domingo, 31 de diciembre de 2017

Arun Titan

Arun Titan es un fotógrafo indio (nacido en Chennai, Tamil Nadu, donde vive y trabaja) que dirige un estudio de fotografía y video, que compagina con sus trabajos más personales de fotografía de calle y de retrato de gente en la calle.


© Arun Titan
© Arun Titan
 
Cuando hago fotografías de personas, su felicidad cuando ven sus vidas en mis fotos ... ¡me llena el alma!
 

Biografía

Arun Titan fue capturado por la fotografía con 12 años, cuando vio al sastre llevando su máquina de coser a través de las calles inundadas, en la foto Tailor in Monsoon en Porbandar de Steve McCurry, viendo por primera vez una imagen como arte y expresando una historia en sí misma.
 
Arun se graduó en Comunicación Visual y Bellas Artes y se especializó inicialmente en pintura y bocetos, pero se pasó a la fotografía cuando descubrió que le daba más libertad para expresar sus pensamientos. La fotografía es casi como meditación para él, y su interés mayoritario es en la fotografía de personas, viajes y calles, capturando momentos increíbles en calles y entorno urbano.
 
Ha trabajado y trabaja como fotógrafo freelance, en medios de comunicación, bodas, comerciales, moda, viajes y otros proyectos variados, y aporta su talento para producir la mejor fotografía en cada momento.

 

Referencias

sábado, 30 de diciembre de 2017

Siegfried Hansen

Siegfried Hansen es un fotógrafo alemán (nacido en 1961 en Meldorf, vive y trabaja en Hamburgo) que realiza fotografía de calle en Hamburgo, buscando composiciones visuales a partir de gráficos y colores, en las que los puntos principales no son las personas y sus rostros, sino las conexiones gráficas y las relaciones formales mediante coincidencias sorprendentes.

© Siegfried Hansen

© Siegfried Hansen

La fotografía de calle es mi manera de crear imágenes únicas en un espacio público al componer gráficos, colores y combinaciones fascinantes de personas y objetos de una manera armónica pero sorprendente. Me gusta la estética de líneas, patrones y formas. Me esfuerzo por agregar una "segunda capa" a una imagen, por ejemplo, combinando elementos aparentemente desconectados dentro de un encuadre elegido subjetivamente.

Biografía

Siegfried Hansen comenzó su carrera fotográfica con la fotografía de viajes y paisajes. Después de estudiar las obras de famosos fotógrafos documentales como Andre Kertesz, Ernst Haas y Ray K. Metzker, descubrió en 2002 su pasión por la fotografía callejera y desde entonces, la cámara se ha convertido en su "tercer ojo".

Realiza sus fotografías de forma intuitiva gracias a su capacidad de anticipar situaciones peculiares y transformarlas rápidamente en imágenes multifacéticas incluso antes de mirar a través del visor. "Primero disparar y luego pensar" es uno de sus credos. La vida pasa ante nuestros ojos en tres dimensiones. Como fotógrafo de calle, su objetivo es capturar momentos especiales y eternizarlos en un medio bidimensional. Las buenas imágenes incluirían, según él, una cuarta dimensión, la esencia del artista.

Su estilo distintivo le ha valido reconocimiento tanto a nivel nacional como internacional. Revistas como Leica Fotografie International, Fotoforum, Photographie, Professional Photographer y Fotocommunity Plus han publicado y revisado sus fotografías, y es uno de los fotógrafos que aparecen en el libro Street Photography Now. En 2014 se unió al colectivo de fotografía callejera In-Public.

Su trabajo ha sido ampliamente exhibido, incluyendo exposiciones individuales en Alemania:

  • 2012: Der erwartete Zufall en Galerie Kunst-Nah en  Hamburgo.
  • 2015: Hold The Line en Freelens Galerie de Hamburgo.
  • 2016: Streetphotography - Hold The Line en el Palais für aktuelle Kunst en  Glückstadt.
  • 2016: Fenster 61 en Berlín.

y exposiciones colectivas en Europa y los Estados Unidos:

  • 2011: Fascination Street, como miembro del colectivo Seconds2Real en la Galerie Meinblau de Berlín.
  • 2011: From Distant Street, Contemporary International Street Photography en Galerie Hertz de Louisville, EEUU.
  • 2011: Street Photography Now en Varsovia.
  • 2012: Fascination Street, como miembro del colectivo Seconds2Real en la Galerie Anzensberger de Viena.
  • 2013: Miami Street Photography Festival en Art Basel Miami Beach.
  • 2016: Fotografia Di Strada, del Goethe Institut en el Museo Di Roma in Trastevere. 
  • 2017: 34 th  International Photography Exhibition en Esbjerg.

Referencias

Libros

Publicaciones en las que ha contribuido:

  • Who's Who in Visual Art: Fine Art Photographers. Vol. 2015–16, 2015.
  • Publication #1, 2009.
  • Street Photography Now, 2010.
  • Großartige Fotografen und Ihre Leidenschaften, 2010.
  • 100 Great Street Photographs, 2017.

viernes, 29 de diciembre de 2017

Luis Plácido López Caballero

Luis Plácido López Caballero es un médico y fotógrafo gallego (nacido el 19 de septiembre de 1955 en As Pontes, A Coruña, Galicia) que trabaja principalmente con cámaras analógicas de gran formato. 

Felipe Criado. Torre de Hércules. A Coruña, 1984 © Luis Placido López Caballero

Felipe Criado. Torre de Hércules. A Coruña, 1984 © Luis Plácido López Caballero

Biografía

Luis Plácido López Caballero es médico de familia en activo desde 1981 y fotógrafo desde los 15 años, especialista en técnica tradicional en blanco y negro.

Un cortometraje de cómo trabaja con sus cámaras de gran formato, mostrando procesos analógicos que se utilizan para realizar una sola fotografía de alta calidad, y se ha publicado en numerosos periódicos online y blogs de fotografía con cámaras en gran formato, obteniendo una gran notoriedad.

Ha realizado numerosas exposiciones entre las que podemos citar:

  • entre las colectivas:
    • 259 IMAGENES, Fotografía Actual en España, en  1983 en el Ministerio de Cultura,
    • IMATGES ESCOLLIDES en la La Col.leció Gabriel Cualladó,
    • FOCO 85 en el Círculo de Bellas Artes de Madrid,
  • entre las individuales:
    •     Galice Profonde en la Galería FOCALE en Nion, Suiza, en 1993,
    •    Ara Solis en la Galería ARTE PHOTOGRAPHIQUE de Ginebra en 1997,
    •     Fotografías en Kiosko Alfonso en A Coruña en 1984.

Ha obtenido diversos premios, como una mención honorífica en el Nikon Photo Contest International 1981/92.

Su obra forma parte de diversas colecciones como las del Reina Sofía en Madrid, IVAM en La Col.leció Gabriel Cualladó, y en el Museo Cantonal de Ginebra.

Referencias

jueves, 28 de diciembre de 2017

Todd Gross

Todd Gross, alias Quarlo, es un fotógrafo estadounidense (nacido en Forest Hills, vive en Broolyn) cuyas  imágenes ilustran el humor y la oscuridad que conviven en cada rincón de las calles de Nueva York.

© Todd Gross

© Todd Gross

Biografía

Todd Gross es originario de Queens y de niño le encantaba la revista MAD y dibujaba sus propias versiones de cómics en la escuela primaria, pero veía que sus amigos dibujaban mejor que él. Después de intentar otras salidas creativas, encontró la fotografía a mediados de la década de los 90. Comenzó a fotografiar con película en blanco y negro, y ya en 1998 hizo sus pinitos con una especie de cámara proto-digital que almacenaba fotos en un disquete.

Realizó una amplia variedad de trabajos, desde la codificación de correos electrónicos para una compañía de tarjetas de crédito hasta la coordinación de equipos de cámaras para ABC. Mientras trabajaba en una empresa web a principios de la década de 2000, descubrió los blogs. En marzo de 2001, comenzó a bloguear bajo el alias Quarlo, el nombre de un policía de la surrealista serie de ciencia ficción The Outer Limits, y publicaba solo fotos, algo raro en aquel momento.

El éxito relativo de esta aventura lo inspiró a comenzar a fotografiar en color y a estudiar fotógrafos de calle, descubriendo a Gilden, Martin Parr y Cartier-Bresson. El verano de 2005 fue muy bueno en Nueva York pero para Todd fue un desastre: el intenso calor, su novia rompiéndole el corazón, el aburrido trabajo sin futuro y la fatiga fotográfica general, todo combinado, disminuyó su producción, y dejó de fotografiar por completo.

Desde ese momento hasta el 2010, realmente no hubo un día en el que no pensara en la fotografía y, poco a poco, su situación mejoró, mental y emocionalmente, las cosas le iban mejor, se compró un iPhone y llevaba así una cámara con él fuera donde fuera. Después de un mes más o menos de fotografiar con el iPhone, rompió la vieja cámara de película y se compró una réflex digital, con la que fotografía en color, con una mejora en la calidad de su trabajo, tras resolver su crisis. Desde 2013, dispara de nuevo exclusivamente en película.  

Referencias

miércoles, 27 de diciembre de 2017

Jordi Olivè i Salvadó

Jordi Olivè i Salvadó fue un músico y fotógrafo catalán (nacido en Alforja, Tarragona, en 1929, fallecido en 2013) especializado en obras de género y sociales, con un estilo sobrio, preciso y meticuloso.

JordiOlive

La nena morta © Jordi Olivè i Salvadó

Biografía

Jordi Olivè i Salvado dio sus primeros pasos en el campo de la fotografía en 1957 junto con su amigo Josep Fuster, con el que creó la Agrupació Fotogràfica de Alforja. Admirador del fotógrafo francés Daniel Masclet, aprendió la técnica fotográfica leyendo revistas francesas de fotografía. En el entorno intelectual en el que empezó a moverse conoció a José María Ribas i Prous, con el que entabló una gran amistad. Interesado por la música, en 1971 dejó de fotografiar durante un tiempo para ingresar en el Conservatorio Superior Municipal de Barcelona. Desde entonces, se ha dedicado a la enseñanza fotográfica y musical, cultivando además la pintura de manera aficionada.

Atraído por la simplicidad de los hechos más intrascendentes, sus instantáneas retratan los diferentes aspectos de la vida cotidiana de su ciudad natal así como a los personajes de su entorno, positivando sus obras personalmente. Estas han servido de testimonio de una época humilde, marcada por la represión y la emigración.

A principios de los años 80 presentó la exposición El vent que passa en el marco de la Primavera Fotogràfica de Catalunya. Con este mismo trabajo acudió al Mois de la Photo en París en 1984 y a Visa pour l’Image en Perpiñán,  en 1985. En 2011 realizó una selección de 106 instantáneas de los años 70, su época más fecunda y constante, y la reunió en la muestra Selecció final... El vent que passa II, que pudo verse en el Centre de la Imatge Mas Iglesias (CIMIR) de Reus (Tarragona).

Ha sido autor seleccionado en la muestra Temps de silenci, un panorama de la fotografía española de los años 1950-60, organizada por el Departament de Cultura de la Generalitat de Catalunya y presentada en el Centre d'Art Santa Mònica de Barcelona, ​​así como al Palais Tokyo de París, sede de la Mission du Patrimoine Photographique del Ministerio de Cultura francés.

Obtuvo la Medalla Puigcerver los años 1957, 1958, 1966, 1971 y 1975 y la Medalla Gaudí en 1963. Posee obra en la colección permanente del Museo Nacional d’Art de Catalunya en Barcelona, gracias a una donación de la Agrupació Fotogràfica de Reus en 2001.

Referencias

Libros

martes, 26 de diciembre de 2017

Vicente Ibáñez

Vicente Ibáñez fue un fotógrafo español (nacido en Linares, Jaén, en 1930, fallecido en Madrid en 2010) cuya obra es reflejo de una época de España, cuando los artistas de Hollywood descubrían en España a su gente, a los toros y al sol.
 
Gloria Swanson, 1954 © Vicente Ibáñez
Gloria Swanson, 1954 © Vicente Ibáñez
 
Es una profesión hermosa la mía, ¡palabra!, no sabría hacer otra cosa, no quisiera hacer otra cosa. Es mi centro, mi vida, donde me siento realizado y en donde dejo, para mi gozo personal, lo mejor de mí.
 
 
Biografía
Vicente Ibáñez Gámez aprendió el oficio junto a sus hermanos Juan María y Francisco en el estudio que su padre, Vicente Ibáñez Navarro, tuvo en la calle Montera de Madrid, tras salir de Yecla y recorrer media España hasta instalarse allí. En 1951 Vicente abrió su propio gabinete en la Gran Vía madrileña, donde trabajó hasta su jubilación en 1996. Fue miembro de una gran saga de fotógrafos, iniciada por su bisabuelo Juan Antonio Ibáñez Martínez y continuada por su abuelo Juan Ibáñez Abad, padre y tíos y que en la actualidad aún perdura con la siguiente generación a Vicente.
 
Las dos primeras décadas de su actividad coincidieron con una época en que España era un atractivo plató para la fábrica de sueños más grande del mundo: Hollywood. Las vitrinas a pie de calle de estos retratistas configuraron un extenso escaparate de más de un kilómetro de longitud, donde rostros anónimos compartían protagonismo y belleza con estrellas rutilantes del panorama nacional e internacional. Su cautivadora personalidad y su habilidad técnica sedujeron a numerosas personalidades de la vida artística, cultural, política y social de la España del momento, por lo que fue conocido como el fotógrafo de las estrellas. También, por su elegancia, no solo en el vestir sino también en el trato que dispensaba, fue conocido como el Cary Grant de los fotógrafos.
 
Llegó a instalar una barra de bar y luces de neón como elementos de atrezo para trabajar con Romy Schneider, Gloria Swanson, Sofía Loren, Ava Gardner, Buster Keaton, Cary Grant, Richard Burton, Kirk Douglas, Alfred Hitchcock (en el cementerio de la Almudena), Tyrone Power  y Deborah Kerr. Entre las figuras españolas que posaron para él podemos citar, entre otros, a Miguel Gila, José Luis Ozores, Carmen Sevilla y Lola Flores. Con esta misma técnica retrató a la sociedad madrileña, aunque sus principales fuentes de ingresos en el estudio provenían de la obligatoriedad de fotografiarse para el recién estrenado DNI, de los retratos de recién casados y de niños de primera comunión que pasaron por el objetivo de Ibáñez para ser inmortalizados.
 
Fotógrafo polifacético, colaboró en publicaciones periódicas como ABC y Gaceta Ilustrada. También fue retratista en certámenes como Maja de España y La Reina de la Primavera de El Corte Inglés y en campañas publicitarias de Lanjarón, Myrurgia y Galerías Preciados, entre otras. Fascinado por el mundo de los toros, realizó una serie de fotografías «movidas» del espectáculo taurino, que se expuso y publicó en Everfoto en 1974.
 
En 1991, la Comunidad de Madrid produjo la exposición antológica Vicente Ibáñez. Vida de un fotógrafo. La Biblioteca Nacional adquirió su fondo en 1996, que comprende la actividad del estudio entre 1951 y 1996, y se compone de negativos en cristal y acetato, positivos y diapositivas, hoy en día todavía en fase de catalogación. En 2012 se expuso Hollywood en Madrid.
 
 
Referencias

Libros

lunes, 25 de diciembre de 2017

Bryan Mollett

Bryan Mollett es un fotógrafo canadiense (nacido en Vancouver, Columbia Británica, donde vive y trabaja) que realiza fotografía de calle, principalmente de Vancouver.

© Bryan Mollett

© Bryan Mollett

Biografía

Bryan Mollett se enamoró de la fotografía con 15 años. Encontré un trabajo mientras todavía estaba en la escuela para ahorrar todo lo que podía para poder comprarse una cámara, que terminó siendo una Olympus e-500 DSLR y un flash. Comenzó a hacer fotos de sus amigos en el skatepark y en Vancouver y se enganchó instantáneamente a la fotografía, para poder congelar el tiempo en fracción de segundo. Se inscribió en un curso de película y cuarto oscuro.

Después de la escuela secundaria, dejó la fotografía durante bastante tiempo mientras estaba en una relación seria. Cuando ésta terminó tuvo la repentina necesidad de coger su cámara y comenzar a hacer fotos de nuevo. Salió un par de veces con sus amigos que eran ávidos fotógrafos de calle en ese momento y se enamoró de este género.

¡Las calles estaban tan llenas de vida, y momentos increíbles sucedían en todas partes! Nunca antes había visto las calles de esta manera: una señora paraba un taxi, un niño lloraba, una pareja se abrazaba amorosamente, toda la vida que se desarrollaba en la calle era hermosa para él y estas interacciones que, de otro modo, pasarían desapercibidas le fascinaban y lo siguen haciendo hasta el día de hoy.

Trabaja con película con una Leica M6 y a veces con una Yashica Mat124g. Dispara en blanco y negro, pero también en color. Ha viajado a y fotografiado en Nueva York y California, pero prefiere las calles, algo más calmadas, de Vancouver, sobre todo las del East Van.

Referencias

Libros

  • This Is East Van 2 (varios).

domingo, 24 de diciembre de 2017

Josefina Gómez Revenga

Josefina “Fina” Gómez Revenga fue una mecenas y fotógrafa venezolana (nacida en Maracay, Edo Aragua, Venezuela, el 20 de octubre de 1920, fallecida en el Valle de Arán, España, el 17 de diciembre de 1997) considerada una pionera en el mundo de los libros de fotografía. Viajes, exilios, regresos, mundos alterados se aferraron a su percepción, traduciéndolos y reconstruyendo desde distintas matrices, como raíces descarnadas, menhires y pecios varados, las marcas de la vida y la muerte.
 

© Josefina Gómez Revenga
© Josefina Gómez Revenga

 

Biografía

Josefina “Fina” Gómez Revenga era hija de José Vicente Gómez Bello y de Josefina Revenga, una de las mujeres más bellas de Venezuela. También era nieta del General Juan Vicente Gómez que gobernó Venezuela desde 1908 a 1935. Su padre llegó a ser vicepresidente en 1922, pero tras una pelea con el general, sus padres se exiliaron en 1928 a París, y luego a Lausana (Suiza) donde falleció su padre en 1930. Su madre contrajo matrimonio en París con Pedro Tinoco, quien restringió durante la adolescencia las inquietudes de su hijastra por la pintura, el baile y el dibujo.
 
Ante la necesidad de expresarse artísticamente, se compró una cámara fotográfica y viajó a Nueva York, donde realizó sus primeros trabajos, al tiempo que aprendía la técnica del revelado por medio de libros. Cuando Estados Unidos entró en la Segunda Guerra Mundial regresó a Caracas, montando en su casa un laboratorio y comenzando a trabajar activamente. En sus primeros años fue de gran importancia la guía de Guillermo Zuloaga, también promotor de Alfredo Boulton.
 
En 1945 viajó a Brasil y Argentina y realizó su primera exposición en el Ateneo de Caracas. Posteriormente regresó a Francia e instaló su taller en París, en un hotel que compró gracias a la fortuna familiar, y donde ella misma realizaba sus revelados y copias. A lo largo de su trayectoria, abarcó distintas áreas de la fotografía profundizando en el estudio de las formas antropomórficas, los paisajes, los objetos y la simbología del espacio externo, metáforas espaciales donde el claroscuro, las texturas y el movimiento marcaron de un modo muy singular la mayoría de sus trabajos.
 
En 1954 publicó el libro Fotografías con poemas de Lise Deharme en el cual explora el tema de los niños trabajadores franceses y venezolanos y personajes femeninos de la clase alta caraqueña, para finalizar con las primeras imágenes de troncos y raíces. En 1956, a instancias de Pierre Seghers, publicó el libro Raíces, con raíces descarnadas como formas antropomórficas, exponiendo esta serie en Caracas y París. A partir de 1956 desarrolló su serie de menhires, que dio origen al libro Piedras, también con poemas de Seghers, en 1958, y a una exposición. Posteriormente trabajó con restos de barcos encallados produciendo el libro, 0 grados, en 1964, con textos de Ida Gramcko. En 1965 publicó Diálogo, con textos de Seghers. La combinación de poesía con la imagen ha sido frecuente en su trabajo.  Sin embargo, la característica principal de su obra ha sido resaltar la morfología natural de las cosas.
 
Además de en la fotografía, estuvo muy interesada en la cerámica, coleccionando más de 500 obras de famosos ceramistas, y creando en 1968 un taller de cerámica en su hotel para un amigo ceramista venezolano. Fue activa promotora de exposiciones de cerámica en Venezuela y varios países de Europa y su colección de cerámica fue exhibida en el Museo de la Publicidad y las Artes Decorativas del Louvre en París. Asimismo, creó la Fundación Fina Gómez, que promovió activamente el arte.
La mayor parte de su archivo fotográfico se conserva en Francia, y aunque en Venezuela se guarda poco de su trabajo, su nombre no está por completo olvidado en la historia de la fotografía venezolana, pues 6 imágenes de su serie Raíces fueron las primeras en incorporarse a la Galería de Arte Nacional como inicio de su colección fotográfica en 1978. También El Archivo Fotografía Urbana, conserva actualmente varias de sus imágenes. En 1992 ganó el Premio Nacional de Fotografía.


Referencias

 

Libros

  • Fotografías, 1954.
  • Racines, 1956.
  • Piedras, 1958.
  • 0 grados, 1964.
  • Diálogo, 1965.
Su obra también ha sido mostrada en:
  • 40 años de fotografía artística en Venezuela, 1985.
  • Anotaciones sobre la fotografía venezolana contemporánea, 1990.
  • El hecho fotográfico en Venezuela, 1847-1997, 1998.
  • Fotografía en Venezuela 1960-2000, 2001.
  • Maestros de la fotografía en Venezuela, 2014.

sábado, 23 de diciembre de 2017

Alphonse de Launay

Alphonse de Launay fue un fotógrafo francés (nacido en 1827 en Rouen, fallecido en 1906 en París) que  inmortalizó con talento y poesía el campo y los lugares históricos que descubría en sus viajes, pero que sobresalió sobre todo en el arte del retrato.

Gustave Le Gray, foto de Alphonse de Launay

Gustave Le Gray, foto de Alphonse de Launay

Biografía

Alphonse de Launay fue criado por una tía tras la muerte de su madre cuando tenía 2 años. A la muerte de su padre, , armador y agente marítimo de Cherburgo, heredó una cómoda fortuna que le permitió disfrutar de su pasión, la fotografía y hacer muchos viajes. Formó parte del amplio grupo de discípulos de Gustave le Gray en París, del que aprendió su técnica y de las nuevas soluciones sobre papel. Hombre cultivado en literatura y teatro, trabajó como abogado, fue un devoto católico y un asiduo viajero.

Viajó a Argelia y también a España en dos ocasiones, en 1851 y 1854, abarcando el retrato, la fotografía de paisaje y la de viajes. En 1854 realizó sobre todo fotografías monumentales y urbanas del centro y sur del país. En Granada, se centró en los espacios y motivos decorativos de La Alhambra, aunque también se interesó por los monumentos, espacios urbanos y tipos característicos de ciudades como Madrid, Sevilla y Burgos.

Su matrimonio con Marie Chastellain en 1859 le abrió las puertas de Honguemare, una propiedad familiar, en cuyo jardín instaló un verdadero estudio al aire libre, donde retrató a parientes, amigos, sirvientes y vecinos durante muchos años, y que le permitió también realizar muchos paisajes, vistas del castillo, escenas de la vida cotidiana, objetos y naturalezas muertas.

Artista con una visión muy original, a menudo usó verticales para resaltar sus temas: un niño frente a una pared, un hombre con un rifle frente a un árbol, una muñeca sobre una silla de montar, vacas detrás de troncos de árboles. Al jugar con la profundidad de campo y la velocidad del obturador producía efectos de fondo dinámicos donde las sombras y los reflejos se mezclaban.

Fue el autor de la primera fotografía panorámica de Toledo en 1854, aunque su fotografía más conocida es un retrato de Le Gray realizado en 1854. Consiguió imágenes de gran nitidez para aquella época.

Este retrato de Le Gray se conserva en el Metropolitan Museum of Art de Nueva York. En España, el Fondo Fotográfico de la Fundación Universitaria de Navarra conserva originales de sus viajes por España. El grueso de su archivo pertenece a sus familiares, y hoy es uno de los más cotizados en los mercados de subastas y coleccionismo privado.

Referencias

Libros

viernes, 22 de diciembre de 2017

José Núñez Larraz

José Núñez Larraz fue un fotógrafo, librero e impresor español (nacido en 1916 en Salamanca, donde murió en 1995) que comenzó una pronta carrera como fotoperiodista truncada por la Guerra Civil española, y preso y purgado tuvo que ganarse la vida con una pequeña librería y una imprenta, compaginándola con el arte de la fotografía.

© José Núñez Larraz
© José Núñez Larraz

Biografía

José Núñez Larraz nació en una familia de editores y tuvo con 13 años una cámara de cartón traída por los Reyes Magos, pero también ese año viajó a Madrid para aprender el oficio de tipógrafo en la imprenta Ribadeneyra y realizar un peritaje en Artes Gráficas en la Casa del Pueblo.

Con 15 años publicó en El Adelanto su primer reportaje fotográfico recogiendo la proclamación de la II República en Madrid en 1931. La Guerra Civil le sorprendió cubriendo una información en Barcelona. Se afilió al PC en 1936, combatiendo en el batallón republicano Octubre número 1, en Navacerrada. En 1937 ingresó en Carabineros, con destino en Valencia y Barcelona. Incluso realizó algún dibujó y escribió artículos sobre los murales que había en el frente, pero no hizo fotografías del frente.

Tras la derrota y el exilio en el campo La Tour de Carole, volvió a España y fue apresado varias veces. Trabajó en El Adelanto, pero la dictadura franquista le quitó el carnet de periodista y se ganó la vida con una pequeña librería y su imprenta Rivadeneyra. Durante la dictadura, Pepe Núñez participó activamente en la reconstrucción del Partido Comunista en Salamanca, siendo responsable de la difusión del periódico clandestino Mundo Obrero. Al finalizar la dictadura, fue elegido concejal del Ayuntamiento de Salamanca por el PCE en las primeras elecciones democráticas.

Compaginó su tarea política, laboral y familiar con el arte de la fotografía, ya no como fotoperiodista sino una fotografía personal, que le llevó a ser descrito por algunos como “el fotógrafo de Castilla”, por ser el fotógrafo de esta tierra que ha participado en más exposiciones nacionales e internacionales, además de numerosos premios. Su estudio fue un espacio de libertad y un refugio para la clandestinidad: por él pasaron numerosos militantes comunistas y jóvenes artistas de toda España.

Fue fundador de la Sociedad Fotográfica de Salamanca y cabeza de “un grupo informal y cada vez más numeroso de amigos y discípulos” con los que salía a fotografiar pueblos, campos y, “sobre todo”, su ciudad. Su obra fotográfica ha sido destacada por su acercamiento a la soledad de los habitantes de la Salamanca de la época, soledad que como represaliado conoció muy de cerca, frente a la visión monumental y grandilocuente que los artistas del Régimen predicaban de la ciudad.

Su fotografía directa y libre de artificios, y muy personal, le permitió un brillante curriculum con más de 40 exposiciones y 30 premios: Exposición Nacional de Fotografía de Bilbao (1943), Concursos Nacionales de Écija (1945), Córdoba (1947 y 1948) y Salamanca (1949), I Concurso Internacional Hispano-Portugués (1956), II Concurso Europeo (Manchester, 1956), Concurso Internacional de Fotografía de Vanguardia (San Sebastián, 1968), Medalla de Oro de la ciudad de Salamanca, (1993), etc.

En su libro Paisajes, ilustró las fotografías con versos de su hijo Aníbal Núñez, poeta de creciente reconocimiento que falleció en 1987. En 1991, Núñez recibió el reconocimiento a toda su carrera convirtiéndose en el primer fotógrafo en ganar un Premio Castilla y León de las Artes. A partir de entonces, cedió toda su colección de fotografía artística (34.500 negativos y 15.236 diapositivas) a la Filmoteca Regional. En 1994, un año antes de su muerte, recibió la medalla de oro del Ayuntamiento de Salamanca. Estos últimos años está teniendo un gran reconocimiento con diversas exposiciones de su obra, basada en su archivo.


Referencias


    Libros

    jueves, 21 de diciembre de 2017

    Elizabeth Char

    Elizabeth Char es una fotógrafa francesa (nacida en 1956 en París, donde vive) que realiza fotografía de calle, su gran pasión. Le gusta capturar la elegancia cotidiana de su alrededor, y captar los detalles más humanos.

    © Elizabeth Char

    © Elizabeth Char

    Camino por las calles. Me pierdo en sus rostros. ¿Es la vida de los demás un reflejo de mis ideales? Una sensación de haber fracasado, de haber olvidado tantos momentos. Fotografío para no escribir, para tratar de retener el precioso y hermoso objeto: la vida misma.

    Biografía

    Elizabeth Char nació en París, donde reside y trabaja para diferentes cadenas de televisión. Uno de los beneficios de su trabajo es ver muchas películas, especialmente películas antiguas en blanco y negro, lo que sin duda influye en su fotografía. Le gusta viajar mucho, especialmente al sudeste de Asia, donde va con frecuencia desde 1979.

    Tuvo períodos fuertes donde fotografiaba mucho y otros donde no tocaba la cámara. Incluso aprendió a revelar en el cuarto oscuro. Pero hace unos años tuvo que llevar a cabo un tratamiento médico muy pesado que estaba matando la mayor parte de su energía. Para mantenerse viva, decidió hacer una foto al día para salir a la calle. Fue entonces cuando la fotografía callejera apareció en su vida. El tratamiento se detuvo, la fotografía de la calle se mantuvo, convirtiéndose  en su gran pasión. Le gusta capturar la elegancia cotidiana de su alrededor, y captar los detalles más humanos. Las ciudades son para ella su lugar de juego, el terreno donde desarrolla su mirada fotográfica.

    Aunque principalmente busca inspiración en las calles de la ciudad, también le atrae el lenguaje de la playa en verano. Nunca sale sin su cámara, todos los días inspirándose en los trabajos de muchos otros que practican fotografía de calle.

    Ha tenido la oportunidad de conocer a muchos de ellos y el placer de fotografiar en París, Marsella, Buenos Aires, Ámsterdam, Tokio, España, siendo cada día más sensible para deslumbrar el juego de espejos, caras y situaciones realistas.

    Referencias

      Libros

      miércoles, 20 de diciembre de 2017

      Simona Bonanno

      Simona Bonanno es una fotógrafa italiana (nacida en 1974 en Messina, Sicilia, vive y trabaja entre Messina y París) que realiza una fotografía variada y muy interesante, desde lo abstracto a la fotografía de calle, pasando por la documental.

      © Simona Bonanno

      © Simona Bonanno

      Biografía

      Simona Bonanno nació en una familia firmemente arraigada en las artes, así que su pasión por todo lo creativo estaba predestinada y le llevó a estudiar fotografía en la escuela de arte, y pudo desarrollar su visión creativa, estudiando en París en el Atelier Peninghen, ESAG, y posteriormente se licenció en Artes, en 1999, en la Escuela de Artes de Italia, donde comenzó a fotografiar con película. En aquellos primeros días, las formas geométricas y las líneas le fascinaban y se convirtieron en el foco principal de sus imágenes y fue a través de esas ideas que comenzó a comprender los conceptos básicos de la composición y el encuadre, y encontró la virtud en la simplicidad.

      Su trabajo como diseñadora gráfica y de webs, así como de ilustradora, le han ayudado a inspirar su fotografía, que retomó más en serio hacia 1998 trabajando en película y luego con diapositivas, particularmente Kodachrome, cuyos colores de aspecto natural le fascinaban. Varios años más tarde intentó imprimir sus diapositivas de los 90 y fue un desastre pues aquellos colores se habían degradado y decidió pasarse a lo digital, lo que le fue fácil por su experiencia de trabajo. Considera una suerte sus comienzos con película por la base que le aporta. Trabaja la fotografía abstracta, y está realmente interesada por el ser humano, lo que muestra a través de la fotografía de calle y documental.

      Sus fotografías han sido seleccionadas para varias exposiciones colectivas en Italia, Estados Unidos, Canadá, Francia, Australia, Argentina, Israel, Turquía y Dinamarca. En 2013 tuvo su primera exposición individual en la Galerie Focale, en Nyon, Suiza. En noviembre de 2013 ganó el Grand Prix de Découverte en la categoría Abstracta. En 2011 fue la ganadora general del premio Julia Margaret Cameron y Fotógrafo aficionado del año en el Reino Unido. También ha premiada en otros varios concursos internacionales, como I SHOT IT Premium competition y en Street Photography de Life Framer, ambos en 2017.

      Se ha subastado una copia de su pieza de la serie The Inner Invisible en Snap! Toronto 2014. Otras dos copias forman parte de la colección de fotografía de la Biblioteca Nacional de Francia. Sus fotografías han sido publicadas en revistas como CNN, Resource Magazine, Amateur Photographer, Fotografia Reflex, National Geographic, Digital Camera Bookazine Black & White vol. 2 y Drome Magazine.


      Referencias

      Libros

      • Monografie Simona Bonanno e Luigi Broccio Fotografo.
      • The Julia Margaret Cameron Book 2010.
      • The Urban & Country Landscape BookAmateur Photographer (UK).

      martes, 19 de diciembre de 2017

      Charlie Kirk

      Charlie Kirk es un fotógrafo inglés (originario de Essex, vive en Estambul) que realiza retratos callejeros en las calles de las ciudades donde vive, normalmente por la noche ayudado del flash.

      © Charlie Kirk

      © Charlie Kirk

      Biografía

      Charlie Kirk es un abogado corporativo inglés, que ha vivido en Japón 9 años, y que ahora es un fotógrafo callejero/documental a tiempo completo, con sede en Estambul, Turquía. Está trabajando obsesivamente en un libro que pensaba publicar en 2016, dispara en película, con una Leica, predominantemente en 28 mm, tanto en blanco y negro como en color. Es vegetariano, le encantan los cereales, las mujeres bonitas, los "niños gordos", los "enanos", las personas que se besan, los cigarrillos y la cerveza. Se ha tomado un tiempo sabático para ver dónde le lleva la fotografía. Esas son las últimas noticias de hace algunos años, pues casi ha desaparecido de las redes y ha cerrado su página web.

      Parece ser que Charlie asistió a uno de los talleres de Bruce Gilden en Japón y este le dijo que"el mayor error de su vida fue no tomar más fotos esa noche", en referencia a su serie tomada en Tokio la noche del 11 de marzo de 2011, la del día en el que el tsunami golpeó a Japón. No había electricidad en algunas partes de la ciudad y las torres de telefonía móvil no funcionaban, por lo que las personas se vieron obligadas a usar cabinas telefónicas para hacer llamadas. Con su flash, Charlie salió a la calle para iluminar a la gente en el aparente pánico en una inusualmente oscura noche de Tokio. Hizo algunas fotos increíbles, pero según Gilden, no las suficientes.

      En su fotografía callejera no entra la tan de moda yuxtaposición, que para él es como un buscar a Wally en las fotos y está un poco decepcionado de que los influyentes grupos de fotografía callejera como In-Public y seconds2reel parezcan enfocarse demasiado en este tipo de fotografía. Tampoco le gusta la demasiada sencillez, si bien la iluminación es obviamente muy importante, la clásica imagen de alguien caminando por un rayo de luz solo es interesante si esa persona es interesante. A menudo, el drama de la luz decepciona por la falta de dramatismo en el tema. Su fotografía busca el interés de la belleza y la extrañeza, y su trabajo podría describirse más como retrato de la calle (street portrait) que como fotografía callejera (street photography).

      Referencias

      lunes, 18 de diciembre de 2017

      Carmelo Eramo

      Carmelo Eramo es un fotógrafo italiano (nacido en 1973 en Altamura, Apulia, donde vive) que realiza fotografía de calle  con un enfoque documental. Vivir en el sur de Italia influye profundamente en su visión y estilo fotográfico. Le encanta fotografiar y contar su tierra, donde mientras más deslumbrante es la luz del sol, más oscuras son las sombras.

      © Carmelo Eramo

      © Carmelo Eramo

      Biografía

      Carmelo Eramo se graduó en filosofía y luego en ciencias de educación primaria, trabajando en la escuela primaria en la especialidad de apoyo a niños con discapacidades. Fotografía desde que tenía 20 años, cuando el digital no existía. Siempre le ha gustado el blanco y negro y ha experimentado con muchas películas, considerando a la fotografía analógica como una verdadera capacitación, por su enfoque y forma de trabajar completamente diferentes a los actuales, de los cuales ha conservado muchos aspectos. Después de un descanso de varios años, volvió como tantos otros a la fotografía con tecnología digital hace algunos años.

      Esta vuelta al mundo de la fotografía ha sido ya "en serio", tras años de experiencia como autodidacta y una gran cantidad de rollos de película gastados a menudo sin obtener los resultados esperados . Compró una compacta avanzada y comenzó a planificar su viaje a Lucania, un proyecto constantemente en progreso de descubrimientos continuos; luego compró una réflex digital, y ambas le acompañan en sus andanzas entre las calles y la gente de su tierra, Puglia, aunque su estilo tenga un aire de fotografía química.

      En un sur de Italia existe todavía un equilibrio entre el pasado y un presente contradictorio y difícil, entre el estancamiento y el progreso, entre viejas herencias y especulaciones salvajes, y ahí ha tratado de capturar la poesía de lo que está desapareciendo y cuánto queda aún, buscando entre las estrechas calles y las viejas casas por las pequeñas ciudades de Apulia y Lucania, escenas de lo simple y cotidiano con un tiempo que fluye mucho más lentamente, siguiendo un ritmo propio, como lo ha hecho durante siglos. Un tiempo que aún puede pintar escenas y atmósferas de una belleza antigua y conmovedora, un mundo que está envejeciendo en las caras de los ancianos y en las paredes en mal estado, pero encuentra nueva vida en los juegos de calle y en las sonrisas de los niños.

      Le gustan las fotos callejeras que cuentan una realidad y un mundo, tal vez una sociedad, formas de vida. Así que su fotografía de calle tiene un enfoque más documental y de reportajes, le gusta que la foto no sea un mero ejercicio de estilo, sino que encierre una historia y vida.

      Referencias

      domingo, 17 de diciembre de 2017

      Pascual Pérez Rodríguez

      Pascual Pérez Rodríguez fue un escritor, periodista y fotógrafo español (nacido el 16 de febrero de 1804 en Valencia, fallecido en 1868)  que trajo a España desde París, las últimas novedades en la profesión de fotógrafo de aquella época.

      pascualperez

      Pascual Pérez y Gascón, 1848. Fotografía de Pascual Pérez Rodríguez

      Biografía

      Pascual Pérez Rodríguez estudió Latín en el Seminario de las Escuelas Pías y Filosofía en la Universidad de Valencia. Profesó como escolapio y con 19 años fue director de alumnos internos y profesor de Humanidades en el Colegio Santo Tomás de Aquino de las Escuelas Pías de Zaragoza, y en las de Valencia a partir de 1827.

      Tras abandonar en 1835 la vida religiosa por una grave enfermedad, fundó el semanario femenino La Psiquis (1840) y colaboró con diversos periódicos y revistas valencianas y españolas, como El Mole, El Sueco, El Tabalet, El Edetano, Las Bellas Artes, El Miguelete, El Museo Literario y El Museo Universal. Junto al padre Juan Arolas y Pedro Sabater fundó el periódico Diario Mercantil de Valencia, de cuya dirección se ocupó hasta 1844, y en 1851 comenzó a trabajar como corresponsal de La Lumière.

      Dominaba el francés, inglés, italiano y portugués, por lo pudo traducir tres tomos de Los viajes de Alí-Bey-el Abbássi y otros libros. Escribió autos sacramentales en valenciano que llegaron a representarse, y también escribió 3 novelas góticas, siendo considerada La urna sangrienta o El panteón de Scianella una obra maestra del género en España.

      En su labor como fotógrafo, fue uno de los primeros en usar el daguerrotipo y el calotipo en prensa; también fue el primer fotógrafo profesional valenciano que abrió un estudio en la ciudad. En 1849 comenzó a trabajar con el calotipo, ya que permitía la realización de copias múltiples, y en 1851 publicó una colección de vistas en calotipo con el título El álbum del Cabañal que fue el primero que se comercializó en España.

      Se le atribuye la primera foto en papel en España, que es la que aparece en el artículo. Además, hizo una de las primeras fotografías que aparecieron en la prensa escrita española, un daguerrotipo publicado en 1852 en El  Diario Mercantil de Valencia. 

      En vida, participó en la exposición organizada por la Sociedad Económica de Amigos del País de Valencia (1852), y en 1992 se le incluyó en la muestra Memoria de la luz: fotografía en la comunidad Valenciana 1839-1939. En 2013 se fundó en Valencia el Museo y Centro de Investigación Pascual Pérez Rodríguez, para difundir la historia de la fotografía, particularmente la valenciana. Posee obra en los fondos del Instituto Valenciano de Arte Moderno, y en el Museo del Prado.

       


      Referencias

          Libros

          • El Romanticismo español, 1982.
          • Benito Monfort y Pascual  Pérez Rodríguez, dos valencianos pioneros de la  fotografía, 1990.
          • Historia de la fotografía en España, de Publio López Mondéjar, 1999.
          • Gran enciclopedia de la Comunidad Valenciana, 2005.
          • Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al siglo XXI, 2013.

          sábado, 16 de diciembre de 2017

          Luis de las Alas

          Luis de las Alas es un fotógrafo español (nacido en 1965 en Madrid, donde vive) con una larga carrera profesional, en la que ha tocado todos los géneros y para el que el retrato editorial es su principal seña de identidad.

          David Lynch, París. 2008 © Luis de las Alas

          David Lynch, París. 2008 © Luis de las Alas

          Biografía

          Luis de las Alas hizo su primer curso de fotografía con 14 años y luego se formó como fotógrafo profesional en el Centro de Estudios de la Imagen (CEV), realizando cursos monográficos de especialización en la Universidad Internacional Menéndez Pelayo de Santander. En 1983 realizó sus primeros trabajos fotográficos como colaborador del diario Liberación y el periódico ABC y en 1984 se incorporó como fotógrafo a la redacción del diario económico Cinco Días y la revista Mercado.

          Desde entonces ha trabajado como freelance, alternando portadas de revistas o de discos con exposiciones personales, compensando encargos con proyectos vocacionales o románticos. Recorriendo todos los géneros, desde el editorial de moda al reportaje, desde la fotografía industrial (gastronomía, hoteles, bodegas, corporativa...) hasta la de paisaje, llegó al retrato, que se ha convertido en su principal seña de identidad y que, junto con las motos y el surf, son sus grandes pasiones.

          En sus retratos entrevista al modelo mediante imágenes; para ello necesita conocerlos previamente y poder plasmar su personalidad. Por el objetivo de su cámara han pasado un sinfín de personalidades como David Lynch, Raimundo Amador, Carlos Saura, Eduardo Arroyo, Stephane Hessel, Javier Bardem y Morante de la Puebla, entre muchos muchos otros.

          Ha realizado portadas para los suplementos La luna del siglo XXI, Fuera de Serie, Magazine, La Revista de El Mundo, El Dominical y El País Semanal, así como para las revistas Match y Quo, para los que ha fotografiado a personajes relevantes del arte y la cultura. Recibió el premio FotoPres en la categoría de Retrato en 1990.

          Dedicado de forma profesional a la fotografía desde finales de los años 80, es miembro del equipo fundador de la revista Matador, que de forma anual aporta una mirada singular a la cultura contemporánea, y fue colaborador de la revista El canto de tripulación, fundada por Alberto García-Alix en 1989. Fotoperiodista independiente, colabora con Cinco Días, El País, El Mundo, ABC y Expansión, con la revista Big bob junto a Miguel Trillo y es profesor de retrato editorial en la escuela EFTI de Madrid.

          Presente en PHotoEspaña 1999 en la Sala Fotosíntesis con su serie Rapaces, en 2008 participó en el proyecto-exposición Retrátate-Mírate, celebrado en el Canal de Isabel II  de Madrid, dentro de PHotoEspaña, en el que los ciudadanos fueron invitados a posar ante la cámara de destacados fotógrafos y a formar parte de una posterior exposición.

          Sus fotografías se han expuesto en Fotopres (1990), Tiempos Modernos (1991), Galería Detursa (1992), Universidad de Verano de El Escorial (1995), Canal de Isabel II (1997), Galería Boades (1999), PHotoEspaña 2008 y Fundación CGAE, entre otros centros de arte y galerías.

          Referencias

          Libros

          viernes, 15 de diciembre de 2017

          Nagore Legarreta

          Nagore Legarreta es una fotógrafa vasca (nacida en 1981 en Hernani, Gipuzkoa) que realiza proyectos personales principalmente mediante fotografía estenopéica.

          © Nagore Legarreta

          © Nagore Legarreta

          Biografía

          Nagore Legarreta se licenció en Comunicación Audiovisual en la Universidad del País Vasco (UPV/EHU). Su interés por la fotografía viene de la época en que trabajó en el periódico local Hernaniko Kronika (2003-2009), y desde entonces ha estado inmersa en este mundo, trabajando como artista con trabajos comerciales y personales y como docente.

          Ha asistido a varios talleres muy distintos con fotógrafos como Eduardo Momeñe, Oscar Molina, David Jiménez, Jon Uriarte, Isabel Diez, Gabriel Brau, ... hasta que en 2009 realizó un taller sobre fotografía pinhole (estenopéica) y de inmediato comprendió que esa forma primitiva de fotografía era la mejor manera de desarrollar sus proyectos propios. En 2011, la editorial Banizu Nizuke publicó su primer libro EDIPOTOA, que incluía sus primeras fotos estenopéicas.

          En 2014, comenzó a trabajar en el proyecto HYSTERON, con una lata de cinco kilos de atún  con cuatro agujeros (objetivos) capturando fotos de cuerpos de mujeres desnudas sobre fondo negro, que se fusionaban en el papel representando la tensión entre ellas. Este trabajo fotográfico fue presentado en 2015 y se ha expuesto en la Saatchi Gallery de Londres, Festival Arg! de Oñate, Muestra de Arte Joven de la Rioja y Andoaingo Argazkia en 2015, Photoespaña (Festival Off) en Madrid, Centro Cultural Koldo Mitxelena en San Sebastián, patrocinado por la Capital Cultural de San Sebastián, Artistes de passage-Pasabidean organizada por la asociación Arcad en Hendaya, etc. en 2016.

          Entre 2013-2017 trabajó en su proyecto Suzko Irudiak (Imágenes de fuego) con fotografías de varios viajes a India usando como cámara cajas de cerillas, que se ha expuesto ya en su totalidad en el Gran Canaria Photo de 2017.

          Fue seleccionada por el Instituto Etxepare y AIR WRO para realizar su proyecto (El río no es un lugar) sobre el río Odra en Wroclaw, Polonia en 2017.

          También se dedica a impartir cursos de fotografía y de desarrollo de proyectos  fotográficos, tanto en el campo estenopéico como en el digital a través de Fotoeskola.

          Referencias

          Libros

          • Hysteron, 2016.
          • Editopoa, 2011.