martes, 28 de febrero de 2017

Kathryn Oliver

Kathryn Oliver es una artista estadounidense (vive en Camden, Mayne) cuyo viaje creativo la ha llevado repetidamente al campo de la metáfora y del mito como una manera de expresar algo eterno dentro de sí misma. Su raíces en la pintura, el teatro y la danza alimentan la fotografía que ella realiza actualmente en la que mezcla indicios de todos estos elementos en sus imágenes.

 

© Kathryn Oliver Fine Art

© Kathryn Oliver Fine Art

 

Con un lenguaje simbólico del mito y los arquetipos, estoy siempre en la búsqueda de una narrativa visual que evoque un reconocimiento interno de la naturaleza, algo en el exilio, perdido u oculto, pero que deje una impresión interiormente ya conocida.

 

Biografía

Kathryn descubrió desde pequeña su amor por la pintura. Introvertida y tímida, a menudo estaba sola con su imaginación y desarrollaba una rica vida interior de impresiones. A medida que crecía, las aspiraciones creativas la llevaron a llevar este mundo interior a través .

Estudió fotografía en la escuela secundaria en Ann Arbor, Michigan, sólo por los créditos pero le cautivó instantáneamente. Al mismo tiempo se enamoró de la pintura al óleo e instaló un cuarto oscuro y pintaba lienzos en su habitación. Su madre trabajaba con libros y le trajo a casa libros sobre Diane Arbus, Man Ray y Brassai. Otra gran inspiración fue el festival de cine de  Ann Arbor, donde pudo ver una amplia gama de cine de vanguardia.

Autodidacta, Kathryn es una fotógrafa artística que integra de forma natural la narración en su fotografía. Capta la naturaleza infantil salvaje y subyacente de la humanidad como imágenes narrativas. Combinando lo real con lo irreal, la naturaleza, la poesía y las historias, logra exponer momentos extramundos que hablan al espectador en forma de metáfora y mito. Con una trayectoria profesional en pintura, teatro y danza, su práctica fotográfica está influenciada por una rica mezcla de estas disciplinas que resulta en imágenes atemporales en blanco y negro.

Su trabajo fue seleccionado para Curious Camera, un concurso internacional de cámaras pinhole y de plástico patrocinado por ArtsEye Gallery en Tucson, Arizona. También ha exhibido su trabajo varias veces en el The Center For Fine Art Photography en Fort Collins, Colorado.

Actualmente crea y exhibe fotografía artística en blanco y negro, también foto-encáustica (fotografías tratadas con cera y pigmentos) y realiza talleres de fotografía encáustica en Maine durante todo el año.

 

 

Referencias

lunes, 27 de febrero de 2017

Antonio Passaporte

Antònio Passaporte fue un fotógrafo portugués (nacido en Évora el 24 de febrero de 1901 y fallecido en Lisboa en 1983) conocido principalmente por sus trabajos en España para la Casa Loty en los que documentó gran parte de los monumentos del país.

 

Antonio Passaporte

Antonio Passaporte

 

 

Biografía

Antònio Pedro Passaporte fue hijo de Joao Pedro Braga Passaporte, fotógrafo que trabajó para la Casa Real portuguesa. Su personalidad inquieta y el deseo de nuevas experiencias le llevaron a partir a Madrid en 1923 donde comenzó su carrera de fotografía. Trabajó en los laboratorios de Películas Cinematográficas de Madrid. Más tarde, como vendedor de papel fotográfico de la empresa Carlos Alberty & Cia, viajaría mucho por España y Argentina

Charles Alberty-Jeanneret creó con su esposa Concepción López la Casa Loty, dedicada a la explotación de fotografías, , lo que le llevó a fotografiar intensamente en sus viajes paisajes y monumentos, compaginando su trabajo de viajante con la dedicación a la fotografía turística, orientado por Alberty, que le puso al corriente del valor turístico de las postales, enseñándole algunas hechas en Francia. y compró para Passaporte una cámara ligera de 10×15, marca ICA, con la que podía fotografiar al mismo tiempo que visitaba la clientela de papeles heliográficos y fotográficos. Algunos meses después ya tenía una buena serie de clichés y copias, tanto de exteriores como de interiores de iglesias y de palacios, se seleccionaron y ampliaron a 30×40 y se expusieron en un salón adecuado para que el publico pudiese apreciar las maravillas de paisaje y monumentos de España.

La exposición fue muy apreciada. El gobierno del general Primo de Rivera, que fomentaba el desarrollo de la industria, la agricultura y las artes, adquirió todo el trabajo expuesto y lo utilizó en exposiciones que se hicieron de acuerdo con las embajadas de España en varios países, siendo distribuidos al mismo tiempo folletos alusivos a los aspectos representados.

La visión general de la que partió la firma Loty guarda gran relación con el enfoque de los actuales bancos de imágenes: crear un ambicioso archivo que dé servicio a las agencias de prensa, publicaciones y empresas de turismo. Para ello, Passaporte tomó imágenes de vistas urbanas, monumentos, paisajes y tipos populares de toda España que luego se comercializaron principalmente en formato postal.

El negocio de la fotografía siguió creciendo y se realización otras exposiciones, tanto en España como fuera del país, en las que se ganaron algunos premios. Además de las fotografías destinadas a postales turísticas, la Casa Loty se dedicó también al género religioso. Hubo otros fotógrafos que trabajaron para Loty, pero Passaporte fue el principal y mayoritario, y entre 1927 y 1936 fue el autor de todas las fotografías de la firma, siendo conocido como el ‘señor Loty’, aunque en las credenciales siempre figurara su apellido.

Iniciada en el 36 la Guerra Civil Española, la firma Alberty & Cia tuvo que cerrar y Carlos Alberty y su esposa regresaron a Francia. Passaporte quedó al frente de Casa Loty, pero no eran buenos tiempos para el negocio, consiguiendo algún otro trabajo y alistándose a las Brigadas Internacionales como reportero gráfico inmortalizando con su cámara el devenir del frente en la Sierra de Guadarrama.

Al finalizar la guerra, la editorial de postales Arribas, de Zaragoza, le ofreció trabajo pero éste ya había decidido regresar a Portugal, y Arribas adquirió las postales de la extinta Casa Loty. Una vez en Lisboa, continuó al frente de su negocio de edición y venta de postales, y posteriormente escribiendo sus memorias en Loty y la Guerra Civil Española.

Su archivo estuvo originalmente constituido por 12.000 placas de vidrio de formato único (10 x 15 cm.), junto con sus correspondientes copias de época organizadas en álbumes-muestrario. A finales del siglo XX los propietarios del archivo fragmentaron la colección para proceder a su venta en lotes, con destino a coleccionistas particulares e instituciones públicas de carácter autonómico y local. El Ministerio de Cultura de España frenó este proceso de disgregación del archivo en 2002, mediante la adquisición de todos los fondos que quedaban por vender, unas 7.255 placas de vidrio con sus correspondientes positivos dispuestos en 23 álbumes.

También hay parte de su obra en el Arquivo Municipal de Lisboa, una colección de casi 14.000 negativos, con imágenes de los años 1940 y 1950, resultado de diferentes encargos de la Cámara Municipal de la capital portuguesa y de la colección adquirida en 1997 y 1998 a Rodolfo Passaporte, hijo de Antonio.

 

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Referencias

 

 

Libros

  • Loty, las fotografías de Charles López Alberty Jeanneret no Arquivo Histórico Provincial de Lugo, 2001
  • Asturias, 1928: fotografías de Loty, 2007
  • La fascinación marroquí. Imágenes del norte de África en el archivo Loty, 2011 (catálogo electrónico).
  • Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI,  2013.

domingo, 26 de febrero de 2017

Sébastien Tixier

Sébastien Tixier es un fotógrafo francés (nacido en 1980 en Borgoña, vive y trabaja en la región de París) cuya obra, en estudio o al aire libre, va desde las esquinas oscuras de las fotografías escenificadas hasta los documentales sobre las cuestiones de nuestro tiempo.

 

© Sébastien Tixier

© Sébastien Tixier

 

 

Biografía

Sébastien Tixier estudió ingeniería, pero la tímida fascinación que tuvo durante la infancia por la cámara Zenit de su padre finalmente asumió el poder en 2007 cuando comenzó su carrera como fotógrafo freelance, con What is left from our dreams? mostrando su interés pronunciado por la puesta en escena, que continua en sus obras más recientes, como Stories about ordinaray lives, en las que se sitúa no en la búsqueda del momento decisivo, sino creando imágenes teatralizadas y congeladas como pinturas, para revelar un mundo de dudas y poesía.

Su obra ha sido ampliamente expuesta, desde sus inicios en 2008 en el marco de la primera Affordable Art Fair de la galería parisina Art & You, en la galería NKA * Pascal Polar en Bruselas, Bélgica, Espace Dupon en París, Arlés, Brest, Londres, … y sus fotografías han sido galardonadas con el Grand Prix d'Auteur del European Festival of Nude Photography en 2009, Oro en Px3 de Fotografía en 2011 y 2013, entre otros.

Ha realizado series sobre la isla abandonada de Hashima, el tren Transiberiano en 2011, y en 2013 los asentamientos más al norte de Groenlandia. Allanngorpoq es su trabajo más reciente y sintetiza un año y medio de preparación (documentando, haciendo contactos, y aprendiendo el idioma) y su inmersión en Groenlandia, capturando las evoluciones de un territorio cambiante y de su gente.

 

 

Referencias

 

 

Libros

sábado, 25 de febrero de 2017

Danny Green

Danny Green es un fotógrafo inglés (vive en Leicestershire, Reino Unido) cuyo trabajo de naturaleza salvaje le ha otorgado numerosos galardones y se publica regularmente en la revista BBC Wildlife Magazine. Aunque viaja ampliamente, es más feliz trabajando en el Reino Unido, sobre todo en las islas Shetland, cuyas vastas colonias de aves marinas las convierten en un sueño para el fotógrafo. Le interesan todos los aspectos de la naturaleza como mamíferos, aves, insectos y reptiles.

 

© Danny Green

© Danny Green

 

 

Biografía

Danny Green se interesó por la naturaleza desde una edad temprana y pasaba poco tiempo en casa, siempre vagando por los bosques y los ríos en busca de vida silvestre. Su difunto abuelo fue una gran influencia en su infancia,  mostrándole continuamente los signos de la naturaleza y señalando los diferentes aspectos de la vida en las estaciones, en el día y en la noche.

Más de 30 años después y todavía Danny está tan inquieto y deseoso de aprender más sobre el mundo natural como en aquellos días. Se interesa en todo tipo de historia natural: mamíferos, aves, insectos y reptiles. Le gusta viajar a lugares exóticos, a regiones remotas del norte de Europa: desde las montañas de Escocia a los bosques boreales de Finlandia, pasando por la tundra ártica de Islandia, y el hielo polar de Svalbard, pero la mayoría de su trabajo lo ha realizado en el Reino Unido, en islas Shetland, cuando las condiciones climáticas le permiten fotografiar las grandes colonias de aves marinas y otras especies animales del norte de Europa

Sus imágenes son ampliamente publicadas y también están representadas por las principales agencias de imagen del país como RSPB Images, Naturepl y NHPA. Ha tenido de conseguir algunos premios para mi fotografía que se puede ver en la sección de premios. Dirige un exitoso negocio de viajes de fotografía con Mark Sisson llamado Natures Images, que se especializa en viajes fotográficos por el Reino Unido y el extranjero.

Su aproximación a la fotografía de naturaleza es un proceso largo y puede a veces pasar meses, o años, trabajando en determinados temas y proyectos. Durante siete años Danny ha estado trabajando en un proyecto para documentar las regiones árticas y subárticas del norte de Europa, creando un cuerpo de trabajo fotográfico que publicó en su libro The Long Journey North, hoy agotado.

Publicó en 2014 su primer artículo para National Geographic con un trabajo sobre el frailecillo atlántico, tras un proyecto de cinco años y para lo que visitó algunas de sus colonias en el Reino Unido, Islandia y Noruega en busca de imágenes del icónico pájaro.

Siempre ha utilizado Canon, trabajando principalmente con película sus primeros años y más tarde abrazando completamente la tecnología digital, y fue invitado por esta marca para ser explorador de la luz Canon en la categoría de naturaleza. También forma parte del Pro Team de la empresa de bolsos y mochilas Gura Gear.

 

 

Referencias

 

 

Libros

  • The Long Journey North Book. 2014.

viernes, 24 de febrero de 2017

Illés Tóth

Illés Tóth es un fotógrafo húngaro (nacido en 1984) que está interesado en la gente así que le encanta hacer tanto retratos espontáneos como preparados. Está enamorado de las calles, que intenta capturar tanto desde un punto de vista clásico como moderno.

 

Maria Valeria Bridge © Illés Tóth

Maria Valeria Bridge © Illés Tóth

 

 

Biografía

Illés Tóth estudió horticultura, pero comenzó a aprender fotografía en Dinamarca en la escuela secundaria Brandbjerg Folk en 2013. Después continuó aprendiendo de forma autodidacta, leyendo libros técnicos y practicando mucho. En 2014 obtuvo un título oficial de fotografía en Hungría.

Le encantan las fotos en blanco y negro porque así puede acentuar más las formas y los tonos y las imágenes se vuelven más honestas. Pero en su nuevo proyecto, Freeride, ha abierto sus ojos al mundo de los colores. Toma imágenes espontáneas desde su bicicleta (sin componer ni mirar en la cámara) y luego selecciona las que son interesantes en términos de forma y color.

Realiza exposiciones regularmente (Balassi Institute of New Delhi, MÜSZI Budapest, FUGA Budapest Center, …). Ha obtenido diversos premios en diferentes concursos como el Concurso André Kertész o el Gran Concurso de Primavera en Hungría. Está preparando para 2017 nuevas exposiciones: Shoes en el Israeli Cultural Institute e Instant Life Pictures junto con Eszter Molnár en TAT Contemporary Art Gallery, ambas en Budapest.

 

 

Referencias

jueves, 23 de febrero de 2017

Edwin Kats

Edwin Kats es un fotógrafo holandés (nacido en 1974, vive en Nunspeet) que realiza fotografía de naturaleza, fotografía paciente para capturar a los animales, con un estilo personal propicio al trabajo en  proyectos a largo plazo, previsualizando la mayoría de las veces una imagen antes de salir y tratar de hacerla.

 

© Edwin Kats

© Edwin Kats

 

 

Biografía

Edwin Kats vive en el centro de Holanda, rodeado de bosque, agua y brezal, lo que le ofrece muchas posibilidades para capturar la maravillosa flora y fauna existente cerca de casa.

En 2006 se pasó a la fotografía digital y, aunque todavía añora trabajar con diapositivas Velvia y Provia, se acostumbró a lo digital muy rápido y aprendió a amarlo. Su cámara más reciente es una Nikon D4 y su objetivo principal un Nikon 500/4 VR, una lente magnífica con autofoco rápido y fondos suaves, y casi siempre fotografía oculto en un hide.

Desde siempre ha tenido una estrecha relación con la naturaleza y la vida silvestre en particular. Caminar al aire libre en solitario ha sido siempre una gran aventura desde niño. Desde 1992 ha fotografiado principalmente fauna nativa holandesa pero actualmente disfruta de la emoción de viajar a otros lugares fantásticos de Europa como el Reino Unido y Escandinavia.

Su trabajo se publica a menudo en revistas como Outdoor photographer, Focus, BBC Wildlife Magazine and National Geographic Magazine y realiza talleres/viajes de fotografía de naturaleza.

Sus imágenes se venden por todo el mundo a través de agencias internacionales como Nature In Stock, Wildlifebild, RSPB Images y Arterra.

 

 

Referencias

miércoles, 22 de febrero de 2017

Piotr Zbierski

Piotr Zbierski es un fotógrafo polaco (nacido en 1987, vive y trabaja en Lodz) cuyo principal objetivo es llegar a través de la esencia de las emociones humanas, a su forma más pura sin adiciones, sin artificios. Para mostrar al hombre en la forma en que ha sido creado, un hombre de un pueblo primitivo.

 

© Piotr Zbierski

© Piotr Zbierski

Para mí la fotografía es un medio íntimo. Me ayuda a expresarme pero ,además, me permite estar más cerca de la vida y de la gente, permitiendo mirarles directamente a los ojos.

 

 

Biografía

Piotr Zbierski estudió fotografía en la Escuela Nacional de Cine. En su trabajo creativo comienza desde una experiencia personal, privada y única desde el principio, y llega a través de una imagen a una parte, que es común para todos nosotros, e independiente de él mismo. La vida es una película dirigida por el universo, mientras que el mundo es la mayor acumulación de metáforas sensualmente disponibles, un secreto sobre un secreto o una metáfora de una metáfora. En su opinión, hay una realidad e infinitas visiones.

Sus fotografías no están conectadas con el lugar y el tiempo, sino en el nivel de las emociones. Su  trabajo son historias sobre el equilibrio entre estados inconsistentes y sentimientos. La fotografía es su forma de comunicación, un lenguaje habla de él indirectamente.

Durante los últimos años ha viajado mucho realizando fotografías de personas que conoció en su camino y que le inspiraron. De esta manera hasta cierto punto, sus imágenes se han convertido en una especie de diario personal, principalmente destinado a crear una obra con la que el receptor pueda identificarse, pueda sentir las imágenes como recuerdos suyos.

Es autor de tres exposiciones individuales (White Elephants, Here, Love has to be reinvented), y ha participado en exposiciones colectivas y publicaciones incluyendo Photokina y Lab East, presentando su obra en países como Polonia, Alemania, Portugal, Rusia, Eslovaquia. Ha publicado sus trabajos en revistas como Shots Magazine, Ninja Mag, Archivo Zine, Die Nacht, Gup Magazine, y otros.

En 2012 ganó el prestigioso premio para jóvenes fotógrafos Leica Oscar Barnack Newcomer Award. Su trabajo fue nominado al Deutsche Börse Photography Prize y ha sido nominado en otros premios como Les Nuits Photographiques 2012, Terry O'Neill Award) por su serie Pass by me. Sus trabajos han sido mostrados en el Festival de Arles en 2012 y forman parte de la colección del Kiyosato Museum of Photographic Arts.

 

 

Referencias

 

 

Libros

martes, 21 de febrero de 2017

Raimon Santacatalina

Raimon Santacatalina es un fotógrafo catalán (nacido en Vilafranca del Penedés, Barcelona, en 1969) que practica casi cualquier disciplina fotográfica (fauna, macro, paisaje, nocturna…) aunque siempre relacionada con la naturaleza que es lo que más le entusiasma.

© Raimon Santacatalina

© Raimon Santacatalina

Biografía

Raimon Santacatalina empezó a admirar y respetar la naturaleza desde la infancia recorriendo durante muchos años los Pirineos, campos y espacios naturales con sus padres. Y la afición por la fotografía también le llegó gracias a su padre que le regaló su primera cámara, una Pentax Asahi Spotmatic SP II, cuando Raimon tenía 15 años.

Estas dos aficiones se juntaron en la fotografía de naturaleza en 2006, cuando se compró su primera cámara réflex digital, una Canon EOS 10 D, y un par de objetivos Sigma de gama baja. A partir de ahí, comenzó su largo camino autodidacta de aprendizaje en internet, con libros, viendo fotos y cómo no, probando con la cámara, y consiguiendo un equipo más profesional.

En 2010 se hizo socio de AEFONA (Asociación Española de Fotógrafos de Naturaleza) y en 2017 de WWF (Fondo Mundial por la Naturaleza).

Algunas de sus fotografías han sido seleccionadas y premiadas en concursos nacionales e internacionales, como en el Concurso Internacional de Fotografía de Naturaleza Oasis Photo Contest de Italia, incluidas en audiovisuales y publicadas en libros como Naturaleza Ibérica: cuatro estaciones de vida publicado por AEFONA y revistas impresas y en línea, como la Revista IRIS.

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Libros

lunes, 20 de febrero de 2017

Federico Veronesi

Federico Veronesi es un fotógrafo italiano (nacido en Milán en 1975, vive en Kenia) que pasa la mayor parte de su tiempo en el Masai Mara NR, desde donde dirige safaris fotográficos.

 

© Federico Veronesi

© Federico Veronesi

 

Fotografío animales salvajes simplemente porque los amo y me encantan los lugares donde viven. He dedicado la mayor parte de mi vida adulta a verlos, esperarlos, buscarlos, fotografiarlos. Y me encanta la sensación de estar rodeado sólo por naturaleza, con espacios salvajes sin fin, sin huellas humanas, ni casas, ni tejados, ni ruidos artificiales, ni luces por la noche.

 

 

Biografía

Federico Veronesi creció amando la naturaleza y la fotografía. Cuando tenía 6 años, sus padres llevaron a la familia a un safari fotográfico de veinte días en Kenia, lo que le marcó profundamente. Criado en una casa de aficionados a la fotografía, tuvo su primera cámara réflex, una vieja Minolta heredada de su abuelo, con 13 años y comenzó a explorar el mundo a su alrededor a través de una lente.

Veinte años después de su primer safari, después de graduarse en Economía de Instituciones Internacionales en Milán, Federico regresó permanentemente a Kenia, trabajando primero en el campo del desarrollo internacional con una ONG, visitando las zonas más remotas de Kenia y Somalia, pero renovando su pasión por la fotografía de vida salvaje.

Se dio cuenta de que quería vivir a tiempo completo al aire libre, seguir las historias de los animales día tras día, temporada tras temporada, con lluvias y sequía, y en 2007 estableció su tienda semipermanente en un hermoso campamento a orillas del río Talek, en la Reserva Nacional de Masai Mara. Desde allí salía diariamente para rastrear a los depredadores o grandes migraciones, aprendiendo directa y extensamente los hábitos, territorios y comportamiento de los animales salvajes.

Poco después se convirtió en miembro de la Asociación de Guías de Safari Profesional de Kenia y comenzó a guiar safaris fotográficos en su antiguo, pero seguro, Land Cruiser. Desde entonces ha pasado la mayor parte de su tiempo de safari en los Parques Nacionales Masai Mara, Amboseli y el Lago Nakuru.

En su carrera fotográfica, ha sido galardonado en muchas competiciones internacionales, incluyendo ganar el Nature’s Best Windland Smith Rice Award en 2011. Ha publicado muchos artículos en algunas de las revistas de naturaleza más importantes del mundo. Sus imágenes han sido publicadas de numerosas formas en revistas internacionales, como BBC Wildlife, Oasis, … libros, postales, calendarios y han utilizadas por organizaciones de conservación de la vida salvaje como African Wildlife Foundation, Cheetah Conservation Fund y EcoSys.

Su primer libro, Light and Dust, es una reflexión sobre los temas y lugares que le causaron mayor impresión durante sus años en África Oriental, buscando las condiciones meteorológicas más dramáticas para sus fotografías: nieblas matutinas, tormentas de polvo y lluvias torrenciales, o rayos de luz que brillan entre las nubes.

 

 

Referencias

 

 

Libros

domingo, 19 de febrero de 2017

Julia Anna Gospodarou

Julia Anna Gospodarou es una arquitecta y fotógrafa artística (vive en Atenas, Grecia) que utiliza la técnica de la fotografía para crear lo que ella llama (en)Visionografía, una forma de arte nacida de la reinterpretación del mundo a través de la visión del artista, que trasciende la realidad para poder recrearla a través de la emoción.

 

© Julia Anna Gospodarou

© Julia Anna Gospodarou

 

Si no lo necesitas como el aire, no es arte.

 

 

Biografía

Julia Anna Gospodarou aborda la fotografía artística con tanto entusiasmo y pasión como su profesión original, la arquitectura. Es particularmente conocida por sus fotografías de larga exposición en blanco y negro de elementos arquitectónicos, pero también explora otros aspectos y géneros en su trabajo fotográfico.

A través de sus composiciones en blanco y negro altamente estructuradas y con un fino retoque, hábilmente mezcla sombras y luz para dibujar líneas de edificios. Sus fotos minimalistas, al borde del abstracto, rinden homenaje a los edificios destacando algo más que la arquitectura, el alma de la autora. Partidaria de que editar una foto es tan importante como tomarla, cruza los límites de la fotografía tradicional y entra en el reino de la imaginación, buscando un mundo perfecto que pueda expresar a través de sus imágenes.

Su trabajo ha sido repetidamente premiado a nivel internacional en competiciones como Prix de la Photographie Paris, International Photography Awards, Sony World Photography Awards, B&W Spider Awards, FAPA, ND Awards, IFAP, etc. Su obra ha sido publicada en forma impresa y en línea en numerosos libros y revistas de todo el mundo.

Su libro From Basics to Fine Art. B&W Photography, coeditado con Joel Tjintjelaar, está considerado como uno de los libros más importantes de la nueva fotografía de arquitectura en blanco y negro de las últimas décadas.

 

 

Referencias

 

 

Libros

sábado, 18 de febrero de 2017

Juan Miguel Pando Barrero

Juan Miguel Pando Barrero fue un fotógrafo español (nacido en Madrid el 13 de abril de 1915 y fallecido el 10 de agosto de 1992) conocido sobre todo por su fotografía de arquitectura, arte e industrial. Su legado constituye un referente fundamental para la documentación de la España de la Guerra Civil, la etapa de la dictadura y la Transición; también es el principal testimonio gráfico de Marruecos entre los años 1949 y 1977.

 

Juan Pando Barrero: Notable de los Beni Arós (Yebala). Xauen 1949. Colección Pando.

Juan Pando Barrero: Notable de los Beni Arós (Yebala). Xauen 1949. Colección Pando.

 

 

 

Biografía

Juan Miguel Pando Barrero nacido en el seno de una familia de artesanos y tipógrafos, ejerció los oficios de ayudante de botica y electricista antes de ingresar, con sólo 16 años, en el estudio de Mariano Moreno, uno de los más conocidos fotógrafos artísticos de Madrid, del que se convirtió en primer ayudante.

Unas series de fotografías sobre maniobras militares en Hoyo de Manzanares en 1935, así como la serie que dedicó a las capeas en Illana, Toledo, le valieron ser contratado por la Associated Press, agencia para la que trabajó en exclusiva.

Al comenzar la contienda civil, Pando tenía sólo 21 años, captando imágenes que serían publicadas en el ABC de Madrid (republicano) y los diarios Ahora y La Voz, y documentando, entre otros hechos, la retirada de campesinos desde Talavera de la Reina, la lucha en la Sierra de Guadarrama y la primera línea del frente de Madrid, donde fue confundido con un espía franquista y casi muere en manos republicanas.

Terminada la guerra, fundó la agencia gráfica que llevó su nombre, en la que encontraron trabajo (y refugio) algunos profesionales de la prensa perseguidos en esa época. En vida fue más conocido por su labor como fotógrafo de arquitectura, arte e industria que por su extraordinaria labor etnográfica, monumentalista y paisajística.

Su primera gran serie acerca de Marruecos nació del encargo de fotografiar, en Tetuán en 1949, los festejos que siguieron a los esponsales entre Lal-la Fátima (princesa de la Casa Alauí) y Muley ben El-Mhedi, último jalifa bajo autoridad protectoral.

Influido por fotógrafos estadounidenses y alemanes, en su madurez más fecunda (1945-75), trabajó con cámaras de gran formato para paisaje y la fotografía de monumentos, y con cámaras de formato medio (Rolleiflex y Hasselblad) para moverse con soltura entre las medinas marroquíes o en las plazas españolas.

Realizó una única exposición, Fotografía, luz y vida en el Club Pueblo, en Madrid en 1968. Su archivo, compuesto por más de 130.000 negativos de temas arquitectónicos e industriales y más de 10.000 de sus viajes por España y Marruecos, fue adquirido por el Ministerio de Cultura en 2003 y se encuentra en el Instituto del Patrimonio Cultural de España, conformando el llamado Archivo Pando que conserva su amplia obra desarrollada a lo largo de más de cincuenta años y continuada por su hijo, Juan Pando Despierto, hasta 2003. Este archivo constituye un referente de la industria tanto hidroeléctrica como petroquímica, de obras públicas, iluminación de monumentos e imágenes publicitarias de la época. Contiene también imágenes de regiones devastadas y de la Sección Femenina, así como de monumentos, obras del Museo del Prado y del Museo Arqueológico Nacional.

Treinta de sus copias vintages sobre la Guerra Civil forman parte de la colección del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.

 

 

Referencias

 

 

Libros

viernes, 17 de febrero de 2017

Amir Ayalon

Amir Ayalon es un fotógrafo israelí (vive en Tel-Aviv) con una gran pasión por la naturaleza y la vida salvaje. Como la naturaleza y su conservación son muy importantes para él, trata de ser activo en las luchas ambientales, en un esfuerzo por proteger y preservar la naturaleza.

 

© Amir Ayalon

© Amir Ayalon

 

 

Biografía

Amir Ayalon ha estado fascinado desde temprana edad por la naturaleza y la fauna que existía a su alrededor. Fragmentos de la naturaleza existen incluso en nuestras sociedades urbanas, pero mientras continuamos poblando nuestro planeta, los animales salvajes y los lugares verdaderamente salvajes continúan disminuyendo.

Además de las aves y la fauna local también disfruta de expediciones fotográficas para fotografiar la naturaleza alrededor del globo, como en Finlandia, Nueva Zelanda, Canadá, Noruega, Reino Unido, Hungría, Israel, Australia y los EEUU.

Ha ganado varias competiciones internacionales de fotografía y obtenido numerosos premios en otras competiciones.

En 2011 fundó la Asociación Israelí de Fotografía de Naturaleza, con el objetivo de lograr proteger y salvar su medio ambiente local.

 

 

Referencias

jueves, 16 de febrero de 2017

Roeselien Raimond

Roeselien Raimond es una fotógrafa holandesa que toma fotos de naturaleza especialmente cálidas y hermosas de zorros rojos salvajes.

 

© Roeselien Raimond

© Roeselien Raimond

 

Mientras el mundo entero está siendo absorbido por el vacío y el sonido de mi obturador es amortiguado por la nieve que cae constantemente, un zorro rojo de repente aparece en el escenario. ¡Ella embellece mi lienzo tan perfectamente! ¡Nunca había sido más feliz como con un poco de rojo en mi paleta de colores!

 

 

 

Biografía

Roeselien Raimond vive en una de las zonas más densamente pobladas de Holanda, donde encontrar la naturaleza es un desafío. Profesionalmente, siempre ha estado buscando el equilibrio entre el arte y la psicología, teniendo una gran fascinación por los dos.

En su primer trabajo como terapeuta de arte, unió sus habilidades creativas y psicológicas para ayudar a personas, principalmente niños pequeños, a lidiar con sus problemas mentales.

Posteriormente, desplazó su interés hacia el aspecto más creativo y se convirtió en diseñadora autodidacta de diseño web, trabajando durante años pegada a un ordenador. Finalmente, eligió su propio camino, uno en el que la naturaleza tiene un papel importante, a través de la fotografía, la pintura y la escritura.

La escritura se ha convertido en parte de su profesión, escribiendo artículos relacionados con la naturaleza para revistas nacionales e internacionales, como Digital SLR Photography, Huffington Post, www.natuurfotografie.nl, Practical Photography, Roots Magazine, Metro International, Hallmark, Digital Photoand y otras varias.

Inicialmente, disfrutó haciendo visible el mundo oculto de los insectos y su belleza secreta. Hasta que un nuevo modelo irresistible apareció en el escenario logrando ganar su corazón: el zorro rojo. Desde ese día ha estudiado y fotografiado zorros rojos en toda situación posible: en la nieve, con sus familias y en sus momentos más personales, cuando están durmiendo, con una presa recién capturada o mientras amamantan a sus hijos.


 

 

Referencias

miércoles, 15 de febrero de 2017

Rank Uiller

Rank Uiller es un artista de origen cubano (nacido el 7 de abril de 1959 en La Habana, Cuba, vive en Nueva Jersey y trabaja en Nueva York, EEUU) cuya obra recrea principalmente el mundo de la calle de Nueva York.

 

© Rank Uiller

© Rank Uiller

 

 

Biografía

Frank Guiller, alias Rank Uiller, nacido Francisco Guiller, es un artista de origen cubano que vive y trabaja desde 1988 en EEUU. Comenzó sus estudios superiores de física, pero no los terminó e ingresó en la Academia Nacional de Bellas Artes San Alejandro, donde se estudió grabado y también pintura. En 1984 ingresó en el Instituto Superior de Arte donde estudió pintura, dibujo y grabado. Utilizaba la fotografía como un medio para documentar todo lo que hacía en piedra o silkscreen y cuando empezó a usar éste más seguido, necesitó ya la fotografía como la base de su trabajo.

Al establecerse en Nueva York en 1988, su primer trabajo fue de fotógrafo lineal para silkscreen, lo cual le dio mucha experiencia revelando y ampliando. Luego vino el arte digital y le cautivó, encantándole usar la tecnología para lograr imágenes. Desde entonces ha evolucionado con un estilo muy singular con un uso alternativo de filtros en procesos fotográficos que conducen a obras conceptuales y con una sencillez extraordinaria y contemporánea para lograr su visión y explorar nuevas formas en un mundo cambiante. Aunque trabaja principalmente en el ámbito de la fotografía digital, incluye video, dibujo, pintura e instalaciones en su obra.

Con su ya bien definido concepto visual posmoderno, su producción fotográfica creció usando como principal modelo la ciudad, sus habitantes, su ritmo, despertando la atención del público al crear su propia interpretación de la llamada Street Photography: fachadas de Nueva York, piernas en el metro, sombrillas de colores varios, escenas urbanas, rostros severos que exhiben las más inusuales arrugas…, pueden ir del ocre al argentado, del rojo vivísimo a la claridad avasalladora. Y en sus entrelíneas: movimiento constante, mirada crítica, replanteo de los tics de una sociedad, de sus estamentos, interés por el ser anodino, la insolente indagación sobre el color, o lo que es lo mismo, la eterna búsqueda de la felicidad.

Convencido de la importancia de la inmediatez que aportan las redes sociales, es un creyente en el valor del intercambio con otras personas. Por ello participa junto a otros artistas en proyectos multidisciplinarios, en los que se combinan las artes plásticas en muchas de sus manifestaciones.

Ha realizado numerosas exposiciones en grupo y en solitario, también ha publicado su obra en revistas y periódicos, y sus trabajos forman parte de colecciones, incluyendo museos y galerías, ha dado conferencias y ofrece talleres de arte digital y fotografía. Desde 1990 ha colaborado de manera permanente como director de arte en agencias de publicidad en la ciudad de Nueva York.

 

 

Referencias

 

 

Libros

martes, 14 de febrero de 2017

Peter Hujar

Peter Hujar fue un fotógrafo estadounidense (nacido en Trenton, Nueva Jersey, el 11 de octubre de 1934 y fallecido en Nueva York el 26 de noviembre de 1987) conocido principalmente por sus poderosos y penetrantes retratos en blanco y negro de personalidades, famosos, animales y coches destrozados. Desde los glamorosos retratos de estudio hasta las oscuras imágenes de las catacumbas, su obra es conocida por la textura y la potencia con la que explora la decadencia, la sexualidad, la muerte y la vida que compartimos en común.

 

Candy Darling en su lecho de muerte. 1973 © Peter Hujar Archive

Candy Darling en su lecho de muerte. 1973 © Peter Hujar Archive

 

 

Biografía

Peter Hujar fue abandonado por sus padres siendo un bebé, y fue criado por sus abuelos ucranianos. No aprendió inglés hasta que comenzó el jardín de infancia. Siendo adolescente, se fue a vivir con su madre, que vivía en Manhattan y trabajaba como camarera, pero enseguida tuvo que irse a vivir por su cuenta.

Consiguió su primera cámara en 1947 y asistió a la School of Industrial Art donde descubrió su interés en la fotografía. Tuvo la suerte de encontrarse a la poetisa Daisy Aldan como profesora y siguió su consejo de convertirse en un aprendiz de fotografía comercial.

Ya en 1956, Hujar comenzó a tomar fotografías que mostraban signos de su particular estilo y punto de vista. Después de conocer al artista Joseph Raffael, Hujar lo acompañó en un Fulbright (una beca de intercambio cultural entre EEUU e Italia) a Italia, donde hizo muchas fotos. En 1963, Hujar consiguió su propio Fulbright y regresó a Italia donde exploró y fotografió las catacumbas de Palermo, siendo acompañado por su amante Paul Thek quien sería una de las relaciones importantes de su vida.

De vuelta en Nueva York, Hujar se unió a la escena artística del centro de la ciudad. Apareció en una de las pruebas de pantalla de Andy Warhol (que más tarde incluiría en una serie llamada "Los Trece Muchachos más Hermosos"). Entre 1968 y 1972 desarrolló una carrera como fotógrafo de moda freelance, publicando más de una docena de reportajes en Harper’s Bazaar y GQ.

En 1973 dejó definitivamente de lado sus aspiraciones profesionales para llevar una vida creativa de pobreza en el East Village neoyorquino, donde vivía en un loft situado encima de un teatro y sólo hacía por necesidad trabajos pagados a fin de poder concentrarse en lo que realmente le motivaba. Fotografiaba a artistas que conocía y respetaba, a animales, cuerpos desnudos y una Nueva York que le era familiar, una ciudad en plena decadencia económica en aquel momento.

Combinando estas fotos, con las antiguas de catacumbas de Palermo, publicó en 1976 el libro Portraits In Life And Death, con introducción de su amiga la escritora Susan Sontag, cuyo retrato aparece en el libro.

En sus últimos años de vida, Hujar fue amante del joven artista David Wojnarowicz, del que luego se convirtió en su mentor y siguió ejerciendo de cronista de una cultura creativa ya insostenible ante el creciente empuje del dinero, utilizando a la gente de su vida como modelos. Muchas de estas fotos, de Sontag, del actor drag Ethyl Eichelberger, de Candy Darling, Divine y David Wojnarowicz se han convertido en icónicas, como la de Candy Darling en su lecho de muerte en el hospital.

Hujar murió enfermo de sida con 53 años. Su obra gráfica está gestionada por la Galería Pace/MacGill de Nueva York y forma parte de colecciones como el Whitney Museum, Metropolitan Museum of Art, Museum of Modern Art, Walker Art Center, Art Institute of Chicago, Brooklyn Museum, Glasgow Gallery of Modern Art y Stedelijk Museum de Ámsterdam.

En su testamento, Hujar dejó todo su archivo fotográfico a su amigo Stephen Koch que, en 1990, preparó una exposición de su obra con 132 fotografías, que se realizó en la Grey Art Gallery de la Universidad de Nueva York. También su obra ha sido objeto de importantes retrospectivas en el Stedelijk Museum de Ámsterdam y en el Fotomuseum de Winterthur en Suiza. En 2007 el Instituto de Arte Contemporáneo de Londres montó una importante exposición de sus fotografías y en enero de 2017, se ha inaugurado una importante retrospectiva itinerante, Peter Hujar: A la velocidad de la vida en la Fundación Mapfre de Barcelona, que viajará posteriormente al The Morgan Library & Museum.

 

 

Referencias

 

 

Libros

lunes, 13 de febrero de 2017

Siddhardha Garige

Siddhardha Garige es un fotógrafo estadounidense (vive en Sunrise, Florida) especializado en la vida salvaje del Ártico.

 

© Siddhardha Garige

© Siddhardha Garige

 

 

Biografía

Siddhardha Garige es un Ingeniero de profesión y fotógrafo de naturaleza por pasión. Empezó a fotografiar paisajes y pantanos de Florida con su primera réflex digital en 2004. En 2005 descubrió su interés por la fotografía de fauna salvaje y comenzó un camino que le ha llevado a grandes éxitos.

Su trabajo ha sido reconocido por 121Clicks como uno de los 25 portafolios más inspiradores sobre la vida salvaje en 2013. Sus créditos editoriales incluyen presentaciones de TED, Birder's World, London Daily, The Telegraph, Florida Wildlife, National Park Serve y NANPA. Sid viaja por Norteamérica, India y por todo el mundo haciendo fotos y compartiendo su pasión por el Ártico con los demás.

 

 

Referencias

domingo, 12 de febrero de 2017

Matthew Thompson

Matthew Thompson es un fotógrafo irlandés (vive en Dublín) que trabaja la fotografía comercial y la artística. Su trabajo se centra principalmente en cómo nuestro condicionamiento influye en nuestra percepción de las cosas.

 

© Matthew Thompson

© Matthew Thompson

 

 

Biografía

Matthew Thompson estudió diseño en el National College of Art & Design de Dublín y trabajó como diseñador antes de concentrarse en la fotografía. Completó su master en Fotografía Artística en la University of Ulster en Belfast en 2014.

Ha expuesto en Francia, Irlanda, Inglaterra, Alemania, Finlandia, China y en el Offset Festival en 2015. También representó a Irlanda en la Bienal de Arquitectura y Urbanismo de Shenzhen, China, en 2015/16.

Sus clientes incluyen Philips, Monocle, Conde-Nast, Time-Warner, Cara y EMI, entre otros. Ha obtenido diversos premios, entre los que podemos citar Photographer of the Year / Cara Magazine – Irish Magazine Awards en 2016

 

 

Referencias

sábado, 11 de febrero de 2017

Chris Leslie

Chris Leslie es un cineasta y fotógrafo escocés (vive en Glasgow) que realiza fotografía y video documental, principalmente sobre paisaje urbano en decadencia o ligado a las personas que lo habitan.

 

© Chris Leslie

© Chris Leslie

 

 

Biografía

Chris Leslie es un cineasta y fotógrafo documental que ha pasado más de 3 años documentando Red Road y sus residentes. Chris obtuvo recientemente galardón por su proyecto Hope, memories, loss and community para un master en sus estudios de Fotografía Documental en el que trata de contar historias escondidas en la regeneración urbana de Glasgow, desde el cierre del Paddy’s Market a la demolición de Sighthill y Oatlands. La continuación de este proyecto es una documentación del cambio de Glasgow con el título de The Glasgow Renaissance.

Glasgow no es sólo famoso por su humor, sus astilleros y su arquitectura victoriana en piedra oscura de los días en que era la "segunda ciudad del Imperio”. Es también conocido como el lugar del Reino Unido caracterizado por el experimento fallido de la arquitectura modernista en los años 50 y 60, donde habitantes de barrios pobres del siglo XIX fueron alojados en bloques de torres lejos del centro de la ciudad, carentes de instalaciones y sin sentido de comunidad.

Lo que inicialmente fue una gran mejora en las condiciones de vida de sus habitantes, con la falta de inversión y la mala calidad de la construcción significaron la pronta ruina del proyecto. Chris Leslie documenta el renacimiento de la ciudad a través de la desaparición de lo que fue un proyecto fallido.

También ha documentado el cambio de la vida y edificios urbano de Sarajevo tras unos 20 años de reconstrucción después de la guerra de Bosnia.

 

 

Referencias

 

 

Libros

viernes, 10 de febrero de 2017

Shane Lynam

Shane Lynam es un fotógrafo irlandés (nacido en 1980, con sede en Dublín) cuya temática principal son los paisajes urbanos como territorio donde viven millones de personas, pero sin que apenas tengan presencia definida.

 

Grande Motte Residence © Shane Lynam

Grande Motte Residence © Shane Lynam

 

 

Biografía

Shane Lynam estudió Política y Economía en el University College Dublin antes de completar un master en Fotografía Documental en la Newport School of Art de la Universidad de Gales en 2012.

Su reciente proyecto Fifty High Seasons ganó el Solas Ireland Award de la Gallery of Photography   en 2015, que incluyó exposiciones en la Gallery of Photography de Dublín y en la Fotohof  Gallery de Salzburgo. También formó parte del Circulations Festival en París en 2016. Este proyecto recoge sus viajes regulares de 2010 a 2015, a las siete ciudades involucradas en el proyecto  "La Mission Racine", de De Gaulle en 1963, documentando cómo se ve el área hoy, 50 años después.  El objetivo de este proyecto fue desarrollar un tramo de costa francesa entre Montpellier y Perpignan en una serie de balnearios costeros. El proyecto fue un éxito económico, pero tuvo su parte social, consiguiendo una alternativa a la cara Costa Azul sin los excesos de desarrollos similares como los de España.

Inner Field es un cuerpo continuo de trabajo que ha estado desarrollando en Dublín desde 2012. Mientras buscaba un nuevo proyecto Shane vagó por toda la ciudad, sin dejar piedra sin levantar. El proceso de buscar su próximo proyecto se convirtió en la obra misma. La falta de parámetros definidos significaba que podía fotografiar en un nivel más instintivo.

Shane fue finalista en el premio Renaissance Photography en 2014 y 2015 y en el premio Photobook Melbourne Photography en 2015. Contours, su proyecto fin de carrera (2007-2012), sobre zonas verdes del banlieue de París, fue nominado al Prix Pictet en 2015 y se expuso individualmente en la Alliance Française en Dublín durante el PhotoIreland de 2013.

Ha publicado en línea y en papel en The Guardian, Der Spiegel, The British Journal of Photography, ID Magazine, The Huffington Post, Fisheye Magazine, Flak Photo, Selektor Magazine, UnlessYouWill y en la colección de libros New Irish Works

Además de en su obra artística Shane trabaja en proyectos editoriales o comerciales, y entre sus clientes podemos citar a la revistas del New York Times, Financial Times, Business Week,Time Fortune, Society, Airbnb, The Guardian y Facebook.

 

Referencias

 

 

Libros