viernes, 31 de agosto de 2018

Jane Burton

Jane Burton es una fotógrafa australiana (nacida el 13 de julio de 1966 en Brisbane, Queensland, vive en Melbourne) que realiza fotografías oscuras, misteriosas y a menudo poéticas, combinando imágenes de paisajes junto con retratos.

Devils-Playground-03 © Jane Burton

Devils-Playground-03 © Jane Burton

Creo que todas mis fotografías pueden leerse como un autorretrato. Las imágenes de paisajes, de casas, árboles, etc. revelan una condición emocional y psicológica. Tiendo a seleccionar modelos que, hasta cierto punto, se parecen a mí, de modo que el resultado final se acerque más a una experiencia personal real para mí. Después de todo, el acto de fotografiar a una mujer desnuda en una casa vacía se vive de verdad. Creo que fotografío escenas para que puedan existir, casi como un documento de prueba. Para que el mundo que siento pueda mostrarse real. Quiero decir que estoy interesada en mí misma, por lo tanto, estoy interesada en la forma femenina como el recipiente de una condición psicológica.

Biografía

Jane Burton nació en Brisbane en 1966. Después de mudarse con su familia a Tasmania en la década de los 80, asistió a la Tasmanian School of Art, Hobart, donde en 1991 completó su Licenciatura en Bellas Artes con honores y en 1993 obtuvo una Honorary Research Associate.

Sus fotografías exploran el terreno psicológico del sombrío romanticismo, un escenario teatral para pensamientos y sentimientos ocultos. No hay nada real en estos extraños interiores, figuras y paisajes, tanto urbanos como naturales. A menudo poseen un elemento de cine negro, están imbuidos de misterio y sensualidad, trasladándonos a los tiempos de oscuros asesinatos, misterios y dramas delictivos de la década de los 50.

Independientemente de lo que se representa, los negros estigios de las sombras de los árboles abandonados contrastan con los blancos ásperos de los letreros de los hoteles de neón o las mujeres misteriosas y desnudas enmarcadas en una ventana convierten al espectador en un mundo de secretos e intriga. Cuando adopta un color suntuoso, casi sin importar el tema, ya sea en salas de hospital anteriores o en desnudos sensuales posteriores, siempre conserva una sensación de anhelo y melancolía.

Su primera exposición individual, The Sweetest Path, se realizó en 1991 con Contemporary Art Services Tasmania en Hobart, y viajó al Centre for Contemporary Photography de Melbourne. Desde entonces ha realizado más de 35 exposiciones individuales e instalaciones de video, y más de 100 exposiciones en grupo. Ha disfrutado de varias residencias de artista en París, Australia, China, … y en 2011 consiguió el premio Best Experimental Film Award dentro del Three minutes Film Festival de Indiana, EEUU.

Su obra forma parte de varias colecciones institucionales, incluido el Tasmanian Museum, Art Gallery de Hobart, Artbank, National Gallery of Victoria, Newcastle Region Art Gallery y el Monash Gallery of Art en Victoria.

Referencias

Libros

  • Other Stories, 2011.
  • New Romantics, 2011.
  • Look, 2010.

jueves, 30 de agosto de 2018

Károly Escher

Károly Escher fue un fotógrafo húngaro (nacido el 21 de octubre de 1890 en Szekszárd, en la región de Tolna en Hungría, fallecido el 16 de febrero de 1966 en Budapest) que fotografió prácticamente a todas las figuras públicas de su época, desde jefes de estado a políticos, desahuciados, detenidos en redadas, actrices y parejas de amantes, asesinos, calles nevadas, eventos deportivos y bailes.  También se acercó a las víctimas de la marginación social y de la miseria material con compasión, siendo uno de los mejores dentro de la fotografía social húngara.

Luna Park (Swing Boats), ca. 1932 © Károly Escher

Luna Park (Swing Boats), ca. 1932 © Károly Escher

Biografía

Károly Escher se interesó en la fotografía con tan sólo diez años, construyéndose su propia cámara con una caja de puros. Luego estudió ingeniería en Budapest y se convirtió en un ingeniero calificado, pero mantuvo siempre su interés por la fotografía. Trabajó como director de fotografía en películas de noticias durante la breve República Soviética de Hungría. El hundimiento del cine mudo le llevó a fijar su atención en la fotografía.

Su carrera profesional como fotógrafo comenzó en 1928, cuando fue invitado a trabajar para la revista Az Est (Tarde) como sustituto del famoso fotógrafo Martin Munkácsi. Más tarde trabajó para el periódico Pesti Napló durante las décadas de los 30 y 40.

Escher pronto se convirtió en el fotógrafo húngaro más importante conocido en los medios de comunicación por su tratamiento objetivo acerca de los hechos políticos que acontecían. También fue un pionero de la fotografía de 35mm y en el uso del movimiento. Durante su carrera trabajó para numerosas revistas, entre ellas, Kepes Figyelo (Visual observador).

Después del cierre del periódico Pesti Napló en 1939 se convirtió en fotógrafo de la Literatura de Teatro y Cine. Se retiró como fotógrafo en el Instituto de Ciencia y Diseño de la Ciudad (VÁTI), pero más tarde hizo fotografías para la Revista de Publicidad de Comercio Exterior de Hungría.

De la prolífica generación de los años 30 de fotógrafos húngaros: Robert Capa, Sylvia Plachy, André Kertész o Brassaï, la mayor parte salieron de Hungría, su país natal, para continuar con su carrera fotográfica y formar parte de la memoria colectiva en la historia mundial de la fotografía. Karoly Escher fue uno de los que se quedaron en su propio país.

Escher consiguió numerosos premios, como el primer premio en la Exposición de fotografía moderna en Londres en 1931, el Gran Premio en la Exposición Mundial de Artes Aplicadas de Milán en 1934, y una medalla de oro en la Exposición Internacional de Fotografía de Primera en 1957. En reconocimiento a su trabajo obtuvo el Premio de Artista Distinguido de la República Popular de Hungría en 1965.

Referencias

miércoles, 29 de agosto de 2018

Kitra Cahana

Kitra Cahana es una fotógrafa documental independiente canadiense (nacida en 1987 en Miami Beach, Florida, EEUU) que es una verdadera trotamundos, una exploradora inagotable de lo social, con temas comunes como las subculturas, el transporte y las religiones. Se integra en comunidades, a menudo durante meses,  narrando la vida cotidiana de adolescentes en una escuela secundaria de Texas, contando la historia de un culto venezolano, siguiendo a un grupo de jóvenes nómadas por todo Estados Unidos, ...

© Kitra Cahana

© Kitra Cahana

Biografía

Kitra Cahana es hija de un rabino que ha tenido un montón de destinos por el mundo, a los que viajaba con su familia. Así Kitra nació en Miami Beach, Florida, pero pasó la mayor parte de su infancia y adolescencia entre Montreal (Canadá) y Gotemburgo (Suecia). Cuando tenía 17 años su familia se trasladó a Israel y allí empezó sus estudios universitarios, coincidiendo con la retirada de las tropas israelís de la franja de Gaza y  Kitra comenzó a fotografiar esta problemática. Una de sus imágenes consiguió llegar hasta los editores del New York Times y fue publicada en primera página. En 2007, empezó a trabajar para este periódico como fotógrafa interina.

Obtuvo una beca para FABRICA de Benetton en Italia así que se trasladó a Treviso y empezó a realizar reportajes por toda Europa para la revista Colors. También realizó una serie de reportajes en las Islas Vanuatu y Niue en el Pacífico, en Kenia y en la República del Congo. En 2009, tras obtener su licenciatura en filosofía por la Universidad McGill , empezó a colaborar con National Geographic, inicialmente como becaria en su sede central de Washington DC.

Con Chris Urquhart, escritora que también colaboraba con la revista Colors, realizó un proyecto que culminaría en un libro y un proyecto multimedia llamado Welcome to Rainbowland que era un seguimiento de los nuevos nómadas que existen hoy en EEUU: jóvenes marginales,  fugitivos, performers, artistas callejeros, punks, gente sin techo, etc. Durante su investigación llegaron a comer alimentos recogidos de contenedores de basura, viajaron en autostop, en camionetas hippies, de ocupas en vagones de tren, durmiendo al aire libre en sacos o sobre mantas e hicieron un fiel seguimiento de la vida de estos jóvenes.

Tras haber obtenido por este proyecto un premio World Press Photo en 2010 y una mención honorífica en The Lange-Taylor Award de la Universidad de Duke, National Geographic le encargó su primer gran reportaje, Beautiful Brains, sobre el comportamiento y la forma de pensar de los jóvenes adolescentes. 

Kitra ha recibido además de los citados varias becas y reconocimientos, incluidas dos Canada Council Grants for the Visual Arts, una Beca TED Senior 2016, una beca del Centro Pulitzer en 2015 para Informes de Investigación, una residencia de artistas 2014-2015 en el Centro Prim, ICP Infinity Award for Young Photographer en 2013, y un internado Thomas Morgan en el New York Times. También fue invitada a la Joop Swart Masterclass de 2011.

Sus fotografías reflejan el gran interés que tiene por los seres humanos, y por su vulnerabilidad ante ciertos hechos del mundo moderno, lo que los lleva a vivir al margen de la sociedad. A pesar de haberse iniciado con gran fascinación por lo positivo, por consejo de su padre, hoy su trabajo goza de un alto grado de objetividad. Kitra ha obtenido un master en antropología visual y medios por la Freie Universitat de Berlín.

Referencias

martes, 28 de agosto de 2018

Luis Sergio

Luis Sergio es un fotógrafo peruano-chileno (nacido el 14 de junio de 1977 en Lima, Perú, vive y trabaja en Santiago de Chile) cuya obra fotográfica es de un gran compromiso social, intentando dejar testimonio y visibilizar los ámbitos de la vida cotidiana de diferentes comunidades en las que se involucra y que intentan sobreponerse a la adversidad, como los enfermos de Sida en Perú, las comunidades mapuche en Chile y en Argentina. Luis Sergio propone un acercamiento más subjetivo, una narrativa propia en relación a la fotografía, que desarrolla en sus imágenes planteándolas como relatos.

© Luis Sergio

Prensa PU MAPUCHE 016

Miembros de la comunidad Boroa Fin Fin descansan tras celebrar el We Tripantu, que quiere decir “nueva salida del sol”. Es en esta ocasión que se festeja la llegada del Año Nuevo en la cultura mapuche. Tiene lugar durante el solsticio de invierno austral. Boroa Fin Fin, Cautín, Región de La Araucanía, Chile. 2013.

Biografía

Luis Sergio realizó estudios desde 1997 hasta 2000 en la Escuela de Periodismo Jaime Bausate y Meza en Lima, donde encontró en la fotografía su camino profesional. Fue becado por la Escuela Argentina de Fotografía (EAF) en Buenos Aires en 2000/2001. En 2002 se trasladó a vivir a Chile en donde cursó un Taller de edición fotográfica en la Pontificia Universidad Católica de Chile en 2008.

Su obra fotográfica es de un gran compromiso social, intentando visibilizar los ámbitos de la vida cotidiana de diferentes comunidades en las que se involucra, las cuales, se sobreponen a la adversidad, como los enfermos de Sida en Perú, las comunidades mapuche en Chile y parte de Argentina, dejando con ello un testimonio; como bien lo representan sus trabajos: VIH in Perú, Otra forma de llegar a la escuela y Pu mapuche. Pese a que no se aleja demasiado del formato documental, igualmente experimenta entre las técnicas analógica, cámaras Holga, gran formato y digital, el color y el blanco y negro.

Profesionalmente trabajó como reportero gráfico en los diarios La República en Perú, La Nación en Argentina y La Tercera en Chile. Además realizó un gran número de trabajos como reportero gráfico tanto para medios nacionales como internacionales.

Ya en el año 2003, comenzó a participar en exposiciones colectivas e individuales de fotografía. Su obra ha sido expuesta en Perú, Argentina, Chile, Inglaterra y España (donde participó de la muestra colectiva Latinoamérica es un pueblo al sur de Estados Unidos con su serie Pu mapuche en PhotoEspaña 2015) y en la Feria Lima Photo. Sus fotografías han sido publicadas en revistas, libros y catálogos especializados.

A lo largo de su carrera ha obtenido varias distinciones y premios, entre los que podemos citar: en los años 2003 y 2005 fue galardonado en la categoría reportajes en el Salón Nacional de Fotografía de Prensa en Chile, en 2011 obtuvo el primer lugar en el Concurso Nacional en Derechos Humanos otorgado por el Centro de la Imagen, Defensoría del Pueblo y Delegación de la Unión  Europea en Perú y en el 2013, en Chile, fue nominado al Premio Nacional Rodrigo Rojas Denegri en Fotografía Joven. El año 2014 obtuvo la nacionalidad chilena.

Su proyecto con más repercusión por el momento es Pu Mapuche (Los Mapuche), un trabajo fotográfico documental realizado en 10 años a partir de 2004, recorriendo el Wallmapu (territorio mapuche), compartiendo con sus habitantes y registrando desde adentro los aspectos fundamentales que dan forma a la identidad de este pueblo originario. También  fotografió a los mapuche que viven lejos de sus ancestrales tierras, mostrando cómo logran prevalecer parte importante de sus tradiciones, proyectando su legado a las nuevas generaciones.

Referencias

Libros

  • Pu Mapuche,  2017.
  • Chile Pasaporte (varios), 2012.
  • Eres,  2010.

lunes, 27 de agosto de 2018

Marcos Chamudes

Marcos Chamudes fue un fotógrafo chileno (nacido el 16 de enero de 1907 en Santiago, donde falleció el 25 de junio de 1989) considerado un paradigma de la práctica fotográfica en Chile durante la primera mitad del siglo XX, gracias a casi dos décadas de intensa práctica fotográfica. Sus peripecias como fotógrafo en la II Guerra Mundial, su participación en la exposición The Family of Man, en 1955, ser corresponsal de la agencia Magnum, su trabajo en los Balcanes, …configuraron la imagen de la fotografía como un oficio de aventura, riesgo y celebridad.
Manifestación a favor de Ibáñez, 1952 © Marcos Chamudes
Manifestación a favor de Ibáñez, 1952 © Marcos Chamudes

Biografía

Marcos Chamúdez Reitich era hijo de inmigrantes judíos rusos procedentes de Besaravia. Primero estudió arquitectura, carrera que abandonó al dedicarse a la política activa hacía 1925. Tras un viaje en 1929 a Perú ingresó en el Partido Comunista de Chile, logrando ser diputado por este partido, para terminar, expulsado del PCC en 1940 calificado de burgués y traidor, lo cual no le permitió una vida fácil en Chile, y se trasladó a Nueva York  junto con su mujer, la escritora, periodista y activista por los derechos de la mujer, Marta Vergara.
Buscando una manera de ganarse la vida, el año 1941 se matricula en la School of Modern Photography de Nueva York para estudiar retrato, fotografía comercial y fotografía en color. En 1943 se enroló en el Ejército de EEUU, obteniendo la nacionalidad estadounidense y siendo cabo-fotógrafo realizando fotografías de presos liberados de un campo de concentración y de soldados norteamericanos en Alemania y Austria.
En 1945 volvió a Washington trabajando como reportero del encuentro entre el Presidente Truman y la premio Nobel de Literatura, Gabriela Mistral. En 1947 fue fotógrafo oficial de las Naciones Unidas en la Comisión Investigadora de los Incidentes fronterizos de los Balcanes. Trabajó también en Grecia e Italia para la Organización Mundial de la Salud. En 1948 se incorporó como reportero a la Agencia PIX Incorporated. Fotografió a Jean Miró, Paúl Eluard, Rufino Tamayo, Jorge Amado, Picasso y un Pablo Neruda exiliado en París y que le ofreció volver al PCC.
En 1951 volvió a Chile donde expuso su trabajo de Europa y Estados Unidos, y montó un estudio y la sala de exposiciones Chamudes. Fue nombrado corresponsal de la agencia Magnum, cubriendo la insurrección armada del Movimiento Nacional Revolucionario Boliviano (MNR). También retrató a los niños de Fundación Mi Casa, las nuevas industrias que nacían en Paipote, Huachipato y Lota, y realizó una serie sobre la leprosería de la Isla de Pascua. En 1955 participó en la mítica exposición fotográfica The Family of the man en el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MOMA) con su foto Efigie del minero boliviano.
Poco sus pasiones más poderosas: la política y el periodismo, le llevaron a abandonar la práctica fotográfica. Ya en 1953, a través del diario La Nación y de la radio comenzó su ataque público contra el PCC. Se hizo radical y en 1959 fue designado director de este diario, y en 1962 fundó y dirigió el semanario PEC (Política, economía y cultura) que contaba con financiación de la CIA según los comunistas.
Con la llegada al poder del Frente Popular se trasladó a Argentina y no regresó a Chile hasta 1980. Parte de este tiempo lo dedicó a clasificar su archivo fotográfico.
Fue el primer fotógrafo chileno que capturó el imaginario de jóvenes fotógrafos con sus trabajos fotográficos de Nueva York, Alemania, Roma, Paris, La Paz. Tras su muerte la gran mayoría de su obra es donada al Museo Histórico Nacional de Chile, más de 3.000 negativos.

Referencias

Libros

  • El libro blanco de mi leyenda negra, 1964.
  • Picasso, Arte y Libertad, 1980.

domingo, 26 de agosto de 2018

Peter Beste

Peter Beste es un fotógrafo estadounidense (nacido en Houston en 1978, vive en Oregón) cuyo trabajo documental abarca una variedad de subculturas que pueden considerarse controvertidas, como el Black Metal y el Rap.

© Peter Beste

© Peter Beste

Biografía

Peter Beste ha estado interesado desde muy joven (desde los 8 años) en distintas subculturas musicales como el heavy metal, el punk rock, el hip hop y otros. En su adolescencia, descubrió el Black Metal noruego y al instante se sintió atraído por él a muchos niveles, sobre todo por su conexión con la naturaleza y con la antigua mitología nórdica. Estando en los finales de los 90 en la universidad pensó que éste podría ser un proyecto fotográfico ideal, por su importancia cultural casi antropológica y por el poder de las imágenes de esos artistas en un entorno exuberante y mágico.

Evidentemente fue un proceso largo y delicado. Al principio contactó con varios grupos por email. Los primeros fueron Gorgoroth y Enslaved, y tuvo la suerte de que Gorgoroth y Dimmu Borgir realizaran un concierto en el Milwaukee Metalfest de 2001. Peter hizo allí fotografías que les encantaron, así que accedieron a dedicarle algo de su tiempo si visitaba Noruega.

En 2002 hizo su primer viaje a Noruega, que duró seis semanas. A través de estos primeros contactos, conoció a otros miembros de la escena y lentamente comenzó a relacionarse con ellos. Como allí es todo muy caro tenía que volver a EEUU y ahorrar medio año para poder volver y retomar el trabajo, que le ocupó casi siete años de su vida y numerosos viajes a Noruega. Este trabajo dio origen a su libro True Norwegian Black Metal en 2008 y a exposiciones individuales en Londres, Nueva York, San Francisco, Austin, Atlanta, Los Ángeles, Tokio, Osaka, Oslo, Madrid  y Bergen.

También ha documentado la escena rap en Houston publicando con el escritor Lance Scott Walker los libros Houston Rap y Houston Rap Tapes en 2013.

Está ultimando su libro Dans Med Meg centrado en la importancia de las chaquetas de combate, cut-off o Kutte, en la cultura del metal y el punk.

Referencias

Libros

sábado, 25 de agosto de 2018

J Bennett Fitts

J Bennett Fitts es un fotógrafo estadounidense (nacido en 1977 en Kansas City, Missouri, vive en Los Angeles, California) cuya obra intenta retratar las ruinas menores de una nación, a través de fotografías de paisajes alterados (por el hombre).

© J Bennett Fitts

© J Bennett Fitts

Biografía

John Bennett Fitts estudió en el Art Center College of Design de Pasadena, California. Su obra está desarrollada en la tradición de los artistas del paisaje occidental que incluye pintores del siglo XIX y fotógrafos posteriores como Robert Adams, Richard Misrach y Stephen Shore.

Es un fotógrafo con un enfoque en el vacío. En su serie No Lifeguard On Duty hizo grandes fotografías a color de piscinas vacías de moteles de la década de los 60. Para ello viajó más de 20.000 millas por el sur de los Estados Unidos, desde los desiertos de Arizona hasta las costas de Florida, descubriendo moteles abandonados y capturando imágenes melancólicas de estos lugares ahora vacíos, creando un cuerpo de trabajo deprimente, y al mismo tiempo elegíaco. Estas arquitecturas olvidadas están fotografiadas al atardecer en un estilo que hace de las piscinas una especie de paraíso perdido cargado de colores nostálgicos y tonos con atmósferas románticas y decadentes.

En su serie Industrial Landscape [ing] se centra en entornos extrañamente cuidados y experimentados, entornos fabricados que parecen cuantificar la experiencia humana del espacio literal y cómo se utiliza como un paisaje extrañamente disociativo donde falta todo rastro de interacción humana.

J. Bennett Fitts ha exhibido ampliamente tanto a nivel nacional como internacional y su trabajo está incluido en muchas colecciones notables, así como también ha sido ampliamente revisado y publicado.

Referencias

Libros

  • J Bennett Fitts: No Lifeguard on Duty, 2006.

viernes, 24 de agosto de 2018

Misha Gravenor

Misha Gravenor es un fotógrafo estadounidense (nacido en San Francisco, vive en Los Angeles, California) que realiza retratos, fotografía de viajes y de comida, publicando sus fotografías en numerosas revistas y magazines en papel y en línea.

© Misha Gravenor

© Misha Gravenor

Biografía

Misha Gravenor nació en San Francisco, creció en Santa Bárbara y actualmente vive en Los Angeles, California. Se interesó en la fotografía desde niño, cuando su madre le regaló una cámara de caja Kodak.

Después de estudiar en el Art Center de Pasadena, Gravenor comenzó su carrera en la fotografía, recibiendo elogios de PDN, Communication Arts y American Photography. Fotografiando principalmente comida, viajes y haciendo retratos ha publicado trabajos en Dwell y Bon Appetite, entre otras muchas publicaciones donde su fotografía es el complemente del texto de muchos artículos.

Entre sus clientes, además de los ya citados, podemos citar a Apple, Bloomberg, ESPN, Fortune, HP, IBM, Mazda, Microsoft, Newsweek, Time, Travel & Leisure, Wallpaper Magazine, Wired, …

Referencias

jueves, 23 de agosto de 2018

Marina Gondra

Marina Gondra es una fotógrafa vasca (nacida en Bilbao en 1989) que crea historias a través de sus imágenes, con sus mejores aliados: su cámara y Photoshop.

© Marina Gondra

© Marina Gondra

A través de mis imágenes, podrás atreverte a soñar despierto, sumergirte en lo mejor de tus sueños o en tus peores pesadillas, y reír de nuevo como cuando eras niño.

Biografía

Marina Gondra mostró habilidades desde muy joven con el dibujo y las manualidades. A los 15 años empezó a interesarse por las fotografía, y comenzó a hacer sus primeras fotos, siempre alegres y muy coloridas. A los 18 años ingresó en la facultad de Bellas Artes para estudiar pintura, lo cual le ayudó mucho a la hora de jugar con los colores. Durante sus 5 años de carrera ha desarrollado una faceta como pintora, pero su verdadera pasión siempre ha sido la fotografía, la cual ha aprendido de forma autodidacta.

A través de sus imágenes intenta que consigamos atrevernos a soñar despiertos, a sumergirnos en lo mejor de nuestros sueños o en nuestras peores pesadillas, y a reír de nuevo como cuando éramos niños. Examina sus primeros recuerdos y busca inspiración en los sueños más profundos.

Realiza fotografía de viajes, de retratos de niños, de surf y artística/creativa donde crea historias que trasladan al espectador a mundos irreales en unas imágenes inspiradoras gracias al uso creativo del Photoshop y la inclusión de ella misma en autorretratos.

Referencias

miércoles, 22 de agosto de 2018

Sigfrido Koch Arruti

Sigfrido Koch Arruti fue un escritor y fotógrafo vasco (nacido el 28 de febrero de 1936 en San Sebastián, fallecido el 27 de abril de 1992) que abordó temas como paisajes, escenas rurales y marineras alejado de la estética de su época, trabajando a contracorriente, y evolucionando en su última época a una explosión de expresividad cromática y abstracta.

© Sigfrido Koch Arruti

© Sigfrido Koch Arruti

Biografía

Sigfrido Koch Arruti nació en el seno de una familia de artistas y fotógrafos, estudiando la técnica de la fotografía en Alemania, Bélgica y Holanda y formándose principalmente al lado de su padre y maestro, Sigfrido Koch Bengoetxea. Su abuelo Willy Koch Schoneweiss fue un fotógrafo y pintor de origen alemán llegado a San Sebastián, gran retratista de personalidades de la cultura de los años 20 y fundador del Festival de Cine de San Sebastián.

Gran deportista también,  fue campeón de España en la 400 metros vallas, y su formación fue completada con cuatro años de estudios de pintura y dibujo en la desaparecida Escuela de Artes y Oficios de San Sebastián, bajo la dirección de Vicente Cobreros. Por el consejo de su padre, también recibió clases del escultor y artesano Joshe Lopetegi, a cuyo taller asistió durante tres años. Se formó técnicamente en la empresa Ballet, de Barcelona, viajando posteriormente a Alemania para ampliar sus conocimientos de fotografía, y a Bélgica, en la empresa Agfa-Gevaert, trabajando en fotografía en color. Inquieto y procurando aportar su propias ideas, durante ese tiempo investigó el proceso de revelado en color de material sensible, fabricando sus propios filtros.

En paralelo a su trabajo en publicidad, con el que conseguiría el Premio Internacional de Fotografía Publicitaria en 1980 en Montevideo (Uruguay), abarcó la temática tradicional del folklore en el entorno marino y rural además de retratar a amigos artistas como Jorge Oteiza, Eduardo Txillida, Gabriel Celaya, Txillardegi,

Sus imágenes más características muestran una realidad difusa y consiguen con ese difuminado alejar a los personajes de su individualidad para abordar lo general. Al privar al espectador de detalles topográficos o de una situación concreta, conseguía generalizar la condición rural o marinera del ámbito general del País Vasco en un tiempo difuso. El clima norteño del País Vasco, su luz tamizada por la humedad ambiente, la suavidad de los colores envuelve los paisajes, personajes e interiores de su fotografía. Su obra fotográfica recoge en su interior buena parte del legado y la experiencia del siglo XX, desde ciertos elementos del fotoperiodismo, hasta aspectos de la objetividad alemana de los años 20 y 30.

También optó por una fotografía construida y una realidad intensificada, por “naturalezas artificiales” que tan certeramente valoró su amigo Jorge Oteiza, montadas en el estudio o en la propia naturaleza, para que las piedras “fueran más piedras”. Después de muchos años de claroscuro, equilibrio y sobriedad, su obra evolucionó a una explosión de expresividad cromática. Prescindió de los personajes y paisajes para evolucionar a una fotografía abstracta, colorista y contundente, acercándolo a una estética de pura construcción con luz.

En 1984 presentó en San Sebastián y Bilbao su audiovisual Orreaga, calificado por algunos como un discurso excesivamente político, aunque el autor quería expresar en él su encuentro con una realidad, Euskalherria, que le preocupaba, tanto como amaba. Promotor y animador del movimiento de ikastolas en Vizcaya, Koch participó en distintas exposiciones en favor de causas dignas. Fue jurado en muchos concursos, como la Muestra Internacional de Carteles de Barcelona en 1981. Desde 1970, realizó numerosas exposiciones en el País Vasco, Francia y España.

Un homenaje a la Sala Kutxa de San Francisco en 2010 incluyó doce fotografías del linaje Koch: Willy Koch , Sigfrido Koch Bengoetxea , Carmen Koch Bengoetxea, Pablo Koch Bengoetxea, Willy Koch Bengoetxea, Alberto Schommer , Alberto Schommer García, Sigfrido Koch Arruti, Edurne Koch Elizegi, Nagore Koch Elizegi, Willy Koch Louvelli y Marco Bialon Koch.

Referencias

Libros

martes, 21 de agosto de 2018

Anne Geddes

Anne Geddes es una artista y fotógrafa australiana (nacida el 13 de septiembre de 1956 en Queensland, Australia, vive en Nueva York, EEUU) cuya obra capta la belleza, la pureza y la vulnerabilidad de los niños.

© Anne Geddes

© Anne Geddes

Biografía

Anne Geddes pasó su infancia en la granja de ganado de su familia en Queensland. Abandonó la escuela a los 17 años y se fue de casa. Más tarde, conoció y se casó con Kel, y se mudó a Hong Kong en 1983 por el trabajo de éste en televisión. Aprendió fotografía usando la cámara Pentax K1000 de 35 mm de su marido. Siempre había estado interesada en la fotografía, pero no había tenido ocasión de aprenderla en la escuela.

En 1988, después de mudarse a Auckland, Nueva Zelanda con su esposo Kel (quien lanzó la primera cadena de televisión comercial de Nueva Zelanda) Anne estableció su primer estudio profesional, especializado en retratos clásicos de niños y familias, continuando con este trabajo durante los primeros 10 años de su carrera. En 1992 publicó y vendió su primera colección de tarjetas de felicitación de Navidad y calendarios en Nueva Zelanda. Ambos se convirtieron en un éxito instantáneo. Con el calendario de 2018 lleva 27 años haciéndolos con gran éxito.

La habilidad de Anne es suministrar un contenido emocional a la imagen que permite que la gente se sienta atraída. Sus mundos imaginarios de bebes-abejas, mariposas, duendes, hadas, flores y otros curiosos elementos conquistan a gran parte de la población. Utiliza una imagen natural y sencilla, con una iluminación suave y muy agradable. No usa demasiado la postproducción de imagen, prefiere usar mucho atrezzo de distintos tamaños. Los protagonistas de sus imágenes suelen ser bebés de cuatro semanas a seis meses por comodidad, normalmente en sesiones cortas por la mañana, cuando están más descansados.

Sus imágenes se han materializado en tarjetas postales, sellos, muñecos, ropa infantil, calendarios, posters, libros, relojes, puzzles, ropa de cama, bolsas de regalo, aplicaciones informáticas e incluso tarjetas de crédito. Tiene un gran éxito comercial internacional: sus tarjetas de felicitación, diarios para bebés y calendarios se publican en más 50 países.

Con su marido creó su propio programa filantrópico llamado Geddes Philanthropic Trust, con el foco en la creación de conciencia sobre el abuso y las negligencias con los niños. Su programa filantrópico ha generado muchas oportunidades habiendo repartido más de 7M de dólares.

Su primer libro en 1996, Down in the Garden, un cuento de hadas contado a través de fotografías, fue uno de los best-sellers del New York Times. Desde entonces, sus libros se han publicado en 83 países y se han traducido a 23 idiomas distintos. Ha vendido más de 18 millones de libros y 13 millones de calendarios.

En 1997, Anne recibió una Beca Honoraria por parte del New Zealand Institute of Professional Photographers (NZIPP). En 2009, Professional Photographers of America (PPA) le  honraron con su prestigioso Lifetime Achievement Award. Sus libros en gran formato Until Now de 1998, Pure en 1999, Miracle en 2004, Beginnings en 2011, han obtenido diversos premios y han sido líderes en ventas.

Durante este tiempo, Anne tuvo el honor de ser nombrada Member of the New Zealand Order of Merit por sus servicios a la fotografía y la comunidad. Su fundación y ella han recibido diversos premios y honores por sus trabajos a favor de los niños. En 2017 Anne fue incluida en el International Photographic Hall of Fame

Referencias

Libros

lunes, 20 de agosto de 2018

Henry Wessel

Henry Wessel es un fotógrafo estadounidense (nacido el 28 de julio de 1942 en Teaneck, Nueva Jersey, vive en Point Richmond, California) conocido por sus fotografías descriptivas pero al mismo tiempo poéticas del entorno humano. Sus imágenes continúan creciendo y evolucionando y su obra se considera una importante contribución individual a la fotografía estadounidense del siglo XX.

© Henry Wessel

© Henry Wessel

Biografía

Henry Wessel Junior llegó a la fotografía casi accidentalmente durante sus años en la Pennsylvania State University, pero inmediatamente se enganchó después de descubrir por primera vez, con una Leica prestada, cómo se veía el mundo a través de la lente de la cámara. Comenzó a fotografiar seriamente en 1967, inspirado en el trabajo de Wright Morris, Robert Frank y Garry Winogrand, y en 1971 consiguió una beca Guggenheim para documentar el paisaje que flanquea el sistema de autopistas estadounidense, un terreno otrora natural profundamente transformado por la presencia humana.

En la década de los 70, Wessel se convirtió en parte de una generación de artistas (los New Topographics) que desafiaron y ampliaron las categorías de paisaje y fotografía documental, renunciando a las visiones tradicionales de la naturaleza prístina en favor de representaciones directas y personales del entorno construido. Durante cuatro décadas, ha observado y documentado la luz brillante, la arquitectura vernácula y el paisaje social del norte y el sur de California.

Su primera exposición individual fue comisariada por John Szarkowski en el Museum of Modern Art de Nueva York en 1972 y fue uno de los diez fotógrafos incluidos en la influyente exposición en grupo New Topographics: Photographs of a Man-Altered Landscape en la George Eastman House en 1975.

Desde entonces, su trabajo ha sido exhibido con frecuencia y ampliamente, incluyendo exposiciones individuales en la Tate Modern de Londres, el Museum of Modern Art de Nueva York, Museum of Contemporary Art de Los Angeles y el San Francisco Museum of Modern Art.

Obtuvo dos becas Guggenheim y tres becas National Endowment for the Arts.

Sus fotografías están incluidas en las colecciones permanentes de los principales museos estadounidenses, europeos y asiáticos, como el Museum of Fine Arts de Boston y el de Houston, Whitney Museum of American Art y Museum of Modern Art en Nueva York, National Gallery of Art en Washington DC, National Gallery of Canada en Ottawa, Tate Modern y Victoria and Albert Museum en Londres, Tokyo Metropolitan Museum of Photography en Japón, …

Referencias

Libros

Publicaciones con contribuciones de Wessel:

domingo, 19 de agosto de 2018

Pedro Zarrabeitia Miñaur

Pedro Zarrabeitia Miñaur fue un fotógrafo y escritor vasco (nacido en 1939 en Bilbao, donde falleció el 3 de abril de 2018) cuya obra muestra su interés por el mundo etnográfico vasco.

© Pedro Zarrabeitia Miñaur
© Pedro Zarrabeitia Miñaur

Biografía

Pedro Zarrabeitia Miñaur fue doctor en Ingeniería Industrial, inició sus conocimientos fotográficos en 1969 en el Vizcaya Club de Cine-Foto de Bilbao, dentro del campo de la fotografía amateur. Fue conocido por su dedicación al color en el campo de la fotografía artística, con aproximación, muchas veces, a la etnografía, especializado en el tratamiento de las imágenes por medio de procedimientos químicos, plásticos y digitales.
 
En 1977 fundó con otros fotógrafos de Getxo la agrupación fotográfica Irudi Taldea, grupo dinamizador de la fotografía vasca en los años 80, siendo su presidente durante varios años.
 
En sus trabajos fotográficos ha perseguido siempre una estética vasca, ya sea en la elección de los temas, en el sentido del color o en el sentimiento. Esto le ha llevado necesariamente al encuentro de las estelas discoidales y a los lugares donde hoy en día todavía se pueden encontrar, es decir a Navarra y a los territorios de Iparralde, cuna y refugio de las más antiguas creencias y tradiciones del pueblo vasco.
 
Sus trabajos en el campo de la etnografía vasca dieron como resultado el libro Estelas discoidales de Euskal Herria, primer trabajo publicado sobre estos monumentos del arte popular vasco que incluye todos los territorios históricos del País Vasco, fruto de su investigación a través de más de 5.000 fotografías. Las estelas discoidales, aparte de su significado asociado a los ritos funerarios primitivos de simbología astral, son la crónica escrita en piedra de diferentes aspectos de la historia del pueblo vasco, a lo largo de más de 2000 años. Su belleza proviene de su misterio, de la armonía y equilibrio de sus grabados, de su juego de luces y sombras, de las variaciones, abstracciones y originalidad de sus símbolos.
 
Fue el primer fotógrafo en exponer en el Museo de Bellas Artes de Bilbao en 1980, del que posteriormente sería asesor, con su colección Estudios de color y, posteriormente, lo ha hecho en múltiples salas del País Vasco así como en las principales capitales de España. También ha expuesto en Montreal (Quebec) y Chicago, Denver y Reno (EEUU). En 2016 expuso su colección Made in Bilbao en esta ciudad vasca.
 
Ha recibido numerosos premios nacionales e internacionales como Arteder'82 y el X Argizaiola. En 1984 participó en el Intercambio Cultural Quebec-Euskadi organizado por el Gobierno Vasco. Tiene obras en el Museo de Bellas Artes de Bilbao, Museo Histórico Vasco, Museo de San Telmo de San Sebastián, Photomuseum de Zarautz, Museo de Lugo, Museo de Reus, Sociedad Fotográfica de Guipúzcoa, Bilbao Bizkaia Kutxa, Ayuntamiento de Bilbao, Ayuntamiento de Getxo y colecciones particulares.

Referencias

Libros

sábado, 18 de agosto de 2018

Masumi Hayashi

Masumi Hayashi fue una fotógrafa y artista estadounidense de origen japonés (nacida el 3 de septiembre de 1945 en Rivers, Arizona, fallecida el 17 de agosto de 2006 en Cleveland, Ohio) que creó collages fotográficos panorámicos con fotografías ensambladas sobre temas como campos de internamiento de la Segunda Guerra Mundial de estadounidenses de ascendencia japonesa, paisajes postindustriales, prisiones abandonadas, obras en la ciudad y arquitecturas sagradas.

© Masumi Hayashi

© Masumi Hayashi

Biografía

Masumi Hayashi nació en el campamento de reubicación del río Gila en Arizona en 1945, un campo de internamiento de personas de origen japonés en EEUU durante la II Guerra Mundial estudió en UCLA y en la UEF, donde obtuvo  su master en Bellas Artes en 1977. Su principal obra son los collages fotográficos panorámicos artísticos realizados cada uno con unas 100 fotografías realizadas desde un trípode con una vista de más o menos de 360 ​​grados.

De las más de 200 piezas que creó en este formato, el tema principal generalmente encaja en la siguiente serie: campos de internamiento de la II Guerra Mundial de estadounidenses de ascendencia japonesa, un tema como hemos visto muy personal, paisajes postindustriales,  prisiones abandonadas, lugares militares, ciudades en obras y arquitecturas sagradas. Su trabajo es una profunda meditación sobre la discriminación racial, la guerra y violencia, la explotación del hombre de la naturaleza y su búsqueda de espiritualidad y paz como budista practicante.

La serie American Concentration Camps enfoca el internamiento en EEUU y también en Canadá de estadounidenses de ascendencia japonesa durante la II Guerra Mundial, de 1942 a 1945, incluyendo entrevistas a internos de los campos.
Otras series presentan sus collages panorámicos de sitios postindustriales en el Medio Oeste (1986-1991), EPA. Superfund Sites (1989-1993), prisiones abandonadas (1987-1996), CityWorks (1987-1994).

Obtuvo diversos galardones, como el Cleveland Arts Prize, 3 premios Ohio Arts Council, una beca Fulbright, premios  del National Endowment for the Arts, Arts Midwest y Florida Arts Council, así como la beca Civil Liberties Educational Fund en 1997. Sus fotografías han sido publicadas en revistas como DoubleTake, Aperture , See y Mother Jones.

Sus obras forman parte de colecciones públicas y privadas como las del  International Center of Photography de Nueva York, Tokyo Metropolitan Museum of Photography, Los Angeles County Museum of Art, Cleveland Museum of Art, George Eastman House en Rochester, Nueva York, Columbus Museum of Art, el Victoria and Albert Museum en Londres y el Ludwig Forum for International Art en  Coblenza, Alemania.

En 2004, lanzó Masumimuseum.com, que ahora es un archivo on-line de su trabajo. La Dra. Masumi Hayashi enseñó arte en la Cleveland State University, en Cleveland, Ohio, durante 24 años.

Masumi falleció asesinada por un vecino en 2006. En 2007 el Akron Art Museum, la Cleveland State University Art Gallery y el Museum of Contemporary Art Cleveland montaron grandes exhibiciones para homenajear su trabajo. En 2015 The Galleries de la Cleveland State University presentó una retrospectiva de su obra con el título Place and Vision: El legado artístico de Masumi Hayashi.




Referencias

Libros

viernes, 17 de agosto de 2018

Gonzalo Bénard

Gonzalo Bénard es un artista portugués (nacido en 1969 en Portugal, vive en París) que ha trabajado y se ha expresado desde muy joven en varios medios: pintura, dibujo, fotografía y escritura, todos ellos con un significado especial para él, pero la fotografía y la pintura son su principal forma de expresar su existencia en los últimos años: lo que le rodea, o lo que siente por la sociedad. Con profundas raíces en el chamanismo y las viejas religiones, rompe las principales reglas de la sociedad moderna, recordándole los orígenes de la vida.

Double Smoke © Gonzalo Bénard

Double Smoke © Gonzalo Bénard

Biografía

Gonzalo Bénard pasó las vacaciones de verano de niño y adolescente junto a un campo inmenso en el que solía correr libre, la mayoría de las veces desnudo, a veces con el cuerpo pintado y jugando a los indios con la presencia de su hermano ya muerto. También solían recolectar pedazos de madera y esculpirlos creando rituales de vida y ritos de la muerte en ceremoniales en la naturaleza, al aire libre, actuando como lobos, aves, árboles  y viento, sintiendo los elementos: Tierra, Fuego, Agua, Aire.

Siempre ha trabajado y se ha expresado en varios medios: desde la pintura hasta el dibujo, pasando por la escritura. Cuando estos media ya no le satisfacían como creador, la fotografía llegó inesperadamente a su vida, permitiéndole jugar con luz y sentimientos, culturas y personas, sin distraer colores, fondos o ropa. A menudo usándose a él mismo como parte al frente y detrás de la cámara, Gonzalo puede crear e involucrarse en los rituales y las culturas de la vida: como unidad, como naturaleza, como la luz misma, es un creador de retratos humanos.

Su cuerpo de trabajo trata sobre asuntos de vida o muerte, sobre la conciencia, la espiritualidad, la sociología, la antropología, la filosofía y la psicología. Investiga acerca de rituales y ritos de varias culturas: viejas y nuevas.

Bénard trabajó como coordinador editorial en el Centro Cultural de Belém y fue invitado por el ministro de cultura a la Bienal de Venecia de 2001. Ha mezclado sus estudios y trabajos en Europa Occidental con estancias de 3 años en Tibet y en Yolmo, en el Himalaya, con monjes tibetanos en una escuela monástica de artes, danza y filosofía, y en Sahara Occidental, donde vivió y aprendió con maestros espirituales, filosóficos y chamánicos.

Estaba viviendo en Barcelona en 2008 estudiando fotografía, justo en el centro de la ciudad, en un edificio muy parecido a cualquier otro, rodeado de concreto y de gente concreta, con ventanas que permitían ver más cemento, cuando estuvo 3 días en coma y la falta de oxígeno en su cerebro le hizo perder su memoria cronológica. Pero ​​nunca ha trabajado para recuperarla ya que no cree que sea necesaria para vivir, pues el tiempo simplemente no existe, sólo hay un momento importante llamado vida.

Como artista, ya ha pasado de su exposición número 50, ha publicados en revistas de arte y libros, como Eyemazing o Tames & Hudson y tiene su obra en colecciones en diversas colecciones de arte, públicas y privadas, como la Fundación Serralves en Oporto, y la colección de arte contemporáneo de Sir Elton John.

Como autor, principalmente escribe sobre el chamanismo, la meditación y la conciencia, como su libro On Consciousness - journeys, rituals and meditations que se centra principalmente en la curación natural y el chamanismo. También ha aparecido en varias películas y series de televisión de Hollywood, como recientemente Rogue, o Agent X de Sharon Stone, y es tutor de jóvenes con autismo de alto funcionamiento.

Referencias

    Libros