viernes, 24 de marzo de 2017

Chris Hadfield

Chris Hadfield es un aviador y astronauta canadiense (nacido el 29 de agosto de 1959 en Sarnia, Ontario) que ha realizado bellas fotografías de la Tierra desde el espacio.

 

© Chris Hadfield

© Chris Hadfield

 

 

Biografía

Chris Hadfield creció con sus padres en una granja de maíz. Desde joven estuvo interesado en volar, su padre era piloto de aviación y tenía una avioneta,  y tuvo la idea de ser astronauta cuando, con nueve años, vio en televisión el aterrizaje del Apolo 11. Pero Canadá no tenía un programa de astronautas, ni lo tendría en un futuro previsible.

Pasaba su tiempo en casa aprendiendo mecánica sobre tractores y coches viejos, y volando con su padre y hermanos cada vez que podía. Entró en la RCAF, convirtiéndose en un piloto de prueba experimental y pilotando más de 70 tipos diferentes de aviones. Se aseguró de que cuando surgiera la oportunidad de viajar al espacio, estaría preparado para ello.

Entre otras actividades espaciales, Chris ha volado en el espacio tres veces, en 1995, 2001 y 2012/13, una vez en la estación espacial rusa MIR y dos veces a la Estación Espacial Internacional. En estos tres vuelos, hizo unas 45.000 fotos. No hay tiempo en órbita para revisar todas estas fotos, así que hizo un montón, las descargó a la Tierra, y la NASA se quedó la mayoría. A pesar de ello, ha realizado un par de libros con las fotos más bellas. Las fotografías tomadas a bordo de la Estación Espacial Internacional (ISS) están realizadas a alrededor de 400 km de la superficie, y a esa altitud se da una vuelta a la tierra cada 92 minutos.

El coronel Hadfield ha sido el primer canadiense en subir al espacio, el primer comandante canadiense de la Estación Espacial Internacional, pero es también un autor de libros de fotos muy vendido, causó sensación su versión de Space Oddity, canción de David Bowie, que se grabó en la Estación Espacial Internacional, y cuyo videoclip colgó en su página personal de YouTube y un magnífico conferenciante y orador.

 

 

Referencias

 

 

Libros

  • An Astronaut’s Guide to Life on Earth.
  • You are Here: Around the World in 92 minutes.
  • The Darest Dark (para niños).

jueves, 23 de marzo de 2017

Gustave de Beaucorps

Gustave de Beaucorps fue un fotógrafo francés (nacido en Rochefort el 13 de noviembre de 1824 y fallecido en Niza el 10 de junio de 1906) cuyos estudios sobre la arquitectura, paisaje y gentes de Argelia (invadida por Francia en 1830) aprovecharon la fascinación pública por las representaciones orientalistas del Oriente Medio y del Norte de África.

 

Harem Slave, Algeria, 1859. Gustave de Beaucorps

Harem Slave, Algeria, 1859. Gustave de Beaucorps

 

 

Biografía

El conde Jean-Félix Gustave de Beaucorps, miembro destacado de la aristocracia francesa, perteneció a una saga familiar de miembros volcados en estudios arqueológicos, especialmente centrados en el arte islámico y en el coleccionismo.

Se inició en la fotografía con Gustave Le Gray. Con el objetivo de inmortalizar el mayor número de estampas ligadas con su pasión por el mundo oriental y la arqueología, emprendió varios viajes. En 1856 en un viaje por Francia realizando imágenes de París, Blois, Chambord, Compiègne, Coucy y Pierrefonds. En 1857 viajó a Bélgica, y en 1858 a España y Portugal, donde retrató las ciudades de Valladolid, Toledo, Burgos, Sevilla, Granada, Coimbra y Lisboa. De ahí continuaría viajando hasta Argelia, frecuentando en los años siguientes otros lugares del Mediterráneo, como Italia y Turquía.

Experimentó con diferentes técnicas fotográficas, destacando en el uso del calotipo o positivo de papel, un procedimiento que en la época era más cómodo de cara a afrontar los riesgos y accidentes de un largo viaje, en contraposición al vidrio. A través de esta técnica, retrató escenas pintorescas, persiguiendo el ideal romántico. Controlaba minuciosamente cada detalle, desde el enfoque hasta la iluminación o la composición de la escena. 

Durante su viaje por España entabló amistad con el fotógrafo británico Charles Clifford, acompañándolo a su visita de la Alhambra el 10 de junio de 1858, tal y como consta en el libro de firmas del monumento.

Expuso en la Société Française de Photographie (París), de la que era miembro, en 1859, 1861 y 1869. No se conoce ningún libro editado por él, pero sí se conservan numerosas copias positivas a la albúmina y negativos en papel encerado de gran formato, dispersos en diversas colecciones públicas y privadas de España y Francia, como las de la Universidad de Navarra y el Musée d‘Orsay de París.

Su magistral retrato del mundo oriental mereció, casi 150 años después, el montaje de una exposición en Les Musées de Saintes et de Poitiers en 1992, titulada: Gustave de Beaucorps (1825-1906). Calotypes, y la edición de un catálogo llamado L’appel de l’orient.

 

 

 

Referencias

 

 

Libros

miércoles, 22 de marzo de 2017

Juan Cristóbal Cobo

Juan Cristóbal Cobo es un fotógrafo colombiano (nacido en Cali, vive en Bogotá) que realiza fotografía de calle en Bogotá y Nueva York.

 

© Juan Cristóbal Cobo

© Juan Cristóbal Cobo

 

 

Biografía

Juan Cristóbal Cobo nació en Cali y se trasladó a Nueva York siendo un adolescente. Sus primeras pasiones se centraron en el cine, pero después de 30 años como director de fotografía y director comercial, se encontró fuertemente atraído por el arte de la fotografía fija.

Estudió cine en la Universidad de Nueva York, ciudad donde vivió y trabajo por más de diez años. Como director de fotografía ha filmado siete largometrajes como Águilas no cazan moscas, La deuda, El rey, Esto huele mal, Yo soy otro), varios cortos (Hoy es un día distinto, Juntos no es suficiente y La serenata) y cientos de comerciales, siendo nominado en la categoría Mejor Fotógrafo para largometraje en los dos últimos Premios Nacionales de Cine en Colombia. En el área de la publicidad sus trabajos han sido frecuentemente premiados en festivales nacionales e internacionales, como el de mejor director de cine publicitario en El Ojo de Iberoamérica.

A diferencia del caos controlado de un estudio de cine, ahora encuentra la paz perdiéndose entre extraños, inmerso en entornos diversos y listo para capturar momentos espontáneos con el solo clic de su obturador. Desde 2013, esta nueva pasión ha sido su único enfoque y es el medio que le permite expresar mejor su voz interior.

Entre sus trabajos fotográficos podemos citar La 7ª sobre la calle principal y más histórica de Bogotá, que se extiende por muchos kilómetros a lo largo de la ciudad, cambiando drásticamente en vistas, olores y sonidos. Este trabajo se centra sólo en unas pocas cuadras del centro de la ciudad donde las cicatrices irregulares de los eventos históricos todavía están a la vista para que todos puedan ver. Está poblada por personas que recuerdan a los viejos Bogotá o Cachacos: políticos, hombres de negocios, artistas callejeros, vagabundos y solitarios que infunden al ambiente una extraña dosis de surrealismo. Ha estado fotografiando este tramo de la ciudad durante muchos meses, tratando de construir un retrato de esta calle, de esta ciudad, donde la desesperación y la esperanza no están en oposición, sino que coexisten entre sí.

En Otros ojos, reflexiona sobre el hecho de que, como las calles están inundadas de cámaras, el retrato se ha vuelto distante y anónimo, y su cámara es una mas entre los millones que inundan las calles convirtiéndome así en un espectador solitario que pasa desapercibido entre la multitud.

 

 

Referencias

 

 

Libros

  • En el café, con Sofía Oggioni Hatty.

martes, 21 de marzo de 2017

Evan Anderman

Evan Anderman es un geólogo y fotógrafo estadounidense (nativo de Colorado, vive en Denver) que busca cuestionar nuestra comprensión de la relación entre el desarrollo humano y el mundo natural documentando la forma en que usamos la tierra.

 

© Evan Anderman

© Evan Anderman

 

Como geólogo, cuando vuelo sobre las altas llanuras del este de Colorado, miro las capas múltiples y superpuestas y cómo la tierra ha sido modificada por una combinación de procesos, tanto naturales como artificiales. La capa más baja, la tierra misma, se ha creado en millones de años y forma los cimientos. La cubierta que le cubre es lo que la humanidad ha impuesto de varias maneras, con actividades y estructuras que se llaman colectivamente "progreso". Aunque mi principal interés es la sutil belleza del paisaje en sí, también me gusta descubrir lo que el hombre ha hecho con esa tierra y hacer que el espectador se pregunte qué está pasando y por qué. Las imágenes son fundamentalmente estéticas, pero te dejan cuestionando el tema.

 

 

Biografía

Evan Anderman estuvo décadas trabajando como geólogo, y tiene un master y un doctorado en Ingeniería Geológica de la Colorado School of Mines y una ingeniería en geología en la Princeton University. Poco a poco se fue convirtiendo en fotógrafo de paisajes y naturaleza artística, normalmente desde los aires,  que intenta desafiar nuestra comprensión de la relación entre los seres humanos y el mundo natural documentando los paisajes cambiantes, las corrientes y la atmósfera que son pasadas por alto por el desarrollo humano.

Decidió concentrarse en las planicies orientales de Colorado porque su belleza sutil ilustra las tensiones globales a escala local. Son regiones escasamente pobladas de Colorado que están sujetas a una mezcla diversa del uso de la tierra. Grandes extensiones se dan a la recolección de cultivos o pastoreo de ganado, lo que si no se gestiona cuidadosamente puede diezmar el paisaje. Su tema más reciente es el negocio de la energía, que hasta hace poco tenía sólo una pequeña presencia en la zona. Pero se ha expandido rápidamente, invadiendo o incluso superponiendo los espacios agrícolas. Todavía no está claro si ambos pueden coexistir y si estas dinámicas cambiantes tendrán un impacto sobre el paisaje y la tierra.

Su fotografía puede encontrarse en la colección del Denver Art Museum, así como en muchas colecciones privadas en todo el país. Su trabajo ha sido expuesto en instituciones nacionales e internacionales, incluyendo el DongGang International Photo Festival de Corea del Sur, Mt Rokko International Photo Festival en Japón, Denver Public Library, Midwest Center for Photography, The Dairy Center for the Arts, The Arvada Center, American Mountaineering Center, Denver International Airport, The Museum of Outdoor Arts, The Arts Student’s League of Denver, Carmen Wiedenhoeft Gallery, The Colorado State Capitol, Robischon Gallery, Lamont Gallery, Buttonwood Art Space y su propia galería en el Denver’s Santa Fe Arts District.

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

lunes, 20 de marzo de 2017

Daniel Arnold

Daniel Arnold es un escritor y fotógrafo estadounidense (nacido en Milwaukee, Wisconsin, vive en Brooklyn, Nueva York) ampliamente conocido por sus instantáneas sinceras de escenas callejeras y de pasajeros del metro de Nueva York, y que, a diferencia de las generaciones anteriores de fotógrafos callejeros, su utilización de Instagram y Tumblr lo hace sentir como un participante activo en la comunidad de Nueva York, no sólo como un observador pasivo.

 

© Daniel Arnold

© Daniel Arnold

 

 

Parpadeas y el momento ha desaparecido por completo y el único lugar en el que existe es en tu cabeza o en tus fotos o en cualquier manifestación creativa que tengas en tu vida. La Nueva York de mi cabeza probablemente no existe.

 

 

Biografía

Daniel Arnold nació en una familia con ocho hijos. Fotografía todo el día todos los días, pues está obsesionado. Antes de renunciar a su trabajo capturaba reuniones, comidas, sus viajes, todo. Ahora que está más libre pasa la mayor parte de los días caminando, no necesariamente pensando en sus fotografía e, incluso, sin un objetivo en mente. Llevar una cámara encima le hace sentir que todo ese vagabundeo sea productivo.

Un Garry Winogrand de la era digital, Arnold ha hecho miles de fotos de personas en las calles de Nueva York, algunas robadas, otras más formales. Como Winogrand y Friedlander antes que él, Arnold es un maestro en capturar los momentos sutiles y las interacciones. A diferencia de sus antepasados, sin embargo, pone sus imágenes a disposición de literalmente miles de personas al instante a través de las redes sociales. Considerado uno de los mejores fotógrafos en Instagram, le cancelaron su cuenta por mostrar unas fotos en topless de una playa, pero creó otra cuenta donde ahora tiene más de 135.000 seguidores. También ha tenido relevancia por conseguir vender en un día fotografías por valor de 15.000$ a través de su cuenta de Instagram.

Como no todo puede ser el mundo virtual de las redes sociales, recientemente ha completado una importante serie en el metro para el New Yorker, y ha fotografiado la Met Gala para Vogue. Su trabajo ha sido publicado en el New Yorker, Forbes, Gawker y The Huffington Post, entre muchos otros medios de comunicación. También ha expuesto individual y colectivamente, como su exposición individual New Photos en Mark Wolfe Contemporary Art en San Francisco.

 

 

Referencias

domingo, 19 de marzo de 2017

Claudi Carbonell

Claudi Carbonell fue un ingeniero y fotógrafo catalán (nacido en Barcelona en 1891 y fallecido en 1970) cuya obra consistió principalmente de naturalezas muertas y paisajes que representaba con estilo pictorialista.

 

El moro de la guitarra, de Claudi Carbonell

El moro de la guitarra, de Claudi Carbonell

 

 

Biografía

Claudi Carbonell i Flo estudió ingeniería industrial en Alemania, trabajando durante un tiempo en ese país. Aprendió fotografía de modo autodidacta. En 1923 fue socio fundador de la Agrupación Fotográfica de Cataluña junto a Josep Desmestres, Salvador Lluch y Joaquim Pla Janini. También presidió la Federación Española de Fotografías Artística (1952-1967).

Estaba especializado en la técnica del bromóleo, hasta el punto de poseer un taller de producción de papel para él mismo, con su socio Federico Fernández. Trabajaba con formatos pequeños, lo que aportó a sus retratos de personajes populares y paisajes un tono intimista. Algunas de sus fotografías se publicaron en el boletín de la Agrupación Fotográfica de Cataluña, creado en 1925, y en El Progreso Fotográfico, una publicación que defendía el pictorialismo.

A pesar de ello, en 1935 Carbonell reclamó una fotografía sin artificios desde la revista D’Aci i D’Alla, y recomendó aprovechar los espacios a los que la pintura no podía acceder, para captar la realidad con mucha precisión, plasmar el momento decisivo de una acción o de una escena y detener el movimiento.

Entre las exposiciones donde se han podido ver sus obras destaca Imágenes de la Arcadia, en la Biblioteca Nacional de Madrid, dedicada a la fotografía catalana de los años treinta. Parte de su obra se encuentra en el Museu-Social de la Agrupación Fotográfica de Cataluña y sobre todo en el Museo Nacional de Arte de Cataluña que recibió la cesión de esta asociación de 3.500 fotografías de sus fondos, incluyendo obras de Claudi Carbonell, Antoni Crous, Joaquim Pla Janini, Joan Colom, Joan Porqueras y Josep Closa Miralles, entre otros.

 

 

Referencias

 

 

Libros

sábado, 18 de marzo de 2017

Adalberto Benítez

Adalberto Benítez fue un fotógrafo español (nacido el 23 de abril de 1912 en Santa Cruz de Tenerife, Islas Canarias, y fallecido el 24 de junio de 1975, también en Santa Cruz de Tenerife) que fue polifacético y un excelente observador del paisaje insular, cronista de la historia e investigador de nuevas formas y técnicas de la fotografía en los años veinte. Introdujo fórmulas y conceptos modernos en sus retratos de estudio y aplicó en sus obras propuestas de nuevas tendencias estéticas de la época como la Nueva Visión y la Nueva Objetividad.

 

Adalberto Benítez

Adalberto Benítez

 

 

 

Biografía

Adalberto Jorge Benítez Togores antes que fotógrafo quiso ser pintor. Recibió clases del artista Teodomiro Robayna, profesor desde 1898 de la Escuela Municipal de Dibujo de Santa Cruz de Tenerife y cofundador y director del Museo Municipal de Bellas Artes, participando en 1917 con sus dibujos y apuntes en una exposición celebrada en el Ateneo de Santa Cruz de Tenerife.

A principios de 1919, comenzó a dar forma a su proyecto de abandonar la isla para completar su formación. Primero pensó en París, sin embargo en el último momento cambió de opinión y emigró a Cuba, país donde inició su fructífera relación con la fotografía, además de como creyonista (retocador de instantáneas e iluminando imágenes al pastel y al óleo). Durante esta época hizo muchos retratos y autorretratos, faceta en la que demostró su capacidad interpretativa de la psicología de los personajes que inmortalizó con su cámara.

En 1921 regresó a Tenerife y abrió una librería (su padre fue librero, impresor, fotógrafo y litógrafo) vendiendo artículos de papelería, de música y de cine, y compaginando enseguida su actividad de librero con la de fotógrafo y vendedor de artículos relacionados con la fotografía (venta de papeles, fondos, tarjetas postales, cámaras, álbumes, marcos) y encargos de ampliaciones fotográficas, revelados de películas y "tiradas de pruebas".

En 1926 la librería se convirtió en el Arte Estudio Fotográfico de Adalberto Benítez. Al principio vendía materiales relacionados con la fotografía y el revelado, hasta que se animó a presentar sus propios trabajos, sobre todo retratos, especialidad a la que incorporó nuevas fórmulas compositivas y soluciones técnicas poco comunes.

Sorprende la modernidad de sus fotografías ya a principios de la década de los 30, con un temprano uso del fotomontaje y de los recursos estilísticos de la Nueva Objetividad y de la Nueva Visión. Esta asimilación de tendencias, que ya era hasta cierto punto excepcional en el panorama español, no consistió en una imitación superficial de recursos, sino que se vio acompañada de una verdadera renovación de la visión, que se expresa fundamentalmente en sus fotografías de paisaje y en sus bodegones. En estos capítulos de su trabajo demuestra una sensibilidad muy desarrollada hacia los elementos naturales, de los que obtiene calidades escultóricas, como en sus preciosas fotografías de flores, cactus y dragos.

En 1924 empezó a colaborar como redactor gráfico de La Prensa, además de exponer regularmente sus trabajos fotográficos en su local. Fue colaborador en los rotativos Hoy, Diario republicano de Tenerife, Blanco y negro, La Tarde y El Día, y en la revista gráfica Hespérides en la que, como redactor gráfico contribuyó a difundir los paisajes de las Islas.

En 1936 se afilió a la Falange Española, e inició la edición de tarjetas postales de felicitación para los combatientes, a partir de dibujos y composiciones propias. En la década de los 50 comenzó su actividad pública como consejero del Cabildo Insular de Tenerife y como concejal del Ayuntamiento de Santa Cruz de Tenerife, con un papel destacado como responsable del Servicio de Parques y Jardines Municipales. También participó activamente en diversas agrupaciones fotográficas, concursando en salones de fotografía.

En 1968 abandonó la fotografía tras ser operado de cataratas, y su estudio fue regentado por su familia. En los años 90 se digitalizaron más de 40.000 fotografías para conservar su obra.

Su obra se incluyó en la exposiciones colectivas Les avantguardes fotogràfiques à Espanya (1977) y La fotografía pictorialista en España (1998), ambas celebradas en la Fundación “la Caixa” de Barcelona. En el año 2000, el Círculo de Bellas Artes de Santa Cruz de Tenerife volvió a acoger una muestra monográfica suya. Bajo el nombre de Las islas, se mostraron 72 instantáneas realizadas entre los años 20 y 60. En 2011, su trabajo ha vuelto a poder contemplarse en el Espacio Cultural El Tanque en Santa Cruz de Tenerife. Su legado se encuentra repartido entre la Colección Gilberto Benítez y el Archivo Municipal de Santa Cruz de Tenerife.

 

 

Referencias

 

 

Libros

viernes, 17 de marzo de 2017

Sim Chi Yin

Sim Chi Yin es una documentalista visual (nacida en 1978 en Singapur, vive actualmente en Pekín) centrada en proyectos en Asia. Está particularmente interesada en la historia y en la memoria, la migración y la transitoriedad.

 

© Sim Chi Yin

© Sim Chi Yin

 

 

Biografía

Sim Chi Yin nació y creció en Singapur en una familia de origen chino. Estudió Historia Internacional en la London School of Economics and Political Science.Trabajó como periodista y corresponsal en el extranjero para The Straits Times, el diario nacional de lengua inglesa de Singapur, durante nueve años, hasta que decidió dedicarse a la fotografía a tiempo completo. Actualmente vive en Pekín desde hace 9 años, y siente que pertenece tanto al sureste asiático como al mundo chino, teniendo puesto el foco en el encuentro de culturas diferentes que se mezclan o que divergen.

Ha realizado encargos de fotografía, video y multimedia para TIME, The New York Times Magazine, National Geographic, Le Monde y The New Yorker, entre otras publicaciones internacionales, así como para ONGs. Su trabajo personal es a más largo plazo y es presentado en libros, instalaciones y proyecciones.

Su trabajo ha sido mostrado en los festivales fotográficos en Arles y Perpiñán, y expuesto en el  PhotoVille en Nueva York, el Annenberg Space en Los Angeles, Paris Photo, Nobel Peace Center en Oslo y diversos festivales en China. Ha impartido conferencias y clases en festivales y escuelas de Estados Unidos, Europa y Asia.

Chi Yin es uno de los 18 fotógrafos del mundo representados por la Agencia Fotográfica VII, con sede en Nueva York. Obtuvo una beca Magnum Foundation Human Rights y Photography fellow en la New York University y fue finalista en la Beca W. Eugene Smith en Fotografía Humanística en 2013. Fue seleccionada como una de las 30 fotógrafas emergentes a nivel mundial por Photo District News (PDN30) en 2013 y Ones to Watch  por el British Journal of Photography  y Young Woman Achiever Award en 2014. También ha sido miembro del jurado del World Press Photo para categorías documentales en 2016.

Su proyecto a largo plazo, Dying to Breathe: The Unseen Cost of Gold Mining, con el soporte del Pulitzer Center on Crisis Reporting, fue publicado en 2015.

 

 

Referencias

jueves, 16 de marzo de 2017

Maren Elize Klemp

Maren Elize Klemp es una fotógrafa noruega (vive y trabaja en Oslo) cuyo interés en la fotografía abarca el autorretrato, la fotografía en blanco y negro y el uso de equipo fotográfico vintage que infunde a sus imágenes una dimensión intemporal, utilizándose a sí misma y a sus hijos como modelos.

 

© Maren Elize Klemp

© Maren Elize Klemp

 

 

Biografía

Maren Elize Klemp comenzó con la fotografía cuando era una adolescente y vivía en una pequeña ciudad en las afueras de Oslo, Noruega. Su primera cámara, regalo de su padre, abrió su mente a un nuevo universo, y dejó con 17 años la escuela para trabajar como fotógrafa en el periódico local. Allí aprendió mucho, pero pronto se dio cuenta de que estaba más interesada en la fotografía artística que en el fotoperiodismo y se fue a estudiar a la Robert Meyer Kunsthøgskole en Oslo.

Desde entonces Klemp ha estado trabajando en varios proyectos relacionados con el arte. En 2014 viajó a Charleston, Carolina del Sur, para trabajar en su primer libro junto con el fotógrafo y profesor, José Escobar. El libro se llama Between Intervals y es una representación visual de las condiciones que las personas con enfermedades mentales pueden experimentar.

En su trabajo, investiga las profundidades de la psique humana, creando autorretratos en blanco y negro para profundizar en lo que describe como los lados más oscuros de la mente humana. Klemp fue diagnosticada con trastorno bipolar en 2013 y su trabajo enigmático ofrece representaciones visuales de la agitación interna que puede tener los que sufren enfermedades mentales como la suya.

Sus fotografías arrojan una luz suave sobre la lucha con el dolor y el aislamiento, creando una belleza mística sobre lo trágico. En algunas, parece estar huyendo o cayendo a ciegas a través de lo desconocido; en otras, está cubierta por gasas o una niebla cambiante, como si la realidad cotidiana estuviera oscurecida.

Está representada por Lensmodern en Londres, ha obtenido diversos premios, como 1º premio en Retrato en los International Photography Awards, y 1º premio en autorretrato en los Tokyo International Foto Awards, ambos en 2016, y ha realizado diversas exposiciones de su obra, en Oslo y en París.


 

Referencias

 

 

Libros

  • Between Intervals.

miércoles, 15 de marzo de 2017

Rubén García

Rubén García es un fotógrafo andaluz (nacido el 1 de noviembre de 1975 en Almería, donde vive) cuya constante principal en su obra es el desnudo y cuyos intereses se basan principalmente en el retrato de personas que están al margen de la sociedad.

 

Desolada, 2012

Desolada, 2012. Serie "Prostitución. Retratos de una vida en la calle". © Rubén García

 

 

El cuerpo desnudo nos puede aportar una información adicional extra, por así decirlo, acerca de una persona concreta en un retrato. El rostro habla y nos dice cosas, pero el cuerpo desnudo desvela aquello que normalmente vestido no se ve.

 

 

Biografía

Rubén García Felices descubrió en 2008 la fotografía, disciplina que le apasiona y a la que se dedica en su tiempo libre. Su formación fotográfica es autodidacta, y empezó a interesarse por el retrato documental en 2011, tras algunos años en los que se dedicó al autorretrato y desnudo artístico. El desnudo es casi siempre una constante en su obra, tanto artística como retratista.

Realiza la mayor parte de sus fotografías en Almería: El Alquián, Vera, los alrededores del Paseo de Almería y algunos suburbios de la ciudad se encuentran entre sus localizaciones preferidas. Sus personajes, desnudos o vestidos, son prostitutas, transexuales, nudistas y especialistas de cine, gente extraña de la cual el artista quiere mostrar su dignidad y verdad interior. Sus modelos, por lo general, posan de pie frente a la cámara, aislados sobre un fondo neutro. Está influenciado por autores como Rineke Dijkstra, August Sander o Diane Arbus y su estilo se caracteriza por ser bastante realista y no hacer uso de adornos.

De su obra destacan sus series Prostitución. Retratos de una vida en la calle, realizada entre 2011 y 2014 en los barrios marginales almerienses de El Puche y Pescadería y seleccionada en el programa Descubrimientos del festival PHotoEspaña de 2013, y Nudistas, en la que trabaja desde 2013 mostrando al colectivo denominado Turismo nudista.

A lo largo de su trayectoria, ha ideado y comisariado diversos proyectos expositivos, entre los que destaca Nueva fotografía internacional en el siglo XXI (2015-2016), en espacios como el Centro Municipal de las Artes (CMA) de Alcorcón o el Museu de Belles Arts de Castelló, para el festival Imaginària. Además ha editado Contemporáneos. Treinta fotógrafos de hoy en La Fábrica en 2015, un volumen que recoge una amplia panorámica de la fotografía más contemporánea. También ha editado y dirigido el número cero del fanzine Contemporáneos Zine, publicado en 2016.

Con su obra ha participado en diferentes festivales de fotografía, tales como: Fotonoviembre (Santa Cruz de Tenerife), PhotOn Festival (Valencia), PHotoEspaña (Madrid), Encontros da Imagen (Braga), Imaginària - Fotografía en primavera (Castellón), Outono Fotográfico (Ourense) y segoviaFOTO (Segovia).

Entre sus principales exposiciones, figuran la individual realizada en el Centro Português de Fotografia (C.P.F.) de Oporto (2014), y las colectivas celebradas en la Place M2 Gallery de Tokio (2011), Museo de Almería (2014 y 2016), Galería Railowsky de Valencia (2015) y en la Galería BAT Alberto Cornejo de Madrid dentro del Festival Off de PHotoEspaña 2016.

Su obra forma parte de las colecciones del Centro Português de Fotografia de Oporto, de la fototeca de la Real Sociedad Fotográfica de Madrid, de la Fundación Museo Casa Ibáñez de Olula del Río (Almería) y del Centro de Fotografía Isla de Tenerife de Santa Cruz de Tenerife, entre otras.

 

 

 

Referencias

 

 

 

 

 

Libros

  • Contemporáneos. Treinta fotógrafos de hoy (edición). 2015.
  • Prostitución. Retratos de una vida en la calle. 2015.
  • Rubén García: la tradición del desnudo. 2011.

martes, 14 de marzo de 2017

Jake Olson

Jake Olson es un fotógrafo estadounidense (nacido en Tekamah, Nebraska, vive en Blair, también Nebraska) cuya fotografía se centra principalmente en retratos de tipo candid, la mayor parte de ellos de familias, niños y mascotas (perros) en carreteras, campos y caminos rurales, con una luz especial al atardecer. 

 

© Jake Olson Studios

© Jake Olson Studios

 

 

Biografía

Jake Olson nació en un pequeño pueblo donde la caza, las carreteras polvorientas y otras actividades al aire libre en la Nebraska rural le formaron. Con 16 años, se mudó a Michigan, se graduó y se trasladó a Colorado, donde asistió al Colorado Institute of Art, que dejó para trabajar en la venta de joyería de gama alta en Denver, donde formó una familia clásica.

Todo fue bien hasta el  colapso financiero de 2008, que le obligó a volver a Nebraska donde la recesión también le golpeó y deprimió hasta encontrar su consuelo en el alcohol. Al final dijo basta y se rehabilitó e inmediatamente comenzó a utilizar la cámara que usaba para tomar fotos de las cosas que vendía en eBay, para hacer fotos que gustaron y que le han llevado a un nuevo trabajo lleno de éxitos, muy visible en las redes sociales, con una labor educativa a través de tutoriales, videos, seminarios y a crear una nueva familia.

Olson fue nombrado por The Huffington Post como uno de los 30 más influyentes fotógrafos socialmente influyentes en el mundo en 2014. Sus imágenes han aparecido en docenas de publicaciones en todo el mundo, incluyendo British Vogue, Digital SLR Magazine, Practical Photography Magazine, Digital Photo Magazine, SLR Lounge y My Modern Met.

Sus fotografías también han sido utilizadas por la BBC, ABC NEWS y presentadas en National Geographic, Forbes.com y Bloomberg. Distribuye sus imágenes en Trevillion Images, una de las agencias de fotografía creativas más importantes del mundo. También se venden a editores de libros y autores de best-sellers y aparecen en portadas de decenas de títulos.


 

Referencias

 

 

Libros

lunes, 13 de marzo de 2017

A Yin

A Yin es un fotógrafo chino (nacido en 1970) que ha dedicado su vida apasionadamente a documentar la cultura de su provincia natal de Mongolia Interior. Es un antropólogo-fotógrafo autodidacta que se ha encargado de registrar la actualidad de los nómadas de Mongolia. Los cambios fenomenales que capta cuentan la historia más amplia de la transformación de China.

 

Ba Xidurigu, 41 and daughter Wurihan, 8, Inner Mongolia April 2007 © A Yin

Ba Xidurigu, 41 and daughter Wurihan, 8, Inner Mongolia April 2007 © A Yin

 

Estoy documentando la forma de vida de los descendientes de Gengis Khan.

 

 

Biografía

A Yin es un autodidacta y galardonado fotógrafo chino criado en Xing'an Meng en la periferia de los pastizales de Keer Qing, Cuando tenía 14 años, tuvo que dejar la escuela porque su familia no tenía dinero. Estuvo cultivando durante unos dos años y hizo todo tipo de cosas, como ir a robar pollos para sobrevivir.

Empezó a escribir para el periódico local, siendo independiente y ganando su propio dinero. Desde  joven, le gustaba el arte, la escritura, la caligrafía. Siempre quiso volver a la escuela pero nunca pudo cumplir su sueño. Empezó un pequeño negocio ambulante de venta de ropa. En ese momento, las fotografías en color acababan de llegar a las aldeas y pensó que si compraba una cámara, podía hacer fotos para la gente corriente y hacer algo de dinero, y también hacer algunas fotos de noticias para el periódico para el que estaba escribiendo, así que se compró en 1989 una cámara de 35 milímetros, comenzando a aprender la fotografía por su cuenta.

Para revelar la película hacía una vez al mes un viaje en tren de medio día a una ciudad a 500 kilómetros, pero esto era demasiado lento para el periódico, así que se compró una cámara Seagull 120 y una ampliadora muy simple, comenzando a revelar la película en casa en condiciones muy precarias. Así pudo empezar a hacer fotos de graduación para las escuelas en las aldeas, para ganar dinero, y también fotografiaba a los alumnos y a los maestros. Entre 1990 y 1996, visitó unas 200 aldeas y fotografió las duras vidas de las aldeas y las escuelas.

La sociedad china se está desarrollando muy rápidamente y las tradiciones están cambiando, disminuyendo, desapareciendo. A Yin viene de una familia de granjeros y quiere documentar, ayudar a preservar y propagar las grandes tradiciones de sus antepasados. Siente un dolor en su corazón al ver que todo cambia. Esas tradiciones pertenecen a un mundo antiguo. Está documentando el modo de vida de los descendientes de Genghis Khan, que son mongoles pero han llegado a ser muy chinos a través del tiempo y a través de la interacción con ellos. Su propia familia había renunciado a la vida nómada que llevaban haciendo durante más de 200 años, perdiendo sus propias tradiciones.

Por ello, a partir de 1998, comenzó a fotografiar a los últimos nómadas mongoles, cuya cultura estaba desapareciendo rápidamente. Ha estado viviendo en el prado Uzhumuchin durante los últimos 12 años (la mitad del año, la otra mitad con los nómadas) y abrió allí un pequeño estudio fotográfico. Su piel curtida es una marca orgullosa de haber trabajado en condiciones climáticas extremas, desde intensas tormentas de arena a las fuertes ventiscas de invierno.

Desde la década de los 80, ha estado escribiendo y fotografiando la cultura de Mongolia con más de 200.000 negativos. Su primer gran libro fotográfico, Seguidores de Genghis Khan, los nómadas mongoles de China, encapsula al pueblo mogol y a su cultura como parte de su misión de preservar la desaparecida cultura nómada a través de sus fotografías. Y su segundo gran libro fotográfico, Escuelas, ilustra el sistema escolar mongol en la década de los 90 y los cambios dramáticos que la gente ha sufrido en muy poco tiempo.

A Yin fue citado en All Roads Film Project de National Geographic de 2007.

Después de fotografiar allí durante un largo tiempo, pasó cinco años investigando y escribiendo una colección de 26 volúmenes de libros, en mongol, sobre la historia del lugar, sus costumbres y prácticas. Y empezó a realizar la revista WuJu Muqi Culture sobre sus costumbres y culturas, con sus textos e imágenes, y las de autores locales. Era su manera de entender profundamente su cultura, para hacer un registro de ella y protegerla.

 

 

Referencias

 

 

Libro

  • Followers of Genghis Khan, Nomadic Mongolians of China.
  • Schools.

domingo, 12 de marzo de 2017

Toni Ricart

Toni Ricart es un diseñador gráfico, dibujante, músico amateur y fotógrafo catalán (nacido en Barcelona en 1957, vive en La Floresta – San Cugat, provincia de Barcelona) que realiza una fotografía muy variada, con una tendencia en la actualidad hacia la abstracción reduciendo los objetos fotografiados a combinaciones de líneas y tramas.

 

© Toni Ricart

© Toni Ricart

 

 

Biografía

Toni Ricart estudió de Bellas Artes en la Universidad de Barcelona. Su interés por la fotografía le llegó a través de su tío Marcel Giró, uno de los principales miembros de la Escuela Paulista en Brasil en los años 50.

Su condición de diseñador gráfico está muy presente en sus fotografías, centradas esencialmente en la composición y el equilibrio, tanto en temas más abstractos como en retratos o fotos de calle.

En 1985 fundó su propio estudio de diseño: TR multistudio, especializado en diseño gráfico y creación de sitios web y aplicaciones interactivas, y en 2014 creó Multistudio BOOKS, una editorial especializada en libros de arte, fotografía y diseño.

Ha obtenido diversos premios, como una mención honorífica en el IPA 2016, fue preseleccionado en el HIPA 2016, y también obtuvo el primer premio del concurso Vinheta Paraty en el Paraty Em Foco de 2015.

 

 

Referencias

 

 

Libros

sábado, 11 de marzo de 2017

John Kenny

John Kenny es un fotógrafo inglés (nacido en Manchester en 1975, vive en Londres) cuyos  impresionantes retratos de África y el subcontinente indio documentan una serie de sociedades tribales justamente orgullosas de sus tradiciones y patrimonio cultural. Son un testimonio de las vibrantes culturas que aún existen en algunos de los lugares más aislados de la Tierra.

 

© John Kenny

© John Kenny

 

 

 

Biografía

John Kenny se enamoró de la fotografía hacia 2003. Sin haber tenido la suerte de recibir una educación en arte o fotografía, cuando cogió su primera cámara réflex se dio cuenta de que había encontrado la forma perfecta de expresarse.

En su primer viaje a África en 2006, sin un plan muy determinado, se encontró con un mundo que le ha llevado a marcarse el objetivo de viajar a través de algunas de las zonas más remotas del continente donde la urbanización y la vida del siglo XXI sean apenas detectables, fascinado por encontrar sociedades que son capaces de sobrevivir en algunos de los ambientes más áridos, aislados y difíciles.

También allí desarrolló su estilo de fotografía de retrato de comunidades tradicionales, fuertemente influenciado por las dramáticas imágenes de los artistas de claroscuro. El claroscuro es un término italiano que significa literalmente luz-oscuridad. En ese momento estaba en el comienzo de su viaje a África, lleno de energía y emocionado por la gente extraordinaria y culturas fascinantes que había encontrado y se preguntaba cómo podría comunicar y expresar estos sentimientos de emoción a sus amigos y familiares cuando volviera a casa.

La solución, fue evitar los retratos ambientales y utilizar una cabaña como un gran 'estudio abierto', utilizando como iluminación de la luz del sol natural, y el sol en la tierra seca, que llega a la oscuridad de las cabañas e ilumina a personas excepcionales. 

Su serie favorita sigue siendo la de Kenia del Norte tras 6 semanas de intenso viaje con su guía, Mo, a través de áreas remotas sin vehículo y a menudo sin saber cómo llegar a la siguiente población. John ha fotografiado desde las regiones africanas que se extienden en los valles meridionales de Etiopía, desde el áspero desierto del norte de Kenia, a las regiones desérticas meridionales de Namibia y de Angola. En el subcontinente indio su trabajo lo ha llevado a las tribus del desierto del norte de Gujarat, a las aguas sagradas de Varanasi y al Himalaya nepalí. A través de toda su obra, las caras emergen de las sombras, iluminadas por una suave y difusa luz natural.

 

 

Referencias

 

 

Libros

viernes, 10 de marzo de 2017

Ibarionex Perello

Ibarionex Perello es un escritor, educador y fotógrafo estadounidense (reside en el área de Los Ángeles, California) que también es presentador y productor del podcast fotográfico The Candid Frame, donde entrevista a conocidos fotógrafos. Su trabajo personal es la fotografía de calle.

 

© Ibarionex Perello

© Ibarionex Perello

 

 

Biografía

Ibarionex Perello aprendió fotografía siendo un miembro del Boys Club de Hollywood. Un consejero, Mike Cohen, restauró un cuarto oscuro que no había sido utilizado durante años e invitó a dos fotoperiodistas a venir y a enseñarnos a los niños cómo hacer fotos, revelar película y hacer copias en papel. Desde el momento en que vio la imagen aparecer en el papel en la bandeja del revelador, se enganchó.

Aunque asistió a algunas clases en la universidad, ha sido principalmente autodidacta, basando la mayor parte de su educación fotográfica estudiando por su cuenta el trabajo de grandes fotógrafos como William Albert Allard, Gordon Parks y Sam Abell.

Estaba trabajando en Nikon. en el soporte técnico, y quería volver a escribir. Se había graduado en Literatura Inglesa en la UC Berkeley y había escrito para periódicos universitarios en Los Angeles City College. Así que, cuando vio un anuncio en el periódico, se pasó a escribir artículos sobre fotografía en revistas. En sus más de 25 años de experiencia en la industria fotográfica, su trabajo ha aparecido en numerosas publicaciones, como Outdoor Photographer, Rangefinder, Shutterbug, Popular Photography, DP Review y en las revistas Light It de Scott Kelby.

Durante los últimos años ha sido presentador y productor de The Candid Frame, un popular podcast de entrevistas a fotógrafos que ha contado, entre otros, con conversaciones con Elliot Erwitt, Dan Winters y Mary Ellen Mark.

Es profesor adjunto en el Art Center College of Design e instructor el la escuela online de fotografía Better Photo. Su labor divulgadora se ha complementado con cursos, talleres y sus libros técnicos. Su fotografía es principalmente de calle, fotografiando los personajes y las intrigantes yuxtaposiciones de las calles de Los Ángeles.

 

 

Referencias

 

 

Libros

  • Chasing the Light: Improving Your Photography with Available Light
  • Canon 5D Mark III: From Snapshots to Great Shots
  • Adobe Master Class: Photoshop Inspiring Artwork and Tutorials by Established and Emerging Artists
  • Portraits of Strangers
  • Chasing the Light: Photography and the Practice of Seeing, DVD
  • Road To Seeing, con Dan Winters. 
  • Visual Stories: Behind the Len, con Vincent Laforet. 

jueves, 9 de marzo de 2017

Juantxu Rodríguez

Juantxu Rodríguez fue un fotógrafo español (nacido en Casillas de Coria, Cáceres, en 1957, asesinado en Ciudad de Panamá, Panamá, el 22 de diciembre de 1989) que quiso con su obra dar una llamada de atención sobre temas sociales que pasaban inadvertidos en el momento, mostrando a través de sus series los hechos tal y como sucedían por delante de su cámara.

 

© Juantxu Rodríguez

© Juantxu Rodríguez

 

 

Biografía

Juan Antonio Rodríguez Moreno se traslado siendo un niño al País Vasco con su familia, donde se inició en la fotografía gracias a un curso, y junto a algunos compañeros formó el grupo de fotografía Portubarri, participando en varias exposiciones colectivas.

Comenzó su carrera profesional como fotógrafo en el diario Hierro de Bilbao, publicando su primera foto en 1981 . Más tarde trabajó para otros medios tanto españoles (Deia, El País, La Vanguardia y Tribuna Vasca) como internacionales como Liberátion, Newsweek y The New York Times.

En 1982 empezó a trabajar para el Gabinete de Prensa de la Universidad Internacional Menéndez Pelayo (UIMP) donde retrató a personalidades como Miquel Barceló, Jorge Luis Borges, Eduardo Chillida, Octavio Paz, Antonio Saura y Gonzalo Torrente Ballester principalmente en sus cursos de verano. A partir de 1982 colaboró con la Agencia Cover.

En 1988, gracias a una beca de la UIMP, realizó el reportaje Españoles en Estados Unidos y la serie Bronx, que vinieron a unirse a sus anteriores trabajos Margen izquierda o Travestis, con los que había sabido contar historias en cada imagen. En 1989 viajó a América Latina para realizar un reportaje sobre el asesinato de seis jesuitas en El Salvador. Al producirse la invasión estadounidense de Panamá, decidieron quedarse a retratar a la población. Mientras cubría la información de la Invasión de Panamá para El País junto a la periodista Maruja Torres, murió por disparos de las tropas estadounidenses

La escuela EFTI de Madrid presentó en 2010 la exposición Juantxu Rodríguez, 1989-2009, 20 aniversario; y en 2011, la UIMP expuso Huellas de luz y tiempo, 40 retratos del fotógrafo seleccionados de entre un archivo de más de 15.000 fotografías.

Su trabajo ha sido reconocido con el Primer Premio FotoPres en la categoría de Retratos (1984), el Premio Ortega y Gasset de Periodismo (a título póstumo en 1989 por su última fotografía, de la morgue de Panamá), el Premio Especial Foto Profesional (1989) y la Medalla al Mérito en el Trabajo (2004). varios FotoPress en distintas categorías, con una mención especial al reportaje sobre la invasión estadounidense a Panamá, y hasta una placa conmemorativa en el Parque de El Retiro, en Madrid, junto a un árbol que crece con raíces profundas, como las suyas. En 2011, la Federación de Asociaciones de Periodistas de España y la UIMP inauguraron en Santander la Escuela de Periodismo Juantxu Rodríguez.

 

 

Referencias

 

 

Libros