sábado, 31 de marzo de 2018

Núria Martínez Seguer

Núria Martínez Seguer es una fotógrafa catalana (nacida en Santa Coloma de Gramanet, Barcelona, en 1973) que realiza proyectos de creación en el campo audiovisual y fotográfico. Su obra fotográfica de reportaje, en parte centrada en el deporte, comprende el interés por el boxeo con un lenguaje estético de contrastes y contundencia formal.

© Núria Martínez Seguer

© Núria Martínez Seguer

Biografía

Núria Martínez Seguer es doctora en Bellas Artes en la especialidad Imagen por la Universitat de Barcelona.

Realiza proyectos de creación en el campo audiovisual y fotográfico, trabajando un universo personal e inquietante de referentes surrealistas. Su obra fotográfica de reportaje de autor ha sido en parte centrada en el boxeo, logrando un lenguaje estético de contrastes y contundencia formal.

Ha expuesto y participado en numerosos proyectos como Todo el espacio (Barcelona, ​​1993), Diálogos extremos (Barcelona, ​​1994), Spongia (Barcelona, ​​1994), Percepciones marginales (1996), El silencio del boxeo (Barcelona, ​​2006), La queue qui mange li poisson (Barcelona, ​​2010), Nommer Femme belle de jour (Zaragoza, 2010), 3 miradas (Barcelona, ​​2011), Soul Round (Barcelona, ​​2012), éphémère (Barcelona, ​​2013) y Città (Barcelona, 2017).

Su trabajo cultiva un universo personal e inquietante de referentes surrealistas. Ha sido seleccionada entre los finalistas de reconocidos certámenes como son Injuve Vídeo Creación (Madrid, 1998), Jóvenes Creadores (Madrid, 2002), Descubrimientos PHE02 femeninos (Madrid, 2002), Euro Press Photo Awards (Roma, 2004), Art Mix (Barcelona, ​​2009), Hacemos (Valencia, 2010), Génesis BAC (Barcelona, ​​2011), Festival de Miradas de Mujeres FMM13 (Barcelona, ​​2013), Screen Festival 2013 LOOP_ HFM # 18 (Barcelona, ​​2013), Arts Libris (Barcelona, ​​2013) y Gracos © Tangible Magazine (Barcelona, ​​2013).

Desde 1998 es profesora de Fotografía en la EASD Serra i Abella del Departamento de Enseñanza de la Generalidad de Cataluña.

Su obra fotográfica de reportaje de autor, en parte centrada en el deporte, comprende el interés por el boxeo con un lenguaje estético de contrastes y contundencia formal: En 2004 obtuvo el Primer Premio Nacional en el Euro Press Photo Awards, en la categoría de Deporte, con la consiguiente exposición en el Palazzo Venezia de Roma. Está representada por la galería h2o de Barcelona.

Referencias

Libros

viernes, 30 de marzo de 2018

Zaida Ben-Yûsuf

Zaida Ben-Yûsuf fue una fotógrafa estadounidense (nacida el 21 de noviembre de 1869 en Londres, Inglaterra, fallecida el 27 de septiembre de 1933 en Brooklyn, Nueva York)  líder en el arte del retrato fotográfico en la Nueva York de principios de siglo. Gestionó durante diez años, desde 1897, posiblemente el estudio de retratos más moderno de la Quinta Avenida, y al mismo tiempo participó en las exposiciones de fotografía más importantes de la época. Como testimonio de su renombre, fue portavoz de Eastman Kodak Company y regularmente publicaba en periódicos y revistas.

ZaidaBenYusuf

Autorretrato, 1901. Zaida Ben-Yûsuf

Biografía

Esther Zeghdda Ben Youseph Nathan nació en Londres, Inglaterra, y fue la hija mayor de Anna Kind de origen alemán  y padre argelino, Mustapha Moussa Ben Youseph Nathan. En 1881, Anna, separada de su esposo, vivía con sus cuatro hijas  en Ramsgate donde trabajaba como institutriz. Anna emigró a los Estados Unidos, donde en 1891 estableció una tienda de sombreros en Boston. En 1895 Zaida siguió los pasos de su madre y emigró a los Estados Unidos, donde trabajó como tejedora en Nueva York. Después se convirtió en fotógrafa, escribiendo artículos ocasionales para Harpers Bazaar y Ladies Home Journal sobre sombrerería.

En 1896, Zaida comenzó a ser conocida como fotógrafa, siendo dos de sus fotografías reproducidas en The Cosmopolitan Magazine, y otra obra fue exhibida en Londres como parte de una exposición presentada por The Linked Ring. En 1897, Ben-Yusuf abrió su estudio de fotografía de retratos en Nueva York. El New York Daily Tribune publicó un artículo sobre su estudio y su trabajo de creación de carteles publicitarios, que fue seguido por otro perfil en Frank Leslie's Weekly . En 1898, se hizo cada vez más visible como fotógrafa, con diez de sus trabajos en la 67ª Feria Anual del Instituto Estadounidense, donde su retrato de la actriz Virginia Earle obtuvo el tercer lugar en la clase de Retratos y Grupos. Con Frances Benjamin Johnston realizó una exposición conjunta en el Camera Club de Nueva York. Más tarde comisariaron una exposición sobre 30 fotógrafas estadounidenses para la Exposición Universal de París, y que luego se expondría también en San Petersburgo, Moscú y Washington DC.

En lugar de recurrir a las convenciones tradicionales de los retratos (telones pintados y poses artificiales), buscó la inspiración de los principales artistas y fotógrafos pictóricos de la época. A pesar de su corta edad y su reciente llegada a Estados Unidos, atrajo a su estudio a muchas de las personalidades artísticas, literarias, teatrales y políticas más destacadas de la época. Uno de sus primeros encargos importantes, fue una colección de retratos entre los cuales figuraba el presidente Teodhore Roosvelt  para la Revista Century, y Zaida se convirtió  en la fotógrafa de moda de Nueva York. Chaplin, Edith Wharton, Julia Marlowe, … frecuentaron su estudio. Vistas en conjunto, estas personas representan una notable sección transversal de un lugar que se estaba convirtiendo rápidamente en la primera ciudad moderna de Estados Unidos.

En 1901, el Ladies Home Journal la presentó dentro de un grupo de seis fotógrafas a las que denominó The Foremost Women Photographers in America. En 1903, viajó a Japón, recorriendo Yokohama, Kobe, Nagasaki, Kyoto, donde llegó a alquilar una casa, Tokio y Nikkō, lo que le sirvió como base de una serie de cuatro artículos ilustrados Japan Through My Camera publicados en el Saturday Evening Post en 1904. En1905, su ensayo sobre Kyoto apareció en Booklovers Magazine y Leslie's Monthly Magazine publicó el artículo ilustrado Women in Japan. También escribió sobre arquitectura japonesa y dio conferencias sobre el tema,  y presentó el artículo The Period of Daikan.

Sin embargo, al igual que muchas mujeres profesionales, se encontró con dificultades personales y económicas que finalmente la obligaron a abandonar la fotografía. Aunque fue incluida como miembro del primer American Photographic Salon en 1904, su participación en exposiciones comenzó a disminuir, hasta dejar la fotografía de retrato por los viajes a Capri, Inglaterra, París y después de la I Guerra Mundial a Cuba y Jamaica y posteriormente a la moda.

Así, el recuerdo de su logro como fotógrafo desapareció en gran medida, hasta que, muchos años mas tarde, en 2008, la Smithsonian  National Gallery, organizada por su redescubridor Goodyear, exhibió una antológica de la artista, titulada Zaida Ben Yusuf, fotógrafa de retratos en Nueva York, con 60 originales recuperados del olvido de la retratista más reconocida de Nueva York en el primer cuarto del siglo XX.

Referencias

Libros

jueves, 29 de marzo de 2018

Béatrice Helg

Béatrice Helg es una fotógrafa suiza (nacida en 1956 en Ginebra, donde vive y trabaja) conocida por la fusión de la fotografía de naturaleza muerta con la abstracción geométrica, así como por el uso de materiales industriales en sus obras.
BeatriceHelg

Cosmos XIV, 2016 © Béatrice Helg

Biografía

Béatrice Helg estudió cello en el Conservatorio de Música de Ginebra. Después, estudió fotografía en el California College of Arts and Crafts en Oakland, así como en el Brooks Institute en Santa Bárbara y, finalmente, en el International Center of Photography (ICP) en Nueva York.
Helg participó en 1979 participó en la organización de Venezia '79 - la Fotografia, donde los encuentros con Lisette Model y Robert Mapplethorpe fortalecieron su determinación de llevar su medio en nuevas direcciones. Influenciada por el constructivismo, el modernismo y la fotografía fabricada de la década de los 70, Helg comenzó a imaginar escenas que ella misma construía, sorprendentes fusiones de fotografía de naturaleza muerta, abstracción geométrica y materiales industriales. Con su pasión por la arquitectura y el teatro, construye imágenes, como escenografías, para explorar las formas, los matices y las texturas de materiales descuidados, como el metal oxidado y el vidrio esmerilado.
Beatrice crea en su estudio espacios artificiales hechos de metal, que consisten en un suelo soporte y un fondo vertical. En el primer plano y el centro coloca formas geométricas hechas de acero, plexiglás, papel, vidrio, piedra, ladrillo cuyo soporte se oculta cuidadosamente para dar la sensación de ingravidez. Todos los materiales utilizados son recuperados y luego corroídos o pulidos y cortados. Los modelos así construidos son pequeños, como máximo el tamaño de una mesa. Después de fotografiarlos, puede plasmarlos  en cualquier formato, desde 14x15 cm hasta 130x175 cm. Sus obras recientes son todas en gran formato.
Entre sus exposiciones más recientes se incluyen los del Museo Tinguely en Basilea,  Institut Valencià d'Art Modern (IVAM) y Rencontres d'Arles. También ha expuesto en la Photographers Gallery de Londres, Museo de Artes Fotográficas de San Diego y el Centro Carpenter para las Artes Visuales en la Universidad de Harvard.
Su obra se puede encontrar en las colecciones del Musée de l'Elysée en Lausana, de la Bibliothèque Nationale de France en París, International Center of Photography (ICP) en Nueva York, Sondra Gilman and Celso Gonzalez-Falla Collection of Photography en Nueva York, Museum of Fine Arts en Houston, Los Angeles County Museum of Art y la National Gallery of Canada en Ottawa.

Referencias

Libros y catálogos.

  • Dans la lumière de l’illusion, 2004.
  • Béatrice Helg, 2006.
  • A la lumiere de l'ombre, 2006.
  • Dans la lumière de l’illusion, 2007.
  • Mirages de l’infini – Photographies 1981 – 2010, 2010.
  • Béatrice Helg – Risonanze, 2012.
  • Béatrice Helg – Cosmos, 2015.

miércoles, 28 de marzo de 2018

Ole Marius Joergensen

Ole Marius Joergensen es un fotógrafo noruego (nacido en 1976, vive en Asker, en el Gran Oslo) que combina el humor y una variedad de surrealismo noruego en su trabajo y encuentra su inspiración en los paisajes interiores y exteriores de sus compatriotas. Le gusta rodar en las áreas escasamente pobladas de las regiones del norte. Muchas de sus icónicas imágenes reflejan los sueños y misterios de sus compatriotas y plantean cuestiones de identidad.

Something’s Wrong © Ole Marius Joergensen

Something’s Wrong © Ole Marius Joergensen

Biografía

Ole Marius Joergensen siempre estuvo fascinado por las películas de cine y, en un momento dado, quiso estudiar en la industria cinematográfica, comenzando sus estudios cinematográficos en la Southampton Solent University en el Reino Unido. Sin embargo, durante ese período se dio cuenta de que la producción de películas era un proceso extenso que es muy difícil de completar solo. Simplemente Ole era demasiado entusiasta e impaciente. Luego se dio cuenta de que era fácil transmitir su mensaje usando la fotografía.

Le pareció muy desafiante, pero aún más gratificante, contar una historia en una sola foto o en una serie fotográfica. la espontaneidad del hecho fotográfico, y el poder obtener un resultado completo en cuestión de horas en comparación con los meses necesarios en la industria del cine. Uno simplemente tiene la oportunidad de explorar la creatividad de uno mismo con mucho más detalle debido a los rápidos resultados.

Tras 2 años estudiando cine y otros 2 estudiando fotografía, Joergensen se lanzó al ruedo, pasando 4 años antes de conseguir su primera exposición. Actualmente es un fotógrafo artístico conocido por sus obras atmosféricas, cinematográficas y pictóricas, cuya inspiración se basa a veces en viejos cuentos populares y sagas nórdicas. Al igual que en las instantáneas de películas, los personajes de sus series fotográficas son capturados en mitad de una acción en las escenas definitorias de las historias que cuenta. Narrador de historias en el fondo, sabe que esto nos alentará a detenernos y a reflexionar sobre las narraciones que se están desarrollando, así como los mensajes que intenta transmitir.

Mediante el uso efectivo de los colores, establece los tonos de sus historias. También compone sus imágenes de forma que animan a nuestros ojos a fijarse en todos los detalles: los personajes, su entorno y las situaciones en las que se encuentran. Tanto es así que casi podemos imaginar las cosas que están a punto de suceder.

Ole trabaja solo. Se imagina una historia, luego dibuja su proyecto. Es de esos autores que componen una puesta en escena compleja. El proceso creativo toma tiempo: ubicar el lugar, encontrar los disfraces, los conjuntos, los modelos. Y luego está esa luz irreal, azul, rosada, etérea...

Ha conseguido numerosos premios por su trabajo, como IPA, The Paris Photography Prize PX3, Photo Focus, Moscow Photo Awards, … Ha expuesto en los Estados Unidos, Noruega y Hong Kong.  Está representado por la Galleri Ramfjord desde 2007.

Referencias

martes, 27 de marzo de 2018

Paul Russell

Paul Russell es un fotógrafo inglés (nacido en Londres en 1966, vive en Weymouth, Dorset) que realiza fotografía de calle y documental y cuyas fotografías son todas cándidas (no son posados).

© Paul Russell

© Paul Russell

Disfrutamos de los documentales tradicionales de la naturaleza, y los observadores de aves a menudo pasan horas esperando que un pequeño pájaro marrón anónimo deje su nido, por ejemplo, pero rara vez nos detenemos a examinar y considerar nuestro propio comportamiento cotidiano con tanto detalle.

Biografía

Paul Russell está interesado en describir cómo el comportamiento humano se ve afectado por el entorno, donde el ambiente es tanto biótico como abiótico. Piensa en su fotografía como un estudio de la historia natural humana y la ecología, y su enfoque ha sido construido por sus estudios académicos del comportamiento animal y la evolución. Captura el lado fascinante y estrafalario de lo que es la vida en general, con un ojo agudo para los momentos suavemente divertidos que aparecen y desaparecen en un instante.

El vivir en Dorset, le da una perspectiva diferente de los fotógrafos de la calle que viven y trabajan en Londres, donde el problema es filtrar la sobrecarga sensorial para conseguir algo manejable. Ha caminado a lo largo del paseo marítimo docenas, tal vez cientos de veces y conoce cada centímetro del terreno. En los días fuera de temporada, suele caminar en un estado de semi aburrimiento, buscando un evento fortuito, un elemento de cambio físico o un golpe en la normalidad para aliviar su aburrimiento.

Su trabajo  ha sido publicado en el libro autopublicado Eastleigh By-election 2013: My Week in Politics en 2013, que está en la colección del Museum of London, con parte de su trabajo. Es uno de los 46 fotógrafos internacionales presentados en el libro Street Photography Now de 2010. Es miembro del colectivo de fotografía callejera internacional In-Public desde 2010.

Ha realizado exposiciones individuales en diversos lugares del Reino Unido, como Beside the Sea en Gallery 435 en Sloughen en 2006, en South Hill Park Arts Centre en Bracknell en 2007 y en Clotworthy Arts Centre en Antrim, Irlanda del Norte en 2007, London Tourist's Guide y Beside the Sea en Housmans Bookshop en Londres en 2010, Stand Up! en Bank Street Arts en Sheffield en 2010, y exposiciones colectivas en diversos lugares del mundo.

Referencias

Libros

Su fotografía ha sido publicada también en:

  • 10 – 10 Years of In-Public, 2010. 
  • Street Photography Now, 2011.
  • London Street Photography: 1860–2010, 2011.
  • The Street Photographer's Manual, 2014.
  • 100 Great Street Photographs, 2017.

lunes, 26 de marzo de 2018

Barbaros Cangürgel

Barbaros Cangürgel es un artista visual turco (nacido en 1992 en Izmir, vive en Estambul) cuya obra, en video, instalaciones y en imagen fija, está profundamente influenciada por la poesía, la literatura y el cine. También está interesado en la sociología y la anatomía vegetal y en la teoría de la simulación de Jean Baudrillard.

BarbarosCangurgel

© Barbaros Cangürgel

Biografía

Barbaros Cangürgel ha estado haciendo fotografías desde que tenía 16 años. Es estudiante de Cine en el Departamento de Bellas Artes de la Universidad Dokuz Eylül. Está muy interesado en las artes visuales, y no se ve a sí mismo como un "fotógrafo", sino que prefiere definir sus imágenes como "datos visuales" en lugar de "imágenes digitales".

Ha desarrollado un estilo contemplativo, una muestra de colores difuminados y diferentes texturas, en las que trata de fijar un significado, transmitiendo una sensación de total serenidad. En los retratos, tiende a fotografiar sus modelos en escenarios naturales, ya sea en un bosque o en las afueras de una ciudad. La forma en que enmarca a sus modelos entre la naturaleza, dentro de rayos de sol o sombras de árboles, los hace parecer ninfas o personajes de cuentos de hadas. Sin embargo, su estilo realista mantiene sus retratos simples y con los pies en la tierra.

También tiene series, como sus autorretratos, en las que captura sentimientos extraños, a veces de depresión o ansiedad. Es la depresión existencial del ser humano en elementos formales.  Prefiere la fotografía de película a la fotografía digital.

Referencias

domingo, 25 de marzo de 2018

Balarka Brahma

Balarka Brahma es un fotógrafo indio (nacido el 22 de abril de 1984, vive en Calcuta) que realiza fotografía documental de forma freelance. Trabaja principalmente con ONGs para sus trabajos en diversos sectores, como educación, salud y atención mental, junto con sus proyectos personales.

© Balarka Brahma

© Balarka Brahma

Biografía

Balarka Brahma estudió informática.  Comenzó su viaje fotográfico en 2010, experimentando todo, desde el paisaje hasta la fotografía de calle, pero después de asistir a un taller sobre fotografía documental en 2012, se ha centrado  permanentemente en  la fotografía documental y el fotoperiodismo. Desde entonces se ha concentrado rigurosamente en historias sociales. Siempre ha tenido una gran fascinación con la narración visual y su poder para dar forma a la conciencia colectiva.

Ha trabajado con muchas ONGs basadas en Calcuta, como Jagaran, We Help Others, Parents Own Clinic, Institute for Social Work por sus diferentes actividades en áreas como educación, salud y atención mental.

Sus trabajos han sido publicados en importantes revistas nacionales e internacionales como National Geographic,  Fotoritim, Life Force magazine, Social documentary network, New York Times, The Sunday Guardian, Galli, The Wall Street Journal, Lens Culture, Lonely Planet, Homegrown, Better Photography e Invisible Photographer Asia.

Ha expuesto en la Kalyani University en India en 2014,  Siena Art Photo Travel Festival en Italia en 2016 y en el Angkor Photo Festival en Camboya en 2016. Es cofundador y miembro del colectivo de imágenes basado en Calcuta Pentaprism Creation.

Un de sus proyectos ha sido documentar la actitud positiva que las diversas comunidades musulmanas de Calcuta comparten con respecto al derecho a la educación, encargado por el Institute of Social Works. Tradicionalmente, a las madrazas se les ha dado más magnitud, pero ha habido un cambio hacia la educación afiliada al estado en áreas urbanas y ciudades más pequeñas. Las ONGs también trabajan para crear conciencia entre los padres y este movimiento hacia una educación más convencional ha hecho que sea más fácil para los niños hacer la transición a colegios y universidades.

También ha documentado la “redención” a través del fútbol de trabajadores sexuales y sus familias.

Referencias

sábado, 24 de marzo de 2018

Carme Gotarde

Carme Gotarde fue una pintora, dibujante, escultora y fotógrafa catalana (nacida en 1892 en Olot, Girona, fallecida en 1953 también en Olot). Retratista brillante y exquisita, fue una de las pioneras de la fotografía en Cataluña, al ser una de las primeras mujeres en trabajar profesionalmente como retratista.

Retrat de la naturalista Carme Gelabert. Foto de Carme Gotarde

Retrat de la naturalista Carme Gelabert. Foto de Carme Gotarde

Biografía

Carme Gotarde i Camps era hija de Antoni Gotarde Bartolí (1853-1920), que era el fotógrafo oficial de Olot con su estudio en la ciudad. Formada artísticamente por su padre, Carmen sobresalió en la fotografía, pero a lo largo de su vida también practicó el dibujo, la pintura, la escultura y el trabajo con el cuero y con el vidrio.

Obtuvo premios y distinciones en el campo de la fotografía artística en concursos y exposiciones celebrados en diferentes ciudades españolas: Cádiz (1915), Madrid (1916, 1921, 1927), Barcelona (1919 y 1928) y Zaragoza (1929 ). Las obras presentadas en estos certámenes solían ser bromóleos (sobre todo, retratos) y fotografías de paisajes de los alrededores de Olot.

Compaginó su faceta artística con su profesión, con la que se ganó la vida trabajando como retratista en su estudio, que comenzó a regir seguramente a partir de 1912, cuando su padre se puso enfermo. Fotografió imágenes para los catálogos de los talleres de santos y de la fundición Barberí y colaboró ​​esporádicamente en algunas publicaciones. Pero sobre todo fue la retratista de Olot de las dos décadas anteriores a la guerra civil, y buena parte de la sociedad olotina pasó por su estudio para fijar diferentes momentos de la vida: el nacimiento, la comunión, la boda, la ordenación sacerdotal, la consagración episcopal, el final del bachillerato, el inicio del servicio militar ...  También pasaron por su estudio personajes conocidos como el escultor Josep Clarà. Como creadora inició experiencias formales y temáticas innovadoras.

En 1927 el Museo de Arte Moderno de Madrid le admitió dos trabajos después de un concurso. En enero de 1928 hizo una exposición de treinta fotografías en el Centro Excursionista de Cataluña, en Barcelona, ​​que mereció muchos elogios.

A partir del año 1935, fecha de la muerte de su madre, conocemos poco de su vida y de su obra. Murió con 61 años en el convento de las monjas del Corazón de María de Olot, donde vivió en régimen de medio pensionado sus últimos 10 años.

Gracias a Colita y a la investigadora Mary Nash su obra fue redescubierta, y en el año 2005 se incluyó en la exposición Fotògrafes pioneres a Catalunya en el Palau Robert de Barcelona, junto con otras 11  fotógrafas olvidadas. En 2016 el Arxiu Comarcal de la Garrotxa, que conserva su archivo, le dedicó una exposición, con el título de Variacions Camps, donde se mostraban las fotos que ella y su padre habían hecho de Antònia Camps, su madre y mujer respectivamente.

Referencias

Libros

  • Carme Gotarde Camps (1892-1953), fotògrafa, 2009.
  • Fotògrafes pioneres a Catalunya, 2005.

viernes, 23 de marzo de 2018

Emili Godes

Emili Godes fue un fotógrafo catalán (nacido en 1895 en Barcelona, donde murió en 1970) dedicado profesionalmente a la fotografía industrial y publicitaria. Pero muy trabajador y polifacético, también destacó en la fotografía científica, el reportaje médico y la macrofotografía de animales y plantas.

Ocell de paper © Emili Godes

Ocell de paper © Emili Godes

Biografía

Emili Godes i Hurtado nació en una familia numerosa, siendo el mayor de siete hermanos. Su padre era tenor y también maestro de capilla. Tuvo educación musical  en canto y en violín, y también practicó la pintura de forma discreta. Con 15 años comenzó a iniciarse en la fotografía trabajando de aprendiz en la Casa de Fotografía Riba. En 1920 se convirtió en el encargado del gabinete del fotógrafo Narcís Cuyàs, uno de las más importantes de la época.

En 1923 se convirtió en uno de los socios fundadores de la Agrupació Fotogràfica de Catalunya. Como fotógrafo, evolucionó al ritmo que lo hizo el ámbito cultural europeo de la preguerra, pasando a través de los diferentes estilos y corrientes de la época, como la Nueva Visión, la Fotografía Pura y la Nueva Objetividad, de la que se le considera un representante en Cataluña.

Entre sus obras más valoradas se encuentran reportajes médicos y fotografías de animales y plantas. También realizó fotografías de cuadros de los artistas de la época, como Marc Chagall, André Masson, Emili Grau-Sala y Pablo Gargallo.

Pese al carácter multidisciplinar de su obra, el conjunto presenta rasgos comunes que, en síntesis, son: la nitidez, el énfasis en el detalle y en los contrastes, la precisión del encuadre y la importancia de la iluminación.

Ante la crisis de los estudios fotográficos en los años veinte optó por dedicarse profesionalmente al cine, realizando fotografía fija y luego varios cortos. En 1927 hizo un viaje a Córdoba y realizó una serie de reportajes de tipo documentalista y social. Desde 1928 trabajó ya siempre como fotógrafo independiente. En 1929 realizó un extenso documental sobre la Exposición internacional de Barcelona.

Durante la Guerra Civil, colaboró con el Comissariat de Propaganda de la Generalitat de  Catalunya como tantos otros fotógrafos catalanes. Una vez finalizada la contienda, Emili destruyó muchos de sus negativos para evitar represalias, y tramitó el  certificado obligatorio de afección al nuevo régimen, imprescindible para seguir ejerciendo como profesional.  A lo largo de su trayectoria profesional, nunca ejerció como fotógrafo de estudio, ni  practicó el reportaje social de bodas y bautizos. Tampoco trabajó para la prensa como reportero gráfico, si bien algunas de sus fotografías ilustraron reportajes en revistas de arte o de actualidad.

Tuvo laboratorio en su casa donde revelaba los negativos y procesaba todas las copias en blanco y negro, sin recurrir a laboratorios comerciales salvo en color. Sus primeras cámaras fueron de placa de vidrio y posteriormente utilizó cámaras como Leica, Rolleyflex y Linhof, tanto para película sobre placa como en rollo. Nunca tuvo interés en conservar un archivo que ahora sería de  un valor artístico, técnico y testimonial indiscutible. Participó en concursos obteniendo numerosos premios antes y después de la guerra.

Su obra puede encontrarse en diversas instituciones, como el Museo Nacional de Arte de Cataluña, el Museo Reina Sofía, el Archivo Municipal de Córdoba y en la Filmoteca de Catalunya, principalmente. En el Archivo Histórico Fotográfico del Institut d’Estudis Fotogràfics de Catalunya se conservan cerca de 900 imágenes originales, la mayoría de las cuales son negativos. Las fotografías son tanto artísticas y familiares, como documentales, científicas y médicas. Desde 2012, también pueden contemplarse algunas fotografías del autor en la nueva sala dedicada a las vanguardias fotográficas catalanas del Museu Nacional d’Art de Catalunya. Pero muchas de sus fotografías están en manos de aquellos que le hicieron encargos profesionales, particulares y empresas. Otras, se pueden  consultar en las publicaciones en que fueron incluidas, principalmente del ámbito científico o artístico.

Referencias

Libros

jueves, 22 de marzo de 2018

Anja Niemi

Anja Niemi es una fotógrafa noruega (nacida en 1976) que está considerada como "una de las artistas modernos más convincentes” que trabajan hoy en día. Siempre trabaja sola: fotografiando, escenificando y representando a los personajes ella misma en todas sus fotografías.

AnjaNiemi

© Anja Niemi

Tenemos una tendencia a encubrir nuestros defectos y nuestro deterioro, ocultando toda la fealdad de la vida y yo trato de poner un poco de humor al respecto.

Biografía

Anja Niemi estudió en el London College of Printing y en el Parsons School of Design en París y Nueva York.

Para crear una imagen hay muchas cosas que considerar y el proceso de Anja es hacerlo todo ella sola. Pasa la mayor parte del año preparándose, construyendo la historia, buscando lugares, coleccionando y haciendo disfraces. En el decorado preparado, se peina, maquilla y se viste con las ropas elegidas antes de finalmente representar la escena y hacer la toma. Todos los elementos que intervienen en la creación de la imagen y el proceso en sí se han convertido en parte de su trabajo. No considera sus fotografías como autorretratos pues se retrata representando un papel, convertida en un soldado de juguete o un payaso que llora durante el día, pero no se retrata a ella misma. A veces se multiplica y aparece varias veces en las imágenes como en Darlene & Me.

Como ejemplo de su trabajo, para su serie Short Stories trabajó exclusivamente durante 12 meses con una cámara Polaroid Press de los años 70 para estudiar visiones de la belleza femenina comercializada y el crimen desde la década de 1950. Produjo alrededor de 500 Polaroids, editando y creando ocho historias cortas que contienen personajes de ficción, objetos, paisajes e interiores.
Cada historia está inspirada en fotografías de objetos usados. Pestañas de diamantes de imitación, una hoja de reserva policial con huellas dactilares, una pistolera rusa y seis muñecas de 1940 con extremidades sueltas, cada una de las cuales lleva a un personaje separado, un capítulo en una colección privada de cuentos tragicómicos.

Niemi está representada exclusivamente por The Little Black Gallery desde 2012, que exhibe y promociona sus series. Do Not Disturb (2012), Starlets (2013), Darlene & Me (2015) y Short Stories ( 2016) se exhibieron en Photo London en 2015 y 2016. Partes estas series se exhibieron en Nueva York y en en Salon Zurcher Photo en 2016. Su serie The Woman Who Never Existed (2017) se estrenó en PHOTOFAIRS | San Francisco, siguiendo exposiciones en Shoot Gallery en Oslo, Galerie Photo 12 en París y The Little Black Gallery en Londres. Su nueva serie She Could Have Been A Cowboy se expondrá en la Galería Steven Kasher en Nueva York, Photo London con The Little Black Gallery y The Ravestijn Gallery en Ámsterdam.

Referencias

Libros

  • The Woman Who Never Existed, 2017.
  • Short Stories, 2016.
  • Anja Niemi / Photographing in Costume, 2015.

Su fotografía también ha aparecido en los libros:

  • Firecrackers: Female Photographers Now, 2017.
  • 1001 Photographs You Must See Before You Die, 2017.

miércoles, 21 de marzo de 2018

Simon Kossoff

Simon Kossoff es un fotógrafo inglés (nacido en 1969, vive en Kansas City, EEUU) cuyas imágenes, sueños, poemas y otros escritos dispersos son el resultado de los viajes que hace y que podrían describirse como una colección de puntos de coordinación psíquicos que ha tramado entre la América imaginada desde Inglaterra y la América real que ha encontrado desde su llegada a este país en 2008.

© Simon Kossoff

© Simon Kossoff

Biografía

Simon Kossoff nació en el norte industrial de Inglaterra, pero se crio en el sur, en Brighton. Se interesó por el arte desde temprana edad, comenzando entusiasta con la pintura pero terminó frustrado. Descubrió la fotografía en la escuela después de comprar a un compañero de clase una gran cantidad de película Polaroid robada y de repente se sintió liberado creativamente y conectado rápidamente con su calidad portátil, instantánea y de boceto, por las imágenes resultantes y por la corriente de ideas que la acompañaba.

Aunque la película se agotó, la pasión se mantuvo, aunque se dedicó a formarse como actor. A principios de los 90, con el deseo de volver a la fotografía, se unió a una clase de revelado en cuarto oscuro con la Royal Photographic Society y en el 97 se inscribió en Fotografía Editorial por la Brighton University graduándose en 1999 como el 1º de su promoción.

Después Kossoff vivió en Oslo y después de experimentar una serie de tragedias personales, vendió sus cámaras y pasó un tiempo viajando y escribiendo.

Su regreso a la fotografía se produjo mientras enseñaba inglés en Madrid, y compró su primera cámara digital y sintió el mismo flujo de ideas que había experimentado con las Polaroid y comenzó a documentar su vida interna y externa. En Madrid también conoció a su futura esposa y se mudó con ella a Kansas City, donde han estado viviendo durante los últimos años y donde ahora trabaja como técnico de emergencias médicas. Estados Unidos es una gran inspiración para Kossoff y lo ha estado fotografiando, dentro y fuera de la carretera, a nivel local y nacional desde su llegada, convirtiéndose en el tema central de su fotografía.

Referencias

martes, 20 de marzo de 2018

Freddy Alborta

Freddy Alborta fue un fotógrafo y cineasta boliviano (nacido en 1932 en La Paz y fallecido el 17 de agosto de 2005, también en La Paz) conocido por sus fotos del cadáver de Ché Guevara.

© Freddy Alborta

© Freddy Alborta

Los ojos abiertos, transparentes y brillantes, y la boca digna de un rictus palpitante, lo hacían diferente.

Biografía

Freddy Alborta Trigo trabajó como reportero gráfico para agencias como United Press International y Associated Press, así como para los diarios bolivianos Presencia, Última Hora y Jornada.

También fue fotógrafo oficial del presidente Víctor Paz Estenssoro en sus tres gestiones de Gobierno, entre 1952 y 1964,  y fue considerado uno de los reporteros gráficos más importantes de Bolivia hasta mediados de los años 80, cuando se retiró para atender su estudio privado.

El 10 de octubre de 1967 unos veinte periodistas y cuatro fotógrafos viajaron a bordo de un avión de la Fuerza Aérea Boliviana hacia Vallegrande para dar testimonio público de la muerte de Ernesto Che Guevara, que había sido ejecutado el día anterior por el ejército boliviano dirigido por la CIA, y poco después sería enterrado en absoluto secreto en una fosa común en el aeropuerto de aquella localidad.

Pocos días después, la fotografía del cadáver del Ché con los ojos abiertos como si aún tuviera vida, rodeado por militares, exhibido sobre la pileta de cemento del lavadero del hospital San Juan de Malta, se reprodujo en la prensa mundial, una vez que los negativos fueron comprados por 6$ por la agencia Reuters.

El testimonio de Freddy Alborta, sus reflexiones sobre la imagen y los sucesos que la rodean, aparecen en El día que me quieras, el film documental de Leandro Katz de 1997.

También realizó fotografías de paisajes y sobre las costumbres de la población andina, publicando un libro con esta temática.

Participó en varias exposiciones colectivas como la realizada en 2003 en la Galerie nationale du Jeu de Paume de París, en 2004 en Haus der Photographie en Hamburgo y en 2006 en el Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires.

Referencias

Libros

  • Bolivia, 1977.

lunes, 19 de marzo de 2018

Gus Powell

Gus Powell es un fotógrafo estadounidense (nacido en 1974 en Nueva York, donde vive y trabaja) constantemente inspirado en el entorno de su hogar. Captura los momentos íntimos compartidos con los transeúntes en las bulliciosas aceras de Nueva York.

© Gus Powell

© Gus Powell

Biografía

Gus Powell asistió al Oberlin College donde se especializó en religión comparada. Nacido y criado en Nueva York Gus vive y respira la ciudad. Constantemente inspirado en el entorno de su hogar, captura los momentos íntimos compartidos con los transeúntes en las bulliciosas aceras de Nueva York. Proyectos como Lunch Pictures muestran al público congelado en el tiempo y bañado en luz dorada, mientras que la serie Norfolk se ve como desconectada de su estilo, pero es que sin la energía de la ciudad, Powell se convierte en un tipo de fotógrafo completamente diferente.

En 2003 fue seleccionado para estar en los 30 under 30 de PDN y también publicó su primera monografía, The Company of Strangers.

Su trabajo ha sido mostrado internacionalmente, incluyendo una exposición individual en el The Museum of The City of New York y exhibiciones colectivas en el The Art Institute of Chicago, Museum of Fine Arts Houston y FOAM en Holanda.

Sus fotografías han sido publicadas en Aperture, Harpers, Vogue, M le mag - Le Monde, Wired, Fortune y W, y ha sido colaborador habitual de la revista The New Yorker durante una década. Es miembro del colectivo de fotógrafos de calle In-Public y es profesor del MFA Photography, Video and Related Media Department en la School of Visual Arts de Nueva York.

Su obra está incluida en los libros Bystander: A World History of Street Photography y Street Photography Now. Su segunda monografía, The Lonely Ones, se inspiró en el trabajo de William Steig y es una vuelta a su práctica anterior de usar imágenes y textos juntos. Este libro fue incluido en las listas de mejores libros de 2015 por PhotoEye, Vogue y PDN. Está representado por la galería Sasha Wolf en Nueva York.

Referencias

Libros

  • The Company of Strangers, 2003.
  • The Lonely Ones, 2015.

También ha contribuido en:

  • Bystander: a History of Street Photography, 2001.
  • Here is New York: A Democracy of Photographs, 2002
  • A Field Guide To The North American Family, 2007.
  • 10 – 10 Years of In-Public. 2010.
  • Street Photography Now, 2010.
  • The Street Photographer's Manual, 2014.

domingo, 18 de marzo de 2018

Frédéric Le Mauff

Frédéric Le Mauff es un fotógrafo francés (vive en Lion) que realiza fotografía de calle. Ya sea un paisaje, un momento de la vida, una persona o una simple luz, Frédéric captura el mundo a su alrededor.

FredericLeMauff

© Frédéric Le Mauff

Biografía

Frédéric Le Mauff empezó con la fotografía por casualidad en 2006. Durante dos años practicó como cualquier fotógrafo aficionado. Estaba interesado en las personas, pero no tenía el valor de acercarse a extraños. Un día, a finales de 2008, decidió dar el paso y comenzó su trayectoria en la fotografía callejera, en la filosofía de Nick Turpin con su "sentimiento de reacción": sentir cosas, sumergirse y reaccionar a lo que siente al fotografiar. El resto es para él de poca importancia y no desea documentar nada. Busca una cierta estética en la imagen, simpleza y huye de las múltiples capas, tan de moda en la fotografía de calle actualmente. Sale a la calle siempre con su cámara.

Ha sido miembro del colectivo Burn My Eye. Y en los 2 últimos años ha bajado su actividad, por lo menos en las redes.

Referencias

sábado, 17 de marzo de 2018

Sandra Ramos

Sandra Ramos es una fotógrafa española (nacida en 1979 en Barcelona, donde vive) que utiliza la fotografía para expresarse y transmitir sus emociones e ideas a través de imágenes. Tiene debilidad por la luz y por captar todos los matices que ésta le ofrece.

© Sandra Ramos

© Sandra Ramos

Biografía

Sandra Ramos Casasampera se graduó en fotografía en el IEFC de Barcelona. Le apasiona la fotografía analógica, la que trabaja tanto en formato 35mm como en el medio formato. También utiliza el formato digital dependiendo del proyecto.

Recientemente ha obtenido una mención Lux Junior por su obra RE-habitar, que ha sido premiada también en el concurso International Photography Awards, publicada en el magazine online IGNANT. Una de sus imágenes fue seleccionada por Vogue Italia online en Best of PhotoVogue y por la plataforma FeatureShoot para ser expuesta en una exposición colectiva en la galería Black Eye Gallery de Sídney (Australia). Con esta obra participará en el festival FineArt Igualada de 2018.

RE-habitar es un proyecto fotográfico poético que habla de vida, abandono, muerte y renacer. El concepto surgió de la idea de devolver la vida a muebles  y objetos que habían sido abandonados por considerarlos inservibles. Objetos que alguna vez fueron importantes en un hogar. Con el fin de devolver la vida a ellos los ha integrado en paisajes naturales, proporcionándoles un nuevo hábitat. Composición,  luz y paisaje fueron esenciales en el intento de dar protagonismo a cada uno de ellos. Es una reflexión sobre el mundo cada vez más consumista en el que vivimos y que en muchas ocasiones no damos el merecido valor a todo lo que poseemos. El proyecto consiste en nueve imágenes tomadas en diferentes lugares de las cuatro provincias de Cataluña.

También ha expuesto en solitario en Casa Elizalde de Barcelona y ha participado en el festival BFoto 2017 de Barbastro con su obra Caricias de Luz y en diversas exposiciones colectivas en la galería Tigomigo de Terrassa y en la Sala Caldera en Barcelona.

Carícies de llum es el resultado de una constante en Sandra, la búsqueda de la luz, tal vez influenciada por una infancia que transcurrió en una casa oscura. Capta los rayos de sol que durante la mañana, y por un corto espacio de tiempo, se filtran por las ventanas iluminando rincones, haciendo visibles los objetos, llegando hasta ella como una suave caricia. La luz le transmite bienestar, seguridad, paz, calor ... y todas las íntimas sensaciones que se integran en el triángulo “ser- espacio-luz”.

Referencias

viernes, 16 de marzo de 2018

Pep Escoda

Pep Escoda es un fotógrafo catalán (nacido en Tarragona en 1958) especializado en diseño de interiores y arquitectura, aunque sus proyectos han abarcado también otras especialidades fotográficas, como el retrato. Ha ganado 21 Lux (Premios Nacionales de Fotografía) en diferentes categorías como retrato, paisaje, arquitectura o trabajo personal. Ha publicado sus fotografías en más de 140 libros.

Christopher Walken © Pep Escoda

Christopher Walken © Pep Escoda

Biografía

Pep Escoda no fue buen estudiante. Hijo de una familia marinera, se formó y forjó en el Mediterráneo trabajando en una barca. Con 18 años ingresó en la marina española, Después estudió pintura en la Escuela de Arte y Diseño de la Diputación de Tarragona. De formación autodidacta en la fotografía abrió su estudio en 1990, trabajando como fotógrafo profesional desde entonces.

Aunque se especializó en diseño de interiores y arquitectura, sus proyectos han abarcado otras especialidades fotográficas. Ha ganado 21 Lux (Premios Nacionales de Fotografía) en diferentes categorías como retrato, paisaje, arquitectura o trabajo personal.

Viajero y nómada, ha publicado sus fotografías en más de 140 libros, publicados por editoriales como Taschen, Daab, TENEUES y Harper Design New York y en revistas y magazines como Condo Living Miami, Espacios Mediterráneos, Magazine de la Vanguardia, ICON Magazine, Arquitectura y Diseño, Ocean Drive Miami, Hombres & Houses, New York Times, entre otros.

Ha participado en muchas exposiciones colectivas, siendo la última Inside in Med Photo-Fest Catania en Sicilia. También Sincerely Yours en la galería Valid Foto, Passion and Melody Of Mediterranean en el Menage Central Exhibition Hall de San Petersburgo, Art Basel Miami, Drive my Car en Tagomago Gallery en Barcelona.

Sus últimas exposiciones individuales son El Calaix dels Somnis (El Cajón de los sueños) en la Fundació Catalunya Caixa y Inside Tarragona para FineArt en Igualada, Barcelona.

Referencias

Libros

  • A les vinyes de Déu, 2014.
  • Tela marinera! : de la mar a la nostra cuina, 2014.
  • Santa Tecla: 5 visions, 2010.
  • El Mercat Central de Tarragona : un mercat de vida, 2010.
  • Patrimoni cultural de la Comarca del Priorat, 2008.
  • Els Pobles medievals de Tarragona. El Tarragonès, 2007.
  • Barcelona Hotels & More, 2007.
  • Barcelona : restaurants and more, 2007.
  • Barcelona : shops and more, 2007.
  • Shalom Tarragona, 2007.
  • La Memòria de l'efímer, 2006.
  • Char3 : poesia i metamorfosi, 2006.
  • Els Pobles medievals de Girona. La Garrotxa, 2005.
  • Las Doce cosechas del fraile Clos de l'Obac : 12+1 del Priorat, 2004.
  • 10è Festival Internacional Dixieland [Visual] : a Tarragona el jazz tradicional, 2003.
  • Loci. Tarragona Revelada.
  • Nuevos Hoteles
  • 12+1 Les dotze collites del Frare
  • Hotels,  Arquitectura i Disseny
  • Paris Architecture&Design
  • hasta 140 libros donde su fotografía ha aparecido …