viernes, 22 de junio de 2018

Charo Díez

Charo Díez es una fotógrafa española (nacida en Burgos, vive en Madrid) cuya fotografía, principalmente en blanco y negro tiene actualmente como motivo principal, casi único, a sus dos hijos.

© Charo Diez

© Charo Diez

Biografía

Charo Díez es castellana: nació en Burgos, vivió en un pueblo de la provincia de Palencia y con 18 años se fue a Valladolid a estudiar  la carrera, una ingeniería técnica. Por motivos laborales se trasladó a Madrid donde lleva viviendo ya más de 20 años. Trabaja en una conocida empresa de telecomunicaciones, y todo su tiempo libre lo dedica a sus hijos, y a su fotografía.

Lleva casi 20 años llevando cámaras en su mochila, y ha jugado con todo tipo de disciplina fotográfica: retratos, viajes, paisajes, detalles, documental, artística… aunque ahora mismo el objeto principal de sus fotografías son sus dos hijos. Charo tiene una magnífica forma de capturar la infancia, con su visión única y cautivadora. Siempre es importante recordar que somos parte de este viaje fotográfico tanto como nuestros hijos y será a través de nuestros ojos cómo ellos se verán en el tiempo a través de sus recuerdos capturados  cuando sean mayores.

Tras 15 años con todo tipo de cámaras de película: telemétricas, medio formato, réflex analógicas, lomo, compactas, …cuando nació su primer hijo ya no encontraba tiempo para revelar y escanear los negativos y fue entonces cuando entró de lleno en las réflex digitales, para cambiar a las cámaras sin espejo. Ahora ya en el mundo digital, sigue editando la mayor parte de sus fotografías en blanco y negro.

Referencias

jueves, 21 de junio de 2018

Luis León Masson

Luis León Masson fue un fotógrafo francés afincado en Sevilla, España (nacido el 31 de julio de 1825 en Tours, fallecido después de 1881 en Sevilla) que fue uno de los más destacados fotógrafos que trabajara en España en las primeras décadas de la fotografía. De su actividad como fotógrafo destaca su obra topográfica sobre el patrimonio arquitectónico y paisajístico de ciudades andaluzas, principalmente de Sevilla, además de importantes aportaciones de otras ciudades castellanas, así como sus reproducciones de la obra pictórica de Murillo.

Plaza San Francisco,  Sevilla.  Foto de Luis León Masson

Plaza San Francisco,  Sevilla.  Foto de Luis León Masson

Biografía

Louis François Leon Masson y Besneé españolizó su nombre a Luis Masson cuando se instaló en Sevilla, en 1858, acompañado de su esposa Lorenza Simonin Berard, colaboradora en sus trabajos fotográficos. Fue el primer fotógrafo que realizó fotografías de difuntos en formato tarjeta de visita en la capital hispalense. También documentó las corridas de toros.

En la capital andaluza regentó diferentes estudios de forma intermitente hasta la década de 1880.  Durante este tiempo realizó toda clase de actividades fotográficas, desde trabajos de estudio a vistas estereoscópicas y álbumes comerciales. Su trabajo y su obra han sido y continúan siéndolo muy desconocidas en el conjunto de la historia fotográfica española, a pesar de haber realizado un importante conjunto de vistas y paisajes monumentales de la España de su tiempo.

Durante los siguientes ocho años realizó un gran número de fotografías de la ciudad, centrándose sobre todo de sus grandes monumentos, como el Alcázar, la Catedral o la Casa de Pilatos, además del Palacio de San Telmo en atención al Duque de Montpensier con quien enseguida estableció una notable relación clientelar, tal y como lo demuestra el álbum fotográfico que les dedicó, con 37 fotografías de vistas de Sevilla, Granada y Málaga.

Trabajó con el negativo de papel y colodión húmedo, que positivaba en copias en papel a la sal y a la albúmina. Hacia 1850 viajó por la península y realizó una de las primeras colecciones de vistas estereoscópicas de albúmina sobre cartulina de ciudades como Córdoba, Granada, Málaga, Gibraltar y Toledo, además de Sevilla.

A finales de 1858 centró su trabajo en el retrato. Obtuvo menciones honoríficas en la Exposición Universal de Londres de 1862 y en la exposición de 1863, organizada en Londres por la London Photographic Society.

En 1866 se trasladó a Madrid donde permaneció un breve periodo, desplazándose también a Toledo, Ávila, Valladolid, Salamanca o Burgos, ciudades de las que ha legado un interesante conjunto de imágenes. Sin embargo se conjetura con que estuviese en la capital cumpliendo algún encargo del duque de Montpensier que optaba por la corona española, que finalmente fue para Amadeo I de Saboya. Regresó a Sevilla a finales de la década de 1870 para desaparecer definitivamente en 1881. Tras su muerte, su esposa (conocida en Sevilla como La señora de Luis) regentó este gabinete hasta su cierre.

Se han identificado más de 500 fotografías de este autor (se cree que realizó unas 800 en toda su vida), todas ellas realizadas en España. Su obra está depositada principalmente en la Bibliotheque National de France, en el Victoria & Albert Museum, en la British Library, en la Societé Française de la Photographie o en el Museo de la Universidad de Navarra, además de en colecciones privadas como la perteneciente a los herederos del Duque de Montpensier o en la Colección Fernández Rivero donde hay depositadas más de 250 piezas originales del fotógrafo, obras que han contribuido enormemente a establecer la importancia del autor, además de haber logrado precisar una biografía del personaje hasta ahora desconocida.

Sus imágenes están consideradas obras esenciales de la historia de la fotografía durante el periodo prepictorialista, pero han permanecido ocultas al gran público. Recientemente fueron objeto de una muestra-homenaje celebrada en el Museo Nacional d’Art de Catalunya (MNAC) durante la Primavera Fotogràfica de Catalunya de 2004. Su obra fue reproducida en el nº 12 de la revista PhotoVision y en el catálogo de la exposición De París a Cádiz: calotipioa y colodión. En 2018 PhotoEspaña expone sus obras en el Lázaro Galdeano.

Referencias

Libros

  • Album Fotografico Sevillano, Dedicado à SS. AA. RR. los Sermos. Sres. Infantes Duques de Montpensier, 1855.
  • Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI, 2013.
  • Descubriendo a Luis Masson, fotógrafo en la España del XIX, 2017.

miércoles, 20 de junio de 2018

Lee Towndrow

Lee Towndrow es un artista visual y fotógrafo canadiense (reside en Ciudad de Nueva York) que realiza imágenes finamente elaboradas, crea ideas y trabaja con personas para hacer que esas ideas se hagan realidad. Con su pensamiento innovador y su capacidad de resolución de problemas consigue presentar a las personas experiencias notables y originales.

LeeTowndrow

© Lee Towndrow

Biografía

Lee Towndrow comenzó su carrera como diseñador y fotógrafo en una firma de diseño que fundó. La firma fue muy conocida por crear la portada de álbumes de prominentes bandas canadienses como Sloan, The Flashing Lights, The Inbreds y Michelle McAdorey.

Después se convirtió en un artista de Flame en TOPIX Computer Graphics, donde creó efectos visuales y diseño para comerciales de televisión, videos musicales y largometrajes.

De 2004 a 2005 vivió en Buenos Aires, donde trabajó con Roberto Jacoby, m7red center, fr: Raumlabor Berlin,  Kiwi y Cecilia Sainz y Eugenia Herrera en instalaciones de arte conceptual como Proyecto Venus, Cuarto oscuro y ArteBA.

Lee ha trabajó como director de fotografía en tres largometrajes Going Clear: Scientology y Prison of Belief, Teenager Hamlet e Ivory Tower, que recibió una mención especial en el Festival de Cine Internacional de Lucarno en Suiza. También ha fotografiado videos musicales para The National, Born Ruffians, Junior Boys y The Great Lakes.

Con Flame y Smoke ha creado efectos visuales para la película Carol y para campañas publicitarias de BMW, HONOR NYC, Morgan Stanley, TD Bank, …

Tras su regreso a Nueva York se convirtió en un galardonado fotógrafo (TIME Magazine, Fast Company) y cinematógrafo (HBO's Going Clear, Ivory Tower). Ha fotografiado a Lena Dunham, Martin Amis, Dan Brown, Michael Chabon y Sheila Heti, entre otros. Su obra ha sido publicada en Time Magazine,  The Paris Review, Das Magazin, …

Su estilo es personal, con ambientes coloridos e individuos extravagantes, que hacen que sus fotografías sean siempre soñadoras y extrañas, presentando paisajes inusuales y una improbable reunión de personas, expresándose a través del lenguaje facial, el estilo de la ropa y otros elementos icónicos, incluida la postura y la ubicación dentro de una escena específica. La mayoría de sus imágenes hacen eco de una sensación retro, en contraste con una sensibilidad y un toque muy modernos.

Referencias

martes, 19 de junio de 2018

Chris Moxey

Chris Moxey es una fotógrafa inglesa (nacida en Brighton, en la costa de Sussex, vive en Londres) que realiza principalmente fotografía de calle, pero también disfruta de hacer fotos de cosas extrañas que encuentra en sus viajes por el Reino Unido o EEUU, y también de escenas industriales a lo largo del estuario del Támesis.

ChrisMoxey

© Chris Moxey

Biografía

Chris Moxey se fue del casa con 18 años y estuvo trabajando en el comercio de libros durante muchos años. Más tarde, sus estudios de reprografía gráfica en el London College of Printing incluyeron la fotografía y se compró su primera cámara, una Praktica MTL3. En casa, en su sótano, revelaba y positivaba su propia película en blanco y negro. Todavía recuerda todo el proceso con mucha emoción. Disfrutó de la fotografía durante unos años más antes de que otros intereses la distrajeran y no volviera a usar su cámara de una manera seria unos veinte años.

Trabajó en la venta de libros durante unos años y luego estudió Ingeniería Electrónica, encontrando empleo en la BBC, primero haciendo páginas web en html, luego en el departamento de medios digitales, y finalmente como asistente de producción en el sitio web de BBC Health. Hace unos diez años, cogió una excedencia voluntaria y se metió de nuevo en la fotografía digital principal pero no exclusivamente.

Chris siempre gravita hacia el mar, donde quiera que esté, así que es normal que parte de sus proyectos estén relacionados con la costa. Le viene bien porque la costa atrae a una multitud transitoria y no hay escasez de “material” que fotografiar. Sus fotos de la costa no son todas de Inglaterra, pero todas tienen una sensación muy inglesa. Sus influencias son Tony Ray-Jones o David Hurn, más que Martin Parr, pero siempre en color.

Fotografiar en la calle es con lo que más disfruta, observando a las personas mientras realizan sus actividades diarias. A veces las personas se ven como personajes en una obra de teatro, sin que necesite dirigirlas. Parecen que saben exactamente donde Chris quiere que estén. Rara vez interactúa con sus modelos, prefiriendo buscar esos momentos de descuido, y sintiendo el momento en que alguien comienza a plantear cambios dinámicos interesantes de capturar.

Aunque la fotografía callejera siempre será su primero amor, Chris también es una fanática de la fotografía topográfica y de arquitectura (paisajes creados o alterados por la humanidad). Particularmente le gusta el trabajo de los fotógrafos Henry Wessel y Wim Wenders. El paisaje de los Estados Unidos le encanta muchísimo. Allí se pueden conducir millas y millas, pasando por una infinita variedad de terrenos, espacios vastísimos y una arquitectura moderna.

Además, para saciar su interés por los arquitectos del siglo XX, con énfasis en la década de los años 30 y de la posguerra, empezó a fotografiar casas y bungalós. Consecuentemente, hoy modera varios grupos dedicados a la arquitectura en Flickr.

Referencias

Libros

lunes, 18 de junio de 2018

Mankichi Shinshi

Mankichi Shinshi es un fotógrafo japonés (nacido en 1984 en Oita, vive y trabaja en Nagoya) que realiza fotografía de calle principalmente de personas solitarias, intentando registrar la apariencia real de la gente y las cosas dentro del espacio urbano.

© Mankichi Shinshi

© Mankichi Shinshi

Biografía

Mankichi Shinshi es un fotógrafo callejero y documental con sede en Japón. Comenzó a hacer fotografías en 2013 con un estilo autodidacta, tras comprar una cámara de sistema sin espejo por sugerencia de un amigo. Debido a su horario, caminaba y hacía fotos a medianoche de calles sin gente, pues lo que quería era practicar.

Pero hoy en día ya no le interesa esto y sale a la luz del sol para buscar el olor de la gente, principalmente en Asia: Japón, China, Taiwán, Hong-Kong, Corea, Tailandia, …  registra la apariencia de las personas, las cosas y los espacios tal como son. Sin embargo, no es su propósito revelar ningún hechos objetivos ni la verdad. Es una consideración de la forma de confrontar escenas (de la sociedad en general), que cualquiera puede ver desde su mirada individual.

Su estilo de fotografía es "no organizado" y "en público". Camina solo y hace fotos instantáneamente cuando algo le gusta o lo siente. No importa si hay humanos o no. Lo más importante es que haya una historia interesante. Por supuesto, la gente, los animales, las plantas, los edificios, la publicidad, los vehículos y las señales,  … todo tiene la posibilidad de ser un elemento de la historia. Además, no es importante que la imagen sea hermosa o no. La belleza es solo una parte del todo. No busca belleza en la calle, sino relaciones interesantes.

Lejano a la conocida escena callejera japonesa Provoque, al final, su foto de calle se convierte en un documental de nuestra vida humana común y del impacto egocéntrico puede verse como una apariencia de la naturaleza moderna, mostrando escenas de la naturaleza hecha por el hombre, como campos de hierba bien cortados, y plantas solitarias en espacios modernos colocados junto a objetos de la sociedad moderna, incluidos automóviles, edificios de hormigón y escaleras mecánicas al aire libre. Shinshi representa la interacción de la sociedad moderna y la naturaleza, pero también quiere hacernos comprender cuán diferente es esta naturaleza moderna: domesticada y extremadamente organizada.

Mankichi ha sido galardonado en numerosos concursos de fotografía de calle.

Referencias

Libros

  • The Best of LensCulture, Vol. 1 – International (Varios).
  • JP_EN ISSUE.4 (Varios).

domingo, 17 de junio de 2018

Kalle Gustafsson

Kalle Gustafsson es un director de cine y fotógrafo sueco (nacido en 1980 en Lund) cuyo arte radica en el manejo que hace de la luz y en la opacidad que consigue, con un tratamiento de colores muy difuminados, consiguiendo un envejecimiento de las imágenes que nos sitúa entre el sueño y la realidad. Crea un mundo clásico a la manera de los fotógrafos de los años 60 y 70, lleno de romanticismo, encanto y elegancia.

© Kalle Gustafsson

© Kalle Gustafsson

Biografía

Kalle Gustafsson fue a escuelas de música cuando era joven, pero no tuvo la suficiente capacidad de atención para aprender a tocar un instrumento musical con éxito. Como su padre tenía una agencia de viajes, pudo visitar los Alpes varias veces y empezó a hacer fotos, entusiasmándose a veces y gastando en un instante todos los carretes de llevaba su madre para todo el viaje.

Estudió cine en Sídney, Australia, y fotografía en París. Asumió todo tipo de trabajos, y terminó trabajando durante 18 meses como asistente de un fotógrafo sueco. Después de varios trabajos independientes, decidió crear su propio sitio web, mientras que la experiencia de sus estudios en Francia le llevó a la fotografía de moda. Además, el tiempo que pasó en la academia de cine en Sídney le condujo a contar historias.

Hoy es un experto en la captura de momentos cinematográficos cargados de ambiente y es conocido en todo el mundo por su trabajo en la fotografía de moda, como lo muestra su amplio portafolio. Kalle tiene una impresionante lista de clientes que incluye a Paul Smith, Gant y Orient Express, junto con clientes editoriales como GQ y Marie Claire, para los que realiza tanto fotografía fija como en movimiento.

La mayor parte de su obra gira en torno a la moda, con fotografías que son modernas pero que, al mismo tiempo, evocan el pasado. El grano de cada imagen tiene una textura suave que nos retrotrae a la ola de nostalgia de los 70.  Influenciado por las tendencias de diseño escandinavo, su estilo característico suele ser muy sencillo, minimalista y natural. La mayoría de sus tomas tienen una calidad cinematográfica muy especial, con amplias vistas abiertas e iluminación crepuscular. Usando un estilo retro antes de que se pusiera de moda, su fluidez casual y su estilo natural y gracia hace que sus modelos parezcan relajados y hermosos de una manera completamente natural, gracias al empleo de la luz suave y natural y del ambiente bueno y relajado que trasmite a todo el equipo.

Referencias

sábado, 16 de junio de 2018

Sam Nzima

Sam Nzima fue un fotógrafo sudafricano (nacido el 8 de agosto de 1934 en Lillydale una pequeña ciudad de Bushbuck Ridge, en la provincia de Limpopo, fallecido el 12 de mayo de 2018 en Nelspruit) conocido por haber realizado una de las fotos más icónicas de la historia, que hizo visible al mundo de forma gráfica la brutalidad de la opresión del apartheid en Sudáfrica.

© Sam Nzima

© Sam Nzima

Biografía

Masana Samuel Nzima nació en la ciudad de Lillydale. Su padre trabajaba como peón para un granjero blanco. Sam se interesó por primera vez en la fotografía cuando su maestro le mostró su cámara y cómo usarla. Estando en la escuela, se compró una cámara y comenzó a hacer fotos en el Parque Nacional Kruger. Después de nueve meses de trabajar en la granja y muy presionado por el amo, huyó a Johannesburgo donde encontró trabajo como jardinero. Mientras trabajaba, completó sus estudios.

En 1956, Nzima encontró trabajo como camarero en el Hotel Savoy, donde el fotógrafo Patrick Rikotso le enseñó habilidades fotográficas y Sam empezó a hacer retratos de los trabajadores. Mientras trabajaba en el Hotel Chelsea comenzó a leer en el periódico The Rand Daily Mail los artículos de Allister Sparks y se interesó en el fotoperiodismo.

Tras enviar un texto y fotografías sobre viajes en autobús al The World, un periódico africano negro, consiguió trabajar para este medio, primero como freelance y a partir de 1968 a tiempo completo.

El 16 de junio de 1976 la policía se enfrentó a estudiantes que protestaban en Soweto por la obligación de aprender en afrikáner y comenzó a disparar munición real contra ellos. Nzima comenzó a correr huyendo pero después se dio la vuelta y realizó 6 fotografías de Hector Pieterson herido de muerte a sus 13 años llevado en brazos por Mbuyisa Makhubo con su hermana Antonieta Pieterson al lado de ellos.

Después de que The World publicara la foto al día siguiente, Nzima se vio obligado a esconderse de la policía de seguridad. Regresó a su ciudad natal Lillydale, donde la policía lo mantuvo bajo vigilancia impidiéndole dejar esta ciudad.  Cuando The World fue cerrado por el gobierno en 1978, los periódicos Daily Mail y The Star pidieron a Nzima que trabajara para ellos, pero él se negó por miedo a ser asesinado.

Nzima obtendría los derechos de autor de su fotografía, después de muchos años de intentos, cuando el Argus Newspaper Group, que era dueño de The World, fue vendido al Independent Group. Times Magazine considera que la famosa imagen de Nzima es una de las 100 más influyentes imágenes de todos los tiempos

Hasta su fallecimiento, vivió en Lillydale, donde dirigió una escuela de fotografía. Sirvió en los consejos del municipio de Lillydale y del distrito de Bohlabela. En 2011 Nzima fue galardonado con la Orden de Ikhamanga de Sudáfrica en bronce, que honra a los sudafricanos que se destacan en las artes, la cultura y el periodismo.

Referencias

viernes, 15 de junio de 2018

Lachlan Bailey

Lachlan Bailey es un fotógrafo australiano (nacido en Melbourne, vive en Nueva York, EEUU) que realiza fotografía de retrato y moda. Influenciado por grandes cineastas, sus imágenes de moda bellamente iluminadas consiguen transmitir un gran drama y la narración de historias. Es uno de los más reconocidos fotógrafos actuales de moda.

Iselin Steiro by Lachlan Bailey for Vogue Japan © Lachlan Bailey

Iselin Steiro by Lachlan Bailey for Vogue Japan © Lachlan Bailey

Biografía

Lachlan Bailey nació y se crio en Australia. Después de completar una licenciatura en Estudios de Artes en Cine y Medios, pasó los siguientes 12 meses trabajando en la industria del cine y en sus propios cortometrajes. Se fue involucrando cada vez más en la fotografía, tanto en lo comercial como en varios proyectos personales. Esto lo llevó a su decisión de regresar a la universidad, donde obtuvo una licenciatura en fotografía en uno de los cursos más prestigiosos de Australia.

En 2001, se trasladó a Londres, y después de pasar varios años como asistente de varios fotógrafos de moda de alto nivel, empezó a trabajar por su cuenta en 2004. En 2008 se trasladó a Nueva York.

Lachlan es colaborador habitual de Vogue Japan, British Vogue, Vogue China, WSJ. Magazine, Dior Magazine, The Last Magazine, Muse, Harpers Bazaar EEUU, Twin Magazine e iD Magazine, trabajando para Arena Homme+, POP y Dazed and Confused. Actualmente colabora con un selecto grupo de editores de moda, como Jonathan Kaye, Jane How, Nancy Rhode y Sarah Ellison.

Su lista de clientes comerciales incluye Louis Vuitton, Burberry, Kert Geiger, Paul Smith Fragrance y Aveda. También ha realizado campañas de publicidad para grandes marcas como Chloe, H & M, Emporio Armani, Calvin Klein, DKNY, Tommy Hilfiger, Avon, Audi, Burberry, Ebel, Endless y muchas otras.

Bailey ha fotografiado a famosas como Kim Kardashian, Victoria Beckham, Margot Robbie y Emilia Clarke, además de a las mejores y más famosas modelos.

Referencias

jueves, 14 de junio de 2018

Andrea Santolaya

Andrea Santolaya es una fotógrafa española (nacida en Madrid en 1982) que ha desarrollado un lenguaje fotográfico personal y honesto para retratar la vida de comunidades pequeñas donde se destaca la intemporalidad como un vínculo social.

“Russkaya Amerika”. 2017 © Andrea Santolaya

“Russkaya Amerika”. 2017 © Andrea Santolaya

Biografía

Andrea Santolaya estuvo rodeada de artistas desde que era muy niña. Su abuela Eugenia Niño fue la impulsora y directora de la Galería SEN durante 40 años y pasó su infancia bajo esas paredes donde pasó la Movida madrileña, pintores, escritores, dibujantes y donde incluso se hacían performances sobre una piscina de tela y sombrillas de playa bajo las cuatro paredes de la galería. Desde que era muy niña, siempre pintaba, observaba y hablaba sin parar. Quizás por ello le regalaron una cámara y eso le llevó a estudiar arte y fotografía, con un máster en Arte y Creación por la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid, trabajando como fotógrafa freelance desde 2006 y ampliando estudios en la School of Visual Arts de Nueva York con el máster Photography, Video and Related media gracias al apoyo de una beca de La Caixa en 2010. Su director de tesis fue el fotógrafo Larry Fink.

En Nueva York trabajó para Manolo Valdes fotografiando sus esculturas monumentales en la gran manzana. Previamente, en 2007, había fotografiado la realización de la película El honor de los agraviados de Carlos García-Alix, sobre la búsqueda de Felipe Sandoval, anarquista durante la Guerra Civil española.

Su trabajo fotográfico permite un diálogo con el espectador para mostrar la intimidad de los lugares, los personajes que lo habitan, la historia y cómo la sociedad debate en su entorno natural en el tiempo. La contemplación y la experiencia personal mostradas a través de la fotografía constituyen el hilo común que une todos estos proyectos para contar una historia en imágenes.

Andrea se implica profundamente en cada proyecto. En Around, sobre el boxeo, llegó a tomar clases de este deporte para poder documentar sus aspectos menos conocidos y acercar al espectador diferentes realidades de la forma más honesta posible. Destacan igualmente sus trabajos L’Après-midi d’un faune y Prelude, sobre el lado humano de las bailarinas del Mikhailovsky Ballet de San Petersburgo, el grupo étnico Warao del Delta del río Orinoco, en Venezuela, el centenario equipo de rugby francés Biarritz Olympique, o No nature, un proyecto con el que consigue transmitir el sentir del caballo a través de imágenes con una alta carga sensorial y emocional.

Ha obtenido premios y becas como Aula de Artes Plásticas de la Universidad de Murcia, beca en el Instituto Pushkin de Moscú del Gobierno Federal de Rusia y la residencia de artista Pico do refugio en Azores.

Es autora de varios libros, entre los que destaca Manolo Valdés. Botanical Garden of NY  que ganó el Primer Premio a la mejor publicación de arte 2014 por el Ministerio de Cultura y Deportes de España.

Su primera exposición individual fue con su serie Around sobre mujeres boxeadoras y se realizó en la Marlborough Gallery de Madrid en el marco del Festival Photoespaña 2011. Desde entonces, su trabajo ha sido presentado en instituciones y galerías internacionales como el Centro Conde Duque en Madrid, Palau de la Música de Valencia, Galería Freites de Caracas, Institut Français en Madrid y el Festival Internacional de Fotografía de Mérignac.

Su trabajo ha sido publicado por medios nacionales e internacionales, incluyendo El País, El Mundo, Matador Magazine, Esquire, El Nacional y Smithsonian Journeys, Yo Dona Magazine, Museo IVAM, School of Visual Arts y Columbia University NY.

Su trabajo forma parte de colecciones privadas y públicas, como las de la Universidad Complutense de Madrid, el Palau de la Música de Valencia, el CA2M Centro de Arte Dos de Mayo, la Colección Cisneros Caracas, C & FE Caracas Collection y Marlborough NY Gallery.

Referencias

Libros

  • Con García-Alix, Carlos, El honor de las injurias, 2007.
  • Looking for Felipe Sandoval. (Making of)  (varios), 2008.
  • La Naval, 2009.
  • Manolo Valdés en Nueva York, 2011.
  • Around, 2011.
  • Manolo Valdés. Jardín Botánico de Nueva York, 2013.
  • Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI (varios), 2013.
  • The Teatro Real (varios), 2018.
  • The Spanish people have a path that leads to a star (varios), 2018.

miércoles, 13 de junio de 2018

Jonas Peterson

Jonas Peterson es un fotógrafo editorial y de bodas sueco (con sede en Byron Bay, Australia) que ha sido nombrado uno de los 10 mejores fotógrafos de bodas en el mundo por la revista American Photo y pasa la mayor parte de su tiempo fotografiando bodas en el extranjero. También es un reconocido conferenciante y educador sobre fotografía.

© Jonas Peterson

© Jonas Peterson

Biografía

Jonas Peterson es hijo de reportero gráfico y madre pintora, unas buenas premisas del nacimiento de su arte. Estudió drama y actuación antes de entrar en la publicidad como escritor en los años 90 trabajando en varias revistas de renombre, luego estuvo casi diez años haciendo trabajo publicitario y de cine para algunas de las mejores agencias de publicidad del mundo, ganando varios premios e, irónicamente, aburriéndose mucho en el proceso. Necesitando retirarse de la publicidad, en 2008 se tomó un tiempo libre para encontrar lo que le apasionaba

Su primer contacto con las cámaras había sido trabando como publicista a finales de los años 90 para trabajar con su creatividad visual para que no se atascara solo escribiendo. Con el paso de los años se enamoró más y más de la fotografía y cuando decidió abandonar la publicidad, tuvo la opción de comenzar a dirigir películas o dedicarse a la fotografía.

Por una casualidad comenzó a fotografiar bodas (la de un amigo), y constató la gran diferencia entre lo que la boda era y el reportaje contaba. Por sus trabajos y experiencias previas tenía una visión muy personal de cómo se debe contar una historia, así que ascendió de manera muy rápida, siendo elegido ya en 2011 entre los 10 mejores del mundo por la revista American Photo y a lo largo de su carrera ha sido galardonado con decenas de premios por todo el mundo. En el 2013 fue elegido como Mejor fotógrafo de bodas en el Mundo por la WPPI (Wedding Photography Association) en Las Vegas y es también uno de los docentes más importantes a nivel mundial en la temática de la fotografía de bodas.

Su secreto es su visión cinematográfica y su mantra de hacer las cosas simples. Desde su base en Australia viaja por todo el mundo fotografiando a las parejas en sus enlaces matrimoniales: es lo que se llama ahora un fotógrafo de bodas en localizaciones.

Referencias

martes, 12 de junio de 2018

Sarah Cheng-De Winne

Sarah Cheng-De Winne es una cantante y fotógrafa singapurense (nacida el 2 de diciembre de 1987 en Singapur, donde vive y trabaja) especialista en retratos, moda y fotografía conceptual, que busca descubrir nuevas formas de representar identidades a través de la fotografía.

Pinche en este enlace para ver la bella fotografía de portada de la página web de Cheng-De Winne

Biografía

Sarah Cheng-De Winne se formó en Arte y diseño. Utilizó inicialmente la fotografía de moda como un medio reflexivo de hacer comentarios sociales sobre la representación de las mujeres en los medios, a través del proyecto Eight: For the Urbanized Woman. Su perspicaz combinación de pensamiento y estética en sus retratos le ha llevado a un refinamiento constante de su arte. En particular, sus proyectos de autorretrato revelan su continuo deseo de utilizar su mirada personal para explorar los problemas de las mujeres y su identidad como artista.

Sarah es una artista underground, aunque ha trabajado en proyectos para la industria de la moda y la empresarial tanto en fotografía como en cine, y ha dirigido un cortometraje para HPB Singapore. Sus temas principales son el retrato, moda y la fotografía conceptual, siempre con la mente abierta buscando nuevas formas de expandir su portafolio. Ha realizado diversas exposiciones de su trabajo y ha representado a su país, Singapur, en el Month of Photography Japan 2008 en Tokio.

También se ha aventurado en la crítica del arte, contribuyendo al ensayo Photographing The Body: Over and Over para el NAF Open Art Show 08, e investigando los conceptos psicológicos de los autorretratos de 2 artistas del sudeste asiático.

Compagina su fotografía con su trabajo como cantante, compositora y música en el género soul-pop, campo donde ha  ganado muchos premios.

Referencias

lunes, 11 de junio de 2018

María Antonia García de la Vega

María Antonia García de la Vega es una fotógrafa española (nacida en 1956 en Madrid, donde vive) cuya obra toca principalmente temas de arte y naturaleza: el paisaje constituye un elemento esencial en sus fotografías y los elementos artísticos y etnográficos que se encuentran en él. En general, le interesa la huella de la humanidad en la naturaleza.

© María Antonia García de la Vega

© María Antonia García de la Vega

Biografía

María Antonia García de la Vega es licenciada en Geografía e Historia (Antropología) y doctora en Derecho por la Universidad Complutense de Madrid. Inició su andadura en la fotografía en el año 2003 de forma autodidacta y ha asistido a diversos talleres y cursos de fotografía digital y analógica para completar su formación. Es socia de la Real Sociedad Fotográfica de Madrid. Desde 2009 ha realizado diversas exposiciones colectivas.

Su fotografía intenta evocar la esencia y belleza de determinados elementos en el paisaje junto al deseo de transmitir la impresión que en ella han generado. María Antonia ha estructurado su obra sobre esta temática en una trilogía que ha llamado Memorándum Natura, la primera parte dedicada a los bosques, la segunda a la montaña y la tercera al agua. Nos presenta su trabajo en un exquisito blanco y negro, basado en la tradición de este tipo de fotografía y su mirada nos remite a los grandes clásicos del genero.

Memorándum Natura I, Los Bosques, es el resultado de seis años de viajes y paseos de Mª Antonia por bosques de la península ibérica y de Canarias, desde el paisaje nebuloso del castañar de El Tiemblo en Ávila al antiquísimo bosque de laurisilva del terciario en La Gomera o el bosque junto al castillo de Sintra, en Portugal. Junto a ellos las imágenes capturan la serenidad de los bosques de San Estevo en la Ribera Sacra de Lugo, las Fragas del Eume (A Coruña), la Selva de Irati (Navarra), el pinar de Valsaín (Segovia) o del bosque de Urbasa y el nacedero del Urederra, ambas en Navarra. Se ha expuesto en varias exposiciones individuales en Photomuseum de Zarautz, CEV y RSF en Madrid, Casa de la Cultura de Burlada en Pamplona y en la Galería-Librería Raylowski de Valencia. Esta primera parte ha sido publicada en el libro Memorandum natura, que obtuvo en 2016 el Premio al mejor libro de la Confederación Española de Fotografía (CEF).

Memorándum Natura II, La Montaña transformada en paisaje, recoge fotográficamente su fascinación por las montañas de Picos de Europa, mostrando  lo primigenio, lo misterioso y la belleza que late en el seno de la montaña,  y ha sido mostrada en varias exposiciones individuales en la Sala Amárica en Vitoria y Palacio de Caja Cantabria en Santillana del Mar.

Referencias

Libros

  • Memorandum natura, 2015.
  • Donde la ciudad pierde su nombre, 2012.
  • Calle Alcalá fotografiada, 2011.
  • Intercambio de Miradas, 2011.
  • La Mancha.Tres miradas, 2011.

domingo, 10 de junio de 2018

John Wright

John Wright es un músico, cineasta y fotógrafo escocés (nacido en Glasgow en Escocia en 1967, vive en Londres) que realiza fotografía de retrato especializada en moda, música y publicidad.

© John Wright

© John Wright

Hice buenas fotografías y se las mostré a tanta gente como pude. Nunca me enfoqué en el dinero o en el éxito comercial, me enfoqué en ser el mejor en lo que hacía en la creencia de que la recompensa financiera vendría después.

Biografía

John Wright nació y creció en Rotten Row, en las barriadas municipales de Glasgow. De este sombrío telón de fondo creció una vívida imaginación visual que le ha ayudado a establecerse como un destacado cineasta de moda para marcas icónicas como Louis Vuitton, Dior, Elie Saab y British GQ.

Inicialmente comenzó su propia compañía de relaciones públicas en Escocia. Luego, se trasladó a Londres donde comenzó a asistir a varios fotógrafos, lo que a su vez lo llevó a crear su propia agencia fotográfica: National Pics. Más tarde se unió al periódico The Daily Express como fotógrafo de prensa, pero pronto se convirtió en editor de noticias, pasando a Sunday Express y finalmente terminó en The Daily Mail como vicedirector de fotografía, y definitivamente decidió volver a centrarse en la fotografía comenzando John Wright Photography.

Su trabajo es ampliamente conocido y respetado en todo el mundo, habiendo obtenido celebridad especialmente por algunas de sus obras:

  • la imagen de Lily Allen bailando con panteras se convirtió en una de las imágenes más comentadas de 2009, apareciendo en portadas de revistas (Q Magazine , …) en todo el mundo antes de ganar finalmente la Magazine Cover of the Year en 2010.
  • Su increíble composición Artistas del siglo, le empleó diez meses siendo rodada en 27 lugares en tres países y presentó a 34 de los nombres más importantes de la música popular.
  • Fue el último fotógrafo en retratar al fallecido Michael Jackson.

John acumuló un gran portafolio fotografiando a las mayores estrellas de la música y la televisión, como Tom Jones, Lily Allen, Pet Shop Boys, Ant and Dec, Gordon Ramsey, Lady Gaga, Ricky Gervais, Paul McCartney, U2, … Trabaja para una amplia gama de clientes, desde revistas como Q, Marie Clare y GQ, hasta sellos discográficos como Sony Records, Island y las compañías de televisión BBC, CH4, Five. También con marcas de lujo como Louis Vuitton, Dior, Fendi, …

Es usuario de Nikon y Leica y considera el video como la siguiente evolución de la fotografía fija. En solo 18 meses desde la creación de su primera película comercial Pret a Porters para Louis Vuitton, ha estado constantemente produciendo nuevas películas y proyectos de fotogramas para las casas de moda más importantes de París. Éstas tienen un enfoque refrescante  y llevan al espectador a través de hermosas historias visuales perfectamente adaptadas al mercado de artículos de lujo. Su atención al detalle y la narrativa visual lo diferencian de sus contemporáneos y su sólida formación en fotografía garantiza la excelencia estética en cada proyecto.

Referencias

sábado, 9 de junio de 2018

David Lindsey Wade

David Lindsey Wade es un fotógrafo estadounidense (vive y trabaja en Kansas City, Missouri) cuyas imágenes son refrescantemente irónicas, en una poderosa combinación de realismo de dirección junto con un acabado gráfico agresivo.

© David Lindsey Wade

© David Lindsey Wade

Biografía

David Lindsey Wade tomó algunas decisiones importantes durante sus primeros años de rebeldía adolescente. Criado por un par de artistas, su forma de desafiar a sus padres (que ya estaban un poco fuera de la red) fue abrazar su atracción por la velocidad y la emoción a través de su pasión por las motos y hot rods (vehículos modificados con una fuerte dosis de “hormonas” para conseguir más potencia y velocidad) desmontándolos y juntándolos nuevamente. Pero finalmente no pudo escapar a lo que quizás era su imperativo genético.

Incluso desde el principio, cuando comenzó como retocador digital, ciertamente podía "ver" lo que ven los artistas. El juego de la luz, los detalles del entorno, el poder de la pasión y la improvisación. Sus fotografías son refrescantemente irónicas. Su estilo, aunque sutil en el rodaje, evoca una emoción intensa y en sus retratos en particular puede ser muy clásico. Su narrativa es cinemática y provocativa, contando historias completas en una imagen.

En sus sesiones de fotografía publicitaria le gusta mantener las cosas simples y hacer uso del color e iconografía de la marca para aportar riqueza y profundidad a las configuraciones y posturas artificiales. En su fotografía artística, se interpone entre un realismo “sucio”y una fantasía elaborada con luces y colores muy contrastados.

En la actualidad trabaja con su hermano Lyndon en The Wade Brothers y han sido reconocidos ampliamente y su trabajo se ha publicado en todo tipo de medios de comunicación posible además de en galerías de todo el mundo.

Entre las marcas con las que han trabajado podemos citar a Pepsi, Comedy Central, Red Bull, Fly53, Nikon, Harley Davidson, Oakley, Draft FCB, M&C Saatchi, Nintendo, Wal-Mart, Sprint PCS, Lee Europe, The Source, 7-11, Coca-Cola, Porter Teleo, Bayer, Best Buy, Sonic, Science Diet, Payless Shoe Source, KOOL, Channel 4 London, Ebay, Discovery Channel, Pontiac, Kawasaki, New Mexico Tourism y Honda, entre otras, y están representados por Marge Casey. Tienen relación con el interesante Realfake, un estudio creativo de retoque dirigido por Judy Rush, su madre.

Ha obtenido numerosos premios, como PDN Photo Annual, PDN Nikon Awards, Communications Arts, Eisner Museum, Top 12 A Photographers ,…

Referencias

viernes, 8 de junio de 2018

Auguste Muriel

Auguste Muriel fue un fotógrafo francés (nacido en 1829 y fallecido en 1877) que realizó retratos de estudio, fue un precursor del fotoperiodismo con su reportaje sobre la insurrección de la Comuna de París, y documentó también los avances tecnológicos del ferrocarril.

Auguste Muriel

Auguste Muriel

Biografía

Henri Auguste Durieu, alias Auguste Muriel, regentó un estudio en la parisina rue de Rivoli de 1864 a 1868, y trabajó como fotógrafo para diferentes centros de enseñanza de la capital francesa, presumiendo de ser el fotógrafo de 3 emperadores. Sus fotografías más conocidas son las del levantamiento de la Comuna de París en 1871.

Su relación fotográfica con España comenzó durante la II Guerra Carlista (1846-49), tomando algunas fotografías del conflicto. En 1864 volvió a visitar el país, esta vez para realizar un álbum de fotografías que documentara el trayecto ferroviario Hendaya-Madrid. La línea, que databa de 1845, atravesaba ciudades españolas como Madrid, Valladolid, Medina del Campo, Ávila, Burgos y Bilbao.

Para este trabajo, Muriel se estableció temporalmente en Valladolid y como resultado de este trabajo, con motivo de la inauguración del nuevo trazado ferroviario que llegaba a Francia y que unía Madrid y París, salió a la luz en 1864 el álbum de fotografías publicado bajo el título de Chemin de fer du nord de l’Espagne. 30 vues photographiques des principaux points de la ligne.

De este álbum existen varias copias de época y, según que copia sea, puede contener 36 fotos o 42 hechas al colodión sobre papel albúmina, incluyendo desde imágenes referentes a los monumentos más emblemáticos de las ciudades por la que pasaba, a elementos del ferrocarril como estaciones y puentes como el viaducto de Ormaiztegi, construido por el ingeniero Alexander Lavalle, y el que unía Francia y España en Behobia, pasando por la plaza de toros de Madrid y una instantánea, temprana muestra del reporterismo gráfico en España, de la tribuna real de inauguración de la línea a su paso por San Sebastián, en la que aparecen el rey Francisco de Asís de Borbón y diversas personalidades.

Muriel expuso una gran colección de imágenes en la Société Française de Photographie en 1865 y durante la Exposición Universal de París de 1867. Su obra ha podido verse de nuevo en España durante la exposición Fotógrafos viajeros, celebrada en la Kutxa de San Sebastián en 2006. Las fotografías del levantamiento de la Comuna de París se conservan en los archivos fotográficos de la capital francesa y algunas de las fotografías realizadas en España, en los fondos de la Biblioteca Nacional de Madrid.


Referencias

Libros

  • Chemin de fer du nord de l’Espagne. 30 vues photographiques des principaux points de la ligne, 1864.
  • Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI, 2013.

jueves, 7 de junio de 2018

Senol Zorlu

Senol Zorlu es un fotógrafo turco (vive y trabaja en Alemania) reconocido principalmente por sus retratos de niños de países desfavorecidos. Entre el arte y el documental, sus imágenes y retratos muestran la vida en regiones aisladas del mundo, siendo instantáneas fascinantes de personas que viven en condiciones difíciles.

© Senol Zorlu

© Senol Zorlu

Biografía

Senol Zorlu nació en una familia de clase media en Turquía, estudió diseño de comunicación en FH für Gestaltung en Mannheim, Alemania. Desde 1997 trabaja como fotógrafo independiente y diseñador de comunicación. En el semestre de invierno de 2008 comenzó a estudiar ciencias de la educación, especializándose en el trabajo con niños de la calle en el PH en Heidelberg, comenzando su carrera de fotógrafo en un viaje a la India en 1996. 

The Kids of Manda fue un proyecto lanzado en 2008 y respaldado por la Fundación Noah, que retrata el contexto social y cultural en el que viven los niños de la calle en la capital de Madagascar, Antananarivo. Dio lugar a su exposición Seventh Continent - Images of Madagascar promovida por la embajada de Madagascar y en la que se mostraron 40 fotografías de Senol, instantáneas de personas que muestran inquietantemente la belleza y el drama de la vida en Madagascar, y se mostraron con gran éxito también en Antananarivo.

Su enfoque en la fotografía es muy particular y descriptivo. El propósito de su fotografías no es crear composiciones de artista, estando mucho más preocupado por los momentos, emociones e historias que pueda capturar con su cámara. Sus fotografías captan rostros, miradas, colores y objetos que son parte de una historia, cuyo giro y el desarrollo están escondidos dentro de la estructura de cada imagen.

Además de sus trabajos en Madagascar, también viajó en 2009 a Brasil y Colombia. Su trabajo fotográfico se ha utilizado por organizaciones sin fines de lucro de la talla de Save The Children o UNICEF, entre muchas otras.

No se ha prodigado mucho en las redes sociales, a pesar de haber aparecido en varias listas de mejores fotógrafos y actualmente no tiene presencia en ellas, tras borrar su página web y su cuenta en Instagram.

Referencias

miércoles, 6 de junio de 2018

Emily Mott

Emily Mott es una fotógrafa estadounidense (vive en West Sussex) que realiza encargos editoriales para revistas de viajes y ONGs, lo que le ha permitido viajar por todo el mundo. Su fotografía es sencilla, verdadera y directa, lo que le permite ser un testigo de la vida, las personas, las luchas, las alegrías y compartir todo eso de una manera hermosa que aumenta la comprensión a través de generaciones, comunidades, religiones y culturas.

EmilyMott

© Emily Mott

Biografía

Emily Mott es originaria de Nueva York y estudió en The Putney School y literatura inglesa en el Dartmouth College, trabajando como asistente editorial y periodista. Realizando una historia sobre Cowgirls el fotógrafo no pudo acudir a última hora y decidió que sería bueno tener el control total de una historia con palabras e imágenes. Se inscribió en un curso nocturno y, cuando tuvo suficiente dinero se apuntó en el Art Center College of Design en Pasadena, California, donde estudió fotografía durante dos años.

Estudiando allí tuvo la fortuna de asistir a un fotógrafo en Arnhem Land, en el Territorio del Norte de Australia y allí tuvo su primer contacto con la naturaleza, viviendo en la playa durante un mes con una familia aborigen, documentando todos los aspectos de sus vidas, desde la caza, la pesca y la recolección hasta las ceremonias y la narración de historias, y donde aprendió mucho sobre observación, documentación y supervivencia.

Sus trabajos editoriales han sido publicados en revistas internacionales de prestigio y ha realizado encargos para diversas empresas. Podemos citar sus trabajos para Conde Nast Traveller, Travel + Leisure, Rolling Stone, The New Yorker, L'Uomo Vogue, The Telegraph Magazine, The Washington Post, Vogue Reino Unido, Saveur, Time, Newsweek, Esquire, Fortune, House + Garden, Aer Lingus, British Airways, Waitrose, IKEA, UNICEF, OMS, Penguin Books, Random House y Knopf Publishers.

Cuando no está trabajando en sus asignaciones, dirige el club de cine local, lucha contra el fracking y la acidificación y apoya a organizaciones benéficas como Friends without Borders, Portsmouth Bangali Community Association, Rural Refugee Network, Edlumino y otras varias.

Referencias