Premio Nobel Darío Fo.

En 1994 filmó su primer cortometraje, Giustizia e Verit sobre las víctimas del terrorismo, que luego se exhibió fuera de concurso en la Bienal de Venecia. En este documental experimental, las imágenes y la música estaban profundamente entrelazadas, como en su segundo cortometraje sobre el mismo tema, il Partito del Silenzio realizado en 1996.

Bolognesi se centró luego en el cine, trabajando como asistente de dirección de varios directores. Su interés luego cambió al medio de la fotografía. En 2002, se mudó a Londres, donde ganó el premio al artista en residencia en el Istituto Culturale Italiano, y realizó su primer gran proyecto fotográfico: Woodland, una serie que se publicaría también como libro, en colaboración con diseñadores de moda como Giorgio Armani, Vivienne Westwood, Alexander McQueen, Kei Kagami y Dolce & Gabbana. Estas imágenes de estudio combinaron arte tribal, fetichismo, cultura punk y moda glamurosa, utilizando técnicas de collage para sintetizar elementos naturales y artificiales en una raza imaginada de bellas, pero poderosas, mujeres híbridas.

En 2006 fundó su empresa en Londres, Bomar Studio. En 2007 realizó su serie fotográfica Synteborg. En 2008, su cortometraje Black Hole, centrado en el tema de la hibridación y los cyborgs, ganó la Indie Short Film Competition en Florida y se presentó en el Festival de Cine de Roma y en el Festival Internacional de Cortometrajes de Clermont Ferrant.

También en 2008 publicó Dark Star, y en 2009 Protocollo, una novela gráfica cyberpunk con el escritor Carlo Lucarelli. En 2012 dentro del evento Fotografia Europea presentó Humanescape y la Biennale Italia Cina lo seleccionó como artista para la edición italiana y también también participó en la de 2014 en Pekín, y en 2015 en la Bienal Fin del Mundo en Chile y Argentina, dentro de Perspectivas Italianas.

Referencias

Libros

  • Woodland, 2005.
  • Dark Star, 2008.
  • Protocollo, 2009.
  • Humanescape, 2012.

lunes, 22 de octubre de 2018

Ricardo Compairé

Ricardo Compairé fue un fotógrafo aragonés (nacido el 5 de noviembre de 1883 en Villanúa, Huesca, fallecido el 18 de febrero de 1965 en Huesca) considerado un pionero de la fotografía en Aragón y cuya obra (principalmente de las décadas de los años 20 y 30) constituye un documento antropológico de gran valor dado su marcado realismo.

Ansotanos con trajes tradicionales de diario. Ricardo Compairé. Fototeca Diputación Provincial de Huesca

Ansotanos con trajes tradicionales de diario. Ricardo Compairé. Fototeca Diputación Provincial de Huesca

La fotografía es la única forma de detener el tiempo. Detrás de mí, otros fotógrafos con mejores medios podrán fotografiar los mismos paisajes, que seguirán allí. Pero de los personajes, sus trajes y utensilios, solo quedarán mis retratos.

Biografía

Ricardo Compairé Escartín estudió en los Escolapios de Jaca, cursó el bachillerato en Huesca y se inició artísticamente en la pintura, lo que le llevó a interesarse y apasionarse por la fotografía. Aficionado a la botánica, en 1900 se matriculó en la Facultad de Farmacia de Barcelona. Tras trabajar en en distintas localidades del Pirineo aragonés, tomó posesión de la farmacia de Echo en 1908, y en 1921 abrió su propia farmacia en Huesca. En 1924, en un nuevo local incorporó una tienda de fotografía.

Aficionado pues a la pintura, a la botánica y al excursionismo por el Alto Aragón, desarrolló una gran actividad como fotógrafo encaminada a la puesta en valor y al estudio de tipos humanos y paisajes desde el punto de vista etnográfico y antropológico. Gracias a su labor, se conserva un importante fondo de imágenes anteriores a 1936 que permiten indagar en el aspecto de la sociedad y los pueblos altoaragoneses del primer tercio del siglo XX, destacando su ambición artística en las cuidadas composiciones tanto de personas como de utensilios de la vida cotidiana.

Cultivó un tipo de fotografía de vocación costumbrista y folclórica, desarrollada a la sombra del pictorialismo e influida por el ideario estético del regeneracionismo regionalista de la época. Fotografió la arquitectura y los paisajes humanizados y dignificó los oficios, mostrando el buen hacer de los artesanos aragoneses. También dirigió su cámara hacia los objetos cotidianos y los más anodinos utensilios, dotándolos de gran belleza plástica. Experimentó con cámaras estereoscópicas y con las técnicas del contraluz y el claroscuro.

Como fotógrafo, Compairé participó en distintas exposiciones nacionales e internacionales obteniendo varios premios. En 1929 participó con una colección de fotografías de Ansó y Echo en la Exposición Internacional de Barcelona y en la Exposición Iberoamericana de Sevilla, consiguiendo en ambas el primer premio. También experimentó con la imagen en movimiento, realizando cuatro documentales en 16 mm que tituló Danzantes de Sena, Procesión de San Lorenzo de Huesca, Procesión de Santa Orosia en Jaca y Una boda en Ansó.

La Guerra Civil española truncó muchos de sus proyectos. Afortunadamente trasladó su archivo en cajones de madera a los sótanos del castillo de Borja, á donde se había trasladado, con lo que no se perdieron. Pero su labor fotográfica fue a partir de ahí prácticamente abandonada, dedicándose a sus otras aficiones: la botánica, la pesca y el excursionismo. A lo largo de su vida también ejerció distintos cargos en la ciudad como concejal del Ayuntamiento, presidente de la asociación Turismo del Alto Aragón, o vocal del Patronato de Bibliotecas, Archivos y Museos.

En 1982, se expuso en el Palacio de la Lonja de Zaragoza la muestra Compairé 1883-1965. En 1989 la Diputación Provincial de Huesca adquirió a sus herederos gran parte de su obra fotográfica,​ 4.430 fotografías realizadas entre 1913 y 1945 (placas de cristal de 13x18, …), que están en su fototeca y con las que organizó en 2009 la exposición Ricardo Compairé. El trabajo del fotógrafo, al cumplirse los 20 años de la adquisición de su fondo.

Referencias

Libros

  • Ricardo Compairé. El trabajo del fotógrafo, 2009
  • Ricardo Compairé, memorias de una mirada (documental), 2012.
  • Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI, 2013.
  • Ricardo Compairé (isuuu), 2015.

Artículos en revistas sobre él:

  • Ricardo Compairé: Notas y comentarios en Turia: Revista cultural, 1988.
  • Hecho-Ansó 1920-1935, vistos por D. Ricardo Compairé en Jacetania (96), 1982.
  • Ricardo Compairé Escartín (1883-1965): Fotógrafo de lo cotidiano en Argensola: Revista de Ciencias Sociales del Instituto de Estudios Altoaragoneses (114), 1982.
  • Artes liberales. Fotografía: Compairé Escartín (1883-1965), rescate del costumbrismo altoaragonés por medio de la fotografía en Andalán (368), 1982.

domingo, 21 de octubre de 2018

Penny de los Santos

Penny de los Santos es una fotógrafa estadounidense (nacida en Alemania, vive en Ciudad de Nueva York) cuyo trabajo abarca desde las históricas sociedades gastronómicas masculinas del País Vasco, hasta los mercados asediados por los terroristas más suicidas en Jerusalén y fotografiar la cultura ha sido la esencia de su trabajo. Su evolución hacia la fotografía de alimentos le ha permitido explorar y celebrar la cultura, la historia y las diversas comunidades a través de la lente de los alimentos.

© Penny de los Santos

© Penny de los Santos

Biografía

Penny De Los Santos nació en Europa en el seno de una familia militar estadounidense que posteriormente se estableció en un pequeño pueblo de Texas, con generaciones de historia familiar ligadas a la frontera de Texas y México. Este trasfondo inspiró su curiosidad sobre la cultura y comenzó a fotografiar como una forma de entender su propia identidad y antecedentes culturales diversos. Tiene un master en School of Visual Communication por la Universidad de Ohio y una licenciatura en Periodismo de la Universidad Texas A&M.

Ha viajado mucho a lo largo de los EEUU y más de 30 países en encargos y asignaciones. Es una fotógrafa publicada internacionalmente, colaboradora senior de la revista Saveur y fotógrafa colaboradora habitual de la revista National Geographic. Su trabajo ha sido publicado en revistas como Martha Stewart Living, Bon Appetit, Time, News Week, Sports Illustrated, Mother Jones, Latina, Texas Monthly, Budget Travel, Caribbean Travel, U.S. News & World Report y Paris Match. Ha sido contratada por numerosas editoriales para libros de cocina.

Ha recibido numerosas becas y premios por su fotografía, como la National Geographic Photography Grant, Eastman Kodak Photography Grant, Canon USA Photography Grant, The Eddie Adams Photography Grant, California New Media Award, Ohio University School of Visual Communication Photography Grant y The Parson’s School of Design Marty Fortier Fellowship. También fue invitada a la prestigiosa Joop Stewart Master Class.

Ha sido oradora destacada en muchas universidades y conferencias sobre fotografía en su país, y está representada por Judy Casey INC.

Referencias

Libros

sábado, 20 de octubre de 2018

Sanja Iveković

Sanja Iveković  es una fotógrafa, escultora y artista de instalaciones croata (nacida en 1949 en Zagreb, donde vive y trabaja) cuyo trabajo aborda temas como la identidad femenina, los medios de comunicación, el consumismo y los conflictos políticos. Está considerada como una de las artistas más importantes de la antigua Yugoslavia, y continúa inspirando a muchos artistas jóvenes.

© Sanja Iveković

© Sanja Iveković

Biografía

Sanja Iveković nació en la antigua Yugoslavia y estudió gráficas en la Academia de Bellas Artes de Zagreb desde 1968 hasta 1971. Su carrera artística comenzó durante la primavera croata a principios de la década de los 70 cuando, junto con otros artistas, la generación conocida como Nova Umjetnička Praksa (Nueva Práctica Artística), se separó de los escenarios principales para utilizar de forma pionera el video, los fotomontajes conceptuales y las perfomances. Este grupo cuestionó el papel del arte en la sociedad, esforzándose por democratizar el espacio artístico al separarse de los entornos institucionales y galerías principales y comenzaron a utilizar actuaciones y materiales baratos y accesibles. Vivir y trabajar en un contexto político turbulento durante muchos años planteó cuestiones relacionadas con las estructuras sociales, la política de género y la identidad.

Gran parte del trabajo de Sanja se centra en su propia vida y en el lugar de las mujeres en la sociedad actual. Fue la primera artista en Croacia en etiquetarse a sí misma como artista feminista. Ha sido una pieza clave en el Centro de Estudios de la Mujer de Zagreb desde que abrió en 1994.

Su activismo se extiende más allá de su trabajo artístico: ha fundado o ha estado comprometida con organizaciones de mujeres croatas como ELEKTRA-Women's Art Center, B.a.B.e., Centro Autónomo Cultural - ATTACK !, Centro para Mujeres Víctimas de Guerra y la Asociación de Feministas.

Desde el inicio de su carrera artística, Iveković siempre ha estado interesada en la representación de las mujeres en la sociedad, como se puede ver en sus trabajos:

  • Double Life (1975), donde combina 66 fotografías de su vida privada con tomas de modelos similares en anuncios de revistas.
  • Make Up-Make Down (1978), con autorretratos filmados o fotografiados,
  • General Alert: Soap Opera (1995) producida para televisión
  • Figure & Ground (2006), donde muestra collages de modelos femeninas que lucen como terroristas armados cubiertos de sangre y vistiendo ropa inspirada en el ejército por los mejores diseñadores.
  • Women's House (en curso desde 1998), en el que muestra moldes de yeso de las caras de mujeres maltratadas.
  • Women's House (Sunglasses)es una serie de carteles, carteles publicitarios e inserciones de revistas, centradas en la violencia de género en la Croacia postcomunista.
  • On the Barricades (2010) fue un memorial viviente que conmemora el levantamiento del pueblo de Gwangju (Corea del Sur) en 1980.

En 2009, ganó el premio Camera Austria, en reconocimiento de su trabajo conceptual, la actualidad de su trabajo y su importancia para la generación más joven, así como su compromiso social y político para mejorar el papel de las mujeres en la sociedad. En 2014 fue seleccionada para el premio Artes Mundi, exhibiendo sus obras basadas en fotografías, GEN XX (1997-2001) y The Disobedient en la galería Turner House en Penarth, Gales.

Ha realizado numerosas exposiciones y perfomances, desde su primera en SC Gallery en Zagreb en 1970 hasta las más recientes 10.000 Lives en la Eighth Gwangju Biennale en 2010, Sanja Iveković: Sweet Violence en el MoMA de Nueva York en 2012 y Sanja Iveković: Unknown Heroine en la South London Gallery y en Calvert 22 en Londres en 2012 y 2013.

Referencias

Libros

viernes, 19 de octubre de 2018

Eva Vermandel

Eva Vermandel es una fotógrafa belga (nacida en 1974, vive en Londres desde 1996) principalmente conocida por sus retratos inmóviles y atemporales que a menudo llevan referencias a la pintura de los flamencos primitivos, de Ingres, Bronzino, …).

EvaVermandel

Alice and Vicky, Stroung Green, February 2015 © Eva Vermandel

Biografía

Eva Vermandel desafía la definición de belleza de la cultura pop. Contrariamente a la fotografía descriptiva en la que las personas simplemente toman fotografías de sus alrededores sin llegar a profundizar, ella intenta capturar personas y objetos en sus estados más íntimos.

Para conseguir esto, Eva simplemente trabaja con su cámara, sin asistentes, sin luces artificiales, solo momentos reales, naturales capturados por su cámara analógica con luz natural.

Como fotógrafa editorial desde hace unos 20 años, continúa utilizando la película Portra 800 con la que ha fotografiado a íconos como Amy Winehouse, Ian McKellen, Rufus Wainwright y Matt Damon. Dividiendo su tiempo entre la editorial y la fotografía artística, su obra ha sido adquirida por el Victoria & Albert Museum y otras prestigiosas , como la National Galleries of Scotland en Edimburgo y la National Portrait Gallery de Londres,

Ha expuesto individualmente en la Galería Douglas Hyde en Dublín, en la Galería Whitechapel y en el ICA en Londres. Sus fotografías han aparecido en una amplia gama de revistas como The Wire, Telegraph Magazine, Independent Magazine, Mojo, The New York Times Magazine y W (EEUU).

Hasta el momento ha publicado 4 libros:

  • Alabama Chrome: un ensayo fotográfico sobre el auge económico en Irlanda en su apogeo en 2006.
  • Med sud í eyrum vid spilum endalaust: un diario fotográfico de la banda islandesa Sigur Rós, a los que acompañó durante el proceso de grabación y gira entre abril y junio de 2008.
  • Splinter: una monografía sobre su obra creada entre 2006 y 2012.
  • Sydney Festival 40 Portraits: una colección de 40 retratos realizados para este festival.

Referencias

Libros

  • Sydney Festival 40 Portraits, 2016.
  • Splinter, 2013.
  • Með suð í eyrum við spilum endalaust, 2008.
  • Alabama Chrome, 2006.

jueves, 18 de octubre de 2018

Juan Manuel Castuera

Juan Manuel Castuera fue un fotógrafo gallego (nacido el 31 de diciembre de 1921 en Gondomar, Pontevedra, fallecido en Santiago de Compostela el 8 de abril de 1990) que cultivó paisajes y marinas gallegos con estilo pictorialista y el retrato, principalmente de niños, que le proporcionó un gran prestigio.

"Mariñeiros nós" , 1947  Juan Manuel Castuera. (c) Vegap 2001

"Mariñeiros nós" 
1947 Juan Manuel Castuera
Copyright Vegap 2001

Biografía

Juan Manuel Castuera Alonso se trasladó a Pamplona con sus abuelos y tíos paternos, tras la muerte de su madre cuando él tenía 10 años. Dos años después regresó a Pontevedra, donde pasó su juventud. Cumpliendo el servicio militar en Pontevedra fue designado como fotógrafo del Regimiento de Artillería de Costas, aprendiendo el oficio y, una vez licenciado en 1945 decidió dedicarse a la fotografía. Se trasladó por las poblaciones gallegas compaginando la fotografía de paisaje con numerosos encargos: retrato infantil, selvicultura, publicidad, etc, llevando en ocasiones el laboratorio consigo.

Rápidamente entró en relación con el mundo artístico pontevedrés de los años 40, como Valentín Roldán, Schmidt de las Heras y el pintor Xosé Conde Corbal. En su vida fue muy importante el pintor Rafael Alonso, con quien recorrió Galicia en su juventud, el uno pintando y el otro fotografiando, muchas veces los mismos temas. De este último aprendería conceptos artísticos que reflejaron en su trabajo una notable influencia pictorialista. Expuso en A Coruña, Vigo, Santiago, Pontevedra y Ferrol y participó y fue premiado en numerosos concursos de ámbito nacional. Fue igualmente maestro y amigo del fotógrafo Manuel Ferrol, con quien realizaría también algunos proyectos en común.

A finales de la década de los 40 y principios de los 50 realizó sus mejores obras, al ir adquiriendo un mayor dominio de la técnica fotográfica. Sus instantáneas recogen y reflejan fundamentalmente el paisaje gallego, sobre todo marinas, con especial atención en los efectos de la atmósfera y el clima, inclinándose por los contraluces y los reflejos del mar que le apasionan. A partir de 1948, se especializó en retrato infantil, que firmaba como Juan Manuel.

En 1954 se trasladó a Montevideo (Uruguay), donde contrajo matrimonio y fijó su residencia, pero no obtuvo allí el reconocimiento alcanzado en Galicia, teniendo que aceptar trabajos no relacionados con la fotografía. Regresó a España en 1966 con su mujer y sus tres hijas, estableciéndose en Madrid.

Colaboró con el diario La Noche, de El Correo Gallego, y trabajó a principio de los 70 como fotógrafo del Ministerio de Información y Turismo, y como fotógrafo de estudio en TVE en Prado del Rey en Madrid, y posteriormente (en 1977) en Televisión Española en Galicia y finalmente (en 1985) en TVG como colaborador. Durante los 70 retrató a conocidos personajes del mundo del espectáculo y el deporte, como Sara Montiel o el tenista Manolo Orantes, y trabajó en la sección de documentación y archivo de NO-DO.

Su producción fotográfica la conserva su viuda, Olga Piedras Salgueiro. En 1990 en la IV Fotobienal de Vigo en la Casa das Artes y Da Historia en Vigo se expuso En Galiza nos 50. As Agrupacións Fotográficas, en 1992 Juan Manuel. Expósición antológica en el Centro Cultural "Salvador de Madariaga" en A Coruña, en 2000 España Ayer y Hoy. Escenarios, costumbres y protagonistas de un siglo en el  Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en Madrid.  Y en el año 2001, el Museo de Pontevedra organizó una exposición de sus fotografías realizadas entre 1946 y 1956, reuniendo un total de 75 imágenes, clasificadas en torno a sus dos grandes temas: paisaje y retrato.

Referencias

    Libros

    • Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI, 2013.
    • Juan Manuel Castuera. Paisajes y retratos 1946- 1956, 2001.
    • España Ayer y Hoy. Escenarios, costumbres y protagonistas de un siglo, 2000.
    • En Galiza nos 50. As Agrupacións fotográficas, 1990.