jueves, 16 de agosto de 2018

Sylvie Blum

Sylvie Blum es una fotógrafa austriaca (nacida en 1967 en Taxenbach, Austria, vive en Los Angeles, EEUU) que realiza trabajos comerciales de moda y fotografía de desnudo artístico.

© Sylvie Blum

© Sylvie Blum

Biografía

Sylvie Blum nació en Austria, pero se crio en Alemania. Desde los 4 años supo que quería convertirse en artista, y mientras estaba en la escuela, comenzó a trabajar como modelo. Durante su carrera de 16 años en este campo viajó por todo el mundo: Asia, África, Australia, Medio Oriente, Europa, América del Sur y los Estados Unidos. En 1991 conoció al legendario artista y fotógrafo erótico Guenter Blum y se convirtió en su modelo y musa favorita, y en 1995 su esposa.

Interesada en el arte, la moda, la arquitectura, el diseño, el arte pop, la música, la creación de películas y la fotografía se convirtieron en pasiones de por vida.

Guenter fue su mentor y maestro, enseñándole iluminación, composición, técnicas de cuarto oscuro y de fotografía.
También trabajó con otros fotógrafos internacionales conocidos como Helmut Newton, Jeanloup Sieff, Jan Saudek, Andreas Bitesnich y otros.

Sylvie cuidó a Guenter en su enfermedad terminal hasta su muerte en 1997. Con el corazón roto y devastado por la pérdida, dejó el estudio que compartían y se mudó al edificio antiguo de una fábrica, que convirtió en estudio fotográfico y comenzó a trabajar en varios proyectos fotográficos, que le llevaron a publicar varios libros de arte y a ser conocida internacionalmente.

En 2005 se casó por segunda vez en Las Vegas y se mudó a California, donde vive y trabaja en Los Ángeles en su estudio The White Box. En 2011, publicó su libro Naked Beauty que ha sido distribuido con gran éxito por todo el mundo. En 2012 su exposición del mismo nombre se inauguró junto con Herb Ritts en la Galería Fahey Klein de Los Ángeles. Esta galería  representa a Sylvie Blum.

Referencias

Libros

miércoles, 15 de agosto de 2018

Tadashi Onishi

Tadashi Onishi es un fotógrafo japonés (nacido en Tokio en 1973) que fotografía las calles y el paisaje urbano abarrotado de vida social, buscando un terreno común entre la calle y la fotografía documental.

© Tadashi Onishi

© Tadashi Onishi

Shinjuku es una ciudad donde pasan más de 3,4 millones de personas todos los días. Yo soy uno de ellos. Shinjuku es un lugar donde paso parte de mi vida personal y laboral. Fotografío esta ciudad todos los días como parte de mi vida. Este proyecto se centra en el vacío de la vida de Tokio, o el que surge cuando la fluctuación de mis sentimientos se mezcla con el olor de la vida en la ciudad.

Biografía

Tadashi Onishi realiza una fotografía callejera que combina con la fotografía documental, mostrando una descripción personal y un testimonio de la vida urbana y de la sociedad japonesa.

En su trabajo Lost in Shinjuku muestra una capacidad visual muy expresiva, fuerte y profunda que está casi en contraste con su actitud amable, educada y tímida, típica de la cultura japonesa. Estas fotografías fueron tomadas en el camino al  trabajo, un camino que dura casi 5 horas al día, y en ellas, el uso de fuertes contrastes con el predominio del negro, a través de objetos, sujetos, sombras, símbolos y la falta de color, nos permite sentir la sensación de desesperación, opresión, ansiedad y perturbación del tokiota medio. Es un trabajo fuerte, lleno de sentimientos, emocionante, que no puede evitar reflexionar sobre la condición humana.

Los hombres son para Tadashi como fantasmas en su otra serie Ghost in the Tokyo Shell, que relata una relación entre las personas y Tokio: viven en la ciudad y no saben si su existencia es real; de repente pueden desaparecer y mezclarse con la ciudad, trasmitiendo un sentido de vacío y pérdida de identidad que puede, en algunos aspectos, generalizarse a cualquier gran ciudad y a la condición humana.

Es miembro del colectivo VoidTokyo.  Ha realizado exposiciones en solitario de su serie Zebra The City en la Konica Minolta Gallery y Nikon Salon Ginza en Tokio y Nikon Salon Osaka. Su libro Lost in Shinjuku y sus fotografías han obtenido diversos premios, como PX3 en París, MIFA en Rusia, Konika y FAPA en Japón, TPD en Italia por su libro, Photoplus en EEUU, …

Referencias

    Libros

    • Exhibition catalogue - Transit station, 2018.
    • Lost in Shinjuku, 2017.
    • Exhibition catalogue - Zebra The City, 2016.

    jueves, 26 de julio de 2018

    El blog se toma unas merecidas vacaciones hasta el 15 de agosto

    A partir de hoy día 26 de julio de 2018, y hasta el 15 de agosto, este blog se tomará unas merecidas vacaciones sin publicar nuevos fotógrafos cada día.

    Espero volver con renovados esfuerzos a la dura tarea, y con algo más de alegría e ilusión ya que la Confederación Española de Fotografía (CEF) ha otorgado al blog Cada día un Fotógrafo el premio nacional al Mejor Medio de Difusión 2018.

    miércoles, 25 de julio de 2018

    Nico Chiapperini

    Nico Chiapperini es un fotógrafo italiano (nacido en 1978 en Novi Ligure, vive en Amersfoort, Holanda) que realiza fotografía callejera buscando imágenes impredecibles y surrealistas.

    © Nico Chiapperini

    © Nico Chiapperini

    Una foto puede ser un documento, un recuerdo, una impresión, pero creo firmemente que a veces podría ser incluso un poema, en el que la composición y la luz congelaran los sentimientos durante toda la eternidad. La fotografía es el lugar donde mi alma tiene ojos llenos de asombro y de misterio, donde mis pensamientos se ven reflejados en un caleidoscopio de recuerdos y visiones futuras: a menudo son preguntas, a veces respuestas, pero siempre son emociones.

    Biografía

    Nico Chiapperini tuvo su primer contacto con la fotografía cuando tenía ocho años y se llevó la cámara de su padre a un viaje escolar e hizo varias fotos de falsos dinosaurios en un Parque Jurásico para niños, pero su padre le dijo que podría haber comprado bonitas postales en lugar de malgastar el dinero en película y copias en papel. Como era un niño sensible, esta experiencia fotográfica fue fuerte, agradable pero muy breve, y le llevó a no tocar una cámara fotográfica en mucho tiempo.

    En 2004 se licenció en Ingeniería Aeroespacial y algunos amigos le obsequiaron una cámara digital compacta, con lo que comenzó a hacer fotos de nuevo y a llevar su cámara a todas partes, esta vez sin la preocupación de tener un presupuesto limitado debido al coste de la película.

    Su formación, principalmente autodidacta, se enriqueció con la asistencia a tres talleres. La primera con David Alan Harvey, gracias a la cual se concretó uno de sus proyectos más queridos, Moments in Between. El segundo con Stefano Pensotti, una persona que le enseñó mucho, y el último con Richard Kalvar, fotógrafo Magnum de gran experiencia y modestia, una fuente de nuevas ideas y confirmaciones importantes.

    Para él la fotografía de calle es un escenario en el que las personas no son conscientes de que son actores que recrean comedias o dramas. Le fascina descubrir sus conexiones accidentales y sus relaciones con los lugares donde están de pie o en movimiento. Hay infinitas configuraciones y posibilidades, hay muchos momentos especiales que esperan ser preservados del olvido y cuando los ve y los captura siente una gran alegría y satisfacción. Ha desarrollado un interés particular por las imágenes impredecibles y surrealistas, porque era (y sigue siendo) una buena forma de disfrutar de la realidad que le rodea, pero también una gran ayuda para escapar de los horribles recuerdos de su pasado.

    En los últimos años, su interés por la fotografía callejera ha crecido aún más debido a algunos proyectos personales y a algunos encargos. En 2011 tuvo su primera exposición individual en la Galería ABC Treehut en Den Haag, Holanda, participando posteriormente en numerosas exposiciones colectivas en Europa y Estados Unidos. Sus fotos han sido publicadas en diversas revistas y sitios web.

      

    Referencias

    martes, 24 de julio de 2018

    Elinor Carucci

    Elinor Carucci es una fotógrafa israelí (nacida el 11 de junio de 1971 en Jerusalén, vive en Nueva York) que realiza trabajos editoriales, de publicidad y personales en los que fotografía los detalles a menudo pasados por alto de la vida cotidiana en expresiones convincentes de emoción e intimidad.

    © Elinor Carucci

    © Elinor Carucci

    Biografía

    Elinor Carucci comenzó a experimentar con la fotografía cuando tenía 15 años y se graduó en 1995 de la Bezalel Academy of Arts and Design con una licenciatura en fotografía, y se mudó a Nueva York ese mismo año. 

    Al principio fotografiaba a su madre, padre y hermano, y luego al resto de la familia.  Eran fotos en blanco y negro posando. Su segunda etapa fue filmar en color y sin posado, con improvisación.

    Durante diez años, Elinor fue una bailarina profesional de danza del vientre. Durante un período de tres años, trabajó en una serie de imágenes, mientras bailaba en los cinco condados de Nueva York y parte de Nueva Jersey. Como fugaces destellos, estas imágenes reflejan la forma en que realmente experimentó ese viaje y se publicaron en el libro Diary of a Dancer.

    En 2004, después de un feliz embarazo, fue madre con una cesárea de emergencia que le dejó herida, débil y dolorida. De vuelta a casa como madre de gemelos, la fotografía le ayudó a lidiar con todo esto, creando otra impactante serie, Mother, de su  proyecto de maternidad durante casi 10 años, que ha exhibido individualmente en la galería Edwynn Houk en Nueva York en 2014 y posteriormente en el MoCP de Chicago.

    En un período de tiempo relativamente corto, su trabajo ha sido incluido en una impresionante cantidad de exposiciones individuales como en la galería Edwynn Houk, Fifty One Fine Art Gallery, James Hyman y Gagosian Gallery de Londres , …,  y en grupo como en The Museum of Modern Art New York y The Photographers' Gallery en Londres.

    Sus fotografías están incluidas en las colecciones del The Museum of Modern Art New York, Brooklyn Museum of Art, Houston Museum of Fine Art, …, y su obra ha sido publicada en The New York Times Magazine, The New Yorker, Details, New York Magazine , W, Aperture, ARTnews y otras muchas publicaciones.

    Fue galardonada con el International Center of Photography Infinity Award para Jovenes Fotógrafos en 2001, The Guggenheim Fellowship en 2002 y NYFA en 2010.

    Carucci actualmente enseña en el programa de postgrado de fotografía de la School of Visual Arts y representada por  Edwynn Houk Gallery.

    Referencias

    Libros

    • Closer, 2002.
    • Diary of a Dancer, 2005.
    • Mother, 2013.

    lunes, 23 de julio de 2018

    Yukari Sasaki

    Yukari Sasaki, alias Unleash, es una fotógrafa japonesa que realiza fotografía de calle.

    YukariSasaki

    Smoking Time © Yukari Sasaki

    Biografía

    Yukari Sasaki es una fotógrafa japonesa que realiza fotografía de calle en Tokio. Forma parte del colectivo VoidTokyo, una comunidad de fotógrafos de la calle de Tokio completamente dedicado a capturar la magia de su ciudad, y cuyo objetivo es crear un nuevo magazine impreso para documentar y almacenar en papel un artefacto parecido a una biblioteca sobre se muestre y documente cómo cambiará esta metrópolis para los Juegos Olímpicos de 2020.

    Referencias

    domingo, 22 de julio de 2018

    Luis Lainsa

    Luis Lainsa es un fotógrafo vasco (nacido el 30 de octubre de 1939 en Irún, donde vive) que a lo largo de dilatada trayectoria ha realizado documentales en 8mm y fotografía de montaña, paisaje, calle, arquitectura, … hasta llegar a la fotografía abstracta donde se encuentra más a gusto.

    © Luis Lainsa

    © Luis Lainsa

    Biografía

    Luis Lainsa Arnáiz se inició en la fotografía a los 14 años, con una máquina Kodak de formato 6x6, muy elemental pero buena para aquella época, con visor a la altura de la cintura y totalmente manual, la cual desgraciadamente se despeñó en un monte de los Pirineos. Desde entonces no ha dejado de hacer fotografía, primero familiar, de viajes y de montaña, de la que ha sido gran aficionado, subiendo al Mont Blanc y a los principales picos de Pirineos, Picos de Europa, Sierra Nevada, Teide,  etc., siempre con la cámara a cuestas.

    Posteriormente su fotografía evolucionó al reportaje social y de calle, a la arquitectura geométrica y finalmente a la abstracción, siendo pionero en fotografiar abstracciones de las rocas de Jaizkibel desde 1980 (con exposiciones en Hondarribia e Irún en 1983 y 1985, y fotografías suyas en portada e interior en el libro Jaizkibel Amaharri de 2013.

    Aficionado al cine, fue socio fundador del Cine Club Irun y practicó en 8 mm,  participando en concursos y proyecciones y asistiendo a cursos de fotografía y cine, entre otros el Seminario de Dirección Cinematográfica, impartido por Ana Mariscal. TVE proyectó su documental La Ruta del Salmón en 1967.

    Gran aficionado al ciclismo, ha practicado el cicloturismo y lo sigue haciendo a los 78 años, habiendo subido a los principales picos del Tour de France, Tourmalet (13 veces), Aubisque, Galibier, Alpe de Huez, etc. y al mas modesto Jaizkibel (+1.000 veces).

    Socio de la Asociación Fotográfica Irunesa (AFI) desde 1993, ha sido miembro de la Junta Directiva 25 años, actuando varios años como profesor de fotografía en los cursos de la asociación.

    Aunque de formación inicial autodidacta, tiene una gran formación cultural y artística, por sus estudios de la Historia de Bellas Artes, siendo un gran aficionado a la pintura, escultura y arquitectura. Ha realizado más de 40 exposiciones en el País Vasco y el sur de Francia, ha obtenido diversos premios en concursos locales, nacionales e internacionales, como en el XXVII Trofeo Gipuzkoa Internacional en el 2000, obteniendo el título Artista de la Federación Internacional del Arte Fotográfico (AFIAP) en 2004. También ha colaborado con sus fotografías en libros, revistas, catálogos, carteles y calendarios.

    Su archivo consta de unas 20.000 diapositivas, 20.000 negativos en color y blanco y negro y unas 20.000 fotografías digitales.

    Referencias

    Libros

    • Jaizkibel Amaharri (varios), 2013.
    • Marinas en abstracto, 2003.

      sábado, 21 de julio de 2018

      Erica Simone

      Erica Simone es una fotógrafa y artista francoamericana (con sede en Ciudad de Nueva York, París y Los Ángeles) que produce imágenes para clientes comerciales del mundo de la moda, editoriales y ONGs de todo el mundo y sus galardonadas imágenes han sido ampliamente publicadas en medios internacionales.

      © Erica Simone

      © Erica Simone

      El mundo comenzó a moldearse en una composición geométrica, dibujándose en mi ojo en reflejos de luz y combinaciones complejas de color. Las arrugas de los ancianos se convirtieron en misteriosas novelas históricas, la arquitectura a mi alrededor comenzó a dar forma a patrones abstractos, los flujos claustrofóbicos de personas en la calle trajeron quietud a mis propias observaciones: me encontré mirando el mundo de una forma completamente nueva.

      Biografía

      Erica Simone creció en Los Angeles, California. Pasó sus años de formación en París, Francia, rodeada de una fotografía de bellas artes prominente y excéntrica, lo que le llevó a su propia pasión en la toma de fotografías. Desde 2002, Simone ha estado viajando por el mundo capturando retratos y trabajando en las artes fotográficas, lo que le ha permitido experimentar muchos extremos de humanidad: desde los trasfondos de los desfiles de Nueva York hasta los bosques tranquilos y profundos de Camboya; desde celebridades de Hollywood a tribus de las montañas en el Himalaya, o desde orfanatos en Sudamérica hasta extravagantes eventos de alfombra roja. La fotografía le ayuda a satisfacer una increíble curiosidad por la vida, mientras la adorna con una diversidad inolvidable.

      Erica trabaja en asignaciones para clientes comerciales y editoriales de todo el mundo y es colaboradora frecuente de Huffington Post. Sus galardonadas imágenes han aparecido en publicaciones como National Geographic, New York Mag, Marie Claire, Elle, The NY Daily News, PHOTO, PDN, Town & Country, Le Parisien, Cosmopolitan, El Mundo, WhiteWall, Resource, MY Arts Magazine y muchas otras.

      Sus fotografías se han exhibido en todo el mundo en exposiciones individuales, espectáculos grupales y festivales, además de aparecer en televisión y en documentales.

      Simone también es embajadora activa de la organización sin fines de lucro Beauty for Freedom, que trabaja directamente con sobrevivientes internacionales de la trata de personas.

      Sin embargo, su mayor popularidad, fue hacia 2011 con un proyecto de autorretrato con fotografías que muestran a Simone en Nueva York realizando actividades cotidianas familiares para casi todos los neoyorquinos: tomar un taxi, comprar cigarrillos en una bodega, retozar en Central Park y desplazarse por Midtown, con la particularidad única de que ella está completamente desnuda mientras todos los que la rodean están vestidos. Este proyecto ha sido mostrado en diversas exposiciones y publicado como libro, con el nombre Nue York: Self-Portraits of a Bare Urban Citizen, y con él Simone espera cuestionar el papel de la moda en la sociedad contemporánea, ya que la ropa obviamente hace mucho más que satisfacer nuestra necesidad física de calidez y protección.

      Referencias

      Libros

      viernes, 20 de julio de 2018

      Lua Ribeira

      Lua Ribeira es una fotógrafa gallega (nacida en 1986, vive en Bristol, Inglaterra) que realiza trabajos documentales con una plástica muy personal sobre culturas minoritarias que coexisten con otras dominantes y que las intentan asimilar.

      © Lua Ribeira

      © Lua Ribeira

      En las celebraciones del dancehall, se produce una representación espectacular de la identidad jamaicana, donde el rendimiento, el ritual y la autoexpresión alcanzan altos niveles de sofisticación. No pretendo que las imágenes sean comentarios del Dancehall, sino que se conviertan en el ritual en sí. El poder de la transformación de las mujeres y la innovación y provocación que implican, a menudo chocan con las ideas occidentales de feminidad. Los poderes mitológicos, el concepto de divinidad femenina y la sacralidad en la cultura afrocaribeña, estuvieron muy presentes en mi búsqueda visual. Alimentados por su folclore y mi imaginación, temas universales como el nacimiento, el amor, la muerte y el sexo son centrales en estos encuentros.

      Biografía

      Lua Ribeira Cendán estudió Ciencias de la Información en la Universidad de Vigo, se graduó en Diseño Gráfico en BAU, Escola Superior de Disseny en Barcelona en 2011, y estudió Fotografía Documental en la University of South Wales en Newport, terminando en 2016 y trasladándose a Londres. Su trayectoria es impresionante, pues estando estudiando allí fue galardonada con la beca Firecracker en 2015 y acaba de ser nominada para entrar en la agencia Magnum Photos, tras ganar el Magnum Graduate Photographers Award en 2017.

      Hasta el momento, su trabajo más conocido es Noises in the Blood, publicado como libro y expuesto en Argentea Gallery en Birmingham en 2018, Fishbar Gallery en Londres en 2017 y en 2016 en Kickplate Gallery en Abertillery, Gales, y en Fotoraum Gallery en Colonia, Alemania.

      Este proyecto está inspirado en el ritual de danza contemporánea de Jamaica. Realizada en colaboración con un grupo de mujeres jamaicanas británicas en Birmingham, Lúa recrea escenas de danza en los hogares de los participantes. Al abrazar la imposibilidad de comprender completamente esta expresión cultural tan diferente de la suya, disecciona las ideas de feminidad y sexualidad dentro de las actuaciones.

      Ribeira también está trabajando en The Aristocrats, un proyecto sobre una comunidad en su provincia natal de Galicia. El paisaje de la región, el cristianismo y el paganismo constituyen fuentes ricas de inspiración para su búsqueda de lo elemental y lo mitológico.

      Sus imágenes han sido exhibidas en festivales internacionales, incluyendo Photo España en 2014, el British Journal of Photography, Ian Parry Scholarship 2015, Emcontros da Imagem Discovery Awards 2015, Gazebook Photobook Festival, A Fine Beginning, Contemporary Welsh Photography, …  También ha sido galardonada con diversas becas, incluyendo una Jerwood Photoworks para proyectos futuros en 2018, la beca Ditto Press y el Reginald Salisbury Fund en 2016, además de la ya citada Firecracker en 2015. También ha participado en la residencia The Independent Air en Dinamarca en 2015 y en varias exposiciones colectivas en el Reino Unido, España, Italia y Alemania.

      Su trabajo fue seleccionado recientemente por Susan Meiselas para aparecer en el número Women Looking at Women de la revista Raw View. También está realizando encargos comerciales, como los realizados para la diseñadora de bolsos Carla Lopez y con clientes editoriales como Wired.

      Referencias

      Libros

      • Noises in the Blood, 2017

      Otras publicaciones:

      • Firecrackers Female Photographer Now. 2017
      • British Journal of Photography, Ones to Watch 2017 (Noises in the Blood), 2016.
      • Raw View Magazine, Women looking at Women comisariado por Susan Meiselas, 2016.

      jueves, 19 de julio de 2018

      Darío Villalba

      Darío Villalba fue un pintor y fotógrafo español (nacido el 22 de Febrero de 1939 en San Sebastián, fallecido el 15 de junio de 2018 en Madrid, donde había vivido y trabajado muchos años) que abordó la problemática de los últimos movimientos artísticos de los años 60, bajo una óptica personal, utilizando muy prematuramente la fotografía como pintura. Empleó la trama fotográfica, fría y distanciadora, como pintura, como vehículo para transmitir todo tipo de actitudes o pulsiones anímicas.

      © Darío Villalba

      © Darío Villalba

      En mi obra la pintura es fotografía y la fotografía es pintura.

      Biografía

      Darío Villalba era hijo de un diplomático español que fue cónsul en Filadelfia. Allí empezó a patinar sobre hielo. A su vuelta a España se convirtió con 16 años en el primer olímpico español en la modalidad de patinaje artístico en los Juegos de Invierno de Cortina d’Ampezzo en 1956. Con 18 años dejó el patinaje artístico y estudió durante cuatro años en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando en Madrid, continuando en el estudio de André Lhote en París en 1958 y en la Universidad de Harvard, Cambridge, en 1963, donde realizó sus primeras exposiciones.

      Después de trabajar en un idioma abstracto volvió a la pintura figurativa. En 1966 comenzó una serie de pinturas tituladas Figuras Encapsuladas, que representaban seres humanos aprisionados en materiales de plástico. Esto se desarrolló en sus series temáticas que incorporaban fotografías reanudadas y fotografías retocadas con pinceladas, como Las series de la Redención. Muerte, dolor, sexo y agua son los parámetros sobre los que basculaba su trabajo de esa época.

      Su presencia en la Bienal de Venecia de 1970 supuso su lanzamiento internacional con sus Encapsulados rosas, donde presenta pinturas de figuras humanas de gran tamaño encerradas en cápsulas de metacrilato. A partir de 1971 los encapsulados se librarán de todo cromatismo y estarán ya realizados en tela fotográfica emulsionada. Desde 1972 se acentúa el componente trágico de sus temas abandonando la pintura para utilizar fotografías en blanco y negro paralelamente a las tendencias internacionales que evolucionaban en esta misma dirección, componiendo y descomponiendo imágenes, pero manteniendo un talante expresionista.

      A mediados de los setenta vuelve a la pintura, obteniendo el Premio Internacional de Pintura de la XII Bienal de Säo Paulo en 1973. Y los 80 dieron paso a una etapa de síntesis de momentos anteriores integrando fotografía y pintura, figuración y abstracción.

      En 1983 se le concedió el Premio Nacional de Artes Plásticas por su capacidad de integración sintética en diálogo permanente con las corrientes de vanguardia. En 1994 el I.V.A.M. (Instituto Valenciano de Arte Moderno) le organizó una exposición antológica, que al año siguiente se mostró en The National Museum of Contemporary Art de Oslo. En 2001 parte de sus Documentos Básicos en el CGAC (Centro Gallego de Arte Contemporáneo) en Santiago de Compostela. En  2002 se convirtió en miembro de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando en Madrid. En 2003 se le impuso la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes. En 2007 el Museo Nacional Reina Sofía (MNCARS) hizo una importante retrospectiva de su obra, desde 1957 a  2007.

      Su obra forma parte de numerosas colecciones públicas y privadas como el Musée d´Art et d´Histoire en Ginebra, Museo Español de Arte Contemporáneo en Madrid, Museum voor Schone Kunsten en Ostende, Musée des Beaux-Arts de Lausana, Musées Nationaux de France en París, National Gallery en Camberra, The Solomon R. Guggenheim Museum en Nueva York, …

      Referencias

      Libros

      • Luis Gonzales-Robles, Darío Villalba Flores, 1970.
      • Darío Villalba,  1974.
      • Darío Villalba, 1957-2001, autosabotaje y poética del lenguaje, 2001
      • Darío Villalba: una visión antológica, 1957-2007, 2007
      • Darío Villalba, 2011.
      • Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI, 2013.

      miércoles, 18 de julio de 2018

      Uly Martín

      Uly Martín es un fotógrafo español (nacido en Córdoba en 1958) que ha realizado fotografía de científica y de prensa, principalmente en el Congreso de los Diputados para el periódico El País.

      UlyMartin

      © Uly Martín

      Biografía

      Eulogio Martín Castellanos estudió Ciencias Geológicas en la Universidad Complutense de Madrid (UCM) y Fotografía en el Centro de Estudios de la Imagen en Madrid.

      Cofundador de la agencia Penta Press, durante 14 años compaginó la fotografía de prensa, como colaborador fijo del diario El País, con la fotografía científica, de la que fue técnico especialista en el Departamento de Paleontología de la Facultad de Ciencias Geológicas de la UCM. En 1998 abandonó la universidad y entró como redactor gráfico a formar parte de la plantilla de El País, para el que ha tocado múltiples campos (moda, cine, política, sociedad, deportes). También ha colaborado con otros medios, como Ya, Diario 16, Tiempo, Cambio 16 o Playboy.

      Durante los últimos años ha sido incluido en diferentes exposiciones colectivas, entre las que destacan 25 años después. Memoria gráfica de una transición, en la sede de la Fundación Telefónica en Madrid en 2000, Cárcel de Carabanchel, de la represión al olvido, organizada por la Asociación de vecinos de Aluche y la Concejalía de Rivas-Vaciamadrid en 2008, y Vida en los bordes: miradas al y desde El Gallinero, itinerante por el País Vasco, Cuenca y Madrid en 2012. También en 2012 presentó la exposición Instantes de un país, un recorrido de 71 fotografías por la historia de España de los últimos 20 años en el Aula Cultural de la Universidad de Castilla-La Mancha en Ciudad Real.

      En 2011 comenzó a realizar una serie de retratos a personas relevantes del mundo de la cultura, la política y el periodismo con móvil en aseos y donde aparece él mismo, y que ha bautizado como #autoRetrete. Especial relevancia tienen sus retratos a políticos en los lavabos del Congreso de los Diputados en Madrid.

      Referencias

      Libros

      • 25 años después: memoria gráfica de una transición, (varios) 2000.
      • El movimiento 15-M, construyendo la revolución (varios), 2012.
      • Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI, 2013.
      • Experimento con fotografía impresa (Jaime Narváez), 2014.

      martes, 17 de julio de 2018

      Erika Larsen

      Erika Larsen es una fotoperiodista y escritora estadounidense (nacida en 1976 en Washington, D.C., reside en Florida) que utiliza fotografía, video y texto para aprender sobre culturas que mantienen fuertes conexiones con la naturaleza.

      ErikaLarsen

      © Erika Larsen

      Biografía

      Erika Larsen es una fotógrafa y narradora multidisciplinaria que documenta culturas que mantienen estrechos vínculos con la naturaleza

      Referencias

      Libros

      lunes, 16 de julio de 2018

      Maggie Steber

      Maggie Steber es una fotógrafa estadounidense (nacida en Austin, Texas, vive en Miami, Florida) que ha documentado temas diversos, centrándose en historias humanitarias, culturales y sociales, que van desde el comercio de esclavos a la ciencia de la memoria.

      Broken Heart Pump © Maggie Steber

      Broken Heart Pump © Maggie Steber

      Para mí, lo más profundo de la fotografía es que es un lenguaje universal que habla a todos: sin fronteras, sin barreras, sin restricciones.

      Biografía

      Maggie Steber nació y se crio en Texas, pero ha vivido y trabajado en todo el mundo, visitando 64 países a lo largo de su carrera, centrada en historias humanitarias, culturales y sociales. En sus inicios trabajó como reportera y fotógrafa para Galveston Daily News y como editora de imágenes para The Associated Press en Nueva York. Después trabajó como fotógrafo en plantilla por la revista Newsweek y también como directora de fotografía en The Miami Herald, donde supervisó diversos proyectos que ganaron un Pulitzer y fueron 2 veces finalistas.

      Durante más de tres décadas, Steber ha trabajado en Haití y estos trabajos le han proporcionado dos becas importantes: la Ernst Haas y la de la Fundación Alicia Patterson para Journalistic Exploration of a Subject) y culminaron en 1991 en la publicación de un libro, Dancing on Fire: Photographs From Haiti. Steber también ganó el World Press Foundation Award en 1987, la Leica Medal of Excellence, un Overseas Press Club, Pictures of the Year y la Medalla de Honor por Distinguidos Servicios al Periodismo de la University of Missouri.

      Su trabajo está incluido en la Library of Congress, The Richter Library, Fundación Guggenheim y en colecciones privadas. Ha expuesto internacionalmente, como por ejemplo en el Visa pour l'Image y en el Festival de fotografía de Pingyao en China.

      Sus fotos han aparecido en revistas de todo el mundo, como Life, The New Yorker, Smithsonian, People, Newsweek, Time, Sports Illustrated, The Times, The New York Times Magazine, AARP, The Guardian y Geo Magazine, entre otras. En National Geographic ha publicado artículos sobre Miami, la trata de esclavos africanos, la Nación Cherokee, cartas de soldados y Dubái. y una historia sobre la ciencia de la memoria que mostraba una barra lateral conmovedora sobre la madre de Steber, Madje, y su lucha contra la demencia.

      En 2013, fue nombrada como una de las once Women of Vision por la revista National Geographic Magazine, publicando un libro y recorriendo una exposición en cinco ciudades de los Estados Unidos. Ha estado de jurado en numerosos concursos de fotografía, incluidos los de la National Photographers Association (NPPA), el World Press Award, Pulitzer Prize, Alexia Grant y Alicia Patterson Grant.

      Steber imparte talleres en todo el mundo, como las World Press Joop Swart Master Classes, International Center for Photography, Foundry Workshops y en el Obscura Photo Festival. Es miembro de Facing Change Documenting America, un grupo de fotógrafos que cubren importantes temas sociales estadounidenses, y recientemente se ha unido a VII Photo.

      Referencias

      Libros

      • Dancing on Fire: Photographs from Haiti, 1991.

      domingo, 15 de julio de 2018

      Ignasi Marroyo

      Ignasi Marroyo fue un fotógrafo catalán (nacido en Madrid el 22 de mayo de 1928, fallecido el 30 de junio de 2017 en Rubí, Barcelona) que produjo a lo largo de cincuenta años un importante fondo fotográfico, enmarcado dentro de la Nueva Vanguardia Catalana, movimiento imprescindible para entender y conocer la fotografía catalana de las décadas de los 50 y 60.

      © Ignasi Marroyo

      © Ignasi Marroyo / ANC

      Biografía

      Marià-Ignasi Marroyo i Rodríguez nació en Madrid, pero en 1928 su familia se trasladó a Barcelona, donde vivió hasta la década de los 70 cuando se estableció en Rubí.

      A finales de la década de 1940 se inició como aficionado a la fotografía, después de que sus padres le regalaran una cámara Univex Unica. Años más tarde una cámara Baldinette de paso universal le permitió hacer fotografías de mayor calidad. En la década de 1950 presentó fotografías en varios salones y concursos, consiguiendo algunos premios, pero será con su ingreso en la Agrupació Fotogràfica de Catalunya cuando toma empuje su afición por la imagen fotográfica.

      En 1960 participó en la creación del grupo El Mussol, dentro de la Agrupació Fotogràfica de Catalunya y junto a fotógrafos como Joan Colom. Este colectivo tuvo el soporte de Josep Maria Casademont, dinamizador cultural y promotor de la Sala Aixelá, espacio artístico barcelonés clave de aquella etapa. Durante esta época realizó varias exposiciones colectivas con este grupo. También fue colaborador en el Correo Catalán y operador de cine documental con el director Joan Francesc de Lasa.

      En 1966 fundó en Rubí el grupo fotográfico El Gra. Sus primeros reportajes son de temáticas varias, predominando el realismo social con una mirada crítica.Destacan sus reportajes sobre Semana Santa, el barrio de chabolas del Somorrostro y las corridas de toros. En 1963 comenzó a dedicarse profesionalmente a la fotografía industrial, pero hasta 1972 su dedicación no fue exclusiva, y su sueldo principal provenía de su trabajo en una factoría de relojes para automóvil. Más adelante realizó trabajos en formato digital y de carácter documental relacionados con Rubí.

      También trabajó como profesor de la Escuela de Medios Audiovisuales (EMAV) del Ayuntamiento de Barcelona, al mismo tiempo que como reportero gráfico de la Federación Catalana de Baloncesto. Se retiró profesionalmente en 1993.

      La Generalitat de Catalunya le otorgó la Creu de Sant Jordi en 2014, año en el que también fue invitado por Gervasio Sánchez y Sandra Balsells al XIV Seminario de Fotografía y Periodismo de Albarracín (Teruel), con su ponencia Ignasi Marroyo, recuerdos de un fotógrafo, confidencias con mi hija Pilar.

      Posee obra en las colecciones del Museu Nacional d’Art de Catalunya, Foto Colectania (Barcelona), … y el Arxiu Nacional de Catalunya conserva su fondo fotográfico integrado por unos 73.000 ejemplares (en sus diferentes soportes y formatos), de los que unas 60.000 obras corresponden a su fondo personal y más creativo, y el resto corresponden a su producción como fotógrafo industrial.

      Referencias

      Libros

      • Las masías de Rubí y su gente, 1984.
      • Iglesia de San Pedro de Rubí, 1987.
      • Imágenes de Rubí, de villa a ciudad, 1994.
      • Rubinenses Del Siglo XX, (El Gra) 2000.
      • 4 Misceláneas de Rubí, (El Gra) 2005.
      • Motius de Rubi, (El Gra) 2008.
      • Barracas, ciudad informal, (varios) 2008.
      • Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI, 2013.

      sábado, 14 de julio de 2018

      Miguel Goicoechea

      Miguel Goicoechea fue un fotógrafo navarro (nacido en 1894 en Alsasua, fallecido en Pamplona en 1983) destacado del tardopictorialismo español, que se dedicó a investigar los diversos procedimientos fotográficos existentes en su época: gomas bicromatadas, bromóleos, transportes de tintas grasas, plombaginas, fressones, …

      MiguelGoicoechea

      El cuento, 1925 © Miguel Goicoechea

      Biografía

      Miguel Goicoechea de Jorge procedía de una familia de buena posición económica, y su interés por la fotografía se inició hacia 1917, mientras realizaba estudios en Burdeos (Francia), donde dio sus primeros pasos con una cámara estereoscópica. y a la de paisajes con cámara panorámica

      En 1919 empezó a usar los procesos pigmentarios, y hasta la Guerra Civil realizó la mayor parte de su producción con estos procedimientos.  Junto a Pla Janini y Ortiz Echagüe, con los que mantuvo estrecha relación, consiguió un dominio de los procedimientos pigmentarios no superado fuera de España, especialmente en el uso del bromóleo, el carbón y el carbón-Fresson. También realizó gomas bicromatadas y plombaginas y fue el mayor experto internacional en tintas grasas transportadas.

      En su casa de Pamplona instaló un estudio de uso personal y allí, sin interés comercial alguno, invitó a fotografiarse a muchos pamploneses de a pie y personalidades de la región, como el padre Shurhammer, biógrafo de San Francisco Javier, políticos navarros y escritores.

      Su única exposición personal tuvo lugar en el Foto Club de Valencia (1930), aunque su participación en los salones fotográficos españoles fue sistemática hasta el estallido de la Guerra Civil. En 1927 obtuvo una Medalla de Oro en el Salón Español de Fotografía de Barcelona. También participó en el parisino Salón Internacional d’Art Photographique de 1927 a 1936, así como en las ferias de Milán y Londres.

      Sus imágenes fueron publicadas en diversas revistas especializadas, tales como Photo-Revue, El Progreso Fotográfico, Sombras, etc. Publicó regularmente en El Progreso Fotográfico, Art de la Llum y en Foto.

      A partir de 1935 experimentó un cierto abandono de las viejas técnicas a la par que un interés creciente por una fotografía más directa, menos manipulada, en sus numerosos retratos de mendigos, tipos populares y escenas de la vida cotidiana, con una clara vocación documentalista. Mantuvo igualmente amistad con los fotógrafos navarros Nicolás Ardanaz, Pedro María Irurzun y Jalón Ángel, entre otros.

      Después de la Guerra Civil tuvo que iniciar nuevas opciones para mantenerse activo, influido por el contacto con una nueva generación de fotógrafos, trabajando en su estudio, básicamente en retratos y composiciones con objetos y naturalezas muertas, y trabajando ya con papeles industriales a la gelatina de plata de revelado químico, aunque volvería a las técnicas las gomas y las tintas grasas transportadas de 1950 hasta 1960.

      Se mantuvo activo hasta el final de sus días en 1983. En 1994, la Agrupación Fotográfica y Cinematográfica de Navarra le dedicó en Pamplona la exposición Miguel Goicoechea: un pictorialista marginal. Su archivo se encuentra en las colecciones Fernando Goñi Goicoechea de Bilbao y Mikel Esparza San Juan de Pamplona, y está compuesto por innumerables negativos, aún sin catalogar, y muchos centenares de copias pigmentarias: gomas, transportes, carbones, etc. y de plata.


      Referencias 

      Libros

      • Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI, 2013.
      • Miguel Goicoechea: un pictorialista marginal (1994) de Carlos Cánovas.
      • Todos son buenos según para quién, 1928.

      viernes, 13 de julio de 2018

      Elena Shumilova

      Elena Shumilova es una fotógrafa rusa (vive y trabaja en el campo en la región de Tver, Rusia) especializada en fotografía familiar y de niños.

      ElenaShumilova

      © Elena Shumilova

      Biografía

      Elena Shumilova es artista internacionalmente publicada y conocida en todo el mundo por las fotografías de sus hijos y animales como conejos, perros, gatos y patos que viven en su granja de la Rusia rural. Estudió arquitecta, pero el éxito le ha permitido estar completamente dedicada a su pasión que es la fotografía. Pasó 6 meses aprendiendo fotografía con la réflex digital de sus padres haciendo fotos todos los días, analizando lo que le gustaba y lo que no.   

      Desde 2012 sus fotos han aparecido en docenas de publicaciones en todo el mundo, incluidas Digital SLR Magazine, Practical Photography Magazine, Digital Photo Magazine, SLR Lounge, Daily Mail, ABC News, Bored Panda, Petapixel, Mother Nature Network y My Modern Met. Sus fotos y videos también han sido utilizados por las campañas publicitarias de Vodafone y Petcurean, portadas de libros y postales en el Reino Unido, Alemania y Estados Unidos.

      La calidad de sus fotografías realizadas exclusivamente con luz natural son impresionantes y cuanto más simple sea la configuración y la ropa, más fácil será capturar momentos genuinos. Utiliza su Canon 5D mark II con lente 135mm f/2L USM para sus tomas exteriores y  un 50mm f/1.2L USM para las de interiores. Confiesa que dispara todos los días y procesa las imágenes por la noche.

      Viaja por todo el mundo por sus nuevos proyectos y por los talleres que imparte.

                       

      Referencias

      jueves, 12 de julio de 2018

      Mauro Bersanker

      Mauro Bersanker es un fotógrafo argentino (nacido en Posadas, Misiones, vive en Buenos Aires) cuyas imágenes suelen ahondar en los diversos comportamientos humanos, ya sea utilizando comparaciones como método descriptivo o profundizando en sus costumbres y tradiciones. Su obra se caracteriza en gran parte por la presencia de máscaras o juguetes de plástico.

      © Mauro Bersanker

      © Mauro Bersanker

      Las máscaras en definitiva tienen que ver con eso: la libertad y la frustraciones, con el tener que asumir ciertos roles en la vida cotidiana: trajes incómodos que uno no quiere usar, sonrisas falsas y en todas estas celebraciones y esas máscaras que transportan a otros mundos de libertad, otras épocas, bailes. Uno puede ser por minutos un asesino, la muerta, un luchador y a la vez son celebraciones de la vida, donde nadie va con su camisa, nadie tiene que mentir, nadie tiene que ser falso.

      Biografía

      Mauro Bersanker tuvo un gran interés por la fotografía ya desde pequeño, atraído por las imágenes del National Geographic. Se trasladó desde Posadas hasta la ciudad de Buenos Aires para comenzar sus estudios fotográficos, formándose en diversas instituciones como el Centro Cultural Rojas, Centro Cultural Lola Mora y Nuevo Foto Club Argentino.

      Sus imágenes suelen ahondar en los diversos comportamientos humanos, ya sea utilizando comparaciones como método descriptivo o profundizando en sus costumbres y tradiciones. Su obra se caracteriza en gran parte por la presencia de máscaras.

      Las máscaras, los trajes y lo velado como punto de partida, como terreno de introspección y exploración de la autenticidad en búsqueda de la libertad. Esa es la génesis de sus obras.

      Ha participado en diversas exposiciones, de forma individual y colectiva. Así, algunas de sus obras pudieron verse en Exceso, en el espacio Malvón de Buenos Aires y en el espacio Cavallero de Juan Cavallero. Su muestra NUEVA YORK - LA HABANA. Hermanos del contraste fue seleccionada para ser presentada en la Facultad de Ciencias Sociales de la Universidad de Buenos Aires. Fotografías suyas fueron seleccionadas para formar parte del catálogo Transversalidades– Fotografia sem Fronteiras 2016 y Fotografia sem Fronteiras 2017. La galería Glamart presentó algunas de sus obras en Buenos Aires Photo 2015, en el Centro Cultural Recoleta.

      En 2016 junto a destacados artistas formó parte de 9 en Praga con otros jóvenes artistas plásticos argentinos en la Latin Art Gallery de Praga, que posteriormente se expuso en Tabor, República Checa, y luego en Holanda en 2017.  Expuso también Dos miradas en Kenton Palace junto al fotógrafo Julián Pesce,  Art Nouveau en el Centro Cultural Borges en Buenos Aires, La construcción del grito en el marco de la exposición Bart Nouveau, y Polifonías del arte  junto con obras de Yuyo Noe, Benito Laren y otros en el Centro Comercial de Nordelta por la galería Marifé Marcó.

      Referencias