domingo, 30 de septiembre de 2018

Masashi Wakui

Masashi Wakui es un  fotógrafo japonés que captura la magnífica belleza de las calles de Tokio de noche. Centrándose en la metrópolis japonesa durante la noche, resalta sus fascinantes colores vibrantes. Captura perfectamente la poesía de las calles estrechas y animadas de Tokio, llena de zumbidos de neón y misteriosas figuras.

© Masashi Wakui

© Masashi Wakui

Biografía

Masashi Wakui lleva años cultivando un estilo propio gracias al cual transforma las calles nocturnas de Tokio en encuadres casi salidos de una película. El largo tiempo que dedica a caminar por las aceras de Harajuku, Shibuya, Shinjyuku y otros distritos le lleva a mostrar el mejor perfil de la capital nipona que puede verse de noche, llena de luces de neón y pequeños cúmulos de actividad en casi cada esquina.

Gracias a su genial uso del encuadre y de la luz, sin importar si proviene de una gran valla publicitaria luminosa, o de una tenue bombilla en un callejón, logra que sus imágenes parezcan salidas de una película, llenas de vida y de detalles casi caleidoscópicos. Tiene una especial inclinación por las calles secundarias de Tokio, específicamente aquellas con muchas linternas, farolas y letreros de neón que aumentan a la calidad surrealista y cinematográfica de la escena.

Wakui utiliza cámaras compactas de alta definición para video (es editor de video). Una vez que la escena es capturada, manipula digitalmente la imagen, dándole un efecto de graduación mate de color que funciona perfectamente con sus ocupados paisajes urbanos nocturnos. Hay tutoriales, acciones de Photoshop y plugins para Lightroom para reproducir su estilo, el Look Masashi Wakui.

Referencias

sábado, 29 de septiembre de 2018

Mariel Clayton

Mariel Clayton es una fotógrafa sudafricana (nacida en 1980 en Durban, vive y trabaja en Ontario, Canadá) que fotografía muñecas Barbie no de una manera tradicional e idealista, sino colocándolas en situaciones violentas, sexuales y homicidas.

© Mariel Clayton

© Mariel Clayton

Biografía

Mariel Clayton tendría su primera barbie con 6 o 7 años. Actualmente trabaja como agente de viajes pero, en el mundo de la fotografía se ha dedicado a crear un muy oscuro, sarcástico y grotesco trabajo con un estilo salpicado con gruesas manchas de sangre.

Fotógrafa autodidacta, comenzó con una cámara y un gran interés en la fotografía de viajes, pero descubrió el mundo de los artículos en miniatura en una tienda de juguetes de Tokio. Era el surrealista mundo de las miniaturas japonesas. Desde entonces, ha estado fotografiando muñecas para contar sus historias y se ha decantado por la occidental, estilizada y asexuada Barbie, una muñeca tan perfeccionada que ha llegado al punto en el que no tiene ninguna personalidad en absoluto, por lo que Mariel pensó que sería la modelo perfecta para explorar esa idea de que la maldad es algo oculto.

A través de Internet, compra y recoge los artículos en miniatura que necesita para sus tomas fotográficas. Sus imágenes son a menudo brutales, llenas de sexo y violencia, sin embargo, muestran y reflexionan sobre el lado oscuro de la sociedad occidental.

Mariel se llama a sí misma "fotógrafa de muñecas con un sentido del humor subversivo". La primera imagen que tomó con una barbie fue una historia en la que la muñeca se suicidaba porque Ken la había dejado por otro hombre.

Referencias

viernes, 28 de septiembre de 2018

Niki Boon

Niki Boon es una fotógrafa neozelandesa (vive en la zona rural de Marlborough, Nueva Zelanda) que nos muestra el lado más libre y salvaje de su familia con sus imágenes, su curso alternativo de educación de sus hijos y su modo de vida en el medio rural.

© Niki Boon

© Niki Boon


Crecí en una granja en la Nueva Zelanda rural, con una infancia descalza, salvaje y libre. En parte, mi trabajo fotográfico se basa en las libertades y aventuras de mi infancia que todavía existen en mi mente.
Hoy vivimos en un pequeño bloque de tierra donde lucho por replicar esta infancia para mis hijos ... es aquí en nuestro entorno salvaje y maravilloso donde me esfuerzo por contar su historia ... La vida tal como es.



Biografía

Niki Boon creció descalza y libre en una gran granja en Bay of Plenty, con recuerdos felices que intenta que sus hijos los repitan hoy. Estos recuerdos, aunque ricos, son irregulares, con muy pocas fotos de su vida en la granja y con escasas historias de su madre a la que perdió cuando era joven. Se formó como fisioterapeuta, y trabajó tanto en Nueva Zelanda como en el Reino Unido durante 6 años.

Fue en un deprimente invierno escocés cuando realizó un curso de laboratorio fotográfico para hacer algo durante las tardes oscuras y los fines de semana y se enamoró instantáneamente de la magia del arte y la ciencia de hacer de principio a fin el proceso de la imagen. Después pasaría 4 años viajando y trabajando en países extranjeros y disfrutaba viendo mundo a través de su objetivo en su tiempo libre.

Su fotografía cesó por completo al volver a Nueva Zelanda (sin acceso a un cuarto oscuro), pero con el nacimiento de su primer hijo su pasión inicial resurgió.

Hoy Niki es una madre de 4 hijos, educadora en el hogar y fotógrafa apasionada que vive en la zona rural de Marlborough, Nueva Zelanda. Su fotografía está enfocada principalmente en su familia y su forma de vida en su entorno rural, en una propiedad de 4 hectáreas, rodeada de ríos, costa, arbustos y colinas. Sus hijos no están escolarizados y es ella misma la que los educa y viven sin televisión y sin aparatos electrónicos modernos. Ella documenta su día a día, en un entorno lleno de naturaleza y juegos sin inhibiciones.

Documenta la vida con honestidad cruda encontrando la  belleza que hay en lo ordinario. Se inspira en lo cotidiano, los momentos y sus detalles. Cree que dentro de lo mundano se encuentran las conexiones, las relaciones y la esencia de la familia, tu historia.

Su trabajo ha sido publicado en varias publicaciones de fotografía, incluyendo Petapixel, 121 clicks , DIY photography , Fraction Magazine, el blog de National Geographic, …    

Referencias

jueves, 27 de septiembre de 2018

Tomás Camarillo

Tomás Camarillo fue un fotógrafo, escritor y cineasta español (nacido el 29 de diciembre de 1879 en Guadalajara, fallecido en 1954, también en Guadalajara) cuya obra, cientos de fotografías que realizó a lo largo y ancho de la provincia de Guadalajara, entre los años 1910 y 1940, constituyen hoy un legado patrimonial de la provincia, pues muchos de los monumentos, obras de arte, paisajes y tipos que en ellas aparecen, ya no existen.

© Tomás Camarillo

© Tomás Camarillo

Biografía

Tomás Camarillo Hierro tuvo la desgracia de que su padre, un humilde carpintero, muriera a edad temprana, dejando a la familia, con algunos hijos de corta edad, en graves dificultades para salir adelante. Así, se trasladó joven a Madrid para ganarse la vida, ejerciendo diversos oficios: repartidor de tienda de ultramarinos, escribiente de Juzgado, trabajador del periódico La Región. Con el dinero ahorrado a base de privaciones, retornó a su ciudad natal en 1909 instalando un kiosco de venta de baratijas en la plaza frente a la iglesia de San Nicolás. Poco a poco fue mejorando, emprendiendo un negocio de alquiler de pianos por los pueblos de la provincia, y ya hacia 1920, estableciendo un importante comercio de objetos de regalo e instrumental fotográfico.

Poco a poco, a raíz del contacto con el material que vende, se despertó en él una notable afición por la fotografía, comenzando a recorrer los caminos polvorientos de la provincia de Guadalajara y retratando con su cámara estampas populares, rincones urbanos, paisajes y todo aquello que merece su atención. Gracias a su labor se pueden conocer hoy muchos de éstos actualmente desaparecidos, por lo que su obra es fundamental para el conocimiento y la recuperación de la memoria artística y etnográfica de la provincia de Guadalajara. Recogió tanto los días de esperanza de la República, el alzamiento militar y sus dolorosas consecuencias en los años de la guerra y luego los momentos oscuros de la posguerra.

Muchas obras de arte que se perdieron durante la última guerra civil española, sobre todo retablos y tallas de las iglesias y conventos guadalajareños han podido ser recuperados gracias a las fotos de los mismos que fueron realizadas por Camarillo en las décadas de los años 1920 y 1930.

En 1944 expuso con todos los honores en el Círculo de Bellas Artes de Madrid una colección fotográfica complementada con diversos actos culturales y conferencias que complementaron el evento y revalorizaron públicamente su figura.

Su obra está formada por dos grandes conjuntos de imágenes, uno fotográfico y otro cinematográfico. Como aficionado y autodidacta, fotografió y filmó todo aquello que llamaba su atención: vistas urbanas, paisajes naturales, calles, plazas, rincones y edificios destacados como iglesias, castillos o casonas. También retrató a los lugareños en diferentes actividades. Su conjunto fotográfico se componía de negativos de cristal y acetatos que luego reproducía en formato postal o a gran tamaño para exposiciones. Cuatro años más tarde publicó, con textos del cronista Layna Serrano, un libro recopilatorio con las mejores fotografías de la exposición titulado La provincia de Guadalajara.

Su viuda donó en 1954 todo su legado fotográfico, negativos y álbumes, publicaciones, condecoraciones y la pesada máquina fotográfica que había utilizado a la Diputación de Guadalajara y actualmente es un archivo individual dentro del Centro de la Fotografía y la Imagen Histórica de Guadalajara. La colección fotográfica reúne 1848 imágenes (1575 conservan los negativos: 94 de cristal y 1.481 acetatos y 269 sólo positivos), 651 reproducciones a gran tamaño realizadas por el autor para exposiciones de la época y 1475 en formato postal. En ellas se recogen, además de las vistas generales de los conjuntos urbanos, numerosísimos detalles referentes a sus paisajes naturales, calles, plazas rincones y edificios destacados como iglesias, castillos o casonas; así como retratos de numerosos lugareños ambientados en sus labores y festejos tradicionales y ataviados con sus indumentarias típicas.

Tras el tratamiento técnico de este material, se han realizado diversas exposiciones en torno a los distintos aspectos de la obra del fotógrafo alcarreño, que han sido recogidas en catálogos, además de varias exposiciones antológicas que han recorrido los municipios de la provincia.

Referencias

Libros

  • La provincia de Guadalajara, con Layna Serrano, 1948.
  • Turismo alcarreño.
  • Arte perdido de la provincia de Guadalajara. Retablos en la Colección fotográfica de Tomás Camarillo, 1999.
  • La vida cotidiana y fiesta en la plaza del pueblo, 1999.
  • Nuestros abuelos: el legado fotográfico de Tomás Camarillo, 2000.
  • Arte Perdido en la provincia de Guadalajara. Imaginería renacentista y barroca, 2006.
  • La Alcarria de Cela, 1946: a través de la cámara de Tomás Camarillo, 2006.
  • Las películas de Tomás Camarillo, 1927-1935, (DVD), 2009.
  • Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI, 2013.

miércoles, 26 de septiembre de 2018

Elaine Constantine

Elaine Constantine es una cineasta y fotógrafa inglesa (nacida en 1965 en Bury, Lancashire, vive en Londres) principalmente conocida por sus coloridas y optimistas imágenes de la cultura juvenil británica. Es una fotógrafa  con una amplia gama temática, que abarca desde imágenes de moda y comerciales, a la dirección y creación de videos pop, pasando por proyectos de documentales.

ElaineConstantine

© Elaine Constantine

Biografía

Elaine Constantine aprendió en el Bury Camera Club las habilidades que la llevaron a trabajar como aprendiz de Nick Knight en Londres y posteriormente a convertirse en pionera del enfoque vibrante y documental de la fotografía de moda, llegando a ser una de las fotógrafas más famosas del Reino Unido.

Constantine saltó a la fama gracias al trabajo publicado en The Face, su primer editorial de moda, con un estilo juvenil y enérgico. Desde 1993 ha trabajado también en Arena Homme Plus y en las Vogue italiana y estadounidense.

Su primera exposición individual fue en la Galería 213 de París en 1998, año en que ganó el Portrait Awards de la John Kobal Foundation. En 2002 exhibió Tea Dance, un espectáculo que documentaba la cultura Tea Dance en el norte de Inglaterra, y que recorrió París, Londres, Roma, Ámsterdam y Moscú. En 2005 conseguiría el premio Terence Donovan de la Royal Photographic Society. Su obra forma parte de la colección de la National Portrait Gallery en Londres y ha sido expuesta en el Victoria and Albert Museum, Tate Britain y Photographers 'Gallery

En 2012, Constantine escribió, dirigió y filmó su primer largometraje, Northern Soul en el que cuenta la historia de dos adolescentes de Lancashire que sueñan con ir a Estados Unidos en busca de discos súper raros que los ayuden a convertirse en los mejores DJs en la escena Northern Soul. Ésta fue una escena musical pionera en clubes juveniles y salones de baile del norte de Inglaterra a fines de la década de los 60 y fue siempre un movimiento marginal y underground, desarrollado lejos de las luces brillantes de Londres. Se centró obsesivamente en los raros álbumes de soul producidos en Estados Unidos en esa época, a menudo con un sonido más oscuro y un ritmo más rápido que los estándares de Motown del momento.

Elaine se metió en esa subcultura en su adolescencia y quedó tan abducida que para este largometraje que tardó varios años en hacer, que llegó a rehipotecar su casa para poder crear esta exuberante carta de amor a un tiempo pasado. Esta película fue nominada para el premio BAFTA’s Outstanding Debut y fue la película del año en los NME Awards. Continúa filmando para Flair, The New York Times, Vogue China, Gucci y Beauty Papers.

Ha realizado encargos comerciales para Adidas, American Eagle, Burberry, Clarins, Diesel, Evian, Gap, H & M, Lacoste, Levi's, Nike, Shiseido, Sportmax, Vivienne Westwood, Hunter Boots y Gucci.

 

Referencias

Libros

martes, 25 de septiembre de 2018

Jake Chessum

Jake Chessum es un fotógrafo inglés (nacido en 1967 en Croydon, al sur de Londres, vive y trabaja en Nueva York) que realiza fotografía editorial y publicitaria. Ha retratado a gran número de celebridades y también realiza fotografía callejera en las ciudades que visita por trabajo.

© Jake Chessum

© Jake Chessum

Biografía

Jake Chessum creció en Croydon, al sur de Londres y asistió a la Central School of Art and Design y la Central School of Art and Design, donde recibió una licenciatura en Diseño Gráfico. Comenzó a trabajar después de la universidad para revistas como The Face, Arena, Sunday Times Magazine e hizo una campaña publicitaria para Neutrogena con Kate Moss con 16 años. The Face lo envió a Los Ángeles en 1994, y luego comenzó a viajar a Estados Unidos para trabajar para publicaciones estadounidenses, lo que, al final, dio lugar a su traslado permanente a Ciudad Nueva York en 1999.

Ha realizado campañas para IBM, Microsoft, Levi's 501, Fossil, Toyota, Nike, Chase Bank, Adidas, HSBC, Rdio, La Cruz Roja y Reebok.

Sus atemporales e interesantes retratos de celebridades han aparecido en muchas revistas de prestigio como GQ, Men's Journal, New York Magazine, Glamour, Paper, Entertainment Weekly, The New York Times Magazine y Esquire. Las celebridades a las que ha retratado pertenecen al cine, la política, los deportes y la música e incluyen a Robert De Niro, Johnny Depp, Brad Pitt, Natalie Portman, Jake Gyllenhaal, Michael Douglas, Mickey Rourke, Vince Vaughn, Chris Rock, Jennifer Connelly, 50 Cent, Rush Limbaugh, Hillary Clinton, Shaun White, Alec Baldwin, Reggie Bush, Spike Lee, Coldplay, Kofi Annan, Sir Ian McKellen, Bill Gates, ... y muchos más. 

Ha publicado dos libros: The New York Look Book, sobre moda en las calles de Nueva York, originado por la columna The Look Book para la revista New York Magazine con la escritora Amy Larocca y Rubbish, un libro de fotografía callejera sobre las basura en la calle.

Sus fotografías formaron parte de la exposición en 2013 de Proud Camden Amy Winehouse: For You I Was A Flame.

 

Referencias

Libros

lunes, 24 de septiembre de 2018

Michal Chelbin

Michal Chelbin es una fotógrafa israelí (nacida en 1974 en Haifa, Israel, donde vive y trabaja) que se ocupa de temas universales: familia, aspiraciones a la normalidad, la pubertad, el deseo de fama, y ​​al mismo tiempo ofrece una visión de mundos al mismo tiempo extraños y familiares.

© Michal Chelbin

© Michal Chelbin

Busco personas que tengan una cualidad legendaria sobre ellos, una mezcla entre lo extraño y lo ordinario.

Biografía

Michal Chelbin nació en una familia sin ningún interés en las bellas artes, pero ella se sintió atraída por la fotografía a los 15 años, asistiendo a una escuela secundaria para las artes. Después, sirvió sus dos años obligatorios de servicio militar siendo asignada como fotógrafa a la Fuerza de Defensa de Israel. Allí adquirió experiencia en fotografía de campo y descubrió que no le apasionaba el puro trabajo documental.

Después trabajó brevemente como fotógrafa antes de inscribirse en un programa de fotografía de cuatro años en la Academia de Diseño WIZO (Organización Sionista Internacional de Mujeres) en Haifa. Se mudó a Brooklyn, Nueva York, en 2006 y luego regresó a Israel en 2010.

Técnicamente, su trabajo es relativamente simple: confía en la luz natural, usa películas estándar, usa una cámara de formato medio, evita el post-procesamiento digital y prepara cuidadosamente sus fotografías, pero permanece abierta a la casualidad e incluso a las sugerencias de su modelos.

Su primer gran proyecto giró en torno a grandes circos tradicionales en Israel y Europa, y luego pasó seis años buscando y fotografiando artistas en pequeños circos y compañías itinerantes, principalmente en Ucrania, Rusia e Israel. Otro tema que trata son chicas adolescentes al borde de la conciencia sexual, divididas entre la inocencia y la experiencia. Utiliza contrastes visuales: la yuxtaposición de lo joven y lo viejo, lo grande y lo pequeño, lo normal y lo anormal, la fantasía y la realidad. Ha fotografiado también a niños en academias militares, prisioneros en cárceles y jóvenes atletas.

Su trabajo se ha mostrado ampliamente en numerosas exposiciones individuales y en grupo por todo el mundo. Su obra se puede encontrar en muchas colecciones privadas y públicas, como The Metropolitan, LACMA, Getty Museum LA, Jewish Museum de Nueva York, Cleveland Museum of Art, Palazzo Forti en Verona, Sir Elton John Collection y Tel Aviv Museum. Colabora habitualmente con las principales revistas del mundo, como The New York Times Magazine, The New Yorker, Business Week, GQ, The Guardian, The Sunday Times, The Financial Times, Le Monde y otras.

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Libros

domingo, 23 de septiembre de 2018

David Chancellor

David Chancellor es un fotógrafo inglés (nacido en 1961 en Londres, vive en Sudáfrica). Su trabajo lo lleva a través del mundo, desde las tierras tribales de Kenia hasta las sombrías montañas de Escocia. Sus intereses están bordeando esa línea irregular y sangrienta donde Hombre y Bestia se encuentran.

Huntress With Buck, South Africa © David Chancellor

Huntress With Buck, South Africa © David Chancellor

Durante muchos años he estado interesado en la creciente superpoblación del hombre y cómo eso choca con la vida salvaje.

Biografía

David Chancellor estudió en el Kent Institute of Art and Design. Su padre era un fotógrafo aficionado extremadamente entusiasta que "le dio" largas caminatas y sesiones de diapositivas Kodachrome más largas todavía. Heredó de él una Praktika MTL3, demasiado técnica y tan pronto como pudo comenzó a sacar fotos de todo lo que revelaba. Su primer proyecto fue  documentar a los carniceros y comerciantes del mercado Bull Ring en el centro de Birmingham. Allí iba cada fin de semana a hacer retratos el sábado, procesando la película y regresando la semana siguiente para vender las fotos a la gente. Todavía estaba en la escuela pero llegó a ser bastante conocido en el mercado, a realizar encargos y de vez en cuando vendía imágenes al periódico local.

Visualmente sus fotografías son cautivadoras, atractivas y estimulantes. Su pasión por su trabajo le permite tener éxito constantemente en los difíciles temas que elige. Los cuerpos de trabajo resultantes, dentro del reportaje documental, nunca dejan de atraer a la gente y crear un espacio para un diálogo muy necesario.

Ha participado en numerosas exposiciones colectivas e individuales, ha expuesto en importantes galerías y museos y ha publicado en todo el mundo. Su trabajo continúa examinando la mercantilización humana de la vida salvaje.

Su proyecto Hunters explora la relación entre el hombre y el animal, principalmente en Sudáfrica, que tiene actualmente la industria cinegética más grande del mundo. Se materializó en el libro del mismo nombre y su sub-serie Elephant Story en la que vemos a aldeanos locales de Zimbabwe cómo en dos horas reducen el cuerpo de un elefante muerto a los huesos, ganó un premio World Press Photo en 2010. 

Además de este premio ha conseguido numerosos premios y galardones como 3 veces Fotógrafo Nikon del Año, el Taylor Wessing National Portrait Prize en 2010, el premio Sony World Photography Award en la categoría Naturaleza y vida salvaje y el premio Veolia Environnement Wildlife Photographer of the Year en 2012, el premio World Understanding en el Internacional Pictures of the Year, el Premio Internacional de Fotografía de Kuala Lumpur en Retrato, el Vienna International Photo Award en fotografía documental y el Premio Kontinent para fotografía documental en 2013.

  

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    Libros

    sábado, 22 de septiembre de 2018

    Víctor Lax

    Víctor Lax es un fotógrafo español (nacido en 1979 en Alcolea de Cinca, Huesca, vive y trabaja en Barcelona) que abandonó el fotoperiodismo para pasarse a la fotografía social, un ámbito en el que ha destacado por sus imágenes sin apenas posados ni artificios, en las que cuenta una historia, aportando su estilo nuevo y fresco.

    VictorLax

    © Víctor Lax

    En cada boda mi misión es contar una historia de una forma personal y única, dejando que las cosas fluyan de forma natural. No solo quiero capturar instantes sino las sensaciones y emociones que se generen alrededor de ellos. Quiero ser el fotógrafo invisible de la boda, el encargado de documentar cada uno de esos momentos únicos e irrepetibles que van a ocurrir.

    Biografía

    Víctor Lax estudió fotografía en Zaragoza y descubrió su pasión por ella a través del fotoperiodismo, comenzando de becario en el Periódico de Aragón. Tras diez años trabajando como fotoperiodista para destacados medios españoles como la Agencia EFE o El Heraldo de Aragón, en 2008, en parte empujado por la crisis, decidió dedicarse en exclusiva a la fotografía de bodas, donde tan solo cinco años ha conseguido posicionarse como uno de los más destacados del sector.

    Trasladó sus conocimientos y experiencias en el fotoperiodismo al mundo nupcial, en el que encontró una fuente inagotable de posibilidades creativas, artísticas y narrativas. En el BBC puede hacer lo que más le gustaba de su profesión: contar una historia a través de las imágenes. Con su particular visión a través del objetivo, Lax irrumpió con un nuevo estilo en el mundo de la fotografía de bodas, espontáneo, sin posados ni artificios, sin nada que altere ese día tan especial entre una pareja.

    Entre sus referentes, están otros fotógrafos de bodas como el mejicano Fer Juaristi, tótems como James Nachtwey, Alex Webb, Steve McCurry, Sebastiao Salgado, Mario Testino, Rodney Smith, ... Una combinación de fuentes que se refleja en la multidimensionalidad, calado y estética de su trabajo.

    Víctor se mueve por todo el mundo fotografiando bodas de parejas tanto nacionales como internacionales. El 70% de sus clientes son internacionales y ha viajado a países como Estados Unidos, Italia o Turquía. Muchos son extranjeros que vienen a hacer su reportaje fotográfico, incluso la boda, a España.

    Ha sido galardonado por la web internacional Fearless como el mejor fotógrafo de bodas del mundo de 2016. Fearless photographers en un directorio de fotógrafos de bodas que no tienen miedo a tomar fotografías nupciales diferentes y romper los límites de la profesión para sorprender a los novios en uno de los días más importantes. También ha obtenido otros reconocimientos como ISPWP Junebug Weddings o FDF España.

    Referencias

    viernes, 21 de septiembre de 2018

    Arnau Blanch

    Arnau Blanch es un fotógrafo catalán (nacido el 26 de febrero de 1983 en Barcelona, donde vive y trabaja) cuyos proyectos van desde la fotografía documental en la que pone la mirada en los otros, a la fotografía más personal e íntima que habla de sí mismo, de sus miedos, adicciones, la familia o su trastorno de ansiedad.

    © Arnau Blanch

    © Arnau Blanch

    Biografía

    Arnau Blanch Vilageliu nació en Barcelona y creció en un pueblo pequeño, cerca de Girona. Tras sus estudios en el Institut d’Estudis Fotografics de Catalunya (IEFC) especializándose en Ensayo Fotográfico, se trasladó a Nueva York para especializarse en Fotografía Documental en el International Center of Photography (ICP) con los cursos Passion, Purpous and Personal Vision y You, Your Life, Your World.

    Entre 2006 y 2009 viajó a Marruecos, Senegal, Gambia y Mauritania, quedando recogidos sus trabajos documentales en la serie Not Yet, Not Ready, pero estas experiencias no fueron gratificantes, sino duras, y esto le llevó a focalizarse en proyectos personales en los que habla sobre mí mismo desde perspectivas distintas, como por ejemplo su pueblo natal, su trastorno de ansiedad, sus miedos y adicciones y su familia.

    Su narrativa es cruda e instintiva. Seleccionado para la Joop Swart Masterclass del World Press Photo en 2013, participó en la publicación colectiva Next #3 con su proyecto Fantasmas, que ha sido recientemente expuesto en el Arts Santa Monica dentro de la muestra Nuevos Relatos Fotográficos.

    Su proyecto Veneno fue expuesto en el 4th Lumix Festival de Hannover en 2014 y en el Festival Paraty Em Foco de Brasil en 2013. La maqueta de este proyecto consiguió una mención honorífica en el 5º Premio Iberoamericano.

    Everybody Needs Good Neighbours es un proyecto fotográfico que tiene lugar en su pueblo natal, Vilobi d'Onyar, una ciudad de aproximadamente 3000 habitantes situada en el cruce de las principales infraestructuras de transporte de la zona: aeropuerto, autopistas y línea del tren de alta velocidad (AVE). Con él ganó la Beca FotoPres La Caixa en 2014, exponiéndolo en los Caixa Forum de Madrid, Barcelona y Zaragoza, en la Aperture Gallery en el Summer Open de Nueva York, Centro de Arte Contemporânea e Fotografia en Belo Horizonte y en el Festival Paraty Em Foco. Este proyecto fue ganador del premio PhotoEspaña al mejor Photobook en 2015.    

    Junto a Rafel Arocha es autor de No Caption, una correspondencia visual en formato editorial en varios volúmenes. El primero recibió el premio Best Self-Publishing Fredigoni/Private Space.

    Vive y trabaja en Barcelona y lo combina con estancias largas en Colombia.

             

    Referencias

    Libros

    • No Caption, con Rafael Arocha.
    • No Caption 2, con Rafael Arocha.
    • Next #3 de la Joop Swart Masterclass del World Press Photo con su proyecto Fantasmas, (varios)
    • Everybody Needs Good Neighbours.

    jueves, 20 de septiembre de 2018

    Marie Takahashi

    Marie Takahashi es una fotógrafa japonesa (vive en Tokio) especializada en fotografía de viajes, comida y arquitectura.

    © Marie Takahashi

    © Marie Takahashi

    Biografía

    Marie Takahashi ha estado fotografiando desde que tenía diez años y después estudió fotografía en el Nihon University College of Art. Desde entonces, ha trabajado para varias compañías editoriales de Tokio, como Hemispheres y AFAR, y continuó su carrera de fotografía profesional en Sídney, Nueva York, Mumbai y Shanghái. Además de hacer fotografías para revistas y publicidad, trabaja como operadora digital profesional y retocadora. Actualmente también se dedica a proyectos de cine artístico como directora de fotografía.

    Con sede en Tokio, Marie trabaja como profesional freelance especializada en comida, viajes, arquitectura e interiores. En la fotografía de viajes es citada muchas veces en listas de los mejores fotógrafos de viajes. En la de arquitectura usa edificios para dar vida a los sujetos, a menudo rompiendo reglas fotográficas. Al fotografiar un horizonte, lo hace desde adentro, forzando al espectador a mirar a través de las extrañas formas abstractas creadas por las obstrucciones.

    Takahashi congela a las personas para que sean parte de una escena en lugar de moverse dentro de ella. También tiene el hábito de recortar personas parcialmente del marco, como si escaparan mientras el espectador las persigue.

    Referencias

    miércoles, 19 de septiembre de 2018

    Miquel Nauguet

    Miquel Nauguet fue un fotógrafo catalán (nacido el 30 de junio de 1950 en Sant Celoni, Barcelona, donde falleció en 2011) que experimentó con la cámara estenopeica y con la restauración de fotografías. Entre su obra destacan sus imágenes de bosques y retratos, en blanco y negro y utilizando procedimientos antiguos como el calotipo, papel con sal, albúmina o colodión.

    Tabernas, Almería. 1992 (fragmento) © Miquel Nauguet

    Tabernas, Almería. 1992 (fragmento) © Miquel Nauguet

    Biografía

    Miquel Nauguet formó parte de la Agrupació Fotogràfica Montseny en pleno tardofranquismo. Allí pudo por primera vez compartir su afición por el cine y la fotografía. Junto un grupo de fotógrafos de Sant Celoni y con la colaboración de Albert Guspí (Galeria Spectrum) contribuyó a la creación de la Galería Tau, situada en Barcelona, en la cual se desarrolló una importante actividad expositiva y divulgativa entre los años 1976 y 1979.

    Entre los años 1980 y 1982 publicó diferentes reportajes en el suplemento dominical de El Correo Catalán. En 1981 realizó las imágenes de Fem Pinya, un libro dedicado a los castellers, y en 1982 publicó el libro La Fotografia en la escuela.

    En 1982 diseñó y construyó una cámara oscura gigante de 10 metros de diámetro con capacidad para 15 personas, en cuyo interior se podía observar la formación de la imagen y el proceso de revelado en blanco y negro de unos negativos de 1x5 metros. Posteriormente a esta fecha participó con la cámara gigante en diferentes festivales y proyectos fotográficos y con ella realizaría el célebre gran díptico de la Expo’92 de Sevilla.

    En 1983 participó en la colectiva Granollers: 8 punts de vista, celebrada en el Círculo Cultural de la Caixa de Granollers. Hasta 1987 se dedicó a actividades relacionadas con la introducción de la fotografía en la escuela, colaborando con el Departamento de Investigación del Instituto de Ciencias de la Educación (ICE), Universidad de Barcelona, la Escuela de verano Rosa Sensat, Universidad Catalana de Verano en Prada, etc.

    Miquel fue desde mediados los 80 profesor del Institut d’Estudis Fotogràfics de Catalunya (IEFC). En el marco de la Primavera Fotogràfica de Catalunya de 1988, organizó la exposición Fotografia estenopeica. Experiències i realitats, con las fotografías de alumnos de primaria de la ciudad de Granollers.

    En 1993 fue nombrado director del Departamento de Documentación e Investigación, desde el cual se especializó en la recuperación de técnicas fotográficas antiguas, convirtiéndose en uno de los máximos expertos teórico-prácticos en este campo. Colaboró con el proyecto Recerca i recuperació de la història gràfica de Sant Celoni, que consiguió reunir una colección de más de 700 documentos. En el año 2010, esta colección se donó al Arxiu Municipal La Tèrmica de Sant Celoni.

    El IEFC dedicó en 2012 la exposición conmemorativa Miquel Nauguet. Constructor d’imatges primero en su pueblo natal de Sant Celoni y luego en el propio IEFC. La exposición consta de documentos personales que muestran sus aficiones: las cámaras fotográficas de diseño propio, su experimentación e investigación sobre las técnicas antiguas, fotografías de su cámara gigante, y la diversidad de su obra fotográfica.

    Fue también piloto de ultraligeros y planeadores, y constructor de avionetas que después también pilotaba.

    Referencias

    Libros

    • La fotografia a l’escola, 1982.
    • Sant Celoni, fragments d’una història, con Tomás Gimeno y Neus Julià, 1983.
    • Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI, 2013.

    martes, 18 de septiembre de 2018

    Toru Tanaka

    Toru Tanaka es un fotógrafo japonés (nacido en Tokio, donde vive y trabaja) que realiza fotografía de calle, principalmente en Tokio. Con la población urbana más grande del mundo, la capital japonesa ofrece infinitas oportunidades fotográficas para el fotógrafo urbano de la calle. Es una ciudad que nunca duerme.

    © Toru Tanaka

    © Toru Tanaka

    Biografía

    Toru Tanaka es un empresario japonés nacido y viviendo en Tokio. En esta ciudad, todos están ocupados trabajando duro para lograr sus deseos. Como resultado, esas mentes hicieron esta ciudad muy caótica y desorganizada. Al principio, no le gustaban esos aspectos de su ciudad, pero actualmente ha aceptado este desastre y su interés ha cambiado a la captura de estas escenas como fotografía callejera y documental.

    Le gusta la música de jazz y tocar el saxofón tenor. La fotografía de calle y la música de jazz le permiten improvisar el medio y tocar la energía de la ciudad. Esta es la razón por la que le gustan ambas.

    Casi toda su obra está realizada en su  camino a casa desde el trabajo y los fines de semana, aunque también ha fotografiado en Chicago. Utiliza una Pentax Ricoh GR, la por las pequeñas dimensiones de la cámara y la excelente calidad de imagen. A veces dispara con una Fuji X100 los fines de semana. Normalmente utiliza Silver Efex Pro y Lightroom para procesar sus imágenes. Su fotografía es cándida cuando realiza fotografía de calle y puede interactuar con el sujeto cuando trata un tema más documental.

    Tanaka ha publicado sus fotografías en PhotoVogue, y también ha participado en dos exhibiciones en grupo: A Glimpse at Photovogue en la Galleria Carla Sozzano de Milán en 2013, y en The International Photography Photolux Festival Lucca.

    Referencias

    lunes, 17 de septiembre de 2018

    Liza Ambrossio

    Liza Ambrossio es una artista mexicana (nacida en 1992 en Ciudad de México, vive y trabaja en Madrid) cuyo cuerpo de trabajo mezcla macabras fotografías de archivo con cripticas pinturas, performance, intervención, videos, psicología, pesadillas, ciencia ficción y brujería que une por libre asociación.

    © Liza Ambrossio
    © Liza Ambrossio


    Biografía

    Liza Ambrossio es licenciada en Ciencias de la Comunicación de la U.N.A.M. (México). Actualmente vive y trabaja en Madrid, donde estudia el Máster en Fotografía, Teorías y Proyectos Artísticos PHE, siendo ganadora de la Beca Descubrimientos 2017-2018 del festival PHotoEspaña y La Fábrica, y de la VI Edición Becas Talento Fotografía TAI.
     
    Le interesa la fotografía con gestos performativos y cinematográficos, al tiempo que aludiendo al archivo pictórico y al documental, busca agregar una respuesta humanista a los misterios psicológicos, biológicos y místicos que se relacionan por asociación libre. Estos recorridos se derivan de la necesidad de resolver su historia personal a través de la exploración de lo siniestro que ocurre cuando los límites entre la fantasía y la realidad desaparecen. Mezcla diferentes técnicas (imágenes de archivo, intervención pictórica, maquillaje, collage, fotografía analógica y digital, ...). Los textos que acompañan su trabajo son una construcción sincrética basada en instantes de la realidad de mi vida. Su cuerpo de trabajo se construye a partir del derrame entre psicología, pesadillas, ciencia ficción y brujería latinoamericana.
     
    Su trabajo ha sido publicado en la red Fototazo (Colombia-Estados Unidos), Espacio Gaff (México-Venezuela) y L´Oeil de la Photographie (Francia-Estados Unidos). También ha expuesto individual y colectivamente en México y en otros países.
     
    Ha cursado residencias en Islandia y Estados Unidos, siendo seleccionada finalista dentro de las 50 mejores promesas jóvenes del Emerging Talent de Lens Culture 2016 en Ámsterdam y en New Visions 2018 del festival Cortona On The Move en Italia. Es la ganadora del Premio FNAC Nuevo Talento 2018.
     
    En 2018 presentó su primer foto libro La ira de la devoción (The rage of devotion) en el Fotofest de Houston en Texas y ganó con él el prestigioso premio Voies Off 2018 de Les Rencontres de la photographie en Arles, Francia. La ira de la devoción es un trabajo potente que ha ido creciendo y madurando con el tiempo, y nos introduce, de manera contundente, en un mundo de pesadilla donde fluyen miedos y fantasmas, rindiendo culto a la magia, la brujería, el espiritismo, el chamanismo, lo esotérico, la cábala…

    Referencias

    Libros

    domingo, 16 de septiembre de 2018

    Glen E Friedman

    Glen E Friedman es un artista y fotógrafo estadounidense (nacido el 3 de marzo de 1962 en Carolina del Norte, vive en Ciudad de Nueva York) considerado uno de los fotógrafos más importantes de su generación, por su fotografía de los rebeldes del skaters y músicos de hip-hop y punk en la década de los 80.

    © Glen E Friedman

    © Glen E Friedman

    La parte más importante de mi trabajo, la que es buena porque se separa de lo demás, es porque proviene del corazón. No lo hacía para ganarme la vida, lo hice porque tenía que hacerlo, porque amaba lo que estaba haciendo. Me encantaban estos artistas por la forma en que me inspiraban.

    Biografía

    Glen Ellis Friedman era hijo de una pareja que se separó tempranamente. Su padre se quedó en el este y con su madre se mudó a la soleada ciudad de Los Ángeles, en California, a principios de los años 70, con unos 10 años.

    Tras el regalo de un Makaha Super Surfer con ruedas de arcilla roja, aunque no le gustaba el surf, terminó juntándose con un grupo de surferos que cuando no había olas patinaban, montaban en bicicleta y autobús buscando por las afueras de la ciudad piscinas vacías en los patios traseros de casas abandonadas, en construcción y habitadas (algunas las vaciaban ellos) en una época de restricciones de agua y con unos  “sancheskys” poco evolucionados crearon el patinaje vertical y revolucionaron el skate.

    Eran un grupo de niños que buscaban algo divertido que hacer pero con el avance tecnológico en las ruedas de monopatín llevaron el patinaje al siguiente nivel. Sus amigos fueron patinadores pioneros como Tony Alva, Jay Adams y Stacy Peralta, miembros fundadores del equipo Zephyr Skate Team original, también conocidos como los Z-Boys. Friedman era un buen patinador, pero no tanto como sus amigos y se rompió un brazo, comenzando a fotografiar a sus amigos con una cámara Pocket Instamatic por el miedo de romper o perder una cámara cara. Sus fotografías eran muy buenas, pero el pequeño negativo impedía que se publicaran.

    Al final, en 1976, con una cámara prestada de 35 mm fotografió a unos pocos amigos en una piscina vacía haciendo skating y le pasó las fotos al fotoperiodista C.R. Stecyk III que trabajaba como freelance para la icónica revista SkateBoarder. Le publicaron algunas fotos, incluida una como anuncio a página completa, convirtiéndose enseguida en el miembro más joven de esta revista de culto para la cultura juvenil en todo el mundo. Aquí fue donde Friedman comenzó a aprender las realidades del mundo de la fotografía, y a establecer su camino para los años venideros, mientras publicaba mensualmente estando en la escuela secundaria.

    Cronista definitivo en Skateboarder, publicando innumerables fotos en la revista a finales de los 70 y principios de los 80, cuando el skateboarding comenzaba a experimentar un bajón, parte de la gente se trasladó a la música especialmente a los nuevos géneros underground y bandas cuyos miembros  conocían su trabajo en Skateboarder comenzaron a querer ser fotografiados por Friedman llevándole a documentar estas nuevas culturas musicales, fotografiando a Fugazi, Dead Kennedys, Circle Jerks, Bad Brains, Black Flag, Minor Threat, Misfits, Beastie Boys, Run-DMC, KRS-One y Public Enemy. Su libro My Rules: Photozine sobre el mundo del punk vendió 10.000 copias.

    Su fotografía ha sido publicada en sus libros, así como en muchas otras publicaciones, en portadas de discos y ha sido expuesta en galerías de arte y museos. Su obra forma parte de numerosas colecciones de fotografía, incluido el Museo Metropolitano de Arte en Ciudad de Nueva York. También ha sido incluido como un icono en el Salón de la Fama del Skateboarding.

    Es un activista político progresista, evita los tóxicos (Straight Edge) y sigue una estricta dieta vegana. En 2004, creó la Liberty Street Protest en el Ground Zero de Ciudad de Nueva York y su sentimiento antibélico recibió atención internacional. Apoya la libertad religiosa y la colocación de una mezquita a unas pocas cuadras de distancia de la Ground Zero en Nueva York.

    También ha coproducido y realizado diversos documentales como Dogtown and Z-Boys en 2001, No No: A Dockumentary en 2014, y ha aparecido en Saving Banksy en 2017,  Obey Giant en 2017, y en otras películas.

    Referencias

      Libros