miércoles, 31 de enero de 2018

Robert Zhao Renhui

Robert Zhao Renhui es un fotógrafo singapurense (nacido en 1983 en Singapur, donde vive) cuya obra, una observación de la naturaleza en estilo documental de fotografía, nos lleva continuamente a cuestionar nuestra propia condición humana y las suposiciones que hacemos automáticamente dentro de nuestras vidas diarias.

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© Robert Zhao Renhui

Biografía

Robert Zhao Renhui no tiene muchos recuerdos de su infancia porque no tenía muchas fotografías. Su padre tenía dos cámaras Yashica, que le resultaron útiles cuando estaba en primaria y empezó a tomar fotografías en el aula y agregaba "espíritus" a las imágenes mediante un rotulador con el que dibujaba pequeñas formas al azar en el negativo.

Desde que era joven ha sido un apasionado por la naturaleza, fotografiando animales en el zoológico y desarrollando su estilo documental. Continuó haciendo su licenciatura en el Camberwell College of Arts de la University of the Arts de Londres, que lo ayudó a mejorar su práctica artística para construir capas dentro de sus narrativas fotográficas, permitiendo que el espectador cuestione lo que ve oscilando entre la realidad y ficción.

Su trabajo se basa en en observaciones e investigaciones sobre el mundo natural y en el concepto de duda e incertidumbre y su creación, el Institute of Critical Zoologists (ICZ), tiene como objetivo desarrollar un enfoque crítico para la mirada zoológica. Las sociedades urbanas viven en relativo aislamiento de los animales; sin embargo, nuestra demanda y nuestra mirada sobre ellos han crecido significativamente en el último siglo. Es innegable que mirar animales se considera deseable y placentero en las sociedades. Los animales transmiten significado y valores que son específicos de la cultura, y al ver al animal, no podemos escapar del contexto cultural, el clima político y los valores sociales en los que tiene lugar esa observación.

Con los años, Zhao ha creado diversos cuerpos de trabajo, entre los que podemos citar a Mynas, en el que pasó un mes en un árbol en el principal distrito comercial de Singapur, Orchard Road, y que es un libro oscuro.

Zhao ha reflejado su enfoque multidisciplinario de combinar imágenes digitalmente alteradas en estilo documental en A Guide To The Flora And Fauna Of The World (Una guía para la flora y la fauna del mundo), que se mostró en la Bienal de Singapur de 2013 y para el que fotografió 55 animales y plantas que parecían naturales, pero en realidad estaban hechos por el hombre y nunca se incluyen en las enciclopedias de historia natural, pero que presentados en un estilo casi documental nos obliga a cuestionar la forma en que los humanos siempre intentamos controlar la naturaleza con nuestras percepciones condicionadas.

Renhui recibió el premio The Young Artist Award en 2010, el galardón nacional más importante otorgado a artistas jóvenes en Singapur por el National Arts Council.  También ha obtenido The Deutsche Bank Award in Photography en 2011, The United Overseas Bank Painting of the Year Award en 2009 y Sony World Photography Awards en 2010 y 2011, entre otros premios.

Ha participado en numerosas exposiciones individuales y colectivas, como las realizadas en The Singapore Art Museum, Jendela y The Substation en Singapur, Fukouka Asian Art Museum en Japón, Michel Foley Gallery en Nueva York, Photo Levallois en París, Seul Arts Centre en Corea, Pickford House Museum en Derby, Reino Unido, PhotoIreland, Flash Forward Festival en Toronto y Flowers East Gallery en Londres, entre otras muchas.

Referencias

Libros

  • The Great Pretenders Vol. 135, 2009.
  • The whiteness of a whale, 2010.
  • The Land Archive, 2011.
  • A Bird in the Hand / Why look at birds?, 2011.
  • Some Kind Of Expedition, 2012.
  • Horses and Canaries, 2013.
  • A Guide to the Flora and Fauna of the World, 2013.
  • Singapore, Very Old Tree, 2015
  • Christmas Island, Naturally, 2015.
  • Mynas, 2016.

martes, 30 de enero de 2018

Yuichi Hibi

Yuichi Hibi es un actor, cineasta y fotógrafo japonés (nacido en 1964 en Nagoya, vive en Nueva York y Tokio) que realiza una fotografía de calle inspirada en el “cine negro” con escenas tomadas en ciudades como Nueva York y Tokio, o en lugares más pequeños.

© Yuichi Hibi

© Yuichi Hibi

Volví a Japón después de siete años de ausencia, de norte a sur viajé por el país a través de la lente: imágenes distorsionadas, imágenes reales, solo huellas que permanecen hoy ... hace años y quizás en años futuros, este Japón viaja dentro de mí como un largo camino de bambú.

Biografía

Yuichi Hibi se formó como actor de teatro y cine, así como también como cineasta en Japón. Tras participar en la película Ran, en 1988 se mudó a Nueva York, sabiendo muy poco inglés, para avanzar en su carrera como actor.

Para él la ciudad era sombría, mugrienta y alienante, era la Nueva York de Taxi Driver y Midnight Cowboy, películas grunge que había visto cuando era adolescente en Japón. Como inmigrante de un mundo muy diferente descubrió que era un extraño en la cultura de la que intentaba formar parte.

Mientras trabajaba como actor, fue influenciado por amigos fotógrafos, y pronto se sumergió en las artes visuales y fotográficas. En 1992 comenzó a hacer fotografías y en ese trabajo evocó un sentimiento de anhelo, aislamiento y comprensión de cosas que a menudo se pasan por alto. En 1994, conoció y compartió su trabajo con Dennis Hopper que le animó a continuar.

Caminaba por las calles desde medianoche hasta el amanecer con una cámara apunta-dispara, capturando el Manhattan que había llegado a amar. Embriagado por el silencio y la soledad de la noche, realizó maratones por los rincones más oscuros de la ciudad, una actividad que le inspiró un estado mental similar al de un éxtasis meditativo. Sus fotografías de la noche de Manhattan capturan el romance onírico de estos viajes nocturnos.

Regresó a Japón a principios de la década de 1990 para descubrir que todo lo que una vez había conocido había cambiado, incluso él mismo. Continuó fotografiando en Japón con un trasfondo similar de "película negra". Estas fotos de Nueva York y Japón fueron publicadas en 2005 en la monografía Imprint. En 2008  publicó Neco, donde recoge el resultado del trabajo de muchos años fotografiando a gatos en reposo, jugando o cazando, capturando la esencia de ser de un felino. Salt Of The Earth recoge fotos realizadas en la isla Amami de la prefectura Kagoshima en 2007.

Desde 1995 su fotografía ha aparecido en galerías, exponiendo en numerosas ocasiones por todo el mundo, tanto en grupo como individualmente en el International Center of Photography de Nueva York, Paris Photo en París, Arts Labor Gallery en Shanghái, … con sus series Imprint, Zero Hour, Neco y Salt of the Earth.

Respecto al cine, en 2001, dirigió el documental A Weekend with Mr. Frank sobre el fotógrafo Robert Frank, que también se publicó como libro. Ha dirigido también el documental dirigido Ken San basado en la vida de Ken Takakura que se estrenó en el Festival de Cine de Cannes en 2016.

Referencias

Libros

  • Imprint, 2005.
  • A Weekend with Mr. Frank, 2006.
  • Neco, 2008.
  • Greetings From … Shanghai, 2010.
  • Yuichi Hibi, 2010.
  • Rojin, 2010.
  • 127. Portraits 1994 – 1995, 2012.

lunes, 29 de enero de 2018

Chiara Balza

Chiara Balza es una fotógrafa italiana (nacida en Alessandria, vive en Milán) que recrea en su obra, gracias a la película y a colores poco saturados, el mundo amable que le rodea en su vida cotidiana.

© Chiara Balza

© Chiara Balza

En la fotografía todo es instinto, al menos para mí. No hay necesidad de buscar nada concreto de antemano, nada profundo o trascendente. Con mi curiosidad me basta.

Biografía

Chiara Balza ha hecho fotos desde que tiene memoria, pero comenzó en serio hace pocos años cuando se compró una cámara digital semiprofesional, aunque actualmente tiene unas 10 cámaras analógicas, siendo su favorita la Nikon EM, porque es pequeña, no pesa, su lente es excelente y tiene una maravillosa profundidad de campo.

También disfruta de sus cámaras de juguete y de su hermosa Mamiya C22 ... y tiene abandonada la digital. A veces utiliza películas expiradas, pero en general no está interesada en el tipo de película que usa. No tiene una marca favorita, ni éstas son importantes para ella.

Descarada y exhibicionista. Chiara sólo quiere “jugar y experimentar” cuando hace fotos. Lo demás no le importa casi nada. Se mueve por impulsos que nunca emergen del cerebro, sino de la piel, y admira más que a ningún otro fotógrafo a la estadounidense Nan Goldin, cruda documentalista de su propia vida. Pero la vida cotidiana de Chiara es muy distinta y su fotografía es mucho más amable, sus temas principales son sus amigos, su familia, los lugares que visita en su rutina, las ciudades donde vive y trabaja. Le gusta fotografiar a la misma persona mil veces. Por ejemplo, tiene muchas fotos de su abuela, muy polifacética y su mejor modelo.

Referencias

domingo, 28 de enero de 2018

Macidiano Céspedes

Macidiano Céspedes es un fotógrafo peruano (nacido el 18 de septiembre de 1981 en Chiclayo, Perú, vive en Buenos Aires, Argentina) que realiza una fotografía diversa, desde paisajes, viajes, calle, documental y conceptual.

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© Carlomán Macidiano Céspedes

Biografía

Carlomán Macidiano Céspedes Riojas nació en Chiclayo, una ciudad del norte de Perú. En 1999 comenzó a estudiar Ciencias de la Comunicación. El mismo año, su tía le regaló su primera cámara analógica y tuvo su primer contacto con esta pasión. En 2005, después de terminar sus estudios, viajó a Buenos Aires en busca de nuevas oportunidades, donde ahora vive, estudia y trabaja como operador de comunicaciones.

Después de publicar fotos de viajes en las redes sociales y recibir excelentes comentarios, comenzó sus estudios formales de fotografía en 2014, lo que le permitido una mayor profundidad y evolución en su fotografía. Ha obtenido diversos premios entre los que se pueden citar el premio Nacional de Perú en los Sony Awards en 2015 y 2017.

Referencias

sábado, 27 de enero de 2018

Lúa Ocaña

Lúa Ocaña es una fotógrafa gallega (nacida el 11 de marzo de 1982 en Vigo, vive en Barcelona) cuyos proyectos son muy variados y diversos, siempre analógicos los personales, y muchas veces con “intervenciones” sobre la fotografía original. Su terreno es lo onírico y la plata de la emulsión fotográfica.

© Lúa Ocaña

© Lúa Ocaña

Siento la fotografía como piezas tangibles, como objetos únicos.

Biografía

Lúa Ocaña intentó de pequeña forjarse un futuro montando a caballo, con el punto de cruz, las canicas y una extensa colección de minerales, cromos y gomas de borrar. Todo aquello no funcionó y la mayoría de edad le presionó hasta que se decantó por la Química. Mientras estudiaba en Santiago de Compostela gracias a una beca Séneca se fue a Barcelona, pasando 9 meses tan fantásticos, que trasladó su expediente terminando su licenciatura en la Autónoma de Barcelona.

Sus primeros encuentros con la fotografía fueron a finales del 2004, pero no fue hasta 2007 cuando entró en el Institut d’Estudis Fotogràfics de Catalunya. Su trabajo personal es el 100% analógico y no es una preferencia, sino más bien una parte intrínseca de su manera de crear: el proceso de creación empieza mucho antes del disparo y termina también mucho más tarde de éste, y lo analógico posee unas características que hacen que sienta como propio este proceso, el mundo de las sales de plata es su mundo y en él se siente cómoda.

Siente la fotografía como piezas tangibles, como objetos únicos y les otorga un valor individual importante. Rompe, pinta, dibuja sobre fotografías, las “interveniene” hasta hacerlas más suyas, más únicas.. También tiene proyectos con Polaroids, en este caso las transfiere, tanto transferencia de imagen como de emulsión,  y las originales no tienen comparativa con las reproducciones digitales. Y más de una vez también ha hecho algún proyecto con formato medio y obteniendo copias en negativo directo en gelatina de plata sobre papel. 

Lúa ha expuesto en lugares como The Lighthouse Gallery en Glasgow, FineArt en Igualada, Espai Gòtic y Mutuo-Centro de Arte en Barcelona o en la Galería Tri@rt de Vigo. También ha participado de forma activa en diferentes certámenes como el Festival SCAN de Tarragona en  2012, Reencontres d'Arlés en 2011 y en el Festival Emergent de Lleida en 2009 y ha impartido numerosos talleres y charlas y talleres por España desde 2009.

Referencias

Libros

  • Do not break in two.

viernes, 26 de enero de 2018

Max Alpert

Max Alpert fue un fotógrafo ruso (nacido el 18 de marzo de 1899 en Simferopol, Ucrania, fallecido el 30 de noviembre de 1980 en Moscú) conocido principalmente por su trabajo en la línea del frente durante la Segunda Guerra Mundial.

© Max Alpert

© Max Alpert

Biografía

Max Vladimirovich Alpert estudió fotografía en Odessa, junto con su hermano Mikhail Alperin, antes de la I Guerra Mundial. En 1919 se alistó al ejército rojo y, tras 3 años en él,  se trasladó a Moscú donde trabajó como fotógrafo para Rabochaya Gazeta (El periódico de los trabajadores). En la década de los años 30, fotografió numerosos construcciones de la Unión Soviética para la revista URSS en Construcción, realizando unos 50 ensayos fotográficos. Entre los más importantes de este período fueron la construcción de la planta siderúrgica de Magnitogorsk, y la construcción del Canal de Fergana en Uzbequistán, donde coincidió con Sergei Eisenstein que quedó impresionado por su pasión por la fotografía. 

Alpert también es conocido por su serie Gigante y Constructor que narra la carrera de Viktor Kalmykov, un albañil analfabeto que se convirtió en un gran constructor en la fundición de acero Magnitogorsk, en la que colaboró con Arkady Shaikhet y Solomon Tules, dentro del proyecto Veinticuatro horas en la vida de la familia Fillippov, una serie que publicitó la vida segura y feliz de los trabajadores soviéticos en contraste con el estilo de vida de los trabajadores en los países capitalistas a principios de los 30, y que se expuso en Viena, Praga y Berlín en 1931.

Paralelamente trabajó también para Pravda, para la que retrató prácticamente a todos los principales políticos soviéticos y extranjeros, militares, escritores y ajedrecistas.

Durante la Segunda Guerra Mundial, para la agencia de noticias TASS, hizo una serie de fotografías icónicas en la primera línea del frente, y también documentó eventos militares en Praga y Berlín. Por su trabajo durante la guerra fue galardonado con la Orden de la Estrella Roja en 1943, la Orden de la Guerra Patriótica en 1945 y la Orden de la Bandera Roja del Trabajo.

Después de la guerra, fue el principal corresponsal fotográfico en RIA Novosti, donde compiló el famoso álbum fotográfico de Nikolai Amosov, que le permitiría obtener un premio World Press Photo.

Sus obras muestran un ojo intuitivo para el diseño y los eventos humanos más allá de su propósito propagandístico, y muchas de ellas se almacenan en la colección de negativos del Museo Central del Estado de Historia Contemporánea de Rusia.

 

Referencias

Libros

  • Max Alpert, 1974.
  • Una antología de la fotografía soviética 1941-1945, 1987.
  • 20 Soviet Photographers 1917-1940, 1990.
  • Photo Manifesto: Contemporary Photography in the USSR, 1991.
  • The Utopian Dream: Photography in Soviet Russia 1918-1939, 1992.

jueves, 25 de enero de 2018

Soledad Córdoba

Soledad Córdoba es una artista asturiana (nacida en Avilés en 1977) que utiliza la fotografía como medio para trasmitir y representar nuevas realidades y como herramienta para arrojar interrogantes sobre la existencia del ser humano.

Devastación II. 2015 © Soledad Córdoba

Devastación II. 2015 © Soledad Córdoba

Con mi obra exploro los territorios de confusión donde confluyen las fronteras de la realidad y la ficción, lo comprensible y lo sobrenatural, lo bello y lo siniestro, lo conocido y lo extraño. También me inquieta la relación que tenemos con los elementos de la naturaleza y valoro lo fantástico como una forma de trascender a nuestro ser. Por ello represento lugares donde todo es posible, paisajes reales que estimulan la creación de nuevas realidades o lugares que invitan a la reflexión dentro de nuestra realidad diaria.

Biografía

Soledad Córdoba es licenciada y doctora en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid. Su formación e investigación artística ha sido apoyada a través de becas y estancias en residencia en Cité Internationale Universitaire de París, TATE Britain The Hyman Kreitman Research Centre en Londres, Casa de Velázquez en Madrid y Hangar, Centre de produció d’arts visuals i multimédia en Barcelona.

Soledad es una artista que trabaja a través de la fotografía, el audiovisual, la instalación y el dibujo para crear ficciones. En sus primeras obras, trabajaba con la idea del cuerpo vinculado a la identidad y reflexionaba sobre la enfermedad, el dolor, el abuso y la existencia. En su obra más reciente realiza mayormente autorretratos enmarcados en la naturaleza, donde bosques, campos de girasoles o rastrojos rodean a la figura femenina, en una reflexión sobre la naturaleza en un diálogo silencioso entre el ser humano que la habita, la observa y a veces la hiere.

La mayor parte de su obra se centra en la idea de trascender la realidad a través de la poética de la imagen, con obras despojadas de toda su particularidad –objetiva o documental– para ser convertidas en símbolos de lo pulsional. Sus proyectos, más actuales, hablan de los estados del alma, los procesos creativos, el dolor o la identidad.

Su trabajo está presente en numerosas exposiciones individuales y colectivas de ámbito nacional e internacional, entre las que destacan Silk Road Gallery en Teherán, el Instituto Cervantes de Chicago, Alburquerque, Roma, Nápoles, Palermo, Tetuán, Fez, Rabat y Casablanca, la Embajada de España en Washington DC. A nivel nacional destacan el Centro Niemeyer, Museo de Bellas Artes de Asturias, Museo Barjola, Laboral Centro de Arte y Creación Industrial, el Círculo de Bellas Artes de Madrid o Espacio Cultural Conde Duque, entre otras.

Ha recibido diversos premios, entre los que se encuentran el Primer Premio de Fotografía El Cultural del periódico El Mundo en 2001, el Primer Premio de Fotografía del certamen Jóvenes Creadores del Ayuntamiento de Madrid en 2003 y el Primer Premio de Artes Plásticas Premio Joven 2004 de la Fundación General de la Universidad Complutense en 2005.

Ha participado en festivales internacionales como PhotoEspaña, Miradas de Mujeres 2013 o la Noche en Blanco de Madrid y en ferias internacionales de arte contemporáneo como ARCO, Arte Lisboa, MadridFoto, Estampa, SAWB Art Fair, Arte Santander, …

También cuenta con la presencia de su obra en prestigiosas colecciones de instituciones públicas y privadas, como el Museo de Bellas Artes de Asturias en Oviedo, Colección Artfairs, Fundación Universidad Complutense en Madrid, Colección Olor Visual en Barcelona, Colección Norte Gobierno de Cantabria, Ayuntamiento de Zaragoza, Cajastur, INJUVE, entre otras.

Referencias

Libros

miércoles, 24 de enero de 2018

Justin Vogel

Justin Vogel, alias justinsdisgustin, es un fotógrafo estadounidense (nacido en Hells Kitchen, en Ciudad de Nueva York, donde vive) que realiza principalmente fotografía de calle en uno de los lugares más apropiados para hacerla: la ciudad de Nueva York.

© Justin Vogel

© Justin Vogel

Biografía

Justin Vogel comenzó a hacer fotos cuando estaba en la escuela secundaria a mediados de los 80. Realmente no sabía que existía la fotografía callejera en ese momento, pero disparar en la calle era algo instintivo. Era un niño de los suburbios de Nueva York y sobre todo disparó por la parte baja del este de Manhattan a vagabundos y gente de la calle. Estudió algo de fotografía en la universidad, pero finalmente ganaron otros intereses y la dejó.

Volvió a hacer fotos en serio otra vez (si se puede llamar así) hace unos años. Básicamente, ha estado haciendo fotografía de calle durante 30 años, pero con una brecha de 26 años en el medio. Él es, en su corazón, un punk. Ese es el filtro a través del cual ve el mundo. Para él, la Street Photography es punk rock.

Justin es un padre desempleado de unos 40 años que se queda en casa para cuidar de un bebé de dos años, pero su visión y capacidad para crear imágenes cautivadoras es increíble. Como creció en la escena hardcore de los1980 y es a través de ese prisma que sigue viendo el mundo: a partes iguales cinismo, ira, diversión y orgullo. Estas son las cosas que llenan su visión, y espera que trasluzcan en sus imágenes.

Lleno de vigor, es definitivamente una figura seminal en la fotografía de la calle gracias a su trabajo con el Hardcore Street Photography Group en Flickr. También es miembro del colectivo Burn My Eye y, recientemente, de Strange.rs.

Dispara exclusivamente con película negativa a color de 35mm. Usa una Leica M2 o una Olympus XA4, ambas con una lente de 28 mm, para lograr consistencia en sus  imágenes al reducir las variables tanto como sea posible.

Referencias

martes, 23 de enero de 2018

Paul Walsh

Paul Walsh es un fotógrafo inglés (de Midlands, actualmente vive en Brighton) que está interesado principalmente en explorar la relación entre el caminar y la fotografía, y crea un trabajo extraído de la experiencia física, psicológica e histórica de caminar.

© Paul Walsh

© Paul Walsh

Biografía

Paul Walsh estudió inicialmente pintura e ilustración, luego Fotografía documental y artística en la Liverpool John Moores University y posteriormente realizó un master en fotografía en The University of Brighton.

Una enfermedad de su madre, que la dejó incapacitada para caminar, le llevó a viajar en tren entre Londres y Birmingham para visitarla, y mientras miraba por la ventana del tren se preguntaba cómo sería hacer el recorrido a pie, a lo largo del canal que podía ver corriendo a lo largo de la línea del tren. Así quedó atrapado en pensamientos sobre la naturaleza efímera de los lugares mientras caminaba. El deterioro de las fábricas de la ciudad pronto dio paso a los paisajes bucólicos y se dio cuenta de la naturaleza fugaz del mundo que le rodeaba. Se puso a hacer fotografías de los lugares que se encontraban más allá de la vista del canal desde la ventana de la habitación de su madre. También quería mostrar cómo los lugares se deterioran y sucumben a la descomposición, y sin embargo, muchos se recuperan, transforman y, finalmente, encuentran una forma de prosperar de nuevo.

Así, desde All Things Pass que traza su deambular a lo largo de los cientos de kilómetros del canal que conecta el río Támesis en Londres con la casa de sus padres en Birmingham, ha realizado diversos proyectos que tienen como motivo principal sus largos paseos recorriendo desde la costa sur de Inglaterra, cubriendo más de 400 Kms. entre 2009 y 2011 en Isolated Coastline, hasta los que recogen sus paseos de los exteriores de líneas de metro en Moscú, pasando por Lituania y otros muchos lugares del mundo, incluida España.

Paul es miembro fundador del colectivo de fotografía MAP6, que ha estado exponiendo en todo el Reino Unido desde 2011, y cuyo objetivo es apoyar la creación y difusión de nuevos cuerpos de trabajo. Compuesto actualmente por 9 miembros, su trabajo es individualmente diverso, pero unificado en una profunda curiosidad por la compleja relación entre las personas y el lugar, comprometiéndose en crear cuerpos de trabajo informativos alrededor de un tema central o ubicación geográfica.


Referencias

Libros

  • MAP6 - The Moscow Project.
  • Towpath.
  • Lost and Found.

lunes, 22 de enero de 2018

Sean Lotman

Sean Lotman es un escritor y fotógrafo estadounidense (nativo de Los Angeles, EEUU, vive en Kioto, Japón) que realiza una fotografía de calle en colores oníricos, reveladas e impresas por él mismo en su laboratorio, con un estilo muy personal.

© Sean Lotman

© Sean Lotman

Biografía

Sean Lotman, al crecer en Los Ángeles, ha sido aficionado al cine, especialmente a las películas de los años 60 y 70. Sin embargo, con respecto a esquemas de color, es el período del Technicolor de Hollywood durante los años 40 y 50 el que probablemente le haya inspirado más.

Su formación es de escritor (entretenimiento, ensayos y reseñas, pero sobre todo ficción) y ha escrito dos novelas y varias historias cortas. Aunque había hecho algunas fotografías cuando tenía veinte años, fue en su 31º cumpleaños en Islandia con una Holga regalo por su novia cuando comenzó su camino fotográfico en serio.  La Holga le llevó a pasar a una Diana F+, un 'amor a primera vista' por sus imágenes surrealistas. Actualmente dispara con la Diana F+ (formato 120) y una Nikon F3 (formato 35mm).

Ha residido en Japón más de 15 años, la mayoría en Tokio, y los últimos seis años en Kioto, donde vive. Lleva en la fotografía desde hace casi 10 años. Fue entonces cuando descubrió su estilo, pero fue solo hace 5 años cuando comenzó  la impresión en color en cuarto oscuro que comparte con su mujer, la también fotógrafa Ariko Inaoka, donde pudo comenzar un proceso de composición con una estética exclusiva, queriendo transmitir en sus imágenes una ensoñación de otro mundo, buscando viveza, saturación y colores irreales, siempre en color. Quiere que su trabajo refleje sus ideas humanistas sobre la universalidad en el hombre, obtenidas gracias a su exposición a otras culturas como las de India, África, Medio Oriente y sudeste asiático. La mayor parte de su trabajo se realiza en la calle y sus sujetos son en su mayoría extraños.

Ha publicado Sunlanders, un libro de fotografías de 84 páginas contiendo 48 imágenes a todo color escaneadas de las impresiones originales impresas C-Type a mano por él mismo. Es un documento afectuoso sobre la tierra que Sean llama hogar actualmente. Las imágenes son ricas en superposiciones, sobreexposiciones y tintes extraños que se logran durante el proceso de impresión.

Lotman con su serie I Do Haiku You también nos ha hipnotizado con sus haikus bellamente compuestos que acompañan a cada una de sus fotografías surrealistas de su Diana F+, mostrándonos su amor por la fotografía con película. Sin embargo, y, a pesar de ser muy reticente con el tema, utiliza su iPhone para realizar una fotografía más distendida y capturar suficientes recuerdos en foto y video de su hijo. Los peligros de quedarse atrás tecnológicamente y de quedarse algún día sin película Ektachrome, sin duda tienen algo que ver con esto.

Referencias

Libros

domingo, 21 de enero de 2018

Dan Budnik

Dan Budnik es un fotógrafo estadounidense (nacido en 1933 en Long Island, Nueva York, vive y trabaja en Tucson y Flagstaff, Arizona) conocido por sus retratos de artistas, por sus fotografías del Movimiento por los Derechos Civiles y sobre la vida de los nativos americanos.
 

Martin Luther King, Jr deep in meditation after delivering his “I HAVE A DREAM” speech. August 28. 1963 © Dan Budnik

Martin Luther King, Jr deep in meditation after delivering his “I HAVE A DREAM” speech. August 28. 1963 © Dan Budnik

Biografía

Dan Budnik estudió pintura en la Art Students' League de Nueva York. Charles Alston fue su maestro allí, el primer afroamericano en enseñar en la Liga, y le inspiró interés por la fotografía documental y el incipiente Movimiento por los Derechos Civiles.
 
Después de haber sido reclutado a mediados de los años 50, comenzó a fotografiar a la gente de la New York school of Abstracts Expressionist and Pop Artists, convirtiéndolo en su tema principal durante varias décadas. Realizó importantes ensayos fotográficos sobre Willem de Kooning y David Smith, entre muchos otros artistas.
 
En 1957 comenzó a trabajar en Magnum Photos en Nueva York, asistiendo a varios fotógrafos, especialmente a Cornell Capa, Burt Glinn, Eve Arnold, Ernst Haas, Eric Hartmann y Elliott Erwitt. En marzo de 1958, viajó a La Habana durante 6 semanas durante la revolución cubana y continuó trabajando con Magnum a tiempo parcial, hasta unirse como miembro asociado en 1963.
 
En 1964 dejó Magnum y continuó especializándose en ensayos para revistas nacionales e internacionales, como Life, Sports Illustrated, Time (con varias portadas) y Vogue, centrándose en temas civiles y de derechos humanos y ecológicos. Budnik convenció a Life para que creara un ensayo fotográfico a largo plazo que mostrara la importancia de la marcha de Selma a Montgomery.
Desde 1970 ha trabajado con los indios Hopi y Navaho del norte de Arizona, y obtuvo para este trabajo una beca National Endowment for the Arts en 1973 y una de la Polaroid Foundation en 1980. En 1998 recibió el premio Honor Roll de la American Society of Media Photographers.
 
A lo largo de su extensa carrera, ha fotografiado a Candice Bergen, Sophia Loren, Martin Luther King, Jr., Georgia O'Keeffe, David Smith, Willem de Kooning, Dwight D. Eisenhower,  Lee Bontecou, Alexander Calder, John Chamberlain, Helen Frankenthaler, Jasper Johns, Roy Lichtenstein, Robert Motherwell, Mark Rothko, y a muchas otras celebridades y artistas.
 
Su obra forma parte de colecciones públicas y privadas, como las del King Center en Atlanta, Georgia y el Museo de Arte Moderno (MoMA). 

Referencias

Libros

sábado, 20 de enero de 2018

Mercè Rodríguez

Mercè Rodríguez es una realizadora catalana (nacida el 8 de junio de 1967) que se encarga de poner imágenes a ideas, a conceptos, a historias… La luz, los encuadres, la edición… son sus herramientas y el medio en el que se siente cómoda y en él que le es fácil expresarse.

© Mercè Rodríguez

© Mercè Rodríguez

Esto es como un bicho que se te mete dentro y te domina, es una pura necesidad vital.

Biografía

Mercè Rodríguez llegó a la realización a través de la fotografía, perseguía poder pintar con la luz, emocionar con los encuadres… luego aprendió a unir imágenes, a ponerles sonido, a contar historias con ellas. Con el tiempo sigue persiguiendo lo mismo: explicar, contar, transmitir, emocionar a través de imágenes, sonidos, vídeos, audiovisuales, escenas, luz…

Mercè se ha retratado a sí misma en solitarias habitaciones de hotel donde las arrugas de las sábanas parecen trazadas por cuchillos de hojas blandas. También le gustan los paisajes vacíos sólo en apariencia y las formas múltiples de las sombras.

Actualmente trabaja en el ámbito de los museos y esto le ha abierto a otros planteamientos de imagen y de realización, experimentado y jugando con la imagen como parte de la escenografía o intentando transmitir sensaciones más que explicar historias, o dicho de otro modo, construir instalaciones donde la imagen tiene una importancia más sensorial que narrativa. Es una realizadora y su ambición es poder convertir los sueños en algo gráfico y emocionante a la vez.

Se dedica profesionalmente a realizar, diseñar y post-producir audiovisuales para museografía, instituciones, espectáculos singulares y televisión. Como fotógrafa ha participado en diferentes proyectos, exposiciones y artes-eventos donde destacan el Centro Cultural Can Basté (1997), La Farinera del Clot (2001), Casa Elizalde (2002) y Wandergalerie (2009) en Barcelona, ​​exabruptos (2014) en Moià, Konvent.0 (ediciones 2012, 2013 y 2014) y el Clic Cabrianes (2016).

Ha obtenido diversos premios, como el primer premio AVICOM INTERNACIONAL por la realización del audiovisual Jules Verne,  para la exposición del mismo nombre en la  Cueva dels Hams en Portocristo, Mallorca, segundo premio de la Fundación Olímpica Sant Jordi por el reportaje Raiverd 98 en 1999, mejor director español en el certamen Donne in Corto Transeurope Italia por el cortometraje Júlia, y mención del público al mejor cortometraje , también, por Júlia en la 5ª Mostra Internacional de Films de Dones de Barcelona, ambos en 1997.

Referencias

viernes, 19 de enero de 2018

Maria Kappatou

Maria Kappatou es una artista visual y fotógrafa griega (nacida en Toronto, Canadá, vive en Atenas, Grecia) que realiza fotografía callejera en las calles de Atenas.

© Maria Kappatou

© Maria Kappatou

Biografía

Maria Kappatou es una fan de la fotografía, el arte y la pintura y está también interesada en el diseño y las películas.

Cuando comenzó la crisis griega, los primeros afectados fueron los trabajadores autónomos, especialmente los que tenían que ver con las actividades no productivas. Como artista visual, trabajando en esos campos, tuvo que cerrar su estudio y esperar tiempos mejores. Pero la recesión empeoraba cada día e Internet crecía más rápido que nunca en Grecia. Luego, a través de las redes sociales, un movimiento de fotografía callejera estalló en el país y se unió a él desde el principio.

La fotografía callejera es para ella el género más feliz: es alegre, ingenioso, observador y requiere buenos reflejos, una mente alerta y un desafío constante entre la ética y los miedos de uno mismo. También tranquiliza la mente hasta un punto de trascendencia, y parece que siempre es la primera vez.

Después de los primeros tres años de austeridad, se encontró con que quería hacer cada vez menos fotografías callejeras, en el sentido de que la diversión disminuía cada día, ya que la mayoría de la gente en las calles parecía preocupada y triste. Como resultado de eso, comenzó a tomar fotos de una manera más introvertida y conceptual, que le permite expresar más sus sentimientos y percepciones de la situación actual.

Le atraen las miradas misteriosas y la visión de varios niveles, que pueden proporcionar una segunda lectura a una fotografía, por eso busca ciertas condiciones a veces, como reflejos, humor, armonía de forma y color, ¡y al mismo tiempo conseguir que su cámara enfoque en el momento correcto! Trabaja indistintamente en blanco y negro o en color, según lo pida el tema. Ha llegado a disparar de 6 a 8 horas al día, pero actualmente ha parado un poco.


Referencias

Libros

jueves, 18 de enero de 2018

Greg Marsden

Greg Marsden es un fotógrafo estadounidense (nacido en Los Ángeles, EEUU, vive en Sídney, Australia) cuya  fotografía captura esa fracción de segundo en que volvemos la cabeza y miramos a la gente en la calle; esa gente que va de un lugar a otro, con la cabeza gacha, sumida en sus pensamientos o sin ningún propósito.

Victoria Street, Potts Point, Sydney, 2014. © Greg Marsden

Victoria Street, Potts Point, Sydney, 2014. © Greg Marsden

Biografía

Greg Marsden, alias Ho hum, ha tenido varias experiencias de vida que han dado forma a cómo ve el mundo y hace fotos. Desde tocar el bajo en una banda previa a Guns N 'Roses con Slash y Steve Adler hasta trabajar en zonas de combate en América Central y Medio Oriente, pasando por acabar con los malos como policía secreta en Alemania. Es un psicólogo entrenado y, recientemente, un ejecutivo en una gran corporación. Ha viajado bastante por América, Australia, Asia y Europa. Ha estado en Berlín cuando cayó el muro y en el centro sur de Los Ángeles durante sus disturbios.

Al final recayó en Australia trabajando en la sede de una gran cadena de supermercados. Algo aburrido para él, por lo que compró una cámara para probar una vez más algo nuevo. Teniendo en cuenta su trayectoria profesional, es sorprendente que su fotografía parezca evitar lo extremo, y que se centre en las partes mundanas y, a menudo, solitarias de la vida urbana normal.

Dos de sus imágenes han sido seleccionadas recientemente por VICE como sus fotos favoritas de Australia para 2014/15. También ha ganado algunos premios fotográficos en su camino y ha expuesto su obra en galerías de Sídney, Melbourne, Londres y Estambul. Actualmente está representado por Black Eye Gallery en Sídney.

Realiza encargos para proyectos comerciales, de producción, documentales, digitales, artísticos y de eventos fotográficos. Entre sus clientes podemos citar a Arnott's Tim Tam, The Government of Australia, TAL, Johnson & Johnson, FOXTEL y Woolworths Ltd, entre otros.

Referencias

miércoles, 17 de enero de 2018

Frances y Mary Allen

Frances y Mary Allen fueron dos fotógrafas estadounidenses (nacidas en 1854 y 1858, y fallecidas ambas en 1941) que crearon fotografías idealizadas de escenas campestres, estudios de figuras y niños y paisajes de Nueva Inglaterra, Quebec, California y Gran Bretaña.
 
FrancesMaryAllen
Constance, 1897. Frances & Mary Allen

 

Biografía

Frances Stebbins Allen y su hermana menor Mary Electa perdieron gradualmente su audición en la década de 1880 y se vieron obligadas a abandonar sus trabajos como maestras y encontrar un nuevo medio de vida. Encontraron ese sustento a través de la fotografía, a la que, probablemente, fueron introducidas por su hermano Edmund hacia 1884, y a finales de la década ya aceptaban encargos y publicaban obras, convirtiendo sus visiones artísticas de los escenarios locales en una larga carrera que les trajo reconocimiento internacional y la reputación de ser dos de las mejores fotógrafas de su época.
 
Trabajando dentro de las reformas sociales y estéticas del movimiento Arts and Crafts, descubrieron que las casas y el mobiliario de Deerfield del siglo XVIII ofrecían un entorno ideal para sus recreaciones coloniales. Aunque estas visiones románticas del pasado (pictorialistas) comprenden su obra más conocida, las Allen también dominaron imágenes menos descriptivas. Ambas trabajaron como equipo siempre, aunque Mary hacía más retratos y Frances más paisajes, realizando ellas mismas todo el proceso: revelado, copias, retoque y montaje.
 
Sus imágenes se incluyeron en importantes exposiciones y publicaciones de fotografía artística, como el Washington Salon and Art Photographic Exhibition (1896), 3er Congreso Internacional de Fotografía en París (1900), 3er Salón Fotográfico de Filadelfia (1900), Exposición Pictórica Canadiense (1907) y en el Instituto de Arte de Chicago (1908).
 
Aunque sus obras están asociadas de manera principal con el valle del río Connecticut, viajaron ocasionalmente, fotografiando en lugares tan lejanos como Maine y Quebec y llevando su cámara a viajes por Inglaterra, Escocia y Gales en 1908, y a California en 1916.
 
Después de 1918, la mala salud y la peor visión de Frances comenzaron a pasar factura, haciendo ésta ya poca fotografía después de la Primera Guerra Mundial, aunque continuó asistiendo en el cuarto oscuro y con el negocio, y la productividad de Mary disminuyó también. Continuaron vendiendo grabados hasta 1935. Las hermanas, solteras y viviendo siempre juntas, cuidándose una a la otra, murieron en febrero de 1941 con 4 días de diferencia.

 

Referencias

 

Libros

  • Flynt, Suzanne L. The Allen Sisters: Pictorial Photographer, 1885-1920, 2002.
  • Frances and Mary Allen: A biography, 1969

martes, 16 de enero de 2018

Michael Penn

Michael Penn es un fotógrafo estadounidense (nacido en 1969, vive en el Art Gallery District de Old City Philadelphia,  Pennsylvania) que realiza impresionantes imágenes monocromáticas capturadas en la verdadera esencia de la fotografía callejera tras un trabajo de fotografía urbana, principalmente de la ciudad de Filadelfia.

© Michael Penn

© Michael Penn

Biografía

Michael Alvin Penn es hijo del fallecido artista y fotógrafo industrial Alvin Penn. Ha vivido en la Ciudad Vieja de Filadelfia, durante más de veinte años. Después de trabajar en un bar durante casi 15 años, quiso hacer algo más creativo con su vida. Siempre había tenido interés en la fotografía, pero no tenía el tiempo ni los medios.

Después de su primera exposición fotográfica en solitario en la Silicon Gallery de Nueva York, Michael lanzó su nueva carrera capturando arquitectura contemporánea y clásica (puentes y estructuras emblemáticas) en Filadelfia y sus alrededores. Su portafolio del puente Benjamin Franklin obtuvo un gran reconocimiento nacional y mundial.

Desde esa primera exposición individual, ha expuesto en diversas muestras en grupo desde Manhattan hasta Santiago de Chile y su obra forma parte de las colecciones permanentes de The Wharton Business School  y The Philadelphia Eagles Football Organization.

Su creciente interés por la fotografía de W. Eugene Smith, William Klein y Takuma Nakahira alteró ligeramente sus puntos de vista sobre su propio trabajo. Las restricciones de las regulaciones de seguridad posteriores al 11-S resultaron ser para él una bendición disfrazada, junto con la conferencia y encuentro de 2009 con Daido Moriyama que le hizo de catalizador para un cambio en su fotografía.  Pronto se dio cuenta de que la fotografía callejera era su verdadera pasión.

La captura e impresión de unas 1000 fotografías de 10x15" realizadas durante tres años, conocidas como The Philadelphia Project, permitieron una transición fluida de la fotografía de bellas artes a la fotografía de calle y es también su serie con más éxito hasta la fecha. Este proyecto documenta la ciudad durante su gentrificación más reciente y el movimiento de renovación urbana y gran parte de lo que se fotografió ahora ya no existe. Se ha publicado en 40 libritos de 25 fotografías a sangrado completo de 8.5x11" en ediciones de 50, vendidos mensualmente y que finalizó en 2016.

Este éxito, le inspiró a comenzar y completar nuevos proyectos en la ciudad de Nueva York, el barrio chino de Filadelfia y la ciudad vieja de Filadelfia. La serie de fanzines MONTH-DAY-YEAR son fotografías tomadas en el transcurso de una jornada fotográfica de 6 horas en 1 día. De las 250 fotografías que suele sacar, edita y selecciona 25 para la publicación del fanzine. Tiene previsto realizar unas 6 publicaciones al año.

Estos cuerpos de trabajo y publicaciones están actualmente en exhibición en varias colecciones internacionales, como  The Museum of Modern Art en Nueva York, The Art Institute Of Chicago, Avery Architectural and Fine Arts Library en la Columbia University de Nueva York,  The Library of the National Museum of Modern Art en Tokio, The J. Paul Getty Museum en Los Angeles, California, y The Philadelphia Museum Of Art en Filadelfia, Pensilvania.

Referencias

lunes, 15 de enero de 2018

Roswell Angier

Roswell Angier es un fotógrafo estadounidense (nacido en 1940, vive en Florence, Massachusetts) muy conocido por su trabajo en los clubes de striptease y burlesque de Boston de principios de los 70, incluido su aclamado libro A Kind of Life: Conversations in the Combat Zone.

© Roswell Angier

© Roswell Angier

.. hay mucho que nunca revelan en el escenario, o en sus conversaciones alegres en las sombras oscuras de los clubes; cualidades de gracia, ingenio, resiliencia y soledad de corazón.

Biografía

Roswell Angier es muy conocido por su trabajo en los clubes de striptease y burlesque de Boston de principios de los 70, pasando dos años y medio (de 1973 a 1975) fotografiando la zona de combate, un nombre que los patrulleros de la costa de Washington Street le dieron a dicha zona en la década de los 50, cuando merodeaban los bares de rock y reventaban las cabezas de los marineros.

En los 70, los marineros y bares de rock-and-roll fueron reemplazados por clubes de striptease. Angier estaba interesado en la complejidad de las personas de la comunidad de "entretenimiento para adultos" y conoció a muchas de las strippers y coristas que le permitieron fotografiarlas.

De 1978 a 1982, Angier continuó su trabajo de documentación social, explorando las comunidades nativas de Nuevo México y Arizona. Después de haber conducido por el área en numerosas ocasiones, influenciado por la imagen de Robert Frank de un bar indio en la autopista 66 en Gallup, Angier comenzó a fotografiar las ciudades que rodean la reserva Navajo. Sus imágenes representan a personas que intentan perseverar en medio de una comunidad atenazada por la marginación creciente y un alcoholismo debilitante.

A lo largo de su trayectoria, ha obtenido diversos premios y becas y ha expuesto en numerosas ocasiones de forma colectiva e individual. Su obra forma parte de diversas colecciones públicas y privadas como el Museum of Fine Arts de Boston, Massachusetts, National Museum of American Art y Smithsonian Museum en Washington, D.C., entre otros.

Se dedica también a la enseñanza y ha publicado, a parte de su monografía "A Kind of Life": Conversations in the Combat Zone, numerosos libros, entre ellos el más reciente Train Your Gaze: A Practical and Theoretical Introduction to Portrait Photography, también publicado en 2008 en castellano como Saber ver. El retrato fotográfico, donde ofrece a los lectores un amplio contexto para la práctica de la fotografía de retrato. Es un texto exhaustivo que combina la teoría con la práctica y la técnica, ilustrado con numerosas fotografías realizadas por algunos de los fotógrafos y artistas más influyentes del mundo.

Referencias

Libros