viernes, 25 de mayo de 2018

David Lykes Keenan

David Lykes Keenan es un fotógrafo estadounidense (vive en Brooklyn, Nueva York) cuya obra consiste en fotografiar en blanco y negro a personas anónimas al azar usando una cámara pequeña y discreta. Ama a las personas a las que se acerca en sus fotografías. Son su conexión con la humanidad y su acertijo creativo.

© David Lykes Keenan

© David Lykes Keenan


Por razones tanto dentro como fuera de mi control, he vivido más como testigo que como participante en mi vida: un voyeur.
Deambulo por las calles de las grandes ciudades entre personas que se han relajado en el caos, y en su mayoría no eran conscientes de mi presencia. Busco específicamente humor, ironía, patetismo, yuxtaposiciones inusuales, caras curiosas e historias reales o imaginarias. Todas estas cosas ocurren en mi camino, sin planificarlas, y se habrían evaporado en cuestión de segundos, si no hubiera estado preparado con mi cámara.


Biografía

David Lykes Keenan asistió a la Michigan State University y se graduó como ingeniero informático. Su primera aventura amorosa fue con una vieja cámara de la Alemania del Este, sus citas fueron experiencias emocionantes en un cuarto oscuro que su padre construyó en el sótano, y sus experimentos con adolescentes fueron en blanco y negro, y luego con película en color. A su mejor amigo de la época, una Nikomat, casi le olvidó mientras prosperaba como desarrollador de software. Pero finalmente volvió a la fotografía y vive a través de la lente otra vez.

Mientras vivía en Austin, Texas, fundó el Austin Center for Photography y pasó cuatro años construyéndolo y guiándolo a través de un lanzamiento exitoso. Cuando no está fotografiando, crea libros de fotografía suyos y de la obra de otros. FAIR WITNESS: Street Photography for the 21st Century es una monografía de su fotografía callejera, e In the Gutter es una pequeña mirada al libro de artista. Ha publicado también Look at Me, una exploración muy personal del deseo y el arrepentimiento.

Ahora, normalmente se le puede encontrar en una cafetería o en las calles de Ciudad Nueva York en busca de su próxima aventura fotográfica. Donde sea que esté, gran parte de su vida transcurre solo en cafeterías. Su compañero más confiable, una cámara Leica M, comparte su mesa. Solo vive completamente mientras deambula por la ciudad con su compañera, cazando.

Desde enero de 2007 ha estado publicando en sus galerías PAW (Photo a Week) una foto por semana. Esto le ha ayudado a convertirse en un buen fotógrafo y le sirvió de base para FAIR WITNESS. Publicar una imagen semanal, religiosamente, le ha permitido crear una estructura para observar su trabajo de forma regular, realizar ediciones y evaluaciones de las imágenes que había tomado, teniendo como objetivo que su PAW de cada semana tenía que ser mejor imagen que la de la semana anterior. Este proceso, incrementalmente a lo largo de los años, le ha ayudado a mejorar.

Sus fotografías han aparecido en numerosas revistas, se encuentran en numerosas colecciones y se han exhibido en diversos espacios públicos. David divide su tiempo entre Brooklyn, Nueva York, y Austin, Texas. Desde 2003, se ha reinventado continuamente como fotógrafo. En 2006, dejó  su negocio de software que había fundado 20 años antes para dedicarse a su pasión por la fotografía a tiempo completo.


Referencias


    Libros

    • Fair witness, 2015.
    • In the Gutter
    • Look at Me,
    • PISS.

    jueves, 24 de mayo de 2018

    Joseph Vigier

    Joseph Vigier fue un fotógrafo francés (nacido en 1821 en Savigny-sur-Orge, fallecido en 1894 en París) que utilizó el proceso al calotipo de Talbot, alternándolo con el de Le Gray (papel encerado). Con estas técnicas, conseguía tonos cálidos del papel negativo, de un hermoso color que variaba del rosa al marrón, y que eran los más adecuados para representar con realismo los paisajes de las montañas, los valles áridos y las rocas, reforzando las texturas de la piedra causadas por los efectos atmosféricos.

    JosephVigier

    Lac d'Oo à Luchon, 1853 Joseph Vigier

    Biografía

    El vizconde Louis Jules Aquiles Vigier estudió en el Liceo Henri IV, donde fue compañero de clase de Henri d'Orleans, hijo del rey Louis-Philippe. De esta etapa nace una gran amistad con la familia de Orleans. Vigier les será fiel toda su vida, manteniendo fuertes lazos con la familia desde el exilio, tras la revolución de 1848 y la derrota de la monarquía.

    De familia noble y adinerada pues su padre era propietario de los Baños del Sena, fue alumno de Gustave Le Gray durante los años 1848 a 1850, ocupando un lugar singular entre los aficionados a la fotografía de la década de 1850. Utilizó el calotipo de Fox Talbot y los papeles encerados de Le Gray, así como el colodión húmedo y el colodión seco.

    Fue miembro fundador de la Société héliographique en 1851 Junto con su amigo Olympe Aguado, y también de la Société française de photographie en 1854, de cuya junta directiva formó parte entre 1857 y 1862, año en que abandonó la sociedad.

    En 1850 viajó a Sevilla y se instaló probablemente en el palacio de San Telmo en casa de su amigo, el Duque de Montpensier. Se ha traído todo su equipo fotográfico para realizar una pieza única, un álbum con vistas de la ciudad, un regalo exclusivo para su anfitrión, el cuñado de Isabel II. El álbum, realizado entre 1850 y 1851 como indican las imágenes, es una pieza de inestimable valor, con 29 calotipos. Su aportación a la fotografía del paisaje y de naturaleza es quizás de lo más interesante que se haya producido en España en esa época.

    En 1852 se fue a Inglaterra, estando presente en Londres con Fenton y Le Gray en la primera exposición consagrada exclusivamente a la fotografía en la Society of Arts, y realizando retratos fotográficos de la familia real francesa en su exilio en Claremont: el rey Louis-Philippe, la reina Amélie, sus hijos (duque de Nemours) y sus nietos en posados, cada uno sentado de pie o cerca de una mesa , algunos en frente de una tela pintada con la decoración exuberante de flores, el príncipe de Condé montado a caballo, …

    En verano de 1853, viajó a España pasando por los Pirineos (Luchon, Cauterets, Pau), donde realizó varios cientos de escenas en papel negativo. Subió al puerto de Benasque con todo un pesado laboratorio fotográfico a cuestas que debía superar los 100 kilos, y tomó las primeras fotografías del macizo de la Maladeta y su glaciar. A finales de año, publicó el Album des Pyrényes una colección de 38 imágenes a partir de negativos papel, que actualmente pertenecen a la colección del Musée d’Orsay. Estas fotografías, tomadas a lo largo de una expedición fotográfica personal y sin ningún tipo de apoyo logístico, impactaron en Inglaterra y Francia por su belleza.

    En febrero de 1854, mostró seis de ellos en Londres en la exposición de la Royal Photographic Society, que entusiasmó al público y a la reina Victoria. Participó en las dos primeras exposiciones organizadas por la Société française de la photographie en París, en 1855 con vistas de los Pirineos y en 1857 con vistas del Dauphiné de 1855 en papel negativo, un castillo de Savigny de 1856 en colodión seco, un caballo según la naturaleza en colodión húmedo.

    El nacimiento de un hijo en 1859, la gestión de sus tierras, los viajes y sobre todo la evolución de los procesos fotográficos a partir de 1860 lo desviaron definitivamente de su práctica. En 1872, después de haber vendido su castillo de Grand-Vaux en Savigny-sur-Orge, adquirió el de Lamorlaye, cerca de Chantilly, donde disfrutó de su pasión por los caballos lo que le llevó a ser uno de los promotores de las carreras ecuestres y la cría de caballos de carreras pura sangre de origen inglés.

    Muchas de sus fotografías están en la ahora famosa colección de la Duquesa de Berry.

    Referencias

      Libros

      • Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI, 2013.
      • Eclats d'histoire, 2003.
      • Album des Pyrénées.

      miércoles, 23 de mayo de 2018

      Algirdas Seskus

      Algirdas Šeškus es un fotógrafo lituano (nacido en Vilna en 1945) es considerado en textos de historia de la fotografía como uno de los máximos representantes de la etapa de ruptura en la fotografía lituana con la cultura soviética.

      © Algirdas Šeškus

      © Algirdas Šeškus

      Biografía

      Algirdas Šeškus estudió en la Escuela de Arte de Vilna desde 1968 hasta 1970. Más tarde completó un curso de cinematografía en Moscú, y luego trabajó como operador de televisión y radio para la televisión lituana desde 1979 hasta que se jubiló. Su contacto inicial con la fotografía en 1975 tuvo lugar cuando supo que necesitaría llevar diez fotografías a una entrevista de trabajo para el puesto de camarógrafo en el único canal de televisión en la Lituania soviética. Entró a trabajar aunque nadie miró las imágenes, pero la cámara que compró para esto le mostró un mundo nuevo, y continuó fotografiando durante la próxima década.

      En el clima silencioso de los años 70 y 80, las imágenes que estaba haciendo no obtuvieron demasiado reconocimiento: eran demasiado informales, mal hechas y desenfocadas para ser tenidas en cuenta por la escuela establecida de fotografía lituana soviética de la época. Junto con un puñado de otros fotógrafos, gravitó hacia un enfoque más documental y sus imágenes eran como una película oculta que se puede trasladar a los diferentes niveles de vida, a los simples momentos cotidianos, erotismo, torpeza, misterio, miedo, soledad, pero también y lo que es más importante, una imagen puede tenerlos a todos, y esto lo posiciona como un observador y él como artista en otro nivel. Sus fotografías son composiciones indistintas, borrosas y desordenadas; imágenes sin tonos, suaves y reducidas con contenido poco atractivo.

      Šeškus solía hacer fotografías cuando estaba detrás de la cámara de televisión o encontraba un lugar en la ciudad que le brindaba un telón de fondo y acción. En 1985, abandonó la fotografía, primero pasando al arte visual, donde la censura había disminuido un poco y encontró una mayor libertad, y más tarde a una práctica que evitaba por completo los aspectos formales del arte.

      Šeškus fue objeto de una gran retrospectiva en la Galería Nacional de Arte de Lituania y comenzó a fotografiar nuevamente en 2010, publicando tres volúmenes de sus casi desconocidos archivos fotográficos de la década de los 70: Žaliasis tiltas (Puente verde), Archives (Pohulianka) y Meilės lyrika (Líricas de amor). También ha expuesto TV en el Centro de Arte Contemporáneo de Vilna y en el documenta14 en Kassel y Atenas, Archives (Pohulianka). Photographs and Prints 1975–1983 en Vilna en 2010, Lyrics of Love en Londres en 2012 y Variations in shades of grey en Le Château d’Eau, Toulouse, Francia en 2013. En 2014 fue galardonado con el Premio Nacional Lituano de Cultura y Arte.

      Su trabajo ha influido en muchos fotógrafos de la antigua Unión Soviética, incluidos Boris Mikhailov, Alfonsas Budvytis, Vytautas Balcytis, Remigijus Pacesa y Gintaras Zinkevicius.

      Referencias

      Libros

      • Žaliasis tiltas (Puente verde). 2009.
      • Archives (Pohulianka). 2010.
      • Meilės lyrika (Líricas de amor).
      • Variacija buvimo išorėje tema (Variación exterior del tema).
      • Šamanas (Chamán).
      • Šeškus. Grey, but not Grey, 2014.

      martes, 22 de mayo de 2018

      Rafael Señán

      Rafael Señán fue un fotógrafo español (nacido en 1864 en Ciudad Real, fallecido en 1911 en Granada) que creó en Granada un singular estudio especializado en la fotografía turística. Este negocio ofrecía a los visitantes de la Alhambra todo tipo de recuerdos fotográficos de los principales monumentos andaluces, así como postales y el genuino retrato árabe, para el que los turistas se disfrazaban ante la cámara como el propio Boabdil.

      Rafael Señán

      Rafael Señán

      Biografía

      Rafael Señán González se trasladó muy joven a Granada, ciudad en la que se formó profesionalmente junto a fotógrafos de la talla de Escudero y Rafael Garzón Rodríguez, con el que crearía un singular estudio especializado en fotografía  turística, en el que ofrecieron entre los años 1898 y 1901 , además de postales de la Mezquita de Córdoba, la Alhambra de Granada y escenas de la Sevilla de finales del XIX, retratos árabes, en los que los turistas se disfrazaban para la cámara con los atuendos propios. Esta relación terminó en competencia, con estudios de ambos puerta con puerta.

      Pero esta actividad le reportó un gran éxito, gracias al cual pudo abrir otro estudio en Córdoba también con decorados imitando a patios de los palacios nazaríes, que regentó su esposa, Nicasia Aldeondo, y que luego continuó su hija hasta el comienzo de la Guerra Civil española.

      Señán editó cientos de postales diferentes de zonas, tipos y monumentos de Córdoba, Granada, Málaga, Ronda, Sevilla y también Tánger, además de imágenes de plazas, calles y monumentos, también realizó fotografías de la vida cotidiana y las de aquellos primeros turistas, atraídos por las historias contadas por los escritores románticos del siglo XIX sobre Granada y la Alhambra, que querían llevarse a su país un recuerdo en el que ellos mismos eran los protagonistas, ataviados como cortesanos de la corte nazarí y fotografiados por Señán en su estudio, en el que simulaba los patios de la Alhambra.

      A lo largo de su carrera fue reconocido con el Premio de la Exposición de El Cairo de 1895, Diploma de Honor en la Exposición de Granada de 1905, la Medalla al Mérito de la Sociedad Científica Europea o el Primer Premio de la Exposición de Santander de 1906. En 1904 se le concedió el título de fotógrafo de cámara de Alfonso XIII, honor que le permitía incluir el escudo de la Casa Real en los cartones de sus retratos.

      En 2009 la Fundación CajaSur organizó la exposición Postales andaluzas. Rafael Señán y la fotografía turística (1864-1911), celebrada en el Palacio de Viana de Granada, que reunió una selección de más de 200 fotografías procedentes en su mayoría del archivo de 1.332 placas originales del fotógrafo, que desde 1989 forma parte del Archivo Histórico Fotográfico CajaSur, completada con valiosas fotografías de época, postales, objetos y cámaras de este gran fotógrafo andaluz.

        

      Referencias

      Libros

      lunes, 21 de mayo de 2018

      Salvador Obiols

      Salvador Obiols es un escritor y fotógrafo catalán (nacido en 1940 en Sant Boi de Llobregat, Barcelona, vive en Viladecans) que inició su actividad fotográfica en la década de los 70, dándose a conocer en salones fotográficos y cosechando un gran número de premios en aquellos de corte más vanguardista.

      © Salvador Obiols

      © Salvador Obiols

      … la fotografía secciona una fracción de espacio y de tiempo para congelarla dentro del álbum de los recuerdos. A partir del momento en que se abre el obturador de una cámara fotográfica para dejar paso a la luz, la imagen impresionada en  la emulsión fotográfica ha pasado a ser un recuerdo de aquello que ya no es, o de aquello que ha pasado  y que por tanto es irrepetible.

      Biografía

      Salvador Obiols formó parte del Grup 10 × 4 y colaboró, de 1977 a 1980, en la conocida revista Nueva Lente, creada por Pablo Pérez Mínguez y Carlos Serrano en 1971., publicando trabajos de información y de opinión relacionados con la fotografía. Fue cofundador y director de revistas especializadas como La Cortinilla y La Fotografía, de 1988 a 1991,  y combinó estas actividades con la docencia, dando clases de técnicas de fotomontaje, fotografía manipulada e historia y teoría de la imagen.

      Además de profesor de fotografía, ha sido conferenciante y jurado. Especializado en fotomontajes, entre 1975 y 1980 trabajó en temáticas que expresaban un compromiso social y político. De 1980 a 1986 en una fotografía inspirada en obras poéticas propias y de otros autores. Ha visto sus fotografías publicadas en anuarios, revistas, libros, prensa y revistas de fotografía.

      Ha escrito también ensayos sobre la historia de la fotografía en Cataluña, así como narrativa y poesía combinada con fotografía. Destacan sus trabajos fotográficos Cementiri de Sinera, que fue objeto de exposición, audiovisual y libro, con interpretaciones fotográficas de los poemas de Salvador Espriu realizadas dentro del cementerio de Arenys y que se mostró en diferentes puntos de Cataluña y del estado, siendo cedido en propiedad a la Fundación Salvador Espriu, de Arenys de Mar. Dio ocasión al catálogo Exposición Homenaje en 1980 y al libro Cementerio de Sinera, de Salvador Espriu en 1988.

      Realizó desde 1973 diversas exposiciones individuales, mostradas por todo el estado, como El armario de los sueños en Pamplona en 2004 y Guadalajara en 2005, y colectivas mostradas por todo el estado y por el extranjero.

      Durante su trayectoria como fotógrafo entre 1971 y 1986 cosechó cerca de 400 premios, destacando Cataluña en Blanco y Negro en 1976, Luis Navarro en 1976 y 1988, La cañaílla de Oro en 1976, el Bergantín de Plata en 1972, Creu de Saba y Gardencha de Oro en 1974,  entre otros.   

      Sus libros de poesía Mariner sense pau y L'altra riba queda lluny han conseguido el Premio Miquel Peris Segarra en 2007 y 2018. Entre 2004 y 2018 ha obtenido 93 premios en certámenes literarios de poesía y narrativa breve.



      Referencias

          Libros

          • Catalunya en blanc i negre, 1992.
          • Catalunya, imatges d’un temps, 1993.
          • Mariner sense pau, (poesía) 2007.   
          • Llanca`t mar endins, (poesía) 2009.
          • El neguit i la joia, (poesía) 2010.
          • Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI, 2013.
          • L'altra riba queda lluny, (poesía) 2018.

          domingo, 20 de mayo de 2018

          Alejandro Massari

          Alejandro Massari fue un fotógrafo italiano (fallecido en 1876) que perteneció al grupo de fotógrafos extranjeros que se establecieron en el sur de España durante los primeros años de la fotografía, atraído por la cultura y las costumbres del país. Se estableció en Sevilla, donde abrió un estudio hacia 1855. Se dedicó al retrato y a la fotografía de calle, y trabajó con el daguerrotipo, la albúmina y el papel a la sal impresionado a partir de negativo de colodión húmedo. También realizó fotografías estereoscópicas.

          Trozo de los antiguos muros romanos cerca de la Puerta del Osario. Sevilla. Alejandro Massari

          Trozo de los antiguos muros romanos cerca de la Puerta del Osario. Sevilla. Alejandro Massari

          Biografía

          Alejandro Massari fue un fotógrafo de origen italiano, que perteneció al grupo de fotógrafos extranjeros que se establecieron en el sur de España durante los primeros años de la fotografía. Tal y como lo hicieran Jules Beauchy, Luis León Massón o Leygonier, Massari llegó a España atraído por la cultura y las costumbres del país.

          Se estableció en Sevilla en el año 1853, ejerciendo el arte de la fotografía durante veinte años principalmente el retrato y a la fotografía de calle. En su primera etapa se asoció con el fotógrafo francés Georges, empleando la técnica del daguerrotipo, aunque por un escaso periodo de tiempo que no llegó a un año. Posteriormente trabajó en solitario, empleando la albúmina y el papel a la sal impresionado a partir de negativo de colodión húmedo para sus fotografías, junto a sus vistas estereoscópicas sobre cristal o papel, cartas de visita y diferentes álbumes en gran formato de paisajes y monumentos de la ciudad.

          Massari contaba con gabinete propio y solía exponer sus obras en el Establecimiento de Música del sr. Tabernes. Su publicidad era habitual también en la prensa de la época. En enero y febrero de 1859 vendería a la casa de Antonio de Orleans, Duque de Montpensier, dos lotes de 25 y 58 fotografías. Aunque es probable que se tratase de ejemplares repetidos, evidencia la posesión de un archivo de cierta envergadura que pudiera haber sido iniciado años atrás. Animado por esta operación, Massari compondría dos meses después un álbum «de las principales vistas de Sevilla», y lo dedicaría al propio Duque, enviándole uno de los ejemplares lujosamente encuadernado. Es posible que este ejemplar contuviera toda o buena parte de su repertorio comercial del que no se conoce sino ejemplos fragmentarios, pero fue robado.

          Su obra se expuso en la muestra-homenaje dedicada a los pioneros de la fotografía celebrada en el Museo Nacional d’Art de Catalunya durante la Primavera Fotogràfica de Catalunya en 2004. Una de sus fotografías (Sevilla. Trozo de los antiguos muro romanos cerca de la Puerta del Osario) aparece reproducida en el catálogo de dicha exposición. Esta obra está disponible en la Biblioteca Virtual del Patrimonio Bibliográfico y su original se encuentra en el Fondo Fotográfico de la Fundación Universitaria de Navarra (FFF).

          Referencias

          Libros

          • Censo de fotógrafos del siglo XIX en Sevilla, Sevilla 1842-1900: sus fotógrafos, 1985.
          • De París a Cádiz: calotipia y colodión, 2004.
          • Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI, 2013.

          sábado, 19 de mayo de 2018

          Pedro Luis Ajuriaguerra

          Pedro Luis Ajuriaguerra es un fotógrafo vasco (nacido en 1974 en Muskiz, Bizkaia) que compagina la fotografía artística, especialmente la de arquitectura, con la deportiva, con un énfasis especial en el boxeo, viendo publicadas sus fotos en prensa y consiguiendo numerosos premios en prestigiosos concursos internacionales.

          PedroLuisAjuriaguerra

          © Pedro Luis Ajuriaguerra

          Biografía

          Pedro Luis Ajuriaguerra Saiz es un fotógrafo autodidacta que comenzó su andadura fotográfica allá por el año 2011 descubriendo una pasión que le era desconocida hasta entonces. Sus inicios inquietos le han hecho probar casi todas las disciplinas de la fotografía, encontrándose actualmente inmerso tanto en la fotografía de arquitectura artística como en la deportiva.

          Actualmente trabaja a tiempo parcial como fotógrafo freelance y sus trabajos profesionales están enfocados a la fotografía deportiva, con un interés especial en el boxeo, haciendo colaboraciones con revistas como el Magazine BAO Bilbao, Bilbao Turismo, Bilbao Bizkaia Tour Magazine  y con diferentes promotoras deportivas como MGZ Promotions, Euskobox, etc., y sus fotografías se publican en medios deportivos como As y Marca.

          En el ámbito concursístico, que comenzó en 2012, ha tenido una rápida progresión, participando en numerosos salones y asociándose en la  Asociación Fotográfica Zuri-Beltza de Bilbao desde 2013, la Federación de Agrupaciones Fotográficas Vascas (EHATE), la Confederación Española de Fotografía (CEF) desde 2014 , Federación Internacional de Asociaciones Fotográficas (FIAP) desde 2014 y en  la Sociedad  Fotográfica de América (PSA) desde 2015, consiguiendo las distinciones Excelencia FIAPMaestro CEF/bronce y PSA PJD*** y Who´s who Top 2 en 2015 y Top 4 en 2016 en Fotoperiodismo en la PSA.

          Es invitado como jurado en importantes concursos internacionales en China, Irlanda y España y ha logrado más de 100 premios en diferentes salones fotográficos internacionales, entre los que podemos citar:

          • 1º premio en la categoría Paisajes urbanos en el concurso 35 International Photography Awards en Rusia en 2018.
          • 2º y 3er en la categoría Profesional Deportes de cancha en el IPA INTERNATIONAL PHOTOGRAPHY AWARDS™ de 2017 en California.
          • Primer premio en el LifePressPhoto GOLD Medal en la categoría de Deportes en Ucrania.
          • Medalla de oro FIAP en la categoría Viajes en el Balkan Dream de 2017 en Serbia.
          • Mejor autor del Circuito Internacional Gran Tour delle Colline en 2017 en Italia.
          • Ganador Región EMEA del CBRE Urban Photographer of the Year en 2016 en Nueva York.
          • 2º puesto categoría Deporte en el PDN Adrenaline Photography Contest en 2017 en Nueva YorkSA.
          • 2 fotografías Comended en los Sony World Photography de 2017 en Londres en la categoría Motion.
          • 4 fotografías Comended en los Sony World Photography de 2016 en Londres en las categorías Split seconds y general.
          • Mejor Foto de Boxeo del año 2015 para la revista especializada Espabox.
          • Finalista HIPA en 2014, 2015 y 2016 en Dubái.
          • 1er puesto Golden Camera en 2015 en categoría Amateur Ensayo fotográfico en Kiev.

          Referencias

          viernes, 18 de mayo de 2018

          Gonzalo Azumendi

          Gonzalo Azumendi es un fotógrafo vasco especializado en viajes. Además de trabajar para las más prestigiosas publicaciones, ha fotografiado más de 15 años corriendo de un lado a otro del mundo documentando los lugares más recónditos del Patrimonio Mundial para la UNESCO. También ha realizado expediciones a tierras lejanas, a altas montañas y buscando ciudades perdidas en más de un centenar de países. En sus fotos destaca un enorme interés por el ser humano. Sus señas son el color, la alegría, el misterio … y el humor.

          Ses Salines Beach. Sant Josep de Sa Talaia. Ibiza Island. Balearic. Islands. Spain © Gonzalo Azumendi

          © Gonzalo Azumendi

          Mi cámara es prolongación de mi cuerpo, conectada a mi vista por mi mano. Es como un implante exitoso de lo único que me faltaba para ser un mutante, un fallido súper-héroe de la Marvel, que solo tengo sentido para mí mismo cuando desempeño el papel para el que fui diseñado: Fotografiar.

          Biografía

          Gonzalo Martínez Azumendi empezó amando primero la montaña. Era escalador y alpinista, la montaña era su obsesión y su pasión. Y así empezó a hacer fotografías, sin saber por qué. Solo por guardar recuerdos de aquellas experiencias y porque era el menos atlético de la cuadrilla y le venía bien detenerse para documentar aquellas sus primeras travesías alpinas, fascinado por la épica y el romanticismo, los grandes paisajes y la insignificante presencia humana. El viaje era parte de descubrir montañas y aprendió a documentarlo hasta que la pasión por la fotografía desbordó todo. Y todo se hizo una unidad y cobró sentido.

          Se licenció en psicología pero, en 1984, siendo un fotógrafo novato, tras un incidente en la guerra de la pesca entre Francia y España, en que un pesquero español había sido ametrallado por los guardacostas franceses, se embarcó en otro barco para documentar la situación y les cogió el tremendo ciclón “Klaus” en medio del mar. Eso sirvió para que publicara su primer artículo en prensa y para que después de citas culturales, noches de conciertos o de espectáculos, de obras de teatro minoritarias pero muy comprometidas, de portadas de discos de Silvio Rodríguez o Radio Futura, llegó a los viajes, convirtiéndose en un reconocido fotógrafo freelance internacional que publica artículos y portadas en los mejores medios especializados en viajes.

          Azumendi atesora una enorme trayectoria profesional de más de 30 años, habiendo participado en diversos proyectos editoriales como el libro oficial de El Canal de Panamá, otro sobre Bolivia financiado por su gobierno, Camino de Santiago, Marruecos ... e innumerables  Guías de Viaje. Durante más de 15 años, ha trabajado de un lado a otro del mundo, en más de cien países, documentando el Patrimonio Mundial para la UNESCO.

          Ha participado en la ilustración de más de 500 libros de diferente temática, y exposiciones, conferencias y cursos, para un gran número de certámenes y entidades y de forma regular en el CFC, Centro de Fotografía Contemporánea de Bilbao. Ha expuesto sus fotografías en muestras individuales y colectivas como Getxophoto, Santander Photo, Círculo de Bellas Artes de Madrid, ...

          Siempre dispuesto a nuevos retos, acaba de inaugurar su canal en Youtube, dónde podéis conocerle luchando por las mejores fotos en situaciones un tanto surrealistas. En 2018 ha expuesto Cuento de hadas en la World Gallery de B The Travel Brand Xperience en Madrid, con el apoyo de LaChrome, partner en producción de Instagramers Spain.También es un gran orador que narra sus experiencias con sinceridad, alegría y humor, en talleres sobre Fotografía de Viajes, y también ha realizado campañas para Swatch, Omega, Nike, Panama Jack, … además de promociones turísticas para diversos países.

          Referencias

          jueves, 17 de mayo de 2018

          Mario von Bucovich

          Mario von Bucovich fue un fotógrafo austriaco (nacido el 16 de febrero de 1884 en Pula, Istria, fallecido el  30 de noviembre de 1947 en Ciudad de México) que supo captar en sus libros sobre Berlín, París, Manhattan, Washington, …,  la esencia de estas ciudades cosmopolitas llenas de promesas de futuro, huyendo del tradicional inventario fotográfico de los monumentos de la ciudad que hasta el momento venían siendo los libros de fotografía, consiguiendo un espacio de creación independiente, con su lógica y su arquitectura propias, a través del control de elementos como la tipografía, la maquetación o la dimensión específica que quería dar a su trabajo publicado.

          Berlin, 1928. Mario von Bucovich

          Berlin, 1928. Mario von Bucovich

          Biografía

          Marius Freiherr von Bucovich era hijo de madre griega y de un capitán de corbeta de la marina austro-húngara y posteriormente empresario ferroviario. Creció en Viena y estudió matemáticas y mecánica en el Instituto Federal Suizo de Tecnología en Zúrich, estudios que continuó en Nancy en Francia. De 1908 a 1909 estudió ingeniería eléctrica mecánica en Technikum Mittweida en Sajonia. Sin embargo su familia esperaba que tuviera una carrera militar y consideró también que su matrimonio era inaceptable, así que Bucovich se fue a Nueva York a fines de 1909 con su esposa, donde inicialmente encontró empleo como trabajador no calificado de baja remuneración en Otis Elevator Company en Nueva York, que le trasladaría en 1911 a San Petersburgo, donde se encargó por su cuenta de la lucrativa venta de maquinaria agrícola. En 1914 fue deportado a Siberia como enemigo extranjero , pero pudo huir y regresar a San Petersburgo. Desde 1918 se dedicó a la repatriación de deportados en Siberia, una labor muy difícil debido a la guerra civil rusa.

          En los años siguientes Bucovich trabajó en el comercio de arte y antigüedades y se instaló en Berlín, donde en 1925 se hizo cargo del estudio fotográfico de Karl Schenker, fotografiando durante esta época a celebridades, actores y actrices de cine, como Marlene Dietrich y Elisabeth Bergner, bailarines como Leni Riefenstahl (en su época de bailarina) y atletas, realizando también desnudos. A finales de los años 20, sus fotografías ya habían aparecido en toda la gama del periodismo fotográfico alemán, como en Der Querschnitt, Uhu, Die Dame, Die neue Linie, Das Magazin, Skizzen, Welt-Magazin, Kölnische Illustrierte Zeitung, Revue des Monats, Deutscher Kamera Almanach, Die Reklame, Der Photo-Freund,

          Cuando llegó a España a comienzos de la década de los 30, ya gozaba de un reconocido prestigio como autor de sus libros París y Berlín. En España fotografió las ciudades de Madrid, Zaragoza, Girona (algunas de estas fotos fueron publicadas en la revista National Geographic) y Barcelona, antes de establecerse en Palma de Mallorca en 1932.

          En 1936 se trasladó a Nueva York, ciudad a la que dedicó otro de sus libros monográficos por los que hoy se le recuerda, Manhattan Magic, antes de establecerse en Ciudad de México en 1939, donde experimentó con el color en uno de sus últimos trabajos, su serie sobre México, México lindo (1940), y donde moriría en 1947 en un accidente de tráfico.

          Su trabajo se exhibió en los principales salones de fotografía de la época, como en la Fourth International Exhibition of Pictorial Photography en el Palacio de la Legión de Honor de California, la Third International Exhibition of Pictorial Photography Seattle Camera Club y los 15º y 16º Annual Pittsburgh Salon of Photographic Art en el Carnegie Institute.

          Se tiene constancia de dos exposiciones durante su estancia en España: en la Galería Costa de Palma de Palma de Mallorca en 1932, y en la Galería Catalunya de Barcelona en 1933. Más recientemente, Berlín ha estado expuesta en la colectiva Sospechosos. Flâneur en Berlín en Casa Sin Fin de Madrid en 2013. En España, su obra se conserva en las colecciones del Arxiu Fotogràfic Jeroni Juan Tous en Palma de Mallorca y en el Museu de Mallorca, además de en las colecciones del  New Orleans Museum of Art, el Museo Nacional de Arte Mexicano y la National Gallery of Canada

          Referencias

          Libros

          • Berlín, Das Gesicht der Stadt, 1928.
          • Paris, 1928.
          • Viaje a Ibiza, 1934.
          • Washington, D.C., City Beautiful, 1936.
          • Manhattan Magic, 1937.
          • Oaxaca, 1942.
          • Berlin 1928. Portrait d’une ville, 1994.
          • Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI, 2013.
          • Berlin in den 1920ern, 2016.

          miércoles, 16 de mayo de 2018

          Arif Asçi

          Arif Asçi es un fotógrafo turco (nacido en 1958 en Adana, vive en Estambul) en cuyo trabajo las ciudades (principalmente Estambul) se convierten en imágenes en las que el movimiento se transforma en pausa y, en esa quietud, revela superficies de acción y proyección a lo largo de las actividades de la vida cotidiana.

          © Arif Asçi

          © Arif Asçi

          Biografía

          Arif Asçi estudió en la Academia de Bellas Artes de Estambul, donde trabajó posteriormente como instructor en grabado durante 2 años. En 1986 comenzó a viajar por Asia y empezó a hacer fotografía, trabajando en 1989 en la serie documental Turkuaz de 12 episodios para televisión resultante de sus 3 años de viajes previos.

          Después siguió viajando y realizando series documentales fotográficas. Entre 1996 y 1997 planeó y realizó la expedición Ruta de la Seda realizada por un grupo de 4 personas en una caravana de camellos desde China a Turquía y que duró 18 meses, dando como resultado su libro The Last Caravan On The Silk Road y la exposición Silk Road en el Visa pour l’Image Photojournalism Festival de Perpiñán en 2000 y en la Octoberfest de Múnich en 2003.

          Ha realizado diversos proyectos de fotografía como capturar Estambul con una cámara panorámica 6x17 para captar su esencia y personalidad y ha expuesto su trabajo en Turquía e internacionalmente. Está representado por la agencia holandesa TCS (The Cover Story Photostories y ha publicado en revistas como Geo, Grands Reportages, Holland Herald, Res,Terra, VSD, Expressen, etc.

          Referencias

          Libros

          • Istanbul Panorama, 2010
          • The Birds of Istanbul, 2010
          • The Street Dogs of Istanbul, 2010
          • The Street Cats of Istanbul, 2010
          • Arif in Seoul, 2009
          • The Last Caravan On The Silk Road (Edición para Corea), 2008
          • Bahtabakan (Chameleon), 2002
          • The Last Caravan On The Silk Road, 1998.

          martes, 15 de mayo de 2018

          Nacho Gil

          Nacho Gil es un fotógrafo madrileño (nacido en 1960) que ha encontrado en la fotografía urbana su pasión. La ciudad es su escenario y las personas su paisaje. Disfruta deambulando por los barrios de la capital de España para que éstos le regalen sus mejores estampas, con sus vecinos como protagonistas y sus pequeños comercios como telón de fondo, que las hacen intemporales.

          © Nacho Gil

          © Nacho Gil

          Busco entre la multitud las historias que esconde la ciudad.

          La multitud es su elemento, como el aire para los pájaros y el agua para los peces. Su pasión y su profesión le llevan a hacerse una sola carne con la multitud. Para el perfecto flâneur, para el observador apasionado, es una alegría inmensa establecer su morada en el corazón de la multitud, entre el flujo y reflujo del movimiento, en medio de lo fugitivo y lo infinito. Estar lejos del hogar y aun así sentirse en casa en cualquier parte, contemplar el mundo, estar en el centro del mundo, y sin embargo pasar inadvertido —tales son los pequeños placeres de estos espíritus independientes, apasionados, incorruptibles, que la lengua apenas alcanza a definir torpemente.

          Charles Baudelaire

          Biografía

          Nacho Gil no tuvo contacto serio con la fotografía hasta el año 2012. Tenía su trabajo pero buscaba una vía de escape al estrés y dejar más espacio a la creatividad, lo que le llevó a salir a hacer fotos. Después de unos meses de noviazgo, la fotografía le enganchó y empezó a salir casi a diario con su cámara. Lo que había comenzado siendo un simple ejercicio diario terminó, dos años después, con una comunidad de más de 50.000 personas en Facebook y un primer proyecto de micromecenazgo, con el que pudo publicar su primer libro Callejeando Madrid  y producir una primera exposición en la escuela Lens, donde realizó parte de su formación como fotógrafo.

          En 2015 comenzó su segundo proyecto, Madrid Street Photography, más personal. A través de su nueva página en Facebook, Madrid Street Photography empezó a compartir cada día 1 foto de las que iba haciendo al pasear sin rumbo por su ciudad, y el número de seguidores comenzó a crecer como la espuma, hasta superar los 32.000 en apenas dos años. En 2017 publicó su segundo libro Flâneur gracias también al micromecenazgo a través de Verkami. En 2018 realizó su segunda exposición individual en el espacio World Gallery de B The Travel Brand Xperience  con una selección de 33 fotografías de su libro Flâneur.

          La calle es para él un lugar de encuentro en el que permanentemente están sucediendo cosas que le gusta explorar. Se siente como un “Flâneur", disfruta de sus paseos, se mueve entre la multitud y observa. Vive la experiencia con pasión y cuando lleva varios días sin salir con su cámara nota que le falta algo. Ha descubierto que necesita volver una y otra vez a esos lugares y seguir mirando, cada vez con más detalle, cada vez más profundamente. En sus lecturas y en su formación como fotógrafo le habían hablado de la luz, pero ha sido en la calle donde ha descubierto su importancia y lo que aporta en la visión de ese universo, en la construcción de una u otra historia. Es en la calle y, a través de la fotografía, donde descubre algunas de sus limitaciones, donde aprende a superarlas y es el la calle donde descubre el entorno en el que vive.

          Referencias

          Libros

          lunes, 14 de mayo de 2018

          Donigan Cumming

          Donigan Cumming es un artista multimedia (nacido en 1947 en Danville, Virginia, EEUU, vive en Montreal, Quebec, Canadá) que utiliza fotografía, video, dibujo, sonido y texto en documentales experimentales, collages, instalaciones y libros. Ha participado en festivales y exposiciones canadienses e internacionales relacionados con temas del cuerpo, la verdad versus ficción, los tabúes de la representación y el compromiso social.

          Cumming_022, 5/30/13, 2:24 PM, 16G, 4440x5960 (1081+1278), 75%, Custom,  1/50 s, R42.6, G26.5, B50.1

          © Donigan Cumming

          Biografía

          Donigan Cumming estudió en la Florida State University en Tallahassee, Florida, y completó un master en la Universidad Concordia de Montreal, Quebec, en 1985. Utiliza fotografía, video, pintura, dibujo, sonido y texto en obras de arte multimedia e instalaciones que han sido ampliamente exhibidas en Europa, Asia y América del Norte. Su trabajo es reconocido internacionalmente por su representación directa y compasiva de la humanidad y de sus miembros más olvidados.

          Sus trabajos en video, que comenzaron en 1995 y que reúnen documentos visuales, cine directo y animación, han sido proyectados en los principales festivales y museos, incluido el Museum of Modern Art de Nueva York, el Festival Internacional de Cine de Rotterdam, el Pacific Film Archive de Berkeley, EEUU y el festival de cine documental Visions du Réel en Suiza. En 2017, el Centre Culturel Canadien de París presentó sus tres últimos trabajos en una Soirée spéciale Donigan Cumming. Su video más reciente, Las 7 maravillas del mundo, se estrenó en la edición de 2018 del Rendez-vous Québec Cinéma.

          Su libro The Stage forma parte de tres importantes colecciones: la Maison européenne de la photographie de París, el Musée National des Beaux-Arts de Montreal, en el Canadian Museum of Contemporary Photography de la National Gallery of Canada en Ottawa, y es reconocido como un fotolibro clave en las principales antologías. En 2017, fue finalista del prestigioso Premio de Fotografía Scotiabank.

          Además de en estas colecciones, su obra forma parte también de las del Museum of Modern Art en Nueva York, el Musée de L'Élysée en Lausana, el Museum of Contemporary Art de Los Angeles y de museos nacionales de Bélgica, Canadá, Dinamarca, Francia, Alemania, Suiza, el Reino Unido y los EEUU.

          De una residencia realizada en el Centro VU en Quebec resultó en Kincora, un gran conjunto de dibujos impresos en inyección de tinta y exhibidos en VU y La Galerie Éric Devlin en 2008.

          Sus principales exposiciones individuales incluyen Reality and Motive in Documentary Photography en Nueva York y París, en 1986, The Mirror, the Hammer and the Stage en Chicago en 1990, Pretty Ribbons en Arles en 1994, Harry's Diary en Nueva York en 1994, Les Pleureurs en París en 1995, La Répétition en Lausana en 1996, Barber's Music en Ottawa en 1999, Moving Stills en Montreal en 1999 y en Rotterdam en 2000, Gimlet Eye en Cardiff en 2001, Donigan Cumming: La somme, le sommeil, le cauchemar en Le Mois de la Photo en Paris en 2006, etc.

          Referencias

          Libros

          • Donigan Cumming: Reality and Motive in Documentary Photography, 1986.
          • Diverting the Image, 1993.
          • Pretty Ribbons, 1996.
          • Continuité et rupture : 5 bandes de Donigan Cumming / Continuity and Rupture: 5 Tapes by Donigan Cumming, 1999.
          • Continuité et rupture, 2000.
          • Gimlet Eye, 2001.
          • La somme, le sommeil, le cauchemar, 2006.
          • Splitting the Choir: The Moving Images of Donigan Cumming, 2011.
          • Coming Through the Fog, 2012.
          • Monographie, 2012.
          • The Stage, 2014.

          Libros de artista

          • The Stage, 1991.
          • Lying Quiet, 2004.
          • Kincora, 2008.
          • Pencil, Ashes, Matches & Dust, 2009.
          • Kerr's Suitcase, 2015.

            domingo, 13 de mayo de 2018

            José Caruncho

            José Caruncho es un fotógrafo gallego (nacido el 24 de septiembre de 1953 en A Coruña) cuya obra es un archivo en formato analógico de paisajes, personas, naturaleza y costumbres gallegos, envueltos en una atmósfera de calma propia de otro tiempo, con una elegancia misteriosa que muestra la belleza de lo que le rodea.

            JoseCaruncho

            Jaime Quintanilla © José Caruncho

            Biografía

            José Caruncho estaba predestinado a la fotografía: su padrino era el fotógrafo pictorialista Inocencio Schmidt de la Heras y su abuelo, José Vázquez Paz,  fue también un gran aficionado a la fotografía que dominaba varios de los procedimientos pigmentarios como el carbón, la goma bicromatada y las tintas grasas, procedimientos que le enseñó a hacer a Schmidt, el cual llegó a ser un maestro indiscutible en estas técnicas. Su familia y Schmidt vivían en el mismo edificio y ya de pequeño se recuerda con cámaras y siempre pensaba que algún día él también haría fotografías.

            Curiosamente Schmidt heredó todo el material de su abuelo y cuando él murió José lo volvió a heredar, aunque actualmente sólo sigue conservando alguna de ellas, y, sobre todo, un objetivo Goerz-Dagor de 1897 que utiliza en su cámara de gran formato. Aunque Schmidt le regaló a los trece años una cámara Kodak Browie, no empezó a hacer fotografías en serio hasta los diecinueve años, cuando con unos ahorros se compró una cámara de 35 mm.

            Al terminar el bachillerato empezó a preparar oposiciones para la administración y la banca,y entró a trabajar en la Société Générale de Banque en España. Estuvo allí durante 13 años, pero manteniendo su ilusión de dedicarse profesionalmente a la fotografía. Además de la formación de Schmidt, pasó sus primeros años de aprendizaje leyendo toda la información que caía en mis manos sobre técnicas fotográficas: revistas y libros técnicos y de grandes fotógrafos, experimentando con reveladores y viradores, y, presentándose a un sinfín de concursos fotográficos, tanto nacionales como internacionales.

            En 1982, acudió a la feria de fotografía Photokina en Colonia (Alemania) y quedó impactado por una serie de exposiciones que le influyeron de manera decisiva. En 1982 emprendió un proyecto personal sobre los parques nacionales de montaña con cámaras de medio y gran formato (9×12 cm y 13×18 cm) y al año siguiente inició un trabajo de documentación de los Espacios Naturales protegidos de Galicia para la Xunta, así como distintos reportajes sobre la Galicia rural y diferentes rincones naturales de la región. Los comienzos de su colección de retratos de artistas, músicos y gente sencilla de estas zonas rurales, que posan ante su cámara con dignidad y humanidad, datan de 1984.

            En 1990  dejó su trabajo en el banco y se dedicó de lleno a su trabajo como fotógrafo profesional, donde ha cultivado el retrato, el paisaje y el bodegón, compaginando su actividad con la docencia, impartiendo cursos durante la II Fotobienal de Vigo, los II y III Encontros da Imagem de Braga (Portugal), en la Escuela de Imagen y Sonido y en el Museo de Bellas Artes de La Coruña.

            Su obra ha sido mostrada en numerosas exposiciones, entre las que destacan la celebrada en 1985 en la Sociedad Fotográfica de La Coruña, en 1988 en la Posada del Potro de Córdoba, en 1990 en el Institut d’Estudis Fotogràfics de Catalunya en Barcelona, en 2003 en el Instituto Europeo del Diseño en Madrid, Barcelona y Milán y en 2007 en la Verve Gallery of Photography de Santa Fe en Nuevo México, EEUU.

            Su trabajo forma parte de colecciones públicas y privadas como las del Ayuntamiento de La Coruña, el Concello da Cultura Galega, el Centro Galego de Artes da Imaxe, la Casa de los Peces y el Museo Arqueológico de La Coruña, la Verve Gallery of Photography de Santa Fe y el Harry Ransom Humanities Research Center de la University of Texas en Austin, entre otras.

            Referencias

            Libros

            • Positivado en branco e negro: (sistema de zonas), 1987.
            • Rocas del tiempo, 1993.
            • Schmidt de la Heras, con Xosé Luis Cabo, 1999.
            • Muros: alma mareira, con Luis Rei Núñez, 2002.
            • Homenajes, 2007.
            • Olladas do silencio, 2009.
            • Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI, 2013.

            sábado, 12 de mayo de 2018

            Olivia Bee

            Olivia Bee es una fotógrafa estadounidense (nacida el 5 de abril de 1994 en Portland, Oregón, vive en Brooklyn, Nueva York) cuyas imágenes oníricas y su visión intimista de la juventud la han convertido en una de las fotógrafas más importantes de la escena americana.

            © Olivia Bee

            © Olivia Bee

            La vida es bella, perfecta y cinemática si te fijas en los momentos adecuados.

            Biografía

            Olivia Bolles empezó en el mundo de la fotografía por accidente, cuando alguien de su colegio la apuntó a clases de fotografía por error cuando tenía 11 años. Desde entonces, comenzó a disparar a su alrededor y a nutrirse de las vidas de sus amigos, y a colgar fotos en Flickr. Un día, con 15 años, recibió un correo de una agencia de publicidad proponiéndole trabajar para la empresa de calzado Converse. Luego llegaron otros gigantes de la moda y decidió abandonar su Portland natal para mudarse primero a Baltilmore y luego, con 18 años, a Brooklyn, Nueva York.

            Sus fotografías a menudo divergen de la regla de tercios, colocando en cambio los temas en el centro del marco.3​ En 2011 citó a Ryan McGinley, Annie Leibovitz y Nan Goldin como influencias, y atribuye su inspiración a su hermano menor, y al talento musical y artístico de sus padres.

            Su estilo es la fotografía de la juventud: habitaciones poéticamente desordenadas, ortodoncias, pecas y bragas. Imágenes oníricas y auto-referenciales de su adolescencia más íntima. Romántica, emocional, setentera y autodidacta, sus trabajos para Hermès, Cacharel y Anaïs Anaïs, sus exposiciones individuales en la Galería Agnes B de Nueva York y en Bernal Espacio en Madrid, una portada en el New York Times o sus editoriales para monstruos mediáticos como Harper´s Bazaar o Vice la han consagrado como una de las fotógrafa de moda más creativas de la industria, participando en campañas para Adidas, Fiat, Levi Strauss & Co., Nike y Subaru.

            Ha publicadosus soñadores y evocadores retratos y sus paisajes ricos en narrativas implícitas de intimidad, libertad y aventura en el libro Kids in Love donde ha incluido dos de sus cuerpos de trabajo Enveloped in a Dream, un diario visual de la amistad de la juventud y la exploración de uno mismo, y Kids in Love, donde captura tanto los placeres como los terrores del pasaje fugaz de la juventud romántica.

            Referencias

            Libros