lunes, 30 de abril de 2018

Brian Soko

Brian Soko es un fotógrafo estadounidense (nacido en Chicago, Illinois) para el que la fotografía ha sido un vehículo para expresar cómo ve el mundo, una extensión visual de cómo se siente. Le atraen e intenta capturar los momentos tranquilos en una ciudad robusta y bulliciosa, intentando hacer fotos de personas exactamente como las ve.

© Brian Soko

© Brian Soko

Biografía

Brian Sokolowski nació y creció en Chicago, se mudó a Memphis y vivió en San Francisco por un tiempo. Acababa de salir de un hospital por razones graves y se sentía perdido. Su exnovia tenía una vieja Pentax K1000 en su estantería. Brian no tenía trabajo, ni sabía qué hacer con su vida, y de repente, decidió comprar algunas películas en blanco y negro y no ha parado desde entonces. Había sido músico (su abuelo era músico de jazz en Chicago y él creció tocando jazz) y hasta escribió durante un tiempo, pero fue con la fotografía con la que descubrió un medio para expresar como es realmente.

Brian se siente atraído e intenta capturar los momentos tranquilos en una ciudad robusta y bulliciosa como Chicago. El jazz en general es propicio en esta ciudad y en los días de otoño se ven a tipos con sombreros de fieltro y gabardinas, y hace viento y tienes a John Coltrane tocando, es un buen sitio para la fotografía de calle.

Por lo demás, busca momentos tranquilos y su trabajo tiende a ser bastante oscuro, bastante sombrío. Su vida personal es lo contrario, pero su encuentro con la fotografía fue cuando salió del hospital y tenía muchos problemas y buscaba solaz y tranquilidad en su vida. Gracias a la fotografía pudo relacionarse con los demás y ha ido evolucionando y experimentado, como con el flash por un tiempo. Ha realizado un proyecto basado en el retrato en Gary, Indiana, una ciudad industrial decadente que dejó atrás a muchas personas de tercera y cuarta generación.

Actualmente ha reorientado su fotografía a la de alta calidad y fotografía aérea para agentes inmobiliarios, administradores de propiedades, arquitectos y diseñadores.

Referencias

domingo, 29 de abril de 2018

Jens Assur

Jens Assur es un fotógrafo, director, guionista y productor de cine sueco (nacido el 29 de abril de 1970 en Jämtland) que documenta sociedades tanto en vías de desarrollo como completamente industrializadas.

© Jens Assur

© Jens Assur

Biografía

Jens Assur comenzó su carrera como reportero y fotógrafo en el Dagbladet de Sundsvall de 1986 a 1990. De 1990 a 1997 fue fotógrafo de plantilla en Expressen, un periódico escandinavo. Produjo varios ensayos fotográficos en Somalia, Ruanda, Sudáfrica y la antigua Yugoslavia, entre otros países, y obtuvo un Photographer of the Year con 23 años.

En 1997 dejó el Expressen para comenzar su empresa Studio Jens Assur y trabaja en proyectos de arte y cine. Durante la década de los 90, Jens se dedicó a documentar países en desarrollo, pero en los últimos años ha cambiado su enfoque hacia las partes industrializadas del mundo.

Su película Killing the Chickens to Scare the Monkeys se estrenó en el Festival de Cannes en 2011 y desde entonces ha ganado numerosos premios de prestigio. En el Sundance Film Festival de 2012 consiguió el Premio Sundance / NHK International Filmmakers por sus películas The Last Dog in Rwanda y Killing the Chickens to Scare the Monkeys y por el guion de su primer largometraje Close Far Away.

Ha realizado 4 cortos: The Last Dog in Rwanda en 2006 con premios como el Grand Prix at Clermont Ferrand and Best Film at Tribeca Film Festival, as well as prizes at film festivals in Sydney and Rome among others, Killing the Chickens, to Scare the Monkeys de 2011 sobre China, A Society en 2012, Hot Nasty Teen en 2014 y el largometraje Ravens en 2017.

Sus proyectos fotográficos más reconocidos son:

  • Under the Shifting Skies/Och himlen därovan (1997–2001) comprende dos libros de 256 páginas cada uno y una exposición itinerante con 70 imágenes fotográficas de hasta 1,5x2 m. y atrajo una asistencia récord de 80.000 personas en su inauguración en el museo Arbetets en Norrköping.
  • En 1999 su trabajo relacionado con los Juegos Olímpicos de Sídney apareció en la revista Life en un número de edición especial.
  • This is My Time, This is My Life (2003–2006) presentó a los jóvenes de Estocolmo a través de retratos con instantáneas Polaroid. La exposición se realizó en el Moderna Museet en Estocolmo en 2006.
  • En 2006, trabajó para la Cruz Roja Sueca en su campaña Victims of War con un proyecto que retrataba la vida cotidiana de las víctimas de la guerra en Sudán y la República Democrática del Congo y que consiguió una recaudación de fondos sin precedentes.
  • I Can See the World From Here (2007) fue un proyecto basado en fotografías realizadas con una cámara de bolsillo, y fue exhibido en Färgfabriken en Estocolmo.
  • Hunger (2009–2010) fue un proyecto fotográfico en cinco libros de fotografía y fue enviado a influyentes formadores de opinión pública antes de las elecciones generales suecas en 2010, y que culminó en una gran exposición en el Kulturhuset en Estocolmo.
  • Thailand – A Charter Paradise (2011) es un libro de artista centrado en los viajes de suecos a Tailandia, realizado en 250 álbumes de fotos hechos a mano.
  • Black Box (2012) fue el resultado adyacente de la serie Supermegacidades, que muestra el efecto de la migración en las ciudades más influyentes de nuestro tiempo. Cada imagen se corta en 12 mosaicos individuales. En cada Black Box, una selección aleatoria de estos mosaicos permitirá al receptor crear su propia obra de arte.
  • Africa is a Great Country (2013) es una nueva visión de este continente realizada a través de 12 metrópolis africanas. Una imagen de un África que avanza y se desarrolla a una velocidad récord en varios países. A través de 40 imágenes de gran tamaño (2,5 x 3,5 m.) Assur muestra la híper urbanización: una clase media creciente, una arquitectura sensacional, las infraestructuras y el desarrollo de algunas de las áreas metropolitanas mayores. Presentada en Liljevalchs en Estocolmo en 2013, se ha expuesto en Suecia y África hasta 2015.

  

Referencias

 

Libros

  • Under the Shifting Skies/Och himlen därovan, 2001.
  • Hunger, 2010
  • Thailand – A Charter Paradise, 2011
  • Africa is a Great Country, 2013.

sábado, 28 de abril de 2018

Guy Aroch

Guy Aroch es un fotógrafo israelí (nacido en 1971 en Israel, vive y trabaja en Nueva York, Los Ángeles y París) cuya especialidad es la fotografía de belleza, moda y retratos de celebridades y que tiene un estilo melancólico, real y muy cinematográfico.

 
© Guy Aroch
© Guy Aroch

Siempre trato de crear una imagen fuerte que sea algo diferente a lo que he visto sobre el tema.


Biografía
Guy Aroch se mudó en 1988 a Nueva York para convertirse en fotógrafo profesional. Se graduó de la School of Visual Arts de Nueva York en 1993. Como fotógrafo profesional, se ha especializado en retratos de belleza, moda y celebridades. Con su uso muy personal de colores y tonos, sus imágenes evocan una calidad atemporal, en parte retrospectiva y al mismo tiempo extremadamente moderna.
 
Ama el arte y la cultura de los años 60, 70 y 80 por su hermoso estilo y por sus colores vivos. Esa revolución cultural y visual nutre todavía los pensamientos colectivos de muchas personas.  Guy quiere usar esta emoción para el siglo XXI, en la luz, los colores, la ropa de los modelos o, incluso, en la forma en que los modelos posen.
 
Su fotografía se ha visto en portadas y características de periódicos y revistas internacionales, como Vogue UK y Mexico, Men's Vogue, Italian Glamour, Italian GQ, French, Block, Violet Gray, WWD Beauty, Interview, Nylon, The New York Times, Elle, Surface, Jalouse, Vibe, Harpers Bazaar, Numero Tokyo  y Wonderland.
 
Sus clientes publicitarios incluyen a Diesel, Victoria's Secret, Gant Rugger, Dorchester Hotels, 7 For All Mankind, Aldo, Jean Louis David, Wella, Bloomingdale's, Regis, Kenneth Cole, L'Oréal, Garnier, Sonia Rykiel, Coca Cola, BOSS, Free People, L’Oreal y H & M.
 
Su fotografía también presenta la portada del 3º album, Humbug, de la banda de indie rock británica Arctic Monkeys. Está representado por Kelly Penford de la Agencia Artworld.


Referencias

viernes, 27 de abril de 2018

Isabel Rosado

Isabel Rosado es una fotógrafa española (nacida en Málaga en 1993) que explora los condicionantes y posibilidades de la fotografía de maquetas a escala y de la cartulina como material plástico. Los conceptos de tiempo, espacio, luz, ficción y narración son una constante en su obra. La artista recrea espacios tomando inspiración de diferentes fuentes; series de TV, películas, lugares descritos en libros, obras de otros artistas o espacios reales que visita.

© Isabel Rosado

© Isabel Rosado

Biografía

Isabel Rosado Prieto mostró, desde muy pequeña, interés por el dibujo y la pintura. Con 8 años, creó su primera casita de muñecas amueblada con cartulinas, aunque en aquel momento no lo entendía como arte, sino como un juego sin más. Fue en la Universidad cuando retomó la práctica de crear objetos de cartulina con la finalidad de usarlos como bocetos para estudiar la luz en la pintura. Se graduó en Bellas Artes en la Universidad de Málaga en 2015, y desde entonces ha trabajado con estas maquetas de cartulina, registrándolas mediante la fotografía, dándoles entidad no sólo de boceto, sino de obra propiamente dicha. Sus imágenes nos muestran lugares que, en ocasiones, nos resultan familiares por haber tomado referencias de escenarios televisivos o cinematográficos, pero que nos generan extrañeza porque estos lugares son en realidad maquetas en miniatura hechas con cartulina y otros materiales reciclados. Isabel presta atención al punto de vista desde donde nos muestra el lugar y pone especial cuidado en la iluminación, para adentrar al espectador en dicho espacio.

Le interesan conceptos como el tiempo, la luz, la percepción del espacio, y las posibilidades narrativas de espacios desprovistos de la figura humana. La ficción y los diferentes grados que esta puede tomar gracias al proceso creativo en el que se toman referencias de ficciones con las que se recrea otra ficción (la maqueta) para obtener como producto final otra ficción (el registro fotográfico), también es clave en su trabajo. Al igual que los sets de rodaje, las maquetas de Isabel desaparecen, son destruidas y/o recicladas una vez las tomas deseadas son creadas. De esta forma se establece una reflexión sobre la imposibilidad de permanencia de las cosas, y sobre el carácter de ficción de la fotografía.

Ha sido seleccionada en numerosos certámenes y exposiciones, como Welcome Donostia de la Fundación Orona en Hernani en 2016, Mulier Mulieris en el Museo de la Universidad de Alicante en 2016, Certamen de Artes Visuales MálagaCrea en 2013, 2015 y 2016, entre otros.Ha participado en numerosos eventos relacionados con el mundo del arte, entre los que podemos destacar haber sido finalista en el MálagaCrea 2016, en el Belgrado PhotoMonth 2017, en la convocatoria de proyectos expositivos II Carta blanca en EFTI Centro Internacional de Fotografía y Cine de Madrid en 2017, y ha sido galardonada con el Premio Artista Joven en las Jornadas Fotográficas de Platja d'Aro. También ha sido residente en 2018 en la II Beca de producción artística EmerGenT en Torremolinos.

Ha expuesto individualmente Luz de recorte en la Sala Mahatma Showroom  y The Truth Is Out There en la Sala de Exposiciones de la Facultad de Bellas Artes de Málaga.

Referencias

Libros

jueves, 26 de abril de 2018

Irene Andessner

Irene Andessner es una artista austriaca (nacida en 1954 en Salzburgo, vive y trabaja en Viena) cuya faceta principal es el autorretrato, ya sea en pintura, vídeo, fotografía, polaroid o perfomance, caracterizándose como diversas mujeres de la historia, trabajando en una nueva definición del género del autorretrato.

© Irene Andessner

© Irene Andessner

Biografía

Irene Andessner estudió pintura en 1978/79 en la Academia de Bellas Artes de Venecia con Emilio Vedova y de 1979 a 85 en la Academia de Bellas Artes de Viena (con Max Weiler y Arnulf Rainer), incluyendo una beca de trabajo en 1982 y 83 en Roma. Se ha centrado en el autorretrato, pintándolos principalmente en su estudio de Colonia de 1989 a 1995. Después ha evolucionado desde los autorretratos pintados al automontaje con juego de roles, en tableaux vivants, filmados en VHS o fotografiados con película Polaroid.

La producción de post-imágenes de modelos que van desde Sofonisba Anguissola a Frida Kahlo, pasando en el tiempo por representaciones de mujeres históricas, míticas y ficticias, investigadoras, actrices, musas y amantes, como Black Madonna, Angelika Kauffman, Rachael de la película Bladerunner o Marlene Dietrich. No solo se retrata como mujer, sino que en 2006 interpretó el retrato tradicional pero cuestionablemente auténtico de Mozart y también se ha retratado como Alberto Durero.

Fascinada por artistas que a menudo se pintaban frente al espejo, como ella, Andessner estudia sus biografías y conceptos de trabajo, comenzando con el Renacimiento, ya que los artistas visuales se han registrado en la historia del arte. Como ejemplo, en 2001 se sumergió en la exploración de la persona y el mito de Marlene Dietrich. Cien años después del nacimiento de la actriz "se transformó" mental y visualmente en la actriz. Durante todo el proceso fue acompañada por reporteros de periódicos y cámaras de televisión hasta la oficina de registro de Berlín, donde se casó con un Sr. Dietrich para convertirse oficialmente en "la Sra. Dietrich".

Ha publicado sus obras en numerosos libros y catálogos de sus exposiciones. Además, en su libro I Am by Andessner, Irene, que muestra sus obras realizadas entre 1995 y 2003 dando ella misma expresión contemporánea a figuras históricas. Desde 2004, el Atelier Andessner se encuentra en Viena, después de haber vivido en Colonia y Venecia.

Referencias

Libros

miércoles, 25 de abril de 2018

Nereo López

Nereo López fue un fotógrafo colombiano (nacido en Cartagena de Indias, Colombia, el 1 de septiembre de 1920, fallecido en Nueva York el 25 de agosto de 2015) cuya extensa obra ha sido recogida en numerosas revistas, enciclopedias, catálogos, almanaques, libros y sitios web e ilustra un amplio panorama de la historia colombiana en imágenes que pertenecen ya al patrimonio cultural de su país.

© Nereo López

© Nereo López

Mis fotografías son representaciones de la vida de un hombre, usualmente pobre.

Biografía

Nereo López Meza quedó huérfano con 11 años y, desde entonces, como decía él, fue dueño de su destino. A los años se marchó de Cartagena para ser portero de un cine de barrio en Barranquilla. Al mes, fue ascendido a proyeccionista, luego al departamento de publicidad, y siguió moviéndose hacia arriba hasta llegar ser gerente de Cine Colombia en Barrancabermeja en 1947.

Un amigo en tránsito hacia Panamá le dejó en custodia una cámara fotográfica y no volvió nunca a por ella, así que Nereo comenzó a utilizarla y, aunque lo que él quiso siempre fue ser camarógrafo de películas, esta casualidad le llevó a su verdadera vocación, convirtiéndose  en uno de los fotógrafos más valiosos del siglo XX en Colombia. También tuvo una cierta importancia para el cine colombiano, trabajando como productor, en la foto fija, incluso actuando en una película.

Influenciado por el cine desde joven por las muchas películas estadounidenses y mejicanas que vio, y viajero incansable, recorrió su país durante años, fotografiando el paisaje andino y escenas cotidianas de ciudades, pueblos y fiestas tradicionales, en imágenes que combinaban poesía visual y trabajo documental. Llegó a ser conocido como el “fotógrafo del Carnaval de Barranquilla” y su extensa obra ha sido recogida en numerosas revistas, enciclopedias, catálogos y libros.

Formó parte del grupo de amigos que, conocido por el nombre de Grupo de Barranquilla, se reunían en el bar La Cueva, alrededor de escritores y artistas como Gabriel García Márquez, Alejandro Obregón, Álvaro Cepeda Samudio, Germán Vargas, Alfonso Fuenmayor, Rafael Escalona y otros más. Fue reportero gráfico de El Espectador, El Tiempo, Revista Cromos, O Cruzeiro de Brasil y otros medios nacionales y extranjeros como Time y Life, durante varios años. En 1963 obtuvo el 1º premio mundial Kodak New York, con su fotografía Balcones de cartagena. En 1964 Marta Traba lo invitó a a exhibir su trabajo en el Museo de Arte Moderno de Bogotá, un hecho insólito para un fotorreportero, quizás porque Nereo practicaba el ensayo fotográfico con narrativas de tres, cuatro, cinco o seis fotografías, generando secuencias en las que una historia evolucionaba.

Fue el fotógrafo designado por el gobierno nacional durante la entrega del premio Nobel en 1982 a Gabriel García Márquez, así como el fotógrafo acompañante del papa Pablo VI durante su visita a Colombia en 1968. Estas y otras hazañas, como el reportaje exclusivo de la caída de Rojas Pinilla que logró para la revista Cromos, le permitieron obtener ingresos suficientes como para montar el centro de fotografía Enseñanza y Cultura Fotográfica, con sala de exposiciones, laboratorios y biblioteca, que abrió en los años 80 en Bogotá.

A pesar de reconocimientos como ser invitado como Regente de Cátedra en la Universidad de California en Santa Cruz, Estados Unidos, en 1996, de obtener la Medalla de honor del Ministerio de Cultura de Colombia en 1997 y la Orden Cruz de Boyacá en la categoría de Gran Oficial, por el presidente Andrés Pastrana en 2000, Nereo, arruinado y sin pensión, con 80 años, tuvo que cerrar su centro en 2000, donando sus 1.200 libros a la Biblioteca Nacional, y estando muy próximo al suicidio pero, afortunadamente, se trasladó con un visado de artista a Nueva York donde conseguiría la ciudadanía estadounidense en 2005.

Permaneció allí siempre activo, dando una conferencia en Harvard en Cambridge, Massachusetts, exponiendo en 2012 en Caribbean: Crossroads of the World presentada simultáneamente en el Museo de Queens, El Museo del Barrio y el Studio Museum en Nueva York, … hasta su muerte en 2015 con, incluso, incursiones y experimentos en la fotografía digital con sus “transfotografías”. También volvía regularmente a Colombia, como cuando presentó su libro en gran formato Nereo López, un contador de historias.

Dejó un legado de cerca de 100.000 imágenes del Fondo Nereo, que custodia la Biblioteca Nacional de Colombia, y que dan cuenta de su trayectoria en los destacados medios donde publicó y sus diversos libros de gran formato.

Referencias

Libros

  • 1964, El libro de los oficios infantiles.
  • 1965, Los que esperan y su imagen.
  • 1966, Colombia: historias y estampas.
  • 1966, Cali, ciudad de América.
  • 1979, Herederos del mañana.
  • 1983, Aracataca-Estocolmo. Premio Nobel a García Márquez.
  • 1998, Nereo. Homenaje Nacional de Fotografía.
  • 2002, La Cueva. Crónicas del Grupo de Barranquilla.
  • 2003, Nereo López, testigo de su tiempo.
  • 2009, Nereo: Imágenes de medio siglo/Nereo: Images fron Half a Century
  • 2011, Nereo López. Un contador de historias
  • 2015, Nereo. Saber ver / Nereo. Knowing how to look.

martes, 24 de abril de 2018

Alex Coghe

Alex Coghe es un fotógrafo italiano (nacido el 30 de marzo de 1975 en Roma, vive en Ciudad de México) siempre buscando nuevas historias para documentar. También publica libros, es editor de fotografía, escritor, comunicador e imparte talleres de fotografía.

© Alex Coghe

© Alex Coghe

Biografía

Alessio Coghe es un fotógrafo y fotoperiodista italiano que vive en Ciudad de México. Esta ciudad es muy importante para él porque le ha dado todo: una esposa hermosa, su trabajo, sus mascotas, y también una perspectiva completamente diferente del mundo.

Nació escritor. Y es periodista, habiendo escrito artículos sobre México para revistas italianas. También ha tenido experiencias como periodista político, pero ahora entrevista a artistas, especialmente fotógrafos, para su blog y para The Leica Camera Blog. También tiene experiencia como editor de fotografía, una habilidad que ahora aplica a sus propias publicaciones, como The Street Photographer Notebook.

La fotografía para él ha sido una evolución, una extensión de su experiencia como escritor creativo, y su cámara se convirtió en su pluma, gracias en buena parte a su traslado a México. Alex ha estado usando su Leica X2 para documentar la vida en la Ciudad de México, particularmente en el Parque Chapultepec, que fue uno de los primeros lugares que visitó al llegar a México, y que le permitió realizar su encargo en 2013 para Leica Camera AG  Gente de Chapultepec, una historia fotográfica publicada en el catálogo de Leica X distribuido por todo el mundo.

Fotógrafo freelance, toca todos los temas, yendo del fotoperiodismo a la documentación social, la vida diaria en las calles, moda, retrato, fotografía erótica, eventos, fotografía editorial. Pero no sólo es fotógrafo, también es editor, autopublicando sus libros sobre fotografía de calle, técnica y cultura visual y las revistas The Street Photographer Notebook y La Strada, y editor de fotografía de revistas como Hype Park Photography y World Street Photography, escritor, comunicador y educador de fotografía, en talleres en México e Italia.

Ha publicado, entre otras revistas, en Lens Culture, Witness Journal, Il Messaggero, Doc!, Photowoa, The Phoblographer, Cuartoscuro y Excelsior. Su trabajo ha aparecido en exposiciones colectivas desde Los Ángeles hasta Miami y desde Barcelona a Hamburgo, pasando por un teatro en Roma. Actualmente está representado por Polaris Images y LatinPhoto. Ha trabajado en encargos para Leica Camera AG, Samsung, Basílica de Guadalupe y Burberry, entre otras marcas.

Actualmente es periodista en la revista Rome Central Magazine. También es Fotógrafo Oficial X de Fujifilm México y organiza talleres de fotografía en Oaxaca, en particular en la Guelaguetza y en el Día de Muertos.

Referencias

Libros

  • La Fotografia di Strada.
  • La Fotografia dal Web a Voi.
  • Urbanography - Human Altered Landscapes.
  • Reality Remade.
  • Street Photography.
  • Light Stalker - Some Thoughts on Street Photography.
  • Nasty, 2013.

lunes, 23 de abril de 2018

Rinzi Ruiz

Rinzi Ruiz es un fotógrafo estadounidense (nacido en Manila, vive en Glendale, California) apasionado por la fotografía, desde la fotografía callejera hasta la fotografía de bodas y retratos.

© Rinzi Ruiz

© Rinzi Ruiz

Biografía

Rinzi Roco Ruiz nació en Manila, trasladándose a California con su familia cuando tenía siete años. Amante del arte, estudió Bellas Artes en el Pasadena Community College y diseño gráfico y animación en Instituto de Arte de Los Ángeles y trabajó unos 12 años como diseñador gráfico profesional.

Buscando una salida para rejuvenecer su pasión creativa, descubrió que en lo que más disfrutaba durante sus vacaciones era explorar y hacer fotos, y así empezó a aprender más sobre la cámara de apunta y dispara que tenía en ese momento y cuanto más investigaba y aprendía, más le interesaba y la pasión comenzó a consumirle. Hacia 2010 se compró un kit réflex, lo que le ayudó a aprender y experimentar más, encontrando un sitio web que describía qué era la fotografía callejera y eso le impulsó a investigar sobre ella y a practicarla, comenzando un viaje de auto exploración.

Ahora es conocido por su fotografía de calle y urbana por su enfoque en la luz y la sombra y la condición humana, en un estilo y forma de trabajar que le sirve como una forma de meditación, y al que llama Street Zen. Ha sido un destacado fotógrafo en el LA Times Framework y ha presentado varias fotografías en LA Times SoCal Moments. También ha aparecido en Light It Magazine, The Candid Frame Podcast, Inspired Eye Magazine, Art Photo Feature, Fotoflock de Epson y Backyard Opera. Su obra ha sido expuesta en las galerías Hatakeyama y Think Tank y se ha publicado en las revistas Arts Photographic y Eloquence International Creators.

Además de su fotografía callejera, Rinzi realiza retratos, bodas y eventos, y enseña fotografía en talleres y tutoriales uno a uno. Es un Fuji-X-Photographer oficial.

Referencias

domingo, 22 de abril de 2018

Josep Sala

Josep Sala fue un fotógrafo catalán (nacido en Barcelona en 1896, fallecido en 1962, también en Barcelona) que trabajó en publicidad, consiguiendo aunar en sus propuestas eficacia comercial, belleza y sensualidad, para convertir cada producto en un objeto poético.

© Josep Sala

© Josep Sala

Biografía

Josep Sala Tarragó estudió pintura en la Escuela de La Lonja y fue profesor de baile. Sus intereses artísticos lo llevaron a ser miembro de la Agrupació Fotogràfica de Catalunya y de FAD, la Asociación Catalana para el Fomento de las Artes y del Diseño.

Obtuvo su primer reconocimiento como fotógrafo en el concurso de fotografía publicitaria organizado por la perfumería madrileña Gal en 1925, en el que quedó segundo. Dos años después sería Medalla de Plata en el Salón Español de Fotografía del FAD. Toda su obra presenta un carácter innovador, estrechamente vinculado a los movimientos artísticos de la Nueva Objetividad y la Nueva Visión.

A partir de 1931 comenzó a colaborar con D’Ací i d’Allà, revista embajadora de la modernidad fotográfica de la que en 1932 se convirtió en director artístico, renovando su presentación y dedicando a la fotografía internacional un lugar importante. Publicó dibujos publicitarios y fotografías. También colaboró con las revistas Mirador, Revista Ford, La publicidad, Las 4 estaciones y A.C.

En 1932 participó, junto a Pere Català Pic, Emili Godes y Josep Masana, entre otros, en el Primer Salón de Fotografía Publicitaria, celebrado en el Publi-Club de Barcelona. En esta actividad se le puede considerar un pionero junto con los fotógrafos citados, por lo que fue seleccionado para la Exposición Internacional de Fotografía Publicitaria organizada por Kodak, itinerante por numerosas ciudades europeas. Fotógrafo profesional de marcas como Joyerías Roca, Myrurgia o Chocolates Amatller, conseguía aunar en sus propuestas eficacia comercial, belleza y sensualidad, y convertir cada producto en un objeto poético.

Su actividad fotográfica se dirigió también a la fotografía de arquitectura en la que colaboró con los arquitectos racionalistas del grupo GATCP AC, entre ellos con Josep Lluís Sert.

Durante la guerra civil, estuvo trabajando al servicio de la propaganda republicana, ocupándose de las ediciones del Comisariado de Propaganda de la Generalitat de Catalunya. Destaca también su colaboración

Gran parte de su trabajo fotográfico se ha perdido y en muchos casos sólo quedan referencias de sus trabajos en las revistas en que colaboraba y en las campañas comerciales en las que intervino. El Museu Nacional d’Art de Catalunya conserva tras su compra algunas de sus obras, y hay unas pocas en el Museo Reina Sofia de Madrid.

Referencias

Libros

  • Els artistes catalans i la publicitat (1888-1929), 2002.
  • Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI, 2013.

sábado, 21 de abril de 2018

Josep Masana

Josep Masana fue un fotógrafo catalán (nacido el 16 de mayo de 1892 en Granollers, Barcelona, fallecido el 4 de enero de 1979 en Barcelona) especializado en retratos y desnudo. Su gran afición y contactos con la por entonces, renovadora estética del cine le permitió una posición vanguardista en su fotografía.

Josep Masana

© Josep Masana

Biografía

Josep Masana se inició como fotógrafo profesional siendo aún muy joven; su primer estudio fotográfico lo inauguró en 1914 en Granollers, para trasladarse a Barcelona en 1918. Al mismo tiempo, gran aficionado al cine, abrió la Oficina de información cinematográfica que el mismo gestionaba y para la que hizo diversos retratos de actores y en 1935 fundó el cine Savoy.

A lo largo de su vida realizó trabajos en diversos campos de la fotografía como:

  • el retrato, donde consiguió gran celebridad como retratista de la burguesía barcelonesa de los años 20,
  • el fotoperiodismo, trabajando como corresponsal de la revista Actualidad y con otras colaboraciones, como las realizadas para la revista D'Ací i d'Allà,
  • los desnudos.
  • la realización de escenificaciones fotográficas y de composiciones alegóricas al estilo de los trabajos de Oscar Gustav Rejlander y Henry Peach Robinson,​ en lo que algunos autores definen como pictorialismo victoriano de raíz bíblica y mitológica,
  • la fotografía publicitaria en la que comenzó a trabajar en 1930, alejados por el contrario del pictorialismo imperante en la época, con una publicidad moderna y personal,  llena de vanguardismo y glamur, con dominio del fotomontaje, la tipografía y la composición.

Publicó en las revistas Art de la Llum y Arte Fotográfico, entre otras. Recibió una medalla de oro en la Exposición Internacional de Barcelona de 1929. Se le han dedicado dos exposiciones antológicas, la primera en 1984 durante la Primavera Fotográfica de Cataluña donde se mostraron retratos y desnudos de su primera época pictorialista, y la segunda en 1994, en el Centre d’Art Santa Mònica de Barcelona. Parte de sus fondos fotográficos se encuentran en el Museu Nacional d’Art de Catalunya.

Referencias

Libros

viernes, 20 de abril de 2018

Yura Kurnosov

Yura Kurnosov es un fotógrafo kazajo (nacido en Kazajstán, vive en Moscú) cuya fotografía principal son retratos y desnudos realizados con película en formato 6x6”.

© Yura Kurnosov

© Yura Kurnosov

Biografía

Yura Kurnosov tuvo su primera cámara, una FED-3, como regalo de cumpleaños con 12 años. Primero fue un pasatiempo de niño, la curiosidad. Después se convirtió en un lugar común: la noche, los baños, la ampliadora, magia … Años más tarde, volvió  a la fotografía deliberadamente, trabajando como profesional independiente (retratos, naturaleza muerta, reportajes, …).

Su retrato es solo su interpretación de personas reales, su visión de ellos. Todos ellos no son modelos sino gente común.
Cada imagen, cada persona, siempre es algo nuevo, una nueva inmersión, una nueva relación. Admirador del trabajo de Richard Avedon e Irving Penn, se inspira también en los clásicos de la pintura.

Para Yura el principal tema es la naturalidad y la verdad; juega con la psicología de la percepción y con cómo tratar a la persona retratada. Su clave es estar en contacto con las personas. Para ello, habla con ellas e intenta reflejar lo que esconden en su mirada.

También imparte periódicamente su curso La visión del autor en el retrato, donde pone el énfasis en la estética y en la psicología de la percepción y no en  enseñar técnica. Lo principal es que la gente se aleje de los estereotipos y amplíe su mirada.

Referencias

jueves, 19 de abril de 2018

Adam Amengual

Adam Amengual es un fotógrafo estadounidense (nacido en 1981 en Queens, Nueva York, vive en Brooklyn) que compagina su trabajo profesional con proyectos personales, normalmente retratos.

© Adam Amengual

© Adam Amengual

Biografía

Adam Amengual nació en Queens, Nueva York y se crio en la costa norte de Massachusetts. Su padre Angelo le dio su primera cámara a los 13 años y comenzó a documentar a sus amigos y su entorno. Después de estudiar los conceptos básicos de la fotografía en la escuela secundaria, continuó su educación fotográfica en el Massachusetts College of Art y la Parsons School of Design.

Después de graduarse en 2003, se mudó a Brooklyn y comenzó a trabajar como asistente de fotógrafos de publicidad, moda, celebridades y música, como Art Streiber y Ruven Afanador, entre otros.

Mientras investigaba pandillas, sectas y facciones religiosas hardcore, se encontró con Homeboy Industries, una organización sin fines de lucro que ayuda a ex pandilleros a convertirse en miembros positivos y contribuyentes de la sociedad y documentó a estos antiguos miembros de pandillas en una serie llamada Homies, a través de imágenes como policiales pero estilizadas y estéticamente compuestas, esperando que el espectador se conecte con el retratado a un nivel más humano y siempre con respeto.

Su proyecto Homies ha aparecido en las revistas Exit, Blink y en blogs como Time's Lightbox, Prison Photography, This Is the What, Concientious y We Can Shoot Too y está en la colección permanente del Museum of Fine Arts de Houston.

De su lista de clientes podemos citar a Bloomberg Businessweek, Time Magazine, Esquire Magazine,  Inc. Magazine, Time Out New York, Men's Health, New York Magazine, Juxtapoz Magazine, Sony BMG, NDLON, Nobu y Wieden+Kennedy NYC. Su trabajo ha sido expuesto en galerías como THIS Los Ángeles y la Universidad de Massachusetts en Boston. Ha obtenido diversos premios, entre ellos el Sony Emerging Photographer Award en 2012.

Referencias

miércoles, 18 de abril de 2018

Rosie Hardy

Rosie Hardy es una fotógrafa inglesa (reside en Derbyshire, Reino Unido) cuya fotografía es etérea, surrealista y llena de fantasía. Artista del retoque digital y del uso de las redes sociales, compagina sus trabajos profesionales de fotografía editorial, publicidad y bodas con trabajos personales basados principalmente en autorretratos.

© Rosie Hardy

© Rosie Hardy

Biografía

Rosie Hardy comenzó con la fotografía con 16 años y no ha parado desde entonces. Su carrera despegó cuando sus autorretratos de Project 365 en Flickr atrajeron tanta atención que la popular banda Maroon 5 se puso en contacto con ella para la portada de su álbum Hands all over.

La fantasía y los sueños son fuentes de inspiración para esta artista y, debido a su conexión con la imaginación, de esta manera lo que no existe se puede hacer realidad.  Rosie utiliza en sus fotografías, vivo ejemplo del surrealismo, tenues colores pasteles, invitando al observador a bosques fantásticos, con animales encantados, en escenas que parecen pertenecer a un viaje onírico.

Ha trabajado para Samsung (Reino Unido), Universal Music Group, Penguin Book Publishers (Estados Unidos) y otros más. También la banda The 1975 figura en su lista de clientes. Rosie no solo es una sensación de Instagram, con más de 150.000 seguidores, sino que también ha creado una increíble cartera de trabajo para diferentes publicaciones y sitios web, incluidos Elle, DailyMail, The Telegraph y The Sun. Organiza talleres, escribe tutoriales y ha creado su propio DVD de edición de fotos. Es Embajadora de Canon.

Referencias

Libros

martes, 17 de abril de 2018

Emilio Barillaro

Emilio Barillaro es un fotógrafo italiano (nacido en 1980 en Gioiosa Jonica, vive y trabaja en Roma) que utiliza la fotografía callejera para descubrir la vida y encontrar su lugar en este mundo. La cámara lo ayuda a demorarse, a frenar su ocupada vida, y le muestra todas esas pequeñas cosas que sus ojos no pueden ver.

© Emilio Barillaro

© Emilio Barillaro

Más que un fotógrafo, me considero un guionista. Mi escenario es la calle y mis actores involuntarios son las personas que están en ella.

Biografía

Emilio Barillaro estuvo rodeado de pintura e historia desde el comienzo de su infancia. Su padre es pintor, fotógrafo y escritor, y su abuelo fue arqueólogo. Siempre le ha fascinado la forma en que el arte puede ayudar a expresarnos y siempre tuvo la sensación de que había algo dentro de él que necesitaba ser lanzado. Así que lo intentó con la pintura y la poesía, pero no funcionó. Encontró su primera cámara debajo del árbol de Navidad y recuerda que pasó esas vacaciones leyendo todo el material disponible sobre fotografía en internet.

Así que se convirtió  poco a poco en un fotógrafo callejero, un receptor de momentos cándidos. Es un fotógrafo autodidacta, aunque ha asistido a varios talleres, como los de Alex Coghe  y Joel Meyerowitz. Toda su vida estudiando, experimentando y aprendiendo todo sobre este mundo. Últimamente estaba disminuyendo la velocidad de su estudio y estaba casi exclusivamente dedicado a sus proyectos, cuando su amigo Francesco Costantini le abrió un nuevo mundo delante de sus ojos: la fotografía analógica.

Ha alternado el color y el blanco y negro constantemente, pero lenta y naturalmente, va utilizando más el blanco y negro; hoy el color en mi mente casi ni existe. Es cofundador de SPontanea, un colectivo italiano de fotografía callejera, y su trabajo ha sido publicado en diferentes sitios web, revistas y libros nacionales e internacionales.

Ha sido galardonado con el 2° premio en los Moscow International Photo Awards de 2015 en la categoría Libro/Naturaleza y con el 3 ° premio en la categoría Editorial/Ambiental, con el 2 ° premio en el concurso de National Geographic – Italy en 2016 en la categoría Personas, con una honorable mención en los International Photography Awards (IPA) de 2013, en los ND Awards en 2014, en One shot: One World en 2014, en los Monochrome Photography Awards de 2014, en el PX3 de 2015 y en los Moscow International Photo Awards de 2016. También fue uno de los 100 finalistas en el Leica Photographers Award en 2013, uno de los 100 finalistas en el Photolux Leica Award de 2014 y uno de los 15 finalistas en el ImagOrbetello Award de 2016 en la categoría Street.

Referencias

lunes, 16 de abril de 2018

Oleg Oprisco

Oleg Oprisco es un fotógrafo ucraniano (nacido en Lviv, vive en Kiev) que crea impresionantes imágenes surrealistas, mayormente con elegantes mujeres, con las que construye paisajes oníricos a través de excelentes composiciones llenas de color y belleza.

© Oleg Oprisco

© Oleg Oprisco

Soy un fotógrafo artístico y cada una de mis fotos es una escena de la vida real. Esa es la perfecta fuente de inspiración para mí, ya que hay suficiente belleza en nuestra vida cotidiana. Tal vez, lo que me inspira es lo que veo en el camino al trabajo. Observar el mundo que me rodea, inspira mi siguiente fotografía. Por supuesto, son mis propios cambios los que añado a la realidad, tales como personajes, decorados, la ubicación y la luz ... De cualquier forma, estoy constantemente involucrado en la búsqueda de inspiración e ideas.

Biografía

Oleg Oprisco comenzó su aventura fotográfica a los 16 años trabajando en un laboratorio fotográfico donde, en sus tres años de trabajo, llegaría a dominar todas las etapas de impresión de película y fotografía digital, y todas las peculiaridades de trabajar en color.

Como fotógrafo ha experimentado con muchos géneros, pero es la fotografía de retrato lo que más le gusta. Con 18 años se mudó a Kiev donde a través de algunos amigos se introdujo en la fotografía comercial, convirtiéndose en asistente de un reconocido fotógrafo publicitario con el que estaría cuatro años, ganando dinero, pero perdiendo su creatividad.

Con 23 años decidió comenzar su propio camino y éste le llevó al formato medio y a la película con cámaras baratas Kiev 6C y 88, cámaras totalmente manuales y con diferentes filtros procedentes de la antigua industria soviética. Hoy se ha convertido en un artista que consigue una perfecta armonía en sus composiciones, con exquisitas temáticas, y una iluminación y un sentido del espacio excelentes que hacen que sus imágenes se impregnen de emotividad y una nostalgia llena de secretos.

Realiza todo el trabajo él solo. Tiene un cuaderno donde apunta y guarda muchas ideas y esquemas, incluso los de color, para sus fotografías. Si todo resulta como lo ha imaginado, la preparación le lleva de dos a tres días. Es una cuestión de clima, personas o estado de ánimo. A veces el trabajo que no produce el resultado que quería. Por lo tanto, mientras más experiencia y reflexión dependa para el rodaje, mejor.

Tras la elaborada planificación en cuanto a vestuario, localizaciones y diversos detalles que cuida con esmero y mucha paciencia, cada sesión implica en la mayor parte de los casos un carrete de 12 disparos, así que tiene que ser muy riguroso y meticuloso con las tomas pues tiene que esperar hasta que terminar de revelar la película para descubrir lo que la foto ha conseguido, y solo una vez que haya hecho el post-tratamiento (ligeros retoques en la eliminación de ruido y arañazos de la película y gestión del color) podrá ver el resultado final.

A veces no consigue el resultado deseado y a veces las pruebas previas se alargan, como en el caso del paraguas ardiendo, donde utilizó más de 50. Para él, el duro trabajo y la constancia es lo que hace que el talento salga a flote en toda su plenitud.

Referencias

domingo, 15 de abril de 2018

Satoki Nagata

Satoki Nagata es un fotógrafo japonés (vive en Chicago, Illinois) que realiza fotografía documental y de calle, y que es principalmente conocido por capturar los momentos mágicos de las noches del largo, frío y húmedo invierno de Chicago.

Michigan Avenue, Chicago 2015 © Satoki Nagata

Michigan Avenue, Chicago 2015 © Satoki Nagata

Mi objetivo como artista es encontrar y mostrar las diversas conexiones con las que la ciudad y la gente forman la realidad. El budismo Zen me ha inspirado a usar la fotografía para buscar y crear relaciones con el mundo. A través de estas imágenes, desearía que descubrieras los enlaces sutiles pero sustanciales capturados en mis fotografías y sentir una conexión con el mundo que documenté.

Biografía

Satoki Nagata nació en Japón y estudió Neurociencia, pero se mudó a Chicago en 1992 y allí se sumergió en la captura de las vidas y las personas de su ciudad adoptiva. Aprendió durante 4 años fotografía del fotoperiodista Damaso Reyes. Desde entonces ha completado una serie de proyectos documentales en la ciudad, intentando profundizar la conexión entre él y sus sujetos con cada nuevo estudio. Sus primeros proyectos a largo plazo como profesional fueron  Chicago Redline station en 2009 y Cabrini-Green: Frances Cabrini Rowhouses en 2010. Estos proyectos impregnan su presente junto con todos los proyectos que han surgido de su práctica continua.

La muerte de su hermana en Japón fue un punto de inflexión en su fotografía y comenzó a realizar fotografía de calle que combina con las bellas artes para crear imágenes cerebrales que revelen las relaciones y la interconectividad que dan forma a la vida en la ciudad moderna. Por su educación Budista Zen y su trabajo como neurocientífico, entiende el mundo como una vasta red de conexiones y usa su fotografía para revelar los enlaces que unen todo en el mundo que nos rodea.

Empezó a usar un flash fuera de cámara en las calles a fines de 2011 para buscar diferentes imágenes que capturaran en momentos mágicos la relación de los habitantes de Chicago con las noches del largo, frío y húmedo invierno de la llamada Ciudad del Viento. A través de iluminaciones únicas, con flash detrás de los sujetos sincronizado con baja velocidad de obturación, intenta capturar las complejidades sociales y culturales en su serie más reconocida Lights in Chicago, donde muestra una fugaz y fluida visión de Chicago de noche y sus residentes mostrando su fragilidad existencial, donde criaturas fantasmales deambulan misteriosamente por la ciudad.


Referencias

Libros

  • I wanted to be a butterfly.
  • Cabrini-Green: Frances Cabrini Rowhouses.

sábado, 14 de abril de 2018

Baldomero Pestana

Baldomero Pestana fue un dibujante y fotógrafo gallego (nacido el 1 de enero de 1918 en Pozos, Lugo, fallecido el 7 de julio de 2015 en Bascuas, Lugo) cuyo espíritu libre y viajero le llevó a vivir en Argentina, Perú, Francia y España a lo largo de su vida, permitiéndole captar la esencia de lugares como Villa Miseria, Cuzco, Río de Janeiro o París, al mismo tiempo que coleccionaba los retratos de algunos de los nombres más importantes de las artes en Latinoamérica y Europa, como Lalo Schifrin, Gabriel García Márquez, Mario Vargas Llosa, Blanca Varela y Man Ray entre otros. Confeccionó un amplio álbum familiar de la cultura peruana de finales de los 50 y 60.

José María Arguedas © Baldomero Pestana

José María Arguedas © Baldomero Pestana

Tuve la suerte de nacer como un hombre libre.

Biografía

Baldomero Pestana marchó a Argentina con su abuela a los cuatro años para encontrarse con su madre en Buenos Aires. Desde muy niño destacó por una gran afición por la literatura, la historia, la música y el dibujo, actividades todas ellas que, en mayor o menor medida, lo acompañaron toda la vida. Le enseñaron a ser sastre pero cuando descubrió la fotografía no dudó que eso era lo que quería hacer, y en Buenos Aires inició su actividad como fotógrafo profesional, primero de prensa y después artístico y fotografiando bodas y bautizos para ganarse la vida.

En 1957, apartándose de la dictadura argentina decidió emigrar a Perú, donde poco después adquirió la nacionalidad peruana sin perder la original. Durante su estancia en Perú recorrió el país e hizo reportajes para las revistas Fanal y Caretas en las que fue colaborador habitual. Su actividad fotográfica en Lima fue muy amplia: trabajos para UNICEF, ONU, International Petroleum Company y para las revistas Time, Life y Esquire. Su trabajo profesional en el campo de la publicidad fue amplio e incluyó trabajos para la agencia McCann-Erikson. También fue fotógrafo oficial del suplemento del diario oficial de Perú.

Durante toda su vida Pestana concilió la faceta comercial y artística de su profesión. Así, entre pedidos publicitarios y editoriales, fue realizando una obra propia, de marcado carácter personal. Su gran proyecto era el de crear una galería de retratos de las grandes personalidades de la cultura. La empresa había comenzado en Buenos Aires en 1956, con una foto del músico de jazz Dizzy Gillespie, pero fue en Lima donde su carrera despegó por completo, con retratos de pintores, escritores y personalidades políticas de Perú, a las que tenía relativamente fácil acceso por sus contactos periodísticos: Ciro Alegría, José María Arguedas, Alberto Hidalgo, Pablo Neruda y otros muchos. Culminando con esa etapa, realizó su primera exposición individual en el Instituto de Arte Contemporáneo de Lima en 1966.  Normalmente no cobraba por estos trabajos, tan solo pedía que los retratados le dedicasen las imágenes que él realizaba.  Por el que sí recibió remuneración fue por el de Mario Vargas Llosa, un encargo de la revista Life en su edición española con motivo de la publicación de su célebre novela La casa verde, imagen con la que se convirtió en el retratista por antonomasia de la llamada Generación de los 50.

Pestana no solo se fijaba en la persona, sino también en la escenografía del entorno. Sus imágenes resultan despojadas, casi minimalistas, muy modernas. Un factor fundamental en sus fotografías es su manejo de la luz natural, elogiando siempre la luz limeña, que utilizó para suavizar las formas y los contrastes, así como dulcificar los grises.

Pero además de esa galería de retratos crecía paralelamente su obra de calle: la Buenos Aires de los 50, la Lima de los 60 y más tarde el París de final de los 60. Fijaba su atención sobre todo en niños y mujeres. Buscaba las ventanas, como ese espacio que comunica los mundos particulares con el discurrir público. Consiguió algunas piezas magistrales y como fotógrafo social se asomó a la miseria.

En 1967 se trasladó a París, donde continuó su labor fotográfica, siendo Edward Weston y Man Ray sus referentes a la hora de adentrarse en el desnudo, diseccionando el cuerpo de la mujer y a veces haciendo uso de solarizaciones.  Continuó su colección de retratos de intelectuales inmortalizando los rostros de Bioy Casares, el mismo Man Ray, Carlos Fuentes o García Márquez, su retrato más difícil. Poco a poco se centró en su gran pasión desde niño: la pintura y el dibujo a lápiz de grafito sobre papel bristol, dentro del fotorrealismo, aprovechando fotografías documentales suyas y con una visión muy fotográfica de temas peruanos, marginados, emigrantes, refugiados y gentes de las calles de París, y también naturalezas muertas. 

Regresó a España, a su Galicia natal. Tras la pérdida de su mujer en 2003 vivió sus ultimo años arropado bajo el cuidado de sus sobrinos Carmen Rico y Toño Polín, quienes en la actualidad custodian su valioso archivo, un legado de 17.000 negativos, muchos inéditos. En abril de 2012 el Concello lucense de Castroverde le nombró Hijo Predilecto.  Casi centenario esperaba con ilusión la gran exposición de sus fotografías que se iba a inaugurar en el Museo de Arte Contemporáneo de Lima, la publicación de su libro de retratos de personajes de la cultura peruana de los años 60 y 70, y el estreno de un documental, La imagen Reb-velada, sobre su vida y obra, cuando murió con 97 años.

Su obra ha sido expuesta individualmente en Bruselas, París, Lima, la antigua Yugoslavia, Corea del Sur, EEUU, Dinamarca, Italia, Francia y España, y también en numerosas muestras colectivas. Póstumamente, el Instituto Cervantes muestra de forma itinerante su retrospectiva Baldomero Pestana. La verdad entre las manos que rescata del olvido en España a este artista.

 

Referencias

Libros

  • Baldomero Pestana. La verdad entre las manos, 2018.
  • Baldomero Pestana. Retratos peruanos, 2016.