sábado, 24 de febrero de 2018

Ana F. Martín

Ana F. Martín es una fotógrafa española (nacida en Granada, vive en Aalborg, Dinamarca) que realiza de forma freelance fotografía de calle y urbana.

© Ana F. Martín

© Ana F. Martín

Biografía

Ana F. Martín se relacionó con la fotografía desde que era pequeña, usando aquellas cámaras de apuntar y disparar con rollo de película, yendo a la tienda de fotografía para le revelaran y viera cómo lucían sus fotografías. Conforme siguió creciendo, su interés por la fotografía siguió aumentando, sin embargo, nunca la consideró como una carrera profesional, tal vez debido a la presión de sus padres y la sociedad, así que terminó estudiando una licenciatura en Gestión del Turismo en la Universidad de Granada, porque siempre le gustó viajar a nuevos lugares y descubrí otras culturas de la mano de la gente local.

Cree que el mundo es demasiado grande e interesante como para permanecer en el mismo lugar durante toda su vida, y ha vivido en Italia y Londres durante un largo período de tiempo mientras viajaba por Europa. Su estancia en Londres le abrió la mente a un nivel completamente nuevo que nunca antes había experimentado. El tiempo libre que tenía en su trabajo lo usó para desarrollar su visión yendo a museos, galerías y todo tipo de presentaciones artísticas que podrían ayudarle a dar el paso para transformar su pasión por la fotografía en una carrera profesional.

El tipo de fotografía que más le gusta y que se ajusta mejor a su propio estilo y personalidad es el que muestra la vida cotidiana y las cosas comunes que suceden a nuestro alrededor todo el tiempo desde un punto de vista artístico. Cree que todos tenemos una forma particular de ver el mundo y es deber del fotógrafo "congelar" ese momento, darle alma y significado, mostrarlo y tratar de abrir los ojos de aquellos que están demasiado ocupados para mirar a su alrededor, especialmente en estos días en que vivimos ahora.

Referencias

viernes, 23 de febrero de 2018

Heidi Levine

Heidi Levine es una fotoperiodista estadounidense (nacida en Boston, Massachusetts, vive en Jerusalén) que por más de treinta años ha inmortalizado con su cámara los conflictos más críticos del Medio Oriente. A través de su obra puede y quiere dar voz a aquellos que no pueden ser escuchados, con el objetivo de trabajar hacia una mejor comprensión entre las poblaciones para lograr un cambio positivo.

© Heidi Levine

© Heidi Levine

Biografía

Heidi Levine siempre sintió a lo largo de su infancia y adolescencia el impulso y la necesidad de ayudar a los demás. Su padre era un entusiasta de la fotografía y le dio su primera cámara cuando tenía 16 años, despertando en ella, junto con la lectura del Boston Globe con sus páginas pobladas con fotos en blanco y negro que mostraban hambruna, pobreza y conflicto, el deseo de convertirse en periodista.

Ingresó en la universidad con estudios orientados al periodismo y la psicología. Comenzó su carrera como periodista en un viaje teórico de 6 semanas a Israel, pero Associated Press (AP) le ofreció trabajo allí en 1983. Su profesor de periodismo le dijo que aprovechara la oportunidad y se quedó en lugar de volver a la universidad, trabajando y creando una familia con tres niños. Levine tiene actualmente un master en Fotoperiodismo y Fotografía Documental por el London College of Communication. A partir de 1993 trabaja con la agencia de fotografía francesa Sipa Press.

En el transcurso de su carrera de fotoperiodista, Levine ha cubierto los momentos más críticos en el Medio Oriente, incluidas las revoluciones en Egipto y Libia, la crisis en Siria, la guerra entre Israel y el Líbano y, sobre todo,  los numerosos conflictos en la Franja de Gaza.

Sus otras tareas han incluido documentar la angustiosa práctica del feticidio femenino en la India para el Sunday Times Magazine, la difícil situación de los refugiados iraquíes que viven en Jordania, Siria y Suecia y el éxodo actual de refugiados que huyen de la guerra en Siria. En 2003, cubrió la invasión de EEUU a Iraq y, en 2006, se incrustó entre las tropas de los EE UU para documentar las vidas de las mujeres soldado. También ha trabajado en Afganistán y Georgia.

Sus fotografías han aparecido en numerosas publicaciones internacionales, incluidas Time, Stern, Focus, The Sunday Times Magazine, Paris Match, L'Express, Newsweek, Forbes Magazine, The New York Times Magazine y Amnesty International.

Ha ganado numerosos premios por sus fotografías de conflictos, entre ellos el Premio de Plata en la categoría de video/multimedia en los Canadian Online Publishing Awards, una mención de honor en NPPA's Best of Photojournalism por International News Picture Story, y una nominación a los premios Emmy en 2012. En 2015 ha obtenido el Prix  Bayeux Calvados para corresponsales de guerra, con su informe sobre Gaza titulado Guerra y curación en Gaza en el que muestra las consecuencias de los bombardeos israelíes sobre la población palestina. La International Women's Media Foundation en Washington también le otorgó el premio Anja Niedringhaus Courage in Photojournalism Award en 2015.

Referencias

jueves, 22 de febrero de 2018

Gaston Braun

Gaston Braun fue un fotógrafo francés (nacido en 1845 y fallecido en 1928) dedicado especialmente a la fotografía de obras de arte y conocido por emplear las últimas técnicas de reproducción fotográfica de la época y vender su producción a escala internacional.
 
Gaston Braun
Gaston Braun

 

Biografía

Gaston Braun fue hijo del también fotógrafo Aldolphe Braun, y heredó el estudio de fotografía de su padre, donde había trabajado con él. Continuó con la misma labor y en 1873 se asoció con su suegro, el también fotógrafo Pierre-Louis Pierson y su cuñado Léon Clément. Desde 1874, fue miembro de la Société Française de Photographie.
 
En 1883, consiguieron un contrato de exclusividad de 30 años con el Museo del Louvre para reproducir 7.000 obras, que serían propiedad del Estado francés. A cambio, la  empresa (todavía denominada Adolphe Braun et Cie) consiguió el título del fotógrafo oficial del Museo del Louvre.
 
Los diversos establecimientos Braun encabezados por Gaston en sus inicios publicaron desde 1855 a 1968 una cantidad considerable de fotografías, grabados, impresiones y tablones. Se estima que alrededor de 1898, cuando se construyó la nueva fábrica en Dornach (cerca de Mulhouse, en Alsacia), el fondo tenía alrededor de 80.000 clichés, la compañía empleaba a cerca de cien empleados, y también tenía sede en París y Nueva York.
 
Su foco principal estaba en la fotografía de flores y paisajes. En lo que respecta a Alsacia, en 1859, Adolphe Braun reunió en dos volúmenes 120 planchas de gran formato de fotografía de Alsacia. Sus sucesores de fines del siglo XIX reunieron alrededor de 300 paisajes urbanos y rurales en una serie llamada Vues d'Alsace. Otros puntos de vista, especialmente las escenas de género, ilustran la Revue alsacienne illustrée au début du XXe siècle (1905-1910). El uso del huecograbado y heliograbado, formatos más pequeños, permitieron una muy amplia difusión de estas fotografías.
 
Inscrito dentro de las tendencias fotográficas pictorialistas del siglo XIX, Gaston viajó a España para retratar escenas pintorescas de época. El país era entonces un enclave que atraía a numerosos fotógrafos en busca del ideal romántico. Entre las instantáneas que realizó, destaca sobre todo la gran fotografía del Patio de los Leones de la Alhambra de Granada (hacia 1880), excepcional en la época por sus dimensiones (77,5 × 63,5 cm).
 
Fue tomada a través de un proceso al carbón, el método Swan, del que su padre había adquirido la patente, con un negativo de las mismas dimensiones que la fotografía final. El fotógrafo transportó el negativo al positivo a través de papel tisú impregnado en gelatina bicromatada. Con esta técnica, uno de los procesos más desarrollados de cuantos emplearon los fotógrafos de finales del XIX, logró enriquecer artísticamente su visión de la realidad, ocultando el efecto fotográfico como tal.
 
En la actualidad, su trabajo en España ha sido motivo de distintos homenajes y exposiciones, entre las que destacan La mirada cautiva, España a los ojos de Europa. Viajeros del siglo XIX, organizada en 2005 por la Universidad de Navarra con fondos de su colección y Profecías, muestra que pudo verse durante PHotoEspaña 2010 en el Museo de la Ciudad de Madrid y que recogió el diálogo entre obras de fotógrafos contemporáneos y piezas de autores del siglo XIX, procedentes del Fondo Fotográfico de la Fundación Universitaria de Navarra (FFF).
 

Referencias

Libros

  • Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al siglo XXI, 2013.
  • Vues d'Alsace 1880-1930, 2013
  • Le musée du Louvre, con Paul Vitry.
  • Dictionnaire de chimie photographique à l'usage des professionnels et des amateurs, con Adolphe Braun, 1904.
  • Braun & Cie. Catalogue Géneral des Photographies inalterables au charbon, 1887.

miércoles, 21 de febrero de 2018

Antoni Bernad

Antoni Bernad es un fotógrafo catalán (nacido en Barcelona en 1944) reconocido por haber trabajado en revistas de moda y en el ámbito publicitario.

Manolo Blahnik, 1998 © Antoni Bernad

Manolo Blahnik, 1998 © Antoni Bernad

Biografía

Antoni Bernad i Margarit estudió Bellas Artes y inició su vida profesional trabajando durante seis años de grafista para agencias de publicidad, lo que le permitió entrar en contacto con grandes figuras de la fotografía, que siempre le habían atraído. Así, en 1966 y de forma autodidacta dió el salto a la fotografía de moda, al ver en ella una forma expresiva que le permitía trabajar con gran libertad, y se instaló en París.

Al año volvió a casa, con el pelo a lo afro y habiendo sido tremendamente desgraciado, pasando mucha hambre y mucha soledad. Un día visitó la redacción de Telva y Covadonga O'Shea, su directora de entonces, vio su trabajo y le hizo tres encargos, entre ellos un especial de Pertegaz, realizando su primera sesión de moda en el año 66. Y a partir de ahí, fue desarrollando su carrera profesional realizando portadas en las mejores cabeceras del mundo y muchas sesiones de moda haciendo tonterías para que las modelos estuvieran cómodas y así poder llegar a su esencia.

A diferencia de los fotógrafos de agencia de la época, que imprimían a sus trabajos una perspectiva muy técnica, Bernad comenzó a fotografiar aportando una visión más estética, con un estilo que no se deja etiquetar fácilmente. Su trabajo refleja un gran control de la escena, donde se pone de manifiesto su pasión por el arte, la arquitectura, el cine, el teatro, la danza y la música. En sus imágenes, todas estas disciplinas conforman un universo creativo que Bernad sabe conjugar como fuente de creatividad, y lo plasma a través del tratamiento de figuras y de la luz tanto en interiores como en exteriores. Este dominio del espacio y el control de la puesta en escena le permite crear universos, contar historias y despertar emociones. Ha utilizado mayoritariamente el blanco y el negro con contrastes delicados que dota a sus imágenes de naturalidad y calidez.

Durante más de 40 años ha trabajado y colaborado con las mejores publicaciones profesionales, convirtiéndose en uno de los fotógrafos de moda más solicitados y reconocidos: Elle, Vogue, Vanity Fair, Marie Claire, AD, Telva, El País Semanal, Yo Dona , Woman y clientes como Pronovias, Chanel, Cartier, Van Cleef & Arpels, Carolina Herrera, Emporio Armani, Zara, Massimo Dutti, Pertegaz, MANGO, ...

Pero Bernad no es sólo un fotógrafo profesional de moda, su trabajo como retratista va más allá del encargo profesional. Por delante de su cámara han pasado personajes como Dalí, Paloma Picasso, Horst, David Hockney, Tàpies, Catalá-Roca, Manolo Blahnik, Joan Miró, Mercè Rodoreda, Josep Pla, Nuria Espert, Teresa Gimpera  y Ryszard Kapuściński ... En sus retratos siempre intenta llegar al alma y reflejar las emociones más íntimas, evitando el efectismo y buscando una lectura de la imagen directa y clara. Una selección de sus retratos más relevantes sobre personajes catalanes fue publicada en 1984 en formato libro con el título Catalans. Retrats y ha sido objeto de varias exposiciones.

Participó en la exposición New York Catalonia: Design & Art & Fashion en Armory, Nueva York, en 1990 y desde entonces ha realizado varias exposiciones como las de la Pasarela Gaudí y el Palau Robert en Barcelona en ​​2002 y 2005, respectivamente, We Got it en el Casino de Ibiza en 2001. También en el Museu Nacional d’Art de Catalunya, el Reina Sofía de Madrid y el Museu Palau Solterra de la Fundació Vila Casas. Tiene obra en las colecciones de los museos MNAC y MACBA.

Referencias

Libros

martes, 20 de febrero de 2018

Gabriela Morawetz

Gabriela Morawetz es una artista polaca (vive y trabaja en París) que emplea la fotografía en diversos soportes creando una obra que acompaña con esculturas o videos. Sus trabajos son diferentes y únicos.

© Gabriela Morawetz

© Gabriela Morawetz

Biografía

Gabriela Morawetz estudió grabado, pintura y escultura en la Academia de Bellas Artes de Cracovia en 1975, y también estudió en el Centre Contemporaine de Gravure en Ginebra, Suiza. Practicando la fotografía autodidacta, ganó el 1er premio en la 5ª Exposición Internacional de Fotografía en Wroclaw. Residió en Venezuela de 1975 a 1983, donde su trabajo se enriqueció con nuevas culturas.

Desde 1983, vive y trabaja en París y, a partir de 1990, se dedica casi exclusivamente a la fotografía, pero sus obras se realizan en varios medios (pizarra, lienzo, vidrio, plexiglás, ...) gracias a una emulsión de plata o una impresión de pigmento. A veces se someten a técnicas de torneado y luego se cubren con una fina capa de cera (collage encáustico) para darles la apariencia de fotografías antiguas. Completa su trabajo fotográfico con instalaciones de escultura y videos. Todos son trabajos diferentes y por lo tanto únicos.

A menudo retratan cuerpos de mujeres y hombres que nos arrastran a un mundo de ensueño donde la mirada se divide y se pierde en las sucesivas capas de superposiciones, creando un realismo místico, que por sus prácticas únicas de fotomontaje, son imágenes figurativas en dos y tres dimensiones. Sus obras tienen múltiples capas en ricas referencias culturales y están construidas físicamente con capas de pantallas transparentes, hilos e incluso mini instalaciones. La mayoría de los objetos utilizados para las instalaciones también están hechos, esculpidos y construidos por el artista.

Gabriela ha realizado decenas de exposiciones en grupo y en solitario en galerías y museos de América del Norte, América del Sur y Europa, incluidos el Centro Cultural de Chicago, la Galería de Arte Moderno de Lodz, Polonia, el Museo de la Fundación Recanaty en Israel, y en Nueva York, Baltimore, Miami, Japón, París, Varsovia, … Y en 2008 tuvo una exposición individual en el Museo de Arte Contemporáneo de Caracas. Sus trabajos han sido presentados en París (FIAC, ArtParis, ParisPhoto), en Madrid (ARCO), en Bruselas (Art-Brussels), en Bologna (ArteFiera), etc.

Referencias

Libros

  • Weightless Room (libro de artista).
  • Extrait de la monumentale «Histoire des civilisations boréales», con Michel Houellebecq, 2016.
  • L'étendue Grise, con Michel Houellebecq, 2014.
  • Pour Mycéa, con Edouard Glissant, 2015.
  • L'hymne à la nuit, con Alain Duault, 2010.

Catálogos

  • Chambre d'(a)pesanteur, 2016.
  • Away from you, Close to you, 2014.
  • Continuum, 2013.
  • Ne faire qu'un, 2011.
  • Le Soi dormant, 2009.
  • Egosphères, 2007.
  • Jeux du Regard, 2005.
  • Les paysages du temps, 2004.
  • Variations of the Double, 2002.

lunes, 19 de febrero de 2018

Alex Saberi

Alex Saberi es un fotógrafo inglés (vive en Londres) que realiza fotografía de naturaleza, de vida silvestre principalmente en los parque ingleses y en Brasil.

© Alex Saberi

© Alex Saberi

Biografía

Alex Saberi comenzó la fotografía en 2005, después de comprar su primera cámara réflex digital. Diseñador web en Putney, como vivía al lado de Richmond Park, al suroeste de Londres, le gustaba ir todas las mañanas a hacer fotos. Es diferente de otros fotógrafos de naturaleza porque no tiene mucha paciencia, le gusta subirse a su bicicleta y dar vueltas de un lado a otro, si no ocurre nada en un área, buscando encontrar escenas de cuento de hadas de ciervos en celo y cisnes nadando a través de la espeluznante niebla del amanecer.

Recientemente, convirtió este hobby en una profesión y ha publicado un libro de fotos del parque, Richmond Park, recopilando su trabajo de 5 años, que ha aparecido referenciado en muchas revistas y publicaciones online, y que muestra sus sobresalientes tomas de imágenes de majestuosos ciervos vagando plácidamente bajo los rayos del sol, de conejos que se levantan de su madriguera en una mañana húmeda, de una ardilla inquisitiva buscando su desayuno o de un martín pescador que examina la mañana silenciosa, … toda la vida silvestre que acoge el parque en las diversas estaciones del año.

Alex ha ganado varios concursos de fotografía, desde el concurso de fotografía de vida salvaje de la Environmental Protection Agency en 2008, a los de varios sitios web de todo el mundo. Ha sido segundo en el Landscape photographer of the year en 2009 con su foto One man and his Dog, y ha aparecido varias veces en los libros British Wildlife Photographer of the Year y Landscape Photographer of the Year.

Ha sido publicado en gran parte de la prensa inglesa como  Daily Mail, Metro, Evening Standard, The Times, The Sun, The Telegraph por su colección de fotografías de Richmond Park. Es un artista exclusivo de National Geographic y buena parte de su obra está disponible para uso comercial a través de Nat Geo Creative.

Recientemente ha estado viajando por Brasil durante 3 años, siendo impresionado por Ubatuba, un área tropical en la costa de Sao Paulo, un lugar especial que contiene parte de la última selva tropical atlántica existente, y que tiene, además, más de 100 impresionantes playas, un telón de fondo montañoso en la jungla de la cordillera Serra do Mar y alrededor de 500 especies de aves. Con este trabajo ha autopublicado un libro con el título de Ubatuba.

Referencias

Libros

domingo, 18 de febrero de 2018

Axel Hildebrandt

Axel Hildebrandt es un fotógrafo alemán (vive en EEUU) que se ha dedicado en los últimos 6 años a capturar aspectos memorables de la vida en su entorno natural de aves como ostreros, águilas, garcetas, golondrinas de mar, búhos y  lechuzas con una espectacular atención a los detalles.

© Axel Hildebrandt

© Axel Hildebrandt

Biografía

Axel Hildebrandt creció en la Alemania del Este. Después de la caída del Muro de Berlín, estudió en la Universidad Humboldt de Berlín y se mudó a Massachusetts a finales de los años 90, donde completó su doctorado en estudios alemanes. Ha enseñado a nivel universitario en el Mount Holyoke College de Massachusetts y desde 2008 en el Moravian College en Bethlehem, donde es profesor asociado de alemán.

Empezó a fotografiar relativamente temprano con una cámara de película en blanco y negro en Alemania del Este, pero no se adentró en la fotografía de fauna salvaje hasta después de mudarse a los Estados Unidos. Vivía cerca de un humedal en el oeste de Massachusetts y estaba rodeado de vida silvestre, principalmente aves con las que no estaba familiarizado. Después de comprar una cámara réflex digital y teleobjetivos, la fotografía de aves se convirtió en su pasión y desde entonces ha estado haciendo fotos de aves en muchos lugares, esforzándose para encontrar nuevos lugares y especies raras, incluidos viajes pelágicos.

Aspira a realizar imágenes que sean limpias y elegantes pero que digan algo nuevo. Prefiere la luz natural e intenta crear imágenes que muestren el tema y siempre que sea posible también el hábitat. A menudo el amanecer o las primeras horas de la mañana le acompañan trabajando en la costa de Nueva Jersey y Long Island buscando la fotografía perfecta de un pájaro. Es uno de los pocos fotógrafos particularmente interesado en realizar fotografías de aves en vuelo. Es un desafío, pero es muy gratificante capturar poses y comportamientos interesantes en vuelo.

Encuentra inspiración en la belleza natural, la luz inusual y disfruta compartiendo las imágenes de las aves, al menos para llamar la atención sobre temas de conservación. La fotografía en general es la manera perfecta para Axel de relajarse al aire libre, estar presente en el momento y de tener experiencias memorables.

Referencias

sábado, 17 de febrero de 2018

Adrian Błachut

Adrian Błachut es un fotógrafo polaco que realiza video y fotografía de moda y publicidad, compaginándolos con retratos sensuales en blanco y negro.

© Adrian Błachut

© Adrian Błachut

Biografía

Adrian Błachut trabaja en moda y publicidad a través del video y la fotografía, pero son sus retratos sensuales y delicados en blanco y negro con un toque clásico de bellas artes, los que nos llaman más la atención con una suave mezcla de sorpresa y audacia, donde la iluminación natural al extremo logra extraer la belleza interior de sus modelos. Su portafolio muestra una rica mezcla de arte y moda.

Referencias

viernes, 16 de febrero de 2018

David Fidalgo “Bricks”

David Fidalgo es un ingeniero y fotógrafo español (nacido en Madrid en 1983) que en su proceso de auto aprendizaje de la fotografía ha empezado hace unos pocos años a disfrutar de la visión compleja del mundo que sólo la fotografía de calle puede aportar. Su obra aporta una visión única en la que, por norma general, sujetos aislados se integran en el entorno.

© David Fidalgo

© David Fidalgo

Biografía

David Fidalgo “Bricks” comenzó su andadura en la fotografía en 2013 y en su proceso de auto aprendizaje empezó a disfrutar de la visión compleja del mundo que aporta la fotografía callejera.

Es cofundador del colectivo La Calle es Nuestra que actualmente cuenta con 8 miembros y que se dedica no sólo a mostrar su trabajo, sino a la difusión y aprendizaje de la fotografía de calle. Su web ha sido incluida entre los 75 blogs más importantes de fotografía de calle por feedspot, una web que se dedica a analizar la influencia de sitios webs de distintos estilos en base a visitas y relevancia.

Ha sido uno de los seleccionados este año para la exposición Nuevos Talentos Alcobendas II (organiza Fotonline y Fujifilm), incluido en los TOP 2016 y 2017 de las mejores fotografías en la web streetlevelphotography.net y ha colaborado en distintos artículos de fotografía de calle tanto como miembro del colectivo La Calle es nuestra como a nivel personal.

Cuando hace fotos en Madrid, suele caminar siempre por las mismas calles del centro de la ciudad. Algunas personas piensan que desplazarse por diferentes lugares de la ciudad para mejorar la inspiración es básico, pero en su caso prefiere centrarse en las pequeñas cosas que cambian cada vez que camina por la misma ruta.

Aunque parezca que deambula sin rumbo fijo, la realidad es que va extremadamente concentrado. Mucha gente piensa que hacer foto de calle es ir por ahí disparando a las cosas que te encuentras pero, en verdad, hay que poner mil sentidos para poder volver a casa con una buena toma.

Sus días siempre acaban igual, en casa ya tranquilo, seleccionando las fotos y editándolas desde la propia cámara. Es un proceso sencillo, pero a la vez muy exigente ya que le obliga a encuadrar siempre teniendo en cuenta las verticales para que las fotos queden rectas.

Una cosa que siempre le ha preocupado ha sido la de tener su propio estilo y huir de las tendencias actuales, pero sí que considera referentes e inspiradores a gente como Matt Stuart, David Gibson, Siegfried Hansen y en general toda la gente que logra sorprenderle (y a veces sacarle una sonrisa) con juegos visuales y casualidades de la vida.

Referencias

jueves, 15 de febrero de 2018

Asri Pamuncar

Asri Pamuncar es una fotógrafa indonesia (vive en Doha, Catar) especializada en fotografía de alimentos, que ella misma prepara. Su equipo es mínimo y, a menudo, depende de la luz natural para disparar.

© Asri Pamuncar

© Asri Pamuncar

Biografía

Asri Pamuncar, es de Indonesia y es madre de dos chicas encantadoras. Al igual que cualquier otro ama de casa es responsable de un montón de trabajo hogareño y otros asuntos familiares y en su tiempo libre suele dedicarse a su afición a la fotografía.

Actualmente vive en Doha, Catar, y eso le lleva a un problema común para los que viven lejos de su país, el de la comida, ya que a veces es difícil encontrar platos indonesios o simplemente un pastel, y le obliga a aprender a hacer platos o hornear pasteles que no se pueden encontrar aquí y hacer una foto de los mismos para poder mostrárselos a su familia en casa.

Al principio de esta práctica, simplemente fotografiaba la comida sin ningún tipo de arreglo (utilería, iluminación, etc.) pero más adelante empezó a querer que las fotos se vieran bien, y le pidió a su marido (que tiene una gran pasión por la fotografía desde hace mucho tiempo) que le enseñara cómo usar la cámara correctamente.

En 2008, se unió al grupo de fotografía de naturaleza muerta en Multiply.com y de allí en adelante se dio cuenta de que hacer platos y fotografiarlos no es solo "hacer fotos", sino que hay un arte en ello y se convirtió en su pasión, pasión por la fotografía de alimentos, una rama de la fotografía de naturaleza muerta o bodegón, que tiene como objetivo hacer que la comida se vea genial, interesante y viva. Para lograrlo se necesita una combinación de pasión, práctica y paciencia. Utiliza la luz natural como su iluminación principal, ya venga de la ventana o de la puerta y hace la mayoría de sus fotos en interior. Sus lentes favoritas son los Nikkor 85mm F1.4 y 50mm F1.4.   

Como aficionada a esta fotografía, Asri es una estilista de alimentos y de cuberterías, fotógrafa y chef al mismo tiempo, lo que es su desafío personal.

Referencias

miércoles, 14 de febrero de 2018

Paula Ospina

Paula Ospina es una fotógrafa colombiana (nacida en 1977 en Bogotá, Colombia, vive y trabaja en Barcelona) con una obra muy variada, desde series que denuncian los roles de la mujer que han sido preestablecidos por la sociedad hasta otras que hablan de lugares sagrados que empiezan a estar ausentes.

numb © Paula Ospina

numb © Paula Ospina



Biografía

Paula Ospina creció rodeada de las imágenes de Ernst Haas, fotógrafo de la agencia Magnum, que marcó desde pequeña su mirada. Fue una de las modelos de la casa de modelos Ford. Siete años en esta profesión le permitieron viajar por el mundo:  Paris, Nueva York, Milán, Londres, Madrid, Tokio, y también le sirvieron para percibir cómo hacer una buena foto. El arte siempre fue una preocupación para Paula, pero el óleo, las acuarelas, los pasteles y el caballete no eran una buena compañía para viajar en avión. Definitivamente, la cámara resultaba más práctica.

En 2001, decidió dejar las pasarelas por sus inquietudes existenciales y se dedicó a la fotografía, al yoga, a la meditación y al ayurveda; prácticas que le aportan mucho más que el mundo vacío de las agencias de modelos. Estudió fotografía en el International Center of Photography en Nueva York en 2002 y vivió en India y Birmania, una experiencia que fue fundamental para su crecimiento personal y aportó la huella que la distingue en su trayectoria profesional. Luego estudiaría fotografía en 2005 en la Escuela de Cine y Audiovisual de Cataluña en Barcelona en 2005 y realizaría en 2012 el Master of European Photography en la IED en Madrid.

Ha expuesto en numerosas ocasiones en grupo y en solitario, como Cielo y Tierra en Galería Badiu 92 en Badalona, Still Life en Jens FehringGallery en Frankfurt, De lo Efímero y el Cambio en Galería Tagomago en Barcelona, Rothko y Espacios Sagrados en el II Encuentro Fotográfico Internacional de Bogotá.

Su serie Espacios Sagrados está compuesta por fotos de rituales y templos, buscando evocar ese espacio sagrado que hay dentro de cada uno, tan desconocido a veces pero que existe y está ahí. En otros casos expone su especial visión sobre lo efímero en paisajes cambiantes como tierras erosionadas, glaciares fundiéndose o bosques que desaparecen, buscando crear una reflexión sobre nuestra perspectiva de la realidad, el cambio y la ilusión de permanencia que hay en nuestras vidas. También, en su variada obra, denuncia los roles de la mujer que han sido preestablecidos por la sociedad.

  



Referencias



Libros

  • 4997 Kilómetros, Beijing –Lhasa, 2008.
  • Pour La Victoire “An Exercise in Editorial Curation”, 2001.

martes, 13 de febrero de 2018

Christian Schad

Christian Schad fue un pintor alemán (nacido el 21 de agosto de 1894 en Miesbach, Baviera del Norte, y fallecido el 25 de febrero de 1982 en Stuttgart) que formó parte de los movimientos Nueva Objetividad y Dadaísmo, y que realizó también fotogramas.

© Christian Schad

© Christian Schad

Biografía

Christian Schad era hijo de un importante abogado. Apasionado por el arte y la música (tocaba el violín) se decidió por el primero y estudió en la Akademie der Bildenden Künste de Múnich. Realizó sus primeras xilografías, de marcado estilo expresionista, en las que quiso denunciar el modo de vida burgués, y que fueron publicadas en diversas revistas gráficas. En 1915, para evitar servir en la Primera guerra mundial, además de conseguir un certificado médico que le eximía del servicio militar, huyó a Suiza donde participó en el movimiento dadaísta.

A partir de 1918, desarrolló su propia versión del fotograma (imagen fotográfica obtenida colocando objetos sobre una superficie sensible y exponiéndolos directamente a la luz). Aunque esta manera de crear imágenes permanentes se había realizado desde los inicios de la fotografía (1830) con la cyanotipia, Schad comenzó a experimentar con imágenes fotográficas sin cámara inspiradas en el cubismo.  En 1919, estaba creando fotogramas a partir de composiciones aleatorias de objetos descartados que había recogido, como boletos rotos, recibos y trapos. Probablemente fuera el primero en hacer como una forma de arte, precediendo a Man Ray y László Moholy-Nagy por al menos un año o dos. Los fotogramas creados fueron publicados en 1920 en la revista Dadaphone por Tristan Tzara, quien los llamó 'Schadographs'.

En 1920, vivió en Roma y Nápoles y se casó con una italiana. En 1925, emigró a Viena. Sus pinturas de este periodo están asociadas al movimiento de la Nueva objetividad. A finales de los años 20, regresó a Berlín, donde se estableció. Aunque muchos consideran que él debió horrorizarse por el nazismo, lo cierto es que su arte no resultó condenado de la misma manera que el resto de artistas de la Nueva objetividad.

Schad vivió en la oscuridad en Alemania durante la II Guerra Mundial y después de ella. Cuando su estudio de Berlín fue destruido en un bombardeo aéreo, su futura esposa Bettina salvó las obras de arte en una acción espectacular y las trasladó a su nueva residencia en Aschaffenburg donde vivieron cuatro décadas. Schad continuó pintando en la década de los 50 en estilo Realismo Mágico y en los 60 continuó sus experimentos con fotogramas.

Su obra pictórica más conocida es su representación de la cultura de los cafés durante la República de Weimar en la Alemania de los años 20. Contiene francas representaciones de la sensualidad y aparente liberalidad, pero sus figuras tienen un comportamiento duro y frío, obviamente afectados aún por la guerra.

En 2018 se abrirá el The Christian Schad Museum en Aschaffenburg.

Referencias

Libros

lunes, 12 de febrero de 2018

Floria González

Floria González es una artista plástica y fotógrafa mexicana (nacida en Monterrey el 20 de Julio de 1980, vive y trabaja en Ciudad de México) cuyo trabajo se centra en los temas más oscuros de la experiencia humana, como los temores, traumas y dudas de la persona. Aunque melancólica y aparentemente fundada en el pasado, su obra es una visión contemporánea de la espiritualidad y la ciencia que hacen preguntas esenciales de la vida, explorando varias áreas de expresión artística como la fotografía, video, pintura, instalación y performance.

© Floria González

© Floria González

Es la constante búsqueda, es vivir y aprender, es plasmar un estado que siempre cambia, es energía que parece estática pero está en constante movimiento.

Biografía

Floria González nació en Monterrey, Nuevo León, pero creció en la ciudad Acuña en Coahuila.  Su primer contacto con el arte fue por medio de la danza cuando era pequeña. Después se hizo coreógrafa y ponía diferentes estilos de baile a quinceañeras y alumnos de escuelas, entre otros.

A los 16 años, se trasladó con su familia a Ciudad de México donde participó con Universal Music haciendo coreografía vocal. Quería estudiar cine pero no pudo ingresar en la UNAM e ingresó a la Escuela Activa  de Fotografía de Coyoacán donde se enamoró de este medio. Posteriormente logró estudiar cine en San Antonio College en Texas y en el  Instituto Lumiere en Ciudad de México. Al terminar sus estudios se dedicó a hacer videoclips y series personales de fotografías, en su doble camino comercial y artístico.

En el 2003 regresó a México y fue contratada por algunas agencias musicales para hacer sesiones fotográficas a artistas siendo la práctica el lugar perfecto en el que pudo aprender la mayoría de las cosas que sabe.

En el 2005 el maestro Jazzamoart motivó a Floria para realizar una serie llamada Mi real y desde ese momento ha expuesto en solitario y en grupo en diferentes galerías del mundo (México D.F., Monterrey, Acapulco, Nueva York, Austin, Los Angeles, Miami, Bolivia, Chile, Argentina, Italia y Singapur), entre las cuales se encuentran la galería de Marro Roca en Milán, Artemisia Gallery en Nueva York, Luna Sol Gallery en San Antonio, además de haber expuesto en el Museo Carrillo Gil.

El tema principal de su obra es el humano, su lado obscuro, sus miedos, traumas y dudas. Cuestiona lo que se cree correcto para desmenuzarlo hasta llegar a la raíz de la cuestión y empezar de cero con una visión contemporánea de la espiritualidad y la ciencia. Siempre parte y termina una serie con la idea de que todo es energía, que no hay separación y que lo que está plasmando es solo una idea de su mente y de la mente colectiva.

Construye minuciosamente los sets para su obra, los colores, texturas, vestuario y personajes, ya sea en estudio o en exteriores. Primero realiza un storyboard, dibujo, acuarela o acrílico como guía para la fotografía o video final, donde plasma con claridad el concepto y la estética de la pieza y de la serie que después realizará.

Es creadora y directora de Floto Estudio, una casa de producción que realiza proyectos como videoclips, fotografía y videos publicitarios para Distroller, Sony Music, Universal Music, con artistas como Leonel García, Natalia Lafourcade, Torreblanca, Carla Morrison, entre otros. A veces, ella misma puede crear la coreografía o incluso cantar.

Referencias

domingo, 11 de febrero de 2018

Takehiko Nakafuji

Takehiko Nakafuji es un fotógrafo japonés (nacido en 1970 en Tokio, donde vive) extremadamente activo en las calles de Tokio que, además de realizar talleres de fotografía y libros fotográficos, ha expuesto regularmente de su obra y ha publicado varias colecciones de sus fotografías. Además, dirige la Gallery Niepce en Shinjuku.

© Takehiko Nakafuji

© Takehiko Nakafuji

Biografía

Takehiko Nakafuji se retiró del Departamento de Literatura de la Universidad de Waseda, y se graduó en el Departamento de Fotografía de Artes Visuales de Tokio.

Su trabajo privado filmando ciudades es paralelo a su trabajo como profesional freelance. Comenzó con un enfoque documental para fotografiar antiguos países socialistas como Rusia y Cuba, que ahora ha extendido a ciudades con grandes poblaciones de inmigrantes, como París y Nueva York. Su visión se encuentra en la estrecha brecha entre el momento decisivo y la foto documental, produciendo un cuerpo significativo de trabajo en blanco y negro que captura hábilmente la interacción de la luz y las sombras. Sus numerosas exposiciones individuales en Japón y Francia le han ayudado a refinar diligentemente su expresión creativa a lo largo de los años.

En lugar de pasión, Nakafuji tiene dedicación. La dedicación es el resultado de la fórmula Trabajo consistente x Tiempo e ignora palabras fáciles y vacías como la pasión a favor de duras como el esfuerzo y la lucha.

Como fotógrafo, encontró una fuerte vena de inspiración en París. Había viajado por el mundo, pero en París, el hogar de la tranquilidad de Atget, del momento decisivo de Cartier-Bresson, por no mencionar las obras maestras de Brassai y Kertész, todavía encontró en sus repetidos viajes encanto sin explotar. Nakafuji se fundió en el neón cuestionable de los cuartos de placer, los aromas de la ciudad, los caminos arbolados y las esquinas elegantes y anticuadas que rebosan de gente de todos los credos y sus fotos capturaron unas insignificantes y cotidianas escenas convertidas en extravagantes por su viveza.

Street Rambler es una parte de su trabajo continuo y abierto de fotografías callejeras. Reúne 78 fotografías tomadas en los últimos diez años en Tokio, Nueva York, París, Berlín, Moscú, San Petersburgo, La Habana y Shanghái. También es el contenido de su último fotolibro auto-publicado, del mismo nombre.

Antiguo alumno y amigo a lo largo del tiempo de Daido Moriyama, ha utilizado principalmente películas Contax G2 y Fujifilm 1600asa Super Presto, excepto en Berlín (Tri-X) y Tokio (Leica Monochrom). Técnicamente, su impresión es increíble y las realiza en el cuarto oscuro de su casa.

Ha sido el fotógrafo oficial de actos de rock como Les Rallizes Dénudés, Yura Yura Teikoku, Masatoshi Tsunematsu y otros varios. Además de sus actividades como artista, dirige la Galería Niepce en Tokio, realizando allí exposiciones y talleres.

Por sus atrevidas fotos de ciudades, ganó el Higashikawa Special Photographer Award en 2013 y el 24th Tadahiko Hayashi Award en 2015. También fue seleccionado para la Contemporary Japanese Photography Exhibition en el Tokyo Photographic Art Museum.

Referencias

Libros

  • Enter the mirror, 1997.
  • Tokyo Tokyo and TOKYO - Contemporary Japanese Photography vol.13 (B)
  • Tokyo Tokyo and TOKYO - Contemporary Japanese Photography vol.13 (C)
  • Tokyo Tokyo and TOKYO - Contemporary Japanese Photography vol.13 (D)
  • Tokyo Tokyo and TOKYO - Contemporary Japanese Photography vol.13 (E)
  • Tokyo Tokyo and TOKYO - Contemporary Japanese Photography vol.13 (F)
  • Winterlicht, 2001.
  • ASPHALT 7th
  • Night Crawler 1995-2010, 2011.
  • Takehiko Nakafuji – Paris, 2013.
  • HOKKAIDO: Sakuan, Matapaan, 2013.
  • STREET RAMBLER, 2014.

sábado, 10 de febrero de 2018

Prue Stent

Prue Stent es una artista visual y fotógrafa australiana (de Sídney, vive en Melbourne) que crea imágenes surrealistas de retratos o detalles de jóvenes mujeres  desnudas o cubiertas de colores vibrantes, cuestionando los ideales estereotipados de belleza.

© Prue Stent

© Prue Stent

Me obsesiono con ciertos colores. Era verde hace un tiempo, pero en este momento es rosado. Me gusta desafiarme a mí misma para trabajar con un color y luego explorar la 'idea' del color. En este momento mi atención se centra en el rosa y todas las asociaciones culturales que hay con el rosa, especialmente en lo que se refiere a los preceptos de la identidad de género.
En gran parte de mi trabajo notarás que la cara del modelo está ausente u oscurecida por velos o máscaras de un tipo u otro. Esto simboliza nuestras culturas se centran en el cuerpo femenino en lugar de la individualidad. ... También me gusta yuxtaponer el entorno natural con la forma femenina para ampliar los temas de equilibrio y fuerza.

Biografía

Prue Stent comenzó fotografiando a muy temprana edad con cámaras analógicas desechables, para más tarde madurar profesionalmente a través de la fotografía digital, mudándose de Sídney a Melbourne para estudiar fotografía en RMIT. Tener una base técnica realmente buena le ha permitido dar vida a sus ideas, construyendo sus imágenes para que sean conceptualmente y visualmente estimulantes.

Con un marcado discurso acerca de la transposición de genero y una vinculación, no necesariamente intencionada, con el feminismo, su obra presenta un estudio del cuerpo, en el cual se pierden las formas anatómicas humanas, camuflándose entre tejidos, o combinando distintas figuras en la misma fotografía, creando composiciones vivas de extremada belleza.

Stent cuestiona los estándares de belleza establecidos por la sociedad. El cuerpo femenino es el elemento fetiche de su obra, haciendo uso de las curvas de la mujer y su complexión natural como medio transmisor de emociones, sentimientos y sensaciones.

Utilizando como protagonistas a su hermana, su amiga Honey Long, también artista visual, y a ella misma, ha conseguido crear un universo color pastel en el que lo sintético converge de forma totalmente armónica con lo natural. Dentro de esta gama cromática, el rosa es el protagonista de su obra, y da nombre a su serie de fotos Pink donde es el rosa el nexo cromático entre todas las capturas.

Parte de su obra está realizada en colaboración con su amiga Honey Long. Son trabajos multidisciplinarios mezcla de fotografía, performance, instalación y escultura, cuya práctica se centra en su relación conflictiva con la feminidad y sus asociaciones pasivas. A menudo, su proceso es espontáneo y lúdico y el resultado es inesperado y accidental, fruto de una curiosidad perversa por interactuar con materiales y objetos atractivos, incorporándolos en disfraces o disfraces que distorsionan y fragmentan la forma corporal. Como resultado, los desechos culturales se reconfiguran en contextos fluidos y soñadores, desencadenando asociaciones subconscientes y al mismo tiempo evadiendo la clasificación.

Referencias

viernes, 9 de febrero de 2018

Rafael Rocafull y Monfort

Rafael Rocafull y Monfort fue un fotógrafo y pintor español (nacido en 1825 en Cádiz, fallecido en 1903) considerado uno  de los pioneros de la fotografía en España, realizando numerosos retratos, entre ellos la serie Académicos, dedicada a los miembros de la Academia de Bellas Artes de Cádiz de la que él mismo fue miembro.

Rafael Rocafull y Monfort

Rafael Rocafull y Monfort

Biografía

Rafael Rocafull y Monfort se formó en la Academia de Bellas Artes de Cádiz, y se dedicó antes a la pintura que a la fotografía, realizando a lo largo de su vida diferentes obras pictóricas de temática costumbrista, aunque también practicó el retrato y el paisaje. Participó en la Exposición de Bellas Artes que se celebró en la ciudad de Cádiz en el año 1854, obteniendo una medalla de plata, y en la que tuvo lugar en Jerez de la Frontera en 1858.

Fue asimismo uno de los pioneros de la fotografía en España. En 1858 abrió un estudio en su ciudad natal, donde se especializó en el retrato fotográfico, realizando numerosos retratos, entre ellos, en 1861, la serie Académicos, dedicada a los miembros de la Academia de Bellas Artes de Cádiz de la que el mismo fue miembro. También editó álbumes con colecciones de fotografías dedicadas a varias ciudades españoles, como Córdoba y Sevilla. Trabajó para editores de postales y editó el Álbum de vistas de Cádiz, cuyas tomas son fundamentales para conocer la evolución de la imagen de la ciudad en la segunda mitad del siglo XIX. Puede verse un ejemplo de su trabajo en el álbum que realizó sobre la Bodega de Mora en el Puerto de Santa María.

A finales de la década de 1870 inició una serie de reportajes gráficos que fueron publicados en las revistas locales y en La Ilustración. En 1873 obtuvo el Diploma de Mérito en la Exposición Nacional de Fotografía de Madrid, y en 1879 participó en la Exposición Regional de Sevilla.  Desempeñó el cargo de director del Museo de Pintura de Cádiz y se interesó incluso por los temas políticos, llegando a ser nombrado en dos ocasiones concejal del Ayuntamiento de Cádiz.

En 1876 se asoció con el fotógrafo M. Pol, abriendo un estudio por un año en Sevilla. En 1880 volvió a crear otro negocio fugaz con el retratista Rojo. Dejó igualmente constancia del desarrollo de la fotografía industrial durante el último cuarto del siglo XIX, fotografiando en 1887 los pabellones en funcionamiento de la Exposición Marítima de Cádiz.

En 1895 realizó sus primeros trabajos fotomecánicos, y a principios de siglo XX, cuando la mayoría de los tratados sobre fotografía eran extranjeros, publicó su Tratado práctico de fotografía industrial, un manual que explica las técnicas para el colodión, la fabricación de nitrato de plata o para los baños viejos de plata, entre otras técnicas.

Se cree que se trasladó fuera de Cádiz en 1902, a los 77 años, ignorándose la fecha y lugar exacto en que tuvo lugar su fallecimiento. Tras su muerte, su hijo Emilio continuó con el negocio, que pasó a llamarse Rocafull y Cía. Muchas de sus obras pictóricas pertenecen actualmente a colecciones particulares.

Referencias

Libros