jueves, 31 de mayo de 2018

Sue Kwon

Sue Kwon es una fotógrafa coreana-estadounidense (vive y trabaja en Ciudad de Nueva York) que ha documentado fragmentos de la vida en las calles de Nueva York, desde discotecas jamaicanas en Queens hasta los espacios del Covenant House (casas hogar para menores de edad) y por supuesto las estrellas más grandes del hip-hop y a artistas del rock y punk.

Dr. Dre © Sue Kwon

Dr. Dre © Sue Kwon

Biografía

Sue Kwon comenzó su carrera en la revista semanal The Village Voice en los años 90. Desde entonces ha documentado hermosos fragmentos de la vida en las calles de Nueva York, desde discotecas jamaicanas en Queens hasta los espacios del Covenant House (casas hogar para menores de edad), pasando por escenas callejeras de los barrios más carismáticos de Nueva York: Little Italy, Chinatown, Coney Island, Lower East Side y un Times Square anterior a Guiliani.

Por supuesto, también ha fotografiado a las estrellas más grandes del hip-hop: Nas, Biggie Smalls, RZA, Dr Dre, ODB, Method Man, Afrika Bambaata, Beastie Boys, Notorius B.I.G. y Wu-Tang Clan, así como artistas de rock y punk, para discográficas como Def Jam, Sony y Loud Records, y sus imágenes han aparecido en revistas como The Source, Vibe y Paper.

En su libro Street Level de 2009 recopila 20 años (desde finales de los 80´s hasta los años 2000) de fotografía documental y comercial  con sus fotografías de hip-hop junto con retratos y escenas callejeras de la vida cotidiana de los alrededores de Manhattan y otros barrios multiculturales. Estas imágenes en blanco y negro, caracterizadas por una evidente afición por las vidas que retratan, están pobladas de gentes de todos los ámbitos y ocasiones, desde zapateros hasta presos de la prisión estatal de Rahway hasta recién casados ​​y strippers en la infame Sue's Rendezvous.

Su trabajo ha aparecido en exposiciones colectivas en Nueva York y Copenhague e individuales como Only in New York en A Bathing Ape Gallery en Tokio y Clic Gallery en Nueva York. Su obra parte de colecciones como Alex Katz Foundation, Smithsonian National Museum of African American History and Culture y The Rock and Roll Hall of Fame Museum en Ohio.

Si bien gran parte de su trabajo actual se centra en sus propios proyectos, sigue haciendo campañas para empresas como Burton Snowboards, Gravis y A Bathing Ape.

Referencias

Libros

miércoles, 30 de mayo de 2018

Clarissa Bonet

Clarissa Bonet es una artista y fotógrafa estadounidense (nacida en 1986 en Tampa, Florida, vive y trabaja en Chicago, Illinois) cuyo trabajo explora aspectos del espacio urbano tanto en un contexto físico como psicológico. Interesada en el espacio físico de la ciudad y su impacto emocional en el cuerpo, utiliza la cámara para transformar el espacio físico en uno psicológico, proporcionando una interpretación personal del paisaje urbano.

© Clarissa Bonet

© Clarissa Bonet / Image courtesy Catherine Edelman Gallery,

Biografía

Clarissa Bonet llevaba ya una cámara desechable de película en su mochila durante toda la escuela primaria y hacía fotos de sus amigos durante o después de la escuela. En la escuela secundaria asistió a clases de fotografía y desde los 16 años ha estado trabajando con este medio. Obtuvo un master en fotografía por el Columbia College Chicago en 2012.

Su estilo es gráfico, minimalista y, en general, con una gran profundidad de campo. Aprendió con los años las "reglas" de la fotografía pero puede romperlas deliberadamente. Por ejemplo, su momento favorito para fotografiar es con la luz más dura, lo opuesto a lo que se enseña en las escuelas de fotografía.

Actualmente, está trabajando en dos cuerpos de trabajo a largo plazo: City Space trata sobre la experiencia horizontal diurna de la superficie de la ciudad, Stray Light habla sobre el paisaje urbano nocturno. Últimamente ha estado fascinada con la superficie y la estructura de la ciudad. Estas ideas ya están en su trabajo, pero continúa ampliándolas con nuevas imágenes.

En 2012 fue enlistada en el Top 50 de Critical Mass, fue elegida como una de los PDN’s 30 New and Emerging Photographers to Watch en 2015, seleccionada en el 2016 Flash Forward Emerging Photographer por la Magenta Foundation y comisariada para una exposición colectiva de la Aperture Foundation Gallery.

Su trabajo ha sido publicado en CNN Photos, The Wall Street Journal, The Eye of Photography, Photo District News, Chicago Magazine, Harpers Bizarre, Juxtapoz, y muchos otros medios impresos u online nacionales e internacionales.

En 2016 realizó una exposición individual en Catherine Edelman Gllery que la representa. Su trabajo ha sido exhibido en Chicago, California y Nueva York, entre otros lugares, así como a nivel internacional en París y en el Festival Internacional de Fotografía de Pingyao en China.

Su obra forma parte de las colecciones de University of Michigan Museum of Art, The Museum of Contemporary Photography, Southeast Museum of Photography, Haggerty Museum of Art, University Club Chicago y la JPMorgan Chase Art Collection.

Obtuvo la beca Albert P. Weisman dos años consecutivos y la Individual Artist Program Grant del Departamento de Asuntos Culturales y Eventos Especiales de la Ciudad de Chicago.

Referencias

martes, 29 de mayo de 2018

Junya Suzuki

Junya Suzuki es un fotógrafo japonés (nacido en 1979, vive en Kanagawa y Tokio) cuyo interés se centra en cómo los elementos de la imagen se conectan en el mismo lugar al mismo tiempo. Las caras pueden haber girado en la misma dirección, o pueden haber cambiado a otra dirección. Sin embargo, las conexiones en sus emociones llenan el espacio como una atractiva fotografía.

© Junya Suzuki

© Junya Suzuki

Desde la antigüedad, el japonés tiene un sentido estético único denominado "wabi-sabi". En general, esta estética prefiere lo mundano sobre lo vistoso, la quietud sobre la elocuencia y la permanencia sobre el movimiento. Los japoneses llegaron a ver los elementos en su estado natural como puros, mientras que los modificados por los humanos como impuros. Al buscar la esencia natural de las cosas, esta sensibilidad estética se produjo a partir de ellos mismos. Sin embargo, casi no hay oportunidad de escuchar esta estética en los tiempos modernos. A medida que pasa el tiempo, y cómo el humano llega a ver la superficie de las cosas, es posible que hayan perdido esa mentalidad estética. Un día, encontré el punto común en las fotos que capturé: la tranquilidad, no el bullicio. Inconscientemente puedo sentir este sentido estético como "wabi-sabi" en un entorno que sigue creando, destruyendo y cambiando todo el tiempo. Nada es permanente en este mundo. Y sabemos que la vida no es interminable. Es por eso que sospecho que podemos tener la sensación de existir juntos en armonía. Esta serie es un documental que ofrece perspectivas para sentirse en la vida cotidiana.

Biografía

Junya Suzuki comenzó a hacer fotografía en 2009. Es un fotógrafo de calle con sede en Kanagawa y Tokio, Japón. Su interés se centra en cómo los elementos de la imagen se conectan en el mismo lugar al mismo tiempo. Continúa disparando para perseguir un objetivo como documentar hechos reales de la vida cotidiana, agregando su propia expresión de surrealismo, lírica y humor.

Intenta hacer fotos que expresen su estilo personal, cara a cara con los sujetos a través del visor. Trata de leer las emociones y el comportamiento de las personas de antemano, imaginando la foto ideal y preparándose para ello, y  cuando encuentra la mejor composición y sincronización, suelta el obturador.

Quiere expresar la historia en nuestras vidas diarias. Siempre vemos las cosas en color, por eso solo dispara en color. El humor es también un elemento esencial en sus fotos. Después, no edita mucho sus fotos, ya que no lo siente necesario con su estilo, pero trata de mantener una paleta de colores consistente.

Sus fotografías han aparecido en diversos magazines como Underdogs issue 14 y Twelve Landscape Short Stories de CameraInfinita en 2017, y en varios volúmenes de Einstein Studio en 2016, como son JP_EN ISSUE.4, NEW JAPAN PHOTO ISSUE.2, NEW JAPAN PHOTO, TOKYO/JAPAN JAN 2016  y TOKYO/JAPAN DEC 2015.

Referencias

lunes, 28 de mayo de 2018

Swarat Ghosh

Swarat Ghosh es un fotógrafo indio (nacido en Dhanbade, vive y trabaja en Hyderabad) para el que la fotografía tiene que ver con el momento y la capacidad de observar. Le encanta tomar fotografías complejas en su composición donde se superpongan múltiples elementos descriptivos y conceptuales, que representen historias de la vida cotidiana.

© Swarat Ghosh

© Swarat Ghosh

Biografía

Swarat Ghosh nació y se crio en Dhanbade, la capital del carbón de la India. En la actualidad trabaja profesionalmente como diseñador visual en una compañía de software de renombre en Hyderabad. Cuando era niño, soñaba como tantos otros en convertirse en un jugador profesional de críquet.

Su esposa le regaló una cámara réflex Nikon D3000 con lente principal de 35 mm en 2010. Inicialmente, se unió a un par de grupos de Flickr llamados Hyderabad Weekend Shoots y The Camera Club of Hyderabad por su enfoque hacia la fotografía de calle. Solían quedar en diferentes partes de Hyderabad para hacer fotos. Luego empezó a ver fotos del colectivo That's Life de Kaushal Parikh, Prashant Godbole y muchos más fotógrafos callejeros de la India en 2012 y hoy en día se enorgullece de haber formado parte de este maravilloso colectivo de fotografía callejera que ha inspirado a muchos fotógrafos.

Su trabajo ha sido publicado en varias revistas nacionales e internacionales como National Geographic Traveler, Discover India, International Street Photographer y TreeFree y otras muchas. Ha asistido a talleres de reputados conferencistas como Eric Kim, y ha obtenido importantes premios en concursos como Metiers du Monde organizado por Foundation Alliance Française en 2013, el Neel Dongre organizado por la India Photo Archive Foundation en 2016 y ha sido finalista en el Lens Culture Street de 2017. Su obra se ha expuesto en Londres, París, Glasgow, Tailandia, Bombay y Hyderabad.

Referencias

domingo, 27 de mayo de 2018

Clayton Bozard

Clayton Bozard es un fotógrafo estadounidense (nacido en Orangeburg, Carolina del Sur, vive en Columbia, también Carolina del Sur) cuya propia experiencia como músico le ha llevado a especializarse principalmente como fotógrafo de retrato editorial y en el mundo de la música.

© Clayton Bozard

© Clayton Bozard

Biografía

Clayton Bozard empezó a apasionarse por la fotografía en su ciudad natal de Orangeburg en Carolina del Sur. Como músico tocó con bandas como I Nine, Bryson Jennings y Hannah Miller, y su transición de la música a la fotografía comenzó como una curiosidad casual en 2006, cuando empezó a buscar portadas de CD y obras de arte y rápidamente se dio cuenta de la diferencia entre las que le atraían y las que no. Comenzó a notar cómo la luz jugaba una parte muy importante en si la imagen le gustaba o no y se puso a aprender fotografía leyendo libros y textos diversos y, a partir de allí, comenzó a experimentar encontrando un nuevo medio para ejercitar su creatividad, muy satisfactorio y diferente de cómo me expresaba a través de la música. La fotografía se convirtió en su camino y su carrera definitiva en 2007 y su experiencia como músico de bandas y su conocimiento de esta industria le llevó a dedicarse al mundillo de la música y a los retratos editoriales como su enfoque principal como fotógrafo.

Como fotógrafo profesional, Clayton tiene una capacidad innata para capturar el personaje en cada fotografía mediante el uso de la iluminación y entornos adecuados, buscando la belleza de la simplicidad y capturar la verdadera emoción, personalidad e intensidad en cada uno de sus temas. Su portfolio está compuesto por músicos, modelos y personas que simplemente anhelan la oportunidad de tener una captura "natural" de la luz en sus ojos.

Referencias

sábado, 26 de mayo de 2018

Thomas Kettner

Thomas Kettner es un director creativo, director de cine, editor y fotógrafo alemán (nacido en 1960 en Stuttgart) que ha trabajado durante más de 30 años para importantes clientes de moda y publicidad lo que le ha permitido ser considerado uno de los fotógrafos más influyentes del mundo por su profesionalidad, personalidad y simbiosis entre la técnica y la creatividad artística. Sus fotografías tienen siempre una profunda sensación estética, además de que siempre esta intentando innovar, para que sean claramente inconfundibles y darles un plus especial.
 
© Thomas Kettner
© Thomas Kettner

 

Biografía

Thomas Kettner nació en 1960 en Alemania y creció en Johannesburgo, Sudáfrica. Habla inglés, alemán y afrikaans. Quiso ser piloto pero era muy difícil. Luego estudió ingeniería de máquinas-herramienta, que era muy emocionante pero se sentía asfixiado por tanta persona gris a su alrededor. La visión de estar sentado frente a una mesa de dibujo el resto de su vida le hizo pasarse con todas sus fuerzas a fotografía, su hobby en aquel momento.
 
Muy pronto en su carrera se ganó el reconocimiento internacional por su manejo de las sombras y las luces y su interpretación multifacética de la personalidad femenina y comenzó a crear imágenes icónicas como las de la meditación entre la campeona del mundo de esquí Anna Veith (Fenninger) y el guepardo, el encuentro de la niña y el delfín en el océano mexicano y su juego espontáneo y alegre, la contorsionista en los icebergs, …. Con su proyecto L'Hommage se convirtió en un retratista de historias de vida descubriendo delicadamente los deseos, sueños y recuerdos de sus clientes, creando documentos contemporáneos duraderos.
 
Le gusta estar en el filo de la navaja y encontrarse siempre con desafíos que saquen al fotógrafo y al modelo fuera de las zonas de confort, dando oportunidad al destino de que juegue su papel en la creatividad, creando imágenes mágicas y que no son copias de ninguna otra.
 
Durante su carrera de más de 30 años ha trabajado para los más importantes clientes de moda y publicidad como Boss, Baldessarini, Pierre Cardin, Givenchy, Cerrutti, Davidoff, Lufthansa y Mercedes Benz, entre otros muchos. También ha sido premiado con numerosos galardones internacionales, como el German Design Award por su libro Ongwe, dedicado a la tribu Himba en Namibia, y donde se cuenta una historia escenificada de la ceremonia de boda entre un hombre Himba y una mujer estadounidense. Es reconocido por su profesionalismo en fotografía de moda, publicidad, personas y estilo de vida, además de ser un símbolo también para la fotografía experimental y artística. Y también está involucrado con varios proyectos sociales de cooperación que apoyan a médicos alemanes o a la supervivencia de los guepardos en Sudáfrica en el CCF.
 
Sus obras se venden regularmente en subastas. Es editor de las revistas Trinity Magazin y Northletters, fomenta a los artistas jóvenes y ha sido miembro durante 12 años del consejo de administración de BFF, una de las asociaciones más destacadas de fotógrafos independientes en Europa.

 

Referencias

 

Libros

viernes, 25 de mayo de 2018

David Lykes Keenan

David Lykes Keenan es un fotógrafo estadounidense (vive en Brooklyn, Nueva York) cuya obra consiste en fotografiar en blanco y negro a personas anónimas al azar usando una cámara pequeña y discreta. Ama a las personas a las que se acerca en sus fotografías. Son su conexión con la humanidad y su acertijo creativo.

© David Lykes Keenan

© David Lykes Keenan


Por razones tanto dentro como fuera de mi control, he vivido más como testigo que como participante en mi vida: un voyeur.
Deambulo por las calles de las grandes ciudades entre personas que se han relajado en el caos, y en su mayoría no eran conscientes de mi presencia. Busco específicamente humor, ironía, patetismo, yuxtaposiciones inusuales, caras curiosas e historias reales o imaginarias. Todas estas cosas ocurren en mi camino, sin planificarlas, y se habrían evaporado en cuestión de segundos, si no hubiera estado preparado con mi cámara.


Biografía

David Lykes Keenan asistió a la Michigan State University y se graduó como ingeniero informático. Su primera aventura amorosa fue con una vieja cámara de la Alemania del Este, sus citas fueron experiencias emocionantes en un cuarto oscuro que su padre construyó en el sótano, y sus experimentos con adolescentes fueron en blanco y negro, y luego con película en color. A su mejor amigo de la época, una Nikomat, casi le olvidó mientras prosperaba como desarrollador de software. Pero finalmente volvió a la fotografía y vive a través de la lente otra vez.

Mientras vivía en Austin, Texas, fundó el Austin Center for Photography y pasó cuatro años construyéndolo y guiándolo a través de un lanzamiento exitoso. Cuando no está fotografiando, crea libros de fotografía suyos y de la obra de otros. FAIR WITNESS: Street Photography for the 21st Century es una monografía de su fotografía callejera, e In the Gutter es una pequeña mirada al libro de artista. Ha publicado también Look at Me, una exploración muy personal del deseo y el arrepentimiento.

Ahora, normalmente se le puede encontrar en una cafetería o en las calles de Ciudad Nueva York en busca de su próxima aventura fotográfica. Donde sea que esté, gran parte de su vida transcurre solo en cafeterías. Su compañero más confiable, una cámara Leica M, comparte su mesa. Solo vive completamente mientras deambula por la ciudad con su compañera, cazando.

Desde enero de 2007 ha estado publicando en sus galerías PAW (Photo a Week) una foto por semana. Esto le ha ayudado a convertirse en un buen fotógrafo y le sirvió de base para FAIR WITNESS. Publicar una imagen semanal, religiosamente, le ha permitido crear una estructura para observar su trabajo de forma regular, realizar ediciones y evaluaciones de las imágenes que había tomado, teniendo como objetivo que su PAW de cada semana tenía que ser mejor imagen que la de la semana anterior. Este proceso, incrementalmente a lo largo de los años, le ha ayudado a mejorar.

Sus fotografías han aparecido en numerosas revistas, se encuentran en numerosas colecciones y se han exhibido en diversos espacios públicos. David divide su tiempo entre Brooklyn, Nueva York, y Austin, Texas. Desde 2003, se ha reinventado continuamente como fotógrafo. En 2006, dejó  su negocio de software que había fundado 20 años antes para dedicarse a su pasión por la fotografía a tiempo completo.


Referencias


    Libros

    • Fair witness, 2015.
    • In the Gutter
    • Look at Me,
    • PISS.

    jueves, 24 de mayo de 2018

    Joseph Vigier

    Joseph Vigier fue un fotógrafo francés (nacido en 1821 en Savigny-sur-Orge, fallecido en 1894 en París) que utilizó el proceso al calotipo de Talbot, alternándolo con el de Le Gray (papel encerado). Con estas técnicas, conseguía tonos cálidos del papel negativo, de un hermoso color que variaba del rosa al marrón, y que eran los más adecuados para representar con realismo los paisajes de las montañas, los valles áridos y las rocas, reforzando las texturas de la piedra causadas por los efectos atmosféricos.

    JosephVigier

    Lac d'Oo à Luchon, 1853 Joseph Vigier

    Biografía

    El vizconde Louis Jules Aquiles Vigier estudió en el Liceo Henri IV, donde fue compañero de clase de Henri d'Orleans, hijo del rey Louis-Philippe. De esta etapa nace una gran amistad con la familia de Orleans. Vigier les será fiel toda su vida, manteniendo fuertes lazos con la familia desde el exilio, tras la revolución de 1848 y la derrota de la monarquía.

    De familia noble y adinerada pues su padre era propietario de los Baños del Sena, fue alumno de Gustave Le Gray durante los años 1848 a 1850, ocupando un lugar singular entre los aficionados a la fotografía de la década de 1850. Utilizó el calotipo de Fox Talbot y los papeles encerados de Le Gray, así como el colodión húmedo y el colodión seco.

    Fue miembro fundador de la Société héliographique en 1851 Junto con su amigo Olympe Aguado, y también de la Société française de photographie en 1854, de cuya junta directiva formó parte entre 1857 y 1862, año en que abandonó la sociedad.

    En 1850 viajó a Sevilla y se instaló probablemente en el palacio de San Telmo en casa de su amigo, el Duque de Montpensier. Se ha traído todo su equipo fotográfico para realizar una pieza única, un álbum con vistas de la ciudad, un regalo exclusivo para su anfitrión, el cuñado de Isabel II. El álbum, realizado entre 1850 y 1851 como indican las imágenes, es una pieza de inestimable valor, con 29 calotipos. Su aportación a la fotografía del paisaje y de naturaleza es quizás de lo más interesante que se haya producido en España en esa época.

    En 1852 se fue a Inglaterra, estando presente en Londres con Fenton y Le Gray en la primera exposición consagrada exclusivamente a la fotografía en la Society of Arts, y realizando retratos fotográficos de la familia real francesa en su exilio en Claremont: el rey Louis-Philippe, la reina Amélie, sus hijos (duque de Nemours) y sus nietos en posados, cada uno sentado de pie o cerca de una mesa , algunos en frente de una tela pintada con la decoración exuberante de flores, el príncipe de Condé montado a caballo, …

    En verano de 1853, viajó a España pasando por los Pirineos (Luchon, Cauterets, Pau), donde realizó varios cientos de escenas en papel negativo. Subió al puerto de Benasque con todo un pesado laboratorio fotográfico a cuestas que debía superar los 100 kilos, y tomó las primeras fotografías del macizo de la Maladeta y su glaciar. A finales de año, publicó el Album des Pyrényes una colección de 38 imágenes a partir de negativos papel, que actualmente pertenecen a la colección del Musée d’Orsay. Estas fotografías, tomadas a lo largo de una expedición fotográfica personal y sin ningún tipo de apoyo logístico, impactaron en Inglaterra y Francia por su belleza.

    En febrero de 1854, mostró seis de ellos en Londres en la exposición de la Royal Photographic Society, que entusiasmó al público y a la reina Victoria. Participó en las dos primeras exposiciones organizadas por la Société française de la photographie en París, en 1855 con vistas de los Pirineos y en 1857 con vistas del Dauphiné de 1855 en papel negativo, un castillo de Savigny de 1856 en colodión seco, un caballo según la naturaleza en colodión húmedo.

    El nacimiento de un hijo en 1859, la gestión de sus tierras, los viajes y sobre todo la evolución de los procesos fotográficos a partir de 1860 lo desviaron definitivamente de su práctica. En 1872, después de haber vendido su castillo de Grand-Vaux en Savigny-sur-Orge, adquirió el de Lamorlaye, cerca de Chantilly, donde disfrutó de su pasión por los caballos lo que le llevó a ser uno de los promotores de las carreras ecuestres y la cría de caballos de carreras pura sangre de origen inglés.

    Muchas de sus fotografías están en la ahora famosa colección de la Duquesa de Berry.

    Referencias

      Libros

      • Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI, 2013.
      • Eclats d'histoire, 2003.
      • Album des Pyrénées.

      miércoles, 23 de mayo de 2018

      Algirdas Seskus

      Algirdas Šeškus es un fotógrafo lituano (nacido en Vilna en 1945) es considerado en textos de historia de la fotografía como uno de los máximos representantes de la etapa de ruptura en la fotografía lituana con la cultura soviética.

      © Algirdas Šeškus

      © Algirdas Šeškus

      Biografía

      Algirdas Šeškus estudió en la Escuela de Arte de Vilna desde 1968 hasta 1970. Más tarde completó un curso de cinematografía en Moscú, y luego trabajó como operador de televisión y radio para la televisión lituana desde 1979 hasta que se jubiló. Su contacto inicial con la fotografía en 1975 tuvo lugar cuando supo que necesitaría llevar diez fotografías a una entrevista de trabajo para el puesto de camarógrafo en el único canal de televisión en la Lituania soviética. Entró a trabajar aunque nadie miró las imágenes, pero la cámara que compró para esto le mostró un mundo nuevo, y continuó fotografiando durante la próxima década.

      En el clima silencioso de los años 70 y 80, las imágenes que estaba haciendo no obtuvieron demasiado reconocimiento: eran demasiado informales, mal hechas y desenfocadas para ser tenidas en cuenta por la escuela establecida de fotografía lituana soviética de la época. Junto con un puñado de otros fotógrafos, gravitó hacia un enfoque más documental y sus imágenes eran como una película oculta que se puede trasladar a los diferentes niveles de vida, a los simples momentos cotidianos, erotismo, torpeza, misterio, miedo, soledad, pero también y lo que es más importante, una imagen puede tenerlos a todos, y esto lo posiciona como un observador y él como artista en otro nivel. Sus fotografías son composiciones indistintas, borrosas y desordenadas; imágenes sin tonos, suaves y reducidas con contenido poco atractivo.

      Šeškus solía hacer fotografías cuando estaba detrás de la cámara de televisión o encontraba un lugar en la ciudad que le brindaba un telón de fondo y acción. En 1985, abandonó la fotografía, primero pasando al arte visual, donde la censura había disminuido un poco y encontró una mayor libertad, y más tarde a una práctica que evitaba por completo los aspectos formales del arte.

      Šeškus fue objeto de una gran retrospectiva en la Galería Nacional de Arte de Lituania y comenzó a fotografiar nuevamente en 2010, publicando tres volúmenes de sus casi desconocidos archivos fotográficos de la década de los 70: Žaliasis tiltas (Puente verde), Archives (Pohulianka) y Meilės lyrika (Líricas de amor). También ha expuesto TV en el Centro de Arte Contemporáneo de Vilna y en el documenta14 en Kassel y Atenas, Archives (Pohulianka). Photographs and Prints 1975–1983 en Vilna en 2010, Lyrics of Love en Londres en 2012 y Variations in shades of grey en Le Château d’Eau, Toulouse, Francia en 2013. En 2014 fue galardonado con el Premio Nacional Lituano de Cultura y Arte.

      Su trabajo ha influido en muchos fotógrafos de la antigua Unión Soviética, incluidos Boris Mikhailov, Alfonsas Budvytis, Vytautas Balcytis, Remigijus Pacesa y Gintaras Zinkevicius.

      Referencias

      Libros

      • Žaliasis tiltas (Puente verde). 2009.
      • Archives (Pohulianka). 2010.
      • Meilės lyrika (Líricas de amor).
      • Variacija buvimo išorėje tema (Variación exterior del tema).
      • Šamanas (Chamán).
      • Šeškus. Grey, but not Grey, 2014.

      martes, 22 de mayo de 2018

      Rafael Señán

      Rafael Señán fue un fotógrafo español (nacido en 1864 en Ciudad Real, fallecido en 1911 en Granada) que creó en Granada un singular estudio especializado en la fotografía turística. Este negocio ofrecía a los visitantes de la Alhambra todo tipo de recuerdos fotográficos de los principales monumentos andaluces, así como postales y el genuino retrato árabe, para el que los turistas se disfrazaban ante la cámara como el propio Boabdil.

      Rafael Señán

      Rafael Señán

      Biografía

      Rafael Señán González se trasladó muy joven a Granada, ciudad en la que se formó profesionalmente junto a fotógrafos de la talla de Escudero y Rafael Garzón Rodríguez, con el que crearía un singular estudio especializado en fotografía  turística, en el que ofrecieron entre los años 1898 y 1901 , además de postales de la Mezquita de Córdoba, la Alhambra de Granada y escenas de la Sevilla de finales del XIX, retratos árabes, en los que los turistas se disfrazaban para la cámara con los atuendos propios. Esta relación terminó en competencia, con estudios de ambos puerta con puerta.

      Pero esta actividad le reportó un gran éxito, gracias al cual pudo abrir otro estudio en Córdoba también con decorados imitando a patios de los palacios nazaríes, que regentó su esposa, Nicasia Aldeondo, y que luego continuó su hija hasta el comienzo de la Guerra Civil española.

      Señán editó cientos de postales diferentes de zonas, tipos y monumentos de Córdoba, Granada, Málaga, Ronda, Sevilla y también Tánger, además de imágenes de plazas, calles y monumentos, también realizó fotografías de la vida cotidiana y las de aquellos primeros turistas, atraídos por las historias contadas por los escritores románticos del siglo XIX sobre Granada y la Alhambra, que querían llevarse a su país un recuerdo en el que ellos mismos eran los protagonistas, ataviados como cortesanos de la corte nazarí y fotografiados por Señán en su estudio, en el que simulaba los patios de la Alhambra.

      A lo largo de su carrera fue reconocido con el Premio de la Exposición de El Cairo de 1895, Diploma de Honor en la Exposición de Granada de 1905, la Medalla al Mérito de la Sociedad Científica Europea o el Primer Premio de la Exposición de Santander de 1906. En 1904 se le concedió el título de fotógrafo de cámara de Alfonso XIII, honor que le permitía incluir el escudo de la Casa Real en los cartones de sus retratos.

      En 2009 la Fundación CajaSur organizó la exposición Postales andaluzas. Rafael Señán y la fotografía turística (1864-1911), celebrada en el Palacio de Viana de Granada, que reunió una selección de más de 200 fotografías procedentes en su mayoría del archivo de 1.332 placas originales del fotógrafo, que desde 1989 forma parte del Archivo Histórico Fotográfico CajaSur, completada con valiosas fotografías de época, postales, objetos y cámaras de este gran fotógrafo andaluz.

        

      Referencias

      Libros

      lunes, 21 de mayo de 2018

      Salvador Obiols

      Salvador Obiols es un escritor y fotógrafo catalán (nacido en 1940 en Sant Boi de Llobregat, Barcelona, vive en Viladecans) que inició su actividad fotográfica en la década de los 70, dándose a conocer en salones fotográficos y cosechando un gran número de premios en aquellos de corte más vanguardista.

      © Salvador Obiols

      © Salvador Obiols

      … la fotografía secciona una fracción de espacio y de tiempo para congelarla dentro del álbum de los recuerdos. A partir del momento en que se abre el obturador de una cámara fotográfica para dejar paso a la luz, la imagen impresionada en  la emulsión fotográfica ha pasado a ser un recuerdo de aquello que ya no es, o de aquello que ha pasado  y que por tanto es irrepetible.

      Biografía

      Salvador Obiols formó parte del Grup 10 × 4 y colaboró, de 1977 a 1980, en la conocida revista Nueva Lente, creada por Pablo Pérez Mínguez y Carlos Serrano en 1971., publicando trabajos de información y de opinión relacionados con la fotografía. Fue cofundador y director de revistas especializadas como La Cortinilla y La Fotografía, de 1988 a 1991,  y combinó estas actividades con la docencia, dando clases de técnicas de fotomontaje, fotografía manipulada e historia y teoría de la imagen.

      Además de profesor de fotografía, ha sido conferenciante y jurado. Especializado en fotomontajes, entre 1975 y 1980 trabajó en temáticas que expresaban un compromiso social y político. De 1980 a 1986 en una fotografía inspirada en obras poéticas propias y de otros autores. Ha visto sus fotografías publicadas en anuarios, revistas, libros, prensa y revistas de fotografía.

      Ha escrito también ensayos sobre la historia de la fotografía en Cataluña, así como narrativa y poesía combinada con fotografía. Destacan sus trabajos fotográficos Cementiri de Sinera, que fue objeto de exposición, audiovisual y libro, con interpretaciones fotográficas de los poemas de Salvador Espriu realizadas dentro del cementerio de Arenys y que se mostró en diferentes puntos de Cataluña y del estado, siendo cedido en propiedad a la Fundación Salvador Espriu, de Arenys de Mar. Dio ocasión al catálogo Exposición Homenaje en 1980 y al libro Cementerio de Sinera, de Salvador Espriu en 1988.

      Realizó desde 1973 diversas exposiciones individuales, mostradas por todo el estado, como El armario de los sueños en Pamplona en 2004 y Guadalajara en 2005, y colectivas mostradas por todo el estado y por el extranjero.

      Durante su trayectoria como fotógrafo entre 1971 y 1986 cosechó cerca de 400 premios, destacando Cataluña en Blanco y Negro en 1976, Luis Navarro en 1976 y 1988, La cañaílla de Oro en 1976, el Bergantín de Plata en 1972, Creu de Saba y Gardencha de Oro en 1974,  entre otros.   

      Sus libros de poesía Mariner sense pau y L'altra riba queda lluny han conseguido el Premio Miquel Peris Segarra en 2007 y 2018. Entre 2004 y 2018 ha obtenido 93 premios en certámenes literarios de poesía y narrativa breve.



      Referencias

          Libros

          • Catalunya en blanc i negre, 1992.
          • Catalunya, imatges d’un temps, 1993.
          • Mariner sense pau, (poesía) 2007.   
          • Llanca`t mar endins, (poesía) 2009.
          • El neguit i la joia, (poesía) 2010.
          • Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI, 2013.
          • L'altra riba queda lluny, (poesía) 2018.

          domingo, 20 de mayo de 2018

          Alejandro Massari

          Alejandro Massari fue un fotógrafo italiano (fallecido en 1876) que perteneció al grupo de fotógrafos extranjeros que se establecieron en el sur de España durante los primeros años de la fotografía, atraído por la cultura y las costumbres del país. Se estableció en Sevilla, donde abrió un estudio hacia 1855. Se dedicó al retrato y a la fotografía de calle, y trabajó con el daguerrotipo, la albúmina y el papel a la sal impresionado a partir de negativo de colodión húmedo. También realizó fotografías estereoscópicas.

          Trozo de los antiguos muros romanos cerca de la Puerta del Osario. Sevilla. Alejandro Massari

          Trozo de los antiguos muros romanos cerca de la Puerta del Osario. Sevilla. Alejandro Massari

          Biografía

          Alejandro Massari fue un fotógrafo de origen italiano, que perteneció al grupo de fotógrafos extranjeros que se establecieron en el sur de España durante los primeros años de la fotografía. Tal y como lo hicieran Jules Beauchy, Luis León Massón o Leygonier, Massari llegó a España atraído por la cultura y las costumbres del país.

          Se estableció en Sevilla en el año 1853, ejerciendo el arte de la fotografía durante veinte años principalmente el retrato y a la fotografía de calle. En su primera etapa se asoció con el fotógrafo francés Georges, empleando la técnica del daguerrotipo, aunque por un escaso periodo de tiempo que no llegó a un año. Posteriormente trabajó en solitario, empleando la albúmina y el papel a la sal impresionado a partir de negativo de colodión húmedo para sus fotografías, junto a sus vistas estereoscópicas sobre cristal o papel, cartas de visita y diferentes álbumes en gran formato de paisajes y monumentos de la ciudad.

          Massari contaba con gabinete propio y solía exponer sus obras en el Establecimiento de Música del sr. Tabernes. Su publicidad era habitual también en la prensa de la época. En enero y febrero de 1859 vendería a la casa de Antonio de Orleans, Duque de Montpensier, dos lotes de 25 y 58 fotografías. Aunque es probable que se tratase de ejemplares repetidos, evidencia la posesión de un archivo de cierta envergadura que pudiera haber sido iniciado años atrás. Animado por esta operación, Massari compondría dos meses después un álbum «de las principales vistas de Sevilla», y lo dedicaría al propio Duque, enviándole uno de los ejemplares lujosamente encuadernado. Es posible que este ejemplar contuviera toda o buena parte de su repertorio comercial del que no se conoce sino ejemplos fragmentarios, pero fue robado.

          Su obra se expuso en la muestra-homenaje dedicada a los pioneros de la fotografía celebrada en el Museo Nacional d’Art de Catalunya durante la Primavera Fotogràfica de Catalunya en 2004. Una de sus fotografías (Sevilla. Trozo de los antiguos muro romanos cerca de la Puerta del Osario) aparece reproducida en el catálogo de dicha exposición. Esta obra está disponible en la Biblioteca Virtual del Patrimonio Bibliográfico y su original se encuentra en el Fondo Fotográfico de la Fundación Universitaria de Navarra (FFF).

          Referencias

          Libros

          • Censo de fotógrafos del siglo XIX en Sevilla, Sevilla 1842-1900: sus fotógrafos, 1985.
          • De París a Cádiz: calotipia y colodión, 2004.
          • Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI, 2013.

          sábado, 19 de mayo de 2018

          Pedro Luis Ajuriaguerra

          Pedro Luis Ajuriaguerra es un fotógrafo vasco (nacido en 1974 en Muskiz, Bizkaia) que compagina la fotografía artística, especialmente la de arquitectura, con la deportiva, con un énfasis especial en el boxeo, viendo publicadas sus fotos en prensa y consiguiendo numerosos premios en prestigiosos concursos internacionales.

          PedroLuisAjuriaguerra

          © Pedro Luis Ajuriaguerra

          Biografía

          Pedro Luis Ajuriaguerra Saiz es un fotógrafo autodidacta que comenzó su andadura fotográfica allá por el año 2011 descubriendo una pasión que le era desconocida hasta entonces. Sus inicios inquietos le han hecho probar casi todas las disciplinas de la fotografía, encontrándose actualmente inmerso tanto en la fotografía de arquitectura artística como en la deportiva.

          Actualmente trabaja a tiempo parcial como fotógrafo freelance y sus trabajos profesionales están enfocados a la fotografía deportiva, con un interés especial en el boxeo, haciendo colaboraciones con revistas como el Magazine BAO Bilbao, Bilbao Turismo, Bilbao Bizkaia Tour Magazine  y con diferentes promotoras deportivas como MGZ Promotions, Euskobox, etc., y sus fotografías se publican en medios deportivos como As y Marca.

          En el ámbito concursístico, que comenzó en 2012, ha tenido una rápida progresión, participando en numerosos salones y asociándose en la  Asociación Fotográfica Zuri-Beltza de Bilbao desde 2013, la Federación de Agrupaciones Fotográficas Vascas (EHATE), la Confederación Española de Fotografía (CEF) desde 2014 , Federación Internacional de Asociaciones Fotográficas (FIAP) desde 2014 y en  la Sociedad  Fotográfica de América (PSA) desde 2015, consiguiendo las distinciones Excelencia FIAPMaestro CEF/bronce y PSA PJD*** y Who´s who Top 2 en 2015 y Top 4 en 2016 en Fotoperiodismo en la PSA.

          Es invitado como jurado en importantes concursos internacionales en China, Irlanda y España y ha logrado más de 100 premios en diferentes salones fotográficos internacionales, entre los que podemos citar:

          • 1º premio en la categoría Paisajes urbanos en el concurso 35 International Photography Awards en Rusia en 2018.
          • 2º y 3er en la categoría Profesional Deportes de cancha en el IPA INTERNATIONAL PHOTOGRAPHY AWARDS™ de 2017 en California.
          • Primer premio en el LifePressPhoto GOLD Medal en la categoría de Deportes en Ucrania.
          • Medalla de oro FIAP en la categoría Viajes en el Balkan Dream de 2017 en Serbia.
          • Mejor autor del Circuito Internacional Gran Tour delle Colline en 2017 en Italia.
          • Ganador Región EMEA del CBRE Urban Photographer of the Year en 2016 en Nueva York.
          • 2º puesto categoría Deporte en el PDN Adrenaline Photography Contest en 2017 en Nueva YorkSA.
          • 2 fotografías Comended en los Sony World Photography de 2017 en Londres en la categoría Motion.
          • 4 fotografías Comended en los Sony World Photography de 2016 en Londres en las categorías Split seconds y general.
          • Mejor Foto de Boxeo del año 2015 para la revista especializada Espabox.
          • Finalista HIPA en 2014, 2015 y 2016 en Dubái.
          • 1er puesto Golden Camera en 2015 en categoría Amateur Ensayo fotográfico en Kiev.

          Referencias

          viernes, 18 de mayo de 2018

          Gonzalo Azumendi

          Gonzalo Azumendi es un fotógrafo vasco especializado en viajes. Además de trabajar para las más prestigiosas publicaciones, ha fotografiado más de 15 años corriendo de un lado a otro del mundo documentando los lugares más recónditos del Patrimonio Mundial para la UNESCO. También ha realizado expediciones a tierras lejanas, a altas montañas y buscando ciudades perdidas en más de un centenar de países. En sus fotos destaca un enorme interés por el ser humano. Sus señas son el color, la alegría, el misterio … y el humor.

          Ses Salines Beach. Sant Josep de Sa Talaia. Ibiza Island. Balearic. Islands. Spain © Gonzalo Azumendi

          © Gonzalo Azumendi

          Mi cámara es prolongación de mi cuerpo, conectada a mi vista por mi mano. Es como un implante exitoso de lo único que me faltaba para ser un mutante, un fallido súper-héroe de la Marvel, que solo tengo sentido para mí mismo cuando desempeño el papel para el que fui diseñado: Fotografiar.

          Biografía

          Gonzalo Martínez Azumendi empezó amando primero la montaña. Era escalador y alpinista, la montaña era su obsesión y su pasión. Y así empezó a hacer fotografías, sin saber por qué. Solo por guardar recuerdos de aquellas experiencias y porque era el menos atlético de la cuadrilla y le venía bien detenerse para documentar aquellas sus primeras travesías alpinas, fascinado por la épica y el romanticismo, los grandes paisajes y la insignificante presencia humana. El viaje era parte de descubrir montañas y aprendió a documentarlo hasta que la pasión por la fotografía desbordó todo. Y todo se hizo una unidad y cobró sentido.

          Se licenció en psicología pero, en 1984, siendo un fotógrafo novato, tras un incidente en la guerra de la pesca entre Francia y España, en que un pesquero español había sido ametrallado por los guardacostas franceses, se embarcó en otro barco para documentar la situación y les cogió el tremendo ciclón “Klaus” en medio del mar. Eso sirvió para que publicara su primer artículo en prensa y para que después de citas culturales, noches de conciertos o de espectáculos, de obras de teatro minoritarias pero muy comprometidas, de portadas de discos de Silvio Rodríguez o Radio Futura, llegó a los viajes, convirtiéndose en un reconocido fotógrafo freelance internacional que publica artículos y portadas en los mejores medios especializados en viajes.

          Azumendi atesora una enorme trayectoria profesional de más de 30 años, habiendo participado en diversos proyectos editoriales como el libro oficial de El Canal de Panamá, otro sobre Bolivia financiado por su gobierno, Camino de Santiago, Marruecos ... e innumerables  Guías de Viaje. Durante más de 15 años, ha trabajado de un lado a otro del mundo, en más de cien países, documentando el Patrimonio Mundial para la UNESCO.

          Ha participado en la ilustración de más de 500 libros de diferente temática, y exposiciones, conferencias y cursos, para un gran número de certámenes y entidades y de forma regular en el CFC, Centro de Fotografía Contemporánea de Bilbao. Ha expuesto sus fotografías en muestras individuales y colectivas como Getxophoto, Santander Photo, Círculo de Bellas Artes de Madrid, ...

          Siempre dispuesto a nuevos retos, acaba de inaugurar su canal en Youtube, dónde podéis conocerle luchando por las mejores fotos en situaciones un tanto surrealistas. En 2018 ha expuesto Cuento de hadas en la World Gallery de B The Travel Brand Xperience en Madrid, con el apoyo de LaChrome, partner en producción de Instagramers Spain.También es un gran orador que narra sus experiencias con sinceridad, alegría y humor, en talleres sobre Fotografía de Viajes, y también ha realizado campañas para Swatch, Omega, Nike, Panama Jack, … además de promociones turísticas para diversos países.

          Referencias

          jueves, 17 de mayo de 2018

          Mario von Bucovich

          Mario von Bucovich fue un fotógrafo austriaco (nacido el 16 de febrero de 1884 en Pula, Istria, fallecido el  30 de noviembre de 1947 en Ciudad de México) que supo captar en sus libros sobre Berlín, París, Manhattan, Washington, …,  la esencia de estas ciudades cosmopolitas llenas de promesas de futuro, huyendo del tradicional inventario fotográfico de los monumentos de la ciudad que hasta el momento venían siendo los libros de fotografía, consiguiendo un espacio de creación independiente, con su lógica y su arquitectura propias, a través del control de elementos como la tipografía, la maquetación o la dimensión específica que quería dar a su trabajo publicado.

          Berlin, 1928. Mario von Bucovich

          Berlin, 1928. Mario von Bucovich

          Biografía

          Marius Freiherr von Bucovich era hijo de madre griega y de un capitán de corbeta de la marina austro-húngara y posteriormente empresario ferroviario. Creció en Viena y estudió matemáticas y mecánica en el Instituto Federal Suizo de Tecnología en Zúrich, estudios que continuó en Nancy en Francia. De 1908 a 1909 estudió ingeniería eléctrica mecánica en Technikum Mittweida en Sajonia. Sin embargo su familia esperaba que tuviera una carrera militar y consideró también que su matrimonio era inaceptable, así que Bucovich se fue a Nueva York a fines de 1909 con su esposa, donde inicialmente encontró empleo como trabajador no calificado de baja remuneración en Otis Elevator Company en Nueva York, que le trasladaría en 1911 a San Petersburgo, donde se encargó por su cuenta de la lucrativa venta de maquinaria agrícola. En 1914 fue deportado a Siberia como enemigo extranjero , pero pudo huir y regresar a San Petersburgo. Desde 1918 se dedicó a la repatriación de deportados en Siberia, una labor muy difícil debido a la guerra civil rusa.

          En los años siguientes Bucovich trabajó en el comercio de arte y antigüedades y se instaló en Berlín, donde en 1925 se hizo cargo del estudio fotográfico de Karl Schenker, fotografiando durante esta época a celebridades, actores y actrices de cine, como Marlene Dietrich y Elisabeth Bergner, bailarines como Leni Riefenstahl (en su época de bailarina) y atletas, realizando también desnudos. A finales de los años 20, sus fotografías ya habían aparecido en toda la gama del periodismo fotográfico alemán, como en Der Querschnitt, Uhu, Die Dame, Die neue Linie, Das Magazin, Skizzen, Welt-Magazin, Kölnische Illustrierte Zeitung, Revue des Monats, Deutscher Kamera Almanach, Die Reklame, Der Photo-Freund,

          Cuando llegó a España a comienzos de la década de los 30, ya gozaba de un reconocido prestigio como autor de sus libros París y Berlín. En España fotografió las ciudades de Madrid, Zaragoza, Girona (algunas de estas fotos fueron publicadas en la revista National Geographic) y Barcelona, antes de establecerse en Palma de Mallorca en 1932.

          En 1936 se trasladó a Nueva York, ciudad a la que dedicó otro de sus libros monográficos por los que hoy se le recuerda, Manhattan Magic, antes de establecerse en Ciudad de México en 1939, donde experimentó con el color en uno de sus últimos trabajos, su serie sobre México, México lindo (1940), y donde moriría en 1947 en un accidente de tráfico.

          Su trabajo se exhibió en los principales salones de fotografía de la época, como en la Fourth International Exhibition of Pictorial Photography en el Palacio de la Legión de Honor de California, la Third International Exhibition of Pictorial Photography Seattle Camera Club y los 15º y 16º Annual Pittsburgh Salon of Photographic Art en el Carnegie Institute.

          Se tiene constancia de dos exposiciones durante su estancia en España: en la Galería Costa de Palma de Palma de Mallorca en 1932, y en la Galería Catalunya de Barcelona en 1933. Más recientemente, Berlín ha estado expuesta en la colectiva Sospechosos. Flâneur en Berlín en Casa Sin Fin de Madrid en 2013. En España, su obra se conserva en las colecciones del Arxiu Fotogràfic Jeroni Juan Tous en Palma de Mallorca y en el Museu de Mallorca, además de en las colecciones del  New Orleans Museum of Art, el Museo Nacional de Arte Mexicano y la National Gallery of Canada

          Referencias

          Libros

          • Berlín, Das Gesicht der Stadt, 1928.
          • Paris, 1928.
          • Viaje a Ibiza, 1934.
          • Washington, D.C., City Beautiful, 1936.
          • Manhattan Magic, 1937.
          • Oaxaca, 1942.
          • Berlin 1928. Portrait d’une ville, 1994.
          • Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI, 2013.
          • Berlin in den 1920ern, 2016.