miércoles, 28 de febrero de 2018

Julian Schulze

Julian Schulze es un fotógrafo alemán (vive en Berlín) al que le encanta la fotografía abstracta y surrealista y siempre está en movimiento para encontrar una arquitectura inspiradora.

© Julian Schulze


Creative Commons: Attribution-NonCommercial-NoDerivatives. Julian Schulze

Las ciudades en las que vivimos, por más concretas que puedan parecer, están llenas de formas geométricas abstractas.
Una calle de cemento que se cruzó 1000 veces por la mañana, puede convertirse en un paraíso abstracto cuando la luz del sol de la tarde provoca una extravagancia de sombras y nuevos ángulos.
Es esta belleza oculta la que amo y trato de revelar.

Biografía

Julian Schulze es un fotógrafo y artista radicado en Berlín, que se centra en la abstracción geométrica y en las composiciones minimalistas. Sus fotografías a menudo se componen de uno o dos colores o elementos y son escenas de todos los días, en su mayoría arquitectura moderna urbana.

Sube sus series fotográficas a redes sociales con cierta periodicidad y siempre encontramos la ciudad como protagonista. El factor común es la arquitectura, los detalles urbanos, cambiar el punto de vista viciado que tenemos en nuestra ocupadísima vida y darnos cuenta de que la ciudad hay una belleza que nunca vemos, pero que ahí está.

En sus fotos no aparecen las personas que habitan la ciudad y el ruido y movimiento urbano desaparece en un silencio que es una magia que nos permite observar detalles que hacen bella nuestra conocida ciudad, el aburrido y común camino a casa.

Cada toma está compuesta expertamente, usando la luz del día, sombras y color para crear un lienzo en 2D a partir de una escena en 3D, girando a veces la imagen para crear una mayor abstracción.

Referencias

martes, 27 de febrero de 2018

Jaromír Funke

Jaromír Funke fue un fotógrafo checo (nacido en Skuteč, Bohemia, el 1 de agosto de 1896, fallecido en Praga el 22 de marzo de 1945) que participó en los movimientos constructivista y surrealista.​ Utilizó fotogramas y abstracciones, bajo la influencia de la Nueva visión. Está considerado como uno de los principales representantes de la vanguardia checa en los años 30.

© Jaromír Funke

© Jaromír Funke

Biografía

Jaromír Funke estudió medicina, pero en 1918 se trasladó a Praga para estudiar derecho en la Universidad Carolina, ya que en su familia existía una tradición de juristas.

En la capital comenzó a interesarse por la fotografía, por lo que abandonó sus estudios en 1920 dedicándose intensamente a hacer fotografías. Al principio, se centró en planos prácticos de Kolín y sus suburbios, paisajes románticos y lugares alejados de la ciudad, trabajando en el estilo pictorialista. 

En 1922 decidió dedicarse a la fotografía como freelance. Hacia 1923 realizó sus primeras fotografías de vanguardia, principalmente naturalezas muertas, influenciadas por el cubismo, la nueva objetividad y el arte abstracto. En 1924 fue cofundador de la Sociedad Checa de Fotografía (Ceská fotografická) junto a Josef Sudek y Adolf Schneeberger. En 1931 realizó su primera exposición en Praga con una serie fotográfica titulada Reflexes.

Funke realizaba "juegos fotográficos" con espejos, luces y objetos insignificantes, como platos, botellas o vasos, para crear obras únicas. Su naturaleza muerta creó formas abstractas y jugó con sombras similares a los fotogramas, en un trabajo que era lógico, original y expresivo en naturaleza. Una característica típica de su trabajo fue la "diagonal dinámica".

Su obra muestra influencias del trabajo de František Drtikol que incorporaba elementos de las vanguardias como el expresionismo, el cubismo y la abstracción. Al principio recibió influencias del constructivismo de Aleksandr Ródchenko y después del surrealismo de Man Ray, pero se fue distanciando de ellos y su trabajo se asoció en mayor medida a la Nueva Visión. En el marco de las vanguardias fotográficas checas de la época se encuentra más próximo a Josef Sudek y en un campo opuesto a Karel Teige, con el que colaboró en la sección checa de Film Und Foto.

En 1931 también comenzó su actividad docente en fotografía, primero en la escuela de aprendices de Bratislava, después en la escuela de arte de la misma ciudad y desde 1935 en la Escuela de Artes Gráficas de Praga. Otro aspecto en el que trabajó fue la crítica de arte, colaborando con artículos y sus fotos en diversas publicaciones como Fotograficki Obzor.

En 1937 y 1938, hizo dos viajes importantes a la Ruthenia subcarpática, una región montañosa ahora parte de Ucrania, que daría lugar a dos series fundamentales de fotografía de paisaje. La guerra le imposibilitó viajar y fue un miembro activo en el grupo Sociofoto que se implicaba en la denuncia de la situación de los pobres y entre 1944 y 1945 estuvo colaborando con la cooperativa DORKA de Praga. Entre 1940 y 1944 estuvo trabajando en una serie fotográfica titulada Ciclo de la tierra insatisfecha como reacción a la Segunda Guerra Mundial.

Murió en Praga al tener que ser operado de urgencia y no poder serlo por un alarma aérea. Su obra es gestionada por su hija Miloslava Rupešová.

Referencias

Libros

  • Od fotogrameuk emoci.
  • Fotograficki vidi povrch (Superficies fotográficamente visibles), 1944.
  • Jaromír Funke - Fotografie, 1970.
  • Československý biografický slovník, Encyklopedický institut ČSAV, 1992.
  • Jaromír Funke - fotografie 1919-1943 - věci skleněné a obyčejné, 1995.
  • Jaromír Funke. Průkopník fotografické avantgardy, 1997.
  • Česká fotografická avantgarda 1918-1948, 1999.
  • Vues d' architectures - photographies des XIXe et XXe siecles, 2002.
  • A flash of avant-garde, or Jaromír Funke, 2004.
  • Jaromír Funke, 2004.
  • Jaromír Funke. Between Construction and Emotion, 2013.

lunes, 26 de febrero de 2018

Jacob Holdt

Jacob Holdt es un escritor, conferenciante y fotógrafo danés (nacido el 29 de abril de 1947 en Copenhague) que ganó fama internacional en 1977 por sus reveladoras fotográficas de las dificultades de las clases bajas de los Estados Unidos, en su gigantesca obra, American Pictures.

© Jacob Holdt

© Jacob Holdt

Biografía

Jacob Holdt es hijo de un pastor de la Iglesia de Grundtvig en Copenhague. En 1950, su familia se mudó al pequeño pueblo de Fåborg, donde pasó la mayor parte de su infancia. Fue expulsado de la escuela secundaria en 1965, y después de 8 meses en la Guardia del Palacio Real, también fue expulsado y luego durante un par de años participó en protestas contra la Guerra de Vietnam y las condiciones de vida en el Tercer Mundo.

  En la primavera de 1970, Holdt partió hacia Canadá, donde fue invitado a trabajar en una granja. Desde allí planeó hacer autostop a Chile, donde tenía la intención de apoyar la lucha democrática de Salvador Allende. Pero en su camino a través de los Estados Unidos, fue detenido a punta de pistola por un grupo de jóvenes negros y se involucró rápidamente en su lucha en los siguientes 4 años.

Al llegar con solo 40$ en el bolsillo, quedó conmocionado y fascinado por las diferencias sociales que encontró, y recorrió el país durante más de cinco años haciendo autostop y recorriendo más de 100.000 millas y haciendo numerosas fotografías, vendiendo su plasma sanguíneo dos veces por semana para comprar las películas. Pernoctó en más de 400 casas, desde los trabajadores migrantes más pobres hasta las familias más ricas de Estados Unidos (incluidos los Rockefeller), registrando estos encuentros en más de 15.000 fotografías realizadas con su barata cámara de bolsillo. Llegó a convivir con gente tan pobre que comían comida para gatos y vivían rodeados de suciedad, a menudo en chozas infestadas de ratas. Su trabajo capturó la lucha diaria de la clase baja estadounidense, contrastándola con imágenes de la vida de la élite estadounidense.

Al regresar a Dinamarca en 1976, Holdt comenzó a dar conferencias sobre las diferencias sociales en los Estados Unidos y más tarde presentó su colección de diapositivas en más de 300 campus universitarios en los Estados Unidos. American Pictures tuvo un profundo impacto en los jóvenes de Escandinavia y Alemania, y el bloque comunista vio una oportunidad de usar su trabajo contra la campaña de derechos humanos del presidente Carter. La KGB se le acercó y Holdt vio una oportunidad con la ayuda de la Unión Soviética para documentar la burocracia marxista en Angola. Y quiso emplear el dinero obtenido con American Pictures en la construcción de un hospital en apoyo de la lucha contra el apartheid.   

Cuando su libro fue publicado en 1977, la KGB le reveló su intención de usarlo en una campaña abierta contra Carter para tratar de demostrar que los derechos humanos fueron violados tan atrozmente en Estados Unidos como en Rusia, pero Holdt contrató a un abogado para detener la publicación de su propio libro en todo el mundo, logrando hacerlo salvo en Alemania, Holanda y Escandinavia y no lo volvió a publicar hasta el final del comunismo. Como resultado de perder la mayor parte de sus esperados ingresos del libro, Holdt no pudo financiar el hospital sino solo una escuela de enfermería para la guerrilla del SWAPO con fondos de la Unión Europea.

Junto con sus continuas conferencias Holdt ha trabajado desde 1991 como voluntario para CARE (Cooperativa de Asistencia y Socorro en todas partes) en varios países del tercer mundo, documentando las vidas de los desposeídos. Sus proyectos más recientes también se han centrado en grupos de supremacistas blancos, pasando tiempo viviendo con los líderes del Ku Klux Klan y fotografiando sus vidas diarias. Sin participar de sus opiniones políticas, encuentra similitudes en el trasfondo entre los supremacistas blancos y las minorías pobres.

Ha expuesto en el Deutsche Börse Photography Prize en la The Photographers' Gallery de Londres, y en 2009/10 en el Museo de Arte Moderno de Louisiana.  

      

Referencias

Libros

  • American Pictures. 1977. 
  • Indians and Campesinos in Bolivia, 1991.
  • Nepals Jord, 1996.
  • Faith, Hope & [love]: Jacob Holdt's America, 2009.
  • Tro, håb og kærlighed – Jacob Holdts Amerika, 2010.
  • United States 1970–1975, 2007.

domingo, 25 de febrero de 2018

Juan Cerón

Juan Cerón es un fotógrafo español (murciano nacido en 1973) que aúna en la fotografía el proceso técnico y el documentado, entendiendo ésta no sólo como un poderoso instrumento de comunicación visual sino de creación artística, con el que, además de poder detener el instante, éste se puede abordar a través de una historia que contar y compartir.

© Juan Cerón

© Juan Cerón

Biografía

Juan Antonio Cerón García estudió Derecho en la Universidad de Murcia, desarrollando su trabajo en la Concejalía de Cultura del Ayuntamiento de Molina de Segura, como gestor cultural en el Teatro Villa de Molina. Contactó con el mundo de la fotografía a comienzos del 2007 cuando, teniendo en sus manos su primera cámara réflex, entendió la fotografía como un poderoso instrumento de comunicación visual y creación artística, con el que se puede capturar un instante y, además, contar una historia.

De formación principalmente autodidacta y entusiasta, realizó varios cursos de ampliación en la técnica y edición fotográficas, recorrió esos caminos comunes que recorremos todos, y ahora desarrolla proyectos más personales, como Donde habita el olvido y Anaqronías.

En Donde habita el olvido ha recogido casas de labranza, cortijos abandonados, colegios vacíos, ventas solitarias, molinos detenidos, espacios deshabitados que el tiempo ha relegado al olvido, que la soledad y el deterioro han condenado irremediablemente, pero que se resisten a desaparecer sin su último grito de fuerza, sin su último latido de belleza. Esta serie ha sido exhibida desde 2015 por toda la provincia de Murcia (incluyendo propuesta escénica de danza contemporánea en la inauguración en la galería Camera Work de Murcia). También ha sido seleccionadas para ser proyectada en la Feria Internacional de Turismo (FITUR) y para el visionado de proyectos fotográficos de artistas murcianos dentro del marco de colaboración de la Comunidad Autónoma de la Región de Murcia con PHotoEspaña.

Anaqronías, proyecto en curso, es una interpretación fotográfica contemporánea basada en un estudio documentado de El Quijote de Cervantes, donde ha tratado de rescatar aquellos personajes (en su mayoría femeninos) de carácter secundario, terciario, imaginario...y sacarlos a la realidad fotográfica dotándolos de una anacronía, de un elemento anacrónico siempre relacionado con el rol del personaje en la novela, que nos traslade de la imagen pictórica, de lienzo antiguo (inicialmente pretendida) a una imagen actual, a una fotografía de nuestro tiempo, jugando así con la anacronía como error estético necesario e intencionado.

Ha participado, junto con destacados artistas murcianos, en la Conferencia en torno al planteamiento y desarrollo del proyecto fotográfico una vez concluido en el Museo del Enclave de La Muralla (MUDEM) en Molina de Segura en 2017.

Ha participado como jurado en 17 Objetivos de Desarrollo Sostenible (ODS) de las Naciones Unidas, que integran la exposición Fotografías para transformar nuestro mundo, de la EGADE Business School Monterrey (México).

En 2018 documentará el proceso de cultivo del arroz bomba de Calasparra por la correspondiente Denominación de Origen.

Referencias

sábado, 24 de febrero de 2018

Ana F. Martín

Ana F. Martín es una fotógrafa española (nacida en Granada, vive en Aalborg, Dinamarca) que realiza de forma freelance fotografía de calle y urbana.

© Ana F. Martín

© Ana F. Martín

Biografía

Ana F. Martín se relacionó con la fotografía desde que era pequeña, usando aquellas cámaras de apuntar y disparar con rollo de película, yendo a la tienda de fotografía para le revelaran y viera cómo lucían sus fotografías. Conforme siguió creciendo, su interés por la fotografía siguió aumentando, sin embargo, nunca la consideró como una carrera profesional, tal vez debido a la presión de sus padres y la sociedad, así que terminó estudiando una licenciatura en Gestión del Turismo en la Universidad de Granada, porque siempre le gustó viajar a nuevos lugares y descubrí otras culturas de la mano de la gente local.

Cree que el mundo es demasiado grande e interesante como para permanecer en el mismo lugar durante toda su vida, y ha vivido en Italia y Londres durante un largo período de tiempo mientras viajaba por Europa. Su estancia en Londres le abrió la mente a un nivel completamente nuevo que nunca antes había experimentado. El tiempo libre que tenía en su trabajo lo usó para desarrollar su visión yendo a museos, galerías y todo tipo de presentaciones artísticas que podrían ayudarle a dar el paso para transformar su pasión por la fotografía en una carrera profesional.

El tipo de fotografía que más le gusta y que se ajusta mejor a su propio estilo y personalidad es el que muestra la vida cotidiana y las cosas comunes que suceden a nuestro alrededor todo el tiempo desde un punto de vista artístico. Cree que todos tenemos una forma particular de ver el mundo y es deber del fotógrafo "congelar" ese momento, darle alma y significado, mostrarlo y tratar de abrir los ojos de aquellos que están demasiado ocupados para mirar a su alrededor, especialmente en estos días en que vivimos ahora.

Referencias

viernes, 23 de febrero de 2018

Heidi Levine

Heidi Levine es una fotoperiodista estadounidense (nacida en Boston, Massachusetts, vive en Jerusalén) que por más de treinta años ha inmortalizado con su cámara los conflictos más críticos del Medio Oriente. A través de su obra puede y quiere dar voz a aquellos que no pueden ser escuchados, con el objetivo de trabajar hacia una mejor comprensión entre las poblaciones para lograr un cambio positivo.

© Heidi Levine

© Heidi Levine

Biografía

Heidi Levine siempre sintió a lo largo de su infancia y adolescencia el impulso y la necesidad de ayudar a los demás. Su padre era un entusiasta de la fotografía y le dio su primera cámara cuando tenía 16 años, despertando en ella, junto con la lectura del Boston Globe con sus páginas pobladas con fotos en blanco y negro que mostraban hambruna, pobreza y conflicto, el deseo de convertirse en periodista.

Ingresó en la universidad con estudios orientados al periodismo y la psicología. Comenzó su carrera como periodista en un viaje teórico de 6 semanas a Israel, pero Associated Press (AP) le ofreció trabajo allí en 1983. Su profesor de periodismo le dijo que aprovechara la oportunidad y se quedó en lugar de volver a la universidad, trabajando y creando una familia con tres niños. Levine tiene actualmente un master en Fotoperiodismo y Fotografía Documental por el London College of Communication. A partir de 1993 trabaja con la agencia de fotografía francesa Sipa Press.

En el transcurso de su carrera de fotoperiodista, Levine ha cubierto los momentos más críticos en el Medio Oriente, incluidas las revoluciones en Egipto y Libia, la crisis en Siria, la guerra entre Israel y el Líbano y, sobre todo,  los numerosos conflictos en la Franja de Gaza.

Sus otras tareas han incluido documentar la angustiosa práctica del feticidio femenino en la India para el Sunday Times Magazine, la difícil situación de los refugiados iraquíes que viven en Jordania, Siria y Suecia y el éxodo actual de refugiados que huyen de la guerra en Siria. En 2003, cubrió la invasión de EEUU a Iraq y, en 2006, se incrustó entre las tropas de los EE UU para documentar las vidas de las mujeres soldado. También ha trabajado en Afganistán y Georgia.

Sus fotografías han aparecido en numerosas publicaciones internacionales, incluidas Time, Stern, Focus, The Sunday Times Magazine, Paris Match, L'Express, Newsweek, Forbes Magazine, The New York Times Magazine y Amnesty International.

Ha ganado numerosos premios por sus fotografías de conflictos, entre ellos el Premio de Plata en la categoría de video/multimedia en los Canadian Online Publishing Awards, una mención de honor en NPPA's Best of Photojournalism por International News Picture Story, y una nominación a los premios Emmy en 2012. En 2015 ha obtenido el Prix  Bayeux Calvados para corresponsales de guerra, con su informe sobre Gaza titulado Guerra y curación en Gaza en el que muestra las consecuencias de los bombardeos israelíes sobre la población palestina. La International Women's Media Foundation en Washington también le otorgó el premio Anja Niedringhaus Courage in Photojournalism Award en 2015.

Referencias

jueves, 22 de febrero de 2018

Gaston Braun

Gaston Braun fue un fotógrafo francés (nacido en 1845 y fallecido en 1928) dedicado especialmente a la fotografía de obras de arte y conocido por emplear las últimas técnicas de reproducción fotográfica de la época y vender su producción a escala internacional.
 
Gaston Braun
Gaston Braun

 

Biografía

Gaston Braun fue hijo del también fotógrafo Aldolphe Braun, y heredó el estudio de fotografía de su padre, donde había trabajado con él. Continuó con la misma labor y en 1873 se asoció con su suegro, el también fotógrafo Pierre-Louis Pierson y su cuñado Léon Clément. Desde 1874, fue miembro de la Société Française de Photographie.
 
En 1883, consiguieron un contrato de exclusividad de 30 años con el Museo del Louvre para reproducir 7.000 obras, que serían propiedad del Estado francés. A cambio, la  empresa (todavía denominada Adolphe Braun et Cie) consiguió el título del fotógrafo oficial del Museo del Louvre.
 
Los diversos establecimientos Braun encabezados por Gaston en sus inicios publicaron desde 1855 a 1968 una cantidad considerable de fotografías, grabados, impresiones y tablones. Se estima que alrededor de 1898, cuando se construyó la nueva fábrica en Dornach (cerca de Mulhouse, en Alsacia), el fondo tenía alrededor de 80.000 clichés, la compañía empleaba a cerca de cien empleados, y también tenía sede en París y Nueva York.
 
Su foco principal estaba en la fotografía de flores y paisajes. En lo que respecta a Alsacia, en 1859, Adolphe Braun reunió en dos volúmenes 120 planchas de gran formato de fotografía de Alsacia. Sus sucesores de fines del siglo XIX reunieron alrededor de 300 paisajes urbanos y rurales en una serie llamada Vues d'Alsace. Otros puntos de vista, especialmente las escenas de género, ilustran la Revue alsacienne illustrée au début du XXe siècle (1905-1910). El uso del huecograbado y heliograbado, formatos más pequeños, permitieron una muy amplia difusión de estas fotografías.
 
Inscrito dentro de las tendencias fotográficas pictorialistas del siglo XIX, Gaston viajó a España para retratar escenas pintorescas de época. El país era entonces un enclave que atraía a numerosos fotógrafos en busca del ideal romántico. Entre las instantáneas que realizó, destaca sobre todo la gran fotografía del Patio de los Leones de la Alhambra de Granada (hacia 1880), excepcional en la época por sus dimensiones (77,5 × 63,5 cm).
 
Fue tomada a través de un proceso al carbón, el método Swan, del que su padre había adquirido la patente, con un negativo de las mismas dimensiones que la fotografía final. El fotógrafo transportó el negativo al positivo a través de papel tisú impregnado en gelatina bicromatada. Con esta técnica, uno de los procesos más desarrollados de cuantos emplearon los fotógrafos de finales del XIX, logró enriquecer artísticamente su visión de la realidad, ocultando el efecto fotográfico como tal.
 
En la actualidad, su trabajo en España ha sido motivo de distintos homenajes y exposiciones, entre las que destacan La mirada cautiva, España a los ojos de Europa. Viajeros del siglo XIX, organizada en 2005 por la Universidad de Navarra con fondos de su colección y Profecías, muestra que pudo verse durante PHotoEspaña 2010 en el Museo de la Ciudad de Madrid y que recogió el diálogo entre obras de fotógrafos contemporáneos y piezas de autores del siglo XIX, procedentes del Fondo Fotográfico de la Fundación Universitaria de Navarra (FFF).
 

Referencias

Libros

  • Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al siglo XXI, 2013.
  • Vues d'Alsace 1880-1930, 2013
  • Le musée du Louvre, con Paul Vitry.
  • Dictionnaire de chimie photographique à l'usage des professionnels et des amateurs, con Adolphe Braun, 1904.
  • Braun & Cie. Catalogue Géneral des Photographies inalterables au charbon, 1887.

miércoles, 21 de febrero de 2018

Antoni Bernad

Antoni Bernad es un fotógrafo catalán (nacido en Barcelona en 1944) reconocido por haber trabajado en revistas de moda y en el ámbito publicitario.

Manolo Blahnik, 1998 © Antoni Bernad

Manolo Blahnik, 1998 © Antoni Bernad

Biografía

Antoni Bernad i Margarit estudió Bellas Artes y inició su vida profesional trabajando durante seis años de grafista para agencias de publicidad, lo que le permitió entrar en contacto con grandes figuras de la fotografía, que siempre le habían atraído. Así, en 1966 y de forma autodidacta dió el salto a la fotografía de moda, al ver en ella una forma expresiva que le permitía trabajar con gran libertad, y se instaló en París.

Al año volvió a casa, con el pelo a lo afro y habiendo sido tremendamente desgraciado, pasando mucha hambre y mucha soledad. Un día visitó la redacción de Telva y Covadonga O'Shea, su directora de entonces, vio su trabajo y le hizo tres encargos, entre ellos un especial de Pertegaz, realizando su primera sesión de moda en el año 66. Y a partir de ahí, fue desarrollando su carrera profesional realizando portadas en las mejores cabeceras del mundo y muchas sesiones de moda haciendo tonterías para que las modelos estuvieran cómodas y así poder llegar a su esencia.

A diferencia de los fotógrafos de agencia de la época, que imprimían a sus trabajos una perspectiva muy técnica, Bernad comenzó a fotografiar aportando una visión más estética, con un estilo que no se deja etiquetar fácilmente. Su trabajo refleja un gran control de la escena, donde se pone de manifiesto su pasión por el arte, la arquitectura, el cine, el teatro, la danza y la música. En sus imágenes, todas estas disciplinas conforman un universo creativo que Bernad sabe conjugar como fuente de creatividad, y lo plasma a través del tratamiento de figuras y de la luz tanto en interiores como en exteriores. Este dominio del espacio y el control de la puesta en escena le permite crear universos, contar historias y despertar emociones. Ha utilizado mayoritariamente el blanco y el negro con contrastes delicados que dota a sus imágenes de naturalidad y calidez.

Durante más de 40 años ha trabajado y colaborado con las mejores publicaciones profesionales, convirtiéndose en uno de los fotógrafos de moda más solicitados y reconocidos: Elle, Vogue, Vanity Fair, Marie Claire, AD, Telva, El País Semanal, Yo Dona , Woman y clientes como Pronovias, Chanel, Cartier, Van Cleef & Arpels, Carolina Herrera, Emporio Armani, Zara, Massimo Dutti, Pertegaz, MANGO, ...

Pero Bernad no es sólo un fotógrafo profesional de moda, su trabajo como retratista va más allá del encargo profesional. Por delante de su cámara han pasado personajes como Dalí, Paloma Picasso, Horst, David Hockney, Tàpies, Catalá-Roca, Manolo Blahnik, Joan Miró, Mercè Rodoreda, Josep Pla, Nuria Espert, Teresa Gimpera  y Ryszard Kapuściński ... En sus retratos siempre intenta llegar al alma y reflejar las emociones más íntimas, evitando el efectismo y buscando una lectura de la imagen directa y clara. Una selección de sus retratos más relevantes sobre personajes catalanes fue publicada en 1984 en formato libro con el título Catalans. Retrats y ha sido objeto de varias exposiciones.

Participó en la exposición New York Catalonia: Design & Art & Fashion en Armory, Nueva York, en 1990 y desde entonces ha realizado varias exposiciones como las de la Pasarela Gaudí y el Palau Robert en Barcelona en ​​2002 y 2005, respectivamente, We Got it en el Casino de Ibiza en 2001. También en el Museu Nacional d’Art de Catalunya, el Reina Sofía de Madrid y el Museu Palau Solterra de la Fundació Vila Casas. Tiene obra en las colecciones de los museos MNAC y MACBA.

Referencias

Libros

martes, 20 de febrero de 2018

Gabriela Morawetz

Gabriela Morawetz es una artista polaca (vive y trabaja en París) que emplea la fotografía en diversos soportes creando una obra que acompaña con esculturas o videos. Sus trabajos son diferentes y únicos.

© Gabriela Morawetz

© Gabriela Morawetz

Biografía

Gabriela Morawetz estudió grabado, pintura y escultura en la Academia de Bellas Artes de Cracovia en 1975, y también estudió en el Centre Contemporaine de Gravure en Ginebra, Suiza. Practicando la fotografía autodidacta, ganó el 1er premio en la 5ª Exposición Internacional de Fotografía en Wroclaw. Residió en Venezuela de 1975 a 1983, donde su trabajo se enriqueció con nuevas culturas.

Desde 1983, vive y trabaja en París y, a partir de 1990, se dedica casi exclusivamente a la fotografía, pero sus obras se realizan en varios medios (pizarra, lienzo, vidrio, plexiglás, ...) gracias a una emulsión de plata o una impresión de pigmento. A veces se someten a técnicas de torneado y luego se cubren con una fina capa de cera (collage encáustico) para darles la apariencia de fotografías antiguas. Completa su trabajo fotográfico con instalaciones de escultura y videos. Todos son trabajos diferentes y por lo tanto únicos.

A menudo retratan cuerpos de mujeres y hombres que nos arrastran a un mundo de ensueño donde la mirada se divide y se pierde en las sucesivas capas de superposiciones, creando un realismo místico, que por sus prácticas únicas de fotomontaje, son imágenes figurativas en dos y tres dimensiones. Sus obras tienen múltiples capas en ricas referencias culturales y están construidas físicamente con capas de pantallas transparentes, hilos e incluso mini instalaciones. La mayoría de los objetos utilizados para las instalaciones también están hechos, esculpidos y construidos por el artista.

Gabriela ha realizado decenas de exposiciones en grupo y en solitario en galerías y museos de América del Norte, América del Sur y Europa, incluidos el Centro Cultural de Chicago, la Galería de Arte Moderno de Lodz, Polonia, el Museo de la Fundación Recanaty en Israel, y en Nueva York, Baltimore, Miami, Japón, París, Varsovia, … Y en 2008 tuvo una exposición individual en el Museo de Arte Contemporáneo de Caracas. Sus trabajos han sido presentados en París (FIAC, ArtParis, ParisPhoto), en Madrid (ARCO), en Bruselas (Art-Brussels), en Bologna (ArteFiera), etc.

Referencias

Libros

  • Weightless Room (libro de artista).
  • Extrait de la monumentale «Histoire des civilisations boréales», con Michel Houellebecq, 2016.
  • L'étendue Grise, con Michel Houellebecq, 2014.
  • Pour Mycéa, con Edouard Glissant, 2015.
  • L'hymne à la nuit, con Alain Duault, 2010.

Catálogos

  • Chambre d'(a)pesanteur, 2016.
  • Away from you, Close to you, 2014.
  • Continuum, 2013.
  • Ne faire qu'un, 2011.
  • Le Soi dormant, 2009.
  • Egosphères, 2007.
  • Jeux du Regard, 2005.
  • Les paysages du temps, 2004.
  • Variations of the Double, 2002.

lunes, 19 de febrero de 2018

Alex Saberi

Alex Saberi es un fotógrafo inglés (vive en Londres) que realiza fotografía de naturaleza, de vida silvestre principalmente en los parque ingleses y en Brasil.

© Alex Saberi

© Alex Saberi

Biografía

Alex Saberi comenzó la fotografía en 2005, después de comprar su primera cámara réflex digital. Diseñador web en Putney, como vivía al lado de Richmond Park, al suroeste de Londres, le gustaba ir todas las mañanas a hacer fotos. Es diferente de otros fotógrafos de naturaleza porque no tiene mucha paciencia, le gusta subirse a su bicicleta y dar vueltas de un lado a otro, si no ocurre nada en un área, buscando encontrar escenas de cuento de hadas de ciervos en celo y cisnes nadando a través de la espeluznante niebla del amanecer.

Recientemente, convirtió este hobby en una profesión y ha publicado un libro de fotos del parque, Richmond Park, recopilando su trabajo de 5 años, que ha aparecido referenciado en muchas revistas y publicaciones online, y que muestra sus sobresalientes tomas de imágenes de majestuosos ciervos vagando plácidamente bajo los rayos del sol, de conejos que se levantan de su madriguera en una mañana húmeda, de una ardilla inquisitiva buscando su desayuno o de un martín pescador que examina la mañana silenciosa, … toda la vida silvestre que acoge el parque en las diversas estaciones del año.

Alex ha ganado varios concursos de fotografía, desde el concurso de fotografía de vida salvaje de la Environmental Protection Agency en 2008, a los de varios sitios web de todo el mundo. Ha sido segundo en el Landscape photographer of the year en 2009 con su foto One man and his Dog, y ha aparecido varias veces en los libros British Wildlife Photographer of the Year y Landscape Photographer of the Year.

Ha sido publicado en gran parte de la prensa inglesa como  Daily Mail, Metro, Evening Standard, The Times, The Sun, The Telegraph por su colección de fotografías de Richmond Park. Es un artista exclusivo de National Geographic y buena parte de su obra está disponible para uso comercial a través de Nat Geo Creative.

Recientemente ha estado viajando por Brasil durante 3 años, siendo impresionado por Ubatuba, un área tropical en la costa de Sao Paulo, un lugar especial que contiene parte de la última selva tropical atlántica existente, y que tiene, además, más de 100 impresionantes playas, un telón de fondo montañoso en la jungla de la cordillera Serra do Mar y alrededor de 500 especies de aves. Con este trabajo ha autopublicado un libro con el título de Ubatuba.

Referencias

Libros

domingo, 18 de febrero de 2018

Axel Hildebrandt

Axel Hildebrandt es un fotógrafo alemán (vive en EEUU) que se ha dedicado en los últimos 6 años a capturar aspectos memorables de la vida en su entorno natural de aves como ostreros, águilas, garcetas, golondrinas de mar, búhos y  lechuzas con una espectacular atención a los detalles.

© Axel Hildebrandt

© Axel Hildebrandt

Biografía

Axel Hildebrandt creció en la Alemania del Este. Después de la caída del Muro de Berlín, estudió en la Universidad Humboldt de Berlín y se mudó a Massachusetts a finales de los años 90, donde completó su doctorado en estudios alemanes. Ha enseñado a nivel universitario en el Mount Holyoke College de Massachusetts y desde 2008 en el Moravian College en Bethlehem, donde es profesor asociado de alemán.

Empezó a fotografiar relativamente temprano con una cámara de película en blanco y negro en Alemania del Este, pero no se adentró en la fotografía de fauna salvaje hasta después de mudarse a los Estados Unidos. Vivía cerca de un humedal en el oeste de Massachusetts y estaba rodeado de vida silvestre, principalmente aves con las que no estaba familiarizado. Después de comprar una cámara réflex digital y teleobjetivos, la fotografía de aves se convirtió en su pasión y desde entonces ha estado haciendo fotos de aves en muchos lugares, esforzándose para encontrar nuevos lugares y especies raras, incluidos viajes pelágicos.

Aspira a realizar imágenes que sean limpias y elegantes pero que digan algo nuevo. Prefiere la luz natural e intenta crear imágenes que muestren el tema y siempre que sea posible también el hábitat. A menudo el amanecer o las primeras horas de la mañana le acompañan trabajando en la costa de Nueva Jersey y Long Island buscando la fotografía perfecta de un pájaro. Es uno de los pocos fotógrafos particularmente interesado en realizar fotografías de aves en vuelo. Es un desafío, pero es muy gratificante capturar poses y comportamientos interesantes en vuelo.

Encuentra inspiración en la belleza natural, la luz inusual y disfruta compartiendo las imágenes de las aves, al menos para llamar la atención sobre temas de conservación. La fotografía en general es la manera perfecta para Axel de relajarse al aire libre, estar presente en el momento y de tener experiencias memorables.

Referencias

sábado, 17 de febrero de 2018

Adrian Błachut

Adrian Błachut es un fotógrafo polaco que realiza video y fotografía de moda y publicidad, compaginándolos con retratos sensuales en blanco y negro.

© Adrian Błachut

© Adrian Błachut

Biografía

Adrian Błachut trabaja en moda y publicidad a través del video y la fotografía, pero son sus retratos sensuales y delicados en blanco y negro con un toque clásico de bellas artes, los que nos llaman más la atención con una suave mezcla de sorpresa y audacia, donde la iluminación natural al extremo logra extraer la belleza interior de sus modelos. Su portafolio muestra una rica mezcla de arte y moda.

Referencias

viernes, 16 de febrero de 2018

David Fidalgo “Bricks”

David Fidalgo es un ingeniero y fotógrafo español (nacido en Madrid en 1983) que en su proceso de auto aprendizaje de la fotografía ha empezado hace unos pocos años a disfrutar de la visión compleja del mundo que sólo la fotografía de calle puede aportar. Su obra aporta una visión única en la que, por norma general, sujetos aislados se integran en el entorno.

© David Fidalgo

© David Fidalgo

Biografía

David Fidalgo “Bricks” comenzó su andadura en la fotografía en 2013 y en su proceso de auto aprendizaje empezó a disfrutar de la visión compleja del mundo que aporta la fotografía callejera.

Es cofundador del colectivo La Calle es Nuestra que actualmente cuenta con 8 miembros y que se dedica no sólo a mostrar su trabajo, sino a la difusión y aprendizaje de la fotografía de calle. Su web ha sido incluida entre los 75 blogs más importantes de fotografía de calle por feedspot, una web que se dedica a analizar la influencia de sitios webs de distintos estilos en base a visitas y relevancia.

Ha sido uno de los seleccionados este año para la exposición Nuevos Talentos Alcobendas II (organiza Fotonline y Fujifilm), incluido en los TOP 2016 y 2017 de las mejores fotografías en la web streetlevelphotography.net y ha colaborado en distintos artículos de fotografía de calle tanto como miembro del colectivo La Calle es nuestra como a nivel personal.

Cuando hace fotos en Madrid, suele caminar siempre por las mismas calles del centro de la ciudad. Algunas personas piensan que desplazarse por diferentes lugares de la ciudad para mejorar la inspiración es básico, pero en su caso prefiere centrarse en las pequeñas cosas que cambian cada vez que camina por la misma ruta.

Aunque parezca que deambula sin rumbo fijo, la realidad es que va extremadamente concentrado. Mucha gente piensa que hacer foto de calle es ir por ahí disparando a las cosas que te encuentras pero, en verdad, hay que poner mil sentidos para poder volver a casa con una buena toma.

Sus días siempre acaban igual, en casa ya tranquilo, seleccionando las fotos y editándolas desde la propia cámara. Es un proceso sencillo, pero a la vez muy exigente ya que le obliga a encuadrar siempre teniendo en cuenta las verticales para que las fotos queden rectas.

Una cosa que siempre le ha preocupado ha sido la de tener su propio estilo y huir de las tendencias actuales, pero sí que considera referentes e inspiradores a gente como Matt Stuart, David Gibson, Siegfried Hansen y en general toda la gente que logra sorprenderle (y a veces sacarle una sonrisa) con juegos visuales y casualidades de la vida.

Referencias

jueves, 15 de febrero de 2018

Asri Pamuncar

Asri Pamuncar es una fotógrafa indonesia (vive en Doha, Catar) especializada en fotografía de alimentos, que ella misma prepara. Su equipo es mínimo y, a menudo, depende de la luz natural para disparar.

© Asri Pamuncar

© Asri Pamuncar

Biografía

Asri Pamuncar, es de Indonesia y es madre de dos chicas encantadoras. Al igual que cualquier otro ama de casa es responsable de un montón de trabajo hogareño y otros asuntos familiares y en su tiempo libre suele dedicarse a su afición a la fotografía.

Actualmente vive en Doha, Catar, y eso le lleva a un problema común para los que viven lejos de su país, el de la comida, ya que a veces es difícil encontrar platos indonesios o simplemente un pastel, y le obliga a aprender a hacer platos o hornear pasteles que no se pueden encontrar aquí y hacer una foto de los mismos para poder mostrárselos a su familia en casa.

Al principio de esta práctica, simplemente fotografiaba la comida sin ningún tipo de arreglo (utilería, iluminación, etc.) pero más adelante empezó a querer que las fotos se vieran bien, y le pidió a su marido (que tiene una gran pasión por la fotografía desde hace mucho tiempo) que le enseñara cómo usar la cámara correctamente.

En 2008, se unió al grupo de fotografía de naturaleza muerta en Multiply.com y de allí en adelante se dio cuenta de que hacer platos y fotografiarlos no es solo "hacer fotos", sino que hay un arte en ello y se convirtió en su pasión, pasión por la fotografía de alimentos, una rama de la fotografía de naturaleza muerta o bodegón, que tiene como objetivo hacer que la comida se vea genial, interesante y viva. Para lograrlo se necesita una combinación de pasión, práctica y paciencia. Utiliza la luz natural como su iluminación principal, ya venga de la ventana o de la puerta y hace la mayoría de sus fotos en interior. Sus lentes favoritas son los Nikkor 85mm F1.4 y 50mm F1.4.   

Como aficionada a esta fotografía, Asri es una estilista de alimentos y de cuberterías, fotógrafa y chef al mismo tiempo, lo que es su desafío personal.

Referencias

miércoles, 14 de febrero de 2018

Paula Ospina

Paula Ospina es una fotógrafa colombiana (nacida en 1977 en Bogotá, Colombia, vive y trabaja en Barcelona) con una obra muy variada, desde series que denuncian los roles de la mujer que han sido preestablecidos por la sociedad hasta otras que hablan de lugares sagrados que empiezan a estar ausentes.

numb © Paula Ospina

numb © Paula Ospina



Biografía

Paula Ospina creció rodeada de las imágenes de Ernst Haas, fotógrafo de la agencia Magnum, que marcó desde pequeña su mirada. Fue una de las modelos de la casa de modelos Ford. Siete años en esta profesión le permitieron viajar por el mundo:  Paris, Nueva York, Milán, Londres, Madrid, Tokio, y también le sirvieron para percibir cómo hacer una buena foto. El arte siempre fue una preocupación para Paula, pero el óleo, las acuarelas, los pasteles y el caballete no eran una buena compañía para viajar en avión. Definitivamente, la cámara resultaba más práctica.

En 2001, decidió dejar las pasarelas por sus inquietudes existenciales y se dedicó a la fotografía, al yoga, a la meditación y al ayurveda; prácticas que le aportan mucho más que el mundo vacío de las agencias de modelos. Estudió fotografía en el International Center of Photography en Nueva York en 2002 y vivió en India y Birmania, una experiencia que fue fundamental para su crecimiento personal y aportó la huella que la distingue en su trayectoria profesional. Luego estudiaría fotografía en 2005 en la Escuela de Cine y Audiovisual de Cataluña en Barcelona en 2005 y realizaría en 2012 el Master of European Photography en la IED en Madrid.

Ha expuesto en numerosas ocasiones en grupo y en solitario, como Cielo y Tierra en Galería Badiu 92 en Badalona, Still Life en Jens FehringGallery en Frankfurt, De lo Efímero y el Cambio en Galería Tagomago en Barcelona, Rothko y Espacios Sagrados en el II Encuentro Fotográfico Internacional de Bogotá.

Su serie Espacios Sagrados está compuesta por fotos de rituales y templos, buscando evocar ese espacio sagrado que hay dentro de cada uno, tan desconocido a veces pero que existe y está ahí. En otros casos expone su especial visión sobre lo efímero en paisajes cambiantes como tierras erosionadas, glaciares fundiéndose o bosques que desaparecen, buscando crear una reflexión sobre nuestra perspectiva de la realidad, el cambio y la ilusión de permanencia que hay en nuestras vidas. También, en su variada obra, denuncia los roles de la mujer que han sido preestablecidos por la sociedad.

  



Referencias



Libros

  • 4997 Kilómetros, Beijing –Lhasa, 2008.
  • Pour La Victoire “An Exercise in Editorial Curation”, 2001.

martes, 13 de febrero de 2018

Christian Schad

Christian Schad fue un pintor alemán (nacido el 21 de agosto de 1894 en Miesbach, Baviera del Norte, y fallecido el 25 de febrero de 1982 en Stuttgart) que formó parte de los movimientos Nueva Objetividad y Dadaísmo, y que realizó también fotogramas.

© Christian Schad

© Christian Schad

Biografía

Christian Schad era hijo de un importante abogado. Apasionado por el arte y la música (tocaba el violín) se decidió por el primero y estudió en la Akademie der Bildenden Künste de Múnich. Realizó sus primeras xilografías, de marcado estilo expresionista, en las que quiso denunciar el modo de vida burgués, y que fueron publicadas en diversas revistas gráficas. En 1915, para evitar servir en la Primera guerra mundial, además de conseguir un certificado médico que le eximía del servicio militar, huyó a Suiza donde participó en el movimiento dadaísta.

A partir de 1918, desarrolló su propia versión del fotograma (imagen fotográfica obtenida colocando objetos sobre una superficie sensible y exponiéndolos directamente a la luz). Aunque esta manera de crear imágenes permanentes se había realizado desde los inicios de la fotografía (1830) con la cyanotipia, Schad comenzó a experimentar con imágenes fotográficas sin cámara inspiradas en el cubismo.  En 1919, estaba creando fotogramas a partir de composiciones aleatorias de objetos descartados que había recogido, como boletos rotos, recibos y trapos. Probablemente fuera el primero en hacer como una forma de arte, precediendo a Man Ray y László Moholy-Nagy por al menos un año o dos. Los fotogramas creados fueron publicados en 1920 en la revista Dadaphone por Tristan Tzara, quien los llamó 'Schadographs'.

En 1920, vivió en Roma y Nápoles y se casó con una italiana. En 1925, emigró a Viena. Sus pinturas de este periodo están asociadas al movimiento de la Nueva objetividad. A finales de los años 20, regresó a Berlín, donde se estableció. Aunque muchos consideran que él debió horrorizarse por el nazismo, lo cierto es que su arte no resultó condenado de la misma manera que el resto de artistas de la Nueva objetividad.

Schad vivió en la oscuridad en Alemania durante la II Guerra Mundial y después de ella. Cuando su estudio de Berlín fue destruido en un bombardeo aéreo, su futura esposa Bettina salvó las obras de arte en una acción espectacular y las trasladó a su nueva residencia en Aschaffenburg donde vivieron cuatro décadas. Schad continuó pintando en la década de los 50 en estilo Realismo Mágico y en los 60 continuó sus experimentos con fotogramas.

Su obra pictórica más conocida es su representación de la cultura de los cafés durante la República de Weimar en la Alemania de los años 20. Contiene francas representaciones de la sensualidad y aparente liberalidad, pero sus figuras tienen un comportamiento duro y frío, obviamente afectados aún por la guerra.

En 2018 se abrirá el The Christian Schad Museum en Aschaffenburg.

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Libros

lunes, 12 de febrero de 2018

Floria González

Floria González es una artista plástica y fotógrafa mexicana (nacida en Monterrey el 20 de Julio de 1980, vive y trabaja en Ciudad de México) cuyo trabajo se centra en los temas más oscuros de la experiencia humana, como los temores, traumas y dudas de la persona. Aunque melancólica y aparentemente fundada en el pasado, su obra es una visión contemporánea de la espiritualidad y la ciencia que hacen preguntas esenciales de la vida, explorando varias áreas de expresión artística como la fotografía, video, pintura, instalación y performance.

© Floria González

© Floria González

Es la constante búsqueda, es vivir y aprender, es plasmar un estado que siempre cambia, es energía que parece estática pero está en constante movimiento.

Biografía

Floria González nació en Monterrey, Nuevo León, pero creció en la ciudad Acuña en Coahuila.  Su primer contacto con el arte fue por medio de la danza cuando era pequeña. Después se hizo coreógrafa y ponía diferentes estilos de baile a quinceañeras y alumnos de escuelas, entre otros.

A los 16 años, se trasladó con su familia a Ciudad de México donde participó con Universal Music haciendo coreografía vocal. Quería estudiar cine pero no pudo ingresar en la UNAM e ingresó a la Escuela Activa  de Fotografía de Coyoacán donde se enamoró de este medio. Posteriormente logró estudiar cine en San Antonio College en Texas y en el  Instituto Lumiere en Ciudad de México. Al terminar sus estudios se dedicó a hacer videoclips y series personales de fotografías, en su doble camino comercial y artístico.

En el 2003 regresó a México y fue contratada por algunas agencias musicales para hacer sesiones fotográficas a artistas siendo la práctica el lugar perfecto en el que pudo aprender la mayoría de las cosas que sabe.

En el 2005 el maestro Jazzamoart motivó a Floria para realizar una serie llamada Mi real y desde ese momento ha expuesto en solitario y en grupo en diferentes galerías del mundo (México D.F., Monterrey, Acapulco, Nueva York, Austin, Los Angeles, Miami, Bolivia, Chile, Argentina, Italia y Singapur), entre las cuales se encuentran la galería de Marro Roca en Milán, Artemisia Gallery en Nueva York, Luna Sol Gallery en San Antonio, además de haber expuesto en el Museo Carrillo Gil.

El tema principal de su obra es el humano, su lado obscuro, sus miedos, traumas y dudas. Cuestiona lo que se cree correcto para desmenuzarlo hasta llegar a la raíz de la cuestión y empezar de cero con una visión contemporánea de la espiritualidad y la ciencia. Siempre parte y termina una serie con la idea de que todo es energía, que no hay separación y que lo que está plasmando es solo una idea de su mente y de la mente colectiva.

Construye minuciosamente los sets para su obra, los colores, texturas, vestuario y personajes, ya sea en estudio o en exteriores. Primero realiza un storyboard, dibujo, acuarela o acrílico como guía para la fotografía o video final, donde plasma con claridad el concepto y la estética de la pieza y de la serie que después realizará.

Es creadora y directora de Floto Estudio, una casa de producción que realiza proyectos como videoclips, fotografía y videos publicitarios para Distroller, Sony Music, Universal Music, con artistas como Leonel García, Natalia Lafourcade, Torreblanca, Carla Morrison, entre otros. A veces, ella misma puede crear la coreografía o incluso cantar.

Referencias