sábado, 21 de abril de 2018

Josep Masana

Josep Masana fue un fotógrafo catalán (nacido el 16 de mayo de 1892 en Granollers, Barcelona, fallecido el 4 de enero de 1979 en Barcelona) especializado en retratos y desnudo. Su gran afición y contactos con la por entonces, renovadora estética del cine le permitió una posición vanguardista en su fotografía.

Josep Masana

© Josep Masana

Biografía

Josep Masana se inició como fotógrafo profesional siendo aún muy joven; su primer estudio fotográfico lo inauguró en 1914 en Granollers, para trasladarse a Barcelona en 1918. Al mismo tiempo, gran aficionado al cine, abrió la Oficina de información cinematográfica que el mismo gestionaba y para la que hizo diversos retratos de actores y en 1935 fundó el cine Savoy.

A lo largo de su vida realizó trabajos en diversos campos de la fotografía como:

  • el retrato, donde consiguió gran celebridad como retratista de la burguesía barcelonesa de los años 20,
  • el fotoperiodismo, trabajando como corresponsal de la revista Actualidad y con otras colaboraciones, como las realizadas para la revista D'Ací i d'Allà,
  • los desnudos.
  • la realización de escenificaciones fotográficas y de composiciones alegóricas al estilo de los trabajos de Oscar Gustav Rejlander y Henry Peach Robinson,​ en lo que algunos autores definen como pictorialismo victoriano de raíz bíblica y mitológica,
  • la fotografía publicitaria en la que comenzó a trabajar en 1930, alejados por el contrario del pictorialismo imperante en la época, con una publicidad moderna y personal,  llena de vanguardismo y glamur, con dominio del fotomontaje, la tipografía y la composición.

Publicó en las revistas Art de la Llum y Arte Fotográfico, entre otras. Recibió una medalla de oro en la Exposición Internacional de Barcelona de 1929. Se le han dedicado dos exposiciones antológicas, la primera en 1984 durante la Primavera Fotográfica de Cataluña donde se mostraron retratos y desnudos de su primera época pictorialista, y la segunda en 1994, en el Centre d’Art Santa Mònica de Barcelona. Parte de sus fondos fotográficos se encuentran en el Museu Nacional d’Art de Catalunya.

Referencias

Libros

viernes, 20 de abril de 2018

Yura Kurnosov

Yura Kurnosov es un fotógrafo kazajo (nacido en Kazajstán, vive en Moscú) cuya fotografía principal son retratos y desnudos realizados con película en formato 6x6”.

© Yura Kurnosov

© Yura Kurnosov

Biografía

Yura Kurnosov tuvo su primera cámara, una FED-3, como regalo de cumpleaños con 12 años. Primero fue un pasatiempo de niño, la curiosidad. Después se convirtió en un lugar común: la noche, los baños, la ampliadora, magia … Años más tarde, volvió  a la fotografía deliberadamente, trabajando como profesional independiente (retratos, naturaleza muerta, reportajes, …).

Su retrato es solo su interpretación de personas reales, su visión de ellos. Todos ellos no son modelos sino gente común.
Cada imagen, cada persona, siempre es algo nuevo, una nueva inmersión, una nueva relación. Admirador del trabajo de Richard Avedon e Irving Penn, se inspira también en los clásicos de la pintura.

Para Yura el principal tema es la naturalidad y la verdad; juega con la psicología de la percepción y con cómo tratar a la persona retratada. Su clave es estar en contacto con las personas. Para ello, habla con ellas e intenta reflejar lo que esconden en su mirada.

También imparte periódicamente su curso La visión del autor en el retrato, donde pone el énfasis en la estética y en la psicología de la percepción y no en  enseñar técnica. Lo principal es que la gente se aleje de los estereotipos y amplíe su mirada.

Referencias

jueves, 19 de abril de 2018

Adam Amengual

Adam Amengual es un fotógrafo estadounidense (nacido en 1981 en Queens, Nueva York, vive en Brooklyn) que compagina su trabajo profesional con proyectos personales, normalmente retratos.

© Adam Amengual

© Adam Amengual

Biografía

Adam Amengual nació en Queens, Nueva York y se crio en la costa norte de Massachusetts. Su padre Angelo le dio su primera cámara a los 13 años y comenzó a documentar a sus amigos y su entorno. Después de estudiar los conceptos básicos de la fotografía en la escuela secundaria, continuó su educación fotográfica en el Massachusetts College of Art y la Parsons School of Design.

Después de graduarse en 2003, se mudó a Brooklyn y comenzó a trabajar como asistente de fotógrafos de publicidad, moda, celebridades y música, como Art Streiber y Ruven Afanador, entre otros.

Mientras investigaba pandillas, sectas y facciones religiosas hardcore, se encontró con Homeboy Industries, una organización sin fines de lucro que ayuda a ex pandilleros a convertirse en miembros positivos y contribuyentes de la sociedad y documentó a estos antiguos miembros de pandillas en una serie llamada Homies, a través de imágenes como policiales pero estilizadas y estéticamente compuestas, esperando que el espectador se conecte con el retratado a un nivel más humano y siempre con respeto.

Su proyecto Homies ha aparecido en las revistas Exit, Blink y en blogs como Time's Lightbox, Prison Photography, This Is the What, Concientious y We Can Shoot Too y está en la colección permanente del Museum of Fine Arts de Houston.

De su lista de clientes podemos citar a Bloomberg Businessweek, Time Magazine, Esquire Magazine,  Inc. Magazine, Time Out New York, Men's Health, New York Magazine, Juxtapoz Magazine, Sony BMG, NDLON, Nobu y Wieden+Kennedy NYC. Su trabajo ha sido expuesto en galerías como THIS Los Ángeles y la Universidad de Massachusetts en Boston. Ha obtenido diversos premios, entre ellos el Sony Emerging Photographer Award en 2012.

Referencias

miércoles, 18 de abril de 2018

Rosie Hardy

Rosie Hardy es una fotógrafa inglesa (reside en Derbyshire, Reino Unido) cuya fotografía es etérea, surrealista y llena de fantasía. Artista del retoque digital y del uso de las redes sociales, compagina sus trabajos profesionales de fotografía editorial, publicidad y bodas con trabajos personales basados principalmente en autorretratos.

© Rosie Hardy

© Rosie Hardy

Biografía

Rosie Hardy comenzó con la fotografía con 16 años y no ha parado desde entonces. Su carrera despegó cuando sus autorretratos de Project 365 en Flickr atrajeron tanta atención que la popular banda Maroon 5 se puso en contacto con ella para la portada de su álbum Hands all over.

La fantasía y los sueños son fuentes de inspiración para esta artista y, debido a su conexión con la imaginación, de esta manera lo que no existe se puede hacer realidad.  Rosie utiliza en sus fotografías, vivo ejemplo del surrealismo, tenues colores pasteles, invitando al observador a bosques fantásticos, con animales encantados, en escenas que parecen pertenecer a un viaje onírico.

Ha trabajado para Samsung (Reino Unido), Universal Music Group, Penguin Book Publishers (Estados Unidos) y otros más. También la banda The 1975 figura en su lista de clientes. Rosie no solo es una sensación de Instagram, con más de 150.000 seguidores, sino que también ha creado una increíble cartera de trabajo para diferentes publicaciones y sitios web, incluidos Elle, DailyMail, The Telegraph y The Sun. Organiza talleres, escribe tutoriales y ha creado su propio DVD de edición de fotos. Es Embajadora de Canon.

Referencias

Libros

martes, 17 de abril de 2018

Emilio Barillaro

Emilio Barillaro es un fotógrafo italiano (nacido en 1980 en Gioiosa Jonica, vive y trabaja en Roma) que utiliza la fotografía callejera para descubrir la vida y encontrar su lugar en este mundo. La cámara lo ayuda a demorarse, a frenar su ocupada vida, y le muestra todas esas pequeñas cosas que sus ojos no pueden ver.

© Emilio Barillaro

© Emilio Barillaro

Más que un fotógrafo, me considero un guionista. Mi escenario es la calle y mis actores involuntarios son las personas que están en ella.

Biografía

Emilio Barillaro estuvo rodeado de pintura e historia desde el comienzo de su infancia. Su padre es pintor, fotógrafo y escritor, y su abuelo fue arqueólogo. Siempre le ha fascinado la forma en que el arte puede ayudar a expresarnos y siempre tuvo la sensación de que había algo dentro de él que necesitaba ser lanzado. Así que lo intentó con la pintura y la poesía, pero no funcionó. Encontró su primera cámara debajo del árbol de Navidad y recuerda que pasó esas vacaciones leyendo todo el material disponible sobre fotografía en internet.

Así que se convirtió  poco a poco en un fotógrafo callejero, un receptor de momentos cándidos. Es un fotógrafo autodidacta, aunque ha asistido a varios talleres, como los de Alex Coghe  y Joel Meyerowitz. Toda su vida estudiando, experimentando y aprendiendo todo sobre este mundo. Últimamente estaba disminuyendo la velocidad de su estudio y estaba casi exclusivamente dedicado a sus proyectos, cuando su amigo Francesco Costantini le abrió un nuevo mundo delante de sus ojos: la fotografía analógica.

Ha alternado el color y el blanco y negro constantemente, pero lenta y naturalmente, va utilizando más el blanco y negro; hoy el color en mi mente casi ni existe. Es cofundador de SPontanea, un colectivo italiano de fotografía callejera, y su trabajo ha sido publicado en diferentes sitios web, revistas y libros nacionales e internacionales.

Ha sido galardonado con el 2° premio en los Moscow International Photo Awards de 2015 en la categoría Libro/Naturaleza y con el 3 ° premio en la categoría Editorial/Ambiental, con el 2 ° premio en el concurso de National Geographic – Italy en 2016 en la categoría Personas, con una honorable mención en los International Photography Awards (IPA) de 2013, en los ND Awards en 2014, en One shot: One World en 2014, en los Monochrome Photography Awards de 2014, en el PX3 de 2015 y en los Moscow International Photo Awards de 2016. También fue uno de los 100 finalistas en el Leica Photographers Award en 2013, uno de los 100 finalistas en el Photolux Leica Award de 2014 y uno de los 15 finalistas en el ImagOrbetello Award de 2016 en la categoría Street.

Referencias

lunes, 16 de abril de 2018

Oleg Oprisco

Oleg Oprisco es un fotógrafo ucraniano (nacido en Lviv, vive en Kiev) que crea impresionantes imágenes surrealistas, mayormente con elegantes mujeres, con las que construye paisajes oníricos a través de excelentes composiciones llenas de color y belleza.

© Oleg Oprisco

© Oleg Oprisco

Soy un fotógrafo artístico y cada una de mis fotos es una escena de la vida real. Esa es la perfecta fuente de inspiración para mí, ya que hay suficiente belleza en nuestra vida cotidiana. Tal vez, lo que me inspira es lo que veo en el camino al trabajo. Observar el mundo que me rodea, inspira mi siguiente fotografía. Por supuesto, son mis propios cambios los que añado a la realidad, tales como personajes, decorados, la ubicación y la luz ... De cualquier forma, estoy constantemente involucrado en la búsqueda de inspiración e ideas.

Biografía

Oleg Oprisco comenzó su aventura fotográfica a los 16 años trabajando en un laboratorio fotográfico donde, en sus tres años de trabajo, llegaría a dominar todas las etapas de impresión de película y fotografía digital, y todas las peculiaridades de trabajar en color.

Como fotógrafo ha experimentado con muchos géneros, pero es la fotografía de retrato lo que más le gusta. Con 18 años se mudó a Kiev donde a través de algunos amigos se introdujo en la fotografía comercial, convirtiéndose en asistente de un reconocido fotógrafo publicitario con el que estaría cuatro años, ganando dinero, pero perdiendo su creatividad.

Con 23 años decidió comenzar su propio camino y éste le llevó al formato medio y a la película con cámaras baratas Kiev 6C y 88, cámaras totalmente manuales y con diferentes filtros procedentes de la antigua industria soviética. Hoy se ha convertido en un artista que consigue una perfecta armonía en sus composiciones, con exquisitas temáticas, y una iluminación y un sentido del espacio excelentes que hacen que sus imágenes se impregnen de emotividad y una nostalgia llena de secretos.

Realiza todo el trabajo él solo. Tiene un cuaderno donde apunta y guarda muchas ideas y esquemas, incluso los de color, para sus fotografías. Si todo resulta como lo ha imaginado, la preparación le lleva de dos a tres días. Es una cuestión de clima, personas o estado de ánimo. A veces el trabajo que no produce el resultado que quería. Por lo tanto, mientras más experiencia y reflexión dependa para el rodaje, mejor.

Tras la elaborada planificación en cuanto a vestuario, localizaciones y diversos detalles que cuida con esmero y mucha paciencia, cada sesión implica en la mayor parte de los casos un carrete de 12 disparos, así que tiene que ser muy riguroso y meticuloso con las tomas pues tiene que esperar hasta que terminar de revelar la película para descubrir lo que la foto ha conseguido, y solo una vez que haya hecho el post-tratamiento (ligeros retoques en la eliminación de ruido y arañazos de la película y gestión del color) podrá ver el resultado final.

A veces no consigue el resultado deseado y a veces las pruebas previas se alargan, como en el caso del paraguas ardiendo, donde utilizó más de 50. Para él, el duro trabajo y la constancia es lo que hace que el talento salga a flote en toda su plenitud.

Referencias

domingo, 15 de abril de 2018

Satoki Nagata

Satoki Nagata es un fotógrafo japonés (vive en Chicago, Illinois) que realiza fotografía documental y de calle, y que es principalmente conocido por capturar los momentos mágicos de las noches del largo, frío y húmedo invierno de Chicago.

Michigan Avenue, Chicago 2015 © Satoki Nagata

Michigan Avenue, Chicago 2015 © Satoki Nagata

Mi objetivo como artista es encontrar y mostrar las diversas conexiones con las que la ciudad y la gente forman la realidad. El budismo Zen me ha inspirado a usar la fotografía para buscar y crear relaciones con el mundo. A través de estas imágenes, desearía que descubrieras los enlaces sutiles pero sustanciales capturados en mis fotografías y sentir una conexión con el mundo que documenté.

Biografía

Satoki Nagata nació en Japón y estudió Neurociencia, pero se mudó a Chicago en 1992 y allí se sumergió en la captura de las vidas y las personas de su ciudad adoptiva. Aprendió durante 4 años fotografía del fotoperiodista Damaso Reyes. Desde entonces ha completado una serie de proyectos documentales en la ciudad, intentando profundizar la conexión entre él y sus sujetos con cada nuevo estudio. Sus primeros proyectos a largo plazo como profesional fueron  Chicago Redline station en 2009 y Cabrini-Green: Frances Cabrini Rowhouses en 2010. Estos proyectos impregnan su presente junto con todos los proyectos que han surgido de su práctica continua.

La muerte de su hermana en Japón fue un punto de inflexión en su fotografía y comenzó a realizar fotografía de calle que combina con las bellas artes para crear imágenes cerebrales que revelen las relaciones y la interconectividad que dan forma a la vida en la ciudad moderna. Por su educación Budista Zen y su trabajo como neurocientífico, entiende el mundo como una vasta red de conexiones y usa su fotografía para revelar los enlaces que unen todo en el mundo que nos rodea.

Empezó a usar un flash fuera de cámara en las calles a fines de 2011 para buscar diferentes imágenes que capturaran en momentos mágicos la relación de los habitantes de Chicago con las noches del largo, frío y húmedo invierno de la llamada Ciudad del Viento. A través de iluminaciones únicas, con flash detrás de los sujetos sincronizado con baja velocidad de obturación, intenta capturar las complejidades sociales y culturales en su serie más reconocida Lights in Chicago, donde muestra una fugaz y fluida visión de Chicago de noche y sus residentes mostrando su fragilidad existencial, donde criaturas fantasmales deambulan misteriosamente por la ciudad.


Referencias

Libros

  • I wanted to be a butterfly.
  • Cabrini-Green: Frances Cabrini Rowhouses.

sábado, 14 de abril de 2018

Baldomero Pestana

Baldomero Pestana fue un dibujante y fotógrafo gallego (nacido el 1 de enero de 1918 en Pozos, Lugo, fallecido el 7 de julio de 2015 en Bascuas, Lugo) cuyo espíritu libre y viajero le llevó a vivir en Argentina, Perú, Francia y España a lo largo de su vida, permitiéndole captar la esencia de lugares como Villa Miseria, Cuzco, Río de Janeiro o París, al mismo tiempo que coleccionaba los retratos de algunos de los nombres más importantes de las artes en Latinoamérica y Europa, como Lalo Schifrin, Gabriel García Márquez, Mario Vargas Llosa, Blanca Varela y Man Ray entre otros. Confeccionó un amplio álbum familiar de la cultura peruana de finales de los 50 y 60.

José María Arguedas © Baldomero Pestana

José María Arguedas © Baldomero Pestana

Tuve la suerte de nacer como un hombre libre.

Biografía

Baldomero Pestana marchó a Argentina con su abuela a los cuatro años para encontrarse con su madre en Buenos Aires. Desde muy niño destacó por una gran afición por la literatura, la historia, la música y el dibujo, actividades todas ellas que, en mayor o menor medida, lo acompañaron toda la vida. Le enseñaron a ser sastre pero cuando descubrió la fotografía no dudó que eso era lo que quería hacer, y en Buenos Aires inició su actividad como fotógrafo profesional, primero de prensa y después artístico y fotografiando bodas y bautizos para ganarse la vida.

En 1957, apartándose de la dictadura argentina decidió emigrar a Perú, donde poco después adquirió la nacionalidad peruana sin perder la original. Durante su estancia en Perú recorrió el país e hizo reportajes para las revistas Fanal y Caretas en las que fue colaborador habitual. Su actividad fotográfica en Lima fue muy amplia: trabajos para UNICEF, ONU, International Petroleum Company y para las revistas Time, Life y Esquire. Su trabajo profesional en el campo de la publicidad fue amplio e incluyó trabajos para la agencia McCann-Erikson. También fue fotógrafo oficial del suplemento del diario oficial de Perú.

Durante toda su vida Pestana concilió la faceta comercial y artística de su profesión. Así, entre pedidos publicitarios y editoriales, fue realizando una obra propia, de marcado carácter personal. Su gran proyecto era el de crear una galería de retratos de las grandes personalidades de la cultura. La empresa había comenzado en Buenos Aires en 1956, con una foto del músico de jazz Dizzy Gillespie, pero fue en Lima donde su carrera despegó por completo, con retratos de pintores, escritores y personalidades políticas de Perú, a las que tenía relativamente fácil acceso por sus contactos periodísticos: Ciro Alegría, José María Arguedas, Alberto Hidalgo, Pablo Neruda y otros muchos. Culminando con esa etapa, realizó su primera exposición individual en el Instituto de Arte Contemporáneo de Lima en 1966.  Normalmente no cobraba por estos trabajos, tan solo pedía que los retratados le dedicasen las imágenes que él realizaba.  Por el que sí recibió remuneración fue por el de Mario Vargas Llosa, un encargo de la revista Life en su edición española con motivo de la publicación de su célebre novela La casa verde, imagen con la que se convirtió en el retratista por antonomasia de la llamada Generación de los 50.

Pestana no solo se fijaba en la persona, sino también en la escenografía del entorno. Sus imágenes resultan despojadas, casi minimalistas, muy modernas. Un factor fundamental en sus fotografías es su manejo de la luz natural, elogiando siempre la luz limeña, que utilizó para suavizar las formas y los contrastes, así como dulcificar los grises.

Pero además de esa galería de retratos crecía paralelamente su obra de calle: la Buenos Aires de los 50, la Lima de los 60 y más tarde el París de final de los 60. Fijaba su atención sobre todo en niños y mujeres. Buscaba las ventanas, como ese espacio que comunica los mundos particulares con el discurrir público. Consiguió algunas piezas magistrales y como fotógrafo social se asomó a la miseria.

En 1967 se trasladó a París, donde continuó su labor fotográfica, siendo Edward Weston y Man Ray sus referentes a la hora de adentrarse en el desnudo, diseccionando el cuerpo de la mujer y a veces haciendo uso de solarizaciones.  Continuó su colección de retratos de intelectuales inmortalizando los rostros de Bioy Casares, el mismo Man Ray, Carlos Fuentes o García Márquez, su retrato más difícil. Poco a poco se centró en su gran pasión desde niño: la pintura y el dibujo a lápiz de grafito sobre papel bristol, dentro del fotorrealismo, aprovechando fotografías documentales suyas y con una visión muy fotográfica de temas peruanos, marginados, emigrantes, refugiados y gentes de las calles de París, y también naturalezas muertas. 

Regresó a España, a su Galicia natal. Tras la pérdida de su mujer en 2003 vivió sus ultimo años arropado bajo el cuidado de sus sobrinos Carmen Rico y Toño Polín, quienes en la actualidad custodian su valioso archivo, un legado de 17.000 negativos, muchos inéditos. En abril de 2012 el Concello lucense de Castroverde le nombró Hijo Predilecto.  Casi centenario esperaba con ilusión la gran exposición de sus fotografías que se iba a inaugurar en el Museo de Arte Contemporáneo de Lima, la publicación de su libro de retratos de personajes de la cultura peruana de los años 60 y 70, y el estreno de un documental, La imagen Reb-velada, sobre su vida y obra, cuando murió con 97 años.

Su obra ha sido expuesta individualmente en Bruselas, París, Lima, la antigua Yugoslavia, Corea del Sur, EEUU, Dinamarca, Italia, Francia y España, y también en numerosas muestras colectivas. Póstumamente, el Instituto Cervantes muestra de forma itinerante su retrospectiva Baldomero Pestana. La verdad entre las manos que rescata del olvido en España a este artista.

 

Referencias

Libros

  • Baldomero Pestana. La verdad entre las manos, 2018.
  • Baldomero Pestana. Retratos peruanos, 2016.

viernes, 13 de abril de 2018

Chloe Aftel

Chloe Aftel es una fotógrafa estadounidense (nacida en 1980, vive en Los Angeles, California) que ve cada fotografía como una película de un solo cuadro y cada persona como alguien con una historia que contar.

Sasha © Chloe Aftel

Sasha © Chloe Aftel

Biografía

Chloe Aftel vive en Los Ángeles y trabaja en Los Ángeles, Nueva York, Portland, Detroit y San Francisco. Con un fuerte enfoque en la fotografía narrativa y un máster por la University of Southern California en producción de películas, se ha especializado en la narración de historias a través de imagen fija y en movimiento.

Es una fotógrafa editorial y de retratos con un gran sentido del estilo y de la moda. Dispara una gran cantidad de su fotografía en polaroid. Sus imágenes poéticas, de estilo de vida y narrativas están llenas de vida y tienen una sensación de libertad.

En su trabajo personal principalmente trabaja en dos series:

  • retratos de mujeres con polaroids expiradas, con lo que consigue unas imágenes que son algo entre el sueño y la realidad, donde el sujeto ha dejado de ser niña y todavía no es mujer. Esta serie es un trabajo continuo desde el comienzo de su carrera.
  • Genderqueer es un término que engloba distintas identidades como intergénero, agénero, bigénero, pangénero, género fluido, y otras identidades. Son términos generales para aquellas personas que tienen identidades de género que se salen del sistema binario “hombre o mujer”. En esta serie utiliza varios estilos, desde retrato al reportaje, en orden de capturar de la mejor manera el espíritu del fotografiado. Esta serie ha obtenido numerosos premios, como el Critical Mass de 2016 y un American Photo y será publicada en libro.

Su trabajo ha aparecido en Vogue, Harper's Bazaar, New York Magazine, Fast Company y Rolling Stone Magazine entre otras publicaciones. Sus exposiciones incluyen MOPLA, Annenberg Space for Photography, Grand Park Big la Portrait Gallery, Girlgaze y New Visionaries.

Entre sus clientes podemos citar a Amazon, Billboard, Buick, Canon, Google, Hewlett-Packard, Mastercard, Vanguard, y muchos otros.


Referencias

jueves, 12 de abril de 2018

Chico Albuquerque

Chico Albuquerque fue un fotógrafo brasileño (nacido el 25 de abril de 1917 en Fortaleza, Ceará, fallecido el 26 de diciembre de 2000) que, a lo largo de su dilatara trayectoria profesional, fue eximio retratista de personalidades, el pionero en Brasil en usar fotografía en campañas publicitarias, jefe del equipo que montó el departamento de fotografía de la Editora Abril en los años 60-70 y ensayista apasionado de temas típicos de su tierra natal, el Ceará.

ChicoAlbuquerque

Campanha para o automóvel Kombi, Volkswagen © Chico Albuquerque

Biografía

Francisco Afonso de Albuquerque comenzó su relación con la fotografía en su infancia, ya que era hijo de una pareja de fotógrafos que hacían también cine. A los 15 años realizó su primer cortometraje. En 1934, con tan sólo 17 años, se convirtió en profesional, especializándose en el campo del retrato.

En 1945 se mudó a São Paulo y abrió su primer estudio fotográfico. Fue miembro del Foto Cine Club Bandeirante, donde participó activamente. El tratamiento de la luz que Chico daba a sus retratos era singular en relación con los demás fotógrafos de aquella década. Cerraba mucho el plano, retiraba todos los ruidos de la imagen y creaba una intimidad con el retratado que difícilmente se ve en producciones de retratos de aquel período.

En su vida profesional fue bastante reconocido y fuertemente valorado. Su talento y creatividad le rindieron más de 10 premios nacionales e internacionales, como el 1º puesto en el IX Salón de Arte Fotográfico del Foto Clube Brasileiro de Río de Janeiro en 1950, Gran Premio de Honor del Concurso Alejandro Del Conte en Buenos Aires en 1952, Medalla de plata en el 6º Salón Internacional de Fotografía de San Sebastián en 1953, Medalla de oro al mejor retrato en el Salón Internacional de Frankfurt en 1953, …

Sin embargo, Chico Alburqueque fue conocido por haber sido el primero en realizar una campaña publicitaria con fotografía en Brasil, en 1948, para Johnson & Johnson, a través de la agencia J.W. Thompson. Antes de él, las campañas eran todas con dibujos. También abrió las puertas para el nacimiento de la profesión de modelo en Brasil, cuando empezó a salir a las calles paulistanas con la difícil misión de tratar de convencer a las muchachas de buena familia para posar para él.

En 1942 fue invitado a realizar fotografía fija durante las escenas que Orson Welles rodó en Río de Janeiro en relación con un documental que estaba rodando sobre América Latina (It´s all true in Mucuripe). La película posteriormente fue abandonada e inacabada por Welles, debido al desacuerdo con lo que representaban las imágenes desde los Estados Unidos, que buscaba unas imágenes más neutras y típicas.

En 1958 importó el primer equipo de flashes electrónicos de su país y siguió desarrollando su fotografía. De 1967 a 1973 reestructuró y trabajó en el estudio de la Editora Abril.

Al jubilarse en 1975, Chico regresó a Fortaleza, pero no dejó de fotografiar. Muy al contrario: montó otro estudio y permaneció activo y realizó bellísimas naturalezas muertas con frutas tropicales brasileñas. También realizó la impresionante exposición 130 Fotos de personalidades paulistanas, celebrada en la Galería Fotóptica en 1982. Su libro Mucuripe, publicado en 1989, con imágenes de esta famosa playa en dos momentos distintos (1952 y 1988) es considerado un clásico del género. Tuvo reconocimientos en esta época final, como el Prêmio Nacional de Fotografia. Contribuión a la fotografía brasileña en Funarte en Río de Janeiro) en 1998, y la exposición retrospectiva Chico Albuquerque Fotografias – Retrospectiva 65 anos en el Centro Dragão do Mar de Arte e Cultura en Fortaleza.

Muy activo hasta su muerte, dejó un archivo de cerca de 70 mil imágenes que, desde julio de 2006, está preservado en la Reserva Técnica Fotográfica del Instituto Moreira Salles por medio de convenio con el Museu da Imagem e do Som de São Paulo. No ha sido olvidado y se han organizado varias exposiciones póstumas como El São Paulo de Chico Albuquerque en Espacio Itaú del Cine Frei Caneca  y El estudio fotográfico Chico Albuquerque en el Museo de imagen y de sonido, ambas en São Paulo y en 2013. También se han publicado varios libros y catálogos de su obra.

Referencias

Libros

  • 1951: Isto É São Paulo.
  • 1959: Brazil – portrait of a great country.
  • 1978: Água na Boca.
  • 1987: Em Torno da Fotografia no Brasil.
  • 1989: Mucuripe.
  • 1993: Anuário da Abrafoto.
  • 1993: O Restaurante Fasano: a cozinha italiana de Luciano Boseggia.
  • 1993: Lina Bo Bardi.
  • 1997: Imagens da Fotografia Brasileira.
  • 1997: Vilanova Artigas.
  • 2000: Mucuripe – álbum e livro postais.
  • 2004: Fotografia no Brasil: um olhar das origens ao contemporâneo.
  • 2006: Orson Welles – hello americans.
  • 2006: Lina Bo Bardi: sutis substâncias da arquitetura.
  • 2008: Cozinheiro do tempo.
  • 2009: L’art de La mer – antologie de la photographie maritime depuis 1843.
  • 2009: Chico Albuquerque Fotografias.
  • 2009: Zaragoza: layutman.
  • 2013: O Estudio Fotografico De Chico Albuquerque.

miércoles, 11 de abril de 2018

Greg Ponthus

Greg Ponthus es un fotógrafo francés (nacido en Lyon, vive en Bruselas, Bélgica) que captura imágenes conmovedoras y ensoñadoras que profundizan en la vulnerabilidad de sus sujetos. Cada uno de sus retratos parece estar repleto de una gran cantidad de emociones y sus imágenes suelen tener esquemas etéreos, aunque inquietantes, de iluminación y color.

GregPonthus

© Greg Ponthus

Biografía

Greg Ponthus nació en Lyon (Francia) entre campos verdes. Comenzó su temprana relación con la fotografía con 15 años cuando le quitó la cámara fotográfica a su padre para fotografiar a la gente que tenía a su alrededor. Fue seleccionado para formar parte de los 20 Under 20 de Flickr. Vive actualmente en Bruselas (Bélgica) para estudiar Arte.

Realiza principalmente retratos de conocidos suyos, absortos en su mundo, con la mirada perdida, como aburridos y melancólicos. Es especialista en retratos y en parar el tiempo, y sus modelos parecen ensimismados en sus sentimientos. El silencio es el gran protagonista en su obra y está aún más presente que el ambiente onírico y delicado que consigue con sus fotos.

Greg se mueve entre la fotografía analógica y la digital, aunque la película le permite plasmar la realidad con una patina de grano e imperfecciones para darle una apariencia más etérea. También se apoya para esto en esquemas de colores con tonos fríos por cada mirada perdida.

Referencias

martes, 10 de abril de 2018

Craig Semetko

Craig Semetko es un fotógrafo estadounidense (nacido cerca de Detroit, Michigan, vive en Los Angeles, California) que se centra en la auténtica experiencia humana. Inspirado por el humor y la ironía que cruza las fronteras culturales,  viaja por el mundo para encontrarlos.

 Who Am I © Craig Semetko

Who Am I © Craig Semetko

Biografía

Craig Semetko nació y se crio cerca de Detroit, Michigan. Se graduó por la Universidad Northwestern en Evanston, Illinois. Se convirtió en un escritor de comedia profesional e intérprete después de la universidad y años más tarde , cuando tenía 40 años, se compró una Leica,  descubrió la fotografía como otro medio de contar historias,  se obsesionó con la fotografía callejera y ha estado disparando sin parar. Altamente inspirado por Henri Cartier-Bresson, lanzó su colección Unposed, con fotografías no posadas, que publicó en el libro del mismo nombre.

Su fondo cómico le ha dado un sentido altamente desarrollado de lo absurdo e irónico, lo que resulta en un fuerte tema de humor a lo largo de su trabajo. Cuando ve algo que le divierte o conmueve, simplemente 'hace clic'. Intenta proporcionar todos los elementos de una historia interesante en una sola imagen bien compuesta, pero por supuesto no lo hace conscientemente, sino que trata de no pensar en absoluto.

Semetko pasó gran parte de 2011 y 2012 trabajando en un proyecto a largo plazo en los Estados Unidos. El proyecto fue parcialmente financiado por Kickstarter y continúa trabajando en la serie.

Semetko fue uno de los 10 fotógrafos elegidos en todo el mundo por Leica Camera para formar parte de su exposición 10x10 celebrando 100 años de fotografía Leica. Pasó tres meses en el otoño de 2013 viajando por toda la India para el proyecto y el trabajo resultante se exhibió en la gran inauguración de la nueva sede de Leica en Wetzlar, Alemania, en 2014. Su segundo libro, India Unposed, también nació de este proyecto, fue publicado en 2014 y ganó el premio Printing Industries of America al Mejor libro de arte en 2015.

Imparte regularmente talleres para Leica Akademie en todo el mundo y su trabajo se ha expuesto en las galerías Leica en Nueva York, Los Ángeles, Miami, Salzburgo, Frankfurt y en Nuremberg, en la Open Shutter Gallery en Durango, Colorado, Camera Obscura en Denver y Robert Anderson Gallery en Nueva York. Sus fotografías se pueden encontrar en colecciones privadas en Europa, Asia y los Estados Unidos. Fue elegido como fotógrafo del año en Film 4 Change 2013.

Referencias

    Libros

    lunes, 9 de abril de 2018

    Pierre Fudarylí

    Pierre Fudarylí es un artista mexicano (nacido en noviembre de 1984 en Cancún, Quintana Roo, vive en México D.F.) cuyo trabajo gira en torno a la naturaleza humana, sus pasiones, fuerza, exceso, espíritu y muerte. Explora varias posibilidades formales y oníricas que incorporan una visión automática, donde la improbabilidad y la aleatoriedad disuelven sus fronteras.

    © Pierre Fudarylí

    © Pierre Fudarylí

    No racionalices lo irracional; el estrecho puente entre la maravilla y el miedo es lo que crea el choque visceral entre el arte y el espectador.

    Biografía

    Pierre Fudarylí comenzó desde muy pequeño su interés por las artes visuales, estudiando de manera independiente a los grandes maestros de la pintura. A los 11 años intentó tomar clases de pintura, que abandonó por falta de libertad creativa. Con 12 años encontró en un artículo de una revista al pintor que marcaría una de sus mayores influencias, Salvador Dalí, que abrió nuevos horizontes en el imaginario de Fudarylí, quien más tarde conociera a Remedios Varo, Max Ernst, Chirico y al resto del movimiento surrealista, quienes a diferencia de Caravaggio o Botticelli, presentan una realidad distorsionada a favor de la imaginación y el absurdo, lo que, para Pierre representa el verdadero valor de una obra y su creador.

    Más tarde estudió arquitectura en el Instituto Superior de Arquitectura y Diseño ISAD en Chihuahua, donde se familiarizaría con el uso de herramientas digitales para representación arquitectónica, así como con la fotografía digital, lo que dio pie a intentar nuevos métodos de crear arte. Siempre está experimentando con diferentes técnicas artísticas, con incursiones en la escultura, instalación, fotografía, video, pero con mayor énfasis en la pintura (acrílico, pastel y tinta) y la fotomanipulación con software 2D y 3D.

    La geometría diaria de nuestra muerte, desde el nacimiento hasta que dejamos de morir. componer lo que él llama "realidad alterada de la energía humana" que describe gráficamente los comportamientos en diferentes estados, diferentes vectores disparados en todas las direcciones de forma fractal, tanto introspección como proyección.  Su arte no representa las cosas de una manera bidimensional, sino hepta-dimensional, analiza todos los ejes espaciales (norte, sur, este, oeste, arriba, abajo y el punto donde se encuentra) y congela un momento de nuestro supra-realidad humana.

    Algunas de sus fotos han sido reproducidas en revistas impresas y digitales como Vision Magazine en China, Dark Beauty Magazine y Juxtapoz en los Estados Unidos, Normal Magazine en Francia, entre otros.

    Ha formado parte de diversos proyectos colectivos, como La Mostra en Polyforum Cultural Siqueiros, #noesunagaleria en Troquel, Motor de Impulso en Terreno Baldío Arte, exposición ZOO en el taller de René Almanza, Endangered Visions en MANILART 2014, La Cave #3 en Atelier Cross Art en Berlín, Sexto Continente en el Palacio de la Merced en Córdoba, España, Cuarta Feria Internacional de Arte FIARTE en Granada, España, entre otros.

    Ha presentado exposiciones individuales en el Festival de Cine de la Benemérita Universidad Autónoma de Puebla BUAP, así como Nosce Te Ipsum y Chromaphilia ambos en el Centro Cultural Universitario Quinta Gameros en Chihuahua.

    Fudarylí también ha sido galardonado con premios internacionales, como la medalla de plata en el PX3 Prix de la Photographie en París y la beca David Alfaro Siqueiros para la creación artística en 2011 en la categoría de jóvenes creadores otorgados por el Instituto de Cultura de Chihuahua.

    Referencias

    domingo, 8 de abril de 2018

    Santiago Sierra

    Santiago Sierra es un artista conceptual: performer, fotógrafo y video creador español (nacido en 1966 en Madrid, donde actualmente vive y trabaja) cuya obra intenta visibilizar la perversidad de las tramas de poder que fomentan la alienación y explotación de los trabajadores, el reparto desigual de la riqueza y las discriminaciones por motivos raciales, interrogando directamente al espectador sobre los límites impuestos por la sociedad actual, capitalista y globalizada, sobre temas de gran carga política y social como la explotación laboral y la marginación.

    © Santiago Sierra

    © Santiago Sierra

    Biografía

    Santiago Sierra se licenció en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid, y completó su formación en la Universidad de Bellas Artes de Hamburgo (HFBK), donde estudió con los profesores de F. E. Walter, S. Browm y B. J. Blume, y en la Academia de San Carlos en Ciudad de México. Sus inicios están vinculados a los circuitos artísticos alternativos de Madrid, como El Ojo Atómico y Espacio P,  pero gran parte de su carrera fue desarrollada posteriormente en México (1995–2006) e Italia (2006—2010). Su trayectoria ha tenido un considerable impacto en la crítica artística por la polémica que le acompaña siempre.

    Su obra intenta visibilizar la perversidad de las tramas de poder que fomentan la alienación y explotación de los trabajadores, la injusticia de las relaciones laborales, el desigual reparto de la riqueza que produce el capitalismo y la naturaleza perversa del trabajo y el dinero, y las discriminaciones por motivos raciales en un mundo surcado por flujos migratorios unidireccionales, del sur al norte.

    Retomando y actualizando algunas estrategias propias del minimalismo, el arte conceptual y la performance de los años 70, Sierra interrumpe los flujos de capital y mercancías en Obstrucción de una vía con un contenedor de carga en 1998,  y en Persona obstruyendo una línea de containers en 2009, contrata a trabajadores para desvelar su situación precaria en 20 trabajadores en la bodega de un barco en 2001, explora los mecanismos de segregación racial que se derivan de las desigualdades económicas en Contratación y ordenación de 30 trabajadores conforme al color de su piel en 2002 y en Estudio económico de la piel de los caraqueños en 2006 e impugna los relatos que legitiman una democracia sustentada sobre la violencia de estado en Veteranos de las guerras de Camboya, Ruanda, Kosovo, Afganistan e Irak de cara a la pared en 2010, 11 y 12 y en Los encargados en 2012.

    Sierra también ha sido presentado en numerosas exposiciones colectivas, incluido el Museo de Arte Moderno y National Gallery of Art, ambos en Polonia en 2016 y 2015, Kunsthalle Dusseldorf en 2014 y Hamburger Bahnhof - Museo de Arte Contemporáneo en Berlín (2014) y en la 55a Bienal de Venecia.

    En 2010 fue galardonado con el Premio Nacional de Artes Plásticas de España que concede el Ministerio de Cultura de España pero lo rechazó al día siguiente. En 2018 la Feria Internacional de Arte Contemporáneo (ARCO) pidió a la galería Helga de Alvear que retirara su obra Presos políticos en la España contemporánea que contenía una serie de 24 retratos fotográficos en blanco y negro pixelados.

    Ha expuesto en importantes museos, centros de arte y galerías de todo el mundo, como en el Museo Kiasma de Arte Contemporáneo ARS 01 de Helsinki, en el Kunst-Werke de Berlín, en la Kunsthaus Bregenz en Austria, en el PS1 del MoMA en Nueva York y en Artium en Vitoria. Su obra está representada por importantes galerías como Helga de Alvear en Madrid, Lisson Gallery en Londres, Prometeo Gallery en Milán y Labor en México D.F.

    Referencias

      Libros

      • Santiago Sierra. 50th Venice Biennale: Spanish Pavilion, 2004.
      • Santiago Sierra. 300 Tons and Previous Works, 2005.
      • Santiago Sierra. House in Mud, 2005.
      • Santiago Sierra. 7 Trabajos, 7 Works, 2008.
      • Santiago Sierra. The Black Cone—Monument to Civil Disobedience, 2013.
      • Santiago Sierra. Skulptur, Fotografie, Film / Sculpture, Photography, Film, 2013.

      sábado, 7 de abril de 2018

      Yurian Quintanas

      Yurian Quintanas es un fotógrafo español (nacido en 1983 en Ámsterdam, vive en Barcelona) cuyo trabajo personal está enfocado en fotografiar “personas, el medio natural y su propio entorno”, intentando hablar de lo intangible y con una atracción hacia la oscuridad y lo misterioso.

      © Yurian Quintanas

      © Yurian Quintanas

      Biografía

      Yurian Quintanas se graduó como técnico superior en imagen y posteriormente realizó un curso de especialización en fotoperiodismo en Escola Superior d’Imatge y Disseny (IDEP), teniendo la oportunidad de asistir a  fotógrafos reconocidos de National Geographic como Tino Soriano y Annie Griffiths Belt.

      En 2007 comenzó a trabajar en sus propios proyectos, en los que gusta de jugar con los límites de la ficción y la realidad buscando una reflexión sobre sus difusas fronteras. Aunque hace fotografías de lo que está ahí, a su alrededor, las traslada a su terreno, dando su visión, subjetivando la realidad.

      Ha obtenido numerosos premios y becas, entre los que se incluyen: el 1er premio de la Revista Vanguardia en 2007, la beca del XIII Encuentro Internacional de fotoperiodismo de Gijón en 2009, los talleres de becas Magnumfotos con Chien-Chi Chang en 2009, finalista de Fotopres Grant en 2013, SFR Jeunes Talents en ParisPhoto en 2014, premio Open Call de Encontros da Imagem en 2015,  finalista en el Grand Prix FotoFestiwal de Lodz (Polonia) y en Arts Libris de la Fundació Banc de Sabadell en 2016 con Indago, nominado en Gomma Grant y finalista en NexoFoto’17 en 2017 y finalista en los Sony World Photography Awards en 2018.

      Su obra ha sido publicada en Burn Magazine, Foto a Foto, Bonart, Descobrir Catalunya, Fotografia Magazine, F-Stop Magazine, Piel de Foto, Lens Culture, Positive Magazine y Ojo de Pez, entre otros medios, y está disponible en la tienda  online Unframed Photo, donde se pueden comprar ediciones limitadas de su trabajo. Colabora como docente en la escuela IDEP y está vinculado a la Fundació Lluís Coromina.

      Referencias

      Libros

      • Indago, 2016.
      • Origen, con Martí Gasull y Salvi Danés.
      • Happy Nothing.