domingo, 23 de septiembre de 2018

David Chancellor

David Chancellor es un fotógrafo inglés (nacido en 1961 en Londres, vive en Sudáfrica). Su trabajo lo lleva a través del mundo, desde las tierras tribales de Kenia hasta las sombrías montañas de Escocia. Sus intereses están bordeando esa línea irregular y sangrienta donde Hombre y Bestia se encuentran.

Huntress With Buck, South Africa © David Chancellor

Huntress With Buck, South Africa © David Chancellor

Durante muchos años he estado interesado en la creciente superpoblación del hombre y cómo eso choca con la vida salvaje.

Biografía

David Chancellor estudió en el Kent Institute of Art and Design. Su padre era un fotógrafo aficionado extremadamente entusiasta que "le dio" largas caminatas y sesiones de diapositivas Kodachrome más largas todavía. Heredó de él una Praktika MTL3, demasiado técnica y tan pronto como pudo comenzó a sacar fotos de todo lo que revelaba. Su primer proyecto fue  documentar a los carniceros y comerciantes del mercado Bull Ring en el centro de Birmingham. Allí iba cada fin de semana a hacer retratos el sábado, procesando la película y regresando la semana siguiente para vender las fotos a la gente. Todavía estaba en la escuela pero llegó a ser bastante conocido en el mercado, a realizar encargos y de vez en cuando vendía imágenes al periódico local.

Visualmente sus fotografías son cautivadoras, atractivas y estimulantes. Su pasión por su trabajo le permite tener éxito constantemente en los difíciles temas que elige. Los cuerpos de trabajo resultantes, dentro del reportaje documental, nunca dejan de atraer a la gente y crear un espacio para un diálogo muy necesario.

Ha participado en numerosas exposiciones colectivas e individuales, ha expuesto en importantes galerías y museos y ha publicado en todo el mundo. Su trabajo continúa examinando la mercantilización humana de la vida salvaje.

Su proyecto Hunters explora la relación entre el hombre y el animal, principalmente en Sudáfrica, que tiene actualmente la industria cinegética más grande del mundo. Se materializó en el libro del mismo nombre y su sub-serie Elephant Story en la que vemos a aldeanos locales de Zimbabwe cómo en dos horas reducen el cuerpo de un elefante muerto a los huesos, ganó un premio World Press Photo en 2010. 

Además de este premio ha conseguido numerosos premios y galardones como 3 veces Fotógrafo Nikon del Año, el Taylor Wessing National Portrait Prize en 2010, el premio Sony World Photography Award en la categoría Naturaleza y vida salvaje y el premio Veolia Environnement Wildlife Photographer of the Year en 2012, el premio World Understanding en el Internacional Pictures of the Year, el Premio Internacional de Fotografía de Kuala Lumpur en Retrato, el Vienna International Photo Award en fotografía documental y el Premio Kontinent para fotografía documental en 2013.

  

Referencias

    Libros

    sábado, 22 de septiembre de 2018

    Víctor Lax

    Víctor Lax es un fotógrafo español (nacido en 1979 en Alcolea de Cinca, Huesca, vive y trabaja en Barcelona) que abandonó el fotoperiodismo para pasarse a la fotografía social, un ámbito en el que ha destacado por sus imágenes sin apenas posados ni artificios, en las que cuenta una historia, aportando su estilo nuevo y fresco.

    VictorLax

    © Víctor Lax

    En cada boda mi misión es contar una historia de una forma personal y única, dejando que las cosas fluyan de forma natural. No solo quiero capturar instantes sino las sensaciones y emociones que se generen alrededor de ellos. Quiero ser el fotógrafo invisible de la boda, el encargado de documentar cada uno de esos momentos únicos e irrepetibles que van a ocurrir.

    Biografía

    Víctor Lax estudió fotografía en Zaragoza y descubrió su pasión por ella a través del fotoperiodismo, comenzando de becario en el Periódico de Aragón. Tras diez años trabajando como fotoperiodista para destacados medios españoles como la Agencia EFE o El Heraldo de Aragón, en 2008, en parte empujado por la crisis, decidió dedicarse en exclusiva a la fotografía de bodas, donde tan solo cinco años ha conseguido posicionarse como uno de los más destacados del sector.

    Trasladó sus conocimientos y experiencias en el fotoperiodismo al mundo nupcial, en el que encontró una fuente inagotable de posibilidades creativas, artísticas y narrativas. En el BBC puede hacer lo que más le gustaba de su profesión: contar una historia a través de las imágenes. Con su particular visión a través del objetivo, Lax irrumpió con un nuevo estilo en el mundo de la fotografía de bodas, espontáneo, sin posados ni artificios, sin nada que altere ese día tan especial entre una pareja.

    Entre sus referentes, están otros fotógrafos de bodas como el mejicano Fer Juaristi, tótems como James Nachtwey, Alex Webb, Steve McCurry, Sebastiao Salgado, Mario Testino, Rodney Smith, ... Una combinación de fuentes que se refleja en la multidimensionalidad, calado y estética de su trabajo.

    Víctor se mueve por todo el mundo fotografiando bodas de parejas tanto nacionales como internacionales. El 70% de sus clientes son internacionales y ha viajado a países como Estados Unidos, Italia o Turquía. Muchos son extranjeros que vienen a hacer su reportaje fotográfico, incluso la boda, a España.

    Ha sido galardonado por la web internacional Fearless como el mejor fotógrafo de bodas del mundo de 2016. Fearless photographers en un directorio de fotógrafos de bodas que no tienen miedo a tomar fotografías nupciales diferentes y romper los límites de la profesión para sorprender a los novios en uno de los días más importantes. También ha obtenido otros reconocimientos como ISPWP Junebug Weddings o FDF España.

    Referencias

    viernes, 21 de septiembre de 2018

    Arnau Blanch

    Arnau Blanch es un fotógrafo catalán (nacido el 26 de febrero de 1983 en Barcelona, donde vive y trabaja) cuyos proyectos van desde la fotografía documental en la que pone la mirada en los otros, a la fotografía más personal e íntima que habla de sí mismo, de sus miedos, adicciones, la familia o su trastorno de ansiedad.

    © Arnau Blanch

    © Arnau Blanch

    Biografía

    Arnau Blanch Vilageliu nació en Barcelona y creció en un pueblo pequeño, cerca de Girona. Tras sus estudios en el Institut d’Estudis Fotografics de Catalunya (IEFC) especializándose en Ensayo Fotográfico, se trasladó a Nueva York para especializarse en Fotografía Documental en el International Center of Photography (ICP) con los cursos Passion, Purpous and Personal Vision y You, Your Life, Your World.

    Entre 2006 y 2009 viajó a Marruecos, Senegal, Gambia y Mauritania, quedando recogidos sus trabajos documentales en la serie Not Yet, Not Ready, pero estas experiencias no fueron gratificantes, sino duras, y esto le llevó a focalizarse en proyectos personales en los que habla sobre mí mismo desde perspectivas distintas, como por ejemplo su pueblo natal, su trastorno de ansiedad, sus miedos y adicciones y su familia.

    Su narrativa es cruda e instintiva. Seleccionado para la Joop Swart Masterclass del World Press Photo en 2013, participó en la publicación colectiva Next #3 con su proyecto Fantasmas, que ha sido recientemente expuesto en el Arts Santa Monica dentro de la muestra Nuevos Relatos Fotográficos.

    Su proyecto Veneno fue expuesto en el 4th Lumix Festival de Hannover en 2014 y en el Festival Paraty Em Foco de Brasil en 2013. La maqueta de este proyecto consiguió una mención honorífica en el 5º Premio Iberoamericano.

    Everybody Needs Good Neighbours es un proyecto fotográfico que tiene lugar en su pueblo natal, Vilobi d'Onyar, una ciudad de aproximadamente 3000 habitantes situada en el cruce de las principales infraestructuras de transporte de la zona: aeropuerto, autopistas y línea del tren de alta velocidad (AVE). Con él ganó la Beca FotoPres La Caixa en 2014, exponiéndolo en los Caixa Forum de Madrid, Barcelona y Zaragoza, en la Aperture Gallery en el Summer Open de Nueva York, Centro de Arte Contemporânea e Fotografia en Belo Horizonte y en el Festival Paraty Em Foco. Este proyecto fue ganador del premio PhotoEspaña al mejor Photobook en 2015.    

    Junto a Rafel Arocha es autor de No Caption, una correspondencia visual en formato editorial en varios volúmenes. El primero recibió el premio Best Self-Publishing Fredigoni/Private Space.

    Vive y trabaja en Barcelona y lo combina con estancias largas en Colombia.

             

    Referencias

    Libros

    • No Caption, con Rafael Arocha.
    • No Caption 2, con Rafael Arocha.
    • Next #3 de la Joop Swart Masterclass del World Press Photo con su proyecto Fantasmas, (varios)
    • Everybody Needs Good Neighbours.

    jueves, 20 de septiembre de 2018

    Marie Takahashi

    Marie Takahashi es una fotógrafa japonesa (vive en Tokio) especializada en fotografía de viajes, comida y arquitectura.

    © Marie Takahashi

    © Marie Takahashi

    Biografía

    Marie Takahashi ha estado fotografiando desde que tenía diez años y después estudió fotografía en el Nihon University College of Art. Desde entonces, ha trabajado para varias compañías editoriales de Tokio, como Hemispheres y AFAR, y continuó su carrera de fotografía profesional en Sídney, Nueva York, Mumbai y Shanghái. Además de hacer fotografías para revistas y publicidad, trabaja como operadora digital profesional y retocadora. Actualmente también se dedica a proyectos de cine artístico como directora de fotografía.

    Con sede en Tokio, Marie trabaja como profesional freelance especializada en comida, viajes, arquitectura e interiores. En la fotografía de viajes es citada muchas veces en listas de los mejores fotógrafos de viajes. En la de arquitectura usa edificios para dar vida a los sujetos, a menudo rompiendo reglas fotográficas. Al fotografiar un horizonte, lo hace desde adentro, forzando al espectador a mirar a través de las extrañas formas abstractas creadas por las obstrucciones.

    Takahashi congela a las personas para que sean parte de una escena en lugar de moverse dentro de ella. También tiene el hábito de recortar personas parcialmente del marco, como si escaparan mientras el espectador las persigue.

    Referencias

    miércoles, 19 de septiembre de 2018

    Miquel Nauguet

    Miquel Nauguet fue un fotógrafo catalán (nacido el 30 de junio de 1950 en Sant Celoni, Barcelona, donde falleció en 2011) que experimentó con la cámara estenopeica y con la restauración de fotografías. Entre su obra destacan sus imágenes de bosques y retratos, en blanco y negro y utilizando procedimientos antiguos como el calotipo, papel con sal, albúmina o colodión.

    Tabernas, Almería. 1992 (fragmento) © Miquel Nauguet

    Tabernas, Almería. 1992 (fragmento) © Miquel Nauguet

    Biografía

    Miquel Nauguet formó parte de la Agrupació Fotogràfica Montseny en pleno tardofranquismo. Allí pudo por primera vez compartir su afición por el cine y la fotografía. Junto un grupo de fotógrafos de Sant Celoni y con la colaboración de Albert Guspí (Galeria Spectrum) contribuyó a la creación de la Galería Tau, situada en Barcelona, en la cual se desarrolló una importante actividad expositiva y divulgativa entre los años 1976 y 1979.

    Entre los años 1980 y 1982 publicó diferentes reportajes en el suplemento dominical de El Correo Catalán. En 1981 realizó las imágenes de Fem Pinya, un libro dedicado a los castellers, y en 1982 publicó el libro La Fotografia en la escuela.

    En 1982 diseñó y construyó una cámara oscura gigante de 10 metros de diámetro con capacidad para 15 personas, en cuyo interior se podía observar la formación de la imagen y el proceso de revelado en blanco y negro de unos negativos de 1x5 metros. Posteriormente a esta fecha participó con la cámara gigante en diferentes festivales y proyectos fotográficos y con ella realizaría el célebre gran díptico de la Expo’92 de Sevilla.

    En 1983 participó en la colectiva Granollers: 8 punts de vista, celebrada en el Círculo Cultural de la Caixa de Granollers. Hasta 1987 se dedicó a actividades relacionadas con la introducción de la fotografía en la escuela, colaborando con el Departamento de Investigación del Instituto de Ciencias de la Educación (ICE), Universidad de Barcelona, la Escuela de verano Rosa Sensat, Universidad Catalana de Verano en Prada, etc.

    Miquel fue desde mediados los 80 profesor del Institut d’Estudis Fotogràfics de Catalunya (IEFC). En el marco de la Primavera Fotogràfica de Catalunya de 1988, organizó la exposición Fotografia estenopeica. Experiències i realitats, con las fotografías de alumnos de primaria de la ciudad de Granollers.

    En 1993 fue nombrado director del Departamento de Documentación e Investigación, desde el cual se especializó en la recuperación de técnicas fotográficas antiguas, convirtiéndose en uno de los máximos expertos teórico-prácticos en este campo. Colaboró con el proyecto Recerca i recuperació de la història gràfica de Sant Celoni, que consiguió reunir una colección de más de 700 documentos. En el año 2010, esta colección se donó al Arxiu Municipal La Tèrmica de Sant Celoni.

    El IEFC dedicó en 2012 la exposición conmemorativa Miquel Nauguet. Constructor d’imatges primero en su pueblo natal de Sant Celoni y luego en el propio IEFC. La exposición consta de documentos personales que muestran sus aficiones: las cámaras fotográficas de diseño propio, su experimentación e investigación sobre las técnicas antiguas, fotografías de su cámara gigante, y la diversidad de su obra fotográfica.

    Fue también piloto de ultraligeros y planeadores, y constructor de avionetas que después también pilotaba.

    Referencias

    Libros

    • La fotografia a l’escola, 1982.
    • Sant Celoni, fragments d’una història, con Tomás Gimeno y Neus Julià, 1983.
    • Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI, 2013.

    martes, 18 de septiembre de 2018

    Toru Tanaka

    Toru Tanaka es un fotógrafo japonés (nacido en Tokio, donde vive y trabaja) que realiza fotografía de calle, principalmente en Tokio. Con la población urbana más grande del mundo, la capital japonesa ofrece infinitas oportunidades fotográficas para el fotógrafo urbano de la calle. Es una ciudad que nunca duerme.

    © Toru Tanaka

    © Toru Tanaka

    Biografía

    Toru Tanaka es un empresario japonés nacido y viviendo en Tokio. En esta ciudad, todos están ocupados trabajando duro para lograr sus deseos. Como resultado, esas mentes hicieron esta ciudad muy caótica y desorganizada. Al principio, no le gustaban esos aspectos de su ciudad, pero actualmente ha aceptado este desastre y su interés ha cambiado a la captura de estas escenas como fotografía callejera y documental.

    Le gusta la música de jazz y tocar el saxofón tenor. La fotografía de calle y la música de jazz le permiten improvisar el medio y tocar la energía de la ciudad. Esta es la razón por la que le gustan ambas.

    Casi toda su obra está realizada en su  camino a casa desde el trabajo y los fines de semana, aunque también ha fotografiado en Chicago. Utiliza una Pentax Ricoh GR, la por las pequeñas dimensiones de la cámara y la excelente calidad de imagen. A veces dispara con una Fuji X100 los fines de semana. Normalmente utiliza Silver Efex Pro y Lightroom para procesar sus imágenes. Su fotografía es cándida cuando realiza fotografía de calle y puede interactuar con el sujeto cuando trata un tema más documental.

    Tanaka ha publicado sus fotografías en PhotoVogue, y también ha participado en dos exhibiciones en grupo: A Glimpse at Photovogue en la Galleria Carla Sozzano de Milán en 2013, y en The International Photography Photolux Festival Lucca.

    Referencias

    lunes, 17 de septiembre de 2018

    Liza Ambrossio

    Liza Ambrossio es una artista mexicana (nacida en 1992 en Ciudad de México, vive y trabaja en Madrid) cuyo cuerpo de trabajo mezcla macabras fotografías de archivo con cripticas pinturas, performance, intervención, videos, psicología, pesadillas, ciencia ficción y brujería que une por libre asociación.

    © Liza Ambrossio
    © Liza Ambrossio


    Biografía

    Liza Ambrossio es licenciada en Ciencias de la Comunicación de la U.N.A.M. (México). Actualmente vive y trabaja en Madrid, donde estudia el Máster en Fotografía, Teorías y Proyectos Artísticos PHE, siendo ganadora de la Beca Descubrimientos 2017-2018 del festival PHotoEspaña y La Fábrica, y de la VI Edición Becas Talento Fotografía TAI.
     
    Le interesa la fotografía con gestos performativos y cinematográficos, al tiempo que aludiendo al archivo pictórico y al documental, busca agregar una respuesta humanista a los misterios psicológicos, biológicos y místicos que se relacionan por asociación libre. Estos recorridos se derivan de la necesidad de resolver su historia personal a través de la exploración de lo siniestro que ocurre cuando los límites entre la fantasía y la realidad desaparecen. Mezcla diferentes técnicas (imágenes de archivo, intervención pictórica, maquillaje, collage, fotografía analógica y digital, ...). Los textos que acompañan su trabajo son una construcción sincrética basada en instantes de la realidad de mi vida. Su cuerpo de trabajo se construye a partir del derrame entre psicología, pesadillas, ciencia ficción y brujería latinoamericana.
     
    Su trabajo ha sido publicado en la red Fototazo (Colombia-Estados Unidos), Espacio Gaff (México-Venezuela) y L´Oeil de la Photographie (Francia-Estados Unidos). También ha expuesto individual y colectivamente en México y en otros países.
     
    Ha cursado residencias en Islandia y Estados Unidos, siendo seleccionada finalista dentro de las 50 mejores promesas jóvenes del Emerging Talent de Lens Culture 2016 en Ámsterdam y en New Visions 2018 del festival Cortona On The Move en Italia. Es la ganadora del Premio FNAC Nuevo Talento 2018.
     
    En 2018 presentó su primer foto libro La ira de la devoción (The rage of devotion) en el Fotofest de Houston en Texas y ganó con él el prestigioso premio Voies Off 2018 de Les Rencontres de la photographie en Arles, Francia. La ira de la devoción es un trabajo potente que ha ido creciendo y madurando con el tiempo, y nos introduce, de manera contundente, en un mundo de pesadilla donde fluyen miedos y fantasmas, rindiendo culto a la magia, la brujería, el espiritismo, el chamanismo, lo esotérico, la cábala…

    Referencias

    Libros

    domingo, 16 de septiembre de 2018

    Glen E Friedman

    Glen E Friedman es un artista y fotógrafo estadounidense (nacido el 3 de marzo de 1962 en Carolina del Norte, vive en Ciudad de Nueva York) considerado uno de los fotógrafos más importantes de su generación, por su fotografía de los rebeldes del skaters y músicos de hip-hop y punk en la década de los 80.

    © Glen E Friedman

    © Glen E Friedman

    La parte más importante de mi trabajo, la que es buena porque se separa de lo demás, es porque proviene del corazón. No lo hacía para ganarme la vida, lo hice porque tenía que hacerlo, porque amaba lo que estaba haciendo. Me encantaban estos artistas por la forma en que me inspiraban.

    Biografía

    Glen Ellis Friedman era hijo de una pareja que se separó tempranamente. Su padre se quedó en el este y con su madre se mudó a la soleada ciudad de Los Ángeles, en California, a principios de los años 70, con unos 10 años.

    Tras el regalo de un Makaha Super Surfer con ruedas de arcilla roja, aunque no le gustaba el surf, terminó juntándose con un grupo de surferos que cuando no había olas patinaban, montaban en bicicleta y autobús buscando por las afueras de la ciudad piscinas vacías en los patios traseros de casas abandonadas, en construcción y habitadas (algunas las vaciaban ellos) en una época de restricciones de agua y con unos  “sancheskys” poco evolucionados crearon el patinaje vertical y revolucionaron el skate.

    Eran un grupo de niños que buscaban algo divertido que hacer pero con el avance tecnológico en las ruedas de monopatín llevaron el patinaje al siguiente nivel. Sus amigos fueron patinadores pioneros como Tony Alva, Jay Adams y Stacy Peralta, miembros fundadores del equipo Zephyr Skate Team original, también conocidos como los Z-Boys. Friedman era un buen patinador, pero no tanto como sus amigos y se rompió un brazo, comenzando a fotografiar a sus amigos con una cámara Pocket Instamatic por el miedo de romper o perder una cámara cara. Sus fotografías eran muy buenas, pero el pequeño negativo impedía que se publicaran.

    Al final, en 1976, con una cámara prestada de 35 mm fotografió a unos pocos amigos en una piscina vacía haciendo skating y le pasó las fotos al fotoperiodista C.R. Stecyk III que trabajaba como freelance para la icónica revista SkateBoarder. Le publicaron algunas fotos, incluida una como anuncio a página completa, convirtiéndose enseguida en el miembro más joven de esta revista de culto para la cultura juvenil en todo el mundo. Aquí fue donde Friedman comenzó a aprender las realidades del mundo de la fotografía, y a establecer su camino para los años venideros, mientras publicaba mensualmente estando en la escuela secundaria.

    Cronista definitivo en Skateboarder, publicando innumerables fotos en la revista a finales de los 70 y principios de los 80, cuando el skateboarding comenzaba a experimentar un bajón, parte de la gente se trasladó a la música especialmente a los nuevos géneros underground y bandas cuyos miembros  conocían su trabajo en Skateboarder comenzaron a querer ser fotografiados por Friedman llevándole a documentar estas nuevas culturas musicales, fotografiando a Fugazi, Dead Kennedys, Circle Jerks, Bad Brains, Black Flag, Minor Threat, Misfits, Beastie Boys, Run-DMC, KRS-One y Public Enemy. Su libro My Rules: Photozine sobre el mundo del punk vendió 10.000 copias.

    Su fotografía ha sido publicada en sus libros, así como en muchas otras publicaciones, en portadas de discos y ha sido expuesta en galerías de arte y museos. Su obra forma parte de numerosas colecciones de fotografía, incluido el Museo Metropolitano de Arte en Ciudad de Nueva York. También ha sido incluido como un icono en el Salón de la Fama del Skateboarding.

    Es un activista político progresista, evita los tóxicos (Straight Edge) y sigue una estricta dieta vegana. En 2004, creó la Liberty Street Protest en el Ground Zero de Ciudad de Nueva York y su sentimiento antibélico recibió atención internacional. Apoya la libertad religiosa y la colocación de una mezquita a unas pocas cuadras de distancia de la Ground Zero en Nueva York.

    También ha coproducido y realizado diversos documentales como Dogtown and Z-Boys en 2001, No No: A Dockumentary en 2014, y ha aparecido en Saving Banksy en 2017,  Obey Giant en 2017, y en otras películas.

    Referencias

      Libros

      sábado, 15 de septiembre de 2018

      Holly Andres

      Holly Andres es una fotógrafa estadounidense (nacida en 1977 en Missoula, Montana, con sede en Portland, Oregon) cuya obra comercial y artística es conocida por sus escenarios cinemáticos estilizados, a menudo inspirados en sus propias experiencias infantiles.

      © Holly Andres

      © Holly Andres

      Biografía

      Holly Andres estudió Pintura y Dibujo en la Universidad de Montana y realizó un master en Estudios de Cine por la Universidad Estatal de Portland.

      Utiliza la fotografía para examinar las complejidades de la niñez, la fugaz naturaleza de la memoria y la introspección femenina. Por lo general sus imágenes, se basan en una tensión entre un objeto aparentemente accesible y un subtexto a veces inquietantemente oscuro.

      Su primera exposición individual, Sparrow Lane, se estrenó en Portland en 2008, y luego realizó una gira por San Francisco, Nueva York y Estambul. Sus copias C-prints representan a cuatro mujeres jóvenes y exploran la transición femenina a la adolescencia, con alusiones a Alicia en el País de las Maravillas.

      Su segundo cuerpo de trabajo, The Fall of Spring, se estrenó en la Hartman Fine Art Gallery de Portland en 2012. Estas fotografías construidas relatan un día tranquilo en el parque, pero interrumpido desde múltiples perspectivas, creando un drama en el que se explora la pérdida de la inocencia y el papel protector de las madres.

      The Fallen Fawn se inspiró en una historia sobre sus hermanas mayores, que un día descubrieron una maleta abandonada detrás de su casa familiar, se la llevaron a escondidas a casa, y por las noches se vestían secretamente con sus ropas, jugando a ser mujeres adultas.

      Ha realizado exposiciones individuales en Nueva York, Los Ángeles, San Francisco, Atlanta, Barcelona, Bogotá, Nueva York, San Francisco, Estambul y Portland. Su trabajo ha sido publicado en numerosas revistas como la del New York Times, Time, Art in America, Artforum, Revista Exit, Art News, Modern Painters, Oprah Magazine, Elle Magazine, The LA Times, Glamour, Blink y Art Ltd, que la listó como uno de los 15 artistas emergentes de la  Costa Oeste menores de 35 años.

      Su trabajo le ha valido numerosas becas y premios, incluido el PDN Photo Annual 2016 en la categoría de publicidad, y el AI-IP American Photograph Award.

      Además de en fotografía, trabaja en cine, escultura e instalaciones y ha colaborado ​​en cortometrajes que han sido presentados en el 31 ° Festival Anual de Cine y Video NW, el Programa Best of the Northwest Touring, el Festival Internacional de Cine de Portland, el Festival de Cine de Mujeres de Baltimore y el Arte Perpetuo Máquina en Nueva York.

      Referencias

      Libros

      • Go West! Cutting-Edge Creatives in the United States, (varios) 2011.

      viernes, 14 de septiembre de 2018

      Enrique Aznar

      Enrique Aznar fue un fotógrafo aficionado catalán (nacido en 1903 en Barcelona, fallecido en 1959, también en Barcelona) que formó parte de la segunda generación de fotógrafos pictorialistas españoles.

      © Enrique Aznar

      © Enrique Aznar

      Biografía

      Enrique Aznar formó parte de la segunda generación de fotógrafos pictorialistas españoles, y como la mayor parte de ellos, fue un fotógrafo amateur que solo utilizó la fotografía como medio de expresión. Su periodo más fecundo se sitúa entre los años 30 y 40. Fue miembro de la Agrupació Fotogràfica de Catalunya (AFC) desde su creación, donde ocupó el cargo de vocal de concursos.

      El tema principal de su obra se centra en el paisaje y utilizó frecuentemente la técnica del bromóleo, antiguo procedimiento muy usado en la primera mitad del siglo XX, que consiste en blanquear una copia fotográfica de bromuro de plata e impregnarla después con pigmentos al óleo mediante brochas. Los pigmentos tras limpiar la foto adecuadamente solo se adhieren a los granos de plata, obteniendo prácticamente la misma imagen pero con una plástica más parecida a la de la pintura.

      Después su obra evolucionó a imágenes más propias de la Nueva Visión. La expuso en la AFC. También participó en concursos como el I Salón Internacional de fotografía celebrado en 1948 en las Salas Municipales de Arte de San Sebastián, organizado por la Sociedad Fotográfica de San Sebastián (SFG). Publicó en revistas como Progreso Fotográfico, Art de la Llum, Butlletí de AFC, entre otras.

      En 1997 se llevó a cabo en Huesca la retrospectiva Enrique Aznar dentro del programa Huesca Imagen’97. También ha podido verse su obra como parte de la exposición Mirar el mundo otra vez, Galería Spectrum Fotos, 25 años de fotografía, una muestra colectiva organizada por el Servicio de Cultura, Unidad de Museos y Exposiciones de La Lonja de Zaragoza en 2002.

      Referencias

      Libros

      • Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI, 2013.

      jueves, 13 de septiembre de 2018

      Ana Hop

      Ana Hop es una fotógrafa mexicana (nacida en 1980 en Ciudad de México, donde vive y trabaja) especialista en retrato, con una visión fotográfica personal y narrativa. Se mete en la vida de la gente para sacar su esencia en forma de fotografía. Sus fotografías son sencillas, sin añadidos ni grandes retoques, pero al mismo tiempo son complejas pues con un solo vistazo da la impresión que conoces a las personas retratadas.

      © Ana Hop

      © Ana Hop

      Biografía

      Ana Isabel Estrada es hija de fotógrafa, a la que, desde muy pequeña le acompañaba a sus clases, prácticas, y exposiciones. Luego estudió Comunicaciones en la Universidad Iberoamericana en Ciudad de México, y después se mudó a Londres para estudiar fotografía en Central Saint Martins.

      Regresó a México en 2008. En 2014 trabajó como editor de fotografía para una revista en Editorial Televisa.

      Ver el trabajo de Ana es transitar en un mar de historias, de momentos, de relatos iluminados y de personas que cuentan sus vidas a través de los espacios, de las miradas esquivas, de la limpieza visual de las imágenes, de la mágica normalidad de una humanidad capturada en el momento justo en que dejaron su mente en blanco y fueron personas únicas y legítimas.

      Ha publicado en varias revistas como National Geographic Traveller, ELLE, Esquire, Gatopardo, Vogue México, CNN Expansión y Latinoamérica, Harper's Bazaar México, etc., y ha trabajado para compañías como Nike, Converse, American Express, Travesías, Grupo Mónica Patiño (Delirio, Casa Virginia, Abarrotes), Resturante Rosetta, El Quintonil, DUPUIS, Armando Takeda, Carla Fernández, BeatBox, She's Mercedes (Mercedes Benz Alemania, Autoridad de Turismo de Tailandia), …

      Ha colaborado con el proyecto Freunde von Freunden de Berlín, dónde creó retratos de Napoleon Habeica, Dirk-Jan Kinet y Diana García, entre otros.

      Dirige un proyecto editorial personal, la revista marcomagazine. Tiene también un proyecto personal llamado People You May Know, el cual se compone de retratos de personas involucradas en el mundo de la creatividad, incluyendo a artistas, diseñadores, arquitectos, etc..

      Referencias

      miércoles, 12 de septiembre de 2018

      Jessica Sample

      Jessica Sample es una fotógrafa estadounidense (vive en Los Angeles, California) especialista en fotografía de viajes y lifestyle, que encuentra inspiración en nuevas culturas y lugares.

      © Jessica Sample

      © Jessica Sample

      Biografía

      Jessica Schwartzberg creció en Los Ángeles. Hija de propietarios de una compañía de material de stock, creció viajando por el mundo con una cámara, visitando lugares tranquilos como Europa y remotos como África, Indonesia, el Tíbet y Bután, grabando rollo tras rollo de película de 35 milímetros y enamorándose del proceso de ir a un lugar nuevo y capturar la experiencia a través de sus fotos.

      También fue subdirectora de fotografía de Travel + Leisure en Nueva York y fotógrafa frecuente de la revista. Obtuvo una licenciatura en Semiótica del Arte en la Brown University y estudió en la Rhode Island School of Design y en el  International Center of Photography.

      Le gustan las historias de viajes por que le obligan a trabajar en diferentes tipos de fotografías: retratos, paisajes, comida, estilo de vida, interiores, que siempre dan un grado de interés al trabajo.

      Su trabajo ha aparecido en docenas de publicaciones, además de la ya citada Travel + Leisure  en National Geographic Traveler, GQ, Sunset,  Coastal Living, Condé Nast Traveler UK, Bon Appetit, Food & Wine, Lonny, Sunset, The Wall Street Journal, Endless Vacation, C Magazine, Los Angeles Magazine, Angeleno, LA Confidential, Santa Barbara Magazine, Hemispheres y Delta's Sky Magazine, entre otros. Sample fue incluida en la lista de los "30 fotógrafos a ver" de PDN en 2013.

      Es la comisaria de Wanderlust, un lugar de subastas benéficas de copias de fotografías de viajes para recaudar dinero para organizaciones benéficas y medioambientales. 

      Referencias

      martes, 11 de septiembre de 2018

      Anastasia Cazabon

      Anastasia Cazabon es una cineasta y fotógrafa estadunidense (nacida en 1983 en Cambridge, Massachusetts, vive en Berlín, Alemania) que construye narrativas que giran en torno al misterio y a lo surrealista. Su trabajo explora los momentos privados de la vida, mientras convierte lo mundano en extraordinario. Se inspira en sueños, recuerdos, cine y cuentos de hadas.

      © Anastasia Cazabon

      © Anastasia Cazabon

      Biografía

      Anastasia Cazabon estudió fotografía en el Massachusetts College of Art y en la New England School of Photography.

      Las imágenes de sus series se construyen alrededor de lo surrealista. Cada composición misteriosa, está inspirada en narrativas culturales y en la experiencias subjetivas, basadas en recuerdos, cuentos de hadas y cine, y se asemeja a un sueño diurno con resultados infinitos que se extienden más allá de los confines de la realidad.

      Su libro Love and Rivalry, con el que consiguió una Mención Honorífica en el Photography Book Now de 2009, recoge 34 imágenes y una historia corta, Amor y rivalidad: recuerdos de las amistades de niñas de la niñez, basadas en su propia infancia, específicamente en el período de transición entre las edades de 9-15 años. En esta etapa de la vida, las mujeres jóvenes se vuelven muy conscientes del mundo que las rodea y de cómo se las retrata en este mundo; la apariencia física es repentinamente llevada al centro de atención y con eso viene la inseguridad, la excitación, los celos y el narcisismo. Las relaciones con otras chicas también son críticas y estas amistades a menudo son fugaces pero intensas; los sentimientos de amor, envidia y rivalidad impregnan a las compañeras de mujeres adolescentes.

      Ha realizado varias exposiciones en solitario (como Blood Moon en la Gallerie Possum y  Dream Logic en Tapir LAB en Berlín en 2016,  A Fable Lost en Aviary Gallery en Jamaica Plain de Massachusetts en 2011,  … ) y en grupo. Ha realizado trabajos editoriales para Adbusters, Beobachte,  Causette, El Pais, GEO Magazine, Mondadori Publishing, Tu Style y Ugo Guando Editore, entre otros.

      Su obra ha sido publicada en Bust Magazine, Lens Magazine China, Flash Forward de Magenta Publishing, Shots Magazine, Artscope Magazine, 500 Photographers,  Photo World Magazine, Lens Culture y otros muchos medios. Ha conseguido diversos premios, como el 1º premio en la categoría Autorretrato y 2º en Retrato de niños en el Photographer of the Year: People  Lucie Awards.

      Anastasia también dirige el festival de cine GRRL HAUS CINEMA, un festival de cine que trabaja con cortometrajes y videos realizados por mujeres.

      Referencias

      Libros

      lunes, 10 de septiembre de 2018

      Asger Carlsen

      Asger Carlsen es un fotógrafo danés (nacido el 3 de julio de 1973 en Dinamarca, vive y trabaja en Nueva York, EEUU) conocido por sus fotografías distorsionadas y monocromáticas de figuras humanas.

      © Asger Carlsen

      © Asger Carlsen

      Biografía

      Asger Carlsen comenzó su carrera fotográfica con 16 años cuando vendió una foto al periódico local, que mostraba a la policía gritando a él y sus amigos mientras quemaban una valla. Después de eso, fotografió escenas de crimen para periódicos, luego hizo trabajos comerciales de publicidad, trabajando para revistas.

      En 2006, se estaba divirtiendo en su computadora y añadiendo imágenes una encima de otra, consiguiendo una imagen de una cara extraña con numerosos ojos. La imagen fue resultado del azar, una sorpresa y Carlsen, que estaba tratando de hacerse un nombre en el mundo de la fotografía comercial, no se sintió cómodo con ella y no la mostró a nadie durante un año. Le parecía que era una trasgresión de lo que significa la fotografía.

      Hoy en día, Asger es famoso por sus imágenes digitalmente manipuladas y que fusionas en una varias fotografías que caracterizan cuerpos reorganizados y transformados. Sus imágenes son sorprendentes, extrañas y confusas. Presentan figuras humanas sin rostro, con demasiados ojos, sin piernas, consistentes sólo en partes inferiores del cuerpo o cualquier otra combinación posible. Estas figuras imposibles de formas torcidas y extrañas se asemejan a esculturas, hechas de cuerpos humanos apenas reconocibles. Hoy, su objetivo es deconstruir los principios comunes de la fotografía y se ve más como un coleccionista que como un fotógrafo.

      Su fotografía es en blanco y negro, aunque en su libro Drawings añade color con acuarelas. Ha trabajado en varios proyectos en colaboración con Roger Ballen, lo que ha dado lugar al libro No Joke y a numerosas exposiciones. Ambos produjeron un conjunto de 37 imágenes en las que exploran los lados más siniestros de la psique humana, pero su intercambio creativo y co-creación fue realizada exclusivamente online.

      En los últimos años, ha expuesto en el Foam Museum de Ámsterdam, Diesel Art Gallery en Tokio, Gamma Galeria en Guadalajara, México, Paris Photo y Galerie Olivier Robert en París, V1 Gallery en Copenhague, Dittrich & Schlechtriem en Berlín, Sade LA en Los Angeles, Museo d'Arte Contemporanea di Roma, Wrong Ruttkowski 68 en Colonia, Primary Photographic Gallery en Nueva York, … También fue invitado a la 9.ª Bienal de Berlín.

      Su trabajo se ha publicado en revistas como The Journal, The New Yorker, Wired Magazine, Dazed and Confused, Vice Magazine y Wallpaper Magazine, entre muchos otros.

      Referencias

      Libros

      domingo, 9 de septiembre de 2018

      Bela Borsodi

      Bela Borsodi es un fotógrafo austriaco (nacido en Viena, vive en Nueva York, EEUU) que trabaja principalmente la naturaleza muerta para trabajos editoriales y de publicidad.

      Document #1 – Unconnscious Affai – 1/10 © Bela Borsodi

      Document #1 – Unconnscious Affai – 1/10 © Bela Borsodi

      Me encanta hacer cosas y ponerlas en un contexto inusual que incorpore varios lenguajes visuales provenientes del arte y del diseño gráfico. El erotismo es también una fascinación que me encanta explorar.

      Biografía

      Bela Borsodi nació en Viena y ha vivido y trabajado en la ciudad de Nueva York desde principios de los años 90. Estudió bellas artes y diseño gráfico con un gran interés en la psicología, pero a menudo incorporó la fotografía en sus proyectos. Cuando sus amigos comenzaron a trabajar en revistas y le pidieron que hiciera fotografías para ellos, Borsodi se interesó más en la fotografía. Esto le condujo a una carrera como fotógrafo donde realizó retratos, reportajes y algo de moda para editoriales en Austria y Alemania.

      Sus imágenes han causado impacto en el mundo entero, no sólo por su creatividad, también por la innovación de su obra de la que muchos aseguran expone una fuerte tendencia surrealista. Sus estudios de Diseño gráfico y Bellas artes definitivamente influyen en cada una de sus fotografías, en las que priman los colores fuertes, ácidos e impactantes. La mayoría de los conjuntos que fotografía los crea, desarrolla y construye por sí mismo, ya que son una parte integral de su imaginería y proceso conceptual. En 2013 Bela comenzó a trabajar en cortometrajes como director.

      Su trabajo ha aparecido en publicaciones como V Magazine, Vogue, Wallpaper Magazine, Another Magazine, New York Times Magazine, V Man, Ten Men, Details, Document, Amica, Elle Accessories, Elle Italy, GQ China, Esquire, y muchas más. Ha trabajado con marcas de moda como Uniqlo, Baume et Mercier Watches, Hermès, Rocawear, Puma, Nike, Kenneth Cole, Uniqlo, Freitag, Wempe, Intermix y Selfridges.

      Su trabajo Foot Fetish para V Magazine recibió mucha publicidad, tanto negativa como positiva. Fue atacado por grupos feministas, mientras que sus fotos provocaron nuevas discusiones sobre cómo el cuerpo femenino se sexualiza y se objetiva en la moda y en el arte.

      Referencias

      Libros

      • Unicorn, 2018.

      sábado, 8 de septiembre de 2018

      Clemente Bernad

      Clemente Bernad es un cineasta y fotógrafo navarro (nacido el 7 de mayo de 1963 en Pamplona, donde vive) cuya obra muestra un fuerte interés por las temáticas sociales y políticas dentro de su entorno cultural más cercano.

      © Clemente Bernad

      © Clemente Bernad

      Biografía

      Clemente Bernad se licenció en Bellas Artes en la especialidad de Fotografía, Cine y Vídeo por la Universitat de Barcelona. y estudió sociología por la Universidad Pública de Navarra. Trabajó como ayudante de Koldo Chamorro y en 1986 decidió iniciar su propia carrera como fotógrafo y cineasta documentalista independiente, con un fuerte interés por las temáticas sociales y políticas dentro de su entorno cultural más cercano.

      Entre sus trabajos destacan Jornaleros, sobre la vida de los campesinos temporeros andaluces, Mujeres sin tierra, acerca de la vida de las mujeres saharauis en los campos de refugiados de Tinduf, por el que recibió una beca FotoPres en 1994,  Pobres de nosotros, un proyecto colectivo sobre la marginalidad en Europa, Canopus sobre la crisis económica argentina, Basque chronicles, sobre el conflicto político del País Vasco y Donde habita el recuerdo sobre las exhumaciones de fosas de la guerra civil española, que incluye el libro Desvelados y los documentales Morir de sueños y A sus muertos (sobre el Monumento a los Caídos de Pamplona).

      Entre 1994 y 1996 trabajó en Chiapas siguiendo la revolución zapatista. Desde 1995 hasta el presente ha participado en numerosos proyectos, como Open Spain para el CCCP de Chicago, Visión mediterránea para la Fundación CAM, Málaga cuerpo y sombra, Nuevas cartografías de Madrid para La Casa Encendida, …

      En 2004 publicó El sueño de Malika para el festival ExploraFoto’04 de Salamanca, en el que relata la historia de la repatriación del cuerpo de Malika Laaroussi para ser enterrada en su pueblo tras fallecer al intentar llegar a las costas españolas en una patera. Hizo su primera película documental sobre este mismo tema, que seleccionada para la sección oficial competitiva en la 1ª edición del Festival Internacional de Cine Documental de Navarra ‘Punto de vista’.

      En 1999 La Fábrica publicó un volumen de su colección de monografías Photobolsillo dedicado a su obra. Sus fotografías han sido expuestas en los Rencontres d’Arles, Visa pour l’image y en numerosas exposiciones tanto colectivas como individuales. Fue incluido en la exposición conmemorativa del X aniversario del museo Guggenheim de Bilbao Chacun à son goût.

      Clemente es miembro de la agencia italiana Contrasto y desarrolla su actividad como profesional independiente, docente y articulista.

      Referencias

      Libros