domingo, 21 de enero de 2018

Dan Budnik

Dan Budnik es un fotógrafo estadounidense (nacido en 1933 en Long Island, Nueva York, vive y trabaja en Tucson y Flagstaff, Arizona) conocido por sus retratos de artistas, por sus fotografías del Movimiento por los Derechos Civiles y sobre la vida de los nativos americanos.
 

Martin Luther King, Jr deep in meditation after delivering his “I HAVE A DREAM” speech. August 28. 1963 © Dan Budnik

Martin Luther King, Jr deep in meditation after delivering his “I HAVE A DREAM” speech. August 28. 1963 © Dan Budnik

Biografía

Dan Budnik estudió pintura en la Art Students' League de Nueva York. Charles Alston fue su maestro allí, el primer afroamericano en enseñar en la Liga, y le inspiró interés por la fotografía documental y el incipiente Movimiento por los Derechos Civiles.
 
Después de haber sido reclutado a mediados de los años 50, comenzó a fotografiar a la gente de la New York school of Abstracts Expressionist and Pop Artists, convirtiéndolo en su tema principal durante varias décadas. Realizó importantes ensayos fotográficos sobre Willem de Kooning y David Smith, entre muchos otros artistas.
 
En 1957 comenzó a trabajar en Magnum Photos en Nueva York, asistiendo a varios fotógrafos, especialmente a Cornell Capa, Burt Glinn, Eve Arnold, Ernst Haas, Eric Hartmann y Elliott Erwitt. En marzo de 1958, viajó a La Habana durante 6 semanas durante la revolución cubana y continuó trabajando con Magnum a tiempo parcial, hasta unirse como miembro asociado en 1963.
 
En 1964 dejó Magnum y continuó especializándose en ensayos para revistas nacionales e internacionales, como Life, Sports Illustrated, Time (con varias portadas) y Vogue, centrándose en temas civiles y de derechos humanos y ecológicos. Budnik convenció a Life para que creara un ensayo fotográfico a largo plazo que mostrara la importancia de la marcha de Selma a Montgomery.
Desde 1970 ha trabajado con los indios Hopi y Navaho del norte de Arizona, y obtuvo para este trabajo una beca National Endowment for the Arts en 1973 y una de la Polaroid Foundation en 1980. En 1998 recibió el premio Honor Roll de la American Society of Media Photographers.
 
A lo largo de su extensa carrera, ha fotografiado a Candice Bergen, Sophia Loren, Martin Luther King, Jr., Georgia O'Keeffe, David Smith, Willem de Kooning, Dwight D. Eisenhower,  Lee Bontecou, Alexander Calder, John Chamberlain, Helen Frankenthaler, Jasper Johns, Roy Lichtenstein, Robert Motherwell, Mark Rothko, y a muchas otras celebridades y artistas.
 
Su obra forma parte de colecciones públicas y privadas, como las del King Center en Atlanta, Georgia y el Museo de Arte Moderno (MoMA). 

Referencias

Libros

sábado, 20 de enero de 2018

Mercè Rodríguez

Mercè Rodríguez es una realizadora catalana (nacida el 8 de junio de 1967) que se encarga de poner imágenes a ideas, a conceptos, a historias… La luz, los encuadres, la edición… son sus herramientas y el medio en el que se siente cómoda y en él que le es fácil expresarse.

© Mercè Rodríguez

© Mercè Rodríguez

Esto es como un bicho que se te mete dentro y te domina, es una pura necesidad vital.

Biografía

Mercè Rodríguez llegó a la realización a través de la fotografía, perseguía poder pintar con la luz, emocionar con los encuadres… luego aprendió a unir imágenes, a ponerles sonido, a contar historias con ellas. Con el tiempo sigue persiguiendo lo mismo: explicar, contar, transmitir, emocionar a través de imágenes, sonidos, vídeos, audiovisuales, escenas, luz…

Mercè se ha retratado a sí misma en solitarias habitaciones de hotel donde las arrugas de las sábanas parecen trazadas por cuchillos de hojas blandas. También le gustan los paisajes vacíos sólo en apariencia y las formas múltiples de las sombras.

Actualmente trabaja en el ámbito de los museos y esto le ha abierto a otros planteamientos de imagen y de realización, experimentado y jugando con la imagen como parte de la escenografía o intentando transmitir sensaciones más que explicar historias, o dicho de otro modo, construir instalaciones donde la imagen tiene una importancia más sensorial que narrativa. Es una realizadora y su ambición es poder convertir los sueños en algo gráfico y emocionante a la vez.

Se dedica profesionalmente a realizar, diseñar y post-producir audiovisuales para museografía, instituciones, espectáculos singulares y televisión. Como fotógrafa ha participado en diferentes proyectos, exposiciones y artes-eventos donde destacan el Centro Cultural Can Basté (1997), La Farinera del Clot (2001), Casa Elizalde (2002) y Wandergalerie (2009) en Barcelona, ​​exabruptos (2014) en Moià, Konvent.0 (ediciones 2012, 2013 y 2014) y el Clic Cabrianes (2016).

Ha obtenido diversos premios, como el primer premio AVICOM INTERNACIONAL por la realización del audiovisual Jules Verne,  para la exposición del mismo nombre en la  Cueva dels Hams en Portocristo, Mallorca, segundo premio de la Fundación Olímpica Sant Jordi por el reportaje Raiverd 98 en 1999, mejor director español en el certamen Donne in Corto Transeurope Italia por el cortometraje Júlia, y mención del público al mejor cortometraje , también, por Júlia en la 5ª Mostra Internacional de Films de Dones de Barcelona, ambos en 1997.

Referencias

viernes, 19 de enero de 2018

Maria Kappatou

Maria Kappatou es una artista visual y fotógrafa griega (nacida en Toronto, Canadá, vive en Atenas, Grecia) que realiza fotografía callejera en las calles de Atenas.

© Maria Kappatou

© Maria Kappatou

Biografía

Maria Kappatou es una fan de la fotografía, el arte y la pintura y está también interesada en el diseño y las películas.

Cuando comenzó la crisis griega, los primeros afectados fueron los trabajadores autónomos, especialmente los que tenían que ver con las actividades no productivas. Como artista visual, trabajando en esos campos, tuvo que cerrar su estudio y esperar tiempos mejores. Pero la recesión empeoraba cada día e Internet crecía más rápido que nunca en Grecia. Luego, a través de las redes sociales, un movimiento de fotografía callejera estalló en el país y se unió a él desde el principio.

La fotografía callejera es para ella el género más feliz: es alegre, ingenioso, observador y requiere buenos reflejos, una mente alerta y un desafío constante entre la ética y los miedos de uno mismo. También tranquiliza la mente hasta un punto de trascendencia, y parece que siempre es la primera vez.

Después de los primeros tres años de austeridad, se encontró con que quería hacer cada vez menos fotografías callejeras, en el sentido de que la diversión disminuía cada día, ya que la mayoría de la gente en las calles parecía preocupada y triste. Como resultado de eso, comenzó a tomar fotos de una manera más introvertida y conceptual, que le permite expresar más sus sentimientos y percepciones de la situación actual.

Le atraen las miradas misteriosas y la visión de varios niveles, que pueden proporcionar una segunda lectura a una fotografía, por eso busca ciertas condiciones a veces, como reflejos, humor, armonía de forma y color, ¡y al mismo tiempo conseguir que su cámara enfoque en el momento correcto! Trabaja indistintamente en blanco y negro o en color, según lo pida el tema. Ha llegado a disparar de 6 a 8 horas al día, pero actualmente ha parado un poco.


Referencias

Libros

jueves, 18 de enero de 2018

Greg Marsden

Greg Marsden es un fotógrafo estadounidense (nacido en Los Ángeles, EEUU, vive en Sídney, Australia) cuya  fotografía captura esa fracción de segundo en que volvemos la cabeza y miramos a la gente en la calle; esa gente que va de un lugar a otro, con la cabeza gacha, sumida en sus pensamientos o sin ningún propósito.

Victoria Street, Potts Point, Sydney, 2014. © Greg Marsden

Victoria Street, Potts Point, Sydney, 2014. © Greg Marsden

Biografía

Greg Marsden, alias Ho hum, ha tenido varias experiencias de vida que han dado forma a cómo ve el mundo y hace fotos. Desde tocar el bajo en una banda previa a Guns N 'Roses con Slash y Steve Adler hasta trabajar en zonas de combate en América Central y Medio Oriente, pasando por acabar con los malos como policía secreta en Alemania. Es un psicólogo entrenado y, recientemente, un ejecutivo en una gran corporación. Ha viajado bastante por América, Australia, Asia y Europa. Ha estado en Berlín cuando cayó el muro y en el centro sur de Los Ángeles durante sus disturbios.

Al final recayó en Australia trabajando en la sede de una gran cadena de supermercados. Algo aburrido para él, por lo que compró una cámara para probar una vez más algo nuevo. Teniendo en cuenta su trayectoria profesional, es sorprendente que su fotografía parezca evitar lo extremo, y que se centre en las partes mundanas y, a menudo, solitarias de la vida urbana normal.

Dos de sus imágenes han sido seleccionadas recientemente por VICE como sus fotos favoritas de Australia para 2014/15. También ha ganado algunos premios fotográficos en su camino y ha expuesto su obra en galerías de Sídney, Melbourne, Londres y Estambul. Actualmente está representado por Black Eye Gallery en Sídney.

Realiza encargos para proyectos comerciales, de producción, documentales, digitales, artísticos y de eventos fotográficos. Entre sus clientes podemos citar a Arnott's Tim Tam, The Government of Australia, TAL, Johnson & Johnson, FOXTEL y Woolworths Ltd, entre otros.

Referencias

miércoles, 17 de enero de 2018

Frances y Mary Allen

Frances y Mary Allen fueron dos fotógrafas estadounidenses (nacidas en 1854 y 1858, y fallecidas ambas en 1941) que crearon fotografías idealizadas de escenas campestres, estudios de figuras y niños y paisajes de Nueva Inglaterra, Quebec, California y Gran Bretaña.
 
FrancesMaryAllen
Constance, 1897. Frances & Mary Allen

 

Biografía

Frances Stebbins Allen y su hermana menor Mary Electa perdieron gradualmente su audición en la década de 1880 y se vieron obligadas a abandonar sus trabajos como maestras y encontrar un nuevo medio de vida. Encontraron ese sustento a través de la fotografía, a la que, probablemente, fueron introducidas por su hermano Edmund hacia 1884, y a finales de la década ya aceptaban encargos y publicaban obras, convirtiendo sus visiones artísticas de los escenarios locales en una larga carrera que les trajo reconocimiento internacional y la reputación de ser dos de las mejores fotógrafas de su época.
 
Trabajando dentro de las reformas sociales y estéticas del movimiento Arts and Crafts, descubrieron que las casas y el mobiliario de Deerfield del siglo XVIII ofrecían un entorno ideal para sus recreaciones coloniales. Aunque estas visiones románticas del pasado (pictorialistas) comprenden su obra más conocida, las Allen también dominaron imágenes menos descriptivas. Ambas trabajaron como equipo siempre, aunque Mary hacía más retratos y Frances más paisajes, realizando ellas mismas todo el proceso: revelado, copias, retoque y montaje.
 
Sus imágenes se incluyeron en importantes exposiciones y publicaciones de fotografía artística, como el Washington Salon and Art Photographic Exhibition (1896), 3er Congreso Internacional de Fotografía en París (1900), 3er Salón Fotográfico de Filadelfia (1900), Exposición Pictórica Canadiense (1907) y en el Instituto de Arte de Chicago (1908).
 
Aunque sus obras están asociadas de manera principal con el valle del río Connecticut, viajaron ocasionalmente, fotografiando en lugares tan lejanos como Maine y Quebec y llevando su cámara a viajes por Inglaterra, Escocia y Gales en 1908, y a California en 1916.
 
Después de 1918, la mala salud y la peor visión de Frances comenzaron a pasar factura, haciendo ésta ya poca fotografía después de la Primera Guerra Mundial, aunque continuó asistiendo en el cuarto oscuro y con el negocio, y la productividad de Mary disminuyó también. Continuaron vendiendo grabados hasta 1935. Las hermanas, solteras y viviendo siempre juntas, cuidándose una a la otra, murieron en febrero de 1941 con 4 días de diferencia.

 

Referencias

 

Libros

  • Flynt, Suzanne L. The Allen Sisters: Pictorial Photographer, 1885-1920, 2002.
  • Frances and Mary Allen: A biography, 1969

martes, 16 de enero de 2018

Michael Penn

Michael Penn es un fotógrafo estadounidense (nacido en 1969, vive en el Art Gallery District de Old City Philadelphia,  Pennsylvania) que realiza impresionantes imágenes monocromáticas capturadas en la verdadera esencia de la fotografía callejera tras un trabajo de fotografía urbana, principalmente de la ciudad de Filadelfia.

© Michael Penn

© Michael Penn

Biografía

Michael Alvin Penn es hijo del fallecido artista y fotógrafo industrial Alvin Penn. Ha vivido en la Ciudad Vieja de Filadelfia, durante más de veinte años. Después de trabajar en un bar durante casi 15 años, quiso hacer algo más creativo con su vida. Siempre había tenido interés en la fotografía, pero no tenía el tiempo ni los medios.

Después de su primera exposición fotográfica en solitario en la Silicon Gallery de Nueva York, Michael lanzó su nueva carrera capturando arquitectura contemporánea y clásica (puentes y estructuras emblemáticas) en Filadelfia y sus alrededores. Su portafolio del puente Benjamin Franklin obtuvo un gran reconocimiento nacional y mundial.

Desde esa primera exposición individual, ha expuesto en diversas muestras en grupo desde Manhattan hasta Santiago de Chile y su obra forma parte de las colecciones permanentes de The Wharton Business School  y The Philadelphia Eagles Football Organization.

Su creciente interés por la fotografía de W. Eugene Smith, William Klein y Takuma Nakahira alteró ligeramente sus puntos de vista sobre su propio trabajo. Las restricciones de las regulaciones de seguridad posteriores al 11-S resultaron ser para él una bendición disfrazada, junto con la conferencia y encuentro de 2009 con Daido Moriyama que le hizo de catalizador para un cambio en su fotografía.  Pronto se dio cuenta de que la fotografía callejera era su verdadera pasión.

La captura e impresión de unas 1000 fotografías de 10x15" realizadas durante tres años, conocidas como The Philadelphia Project, permitieron una transición fluida de la fotografía de bellas artes a la fotografía de calle y es también su serie con más éxito hasta la fecha. Este proyecto documenta la ciudad durante su gentrificación más reciente y el movimiento de renovación urbana y gran parte de lo que se fotografió ahora ya no existe. Se ha publicado en 40 libritos de 25 fotografías a sangrado completo de 8.5x11" en ediciones de 50, vendidos mensualmente y que finalizó en 2016.

Este éxito, le inspiró a comenzar y completar nuevos proyectos en la ciudad de Nueva York, el barrio chino de Filadelfia y la ciudad vieja de Filadelfia. La serie de fanzines MONTH-DAY-YEAR son fotografías tomadas en el transcurso de una jornada fotográfica de 6 horas en 1 día. De las 250 fotografías que suele sacar, edita y selecciona 25 para la publicación del fanzine. Tiene previsto realizar unas 6 publicaciones al año.

Estos cuerpos de trabajo y publicaciones están actualmente en exhibición en varias colecciones internacionales, como  The Museum of Modern Art en Nueva York, The Art Institute Of Chicago, Avery Architectural and Fine Arts Library en la Columbia University de Nueva York,  The Library of the National Museum of Modern Art en Tokio, The J. Paul Getty Museum en Los Angeles, California, y The Philadelphia Museum Of Art en Filadelfia, Pensilvania.

Referencias

lunes, 15 de enero de 2018

Roswell Angier

Roswell Angier es un fotógrafo estadounidense (nacido en 1940, vive en Florence, Massachusetts) muy conocido por su trabajo en los clubes de striptease y burlesque de Boston de principios de los 70, incluido su aclamado libro A Kind of Life: Conversations in the Combat Zone.

© Roswell Angier

© Roswell Angier

.. hay mucho que nunca revelan en el escenario, o en sus conversaciones alegres en las sombras oscuras de los clubes; cualidades de gracia, ingenio, resiliencia y soledad de corazón.

Biografía

Roswell Angier es muy conocido por su trabajo en los clubes de striptease y burlesque de Boston de principios de los 70, pasando dos años y medio (de 1973 a 1975) fotografiando la zona de combate, un nombre que los patrulleros de la costa de Washington Street le dieron a dicha zona en la década de los 50, cuando merodeaban los bares de rock y reventaban las cabezas de los marineros.

En los 70, los marineros y bares de rock-and-roll fueron reemplazados por clubes de striptease. Angier estaba interesado en la complejidad de las personas de la comunidad de "entretenimiento para adultos" y conoció a muchas de las strippers y coristas que le permitieron fotografiarlas.

De 1978 a 1982, Angier continuó su trabajo de documentación social, explorando las comunidades nativas de Nuevo México y Arizona. Después de haber conducido por el área en numerosas ocasiones, influenciado por la imagen de Robert Frank de un bar indio en la autopista 66 en Gallup, Angier comenzó a fotografiar las ciudades que rodean la reserva Navajo. Sus imágenes representan a personas que intentan perseverar en medio de una comunidad atenazada por la marginación creciente y un alcoholismo debilitante.

A lo largo de su trayectoria, ha obtenido diversos premios y becas y ha expuesto en numerosas ocasiones de forma colectiva e individual. Su obra forma parte de diversas colecciones públicas y privadas como el Museum of Fine Arts de Boston, Massachusetts, National Museum of American Art y Smithsonian Museum en Washington, D.C., entre otros.

Se dedica también a la enseñanza y ha publicado, a parte de su monografía "A Kind of Life": Conversations in the Combat Zone, numerosos libros, entre ellos el más reciente Train Your Gaze: A Practical and Theoretical Introduction to Portrait Photography, también publicado en 2008 en castellano como Saber ver. El retrato fotográfico, donde ofrece a los lectores un amplio contexto para la práctica de la fotografía de retrato. Es un texto exhaustivo que combina la teoría con la práctica y la técnica, ilustrado con numerosas fotografías realizadas por algunos de los fotógrafos y artistas más influyentes del mundo.

Referencias

Libros

domingo, 14 de enero de 2018

Luís Godinho

Luís Godinho es un fotógrafo portugués (nacido en Angra do Heroísmo, Azores) con especial enfoque en fotografía de naturaleza, de paisaje y de calle.
© Luís Godinho
© Luís Godinho

Biografía

Luís Godinho nació en una familia humilde, consiguiendo su primera cámara a través de un concurso hecho por una tienda de fotografía, para lo que se tuvo que levantar a las cinco de la mañana pues tenía que ser uno los primeros en revelar un rollo. Posteriormente se formó en Ingeniería y Gestión del Ambiente por la Universidad de las Azores y tiene ya un vasto currículum como fotógrafo, siendo su trabajo internacionalmente reconocido por editores de los principales sitios y revistas de fotografía, como National Geographic, Leica Fotografie International, Lens Culture, 500px y 1x.com, teniendo aún fotos publicadas en la prensa nacional e internacional, como O Mundo da Fotografia, Visão y Vander Love Magazine.
Los paisajes de su tierra, las Azores, los rostros y los diarios de oriente y de otros lugares, son sus principales fotos que realiza con una gran implicación emocional con las personas, culturas, ambientes, y así le es más fácil contar la historia.
Siempre que se desplaza a un país diferente intenta vivir como tal, experimentas la comida, conversar con los lugareños, sentir los olores y mirar alrededor con los ojos abiertos.
Ha obtenido diversos premios, como Sony Photography Awards de Portugal en 2017, Paisagens de Portugal de la revista O Mundo da Fotografia, en la categoría Gatos del concurso de Leica,finalista en Portraits de Lens Culture en 2015. Una de sus fotografías fue elegida para el Top Excelence de 2016 por Leica, otra fue la portada del libro Visions de 1x.com en 2016.

Referencias

Libros

sábado, 13 de enero de 2018

Miguel Calderón

Miguel Calderón es un artista y escritor mexicano (nacido el 1 de junio de 1971 en Ciudad de México, donde vive y trabaja) cuya obra abarca diversos soportes y ha colaborado en distintos espacios en países como México, Estados Unidos, Polonia, entre otros, y ha sido reconocido con diversos premios nacionales e internacionales. Fue fundador de la galería La Panadería junto con otros artistas.

The Beast must die (bestseller), 2008 © Miguel Calderón

The beast must die (bestseller), 2008 © Miguel Calderón

Biografía

Miguel Calderón, originario de la Ciudad de México, se trasladó en 1994 a los Estados Unidos para realizar sus estudios de Licenciatura en Artes visuales en el San Francisco Art Institute en California. En su obra explora temas que van desde la cetrería hasta la violencia y corrupción en México, así como las dinámicas familiares y lo sobrenatural. Su trabajo utiliza referencias de la cultura popular y se encuentra unificado por una teatralidad latente, mezclada con un toque macabro y fantástico. Principalmente hace referencias en sus obras a elementos de la cultura popular como videos musicales del momento, partidos de fútbol, telenovelas, entre otras, buscando un punto de vista distinto de lo usual.

Para algunos críticos y artistas de la escena, Calderón es el rebelde de la escena mexicana. Su obra se caracteriza por una estética low-fi que combina la comicidad y el humor negro. Para lograr su obra de ha valido de diversos soportes resultado de la experimentación en diversos espacios. Entre estos soportes se pueden encontrar audiovisuales como el video y la fotografía, y plásticos como la escultura y pintura. Utiliza los recursos disponibles para crear instalaciones de video de bajo presupuesto.

Fue cofundador de La Panadería, un espacio sin fines de lucro que fomentó nuevas tendencias en el arte latinoamericano desde 1994. Obtuvo gran popularidad al aparecer sus pinturas Aggressively Mediocre/Mentally Challenged/Fantasy Island (circle one) en la película The Royal Tenenbaums. Calderón también ha trabajado en colaboración con el artista inglés Nick Waplington produciendo la serie de fotografías Sherwin Williams / The garden of Suburban delights y la novela gráfica Terry Painter, que se exhibió en Nueva York y Londres.

Ha tenido exposiciones individuales en el Museo de Arte Contemporáneo Tamayo en Ciudad de México, la Galería Andrea Rosen en Nueva York, el Museo de Historia Natural en la Ciudad de México, la Galería Diego Rivera del Instituto de Arte de San Francisco, Centro de Arte de Rochester, la Bienal de Sao Paulo, la Trienal de Yokohama, el Centro de Arte Reina Sofía en Madrid y la Colección Fundación Jumex.

Ha obtenido diversos galardones como las becas Bancomer/Rockefeller Fellowship en el año de 1995 por Ensayo sobre contaminación cultural: La Panadería y The MacArthur Fellowship for Film and New Media en 2000. También formó parte del programa Cisneros Fontanals Art Foundation Grant & Commissions en 2013. Consiguió la Beca de Jóvenes Creadores. FONCA Fondo Nacional para la Cultura y las Artes de México, una mención honorífica en la Séptima Bienal de Fotografía de México, y en 1994 el premio Best Film en el San Francisco Art Institute de Estados Unidos.

Referencias

Libros

Su obra ha aparecido en:

  • Mexico: expected/unexpected, 2009.
  • Las implicaciones de la imagen, 2008.
  • La era de la discrepancia, 2007.
  • Yokohama 2005 International Triennale of Contemporary Art., 2005.
  • La Colección Gelman: Selecciones. La colección de arte mexicano moderno y contemporáneo de Jacques y Natasha Gelman, 2004.
  • Coartadas/Alibis, 2001.

viernes, 12 de enero de 2018

Ian Hughes

Ian Hughes es un fotógrafo inglés (nacido en Neston, Wirral, vive en Brighton, East Sussex) que realiza fotografía de calle clásica, huyendo de las yuxtaposiciones, y fotografía urbana nocturna en locaciones alrededor de campos de futbol.

© Ian Hughes

© Ian Hughes

Biografía

Ian Hughes estudió fotografía en Art College, una universidad cerca de Liverpool a fines de la década de los 80 y tuvo la suerte de ser instruido por el gran fotógrafo callejero Tom Wood, que le inspiró un amor de por vida a la fotografía callejera, y le animaba a salir del cuarto oscuro a fotografiar las calles. Una vez le llevó con él a fotografiar extraños en los autobuses alrededor de Liverpool.

Pasó 8 años como fotógrafo de cruceros principalmente en la zona de Miami. Allí solo usaban películas en color, eso sí, ilimitadas y gratuitas, Konica 100 cargada a granel, y realizaban su propio procesamiento de color, así que en su trabajo personal también trabajaba en color también, a pesar de su formación en el laboratorio y de los trabajos en ByN de los fotógrafos que lo inspiraban hasta entonces. Pero es que Miami, era mucho más brillante y colorida que el noroeste de Inglaterra donde había vivido hasta entonces.

En sus trabajo en los cruceros, estaban visitando los mismos puertos en el Caribe, trabajando largas horas 7 días a la semana, pero en los pocos tiempos libres se iba directo a tierra a hacer fotos, explorando las callejuelas para ver cómo vivía la gente. Sus lugares favoritos para la fotografía callejera fueron Coney Island en Nueva York (personajes geniales en todas partes en un balneario descuidado y atmosférico), San Juan en Puerto Rico (maravillosa luz de la tarde en colores vivos, edificios y buen ron) y el caos de Nápoles, Bombay y Estambul. También viajó por las dos Américas en autobús y tren entre crucero y crucero.

La fotografía de calle le permite satisfacer su curiosidad. Es bastante tímido, así que se siente incómodo al hacer retratos, aunque muy pocos retratos captan su atención de todos modos. Le hubiera encantado poder ganarse la vida como fotógrafo de deportes, pero pasó demasiados años en el mar. Le gusta el hecho de que la fotografía de calle es algo que puede hacer sin tener que planificar nada. Puede hacerla en su hora del almuerzo. Un mal día en su trabajo (casi todos) puede convertirse en un buen día si encuentra una buena imagen de camino a casa.

Hoy en día su fotografía es mayormente nocturna porque su trabajo de día le deja pocas horas para la fotografía de calle. Hace poco terminó un proyecto de 10 años fotografiando alrededores de campos de fútbol iluminados en la noche en los alrededores del condado de Sussex, en la costa sur de Inglaterra. Esas imágenes le ayudaron a ser seleccionado como uno de los 50 talentos emergentes de 2015 de Lens Culture.

Referencias

Libros

jueves, 11 de enero de 2018

Linda Wisdom

Linda Wisdom es una fotógrafa inglesa (nacida en Londres, donde vive) especializada en documentales sociales, fotografía de calle y paisajes urbanos. Sus composiciones se centran principalmente en juegos de luces y sombras, en la geometría y líneas, y en los momentos decisivos de las escenas urbanas.

© Linda Wisdom

© Linda Wisdom

Me apasiona fotografiar personas, entornos urbanos y capturar la belleza inesperada y la verdad oculta en los momentos cotidianos.
La fotografía ha ampliado mi imaginación al hecho de que hay belleza en lo cotidiano y ordinario. La rutina cotidiana y la rutina de la vida pueden escapársete, si no abres los ojos, el corazón y la mente.

Biografía

Linda Wisdom es una fotógrafa semiprofesional y autodidacta, nacida en el West London, donde vive. Trabaja como contratista de Tecnologías de la Comunicación, habiendo trabajado por cuenta propia como Consultor IT de Apple Mac durante 8 años con su propio negocio de soporte informático.

Le interesaba mucho la música. Aprendió a tocar la guitarra, trabajó en estudios de grabación y estudió ingeniería de sonido durante un tiempo. También diseñó y publicó sus propios fanzines pop cuando era más joven.

Comenzó a hacer fotografía en serio en 2009 al prestarle un amigo una cámara réflex digital para practicar. Siempre fue una observadora de la vida a su alrededor y tenía un interés en la sociología, por lo que natural progresión fue hacia la fotografía de calle, tras pasar por la de arquitectura, la abstracta, el paisaje, …

Busca escenas con múltiples elementos que llamen su atención visualmente o con las que tenga alguna forma de conexión emocional. Una toma puede ser visualmente ingeniosa, ingeniosa, contar historias, hacer que te preguntes, que te alegre, que te entristezca o que te mueva de otra manera. No le gusta tomar fotos que probablemente olvidará en una semana o un mes. Viajadora ávida, sus proyectos fotográficos la han llevado a ciudades como Nueva York, París, Berlín, Lisboa y el Reino Unido.

Su trabajo fotográfico ha sido publicado en The Huffington Post, BBC Radio 4, PDN, Light y en importantes publicaciones de fotografía como Amateur Photographer y Digital Camera.

Su agenda se divide entre encargos privados y talleres de fotografía callejera. Recientemente ha sido nombrada como una de las anfitrionas pioneras de London Experience para Airbnb impartiendo exclusivos tours fotográficos y talleres en Londres.

Consiguió el primer premio en los British Life Photography Awards en la categoría Street Life, fue finalista en el World Open of Photography y sus exposiciones en el London Photo Festival y The Print Space fueron votadas como las mejores del certamen. Dirige el grupo londinense de fotografía callejera We Shoot People.

Referencias

miércoles, 10 de enero de 2018

Kaushal Parikh

Kaushal Parikh es un fotógrafo indio (nacido en Bombay, donde vive) que realiza fotografía de viajes, documental y sobre todo de calle, principalmente en las de su ciudad natal.

© Kaushal Parikh

© Kaushal Parikh

Biografía

Kaushal Parikh es un fotógrafo independiente. Hace unos años dejó el mundo corporativo para 'pintar con luz' y desde entonces su vida ha sido más brillante. Viaja tanto como mi cartera (y esposa) lo permiten y personalmente prefiere enfocar su lente en una calle sucia en lugar de en una playa exótica. La cámara le permite ver con claridad y sensibilidad lo que le hace sentirse más humano. Le gusta la gente.

Camina muy despacio a menudo parando y absorbiendo las escenas que se desarrollan a su alrededor. A veces ve instantáneamente un momento y lo captura y otras veces construye la imagen en su mente antes de hacer clic. Si ve a un hombre interesante vendiendo pescado, empieza a pensar en otros elementos que de sumarse podrían hacer la toma genial. Tal vez sea un gato, o tal vez un hombre que se tape cubriéndose la nariz, etc. y si uno de ellos se acerca, lo intenta esperando que el vendedor esté haciendo algo interesante en ese momento. Si se puede unir dos o tres elementos, generalmente se obtiene una mejor fotografía de la calle. El método que adopta para crear una imagen depende realmente de su estado de ánimo, de lo cansado que está y de cómo está en la zona en un día determinado.

Lamentablemente, la fotografía callejera aún siendo extremadamente personal y subjetiva, mostrando una documentación no adulterada de la vida y siendo probablemente la más difícil de hacer, es un género que no permite en la mayor parte de los casos ganarse la vida, aunque probablemente sea más valiosa en el transcurso del tiempo que una documentación estética de la historia.

Así, la fotografía de viajes permite a Parikh ver lugares nuevos y atestiguar cómo las personas viven en diferentes culturas, y le da la oportunidad de descubrir y explorar lugares de una manera mucho más profunda que cuando se va de vacaciones.

También se he interesado mucho en la fotografía de paisajes recientemente y realiza encargos y talleres de fotografía. En 2011 fue uno de los fundadores del colectivo indio de fotografía callejera, That's Life, y se ha convertido en uno de los nombres más conocidos de la fotografía callejera contemporánea en la India.

Tras 10 años de trabajo, ha creado y publicado su primer libro Fragments of a Spinning Rock, donde usa la poesía para ayudarse en un viaje fotográfico en blanco y negro donde  las calles y la vida natural de la India se mezclan con su propia vida personal.

   

Referencias

Libros

martes, 9 de enero de 2018

Marco Giusfredi

Marco Giusfredi, alias Guy Le Guiff, es un fotógrafo italiano (nacido en Lucca en 1973, vive en París) que realiza fotografía de calle en la capital francesa.

© Marco Giusfredi

© Marco Giusfredi

Biografía

Marco Giusfredi nació en Lucca, donde vivió hasta los 23 años. Cuando tenía alrededor de 22 años siguió un curso de fotografía e hizo fotos durante aproximadamente un año, en su mayoría retratos posados,. Luego se fue a Londres por un tiempo, y dejó la fotografía, y a otros lugares hasta que en 2006 llegó a París, donde todavía vive y donde comenzó su viaje fotográfico, caminando por sus amplias calles.

Siempre le ha gustado caminar por la calle, así que se define más como caminante callejero que como fotógrafo callejero. En 2012 decidió llevar consigo, en sus paseos urbanos, una cámara ... una idea brillante que pronto le abrió las puertas de una promoción social inmediata bajo el seudónimo de Guy Le Guiff.

Le gusta caminar por la calle observando el mundo que le rodea. Con una cámara se convierte en una disciplina y afila tu ojo. Y si estás lo suficientemente concentrado, puedes olvidarte de ti mismo, lo cual siempre es bueno. Lo que más le gusta de la fotografía callejera es que no se puede controlar mucho, tal vez no se puede controlar nada en absoluto. Casi todas sus fotos están hechas en París, la ciudad donde vive.


Referencias

lunes, 8 de enero de 2018

Camilo Díaz

Camilo Díaz es un fotógrafo colombiano (nacido en 1981 en Medellín, Antioquía, donde vive y trabaja) cuyo trabajo artístico se centra en la representación íntima de las personas y su vida inmediata y su entorno.

CamiloDiaz

Campo sumergido © Camilo Díaz

Biografía

Camilo Díaz  fue de pequeño un niño tímido y muy creativo. Su primera cámara fotográfica, una Zenit 122, la heredó a los 16 años de su padre, y se construyó un cuarto oscuro en el baño de su casa para revelar los rollos. Estudió Artes Visuales en la Universidad Nacional de Colombia. La pasión por la fotografía se despertó cuando la usaba como excusa para pintar mientras estudiaba artes, y se amplió cuando decidió incluirla en sus viajes y considerarla como una especie de blog con el que podía contar historias.

Así que realizó más estudios de fotografía de moda, publicidad y cine en varias universidades de Buenos Aires, Argentina. Más que una representación, sus fotografías revelan un descubrimiento íntimo y permiten un impulso compartido. Sus sujetos no son extraños, sino personas con las que entra en una historia.

Camilo, creativo e inquieto, es también un apasionado viajero que busca encontrar en el mundo la imagen soñada, y casi todos los años viaja de noviembre a enero con su mochila al hombro. En 2016 su viaje a Asia tenía como misión obtener unas fotografías para el concurso Sony Awards, pero finalmente no tuvo tiempo y envió 3 imágenes que ya había tomado anteriormente relacionadas con deportes acuáticos, consiguiendo 1º y 2º puestos de Colombia y 1º premio en la categoría Motion, con la fotografía aquí mostrada, realizada a la selección femenina de Colombia sub-21 de rugby subacuático, campeonas mundiales. Camilo también es componente de la selección masculina de Rugby Acuático.

Previamente había conseguido el 2 ° lugar en los International Photography Awards (Lucies Awards) en Nueva York. Al año siguiente, ganó el In-Water Photographer of the Year (Fotógrafo submarino del año). Colabora con el World Wildlife Fund (WWF) en Colombia y como estudiante de Business of Photography en el New York Institute of Photography.

Referencias

domingo, 7 de enero de 2018

Tom Wood

Tom Wood es un fotógrafo irlandés (nacido en County Mayo, Irlanda, el 14 de enero de 1951, vive en Inglaterra) cuya obra está formada principalmente por retratos de extraños, vecinos, familiares y amigos en las calles, pubs y clubes, mercados, lugares de trabajo, parques y campos de fútbol de Liverpool y Merseyside.
 

Mad Max, 1993 © Tom Wood
Mad Max, 1993 © Tom Wood

 

Biografía

Thomas "Tom" Wood nació y se crio en el condado de Mayo, en el oeste de Irlanda. Se formó como pintor conceptual en Leicester Polytechnic en 1973-76. La amplia visión de películas experimentales lo llevó a la fotografía, en la que es autodidacta y que ha explorado una multiplicidad de temas formalmente divergentes con un enfoque mucho más fluido que las convenciones actuales de la fotografía post-conceptual o el fotoperiodismo. En 1978 se mudó a Merseyside, y en 2003 a Gales del Norte donde trabaja como profesor de fotografía a tiempo parcial en Coleg Llandrillo Cymru.
 
En 1973, después de haberse graduado en Bellas Artes realizó un viaje de regreso a Irlanda y comenzó a fotografiar los paisajes de su infancia, mirándolos con ojos nuevos. Fotografió lo que estaba a su alrededor y no había nada, solo tierra pobre. Pero era su tierra, tenía un significado para él. Desde entonces ha fotografiado paisajes casi todos los días, también los de Merseyside durante 25 años y los de Gales del Norte, acumulando miles de imágenes, nunca publicadas hasta 2014.
 
En los últimos 40 años se ha hecho un nombre como fotógrafo instintivo de calle y retratista, capturando a sus semejantes en momentos de la vida diaria francos y hermosos. Centrado principalmente en los habitantes de Liverpool y Merseyside, sus fotografías nos han mostrado solitarios lujuriosos en clubes nocturnos sudorosos, comerciantes de mercado con cientos de historias que contar y aburridos pasajeros solitarios en viajes en autobús. También ha trabajado con video diariamente desde 1988, filmando la vida familiar. Ha trabajado con película de color continuamente desde 1976, aunque utiliza el blanco y negro o el color en diferentes ubicaciones.
 
Las imágenes de su primer libro y la serie más famosa, Looking For Love (1989), muestran a la gente en el pub discoteca Chelsea Reach en New Brighton, Merseyside, donde fotografió regularmente entre 1982 y 1985. En All Zones Off Peak (1998), incluye fotografías de 18 años viajando en los autobuses de Liverpool seleccionadas entre alrededor de 100.000 negativos. People (1999) y el importante libro retrospectivo Photie Man (2005), fueron realizados en colaboración con el artista irlandés Padraig Timoney.
 
Men and Women se expuso en The Photographer’s Gallery en Londres en 2012. Su primera retrospectiva completa en el Reino Unido fue en el National Media Museum en Bradford en 2013. Su trabajo se ha incluido en la edición revisada The History of Street Photography (2001) y su libro All Zones Off Peak fue presentado en The Photo Book: A History vol.2 (2006). Wood recibió el Premio Terence Donovan de la Royal Photographic Society en 1998 y el Prix Dialogue de l'Humanite en Les Recontres d'Arles, Francia, en 2002.

 

Referencias

 

Libros

  • Looking for Love: Chelsea Reach, 1989.
  • All Zones off Peak, 1998.
  • People, 1999.
  • Tom Wood (catálogo), 2000.
  • Bus Odyssey, 2001.
  • Not Only Female…. (catálogo), 2004.
  • Photie Man, 2005.
  • F/M, 2005.
  • Men and Women, 2012.
  • The DPA Work, 2014.

sábado, 6 de enero de 2018

Awoiska van der Molen

Awoiska van der Molen es  una fotógrafa holandesa (nacida en 1972 en Groningen, vive y trabaja en Ámsterdam) cuya obra se basa en un enfoque intuitivo de la creación de imágenes y de su interés en las cualidades intangibles de sus sujetos.

© Awoiska van der Molen

© Awoiska van der Molen

... El anhelo de volver a un estado más esencial ha sido un motivo recurrente en mi trabajo. Al principio, en retratos y paisajes urbanos, ambos aparentemente vírgenes por el fugaz mundo exterior. Y luego, gradualmente, en remotos paisajes naturales , que han sido el foco de mi trabajo durante los últimos ocho años.
Para alcanzar este "estado", "quito" la presencia superficial de lo fugaz ahora, del hombre e incluso de la tierra misma, hasta que siento que he llegado al núcleo.
A veces, pienso en mi trabajo como el Monadnock, una roca geológica que queda después de que el material blando a su alrededor haya sido eliminado a través de un largo proceso de erosión. Solo queda la piedra más dura, el núcleo.

Biografía

Awoiska van der Molen se graduó con un máster en Fotografía en la Academia St. Joost de Breda. Comenzó su camino por la fotografía retratando de forma equilibrada a mujeres en las calles de Nueva York, familias sentadas en silencio, u otras obras donde la atención de sus modelos radicaba más allá de la cámara. Continuó este enfoque en sus fotografías de entornos urbanos, produciendo imágenes extrañas de casas y calles anónimas.

Desde 2009, ha realizado imágenes abstractas en blanco y negro en la naturaleza. Al pasar largos períodos de tiempo en soledad en paisajes remotos, lentamente descubre la identidad del lugar, lo que le permite capturar sus cualidades emocionales y físicas específicas. Usando su experiencia personal dentro del paisaje para su proceso creativo, instintivamente busca un estado del ser en el que el límite entre ella y su entorno se desdibuje, ofreciendo una ambigüedad visceral y elusiva.

Sin títulos ni ninguna indicación de ubicación, sus impresiones de gelatina de plata a gran escala recrean sus experiencias personales en el paisaje para el espectador y permanecen abiertas a la interpretación. Sus composiciones tienen tanto las cualidades pictóricas del abstraccionismo temprano y la atención meticulosa a los detalles de la Escuela de Fotografía de Düsseldorf de los años ochenta. Sus imágenes están realizadas a mano en el cuarto oscuro, continuando la secuencia íntima y laboriosa de procesos lentos con cámara de gran formato y creando una quietud única que emana de su trabajo.

Ha participado en numerosas exposiciones colectivas en instituciones como Pier 24 en San Francisco, Huis Marseille en Ámsterdam, FoMu en Amberes, Nederlands Fotomuseum en Rotterdam y Kyotographie en Kioto. Su primera exposición individual la realizó en Foam Fotografiemuseum en Ámsterdam en 2016. Su obra forma parte de colecciones públicas y de museos como Victoria and Albert Museum en Londres, Stedelijk Museum en Ámsterdam, Museum of Photography en Seúl y el Fotomuseum de La Haya.

En 2017, ha sido preseleccionada para el premio Deutsche Börse Photography Foundation y ha recibido el Larry Sultan Photography Award. También recibió el premio Hariban de Japón en 2014 y fue finalista en el Festival internacional de moda y fotografía de Hyères en Francia en 2011. Su monografía Sequester fue nominada para el premio al Primer Libro de París / Fotografía Aperture en 2014.


Referencias

Libros

  • Sequester, 2014.
  • Blanco, 2017.