martes, 18 de diciembre de 2018

Dave Heath

Dave Heath fue un fotógrafo estadounidense, humanista y documental (nacido el 27 de junio de 1931 en Filadelfia, EEUU, fallecido el 27 de junio de 2016 en Toronto, Canadá) cuyo trabajo más reconocido fue dentro de la fotografía callejera candid (no posada), expresando de forma radical el sentido de alienación y soledad inherente a la sociedad moderna.

DaveHeath

© Dave Heath

El hecho de no haber tenido una familia, un lugar en la historia que me definiese, inspiró mi necesidad de unirme a la comunidad humana. Lo hice inventándome un tipo de poesía que vincula a esta comunidad, al menos simbólicamente, en mi imaginación, a través de su forma.

Biografía

David Martin Heath recorrió en su infancia, tras ser abandonado por sus padres cuando tenía 4 años, varias casas de acogida, hasta que a los 12 años fue admitido en un orfanato de niños judíos en Filadelfia. Allí tuvo contacto por primera vez con el medio fotográfico, cuando un compañero le regaló su primera cámara y le prestó su cuarto oscuro para revelar. La fotografía se convirtió en su obsesión, uniéndose al club de fotográfico de la escuela, leyendo revistas especializadas y siguiendo con detenimiento los reportajes de Life, estudiando detenidamente su puesta en página.

Con 15 años el reportaje Bad Boy´s story (Una historia de niños malos) de Ralph Crane en Life, que documentaba la vida de un joven huérfano en Seattle, un rebelde solitario, que parecía empezar a encontrar su sitio en el mundo, fue una revelación para él, identificado con el protagonista.

En 1952 fue reclutado y sirvió en Corea como artillero, haciendo muchas fotografías de sus experiencias allí. No eran de guerra, fotografió a sus compañeros soldados, en sus momentos de descanso, creando imágenes sinceras y de recogimiento.

A su regreso, asistió brevemente al Philadelphia Museum College y luego al Philadelphia College of Art, se trasladó a Chicago para estudiar en el Instituto de Diseño de Chicago y trabajó en un laboratorio de revelado de fotografías. En 1957, se mudó a la ciudad de Nueva York y se unió al Greenwich Village Camera Club. Estudió con el innovador fotoperiodista W. Eugene Smith y fue influenciado por el tono humanista de Smith y su énfasis en la narrativa fotográfica.

Heath consiguió la fama con la exposición de 1963 (y su publicación en 1965) de su trabajo A Dialogue with Solitude, una serie de imágenes en blanco y negro que abordan el aislamiento contemporáneo, con 82 imágenes tomadas desde 1952 a 1962, y agrupadas en diez capítulos donde la soledad queda expresada a través de la anarquía, la violencia, el amor, la niñez, la vejez, la guerra, la raza, la juventud y la muerte, cada uno precedido por citas literarias de diversos autores.

Posteriormente ganó dos becas Guggenheim. En la década de los 70, después de mudarse a Toronto donde enseñó fotografía en la Ryerson University de Toronto hasta 1997. Heath comenzó a experimentar con la tecnología Polaroid y produjo una serie de trabajos narrativos bajo el título Songs of Innocence. Desde 2001 también realizó trabajos en color digital, una selección de los cuales se publicó en su libro, Dave Heath's Art Show.

Su trabajo ha sido incluido en importantes estudios e investigaciones históricas y se encuentra en numerosas colecciones públicas y privadas, como el Museum of Modern Art de Nueva York, el Art Institute de Chicago y la National Gallery of Canada en Ottawa, entre otras. En 2015, el Philadelphia Museum of Art organizó una retrospectiva de su trabajo, que se mostró posteriormente en el Nelson-Atkins Museum of Art.

Referencias

Libros

lunes, 17 de diciembre de 2018

Niels Ackermann

Niels Ackermann es un fotógrafo documental suizo (nacido en 1987 en Ginebra, vive entre esta ciudad y Kiev, Ucrania) al que le gusta mezclar arte e información objetiva, y lo consigue a través de la fotografía, que le sirve como pretexto válido para llamar a cualquier puerta que lo lleve su curiosidad, conocer a muchas personas diferentes y aprender constantemente sobre el mundo en el que vive. Con el foco puesto en la política y la fotografía social, también tiende a hacer muchos retratos y experimentos en varios campos visuales, experimentando con diferentes medios.

© Niels Ackermann

© Niels Ackermann

Biografía

Niels Ackermann es un fotógrafo documental suizo, con un trasfondo dividido entre el periodismo fotográfico y los estudios de ciencias políticas en la Universidad de Ginebra,  que trabaja para la prensa internacional desde 2007 y es miembro fundador de la agencia Lundi13. Vive desde 2015 entre Kiev, Ucrania y Ginebra, Suiza, trabajando en ambos lugares, pero son sus series documentales en Ucrania las que le han dado más popularidad.

Su primer proyecto a largo plazo, The White Angel, que documenta durante más de 3 años la transición a la edad adulta en los alrededores de Chernobyl, ofreciendo una perspectiva distinta del desastre de Chernobyl al relatar los romances de Yulia y  sus amigos en la cercana ciudad de Slavutych. Fue publicado en 2016 y recibió múltiples premios, como el premio Ville de Perpignan Rémi Ochlik en Visa pour l'Image, y los premios Swiss Press Photo y Swiss Photo Awards, y fue recogido por CNN y el blog de periodismo fotográfico Lens del The New York Times.

Su segundo proyecto, Looking for Lenin realizado junto con el periodista francés Sébastien Gobert fue publicado en inglés y en francés y se estrenó en Les Rencontres d'Arles. Trata de la eliminación de las más de 7.000 estatuas de Lenin en Ucrania.

En Suiza, ha llevado a cabo varios proyectos a largo plazo, como Genève, Sa Gueule, un proyecto desarrollado con el servicio Agenda21 de la ciudad de Ginebra, cuyo objetivo es proporcionar una visión divertida, positiva y constructiva de la diversidad dentro de esta ciudad. También ha trabajado para el New York Times en el Val de Travers.

Niels colabora regularmente con instituciones sociales, ambientales y culturales en proyectos documentales y en talleres. También da frecuentemente conferencias y talleres sobre fotografía documental, trabajo freelance y financiación de proyectos documentales.

Referencias

Libros

  • Looking for Lenin, 2017.
  • L’Ange Blanc: Les Enfants de Chernobyl Sont Devenus Grands, 2016.

domingo, 16 de diciembre de 2018

Fran Herbello

Fran Herbello es un escultor, creador y fotógrafo gallego (nacido en 1977 en Menziken, Suiza, vive en Aldán, Pontevedra) que utiliza el cuerpo humano como campo de experimentación plástica. Sus fotografías manipuladas son fruto de la intervención directa sobre el cuerpo con objetos de la vida cotidiana como una cremallera, un clip o un anillo consiguiendo imágenes próximas al surrealismo pero con la apariencia realista de la fotografía científica.

© Fran Herbello

© Fran Herbello

Biografía

Fran Herbello nació en una familia de emigrantes gallegos instalados en Suiza, que ya en 1978 volvieron a Galicia, a Aldán. Estudió en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Vigo, y fue entonces cuando descubrió la fotografía para documentar las cosas que hacía, porque almacenar esculturas era más difícil y trabajando con elementos efímeros, necesitaba documentar esas acciones en el cuerpo, y fijarlas en el tiempo. Desde entonces, ha desarrollado una obra artística que combina la fotografía con la escultura y la instalación audiovisual. Realiza, en paralelo a su obra personal, trabajos publicitarios.

Sus fotografías constituyen una respuesta a lo que considera la dureza de la sociedad digital y, aunque sus imágenes suelen tomarse como digitales, son el producto de una intervención directa en los cuerpos. Una obra de naturaleza claramente escultórica que muestra el interés por trabajar en contacto con objetos reales, creando intervenciones efímeras que carecen de significado para uno mismo, solo pensadas y realizadas para dar lugar a fotografías.

Siguen dicha línea sus series A imaxe e semellanza y Mal de corpo, en las que reflexiona sobre la identidad, la memoria, el tiempo o la muerte.

Ha publicado en La Voz de Galicia y El Cultural de El Mundo entre otros medios. Ha expuesto en el Outono Fotográfico en el año 2000 en la Casa da Xuventude de Orense, en PHotoEspaña 2001 en el Círculo de Bellas Artes de Madrid, en
la feria Estampa en Madrid en 2005, en Fotoencuentros de Murcia en 2008. Ha participado en exposiciones colectivas como Imágenes mayores o Poéticas fotográficas en la era digital. Nifomanías-Infomanías, que se expuso en el Centro Cultural Conde Duque de Madrid en 2002, en ARCO 2002 y en la Galería Berini de Barcelona.

Su trabajo se ha visto reconocido con la Beca de la Casa Velázquez en Madrid en 2006 y la Beca de la Academia de España en Roma en 2007-8. Posee obra en la colección del Centro de Arte Dos de Mayo de Móstoles. Es profesor de la Escola Audiovisual de Vigo.


Referencias

Libros

  • A imaxe e semellanza, 2000.
  • BLINK. 100 Photographers, 10 Curators, 10 Writers (varios), 2002.
  • Mal de corpo, 2005.
  • Souvenir, 2007.
  • Proxecto Costa da Morte + Crebas (varios), 2011.
  • Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI, 2013.
  • Mil Ríos (con Manuel Sendón), 2014.

sábado, 15 de diciembre de 2018

Juan Rodríguez

Juan Rodríguez es un arquitecto y fotógrafo gallego (nacido en 1960 en A Coruña) que trabaja profesionalmente en el campo de la fotografía de arquitectura. También ha realizado numerosos trabajos profesionales en fotografía documental, además de en moda y publicidad. Su fotografía personal refleja una mirada sensible, especialmente motivada por la presencia de la luz y la manera en que los objetos trasforman el espacio creando una nueva realidad a base de los juegos de las luces y las sombras.

CASA BALINT BN, Fran Silvestre Navarro, 2014 © Juan Rodríguez

CASA BALINT BN, Fran Silvestre Navarro, 2014 © Juan Rodríguez

Biografía

Juan Rodríguez es arquitecto de formación pero atraído por la fotografía desde los 16 años, ya en 1984 decidió dedicarse en exclusiva a la imagen, principalmente a la de arquitectura, donde es un referente. Dentro de esta temática es coeditor de la revista International Architecture Technical Magazine

También ha realizado numerosos trabajos profesionales en fotografía documental, además de en moda y publicidad. Y su fotografía personal, alejada del compromiso de la representación técnica propio de su trabajo profesional, refleja una mirada sensible, especialmente motivada por la presencia de la luz y la manera en que los objetos trasforman el espacio creando una nueva realidad a base de los juegos de las luces y las sombras. En esta búsqueda, ha viajado por Galicia, Italia, Grecia, Francia, Holanda, EEUU, Argelia, India, Nepal, Tailandia, Finlandia, Rusia, Japón, Egipto y Patagonia.

Entre sus exposiciones cabe destacar Beyond Black en el Palacio de Exposiciones Kiosco Alfonso en A Coruña en 2013, Patagonia en el Instituto Cervantes de Chicago en 2005, All Things Must Pass en la Galería Valid Foto de Barcelona en 2010, Arquitectures en la Fundación Forvm de Tarragona en 2011, y su participación en la colectiva La ciudad, minuto a minuto, que tuvo lugar en el marco de PHotoEspaña 2011 en la sala de exposiciones del Ministerio de Fomento en Madrid.

Su obra forma parte de las colecciones del Instituto Cervantes de Chicago, la Maison Européenne de la Photographie en París, el Museu Nacional d’Art de Catalunya en Barcelona, Sondra Gilman Collection en Nueva York y la Colección Encontros da Imagem de Braga, entre otras colecciones públicas y privadas.

Referencias

Libros y catálogos

  • Fillos da terra, 2001.
  • Odiseas, 2002
  • Patagonia, 2003.
  • Palexco, 2005
  • Juan Rodriguez. Viaje a ninguna parte, 2006
  • All Things Must Pass, 2010.
  • Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI, 2013.
  • LEICA, 2013.

viernes, 14 de diciembre de 2018

Luisa Dörr

Luisa Dörr es una fotógrafa brasileña (nacida en 1988 en Lajeado, vive en Bahía) cuyo trabajo fotográfico se centra en el género del retrato, buscando abordar sus aspectos contemporáneos.

LuisaDorr

Rita Moreno © Luisa Dörr

Biografía

Luisa Dörr quería ser diseñadora de adolescente, pero descubrió la fotografía alrededor de los 22 años. Estudió fotografía en la Universidad Luterana de Brasil en Canoas, Rio Grande do Sul.

Dörr es una colaboradora frecuente de la Folha de Sao Paulo. Sus fotografías se han publicado en CNN, PDN, Wired, Lens Culture, Feature Shoot, El Pais, Gup Magazine, Fisheye Magazine, Vice, Le Figaro, L'oeil de la photographie, TIME, Vogue, Lens Culture, Marie Claire, Vice, entre muchas otras revistas en papel y online.

Su trabajo fotográfico se centra en el género del retrato, buscando abordar sus aspectos contemporáneos. La serie que le ha brindado un mayor reconocimiento es FIRSTS, con 12 portadas para Time, realizadas con un iPhone, de las mujeres que están cambiando el mundo, (o los EEUU).

Ha realizado exposiciones individuales y colectivas en Brasil, Estados Unidos, España, Francia, Portugal, Inglaterra y Rusia. En Brasil, podemos citar las de la Usina do Gasometro (Rio Grande do Sul), Museu Vale (Espírito Santo), Teatro Vila Velha (Bahia), Sebrae Nacional (Distrito Federal), Museu da Cidade do Recife (Pernambuco), Teatro Riachuelo (Rio Grande do Norte), Estação das Docas (Belém), Convento das Mercês (Maranhão), Museu Inimá de Paula y Festival de Fotografia de Juiz de Fora (Minas Gerais), Galeria da Funarte y Festival Internacional de Fotografia de Paraty  (Rio de Janeiro). También ha expuesto su trabajo en la Universitat Politècnica de València y Festival de Fotografia Outono Fotográfico (España) y Emergentes DST – Encontros da Imagem (Portugal).

En 2015, fue seleccionada para el LensCulture Emerging Talent y listada como una de los PDN Emerging Photographer. En 2016 fue seleccionada para la World Press Photo Joop Swart Masterclass, y en 2017, fue nombrada por TIME como uno de los 34 fotoperiodistas a seguir. Formó parte del Programa de Mentores de la agencia VII.

Referencias

jueves, 13 de diciembre de 2018

Danila Tkachenko

Danila Tkachenko es un artista visual ruso (nacido en 1989 en Moscú, donde vive) que trabaja en el campo de la fotografía documental. El tema principal de su obra es la identidad, el aislamiento.

© Danila Tkachenko

© Danila Tkachenko

Biografía

Danila Tkachenko se aficionó a la fotografía por accidente, porque su compañero de piso practicaba la fotografía. Luego se licenció en fotografía documental en la Escuela de Fotografía y Multimedia Rodchenko en 2014.

Al explorar la identidad humana y el impacto de la globalización, la historia se ha convertido en su tema favorito y explora el aislamiento, la indigencia y la identidad humana a través de sus imágenes.

En su primer proyecto La edad de transición, se interesó en la transformación de la identidad de un adolescente: el niño se convierte en adulto. En su siguiente proyecto Escape, el enfoque cambió a la oposición entre el individuo y la sociedad, investigando la experiencia de las personas que se han retirado de la sociedad rusa o ucraniana para vivir como ermitaños en la naturaleza. En 2014 ganó un primer premio World Press Photo en la categoría Historias de retratos organizados por esta serie.

Su serie Restricted areas, que documenta las ciudades militares secretas y otros elementos abandonados en la inmensidad de Rusia, ganó el European Publishers Award for Photography en 2015.

Posteriormente ha desarrollado las series Lost Horizon, retomando el tema de la utopía de construir un mundo ideal, en clave baja en contraposición con la clave alta de Restricted areas,  Motherland, un proyecto memorial, sobre las construcciones y aldeas muertas (en llamas) y Monuments, donde trata las fronteras de la memoria, mezclando construcciones históricas abandonadas con figuras geométricas modernas.

Su obra ha sido expuesta en solitario en Ciudad de México, Poznan en Polonia, Berlín, Taiwán, Roma, Moscú, Ginebra, Viena, Portland en EEUU, Arlés, Atenas … y forma parte de la colección permanente del Salsali Private Museum.

Ha ganado el premio de series en Lensculture Exposure  y el 30 under 30 de Magnum photos, ambos en 2015, y también ha sido finalista en el Leica Oskar Barnack y en otros premios.

Referencias

    Libros

    miércoles, 12 de diciembre de 2018

    Neus Solà

    Neus Solà es una fotógrafa documental (nacida en 1984 en Barcelona, donde vive) cuyo trabajo se centra en temas de identidad, género y territorio desde una perspectiva antropológica.

    © Neus Solà

    © Neus Solà

    Biografía

    Neus Solà empezó con la fotografía en su adolescencia: con 15 años sus padres le regalaron su primera réflex, una Minolta X370 que le ha acompañado a todas partes. Neus se formó en Humanidades (UPF) y Bellas Artes (Universitat de Barcelona), y realizó un master en Antropología Visual, completando sus estudios con varios cursos y talleres de fotografía, video y edición.

    Personalmente escoge temas que le hagan salir de su zona de confort, que supongan un reto personal. Cada proyecto debe hacerle tambalear y cuestionarse sus valores adquiridos. Comprometida con los derechos sociales, ha trabajado como fotoperiodista y realizadora audiovisual para distintas ONGs y proyectos documentales. Ha fotografiado realidades sociales en lugares muy diversos y en contextos muy distintos, pero en todos ellos trata de dar voz a los colectivos más desfavorecidos y de resaltar pequeñas historias individuales que tras pasar ante su cámara, convierte en grandes ejemplos de vida.

    Un ejemplo es la serie que realizó acerca de Amparito de Granada, una de las más excéntricas y folclóricas reinas de la escena de Barcelona, del mítico cabaret El molino. En los Balcanes desarrolló en 2012 su serie The Balkan Song. En Poupées encontramos una reflexión austera y directa, realista y desprejuiciada, sobre las formas de vida de las niñas del barrio de La Cité en Perpiñán, sumido en la pobreza. Solà las ha fotografiado en instantes diversos de su vida cotidiana, en momentos familiares y de juego, con el fin de penetrar en su identidad presente y en la influencia que sus formas de vida actuales tendrán en su futuro.

    Esta serie le ha valido la Beca Nuevos Talentos que conceden los Encuentros Fotográficos de Gijón, ser seleccionada en la sección Descubrimientos de PHotoEspaña y en Viphoto Photo Fair 2016, y ser premiada internacionalmente en el Festival Manifesto francés y en el International Women Photographers Award que se concede en los Emiratos Árabes.

    Actualmente sigue trabajando en su proyecto Nirvan sobre la comunidad hijra (o tercer género) de la India, iniciado hace tres años.

       

            

    Referencias

    martes, 11 de diciembre de 2018

    Joshua Holko

    Joshua Holko es un fotógrafo australiano (nacido en Melbourne, Victoria, donde vive) que se dedica a tiempo completo a la fotografía de paisaje, naturaleza y vida salvaje. Fotógrafo apasionado, maestro y aventurero, dirige talleres y expediciones para otros fotógrafos y viajeros a algunas de las regiones más salvajes y remotas del mundo, principalmente las regiones polares y subpolares del globo.

    © Joshua Holko

    © Joshua Holko

    Biografía

    Joshua Holko estudió fotografía artística en el Australian Photography Studies College y fotoperiodismo en el Australian College of Journalism.

    Sus primeras experiencias en fotografía fueron viajando por Australia con su padre, cuando era un niño. Su padre hacía  fotografía artística de gran formato en sus fines de semana y Joshua y su hermano le acompañaban a veces los fines de semana para ayudarle a llevar su equipo. Así se enganchó a la fotografía, inicialmente a la fotografía submarina pero de joven nunca tuvo dinero para comprarse una carcasa submarina seria. Así  hizo paisajismo en Australia y en su adolescencia mucha fotografía de escalada en roca. Muchos años después viajó por primera vez a las regiones polares y encontró su vocación.

    Miembro del Instituto Australiano de Fotógrafos Profesionales (AIPP), sigue viviendo en Melbourne aunque está la mayor parte del tiempo lejos de su hogar en talleres y expediciones. Su fotografía le ha llevado a numerosos viajes por Australia, Tasmania, Nueva Zelanda, América del Norte y del Sur, China, Europa, Islandia, Noruega, Finlandia, pero sobre todo a Groenlandia, el Ártico y la Antártida. También mantiene un interés activo en el ciclismo de montaña y en el senderismo en naturaleza.

    Su fotografía se ha publicado en numerosas revistas, incluyendo B&W+Color, National Geographic, Canadian Geographic, F11 Magazine, Wild, Australian Photography, Better Photography, Better Pictures, Wildlife Photographic y  Silvershotz Diary, entre otros.

    Su trabajo también ha sido vendido y licenciado para su uso en calendarios de bellas artes y tarjetas de Navidad. Recientemente, varias de sus fotografías se incluyeron en los premios "Geografía del mes" de National Geographic y se publicaron en línea en el sitio web de National Geographic.

    Entre otros galardones ha conseguido los premios AIPP Canon Australian Professional Science, Environment and Nature Photographer of the Year, AIPP Epson Victorian Professional Photographer of the Year, AIPP Epson Victorian Professional Science, Environment and Nature Photographer of the Year, AIPP Epson Victorian Professional Creative Photographer of the Year. También ha conseguido el Global Arctic Photographer of the Year con 5 medallas de varias categorías en 2015, y Victorian Epson Professional Documentary Photographer of the Year en 2017 y 2018.

    En Australia está oficialmente representado por la galería Source Photographica e internacionalmente por Wilderness Gallery en Cradle Mountain, Tasmania, y por la Aspen Gallery de Aspen, EEUU. Su trabajo también se ha mostrado en exposiciones internacionales en Estados Unidos y Europa, incluyendo Photokina en Alemania y PhotoPlus en Nueva York.

    Referencias

    Libros

    • Melrakki.

    lunes, 10 de diciembre de 2018

    Alecsandra Raluca Dragoi

    Alecsandra Raluca Dragoi es una fotógrafa rumana (nacida en Rumanía, vive en Londres) cuya obra está llena de proyectos intrigantes, bellamente filmados que muestran un dominio en la narración de historias desde una perspectiva única y personal.

    © Alecsandra Raluca Dragoi

    © Alecsandra Raluca Dragoi

    No hay nada más hermoso en este mundo que mostrar las emociones de las personas contando su historia a través de un solo retrato. En mi opinión, el mejor fotógrafo es el que transforma un momento intenso en una imagen fija. No hay sonido, ni movimiento, ni olor, ni nada. Sólo quietud. Dar vida a esta quietud es lo que hace a un gran fotógrafo.

    Biografía

    Alecsandra Raluca Dragoi supo, desde que descubrió una cámara, que la fotografía iba a tener un lugar prominente en su vida. La fotografía siempre ha sido su pasión, y el periodismo, en particular, le ha interesado durante algún tiempo. Descubrir nuevas historias y capturar momentos verdaderos le es muy atractivo. Para ella, la fotografía ha sido una manera fantástica de crecer más rápido y conocerse a mí misma.

    Después de estudiar fotografía en la Universidad de Portsmouth y graduarse en 2014 con honores, pensó en centrarse en fotografía documental y fotoperiodismo, realizando un posgrado en la Universidad de Westminster en 2015.

    Fotógrafa de retratos, documentales, viajes y eventos, trabaja de forma freelance para The Guardian, National Geographic Traveler del Reino Unido, National Geographic Food, BAFTA y da clases en la British Academy of Photography de Londres.

    En su opinión, una imagen no tiene alma sin la emoción y la energía del ser humano en ella. Fotografiar personas le da mucha energía. La cámara y el momento íntimo con su modelo le hacen más feliz.

    Ha sido reconocida con numerosos premios, como los Sony Awards en la categoría Joven en 2013 cuando aún estaba estudiando en Portsmouth, Getty Images y SCA Academy Photography Competition en 2014 y National Geographic Traveller en 2015.

    Referencias

    Libros

    • Parallel Worlds.
    • Ritual.
    • My sister, my soulmate.
    • Success without borders.

    domingo, 9 de diciembre de 2018

    Benjamin Alexander Huseby

    Benjamin Alexander Huseby es un fotógrafo noruego (nacido en 1978, vive en Londres) que trabaja en el mundo de la fotografía de moda con unas imágenes de sexualidad discreta pero de una manera continuamente audaz. Su portafolio demuestra una comprensión real del aspecto narrativo de la fotografía de moda. También expone su obra en calidad artística en galerías a nivel internacional.

    © Benjamin Alexander Huseby

    © Benjamin Alexander Huseby

    Biografía

    Benjamin Alexander Huseby nació en Noruega de padre paquistaní, y creció en Oslo antes de mudarse a Londres para estudiar en la Chelsea School of Art. Inició su carrera a finales de los 90, y sus primeros trabajos importantes fueron para la revista inglesa Dazed & Confused. Desde entonces, Huseby ha fotografiado para i-D, VMAN, Another Man y Arena Homme+.

    Su trabajo yuxtapone ricas imágenes con una sexualidad discreta de una manera continuamente audaz. Ya sea para hacer publicaciones para Acne Paper, Harper's Bazaar, V Magazine, British Vogue, i-D, British Vogue y Self Service, o campañas publicitarias para Prada, H&M y Uniqlo, su cartera demuestra una comprensión real del aspecto narrativo de la fotografía de moda.

    Su trabajo ha sido mostrado en exposiciones en la Galería de Arte Whitechapel de Londres, KunstWerke en Berlín y Preus Museum en Noruega. También es uno de los cofundadores del colectivo de moda GmbH con sede en Berlín. Está representado por REP Limited.

    Referencias

    sábado, 8 de diciembre de 2018

    Aurelio Grasa

    Aurelio Grasa fue un dermatólogo, radiólogo y fotógrafo aragonés (nacido el 11 de marzo de 1893 en Zaragoza, fallecido el 30 de junio de 1972 también en Zaragoza) que, como científico que era, estuvo siempre atento a los avances tecnológicos en los diferentes campos. En fotografía se sumó enseguida al uso de la técnica autocroma, trabajando con cámara de placas, fotografía aérea, formato 6x8, 35mm, diapositivas, color y Polaroid. En su obra se interesó sobre todo por los paisajes,especialmente los de montaña, los centros históricos y culturales y tradiciones como la tauromaquia, siempre con una gran síntesis compositiva.

    AurelioGrasa

    Foto Aurelio Grasa. Archivo Barboza-Grasa

    Biografía

    Aurelio Grasa Sancho nació en Zaragoza, siendo sus padres propietarios del bazar La Bola Dorada. Cursó sus estudios primarios con gran  aplicación, y gracias al material fotográfico del bazar de sus padres, empezó a sentir gran interés por la fotografía, y realizó sus primeros reportajes sobre la actividad zaragozana, publicando su primera fotografía en 1907 en Blanco y Negro de Madrid. En 1908 realizó un reportaje sobre la Exposición Hispano Francesa de Zaragoza.

    En 1910 inició sus estudios de Medicina, que finalizó en 1917, simultaneando sus prácticas académicas con las fotográficas, pues seguía ejerciendo de reportero gráfico del Heraldo de Aragón, ABC y Blanco y Negro de Madrid, publicando en dichos medios más de un millar de fotografías.

    Hizo su primera fotografía aérea en 1912, acompañando a Tixier en sus vuelos sobre Valdespartera (Zaragoza). Realizó fotografías autocromas desde 1912, siguiendo el procedimiento ideado por Santiago Ramón y Cajal. En 1919, marchó a Madrid para especializarse en Urología y luego a París en 1920 para seguir un Curso de Clínica y Laboratorio sobre las enfermedades del tubo digestivo.

    Volvió a Zaragoza e instaló su primera clínica como Médico Dermatólogo y Radiólogo en 1921.  Fue socio fundador de la Sociedad Fotográfica de Zaragoza, de Montañeros de Aragón y del  Club Deportivo Helios, como también lo fue anteriormente de la agrupación ciclista El pedal aragonés.

    En 1927 trasladó su consulta e instaló un laboratorio fotográfico con los últimos avances en ambos campos,  dejando de trabajar como fotorreportero y comenzando a participar en concursos internacionales,  siendo premiado en varios de ellos por sus espléndidas fotos de paisajes nevados, de estética vanguardista  e impecable ejecución técnica, realizadas durante sus travesías como esquiador por el Pirineo aragonés, del que era un apasionado defensor. Realizó distintas tomas aéreas del Montblanc desde una avioneta en 1933. A partir de 1934 colaboró con la revista Aragón y le solicitaron imágenes The National Geographic Magazine y La Revue Moderne.

    Expuso sus fotografías en todo el mundo, además de en España: Filadelfia, Cardiff, San Diego en California, Amberes, Bruselas, Viena, Poznan, Cracovia, Lucerna, Detroit, Cannes, Chicago, Praga, Johannesburgo, Ljubjana, París, Cleveland, Zagreb, Karslbad, Ottawa, Toronto, Lucknow, Tokio, Ámsterdam, Lisboa, Rio de Janeiro,  Burdeos, Rosario en Argentina, ...

    Utilizaba cámaras Zeiss Ikon de 6×9 y la  nueva Leica de paso universal, ya que fue partidario de una óptica de calidad y de un negativo de menor tamaño. Sus últimos años utilizó una Leica M3.

    En 1952 realizó sus primeras fotografías en color, y luego las diapositivas a color que ocuparon su última fase creativa. Realizó diversos documentales en cine 8mm en color. Utilizó la cámara Polaroid desde su lanzamiento  y presintió que la fotografía iba a dar un cambio técnico importante.

    Tras su fallecimiento se le han dedicado dos exposiciones, la primera antológica, en la Galería Costa 3 de Zaragoza en 1976 y la  segunda, más recientemente, en la Sala Gil Marraco en 2003.

    Referencias

      Libros

      viernes, 7 de diciembre de 2018

      Joseph Ford

      Joseph Ford es un fotógrafo inglés (nacido en 1978 en Londres, donde vive y trabaja) que realiza fotografía de moda y publicidad con una gran creatividad.

      © Joseph Ford

      © Joseph Ford

      Biografía

      Joseph Ford comenzó su vida adulta sensatamente estudiando francés e italiano en la Universidad de Cambridge y en la Escuela Normal Superior de París. Luego horrorizó a sus padres al decidir ser fotógrafo.  Consiguió su primer gran encargo para una campaña publicitaria para TBWA París en 2004. Desde entonces ha obtenido pedidos de clientes de todo el mundo, principalmente en el campo de la publicidad y la moda, trabajando en estudio o en exteriores, pero recientemente se ha interesado por la fotografía aérea y el paisaje.

      Cuenta historias con un lado de creatividad fuera de lo común: ¿pescar con dinamita? Hecho. ¿Mariposas vivas saliendo de la boca de la gente? Hecho ¿Una línea de ferrocarril fusionándose con una cremallera? Hecho ¿Un cocodrilo que ataca unas zapatillas Lacoste? También hecho.

      Sus trabajos más icónicos incluyen 2 series principales:

      • Dípticos de imágenes aéreas combinadas con bodegones. En un viaje a Sicilia, Mauricio y Marruecos, Joseph pasó varios días volando por todo tipo de terreno en un helicóptero. Después de mostrar sus fotos aéreas a algunos amigos, pensaron crear una serie que mezclara paisajes desde el con escenas de moda. El resultado fue  una interacción fascinante, gracias a su buen ojo para el color, el patrón, la textura, el contraste, la línea, la estructura y la forma, entre los paisajes y detalles de ropa de Missoni, Pepe Jeans, Hennessy, Lacoste, Boss, Kenzo, APC, Herno, Woolrich, relojes Swatch, … Esta serie fue seleccionada para los Premios de la Asociación de Fotógrafos en el Reino Unido y recibió una Mención de Honor en los Premios Internacionales de Fotografía.
      • Fotografías de personas en un entorno en el que su ropa se confunde, como un camuflaje. En esta serie ha inmortalizado a diversas celebridades, como los conocidos gemelos parisinos, Mady & Monette Malroux, así como al artista callejero Monsieur Chat, quien pintó uno de sus gatos característicos en la pared de una fábrica abandonada como parte del proyecto.

      Actualmente trabaja con fotografía fija y en movimiento en el exteriores, estudio, desde helicópteros, barcos y grúas, bajo el agua y en la cima de montañas, con un gran equipo de postproducción y CGI, estilistas, peluqueros,maquilladores, directores de casting, etc.

      Referencias

      jueves, 6 de diciembre de 2018

      Jorge Represa

      Jorge Represa es un fotógrafo español (nacido en 1968 en Valladolid, vive en Barcelona) que trabaja en una constante búsqueda del rostro oculto e insólito de las ciudades. Ha retratado Nueva York y ha recorrido toda Italia, alejándose de tópicos e imágenes manidas con el objetivo de identificar el alma de esos países. Para él, el retrato, la especialización por antonomasia de la fotografía, requiere de dotar al personaje, construirlo de nuevo para que “posea una realidad de la que en persona carece”.

      JorgeRepresa

      Joaquín Sabina © Jorge Represa

      Biografía

      Jorge Represa se inició en la fotografía de forma autodidacta a finales de los años 80. Trabajó primero como fotógrafo para la revista Gente de Diario 16, y más tarde para El Periódico de Cataluña, realizando más de 150 portadas del suplemento del domingo a lo largo de 15 años. Con estudio en Madrid, entre 1990 y 2004 se dedicó al retrato de personajes, encuadrados dentro de escenografías de gran complejidad.

      Desde 2006 está centrado en la creación de su obra personal y en su escuela de fotografía, La Recámara, inicialmente ubicada en Cantabria y actualmente en Barcelona, donde ha enseñado y enseña a centenares de estudiantes a descubrir el valor de la fotografía como medio de expresión personal. Con estos alumnos, a los que ha tratado de educar la mirada, ha trabajado en obras colectivas de gran relevancia.

      Entre sus trabajos más importantes se encuentran Retratos, colección que incluye gente como Michael Douglas, Luciano Pavarotti, Danny DeVito, Woody Allen o Quentin Tarantino, entre otros, y Ficción (1996-2000), serie en la que se aleja de sus retratos tradicionales e inventa una realidad: en ella, personajes del mundo del cine, de la moda o del espectáculo, como Joaquín Sabina, Tony Leblanc o Samuel L. Jackson, se transforman en protagonistas de una narración ficticia.

      Las imágenes de este proyecto han sido publicadas por el semanal de El Periódico de Cataluña. Otros medios con los que ha colaborado son Vogue, Woman, la edición española de Rolling Stone, la edición americana de Interview, The European, Independent Magazine, El País, El Mundo, Psicologies, Diario 16 o Matador.  También ha realizado las fotografías de discos de Alejandro Sanz, Miguel Bosé y JoaquÍn Sabina, portadas de libros y campañas de publicidad.

      Ha sido premiado en 8 ocasiones por la Society for News Design por sus trabajos publicados en prensa, en 2006 recibió el Premio a la Mejor Portada del hoy Syndicat des Éditeurs de la Presse Magazine.


      Referencias

      Libros

      • Retratos, 1995.
      • Calendario Compañía Nacional de Danza 1995.
      • Ficción, de Jorge Represa, 2000.
      • La mar en Tierra, 2012.
      • Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI, 2013.

      miércoles, 5 de diciembre de 2018

      Sharon Johnstone

      Sharon Johnstone es una fotógrafa inglesa que se inspira en la naturaleza, en particular, en las cualidades abstractas de los pequeños detalles de la naturaleza.

      © Sharon Johnstone

      © Sharon Johnstone

      Biografía

      Sharon Johnstone se licenció en Bellas Artes en WSCAD (actualmente University of Creative Arts) en 1993. Se especializó en grabado de Bellas Artes.

      Siempre le ha encantado la fotografía, pero actualmente pasa poco tiempo en su estudio de arte, dominada por su pasión por la fotografía.

      Con la fotografía macro se escapa a otro pequeño mundo. Le encanta explorar los pequeños detalles de la naturaleza que a menudo se pasan por alto, encontrar colores hermosos y composiciones abstractas dentro de la naturaleza, e incluso le apasiona fotografiar un simple musgo o una brizna de hierba.

      Es feliz arrastrándose sobre sus manos y rodillas explorando un pequeño trozo de musgo que gotea rocío espumoso bajo el sol de la mañana.

      Referencias

      martes, 4 de diciembre de 2018

      Seth Casteel

      Seth Casteel es un fotógrafo estadounidense (vive entre California y Nueva York) conocido principalmente por sus fotografías de perros bajo el agua.

      © Seth Casteel

      © Seth Casteel

      Biografía

      Seth Casteel comenzó a ofrecerse en 2007 como voluntario para fotografiar mascotas sin hogar para ayudarles a encontrar familias adoptivas. En 2010 estaba sacando fotos de un Cavalier King Charles Spaniel llamado Buster en el jardín de su vivienda en California. Se suponía que las fotos tenían que hacerse “en tierra”, pero Buster decidió por sorpresa tirarse a la piscina, buceando para coger su juguete favorito, una pelota de tenis miniatura. Seth se fue a una tienda a comprar una cámara especial para sacar fotos bajo el agua y se metió a la piscina con Buster. Esas fotos fueron el principio de su serie de fotografías de perros bajo el agua.

      Esa cámara era bastante buena para sacar fotos bajo el agua, pero en 2011 se gastó sus últimos dólares en adquirir un equipo  especial para sacar fotos bajo el agua, de los que utilizan los fotógrafos profesionales para sacar imágenes de surf.

      Unos meses más tarde la serie de imágenes de perros bajo el agua se hizo viral en internet, siendo vistas por millones de personas, llegando su página a tener más de 100.000 visitas al día. Así publicó un libro de sus fotografías, Underwater Dogs, que se convirtió en un bestseller del New York Times, de hecho, su libro de fotografía más vendido de 2012.

      Desde entonces, Casteel ha trabajado principalmente como fotógrafo de mascotas, aceptando encargos y asignaciones comerciales, y exhibiendo sus obras de arte en galerías de todo el mundo. Su trabajo ha sido publicado en National Geographic Magazine, The New York Times, The Telegraph, Huffington Post y ha aparecido en Good Morning America, EXTRA, Jeopardy!, The Insider y Inside Edition.  

      También creó varios libros infantiles con Little, Brown and Company, exposiciones Internacionales y el lanzamiento de un nuevo proyecto, One Picture Save a Life, para la adopción de animales abandonados.

      Referencias

      Libros