domingo, 21 de octubre de 2018

Penny de los Santos

Penny de los Santos es una fotógrafa estadounidense (nacida en Alemania, vive en Ciudad de Nueva York) cuyo trabajo abarca desde las históricas sociedades gastronómicas masculinas del País Vasco, hasta los mercados asediados por los terroristas más suicidas en Jerusalén y fotografiar la cultura ha sido la esencia de su trabajo. Su evolución hacia la fotografía de alimentos le ha permitido explorar y celebrar la cultura, la historia y las diversas comunidades a través de la lente de los alimentos.

© Penny de los Santos

© Penny de los Santos

Biografía

Penny De Los Santos nació en Europa en el seno de una familia militar estadounidense que posteriormente se estableció en un pequeño pueblo de Texas, con generaciones de historia familiar ligadas a la frontera de Texas y México. Este trasfondo inspiró su curiosidad sobre la cultura y comenzó a fotografiar como una forma de entender su propia identidad y antecedentes culturales diversos. Tiene un master en School of Visual Communication por la Universidad de Ohio y una licenciatura en Periodismo de la Universidad Texas A&M.

Ha viajado mucho a lo largo de los EEUU y más de 30 países en encargos y asignaciones. Es una fotógrafa publicada internacionalmente, colaboradora senior de la revista Saveur y fotógrafa colaboradora habitual de la revista National Geographic. Su trabajo ha sido publicado en revistas como Martha Stewart Living, Bon Appetit, Time, News Week, Sports Illustrated, Mother Jones, Latina, Texas Monthly, Budget Travel, Caribbean Travel, U.S. News & World Report y Paris Match. Ha sido contratada por numerosas editoriales para libros de cocina.

Ha recibido numerosas becas y premios por su fotografía, como la National Geographic Photography Grant, Eastman Kodak Photography Grant, Canon USA Photography Grant, The Eddie Adams Photography Grant, California New Media Award, Ohio University School of Visual Communication Photography Grant y The Parson’s School of Design Marty Fortier Fellowship. También fue invitada a la prestigiosa Joop Stewart Master Class.

Ha sido oradora destacada en muchas universidades y conferencias sobre fotografía en su país, y está representada por Judy Casey INC.

Referencias

Libros

sábado, 20 de octubre de 2018

Sanja Iveković

Sanja Iveković  es una fotógrafa, escultora y artista de instalaciones croata (nacida en 1949 en Zagreb, donde vive y trabaja) cuyo trabajo aborda temas como la identidad femenina, los medios de comunicación, el consumismo y los conflictos políticos. Está considerada como una de las artistas más importantes de la antigua Yugoslavia, y continúa inspirando a muchos artistas jóvenes.

© Sanja Iveković

© Sanja Iveković

Biografía

Sanja Iveković nació en la antigua Yugoslavia y estudió gráficas en la Academia de Bellas Artes de Zagreb desde 1968 hasta 1971. Su carrera artística comenzó durante la primavera croata a principios de la década de los 70 cuando, junto con otros artistas, la generación conocida como Nova Umjetnička Praksa (Nueva Práctica Artística), se separó de los escenarios principales para utilizar de forma pionera el video, los fotomontajes conceptuales y las perfomances. Este grupo cuestionó el papel del arte en la sociedad, esforzándose por democratizar el espacio artístico al separarse de los entornos institucionales y galerías principales y comenzaron a utilizar actuaciones y materiales baratos y accesibles. Vivir y trabajar en un contexto político turbulento durante muchos años planteó cuestiones relacionadas con las estructuras sociales, la política de género y la identidad.

Gran parte del trabajo de Sanja se centra en su propia vida y en el lugar de las mujeres en la sociedad actual. Fue la primera artista en Croacia en etiquetarse a sí misma como artista feminista. Ha sido una pieza clave en el Centro de Estudios de la Mujer de Zagreb desde que abrió en 1994.

Su activismo se extiende más allá de su trabajo artístico: ha fundado o ha estado comprometida con organizaciones de mujeres croatas como ELEKTRA-Women's Art Center, B.a.B.e., Centro Autónomo Cultural - ATTACK !, Centro para Mujeres Víctimas de Guerra y la Asociación de Feministas.

Desde el inicio de su carrera artística, Iveković siempre ha estado interesada en la representación de las mujeres en la sociedad, como se puede ver en sus trabajos:

  • Double Life (1975), donde combina 66 fotografías de su vida privada con tomas de modelos similares en anuncios de revistas.
  • Make Up-Make Down (1978), con autorretratos filmados o fotografiados,
  • General Alert: Soap Opera (1995) producida para televisión
  • Figure & Ground (2006), donde muestra collages de modelos femeninas que lucen como terroristas armados cubiertos de sangre y vistiendo ropa inspirada en el ejército por los mejores diseñadores.
  • Women's House (en curso desde 1998), en el que muestra moldes de yeso de las caras de mujeres maltratadas.
  • Women's House (Sunglasses)es una serie de carteles, carteles publicitarios e inserciones de revistas, centradas en la violencia de género en la Croacia postcomunista.
  • On the Barricades (2010) fue un memorial viviente que conmemora el levantamiento del pueblo de Gwangju (Corea del Sur) en 1980.

En 2009, ganó el premio Camera Austria, en reconocimiento de su trabajo conceptual, la actualidad de su trabajo y su importancia para la generación más joven, así como su compromiso social y político para mejorar el papel de las mujeres en la sociedad. En 2014 fue seleccionada para el premio Artes Mundi, exhibiendo sus obras basadas en fotografías, GEN XX (1997-2001) y The Disobedient en la galería Turner House en Penarth, Gales.

Ha realizado numerosas exposiciones y perfomances, desde su primera en SC Gallery en Zagreb en 1970 hasta las más recientes 10.000 Lives en la Eighth Gwangju Biennale en 2010, Sanja Iveković: Sweet Violence en el MoMA de Nueva York en 2012 y Sanja Iveković: Unknown Heroine en la South London Gallery y en Calvert 22 en Londres en 2012 y 2013.

Referencias

Libros

viernes, 19 de octubre de 2018

Eva Vermandel

Eva Vermandel es una fotógrafa belga (nacida en 1974, vive en Londres desde 1996) principalmente conocida por sus retratos inmóviles y atemporales que a menudo llevan referencias a la pintura de los flamencos primitivos, de Ingres, Bronzino, …).

EvaVermandel

Alice and Vicky, Stroung Green, February 2015 © Eva Vermandel

Biografía

Eva Vermandel desafía la definición de belleza de la cultura pop. Contrariamente a la fotografía descriptiva en la que las personas simplemente toman fotografías de sus alrededores sin llegar a profundizar, ella intenta capturar personas y objetos en sus estados más íntimos.

Para conseguir esto, Eva simplemente trabaja con su cámara, sin asistentes, sin luces artificiales, solo momentos reales, naturales capturados por su cámara analógica con luz natural.

Como fotógrafa editorial desde hace unos 20 años, continúa utilizando la película Portra 800 con la que ha fotografiado a íconos como Amy Winehouse, Ian McKellen, Rufus Wainwright y Matt Damon. Dividiendo su tiempo entre la editorial y la fotografía artística, su obra ha sido adquirida por el Victoria & Albert Museum y otras prestigiosas , como la National Galleries of Scotland en Edimburgo y la National Portrait Gallery de Londres,

Ha expuesto individualmente en la Galería Douglas Hyde en Dublín, en la Galería Whitechapel y en el ICA en Londres. Sus fotografías han aparecido en una amplia gama de revistas como The Wire, Telegraph Magazine, Independent Magazine, Mojo, The New York Times Magazine y W (EEUU).

Hasta el momento ha publicado 4 libros:

  • Alabama Chrome: un ensayo fotográfico sobre el auge económico en Irlanda en su apogeo en 2006.
  • Med sud í eyrum vid spilum endalaust: un diario fotográfico de la banda islandesa Sigur Rós, a los que acompañó durante el proceso de grabación y gira entre abril y junio de 2008.
  • Splinter: una monografía sobre su obra creada entre 2006 y 2012.
  • Sydney Festival 40 Portraits: una colección de 40 retratos realizados para este festival.

Referencias

Libros

  • Sydney Festival 40 Portraits, 2016.
  • Splinter, 2013.
  • Með suð í eyrum við spilum endalaust, 2008.
  • Alabama Chrome, 2006.

jueves, 18 de octubre de 2018

Juan Manuel Castuera

Juan Manuel Castuera fue un fotógrafo gallego (nacido el 31 de diciembre de 1921 en Gondomar, Pontevedra, fallecido en Santiago de Compostela el 8 de abril de 1990) que cultivó paisajes y marinas gallegos con estilo pictorialista y el retrato, principalmente de niños, que le proporcionó un gran prestigio.

© Juan Manuel Castuera

© Juan Manuel Castuera

Biografía

Juan Manuel Castuera Alonso se trasladó a Pamplona con sus abuelos y tíos paternos, tras la muerte de su madre cuando él tenía 10 años. Dos años después regresó a Pontevedra, donde pasó su juventud. Cumpliendo el servicio militar en Pontevedra fue designado como fotógrafo del Regimiento de Artillería de Costas, aprendiendo el oficio y, una vez licenciado en 1945 decidió dedicarse a la fotografía. Se trasladó por las poblaciones gallegas compaginando la fotografía de paisaje con numerosos encargos: retrato infantil, selvicultura, publicidad, etc, llevando en ocasiones el laboratorio consigo.

Rápidamente entró en relación con el mundo artístico pontevedrés de los años 40, como Valentín Roldán, Schmidt de las Heras y el pintor Xosé Conde Corbal. De este último aprendería conceptos artísticos que reflejaron en su trabajo una notable influencia pictorialista. Expuso en A Coruña, Vigo, Santiago, Pontevedra y Ferrol y participó y fue premiado en numerosos concursos de ámbito nacional.

En su vida fue muy importante el pintor Rafael Alonso, con quien recorrió Galicia en su juventud, el uno pintando y el otro fotografiando, muchas veces los mismos temas. Fue igualmente maestro y amigo del fotógrafo Manuel Ferrol, con quien realizaría algunos proyectos en común.

A finales de la década de los 40 y principios de los 50 realizó sus mejores obras, al ir adquiriendo un mayor dominio de la técnica fotográfica. Sus instantáneas recogen y reflejan fundamentalmente el paisaje gallego, sobre todo marinas, con especial atención en los efectos de la atmósfera y el clima, inclinándose por los contraluces y los reflejos del mar que le apasionan. A partir de 1948, se especializó en retrato infantil, que firmaba como Jose Manuel.

En 1954 se trasladó a Montevideo (Uruguay), donde contrajo matrimonio y fijó su residencia, pero no obtuvo allí el reconocimiento alcanzado en Galicia, teniendo que aceptar trabajos no relacionados con la fotografía. Regresó a España en 1966 con su mujer y sus tres hijas, estableciéndose en Madrid.

Colaboró con el diario La Noche, de El Correo Gallego, y trabajó además como fotógrafo del Ministerio de Información y Turismo, y como fotógrafo de estudio de Televisión Española en Galicia, donde llegó a dirigir el archivo fotográfico y la filmoteca durante los últimos años de su vida. Durante los 70 retrató a conocidos personajes del mundo del espectáculo y el deporte, como Sara Montiel o el tenista Manolo Orantes, y trabajó en la sección de documentación y archivo de NO-DO.

Su producción fotográfica la conserva su viuda, Olga Piedras Salgueiro. En el año 2001, el Museo de Pontevedra organizó una exposición de sus fotografías realizadas entre 1946 y 1956, reuniendo un total de 75 imágenes, clasificadas en torno a sus dos grandes temas: paisaje y retrato.

Referencias

Libros

  • Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI, 2013.
  • Juan Manuel Castuera. Paisajes y retratos 1946- 1956, 2001.

miércoles, 17 de octubre de 2018

Ariana Lindquist

Ariana Lindquist es una fotógrafa estadounidense (vive en Nueva York y trabaja por todo el mundo) cuyas fotografías complementan gráficamente gran cantidad de noticias y artículos en todo el mundo y de todo tipo, sobre todo aquellas que tienen origen en China. También desarrolla sus propios proyectos fotográficos documentales.

© Ariana Lindquist

© Ariana Lindquist

Biografía

Ariana Lindquist colabora como fotoperiodista con escritores y en equipos para crear reportajes galardonados y de interés periodístico, además de trabajar de forma independiente para producir proyectos documentales autodirigidos.

Su trabajo ha sido reconocido por World Press Photo, NPPA: Best of Photojournalism, White House News Photographers Association, Int'l Photography Awards y la Independent Book Publishers Association, entre otros, así como por Fulbright para China.

Se siente cómoda y experimentada en ambientes diversos y desafiantes. Tal vez lo más difícil para ella fue trabajar como fotoperiodista durante 7 años en China, en un momento en el que no permitía demasiado la libertad de prensa. Allí, fotografió extensamente noticias de última hora sobre temas sociales, económicos, de viajes para el New York Times, la revista TIME,  The Atlantic, NPR, Savure y otras organizaciones internacionales de noticias. Además, en Oriente Medio, ha documentado respetuosamente el ámbito íntimo y femenino de la vida familiar.

De vuelta en Estados Unidos, navega por diversas esferas sociales y culturales, produciendo trabajos que van desde la documentación de la vida familiar de los Amish hasta la fotografía de jefes de estado mundiales durante eventos diplomáticos de alto nivel como fotógrafo de la ONU. En situaciones delicadas o peligrosas, le ayuda su habilidad para mezclarse con el fondo, permitiéndose documentar discretamente el flujo natural de los eventos.

Es la autora de las fotografías del aclamado libro Green Card Stories, una colección de historias modernas de inmigración estadounidense que ha ganado cinco premios nacionales.

Referencias

Libros

martes, 16 de octubre de 2018

Claire Carter

Claire Carter es una fotógrafa inglesa (nacida en enero de 1958, vive en Cleobury Mortimer, Shropshire) que realiza fotografía de paisaje y naturaleza.

Sunset and Mists in Shropshire © Claire Carter

Sunset and Mists in Shropshire © Claire Carter

Biografía

Claire Carter ha sido maestra de niños con dificultades de aprendizaje durante 35 años. Enseñar a niños con dificultades graves de aprendizaje era un trabajo difícil y necesitaba una forma de relajarse y escapar del trabajo. Toda su vida le había gustado la pintura y también estar al aire libre, caminar y disfrutar de la naturaleza y ese fue su escape de trabajo. Hace unos 20 años descubrió la fotografía y poco a poco fue dejando la pintura por la fotografía y ésta se convirtió en su pasión.

Su interés en la fotografía de naturaleza nació del deseo de grabar momentos especiales para inspirar sus pinturas pero después fue tomando vida propia. Su pasión es capturar cómo la luz transforma una escena y compartir esos momentos fugaces y únicos. Su trabajo es un simple pretexto para visitar ‘lugares que te quitan el aliento’ y pasar horas observando el efecto de la luz en una escena, experiencia que puede compararse con el desenlace de un ‘drama’.

Durante los últimos 20 años sus fotografías se han utilizado en una extensa cantidad de publicaciones y su trabajo ha sido reconocido en competiciones internacionales de fotografía, como en el premio de la revista Outdoor Photography en la categoría Luz sobre la Tierra

Con el éxito que consiguió decidió hace unos años dejar de enseñar y centrarse en la fotografía. Claire dirige talleres de fotografía en el Reino Unido y en el extranjero.

Referencias

lunes, 15 de octubre de 2018

Jo Metson Scott

Jo Metson Scott es una fotógrafa inglesa (nacida en 1978 en Exeter, vive y trabaja en Londres) cuya obra trata principalmente de retrato y de  documentales cuyo trabajo destaca principalmente la relación entre las personas y sus comunidades, capturando con elegantes y sutiles imágenes, las situaciones más cotidianas del ser humano, documentando la realidad con una luz suave.

© Jo Metson Scott

© Jo Metson Scott

Biografía

Jo Metson Scott creció en Nottingham. Cuando tenía 10 u 11 años, tuvo su primera incursión en la fotografía haciendo  fotos en el campo a su hermano de 4 o 5 años vestido con ropa de estilo victoriano, con la Olympus OM1 de su padre. Se graduó con matrícula de honor en el Instituto de Arte y Diseño de Birmingham en 2002, y trabajó varios años como asistente de Kayt Jones.

Siempre le han interesado diferentes estilos de fotografía, no solo el retrato, sino el documental, la moda y la naturaleza muerta. En su trabajo personal, cree que la combinación de la imagen con la palabra escrita es una relación que ha evolucionado, convirtiéndose las palabras en una parte importante de la fotografía, llegando a ser una parte integral de su trabajo en proyectos como The Gray Line, The Borderland y Greece - Refugee Support.

Ha expuesto en el Reino Unido y Europa, incluyendo en el Galería de Arte del Castillo de Nottingham, el Festival de Fotografía de Hereford, London College of Fashion, Festival de Fotografía de Arles y 54ª Bienal de Venecia. En el 2012, fue galardonada con el Firecracker Grant por su libro, The Gray Lines.

Jo comenzó este proyecto alrededor de 2008. Centrado en los soldados estadounidenses que tenían dudas morales sobre su participación en la guerra de Irak y con un innovador estilo de cuaderno de bocetos, que combinaba entrevistas escritas a mano y retratos de los ex soldados, lo publicó en libro en 2013.

And Then ... es un proyecto de colaboración con el artista Nicola Yeoman comenzado en 2006 y que está formado por  fotografías etéreas que muestran mundos místicos y hermosos creados en paisajes boscosos.

Otro  proyecto documental de larga duración es Gym Boy, donde retrata a gimnastas jóvenes y el cómo su mente y cuerpo son esculpidos por las presión de la formación del equipo élite de Gran Bretaña.

Ha realizado encargos y publicaciones para The New York Times, Le Monde, British Vogue, The Telegraph, Holiday Magazine y FT.

Está representada por Webber Represents y es directora creativa de Pleasure Garden Magazine.

Referencias

Libros

domingo, 14 de octubre de 2018

Nadia Lee Cohen

Nadia Lee Cohen es una cineasta, fotógrafa y artista del autorretrato inglesa (nacida el 15 de noviembre de 1990, vive en Los Angeles, EEUU) cuya obra se inspira en el cine británico y estadounidense de los años 50, 60 y 70, explorando mayormente la paradoja entre la fuerza y ​​la fragilidad de la mujer.

© Nadia Lee Cohen

© Nadia Lee Cohen

Biografía

Nadia Lee Cohen comenzó a estudiar fotografía en 2011 en el London College of Fashion. Su inspiración viene del cine, principalmente de las películas Los pájaros de Hitchcock, Blue Velvet de David Lynch, Gummo de Harmony Korine, Pink Flamingos de John Waters y The Shining de Stanley Kubrik.

En 2012, su retrato American Nightmare, inspirado en una escena con un disfraz de perro de The Shining inspiró consiguió el premio Taylor Wessing Portrait de la National Portrait Gallery. Continuó estudiando para obtener un master en fotografía de moda en el London College of Fashion. Mientras tanto, impulsada por su amor por la narrativa en el cine y la fotografía cinematográfica, reunía accesorios y muebles de los años 60 y 70 y comenzó a construir escenarios surrealistas como los de Lynch en una habitación libre en la casa de sus padres con un presupuesto estudiantil reducido.

En 2014, ganó un premio Better Lives Award del London College of Fashion, lo que le permitió viajar a través de la costa oeste de América y se encontró con un paisaje nuevo y alucinante, que le permitió avanzar en su estilo. Las fotografía que realizó se exhibieron en una exposición en la Victoria House Gallery en Londres, en las que acentúa la decadencia glamurosa de los años 50 y 60 en Estados Unidos. A menudo desnudos, sus seres humanos demasiado estereotipados se convierten en personajes sobrenaturales de su ficción visual.

En 2015 Lee se graduó en el London College of Fashion e hizo su segundo viaje a Estados Unidos para comenzar su serie personal 100 Naked Women como una respuesta directa al aumento de la censura online al cuerpo femenino. En esta serie selecciona cuidadosamente a las mujeres para que presenten, escenifiquen escenas y construyan narrativas que ella ha imaginado previamente. Las pocas imágenes que han trascendido de esta serie han despertado gran interés entre numerosas publicaciones, como Juxtapoz, Huffington Post y New York Magazine. Continúa desarrollando esta serie entre Los Ángeles y Londres.

En 2016, consiguió gran notoriedad a través de su presencia Instagram, en el que su propia imagen a veces reemplaza a los personajes en sus fotografías.

Referencias

sábado, 13 de octubre de 2018

Agata Cardoso

Agata Cardoso es una fotógrafa (con base en Londres) cuya obra artística se centra principalmente en la forma femenina, tratando las muchas complejidades del cuerpo femenino y la identidad.

Pietá © Agata Cardoso

Pietá © Agata Cardoso

Biografía

Agata Cardoso siempre ha sido una persona muy visual. Con 16 años se interesó por la fotografía y sus padres le compraron una Pentax de 1962, una cámara completamente manual. Después de terminar sus exámenes, hizo un curso de iniciación a la fotografía de 10 semanas en la Universidad de Lambeth, donde aprendió a disparar y a revelar carretes de blanco y negro de 35mm.

En su segundo año de licenciatura en Bellas Artes, se especializó en fotografía, aprendiendo a fotografiar en formato medio y en formato grande, y a revelar a mano en color, lo que le impactó. Pero se dio cuenta de que lo suyo era el blanco con una post producción muy elaborada que es tan importante para ella como la toma. Odia la perfección, le encantan los arañazos, el polvo, y ha desarrollado una técnica para alterar sus negativos con dibujos, agua caliente y agua helada.

Su temática principal se enfoca principalmente en el cuerpo y sus diferentes estados: el cuerpo dañado, lo inusual, lo inaceptable, lo extraño y lo atractivo. Junto con sus sueños y pesadillas, su trabajo es de una oscuridad angustiada. Evita caer en las trampas del post-feminismo liberal, rechaza el llamado feminista de extender la "humanidad" masculina a las mujeres y, en cambio, abraza la patología y la abyección, o en sus propias palabras "misticismo femenino y fuerza espiritual", a las que las mujeres y otros han sido condicionadas.

En los últimos 10 años ha sido ampliamente expuesta y publicada. Tuvo su primera exposición individual en la galería SOMA en Berlín en 2016. Es editora de arte para la revista feminista HYSTERA que organizó la exposición, y en 2017 publicó en la portada de Fricktion, una revista danesa. Cree que la escena artística europea tiene mucho más para ofrecer en este momento que en el Reino Unido, donde en general es más difícil mostrar su trabajo, obtener una entrevista o incluso ser publicada, por el contenido de su obra, teniendo muchos problemas con la desnudez y la censura.

Actualmente está investigando la histeria en el siglo XIX en París con el objetivo de construir una serie de impactantes imágenes que capturen la esencia de la histeria de conversión. Esto se convertirá en una mini serie que coincidirá con su serie principal Archetypes.


Referencias

viernes, 12 de octubre de 2018

Elizabeth Messina

Elizabeth Messina es una fotógrafa estadounidense que realiza principalmente fotografía de bodas y de historias de amor de la gente.

© Elizabeth Messina

© Elizabeth Messina

La vida es hermosa ... el amor es hermoso ... la belleza está frente a mí. El truco para capturarla de una manera emotiva y suave es este: primero, aprender a identificar y utilizar la hermosa luz natural, y segundo, ser genuino y estar tranquilo mientras se trabaja. El elemento más importante en cualquier fotografía es la luz. También es importante reconocer que cualquier imagen es una colaboración: cuanto más relajado esté el sujeto, más se verá reflejada su belleza natural en una imagen.

Biografía

Elizabeth Messina comenzó su amor por la fotografía hace mucho tiempo, cuando su madre le regaló su primera cámara con 12 años. Estudió en el San Francisco Art Institute donde aprendió mucho, pero gran parte de su estilo se ha desarrollado a lo largo de los años a través del ensayo y el error. Ha revelado miles de rollos de película y tiene una inclinación apasionada hacia la luz natural, con un estilo personal, glamouroso, delicado, cremoso y suave, conseguido por la sobreexposición y la escasa profundidad de campo del objetivo Carl Zeiss 80/2 en la Contax 645 que utiliza para la mayor parte de sus trabajos.

Hoy en día, es una artista y madre de tres hijos felizmente casada, que tiene la mayoría de los días una cámara en la mano y está creando imágenes de los deliciosos momentos de la vida de la gente. Además de bodas por todo el mundo, también realiza fotografía de niños y sesiones boudoir.

Sus fotografías adornan portadas y páginas de innumerables revistas, y continúan llevándola a los rincones más remotos del mundo.

Su primer libro, The luminous portrait, ofrece una visión íntima de su proceso creativo. El segundo, Adornements, captura la belleza de las flores hechas a mano de la diseñadora Myra Callan, etc. El más reciente, The silver lining, es una  guía de apoyo, inspiración y belleza visual para el cáncer de mama, en colaboración con su amiga Hollye Jacobs.

Referencias

Libros

jueves, 11 de octubre de 2018

Amy Toensing

Amy Toensing es una fotoperiodista estadounidense (nacida en New Hampshire, vive en Hudson Valley en Nueva York) que se dedica a contar historias con sensibilidad y profundidad, siendo principalmente conocida por sus ensayos íntimos sobre la vida de la gente común.

NABADWIP, WEST BENGAL, INDIA - APRIL 05, 2016: Bhakti Dashi, 75 years old from Bangladesh, says she has been living in Nabadwip Bhajanashram ashram since Bangladesh Independence around 25 years ago. Bhakti lives in the back area of the ashram, behind the temple with a few other widows. During they day other widows come to the ashram to pray and chant in exchange for food. — © Amy Toensing

NABADWIP, WEST BENGAL, INDIA - APRIL 05, 2016: Bhakti Dashi, 75 years old from Bangladesh, says she has been living in Nabadwip Bhajanashram ashram since Bangladesh Independence around 25 years ago. Bhakti lives in the back area of the ashram, behind the temple with a few other widows. During they day other widows come to the ashram to pray and chant in exchange for food. — © Amy Toensing

Biografía

Amy Toensing obtuvo una licenciatura en Ecología Humana en el College of the Atlantic de Maine. Comenzó su carrera profesional en 1994 como fotoperiodista en su periódico local, The Valley News, en New Hampshire. Luego trabajó para The New York Times en la oficina de Washington D.C. cubriendo la Casa Blanca y el Capitolio durante la administración Clinton. En 1998, dejó Washington D.C. para estudiar un master por la Escuela de Comunicación Visual de la Universidad de Ohio.

Toensing ha sido colaboradora habitual de la revista National Geographic durante más de una década y recientemente publicó su 15º historia documental. Ha cubierto culturas de todo el mundo, incluida la última tribu de moradores de cuevas de Papúa Nueva Guinea, los maoríes de Nueva Zelanda y el Reino de Tonga. También ha cubierto temas como la devastación causada por el huracán Katrina y las mujeres musulmanas que viven en la cultura occidental. Durante 3 años estuvo documentando a los aborígenes de Australia para una historia que se publicó en 2013 en National Geographic Magazine.  Uno de sus más recientes trabajos es una historia sobre la problemática de las viudas en el mundo para la revista National Geographic en asociación con The Pulitzer Center for Crisis Reporting.

Ha sido seleccionada para Women of Vision, una exhibición itinerante de National Geographic, que incluye diversas fotos de las 11 fotoperiodistas más reconocidas de esta revista.

Su trabajo de Amy en todo el mundo y reconocido con numerosos premios, incluyendo una exhibición en Visa Pour L’image de 2012 en Perpiñán. También ha publicado en Smithsonian, The Boston Globe, The Wall Street Journal, Newsweek, Time Magazine y National  Geographic Traveler. Una fotografía que hizo en el interior de Australia fue elegida como una de las 50 mejores fotos de la revista National Geographic.

También está comprometida en enseñar fotografía a niños y jóvenes de comunidades marginadas. Ha colaborado con la ONG VisionWorkshops trabajado con refugiados somalíes y sudaneses en Maine y refugiados birmanos en Baltimore, y recientemente viajó a Islamabad para enseñar fotoperiodismo a jóvenes paquistaníes. En octubre, Amy viajó a Sudán del Sur, reuniendo a adultos jóvenes de tribus de guerreros para aprender sobre fotoperiodismo y ayudarlos a capturar sus propias historias personales sobre la guerra.

Vive en el Hudson Valley de Nueva York con su esposo Matt Moyer, quien también es fotoperiodista, y con quien tiene M ROCK Productions, una productora de imágenes.

Referencias

miércoles, 10 de octubre de 2018

Fay Godwin

Fay Godwin fue una fotógrafa inglesa (nacida el 17 de febrero de 1931 en Berlín, Alemania, y fallecida el 27 de mayo de 2005 en Hastings, Inglaterra) reconocida por sus impresionantes fotografías en blanco y negro del paisaje de la campiña británica y de su costa. También produjo una extensa serie de retratos de figuras literarias.

Leaping lurcher, 1972 © Fay Godwin

Leaping lurcher, 1972 © Fay Godwin

Biografía

Fay Simmonds nació en Berlín, Alemania, de padre diplomático británico y madre artista estadounidense. Fue educada en escuelas por todo el mundo, hasta que en 1958 se estableció en Londres. Se casó con Tony Godwin, editor jefe en  Penguin Books, en 1961 y comenzó a interesarse en la fotografía en 1966 fotografiando a sus 2 hijos pequeños.  Aprendió ella sola a revelar y a positivar, y después de que ella y su esposo se separaran en 1969, decidió convertirse en fotógrafa profesional

Fay, como estaba muy introducida en el mundo editorial, produjo retratos de docenas de escritores famosos, fotografiando casi todas las figuras literarias importantes en los años 70 y 80 en Inglaterra, así como numerosos autores extranjeros visitantes. Normalmente fotografiaba en las casas de los escritores y retrató a Kingsley Amis, Philip Larkin, Saul Bellow, Angela Carter, Margaret Drabble, Günter Grass, Ted Hughes, Clive James, Philip Larkin, Doris Lessing, Edna O'Brien, Anthony Powell , Salman Rushdie, Jean Rhys y Tom Stoppard.

Su ex-marido murió repentinamente en 1976 y casi al mismo tiempo ella fue diagnosticada con cáncer. Godwin se recuperó, pero la dirección de su trabajo comenzó a cambiar concentrándose en el paisaje ya que las cosas naturales se volvieron mucho más importantes para ella.

Su primer libro, The Oldest Road: An Exploration of the Ridgeway  realizado con el escritor J.R.L. Anderson en 1975, presentó los paisajes de North Dowsex Downs y Chilterns, centrándose en las características antiguas del paisaje, como los Círculos de piedra neolíticos de Avebury y el prehistórico White Horse en Uffington. En 1978 recibió un importante premio del Arts Council, permitiéndole continuar su trabajo fotografiando los paisajes de las Islas Británicas y que se publicó mayormente en su serie y libro Land. Su trabajo editorial ha sido muy importante, realizando casi una veintena de libros, gran parte de ellos junto con diversos escritores y poetas.

En la década de 1990 le ofrecieron una beca en el Museo Nacional de Fotografía, Cine y Televisión (actualmente Museo Nacional de Medios) en Bradford, que impulsó su trabajo hacia el color y el documental urbano. También comenzó a tomar primeros planos de formas naturales. Entre otros galardones y reconocimientos, obtuvo una beca de la Erna and Victor Hasselblad Foundation para trabajar sobre la contribución de los pequeños granjeros en el carácter del paisaje de la región inglesa de Cumbria.

En 2001 se realizó una importante retrospectiva de su trabajo en la Galería Barbican, y al año siguiente fue galardonada con un Doctorado Honorario de Arte por la De Montfort University. Los últimos años, aquejada por enfermedades del corazón, bajó mucho su actividad fotográfica.

Tras su muerte, su archivo, todo el contenido de su estudio: negativos, hojas de contacto e impresiones de exhibición (alrededor de 11.000 copias en total), así como la correspondencia con algunos de sus modelos, como Ted Hughes, Philip Larkin y Doris Lessing, fue entregado a la British Library.

Referencias


    Libros

    • Rebecca the Lurcher, 1973.
    • The Oldest Road: An Exploration of the Ridgeway, 1975.
    • The Oil Rush, 1976.
    • The Drovers Roads of Wales, 1977.
    • Islands, 1978.
    • Remains of Elmet: A Pennine Sequence, 1979.
    • Romney Marsh and the Royal Military Canal, 1980.
    • Tess: The Story of a Guide Dog, 1981.
    • The Whisky Roads of Scotland, 1982.
    • Bison at Chalk Farm, 1982.
    • The Saxon Shore Way from Gravesend to Rye, 1983.
    • The National Trust Book of Wessex, 1985.
    • Land, 1985.
    • The Secret Forest of Dean, 1986.
    • Our forbidden land, 1990.
    • Elmet, 1994.
    • The Edge of the Land, 1995.
    • Glassworks & Secret Lives, 1999.
    • Landmarks, 2001.

    martes, 9 de octubre de 2018

    Ernestine Ruben

    Ernestine Ruben es una fotógrafa estadounidense (nacida el 19 de julio de 1931 en Detroit, Michigan, vive y trabaja en Princeton, Nueva Jersey y en Nueva York) que ha fotografiado el cuerpo humano con gran énfasis y aplica su amor a la vida a los paisajes y la arquitectura. Considera de gran importancia la referencia a la vida humana y su interacción con nuestros entornos.
    ErnestineRuben
    © Ernestine Ruben

    ¿Cómo puede nuestra imaginación tomar cualidades de la 'vida real'? ¿Se mueve la luz, puede el ojo ir más allá de lo que uno ve? ¿Sentimos el flujo de la vida? En su totalidad, mis obras ofrecen una reflexión continua sobre la supervivencia humana. pretenden hacernos conscientes del carácter sensual del cuerpo, el espíritu, la naturaleza, el espacio y el material, de la interpenetración de las dimensiones innumerables de nuestro entorno y de la intersección de esas dimensiones en la vida humana.

    Biografía

    Ernestine Ruben creció rodeada de arte y artistas. Estudió Historia del Arte en la University of Michigan en Ann Arbor, Michigan y recibió un master en Educación de Arte por la Wayne State University en Detroit, Michigan. La mayor parte de su vida se ha centrado en el arte: crecer con él, estudiar la historia del arte y enseñar artes visuales en todos los niveles.
    Familiarizada con el cuerpo humano a través de su trabajo anterior en escultura, comenzó su trabajo en el medio fotográfico con el mismo tema, trascendiendo tanto la cámara como el proceso para enfocarse y celebrar el espíritu y la energía humanos. Después, amplió sus horizontes para fusionar la fotografía con espectáculos de danza, escultura, vidrio, arquitectura y moda. Su objetivo es hacer que la fotografía sea más tridimensional, más presente y más viva.
    También ha trabajado en procesos antiguos, incluidos pigmentos, encáusticas sobre pigmentos y goma bicromatada, a menudo combinándolos con la nueva tecnología digital. En la actualidad continúa buscando nuevas direcciones y estudia las relaciones entre la construcción arquitectónica, el espacio, el sonido y la imagen visual.
    Su obra forma parte de numerosas colecciones privadas y públicas, incluidos los museos de las universidades de Princeton, Stanford, Michigan y la University of the Arts, los museos de arte de Filadelfia, Houston y Detroit, así como en el Museum of Modern Art (MoMA) en Nueva York, la Maison Europeene de la Photographie y la Biblioteca Nacional de París.
    Ha realizado numerosas exposiciones individuales y colectivas, y, recientemente, retrospectivas en muchos museos y galerías. Obtuvo la beca New Jersey State Arts Council Fellowship. Su trabajo ha aparecido recientemente en Photofest en Houston y Les Rencontres Internationales en Arles, y ha tomado forma en ocho monografías y se puede encontrar en muchas otras publicaciones. Su libro In Human Touch ganó el premio al mejor libro de fotografía de 2002 por la Asociación Internacional de Editores.

    Referencias

    Libros

    • In Human Touch, 2001.
    • Ruben on Rodin, 2000.
    • A Book of Photographs, 1996.
    • Ernestine Ruben. A Retrospective Exhibition of Photography, 1993.
    • Ernestine Ruben: Forms and Feelings, 1990.
    • Ernestine Ruben, Photographs, 1989.
    • Entre Deux, 1987.

    lunes, 8 de octubre de 2018

    Renan Cepeda

    Renan Cepeda es un fotógrafo brasileño (nacido en 1966 en Rio de Janeiro, donde vive y trabaja) reconocido por su investigación en técnicas fotográficas inusuales como la fotografía infrarroja y la pintura con luz.

    RenanCepeda

    © Renan Cepeda

    Biografía

    Renan Cepeda nació en Río de Janeiro de una familia portuguesa, y comenzó  a hacer fotografías en blanco y negro a la edad de 11 años. Se graduó en Mecánica Industrial por el CEFET-RJ y estudió Comunicación en la Faculdade da Cidade. Su experiencia se enriqueció con el fotoperiodismo en el periódico Jornal do Brasil entre 1988 y 1993, trabajando en todos los departamentos desde moda, a noticias, pasando por retratos y deporte. Cepeda ha colaborado en los periódicos y revistas más importantes de Brasil, como Veja, Epoca, Isto E, Elle, Exame y Folha de Sao Paulo y ocupó el puesto de corresponsal de la agencia francesa SIPA-Presse de 1993 a 1995. 

    Renan ha estado investigando con película infrarroja desde 1991, haciendo ensayos de fotografía de paisajes especialmente utilizando esta técnica. Más recientemente, ha trabajado con películas de tungsteno para hacer imágenes durante la noche. Usando una linterna, largas exposiciones y filtros de color, ha creado imágenes sorprendentes y surrealistas de personas y casas abandonadas.

    En 1996, inició la exposición colectiva Arte de Portas Abertas y la asociación Chave Mestra  - Asociación de Artistas Visuales de Santa Teresa, ambas en el barrio Carioca de Santa Teresa de Río de Janeiro donde mantiene su atelier.

    Habiéndose dedicado a la fotografía artística, Renan ha sido reconocido por su investigación en técnicas fotográficas inusuales como la fotografía infrarroja y la pintura con luz. Ejemplo de su trabajo con infrarrojos es su serie Pichacoes que recibió el Premio Internacional Agfa Photo de 2004, una beca de la Fundación Nacional Histórica y Artística de Pernambuco en 2004 y el Premio de Adquisición del Salao de Santo Andre en Sao Paulo en 2005. También fue exhibida en París en 2005, y en el Museo de Arte Contemporáneo de Olinda, en Pernambuco, Brasil.

    Cepeda apareció recientemente en Magic Realism, una exposición en Tepper Takayama Fine Arts. Su obra forman parte de colecciones públicas y privadas como Joaquim Paiva, Fundación Luz y Alfonso Castillo, BANESPA, BNDES, Antoni Galvao Passos Araujo, Robin Rich, Martha y Atsuyoshi Takayama y ​​el Salao de Santo Andre.

    Referencias

    Libros

    domingo, 7 de octubre de 2018

    Sonja Braas

    Sonja Braas es una fotógrafa alemana (nacida en 1968 en Siegen, vive y trabaja en Alemania y Nueva York) cuyo trabajo es fascinante y secreto al mismo tiempo, tratando temas que van desde perspectivas majestuosas y/o dramáticas sobre la naturaleza o estructuras irritantes por su detalle y repetición, que parecen extrañas y artificiales. Esta impresión es parte de su concepto, ya que las fotografías están tomadas de modelos, previamente construidos con extraordinaria precisión en su estudio. Desde el comienzo de su carrera, aborda la idea de una cierta imagen de la naturaleza influenciada por los medios y el complejo mundo que rodea al individuo.

    © Sonja Braas

    © Sonja Braas

    Biografía

    Sonja Braas estudió Visuelle Kommunikation y Foto-Filmdesign en la Fachhochschule Dortmund en 1991 y en 1992/1993 en la Parsons School of Design en Nueva York. En 1995/1996, recibió una beca Fulbright para fotografía en la School of Visual Arts de Nueva York.

    A los 19 años empezó a viajar, primero a Costa Rica y Guatemala, donde la verdadera jungla se veía diferente de lo que había imaginado que era la naturaleza virgen. Después viajó a Honduras, Nicaragua y El Salvador y luego a Australia, llegando a la conclusión de que no hay ninguna naturaleza independiente de la percepción subjetiva. Este es el concepto fundamental de su fotografía y se ve reflejado en sus series en diferentes variantes:

    • En su serie You Are Here intercala paisajes auténticos con escenarios naturales construidos de jardines zoológicos y museos de historia natural, destacando la utopía romántica de la naturaleza
    • En Forces continúa su investigación de imágenes condicionadas de la naturaleza, con paisajes reales y construidos, pero reflejan el poder amenazante, violento y destructivo de la naturaleza.
    • En The Quiet of Dissolution nos muestra varias catástrofes naturales, muy de cerca, pero son escenas construidas por ella misma en su estudio.
    • En An Abundance of Caution añade nuevos temas, pero sigue simulando fenómenos naturales, objetos o estructuras artificiales.

    Ha sido galardonada con premios como el Rheinhard Wolf Prize, FOCUS Prize y el Kodak Prize for Young Artists. Su obra forma parte de colecciones internacionales como Albright Knox Gallery, Buffalo, Philadelphia Museum of Art, Fotomuseum Winterthur, Städtische Galerie Wolfsburg, Museum Küppersmühle, Duisburg, Sammlung Deutsche Bank, Munich RE y EON AG.

    Referencias

    Libros