martes, 16 de octubre de 2018

Claire Carter

Claire Carter es una fotógrafa inglesa (nacida en enero de 1958, vive en Cleobury Mortimer, Shropshire) que realiza fotografía de paisaje y naturaleza.

Sunset and Mists in Shropshire © Claire Carter

Sunset and Mists in Shropshire © Claire Carter

Biografía

Claire Carter ha sido maestra de niños con dificultades de aprendizaje durante 35 años. Enseñar a niños con dificultades graves de aprendizaje era un trabajo difícil y necesitaba una forma de relajarse y escapar del trabajo. Toda su vida le había gustado la pintura y también estar al aire libre, caminar y disfrutar de la naturaleza y ese fue su escape de trabajo. Hace unos 20 años descubrió la fotografía y poco a poco fue dejando la pintura por la fotografía y ésta se convirtió en su pasión.

Su interés en la fotografía de naturaleza nació del deseo de grabar momentos especiales para inspirar sus pinturas pero después fue tomando vida propia. Su pasión es capturar cómo la luz transforma una escena y compartir esos momentos fugaces y únicos. Su trabajo es un simple pretexto para visitar ‘lugares que te quitan el aliento’ y pasar horas observando el efecto de la luz en una escena, experiencia que puede compararse con el desenlace de un ‘drama’.

Durante los últimos 20 años sus fotografías se han utilizado en una extensa cantidad de publicaciones y su trabajo ha sido reconocido en competiciones internacionales de fotografía, como en el premio de la revista Outdoor Photography en la categoría Luz sobre la Tierra

Con el éxito que consiguió decidió hace unos años dejar de enseñar y centrarse en la fotografía. Claire dirige talleres de fotografía en el Reino Unido y en el extranjero.

Referencias

lunes, 15 de octubre de 2018

Jo Metson Scott

Jo Metson Scott es una fotógrafa inglesa (nacida en 1978 en Exeter, vive y trabaja en Londres) cuya obra trata principalmente de retrato y de  documentales cuyo trabajo destaca principalmente la relación entre las personas y sus comunidades, capturando con elegantes y sutiles imágenes, las situaciones más cotidianas del ser humano, documentando la realidad con una luz suave.

© Jo Metson Scott

© Jo Metson Scott

Biografía

Jo Metson Scott creció en Nottingham. Cuando tenía 10 u 11 años, tuvo su primera incursión en la fotografía haciendo  fotos en el campo a su hermano de 4 o 5 años vestido con ropa de estilo victoriano, con la Olympus OM1 de su padre. Se graduó con matrícula de honor en el Instituto de Arte y Diseño de Birmingham en 2002, y trabajó varios años como asistente de Kayt Jones.

Siempre le han interesado diferentes estilos de fotografía, no solo el retrato, sino el documental, la moda y la naturaleza muerta. En su trabajo personal, cree que la combinación de la imagen con la palabra escrita es una relación que ha evolucionado, convirtiéndose las palabras en una parte importante de la fotografía, llegando a ser una parte integral de su trabajo en proyectos como The Gray Line, The Borderland y Greece - Refugee Support.

Ha expuesto en el Reino Unido y Europa, incluyendo en el Galería de Arte del Castillo de Nottingham, el Festival de Fotografía de Hereford, London College of Fashion, Festival de Fotografía de Arles y 54ª Bienal de Venecia. En el 2012, fue galardonada con el Firecracker Grant por su libro, The Gray Lines.

Jo comenzó este proyecto alrededor de 2008. Centrado en los soldados estadounidenses que tenían dudas morales sobre su participación en la guerra de Irak y con un innovador estilo de cuaderno de bocetos, que combinaba entrevistas escritas a mano y retratos de los ex soldados, lo publicó en libro en 2013.

And Then ... es un proyecto de colaboración con el artista Nicola Yeoman comenzado en 2006 y que está formado por  fotografías etéreas que muestran mundos místicos y hermosos creados en paisajes boscosos.

Otro  proyecto documental de larga duración es Gym Boy, donde retrata a gimnastas jóvenes y el cómo su mente y cuerpo son esculpidos por las presión de la formación del equipo élite de Gran Bretaña.

Ha realizado encargos y publicaciones para The New York Times, Le Monde, British Vogue, The Telegraph, Holiday Magazine y FT.

Está representada por Webber Represents y es directora creativa de Pleasure Garden Magazine.

Referencias

Libros

domingo, 14 de octubre de 2018

Nadia Lee Cohen

Nadia Lee Cohen es una cineasta, fotógrafa y artista del autorretrato inglesa (nacida el 15 de noviembre de 1990, vive en Los Angeles, EEUU) cuya obra se inspira en el cine británico y estadounidense de los años 50, 60 y 70, explorando mayormente la paradoja entre la fuerza y ​​la fragilidad de la mujer.

© Nadia Lee Cohen

© Nadia Lee Cohen

Biografía

Nadia Lee Cohen comenzó a estudiar fotografía en 2011 en el London College of Fashion. Su inspiración viene del cine, principalmente de las películas Los pájaros de Hitchcock, Blue Velvet de David Lynch, Gummo de Harmony Korine, Pink Flamingos de John Waters y The Shining de Stanley Kubrik.

En 2012, su retrato American Nightmare, inspirado en una escena con un disfraz de perro de The Shining inspiró consiguió el premio Taylor Wessing Portrait de la National Portrait Gallery. Continuó estudiando para obtener un master en fotografía de moda en el London College of Fashion. Mientras tanto, impulsada por su amor por la narrativa en el cine y la fotografía cinematográfica, reunía accesorios y muebles de los años 60 y 70 y comenzó a construir escenarios surrealistas como los de Lynch en una habitación libre en la casa de sus padres con un presupuesto estudiantil reducido.

En 2014, ganó un premio Better Lives Award del London College of Fashion, lo que le permitió viajar a través de la costa oeste de América y se encontró con un paisaje nuevo y alucinante, que le permitió avanzar en su estilo. Las fotografía que realizó se exhibieron en una exposición en la Victoria House Gallery en Londres, en las que acentúa la decadencia glamurosa de los años 50 y 60 en Estados Unidos. A menudo desnudos, sus seres humanos demasiado estereotipados se convierten en personajes sobrenaturales de su ficción visual.

En 2015 Lee se graduó en el London College of Fashion e hizo su segundo viaje a Estados Unidos para comenzar su serie personal 100 Naked Women como una respuesta directa al aumento de la censura online al cuerpo femenino. En esta serie selecciona cuidadosamente a las mujeres para que presenten, escenifiquen escenas y construyan narrativas que ella ha imaginado previamente. Las pocas imágenes que han trascendido de esta serie han despertado gran interés entre numerosas publicaciones, como Juxtapoz, Huffington Post y New York Magazine. Continúa desarrollando esta serie entre Los Ángeles y Londres.

En 2016, consiguió gran notoriedad a través de su presencia Instagram, en el que su propia imagen a veces reemplaza a los personajes en sus fotografías.

Referencias

sábado, 13 de octubre de 2018

Agata Cardoso

Agata Cardoso es una fotógrafa (con base en Londres) cuya obra artística se centra principalmente en la forma femenina, tratando las muchas complejidades del cuerpo femenino y la identidad.

Pietá © Agata Cardoso

Pietá © Agata Cardoso

Biografía

Agata Cardoso siempre ha sido una persona muy visual. Con 16 años se interesó por la fotografía y sus padres le compraron una Pentax de 1962, una cámara completamente manual. Después de terminar sus exámenes, hizo un curso de iniciación a la fotografía de 10 semanas en la Universidad de Lambeth, donde aprendió a disparar y a revelar carretes de blanco y negro de 35mm.

En su segundo año de licenciatura en Bellas Artes, se especializó en fotografía, aprendiendo a fotografiar en formato medio y en formato grande, y a revelar a mano en color, lo que le impactó. Pero se dio cuenta de que lo suyo era el blanco con una post producción muy elaborada que es tan importante para ella como la toma. Odia la perfección, le encantan los arañazos, el polvo, y ha desarrollado una técnica para alterar sus negativos con dibujos, agua caliente y agua helada.

Su temática principal se enfoca principalmente en el cuerpo y sus diferentes estados: el cuerpo dañado, lo inusual, lo inaceptable, lo extraño y lo atractivo. Junto con sus sueños y pesadillas, su trabajo es de una oscuridad angustiada. Evita caer en las trampas del post-feminismo liberal, rechaza el llamado feminista de extender la "humanidad" masculina a las mujeres y, en cambio, abraza la patología y la abyección, o en sus propias palabras "misticismo femenino y fuerza espiritual", a las que las mujeres y otros han sido condicionadas.

En los últimos 10 años ha sido ampliamente expuesta y publicada. Tuvo su primera exposición individual en la galería SOMA en Berlín en 2016. Es editora de arte para la revista feminista HYSTERA que organizó la exposición, y en 2017 publicó en la portada de Fricktion, una revista danesa. Cree que la escena artística europea tiene mucho más para ofrecer en este momento que en el Reino Unido, donde en general es más difícil mostrar su trabajo, obtener una entrevista o incluso ser publicada, por el contenido de su obra, teniendo muchos problemas con la desnudez y la censura.

Actualmente está investigando la histeria en el siglo XIX en París con el objetivo de construir una serie de impactantes imágenes que capturen la esencia de la histeria de conversión. Esto se convertirá en una mini serie que coincidirá con su serie principal Archetypes.


Referencias

viernes, 12 de octubre de 2018

Elizabeth Messina

Elizabeth Messina es una fotógrafa estadounidense que realiza principalmente fotografía de bodas y de historias de amor de la gente.

© Elizabeth Messina

© Elizabeth Messina

La vida es hermosa ... el amor es hermoso ... la belleza está frente a mí. El truco para capturarla de una manera emotiva y suave es este: primero, aprender a identificar y utilizar la hermosa luz natural, y segundo, ser genuino y estar tranquilo mientras se trabaja. El elemento más importante en cualquier fotografía es la luz. También es importante reconocer que cualquier imagen es una colaboración: cuanto más relajado esté el sujeto, más se verá reflejada su belleza natural en una imagen.

Biografía

Elizabeth Messina comenzó su amor por la fotografía hace mucho tiempo, cuando su madre le regaló su primera cámara con 12 años. Estudió en el San Francisco Art Institute donde aprendió mucho, pero gran parte de su estilo se ha desarrollado a lo largo de los años a través del ensayo y el error. Ha revelado miles de rollos de película y tiene una inclinación apasionada hacia la luz natural, con un estilo personal, glamouroso, delicado, cremoso y suave, conseguido por la sobreexposición y la escasa profundidad de campo del objetivo Carl Zeiss 80/2 en la Contax 645 que utiliza para la mayor parte de sus trabajos.

Hoy en día, es una artista y madre de tres hijos felizmente casada, que tiene la mayoría de los días una cámara en la mano y está creando imágenes de los deliciosos momentos de la vida de la gente. Además de bodas por todo el mundo, también realiza fotografía de niños y sesiones boudoir.

Sus fotografías adornan portadas y páginas de innumerables revistas, y continúan llevándola a los rincones más remotos del mundo.

Su primer libro, The luminous portrait, ofrece una visión íntima de su proceso creativo. El segundo, Adornements, captura la belleza de las flores hechas a mano de la diseñadora Myra Callan, etc. El más reciente, The silver lining, es una  guía de apoyo, inspiración y belleza visual para el cáncer de mama, en colaboración con su amiga Hollye Jacobs.

Referencias

Libros

jueves, 11 de octubre de 2018

Amy Toensing

Amy Toensing es una fotoperiodista estadounidense (nacida en New Hampshire, vive en Hudson Valley en Nueva York) que se dedica a contar historias con sensibilidad y profundidad, siendo principalmente conocida por sus ensayos íntimos sobre la vida de la gente común.

NABADWIP, WEST BENGAL, INDIA - APRIL 05, 2016: Bhakti Dashi, 75 years old from Bangladesh, says she has been living in Nabadwip Bhajanashram ashram since Bangladesh Independence around 25 years ago. Bhakti lives in the back area of the ashram, behind the temple with a few other widows. During they day other widows come to the ashram to pray and chant in exchange for food. — © Amy Toensing

NABADWIP, WEST BENGAL, INDIA - APRIL 05, 2016: Bhakti Dashi, 75 years old from Bangladesh, says she has been living in Nabadwip Bhajanashram ashram since Bangladesh Independence around 25 years ago. Bhakti lives in the back area of the ashram, behind the temple with a few other widows. During they day other widows come to the ashram to pray and chant in exchange for food. — © Amy Toensing

Biografía

Amy Toensing obtuvo una licenciatura en Ecología Humana en el College of the Atlantic de Maine. Comenzó su carrera profesional en 1994 como fotoperiodista en su periódico local, The Valley News, en New Hampshire. Luego trabajó para The New York Times en la oficina de Washington D.C. cubriendo la Casa Blanca y el Capitolio durante la administración Clinton. En 1998, dejó Washington D.C. para estudiar un master por la Escuela de Comunicación Visual de la Universidad de Ohio.

Toensing ha sido colaboradora habitual de la revista National Geographic durante más de una década y recientemente publicó su 15º historia documental. Ha cubierto culturas de todo el mundo, incluida la última tribu de moradores de cuevas de Papúa Nueva Guinea, los maoríes de Nueva Zelanda y el Reino de Tonga. También ha cubierto temas como la devastación causada por el huracán Katrina y las mujeres musulmanas que viven en la cultura occidental. Durante 3 años estuvo documentando a los aborígenes de Australia para una historia que se publicó en 2013 en National Geographic Magazine.  Uno de sus más recientes trabajos es una historia sobre la problemática de las viudas en el mundo para la revista National Geographic en asociación con The Pulitzer Center for Crisis Reporting.

Ha sido seleccionada para Women of Vision, una exhibición itinerante de National Geographic, que incluye diversas fotos de las 11 fotoperiodistas más reconocidas de esta revista.

Su trabajo de Amy en todo el mundo y reconocido con numerosos premios, incluyendo una exhibición en Visa Pour L’image de 2012 en Perpiñán. También ha publicado en Smithsonian, The Boston Globe, The Wall Street Journal, Newsweek, Time Magazine y National  Geographic Traveler. Una fotografía que hizo en el interior de Australia fue elegida como una de las 50 mejores fotos de la revista National Geographic.

También está comprometida en enseñar fotografía a niños y jóvenes de comunidades marginadas. Ha colaborado con la ONG VisionWorkshops trabajado con refugiados somalíes y sudaneses en Maine y refugiados birmanos en Baltimore, y recientemente viajó a Islamabad para enseñar fotoperiodismo a jóvenes paquistaníes. En octubre, Amy viajó a Sudán del Sur, reuniendo a adultos jóvenes de tribus de guerreros para aprender sobre fotoperiodismo y ayudarlos a capturar sus propias historias personales sobre la guerra.

Vive en el Hudson Valley de Nueva York con su esposo Matt Moyer, quien también es fotoperiodista, y con quien tiene M ROCK Productions, una productora de imágenes.

Referencias

miércoles, 10 de octubre de 2018

Fay Godwin

Fay Godwin fue una fotógrafa inglesa (nacida el 17 de febrero de 1931 en Berlín, Alemania, y fallecida el 27 de mayo de 2005 en Hastings, Inglaterra) reconocida por sus impresionantes fotografías en blanco y negro del paisaje de la campiña británica y de su costa. También produjo una extensa serie de retratos de figuras literarias.

Leaping lurcher, 1972 © Fay Godwin

Leaping lurcher, 1972 © Fay Godwin

Biografía

Fay Simmonds nació en Berlín, Alemania, de padre diplomático británico y madre artista estadounidense. Fue educada en escuelas por todo el mundo, hasta que en 1958 se estableció en Londres. Se casó con Tony Godwin, editor jefe en  Penguin Books, en 1961 y comenzó a interesarse en la fotografía en 1966 fotografiando a sus 2 hijos pequeños.  Aprendió ella sola a revelar y a positivar, y después de que ella y su esposo se separaran en 1969, decidió convertirse en fotógrafa profesional

Fay, como estaba muy introducida en el mundo editorial, produjo retratos de docenas de escritores famosos, fotografiando casi todas las figuras literarias importantes en los años 70 y 80 en Inglaterra, así como numerosos autores extranjeros visitantes. Normalmente fotografiaba en las casas de los escritores y retrató a Kingsley Amis, Philip Larkin, Saul Bellow, Angela Carter, Margaret Drabble, Günter Grass, Ted Hughes, Clive James, Philip Larkin, Doris Lessing, Edna O'Brien, Anthony Powell , Salman Rushdie, Jean Rhys y Tom Stoppard.

Su ex-marido murió repentinamente en 1976 y casi al mismo tiempo ella fue diagnosticada con cáncer. Godwin se recuperó, pero la dirección de su trabajo comenzó a cambiar concentrándose en el paisaje ya que las cosas naturales se volvieron mucho más importantes para ella.

Su primer libro, The Oldest Road: An Exploration of the Ridgeway  realizado con el escritor J.R.L. Anderson en 1975, presentó los paisajes de North Dowsex Downs y Chilterns, centrándose en las características antiguas del paisaje, como los Círculos de piedra neolíticos de Avebury y el prehistórico White Horse en Uffington. En 1978 recibió un importante premio del Arts Council, permitiéndole continuar su trabajo fotografiando los paisajes de las Islas Británicas y que se publicó mayormente en su serie y libro Land. Su trabajo editorial ha sido muy importante, realizando casi una veintena de libros, gran parte de ellos junto con diversos escritores y poetas.

En la década de 1990 le ofrecieron una beca en el Museo Nacional de Fotografía, Cine y Televisión (actualmente Museo Nacional de Medios) en Bradford, que impulsó su trabajo hacia el color y el documental urbano. También comenzó a tomar primeros planos de formas naturales. Entre otros galardones y reconocimientos, obtuvo una beca de la Erna and Victor Hasselblad Foundation para trabajar sobre la contribución de los pequeños granjeros en el carácter del paisaje de la región inglesa de Cumbria.

En 2001 se realizó una importante retrospectiva de su trabajo en la Galería Barbican, y al año siguiente fue galardonada con un Doctorado Honorario de Arte por la De Montfort University. Los últimos años, aquejada por enfermedades del corazón, bajó mucho su actividad fotográfica.

Tras su muerte, su archivo, todo el contenido de su estudio: negativos, hojas de contacto e impresiones de exhibición (alrededor de 11.000 copias en total), así como la correspondencia con algunos de sus modelos, como Ted Hughes, Philip Larkin y Doris Lessing, fue entregado a la British Library.

Referencias


    Libros

    • Rebecca the Lurcher, 1973.
    • The Oldest Road: An Exploration of the Ridgeway, 1975.
    • The Oil Rush, 1976.
    • The Drovers Roads of Wales, 1977.
    • Islands, 1978.
    • Remains of Elmet: A Pennine Sequence, 1979.
    • Romney Marsh and the Royal Military Canal, 1980.
    • Tess: The Story of a Guide Dog, 1981.
    • The Whisky Roads of Scotland, 1982.
    • Bison at Chalk Farm, 1982.
    • The Saxon Shore Way from Gravesend to Rye, 1983.
    • The National Trust Book of Wessex, 1985.
    • Land, 1985.
    • The Secret Forest of Dean, 1986.
    • Our forbidden land, 1990.
    • Elmet, 1994.
    • The Edge of the Land, 1995.
    • Glassworks & Secret Lives, 1999.
    • Landmarks, 2001.

    martes, 9 de octubre de 2018

    Ernestine Ruben

    Ernestine Ruben es una fotógrafa estadounidense (nacida el 19 de julio de 1931 en Detroit, Michigan, vive y trabaja en Princeton, Nueva Jersey y en Nueva York) que ha fotografiado el cuerpo humano con gran énfasis y aplica su amor a la vida a los paisajes y la arquitectura. Considera de gran importancia la referencia a la vida humana y su interacción con nuestros entornos.
    ErnestineRuben
    © Ernestine Ruben

    ¿Cómo puede nuestra imaginación tomar cualidades de la 'vida real'? ¿Se mueve la luz, puede el ojo ir más allá de lo que uno ve? ¿Sentimos el flujo de la vida? En su totalidad, mis obras ofrecen una reflexión continua sobre la supervivencia humana. pretenden hacernos conscientes del carácter sensual del cuerpo, el espíritu, la naturaleza, el espacio y el material, de la interpenetración de las dimensiones innumerables de nuestro entorno y de la intersección de esas dimensiones en la vida humana.

    Biografía

    Ernestine Ruben creció rodeada de arte y artistas. Estudió Historia del Arte en la University of Michigan en Ann Arbor, Michigan y recibió un master en Educación de Arte por la Wayne State University en Detroit, Michigan. La mayor parte de su vida se ha centrado en el arte: crecer con él, estudiar la historia del arte y enseñar artes visuales en todos los niveles.
    Familiarizada con el cuerpo humano a través de su trabajo anterior en escultura, comenzó su trabajo en el medio fotográfico con el mismo tema, trascendiendo tanto la cámara como el proceso para enfocarse y celebrar el espíritu y la energía humanos. Después, amplió sus horizontes para fusionar la fotografía con espectáculos de danza, escultura, vidrio, arquitectura y moda. Su objetivo es hacer que la fotografía sea más tridimensional, más presente y más viva.
    También ha trabajado en procesos antiguos, incluidos pigmentos, encáusticas sobre pigmentos y goma bicromatada, a menudo combinándolos con la nueva tecnología digital. En la actualidad continúa buscando nuevas direcciones y estudia las relaciones entre la construcción arquitectónica, el espacio, el sonido y la imagen visual.
    Su obra forma parte de numerosas colecciones privadas y públicas, incluidos los museos de las universidades de Princeton, Stanford, Michigan y la University of the Arts, los museos de arte de Filadelfia, Houston y Detroit, así como en el Museum of Modern Art (MoMA) en Nueva York, la Maison Europeene de la Photographie y la Biblioteca Nacional de París.
    Ha realizado numerosas exposiciones individuales y colectivas, y, recientemente, retrospectivas en muchos museos y galerías. Obtuvo la beca New Jersey State Arts Council Fellowship. Su trabajo ha aparecido recientemente en Photofest en Houston y Les Rencontres Internationales en Arles, y ha tomado forma en ocho monografías y se puede encontrar en muchas otras publicaciones. Su libro In Human Touch ganó el premio al mejor libro de fotografía de 2002 por la Asociación Internacional de Editores.

    Referencias

    Libros

    • In Human Touch, 2001.
    • Ruben on Rodin, 2000.
    • A Book of Photographs, 1996.
    • Ernestine Ruben. A Retrospective Exhibition of Photography, 1993.
    • Ernestine Ruben: Forms and Feelings, 1990.
    • Ernestine Ruben, Photographs, 1989.
    • Entre Deux, 1987.

    lunes, 8 de octubre de 2018

    Renan Cepeda

    Renan Cepeda es un fotógrafo brasileño (nacido en 1966 en Rio de Janeiro, donde vive y trabaja) reconocido por su investigación en técnicas fotográficas inusuales como la fotografía infrarroja y la pintura con luz.

    RenanCepeda

    © Renan Cepeda

    Biografía

    Renan Cepeda nació en Río de Janeiro de una familia portuguesa, y comenzó  a hacer fotografías en blanco y negro a la edad de 11 años. Se graduó en Mecánica Industrial por el CEFET-RJ y estudió Comunicación en la Faculdade da Cidade. Su experiencia se enriqueció con el fotoperiodismo en el periódico Jornal do Brasil entre 1988 y 1993, trabajando en todos los departamentos desde moda, a noticias, pasando por retratos y deporte. Cepeda ha colaborado en los periódicos y revistas más importantes de Brasil, como Veja, Epoca, Isto E, Elle, Exame y Folha de Sao Paulo y ocupó el puesto de corresponsal de la agencia francesa SIPA-Presse de 1993 a 1995. 

    Renan ha estado investigando con película infrarroja desde 1991, haciendo ensayos de fotografía de paisajes especialmente utilizando esta técnica. Más recientemente, ha trabajado con películas de tungsteno para hacer imágenes durante la noche. Usando una linterna, largas exposiciones y filtros de color, ha creado imágenes sorprendentes y surrealistas de personas y casas abandonadas.

    En 1996, inició la exposición colectiva Arte de Portas Abertas y la asociación Chave Mestra  - Asociación de Artistas Visuales de Santa Teresa, ambas en el barrio Carioca de Santa Teresa de Río de Janeiro donde mantiene su atelier.

    Habiéndose dedicado a la fotografía artística, Renan ha sido reconocido por su investigación en técnicas fotográficas inusuales como la fotografía infrarroja y la pintura con luz. Ejemplo de su trabajo con infrarrojos es su serie Pichacoes que recibió el Premio Internacional Agfa Photo de 2004, una beca de la Fundación Nacional Histórica y Artística de Pernambuco en 2004 y el Premio de Adquisición del Salao de Santo Andre en Sao Paulo en 2005. También fue exhibida en París en 2005, y en el Museo de Arte Contemporáneo de Olinda, en Pernambuco, Brasil.

    Cepeda apareció recientemente en Magic Realism, una exposición en Tepper Takayama Fine Arts. Su obra forman parte de colecciones públicas y privadas como Joaquim Paiva, Fundación Luz y Alfonso Castillo, BANESPA, BNDES, Antoni Galvao Passos Araujo, Robin Rich, Martha y Atsuyoshi Takayama y ​​el Salao de Santo Andre.

    Referencias

    Libros

    domingo, 7 de octubre de 2018

    Sonja Braas

    Sonja Braas es una fotógrafa alemana (nacida en 1968 en Siegen, vive y trabaja en Alemania y Nueva York) cuyo trabajo es fascinante y secreto al mismo tiempo, tratando temas que van desde perspectivas majestuosas y/o dramáticas sobre la naturaleza o estructuras irritantes por su detalle y repetición, que parecen extrañas y artificiales. Esta impresión es parte de su concepto, ya que las fotografías están tomadas de modelos, previamente construidos con extraordinaria precisión en su estudio. Desde el comienzo de su carrera, aborda la idea de una cierta imagen de la naturaleza influenciada por los medios y el complejo mundo que rodea al individuo.

    © Sonja Braas

    © Sonja Braas

    Biografía

    Sonja Braas estudió Visuelle Kommunikation y Foto-Filmdesign en la Fachhochschule Dortmund en 1991 y en 1992/1993 en la Parsons School of Design en Nueva York. En 1995/1996, recibió una beca Fulbright para fotografía en la School of Visual Arts de Nueva York.

    A los 19 años empezó a viajar, primero a Costa Rica y Guatemala, donde la verdadera jungla se veía diferente de lo que había imaginado que era la naturaleza virgen. Después viajó a Honduras, Nicaragua y El Salvador y luego a Australia, llegando a la conclusión de que no hay ninguna naturaleza independiente de la percepción subjetiva. Este es el concepto fundamental de su fotografía y se ve reflejado en sus series en diferentes variantes:

    • En su serie You Are Here intercala paisajes auténticos con escenarios naturales construidos de jardines zoológicos y museos de historia natural, destacando la utopía romántica de la naturaleza
    • En Forces continúa su investigación de imágenes condicionadas de la naturaleza, con paisajes reales y construidos, pero reflejan el poder amenazante, violento y destructivo de la naturaleza.
    • En The Quiet of Dissolution nos muestra varias catástrofes naturales, muy de cerca, pero son escenas construidas por ella misma en su estudio.
    • En An Abundance of Caution añade nuevos temas, pero sigue simulando fenómenos naturales, objetos o estructuras artificiales.

    Ha sido galardonada con premios como el Rheinhard Wolf Prize, FOCUS Prize y el Kodak Prize for Young Artists. Su obra forma parte de colecciones internacionales como Albright Knox Gallery, Buffalo, Philadelphia Museum of Art, Fotomuseum Winterthur, Städtische Galerie Wolfsburg, Museum Küppersmühle, Duisburg, Sammlung Deutsche Bank, Munich RE y EON AG.

    Referencias

    Libros

    sábado, 6 de octubre de 2018

    Ernesto Bazán

    Ernesto Bazán es un fotógrafo italiano (nacido en 1959 en Palermo, Sicilia, vive en Nueva York, EEUU) cuyo trabajo documenta la vida en Latinoamérica con especial énfasis en Cuba, donde vivió 14 años. La fotografía es para él mucho más que una profesión: una verdadera pasión, una misión en su vida.

    © Ernesto Bazán

    © Ernesto Bazán

    Siempre tengo que conjugar forma y contenido. Es la clave para que una foto llegue al alma.

    Biografía

    Ernesto Bazán tuvo su primera cámara a los 14 años, y empezó a fotografiar la vida cotidiana de su ciudad natal y las zonas rurales de Sicilia. Estudio en la School of Visual Arts de Nueva York hasta 1982. Ese mismo año ganó el premio de Jóvenes Fotógrafos de Arlés e ingresó temporalmente en la agencia Magnum como uno de sus miembros más jóvenes. Su trabajo le llevó a México y desde allí hizo un viaje de turismo a Cuba en 1992. Este país y sus gentes le enamoraron, recordándole la vida en Sicilia, y volvió para quedarse, y allí estuvo 14 años.

    Cuba le cambió su vida en lo personal (allí se casó y tuvo mellizos) y profesionalmente. Su llegada fue en un momento clave, en la crisis de 1992 tras el colapso soviético, en el llamado Período Especial. El gobierno cubano le habilitó para que pudiera fotografiar las prácticas del ejército cubano, los ingenios azucareros y el sistema de salud y de educación. Sin censura pudo realizar una gran exposición en La Habana.

    Gracias a estos trabajos ha tenido el privilegio de ganar algunos de los premios fotográficos más prestigiosos a nivel internacional como el W. Eugene Smith, el Mother Jones Foundation for Photojournalism, el Dorotea Lange–Paul Taylor Prize, 2 World Press Photos, además de 2 becas Alicia Patterson Foundation y 1 John Simon Guggenheim Memorial Foundation.

    Después de colaborar con medios como Newsweek, Time o The New York Times, en 2002 empezó a impartir talleres fotográficos. En el 2008, su nueva editorial BazanPhotos Publishing publico su nuevo libro BazanCuba que cuenta sus 14 años de su vida y fotografía en la isla. El libro fue galardonado como el Mejor Libro del Año en el New York Photo Festival en 2009.   

    Bazán  ha expuesto en Europa, Estados Unidos y Latinoamérica. Su trabajo forma parte de numerosas colecciones privadas y de museos, como el Museum of Modern Art (MoMA) e International Center of Photography en Nueva York,  San Francisco Museum of Modern Art (SFMoMA), Santa Barbara Museum of Art, Museum of Fine Arts Houston, Center for Documentary Studies de la Duke University en Durham, Southeast Museum of Photography en Daytona, Fondazione Italiana per la Fotografia en Turín, Bibliotèque Nationale en París y el Musée Réattu en Arles.

    Ernesto sigue con sus propios talleres fotográficos con especial énfasis en América Latina. Editar el trabajo de los fotógrafos y guiarlos a lo largo de su proceso creativo han sido algunos de los aspectos más destacados de su trabajo como maestro.


     

    Referencias

      Libros

      viernes, 5 de octubre de 2018

      Ryosuke Takamura

      Ryosuke Takamura es un fotógrafo japonés (nacido en Fukui, donde vive) que realiza fotografía de calle intentando trasmitir su amor por este lugar, una de las prefecturas más desconocidas y al mismo tiempo más habitables de Japón.

      © Ryosuke Takamura

      © Ryosuke Takamura

      Biografía

      Ryosuke Takamura es un fotógrafo callejero que vive en Fukui, que se encuentra en la costa este alrededor del centro de la isla principal de Japón. Es un lugar pequeño y tranquilo, rodeado de mucha naturaleza, montañas, ríos y mar, por lo que es una de las prefecturas más habitables de Japón, aunque, actualmente, Fukui se enfrenta a varios problemas, entre ellos la despoblación y la poca juventud de la población.

      Ryosuke hace y muestra fotos de su lugar natal para transmitir a todo Japón, incluso a todo el mundo, la atracción que siente por Fukui a través de sus fotos y que la gente venga a visitarla. Sus imágenes son engañosamente simples, pero cada una tiene un algo que las hace salir del ámbito de lo ordinario. Dibujando temáticamente cosas que están ocultas y vistas, la fotografía de Ryosuke es un intento de contar su propia historia, representando a las personas del lugar y mostrando cómo es la vida en esta tranquila y soñolienta parte de Japón.

      Ha sido finalista en el Miami Street Photography Festival de 2015 y en el StreetFoto San Francisco en 2016.

      Referencias

      Libros

      • 100 Great Street Photographs (David Gibson), 2017.

      jueves, 4 de octubre de 2018

      Antoni Campañà i Bandranas

      Antoni Campañà i Bandranas fue un fotógrafo catalán (nacido el 15 de marzo de 1906 en Arbucias, Girona, fallecido el 28 de junio de 1989 en San Cugat del Vallés, Barcelona) que, influenciado por el pictorialismo europeo que practicaban otros contemporáneos, se adscribió al tardopictorialismo catalán, empleando la técnica del bromóleo para disimular u ocultar la apariencia fotográfica de sus obras. Tuvo gran éxito en la concursística de la época y también trabajó para periódicos locales sobre todo en el tema del deporte de la nieve.

      Tracción de sangre, 1923 © Antoni Campañá i Bandranas

      Tracción de sangre, 1923 © Antoni Campañà i Bandranas

      Biografía

      Antoni Campañà i Bandranas pasó su infancia en el barrio barcelonés de Sarriá. En 1914, el fotógrafo Rafael Garriga, a petición de su padre, le dio con 8 años un empleo de verano como ayudante en su negocio de fotografía de playa. Realizó sus primeras fotografías en la comarca de Osona, ya que su padre y su abuelo eran contratistas de obras y les acompañaba en ocasiones en sus desplazamientos de trabajo.

      A los dieciséis años, Campañà comenzó a trabajar como aprendiz en Cosmos Fotográfico, una tienda de fotografía, donde entró en contacto con muchos de los aficionados y profesionales más importantes de Barcelona. A raíz de su afiliación a la Agrupació Fotogràfica de Catalunya, entró en contacto con Joaquim Pla Janini y Ramón Batlles, de los que aprendió diversas técnicas pictorialistas. Iniciado en el procedimiento al bromóleo por Claudi Carbonell, consiguió un dominio definitivo del procedimiento tras sus estudios con el fotógrafo Willy Zielke, de Múnich, aprovechando en 1933 su viaje de novios para asistir a sus clases.

      Así pues, realizó la mayor parte de su obra pictorialista utilizando procedimientos al bromóleo y bromóleo transportado, aunque ocasionalmente trabajó con papeles Fresson y al bromuro. Fue un intervencionista declarado y practicó en gran medida la elaboración artística mediante una profusa manipulación de la imagen final.

      The American Annual of Photography de 1939 recogió su participación en 104 salones, donde expuso 281 fotografías. Sus fotografías artísticas fueron muy valoradas en los salones fotográficos, especialmente fuera de España, por sus ángulos audaces, sus perspectivas dinámicas y su presentación innovadora de los motivos, a pesar usar procedimientos conservadores propios del pictorialismo. Se convirtió en un teórico vanguardista de la fotografía.

      También fue fotoperiodista para los diarios El Día Gráfico y La Vanguardia, que trabajaban con huecograbado, siendo suya la fotografía de la primera portada realizada con la técnica de huecograbado en color.​  Durante la Guerra Civil continuó su colaboración con la prensa local barcelonesa y concretamente con La Vanguardia. Al final de la guerra no sufrió  represalias y pudo seguir su fecundo camino profesional, aunque decidió no publicar sus fotografías de la guerra.

      En 1952 se asoció con el fotógrafo J. Puig-Ferrán montando ambos Postales Color CYP, una empresa para la producción de la primera colección de postales a color en toda España, de la cual derivaría la edición de más de 14 libros turísticos.

      Gran aficionado al deporte de la nieve, su actividad como fotógrafo deportivo ha sido muy conocida: en 1950 fue cofundador del diario deportivo Dicen, y también publicó habitualmente en el diario Vida deportiva hasta que desaparecieron en los años 70.

      También publicó numerosos libros mostrando ciudades y paisajes. La casi totalidad de su obra pertenece a la colección privada de la familia Campañá.

      Referencias

      Libros

      • Orientaciones fotográficas, 1946.
      • Tarragona, 1974.
      • Sitges, 1978.
      • Pirineo, 1979.
      • Barcelona, 1980.
      • Antoni Campaña i Bandranas, 1989.
      • The best of Barcelona, 1997  y  1994.
      • The best of Andorra, 1998.
      • Historia de la fotografía en España, 1999.
      • The best of Tenerife, 2003.
      • Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI, 2013.

      miércoles, 3 de octubre de 2018

      Isabel M. Martinez

      Isabel M. Martinez es una fotógrafa chilena con nacionalidad española (nacida en 1977 en Santiago de Chile, vive en Toronto, Ontario, Canadá) cuyo trabajo se relaciona con lo incierto en medio de lo supuesto y analiza el límite entre la abstracción y la representación. El proceso y la experimentación con las cualidades y los materiales de la fotografía analógica están a la vanguardia de gran parte de su trabajo, a través de ejercicios híbridos y abstracciones, y a la creación de imágenes en lugar de la toma de fotografías.

      © Isabel M. Martinez

      © Isabel M. Martinez

      Si el tiempo es una sucesión de instantes, quiero ver lo que hay entre ellos a través de la fotografía.

      En ocasiones un mismo momento tiene una sucesión de experiencias que buscan ser capturadas para conformar lo que llamamos vida. Pequeños suspiros que por separado se quedan como simples testigos de lo que fue, pero que si se integran en una misma imagen, hacen del momento una vivencia completa.

      Biografía

      Isabel M. Martinez estudió Arte en la Universidad Católica de Chile y posteriormente realizó un master por la Universidad de Guelph en Canadá.

      Su trabajo trata de los aspectos de la experiencia donde lo real, lo conocido y lo imaginado se mezclan. La percepción es un tema recurrente dentro de su práctica, combinándose con un interés continuo en las ideas relativas a las nociones de tiempo, espacio, simultaneidad y duración. Sus interpretaciones visuales están informadas en parte por la ciencia, la filosofía y la ficción.

      Ha expuesto internacionalmente en solitario y en grupo en galerías, centros de arte, festivales y bienales, como en Paraty em Foco Festival de Fotografía, CARTNY en el Armory Show, De Visu Galerie, Griffin Gallery, Matt Roberts Arts Gallery, The Annual Contemporary Art Fair, Theoretische Kunstprojekte  en La Haya, Museo Nacional de la Fotografía en Bogotá, FotoNoviembre XIII Bienal Internacional en Tenerife, VI Bienal Internacional Fotográfica en Bogotá, SCAN Tarragona, Philadelphia Photo Art Centre en Philadelphia, CONTACT Photography Festival, Magenta Flash Forward y Gallery 44 en Toronto, PhotoWeek DC en Washington, Día Nacional de la Cultura Chilena en Santiago.

      Su obra se ha publicado de forma impresa y en línea en revistas como FOAM, The Creators Project, The Huffington Post, Slate Magazine, Prefix Photo Magazine, VVork, iGNANT, Beautiful Decay, Fast Company, Flavor Wire, Designboom, Creatie Magazine, ROUGH Italia, Magenta Flash Forward, Artflakes, This Is not Happiness, File Magazine, PMS 485 C, Booooooom, Juxtapoz y BlackFlash Magazine, entre otras.

      Referencias

      martes, 2 de octubre de 2018

      Toni François

      Toni François es una fotógrafa mexicana (vive en Ciudad de México) que realiza principalmente fotografías de conciertos de música.

      © Toni François

      © Toni François

      Biografía

      Toni François tuvo su primera cámara instantánea, una Polaroid 500, con 12 años. Como cualquier niña con cámara hacía fotos de perros, amigos de la escuela, etc. A finales de los 90 su madre le compró una de las primeras cámaras digitales que hubo, la Mavica con diskettes y 1.2 megapíxeles.

      En esa época comenzó a ir al Foro Alicia a conciertos de punk y de música surf y a veces llevaba la cámara. Con los años fue comprando cámaras mejores aunque no se le pasaba por la imaginación querer ser fotógrafa de conciertos ni de nada parecido.

      Tras estudiar Ingeniería en Computación, comenzó a hacer páginas de internet, sobre todo para bandas musicales y necesitaba fotos para las páginas y comenzó a hacerlas ella misma en los conciertos.

      Después apareció MySpace y empezó a subir sus fotos, creo su propio sitio web e intentó aprovechar el tráfico de las redes sociales, como Flickr, y ya en 2006 comenzó su blog TONO.TV (que ya tiene más de 10 años) porque se dio cuenta que quería tomar fotos más en serio, no solo como hobby.

      Con el paso de los años fue mejorando y trabajando para empresas discográficas, artistas y otros medios. Su cámara ha captado actuaciones de artistas nacionales e internacionales; desde Zoé, Kinky, Fobia y Moderatto, hasta Iggy Pop y los Rolling Stones. Ha publicado su trabajo en Prodigy MSN, Vice, Nylon y Sonika, entre otros medios.

      Muy activa, va al gimnasio y practica boxeo, y por su alma libre es freelance y autodidacta, trabaja sola y no le gusta estar atada, ni ser censurada en su trabajó. No sólo realiza fotografía de conciertos y retratos relacionados con el mundo de la música, sino que también hace fotografía documental, y ha estado en Haití después del terremoto, y en Tepito, haciendo una biografía visual del culto a la Santa Muerte.

      Referencias