jueves, 30 de noviembre de 2017

Cyril Blanchard

Cyril Blanchard es un fotógrafo francés (nacido en 1985) que realiza principalmente fotografía de viaje, con especialidad en el retrato.

Shita © Cyril Blanchard
Shita © Cyril Blanchard

Descubrí la fotografía explorando el mundo.



Biografía

Cyril Blanchard fue, desde su infancia, infectado por el virus de los viajes que se añadió a su curiosidad natural y a su placer por oír el maravilloso "clic" producido por la cámara. Luego, la infección se convirtió en una adicción y una pasión, que le llevan siempre más lejos, abren su espíritu y asombran sus sentidos.
La fotografía le ofrece una manera de expresar sus sentimientos y tiende a perpetuar el placer indescriptible de la primera mirada que tiene cuando se encuentra con alguien. Es un fotógrafo apasionado y aparte de su actividad más artística y personal realiza diversos servicios de fotografía profesional como eventos, retrato, viaje, reportaje, BBC: bodas, bautizos y comuniones, libros, ...

Referencias

miércoles, 29 de noviembre de 2017

Francisco Ubilla

Francisco Ubilla es un fotógrafo chileno (nacido en Santiago de Chile en 1981, reside en Palma de Mallorca, España) con experiencia en fotografía documental, prensa diaria, retratos y calle.

© Francisco Ubilla

© Francisco Ubilla

Biografía

Francisco Ubilla Jaramillo es ganador del Primer Lugar Nacional de Chile en el Sony World Photography Award 2017. Estudió periodismo en la Universidad Diego Portales de Santiago de Chile. Trabajando con un colaborador de la revista National Geographic  descubrió su pasión por la fotografía y realizó un master en Fotografía, Arte y Técnica por la Universidad Politécnica de Valencia, en España. Con la adquisición de conocimientos específicos en dicho campo comprendió que la fotografía debe tener el perfecto equilibrio entre arte, información y el poder de comunicar lo que siente.

Sus trabajos han sido expuestos de manera individual y colectiva en España, Suecia, China y Chile, y han sido publicados en medios internacionales como Club Diario Levante de España, Elite Traveller de China y Frankfurter Rundschau de Alemania, al igual que en medios chilenos como La Tercera, Revista Caras y Revista Contrastes, entre otras publicaciones.

Sus proyectos principales tienen que ver con Chile, desde fotografía de calle de Santiago, donde juega con las formas de esta ciudad y las personas que habitan en ella, a los paisajes del archipiélago de Chiloé, llenos de coloridos, formas y actitudes, y que representan el verdadero valor de una zona de mitos y magias, donde comienza a finalizar el mundo, la Patagonia, pasando por las 16 iglesias católicas de madera de la zona de Chiloé que la UNESCO ha catalogado como Patrimonio de la Humanidad.

Ha trabajado como Asesor de Prensa del Instituto Cervantes de Estocolmo, organismo público español que promueve y enseña la lengua española y difunde la cultura de España e Hispanoamérica alrededor del mundo.

Ha participado como periodista para un proyecto de rescate cultural de los mares de Chile por parte de Fundación Oceana y como fotógrafo freelance para agencias de noticias y medios en todo el territorio nacional, ONGs, instituciones públicas, empresas privadas y otras actividades que incluyen las sociales.

Ha sido becado por la Dirección de Cultura del Ministerio de Relaciones Exteriores de Chile (DIRAC) y por el Festival Internacional de Fotografía de Valparaíso.

En 2017 se traslada a Palma de Mallorca, España.

Referencias

martes, 28 de noviembre de 2017

Aaron Blum

Aaron Blum es un fotógrafo estadounidense (nacido en las montañas del Oeste de Virginia, vive en Pittsburgh) cuya obra tiene mucho que ver con la vida en los montes Apalaches.

© Aaron Blum

© Aaron Blum

Biografía

Aaron Blum es un orgulloso apalache de ocho generaciones de escoceses e irlandeses en las montañas del Oeste de Virginia,  que vive en Pittsburgh desde 2010. Siempre ha sido consciente de las opiniones que otros tienen de su hogar, y su obra es un producto de su exploración sobre lo que significa ser un apalache, centrando gran parte de su trabajo en esta pregunta, “¿qué significa ser Appalachian?”.  A través de ella aborda muchos conceptos artísticos diferentes, desde la memoria idealizada frente a los estereotipos hasta las ideas de la taxonomía popular. Su proceso de creación es un enfoque diversificado de los medios basados en imágenes para crear una idea de sus propios conceptos de Appalachia, y el tejido social de un pueblo y un lugar muy grande y mal representado.

Los montes Apalaches le atraen como un recuerdo embrujado. Es un lugar de bosques nebulosos, mantas de musgo y rincones oscuros donde se guardan los secretos y prospera el folclore. La naturaleza humana nos mueve a clasificar las cosas que componen nuestro mundo. Describimos nuestra cultura y entorno a través de un dialecto hecho a sí mismo llamado taxonomía popular. Este tipo de lenguaje y folclore ayuda a crear y mantener identidades regionales y transmitir nuestra existencia a las generaciones futuras.

Después de graduarse con licenciaturas en fotografía de la West Virginia University y la Universidad de Siracusa, Aaron comenzó a recibir reconocimiento por su trabajo, incluyendo el Premio del jurado en el Center: Santa Fe, top 50 en los Critical Mass y una mención honorable como e artista emergente de la Magenta Foundation.

Su trabajo ha sido presentado por Fraction Magazine, CNN, BBC y Aint-Bad, entre otros, y está en las colecciones permanentes del Haggerty Museum of Art y el Houston Museum of Fine Art.

Referencias

lunes, 27 de noviembre de 2017

Alfredo Cortina

Alfredo Cortina fue un guionista de radio y televisión, inventor y fotógrafo venezolano (nacido en Valencia, Venezuela, en 1903 y fallecido en Caracas en 1988) cuya obra, inédita durante su vida, es una serie de paisajes y lugares de la Caracas pre-moderna y cambiante, así como de composiciones inusuales de naturalezas muertas, puestas en escena o la reconstrucción de extraños personajes.

© Alfredo Cortina

© Alfredo Cortina

Biografía

Alfredo Cortina manifestó afición por el teatro desde su juventud, logrando desarrollar habilidades de ventrílocuo, actuando en 1915 como tal en una función a beneficio de la Cruz Roja en el Teatro Municipal de Caracas. En 1924 organizó el teatro Pim-Bol, donde montaba comedias y dramas escritos por él en verso al estilo clásico español y al cual acudían vecinos y muchos invitados.

Con el nacimiento de la Broadcasting Caracas (hoy Radio Caracas Radio) fue invitado a incorporarse a la empresa radiofónica. Hoy se le recuerda por sus avances y aportes en la fundación de la radiodifusión y la radio moderna en Venezuela, donde resaltó durante el siglo XX como pionero de este medio en el país. Como guionista de radio y televisión escribió radionovelas, programas culturales, adaptaciones de historias infantiles, series de ficción y telenovelas, además de dramas y comedias para teatro.

A lo largo de su vida fue parte de un grupo de intelectuales y artistas de la vanguardia venezolana que incluía a su esposa la poeta Elizabeth Schön, las hermanas Ida y Elsa Gramcko (poeta y pintora respectivamente), Carlos Puche (pionero de la fotografía moderna en Venezuela) y el filósofo Ernesto Mayz Vallenilla.

Pero, junto a estas actividades, Cortina dedicó su talento de forma muy significativa a la fotografía, creando un archivo único de paisajes rurales y urbanos y de lugares de la Caracas premoderna y en pleno proceso de renovación, con fotografías de calles, edificios, las esquinas de Caracas, paisajes rurales y urbanos, así como composiciones inusuales de naturalezas muertas, puestas en escena o la reconstrucción de personajes extraños. 

Cuando se aprecian los retratos que el fotógrafo hizo a su esposa durante 30 años, como punto de anclaje, reflejo, eje o referencia de escala, vemos que Elizabeth se pierde relativamente en el fondo al esquivar la mirada del fotógrafo y la del espectador, haciendo que su persona se mimetice con el paisaje. Es una “no mirada” que quiebra “el contrato” y la imagen se vuelve algo más.

También hizo cine e inventó y transformó numerosos objetos increíbles que despertaban curiosidad y admiración, como relojes y originales joyas que fabricaba para su esposa.

Al final de su vida concedió muchas entrevistas para hablar de sus invenciones y de la ciudad que conoció. Entre sus textos destacan los libros Caracas, la ciudad que se nos fue (1976) y la Historia de la Radio en Venezuela, publicado por Fundarte luego de su muerte en el año (1995).

En el año 2008, el Archivo Fotografía Urbana adquirió su archivo, compuesto por imágenes, álbumes, negativos de vidrios, impresiones vintage, transparencias, objetos, plumillas e invenciones como los relojes realizados por el autor. En 2012, el comisario y fotógrafo Vasco Szinetar realizó una muestra de su obra fotográfica, hasta entonces desconocida en la 30ª Bienal de São Paulo en Brasil. Posteriormente el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA) presentó una serie de sus fotografías en la exposición Recent Acquisitions from The Museum of Modern Art of New York, durante la celebración del Paris Photo en el Grand Palais.

En 2015 la exposición Alfredo Cortina. Fotografías fue presentada en la Sala Mendoza de Caracas y en el Museo de Arte Contemporáneo del Zulia en Maracaibo, y en 2017 se expuso Un atlas para Elizabeth en La Fabrica en Madrid y se publicó el libro Alfredo Cortina, en la colección PhotoBolsillo, que muestra un completo mapa de una Venezuela en pleno proceso de transformación.

Referencias

Libros

  • Caracas, la ciudad que se nos fue, 1976.
  • Historia de la Radio en Venezuela,
  • Photography at MoMA 1920-1960, 2016.
  • Alfredo Cortina, PHotoBolsillo, 2017

domingo, 26 de noviembre de 2017

Szymon Barylski

Szymon Barylski es un fotógrafo freelance polaco (nacido en 1984, vive en Irlanda) que realiza una fotografía documental a través de ensayos fotográficos de tema social y sobre derechos humanos.

© Szymon Barylski

© Szymon Barylski

La fotografía para mí es una herramienta para explorar y aprender sobre el mundo.

Biografía

Szymon Barylski es un fotógrafo freelance polaco nacido en 1984, que tiene su sede actualmente en Irlanda, para el que la fotografía es una pasión, continuamente en desarrollo. Comenzó como fotógrafo callejero y de viajes, pero ha desarrollado un verdadero afecto por documentar las historias de las personas que encuentra en su camino, desarrollando  fotografía documental y ensayos fotográficos, con los que intenta contar una historia y mostrarla directamente.

En su opinión, la gente es un tema inagotable y una fuente de inspiración. Cuando viaja, se encuentra con personas y, como resultado, crea la imagen de su relación con ellos. La exploración del entorno en el que toma fotos le permite crear escenas emocionales y convincentes, pues no se puede fotografiar cosas que no se conocen bien. Por ello se prepara para cada proyecto individualmente, con precisión, buscando detalles en periódicos y en Internet. Luego, busca inspiración en las fotos y textos de otros fotógrafos, y como resultado puede crear imágenes reales. Su propia narrativa presentada en sus fotos es a la vez muy personal y común, por lo que muchas personas pueden identificarse con sus trabajos.

Espera que sus fotos puedan aumentar la conciencia individual y colectiva sobre las necesidades sociales, políticas y económicas e instar a las personas a actuar y a ser parte de los cambios positivos.

Ha publicado en The Irish Times, National Geographic Polonia, The Eye of Photography, Edge of Humanity Magazine, y otros muchos medios de comunicación. Ha expuesto sus series en muchos países, incluyendo 3er. Día de Fotografía Documental en Estambul, MIFA Photography, The SE Center for Photography-Documentary Photography. Sus fotos también han recibido varios premios de prestigio en los últimos años, como los Magnum Photography Awards, en 2017 en la categoría de Fotoperiodismo, y en 2016, fue nombrado Photographer of the Year en los International Photography Awards.

Referencias

sábado, 25 de noviembre de 2017

Alberto Verdú

Alberto Verdú es un fotógrafo español (nacido en 1974 en Monóvar, Alicante) que compagina su trabajo profesional de fotografía social, con el personal de fotografía de calle, tanto en blanco y negro como en color.

© Alberto Verdú

© Alberto Verdú

Biografía

Alberto Verdú Martínez se diplomó en fotografía digital y tratamiento de la imagen por la Universidad de Valencia, tras interesarse desde muy joven por la fotografía y realizar un taller fotográfico donde descubrió la elaboración de los químicos del revelado y el instante mágico de ver aparecer la imagen en el papel dentro de la cubeta del revelador.

Ha realizado numerosos talleres con Cristina García Rodero, Alberto García Álix, José Manuel Navia, … En el año 2006 abrió un estudio fotográfico en su localidad, donde se dedica profesionalmente a la fotografía social, el clásico BBC: bodas, bautizos, comuniones.

También participa en concursos fotográficos a nivel nacional, habiendo obtenido varios premios, destacando entre otros, el XI Premio Comunidad Valenciana de Fotografía Profesional en la categoría de Tema Libre, y ser finalista con dos imágenes en el 2º concurso de Street Photography dentro del London Photo Festival.

Desde siempre la fotografía de calle le atrapó, inicialmente hacía fotografía de viaje, pero en realidad, era fotografía de calle en diversos lugares. El andar sin rumbo sin saber lo que se va a encontrar a la vuelta de la esquina, impregnarse de olores y ruidos es algo fascinante y cuando ocurre una situación que gusta tener que resolverla en milésimas de segundo hace, en su opinión, de la fotografía de calle uno de los géneros fotográficos más complejos y por eso le atrae.

Actualmente compagina su trabajo profesional y el personal con charlas sobre fotografía de calle en diversas asociaciones provinciales, habiendo estado como docente en la Escuela Mistos de Alicante, donde realizó  talleres de fotografía urbana y reportaje social.


Referencias

viernes, 24 de noviembre de 2017

Katsumi Watanabe

Katsumi Watanabe fue un fotógrafo japonés (nacido en 1941 en Morioka, prefectura de Iwate,  fallecido en 2006) que mostró, gracias a su cámara, el inframundo de Tokio con sus pequeños matones, drag-queens, prostitutas y demás componentes.

KatsumiWatanabe

© Katsumi Watanabe

Biografía

Katsumi Watanabe documentó Kabukicho, un barrio “chino” del distrito de Shinjuku en Tokio durante los años 60 y 70. mediante el oficio de fotógrafo "a la deriva", como le gustaba definirse, consistente en caminar a diario por las calles de Shinjuku, con su cámara en la mano, esperando que le solicitaran un retrato. Por 200 yenes (hoy menos de 2 euros) sacaba la fotografía que revelaba en su casa la misma tarde y entregaba tres copias al día siguiente a sus clientes. Sus fotografías son posados, son fotografía hecha en la calle, pero no una verdadera fotografía de calle. Sin embargo en su trabajo de día a día mostró el telón de fondo de la postal de Japón, apuntando su lente al inframundo de Tokio, con sus pequeños matones, gánsteres yakuza, drag-queens, prostitutas y más pelaje de los bajos fondos.

La llegada al mercado de máquinas compactas baratas hizo su vida más difícil y tuvo que convertirse en vendedor de patatas fritas en las calles de Shinjuku y luego en director de un estudio de retratos, convirtiéndose en un fotógrafo freelance que trabajaba por encargos. Continuó, sin embargo, produciendo un archivo masivo de imágenes de Shinjuku y sus habitantes. Además de retratos, fotografió los niños que jugaban en callejones, disturbios frente a Koma Gekijo y las pilas de latas vacías que se acumulaban en las esquinas de las calles de Shinjuku. Como habitante del barrio, Watanabe brindó una visión privilegiada de la transformación de este distrito, a donde regresó regularmente para fotografiarlo.

Su crónica de los 60 y 70, divinamente decadente, digna de las películas de Seijun Suzuki, se publicó en 1973 en un libro titulado Shinjuku Guntoden 66/73, que ha sido objeto de numerosas recompilaciones y republicaciones.

El redescubrimiento de sus tomas a finales de los 70 le trajo cierta celebridad, primero en Japón, donde su obra formó parte de la exposición Quince fotógrafos de hoy en el Museo Nacional de Arte Moderno de Tokio. Gracias a Andrew Roth Gallery en Nueva York (actual titular de los derechos sobre la obra de Katsumi), sus fotos son un verdadero éxito también en los Estados Unidos, habiendo publicado en 2006 Gangs of Kabukicho en homenaje al libro original de Watanabe.

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Libros

jueves, 23 de noviembre de 2017

José María Silva

José María Silva fue un fotógrafo uruguayo de origen gallego (nacido el 29 de setiembre de 1897 en Montillón, parroquia de San Andrés de Souto, A Estrada,​ Pontevedra, España, fallecido en Montevideo el 3 de enero de 2000) con una carrera profesional de 82 años, fotógrafo predilecto de la farándula de la radio, la canción y el mundo del espectáculo entre las décadas del 30 al 50, tanto de artistas uruguayos y argentinos, especialmente de Carlos Gardel, al que le hizo las clásicas fotografías de 1933 que inmortalizarían su figura.

© José María Silva

© José María Silva

Biografía

José María Silva Fernández nació en Galicia el mismo año que su padre fallecía luchando en la Guerra de Cuba. Seis años más tarde, su madre decidió emigrar al Río de la Plata y lo llevó al que sería su país de adopción. A los 14 años, necesitado de trabajo, se empleó en El Indio, casa de fotografía, y pronto aprendería el oficio.

Hacia 1919 decidió independizarse e inauguró su propio estudio fotográfico, al que llamó Foto Silva con el eslogan: "Foto Silva, el fotógrafo de los artistas y un artista entre los fotógrafos". El retrato era su trabajo principal por aquel entonces y Silva era el retratista de los famosos del espectáculo y la creciente clase media. Adquirió notoriedad gracias a sus excelentes técnicas aplicadas a la toma y el revelado.

En su vasta carrera, Foto Silva fue el tradicional estudio fotográfico de tres generaciones de uruguayos, en una etapa en que la gente necesitaba registrar los momentos cumbres de su vida: el casamiento, la primera comunión, los quince años, etc..  Fotografió a numerosas personalidades, como Juan Domingo Perón, Luis Alberto de Herrera, Mariano Mores, Alberto Candeau, José Belloni, León Felipe, etc. En particular Carlos Gardel fue uno de sus más fieles clientes y amigos, y lo apodaba "Silvita". La relación comenzó en 1917 cuando Silva trabajaba todavía en El Indio y Gardel estaba en sus comienzos cantando temas criollos, y su foto más icónica fue realizada en 1933 como publicidad de su próxima gira.

Ofició de reportero gráfico durante el partido de la final del Mundial de Fútbol de 1930, cubriendo el evento desde una portería. También colaboró con la revista La Semana y el diario El Día de Uruguay, trabajando para la editorial Atlántida de Buenos Aires y sus fotos eran publicadas en revistas como El Gráfico, Para Ti y Atlántida, entre otras. Presidió la Asociación de Fotógrafos Profesionales del Uruguay durante 28 años, retirándose en 1994.

Silva trabajó hasta los 96 años, ayudado por su hijo Julio César. A los 100 años fue homenajeado y entrevistado por agencias de prensa internacionales como la BBC y la DPA. También recibió la distinción de Uruguayo inmigrante del año en 1998, de manos del Ministro de Educación y Cultura uruguayo. Falleció a los 102 años, víctima de una neumonía, dejando a su familia unos 30.000 negativos, no solo testimonio de la historia de Uruguay, sino también de la inmigración gallega.

Referencias

Libros

miércoles, 22 de noviembre de 2017

Chieska Fortune Smith

Chieska Fortune Smith es una fotógrafa estadounidense (nacida en Baltimore, Ohio, vive entre el Reino Unido y Estados Unidos) cuya fotografía posee un fuerte contenido emocional, con toques melancólicos y una belleza cargada de intimidad ciertamente intrigante.

ChieskaFortuneSmith

© Chieska Fortune Smith

Necesito la fotografía como una medicina.


Biografía

Chieska Fortune Smith nació en Baltimore, hija de bailarina japonesa y cantante de soul estadounidense con raíces afro y nativo americanas. Vivió en Japón durante 8 años donde comenzó con la fotografía de la calle y el registro de las relaciones personales cercanas entre familiares y amigos. Se mudó al Reino Unido en 2009, donde conoció a los integrantes que formaban parte del grupo conocido como Young Satellites, del que forma parte desde 2013.

Encuentra sus motivos en blanco y negro en las calles, en la vida cotidiana, siendo atraída por hermosos ángulos que escondan algo extraño, nostálgico y, a veces, incluso oscuro. Todas las personas fotografiadas son sus amigos, quienes espontáneamente, sin ninguna prescripción de posado, han dado lugar a un bello momento y una bella escena, capturada por su cámara.

Nuestra mirada hacia el exterior es como una concha, nos aísla, pero con la cámara Chieska entra en los ojos de los demás y ve lo que habitualmente está oculto. La mirada fotográfica demuestra que hay belleza en cada ser humano. A veces retrata en otros lo que está sintiendo y no es capaz de verbalizar. Es casi terapéutico, catártico. A diferencia de un camino que deseas que acabe, no quiere que su camino fotográfico llegue a su fin.

Le gusta lo digital, pero, por otra parte, le encanta el elemento sorpresa que añade la película analógica, donde nunca sabes con exactitud qué sucederá. Así que mayoritariamente hace fotos con película y luego las pos-produce con software digital.

Ahora vive en Bristol, en el Reino Unido, una ciudad liberal y bohemia, en la que se suele levantar tarde, pasea, hace fotos, fuma, bebe unas copas y charla con amigos. Es el tipo de vida que necesita en estos momento. Podríamos decir que no trabaja, es una simple soñadora freelance.

Referencias

martes, 21 de noviembre de 2017

Jonathan Bachman

Jonathan Bachman es un fotógrafo estadounidense (nacido en 1984 en Morristown, Nueva Jersey, vive en Nueva Orleans) que realiza fotografía deportiva y de noticias para agencias como Associated Press, Getty Images y Reuters.

JonathanBachman

© Jonathan Bachman / Reuters

Un día puedes fotografiar a ancianos jugando al pickleball y al día siguiente puedes fotografiar al presidente.

Biografía

Jonathan Bachman estudió fotoperiodismo en la Loyola University en Nueva Orleans, a donde se trasladó en 2003 desde su New jersey natal. Comenzó su carrera trabajando para semanarios locales. En 2012, comenzó a fotografiar eventos deportivos para Associated Press y Reuters y después también ha cubierto noticias generales, entre los que podemos citar el Huracán Isaac, la Super Bowl, Men’s and Women’s Final Four BCS Championship, playoffs de la NFL y NBA, el Mardi Grass, …

En julio de 2016, Bachman fue asignado para cubrir los eventos consecuencia del asesinato de Alton Sterling, un hombre negro de 37 años que fue asesinado a tiros por la policía de Baton Rouge. Esta fue la primera manifestación que cubrió y pudo capturar una imagen que se ha convertido rápidamente en icónica y con la que ha obtenido numerosos e importantes premios:

  • en 2017
    • The Pulitzer Prize – Finalista en Breaking News Photography
    • World Press Photo – 1º premio en Contemporary Issues - Single
    • NPPA’s Best of Photojournalism – 1º premio en Contemporary Issues
    • PX3 – Fotógrafo del año
    • Picture of the Year International – 2º premio en General News
    • Exposure Awards – 1º premio Single Image.
  • en 2016
    • Thomson Reuters Journalist of the Year Awards – Photo del año
    • Atlanta Photojournalism SeminarBest in Show.

Referencias

lunes, 20 de noviembre de 2017

Doran Bastin

Doran Bastin es un músico y fotógrafo estadounidense (vive entre Seattle,Washington, y Portland, Oregon) reconocido por sus paisajes urbanos, principalmente en blanco y negro, donde se acerca al entorno y a sus gentes con una mirada aguda y compasiva, logrando encontrar momentos íntimos en los lugares más inverosímiles.

© Doran Bastin

© Doran Bastin

Biografía

Doran Bastin tiene una larga y exitosa carrera en la música, y recientemente está promoviendo sus exploraciones creativas a través de la fotografía, un medio en el que continúa manteniendo el ritmo junto con la música, enfrentando fortalezas, desafíos y oportunidades similares en ambos.

Inspiradas por grandes fotógrafos como Lee Friedlander y Garry Winogrand, sus fotografías capturan la humanidad, el crecimiento y el cambio en el noroeste del Pacífico, específicamente en Seattle, Washington y Portland, Oregon, donde Doran divide su tiempo.

Su trabajo más reciente ha sido presentado en la exposición Long Shot de Photographic Center Northwest, Daylighted, galardonado con el tercer puesto en la exhibición anual de la galería Collective Visions en 2016 y el premio al Mérito de Jurado en los premios International All About Photo 2017. Doran es un maestro del scrum (una metodología de programación ágil) de día, un músico de noche y un fotógrafo de corazón.

Referencias

domingo, 19 de noviembre de 2017

Vicente Barberá Masip

Vicente Barberá Masip fue un fotógrafo español (nacido en 1870 en Valencia, fallecido en 1935, también en Valencia) considerado uno de los grandes fotoperiodistas españoles del primer tercio del siglo XX y el más destacado de Valencia.

Vicente Barberá Massp

Vicente Barberá Massp

Biografía

Vicente Barberá Masip manifestó un gran interés desde muy joven por la fotografía, lo que le llevó a aprender el oficio en el estudio de un fotógrafo profesional. En 1898 regentaba ya su propio estudio, denominado Fin de Siglo, tras haber n trabajado con los fotógrafos Eugenio Jouliá Potabou y Tomás Colubi, en el que ejerció con gran éxito como retratista. Ante su cámara posaron grandes personajes valencianos, como Vicente Blasco Ibáñez, íntimo amigo suyo e incluso tuvo la ocasión de fotografiar a varios miembros de la Familia Real.

Posteriormente, se dedicó también a la fotografía industrial, destacando su labor como fotógrafo de la Compañía Siderúrgica del Mediterráneo que le encargó en 1929 la confección de un catálogo con 62 fotografías, donde nos muestra toda la empresa, las baterías de coque, las oficinas, los laboratorios, el hospital, etc.. También compaginó el oficio de retratista con el de reportero, siendo nombrado en 1899 corresponsal del semanario Blanco y Negro y en 1902 del diario ABC. A lo largo de su vida colaboró con diversos medios, como Nuevo Mundo y Semana Gráfica, y fue responsable de la información gráfica del diario valenciano Las Provincias.

Además, fue un exitoso editor de tarjetas postales de temas valencianos, recogiendo en sus fotografías prácticamente todos los monumentos valencianos, sus fiestas e, incluso, sus ferias. Desde 1909 colaboró con el Ayuntamiento de Valencia, llegando a ser nombrado fotógrafo oficial de la corporación. Tras su muerte, este cargo lo heredaría su sobrino, Enrique Desfilis Barberá, quien desde 1931 venía ocupándose de la empresa del fotógrafo.

Fue un profesional preocupado por incorporar a su trabajo las últimas innovaciones técnicas, para lo cual viajaba periódicamente a ciudades como París o Bruselas, y que supo combinar en su obra la vocación documental y la estética. Su legado ha sido revalorizado recientemente, y ha formado parte de diversas muestras, como Miradas industriales: huellas humanas en el Museo de Bellas Artes de San Pío en Valencia en 2006) y Valencia 1900-1936. Colecciones ABC en 2009 en el MUVIM. Parte de su legado se encuentra en la colección fotográfica del ABC y en colecciones privadas.

Referencias

Libros

sábado, 18 de noviembre de 2017

John Hornbeck

John Hornbeck es un fotógrafo estadounidense (vive en Lawton, Oklahoma) para el cual la fotografía es una exploración de su propia vida.

© John Hornbeck

© John Hornbeck

Puedo entender por qué a la gente le gusta la película y me gusta el proceso que le rodea, pero para mí capturar una foto podría hacerse en casi cualquier cosa y la "esencia" de la fotografía es el intento de capturar un pequeño fragmento de tiempo y la realidad que estaba experimentando en ese momento, un momento que nunca volverá a suceder. La herramienta empleada realmente no importa y la idea de "pureza" o un método superior no existe.

Biografía

John Hornbeck vive en lo que parece un mundo diferente del de la mayoría de las personas que conoce. Salió de la escuela secundaria después del noveno grado, tuvo un hijo a los 18 años, me casó a los 19, se involucró con el software de código abierto en sus primeros 20 años, comenzó su propia empresa a los 25, pasó a trabajar en otras empresas de software con 28, y ha hecho todo esto desde una pequeña ciudad en Oklahoma.

Ese camino le ha dejado con una visión del mundo diferente e intenta capturar esto en su trabajo, que se puede dividir en tres áreas principales, que se superponen y a las que se acerca con el mismo estilo:

  • La mayor parte de su fotografía callejera la hace mientras viaja por trabajo para Basho Technologies, una compañía de base de datos de Cambridge, con oficinas en San Francisco, Washington D.C., Tokio y Londres. Todavía no ha tenido la suerte de visitar las oficinas de Londres o Tokio, pero visita una semana las oficinas de EEUU al menos dos veces al año. Esto le da una buena cantidad de tiempo para recorrer las calles y fotografiar mientras está allí,  lugares muy diferentes al lugar donde siempre ha vivido. Es una sensación surrealista caminar por las calles de San Francisco de noche cuando estás acostumbrado a la vida en un pequeño pueblo de Oklahoma.
  • Ha vivido en Oklahoma desde que nació. Es un lugar hermoso y su hogar, pero también es un lugar solitario y muy aislado. Dos proyectos principales crecen desde aquí,
    • Lawton After Dark es un intento de capturar la soledad del lugar en el que vive, que por la noche puede volverse muy surrealista.
    • Through a car windows es una exploración de cómo vive la gente allí. Todo el mundo conduce y causa un mundo que no es más que un borrón.
  • Tiene 3 hijos y todos tienen amigos, por lo que constantemente hay un grupo en su casa. Los niños son sujetos perfectos para la fotografía, pues no han llegado a un punto en su vida en el que intenten adoptar una personalidad falsa y hay una honestidad que se puede capturar en la cara de un niño que es muy difícil de capturar en un adulto. Con disparos lentos, alto ISO y algo de movimiento de la cámara se puede recrear un mundo que solo ellos conocen.

Su estilo que se puede incluir dentro del “provoque” japonés es muy apreciado y ha creado una aplicación de cámara para iPhone que lo imita.

Referencias

Libros

viernes, 17 de noviembre de 2017

Emmanuel Smague

Emmanuel Smague es un profesor de música y fotógrafo francés (nacido en Rennes en 1968) fiel seguidor de la fotografía tradicional en película, que suele utilizar equipo Leica en sus desplazamientos por el mundo.

© Emmanuel Smague

© Emmanuel Smague

Biografía

Emmanuel Smague siempre tuvo un gran interés por la fotografía, a pesar de que su profesión es la de profesor de música en la ciudad de Lannion en Bretaña. Tras un primer contacto con la fotografía, entre los años 1987 y 1992, volvió a retomar su interés en el año 2005 a raíz de un viaje en el transiberiano, después de 13 años de haber viajado sin hacer fotos.

Desde entonces no ha parado de fotografiar la vida diaria de la gente de diversos países como Irak, Georgia, Mongolia, etc., mostrándonos su cultura, su vida cotidiana y a los pueblos nómadas, que son importantes en número en los citados países. Sus fotografías dan la impresión de haber sido tomadas por un familiar cercano de los retratados. Configurar su cámara no es una prioridad para él: establecer una relación con la persona que está retratando sí lo es.

Su fotografía nos recuerda a los maravillosos años de la revista Life, en la que los grandes fotógrafos de siempre nos mostraban la realidad de los confines del mundo a través de sus fotografías en blanco y negro. Es de la "vieja escuela" y utiliza una Leica MP, una lente de 35 mm y un montón de películas.

Muchas de sus fotografías han sido publicadas en la prensa francesa, en revistas como Réponses Photos y Le Monde 2. Su trabajo sobre Asia central y Rusia fue expuesto en 2007 en la galería francesa L’imagerie. Ha documentado el tren Transiberiano, la gente nómada en Mongolia, los traperos de El Cairo, los habitantes de Chernobyl, las prostitutas en Bangladesh, los campos de refugiados en el Kurdistán iraquí, los pueblos nómadas de Asia Central, Mongolia y Ladakh (India) y los niños de la calle de Katmandú,  ... proyectos que han sido expuestos en diversas exposiciones, principalmente en Francia.

Su trabajo fotográfico está impregnado de la tradición del humanismo: una foto necesita contar una historia, y también le da mucha importancia a la composición de la imagen.

Referencias

Libros

jueves, 16 de noviembre de 2017

Junku Nishimura

Junku Nishimura es un fotógrafo japonés (nacido en 1967 en la prefectura de Yamaguchi, donde vive y trabaja) cuya obra se caracteriza por sus sujetos misteriosos, seductores y parecen atrapados en un momento en un cuento atemporal: rasgos que parecen reflejar al hombre detrás de la lente que los congeló.

Hug © Junku Nishimura

Hug © Junku Nishimura

Estoy visitando una nueva ciudad. Sus calles, atestadas durante el día, pronto me agotan. Regreso al albergue para tomar una siesta mientras se pone el sol. Una ducha rápida y una limpieza rápida de la lente de mi cámara. Deslice tres rollos de T-MAX en mi bolsillo. Al salir, siento las primeras punzadas de hambre y sed, así que busco un restaurante. Una llena de lugareños me viene bien. Algunos clientes, probablemente trabajadores, ya están borrachos. Más tarde, algunos trabajadores de cuello blanco se unen. Beben juntos, charlan juntos, la oscuridad de la noche se quita las máscaras usadas durante el día. Hablamos como si nos conociéramos desde hace mucho tiempo. La mejor forma de conocer una ciudad
Casi me olvido de que llevo mi cámara, pero de todos modos a nadie parece molestarle.
Salgo del restaurante y vuelvo a las calles. El tiempo que pasé allí me hace sentir como si fuera parte de este lugar. Finalmente llegué a un bar. Veo que tomé la decisión correcta, ya que tiene algunos vinilos. Ordeno un copazo.
Los encuentros de esta noche traen recuerdos de los mineros de carbón que vivían en mi ciudad natal. Ellos fueron amables conmigo cuando era un niño.

Biografía

Junku Nishimura (alias junku-newcleus) nació en un pequeño pueblo de minas de carbón en 1967, en la prefectura de Yamaguchi, en el oeste de Japón, donde vivió hasta los 18 años, cuando ingresó en la universidad de Kioto para estudiar asuntos latinoamericanos. Su primera foto fue de un tanque de plástico, realizada con la cámara de su padre, una Minolta Hi-Matic.

Después de la universidad trabajó como DJ de un club, como trabajador de la construcción. En 1991 recorrió Nueva Orleans durante tres meses con una Canon Autoboy,  y luego trabajó en una fábrica de cemento, convirtiéndose en un experto en construcción de túneles en todo el país. Consiguió una Leica M6 y comenzó a fotografiar los lugares donde trabajaba.

Después de 18 años trabajando, renunció a su trabajo y fotografía países y regiones deambulando por el mundo como fotógrafo freelance, haciendo fotografías en bares, calles, saunas. Sus fotos de interiores, que siguen siendo foto callejera, siempre dan la impresión de que ha llegado más lejos que cualquiera de nosotros en esa situación. Utiliza principalmente una Leica M5 con objetivo 50mm y película Tmax iso 1600, tras la discontinuidad del Fuji Neopan 1600. El Tmax le permite un estilo de disparo claramente retro, que refleja su propia renuencia a aceptar el cambio. Lo revela con revelador Fuji y lo positiva en papel Ilford.

Referencias

miércoles, 15 de noviembre de 2017

Deb Achak

Deb Achak es una cineasta y fotógrafa estadounidense (nacida en 1968  en Montclair, New Jersey, vive y trabaja en Seattle, Washington) cuya fotografía artística explora elementos naturales como el agua y los prados, elementos de la tierra con composiciones limpias y simples destinadas a calmar y relajar. Sus hijos también son un tema creciente de su obra. Su trabajo cinematográfico incluye películas de recuerdos de su vida y su familia, así como una serie de películas sobre el proceso de artistas contemporáneos que admira.

The Queue © Deb Achak

The Queue © Deb Achak

A través de la fotografía, he descubierto que lo simple y mundano puede ser elocuente y poético. La fotografía para mí se ha convertido en un camino hacia la atención plena y la gratitud.

Biografía

Deb Achak se crio en New Hampshire, tiene un master en trabajo social y es una fotógrafa y cineasta autodidacta, siempre en proceso de aprendizaje.

Su fotografía expresa su amor por la narración visual y el retrato ambiental. Así fotografía los temas que más le apasionan: su familia, su hogar, sus viajes, la belleza cotidiana. Y como el fotógrafo a menudo está ausente del cuadro, intenta incluirse  a ella mismo en los recuerdos que crea, con autorretratos y películas de cápsulas del tiempo.

Sus fotografías se han expuesto en Black Box Gallery en Portland, Sante Fe Photographic Workshops en Sante Fe, SE Center for Photography en Greenville  y Vermont Center for Photography en Brattleboro, además de sus exposiciones en solitario Introducing the Works of Deb Achak en Winston Wächter Fine Art y EBB and FLOW en Red Ticking, ambas en Seattle y en 2017.

En su serie She Told Us To Trust Our Intuition, pero también en All the colors i am inside y EBB AND FLOW explora el color, la textura y la poesía del océano. A través de la fotografía, Achak tiene el poder de detener el movimiento del agua. Mientras nada con su cámara, busca la interacción entre su lente y el movimiento del agua, tratando de capturar ese momento en el que su cámara, su intuición y el mundo natural están perfectamente alineados. A veces busca sujetos humanos, suspendidos en broma o en nubes de agua como sueños. En otras ocasiones, son los detalles arriba y debajo de la superficie los que capturan su imaginación. Con composiciones limpias y sencillas, evoca el poder y el misterio del agua e invita al espectador a experimentar sus propias emociones y recuerdos del mar.
 

 

Referencias

martes, 14 de noviembre de 2017

Luigi Avantaggiato

Luigi Avantaggiato es un fotógrafo suizo (nacido en Zúrich en 1984, vive y trabaja en Roma) especializado en documentales, editoriales y retratos.

© Luigi Avantaggiato

© Luigi Avantaggiato

Biografía

Luigi Avantaggiato comenzó a trabajar como fotógrafo documental después de sus estudios de doctorado en Media Studies, lo que le ayudó a desarrollar un profundo interés por los problemas sociales y ambientales globales.

Ha visitado varios países en el mundo en estado de emergencia: Líbano, Irak, Colombia, Grecia, Kosovo. Sus imágenes han sido publicadas en periódicos nacionales italianos y revistas internacionales, como Il Corriere della Sera, Il Messaggero, D di Repubblica, Panorama, Vice, Lensculture y otros.

Es profesor en Sapienza - Universidad de Roma y en varias academias privadas. Es autor de varios ensayos, libros y artículos sobre fotografía, cine y artes visuales.

Sus artículos tratan de la sociedades en estado de emergencia, como ejemplo:

  • Where The West Sets es un proyecto documental que intenta hacer una crónica de la crisis de refugiados en las islas del norte del Egeo y en la Grecia continental, los mismos territorios donde nació la cultura occidental y su sistema de valores. La estética de su trabajo radica en un enfoque no como reportero que busca hechos, sino como documentalista que intenta verificarlos.
  • Embers es un reportaje fotográfico que intenta describir el Kosovo actual, un estado tapón donde las tropas de la OTAN mantienen la armonía entre los grupos que estuvieron en conflicto hace dos décadas, ilustrando cómo el aislamiento de los enclaves serbios en Kosovo no solo se basa en cuestiones étnicas sino también en creencias ideológicas y psicológicas que afectan la vida cotidiana y las decisiones de los serbios de Kosovo. Y por otro lado, el renacimiento de los albaneses de Kosovo, que están en crecimiento urbano, industrial y turístico.
  • Hidden Leonte muestra la misión de UNIFIL italiana en el sur del Líbano: patrullas diurnas y nocturnas, establecimiento de puntos de observación, instalaciones de Blue Pillar, monitoreo de la Línea Azul, limpieza de minas terrestres, educación, interacciones y apoyo con libaneses civiles.
  • The Guest es un proyecto documental sobre residencias y sobre las relaciones que los pacientes tejen en su interior.
  • Animaly es un proyecto sobre el cuidado de mascotas, para el cual, durante aproximadamente un año, visitó clínicas y hospitales de animales.

Referencias

Libros

  • Archivio di cenere. L'immaginario mediatico e il crollo dell'11 settembre 2001, 2015
  • SalentoSilente. L'arte sosta in luoghi storici, 2011
  • Home Stories. Il filmino di famiglia nelle pratiche artistiche contemporanee, 2010.

lunes, 13 de noviembre de 2017

Orietta Gelardin Spinola

Orietta Gelardin Spinola es una diseñadora gráfica y fotógrafa italo-española (nacida en Madrid, vive entre Roma y Madrid) apasionada de la fotografía de calle.


© Orietta Gelardin Spinola
© Orietta Gelardin Spinola

Biografía

Orietta Gelardin Spinola nació en Madrid de padre estadounidense y madre italiana. Tras completar su formación universitaria (Bachelor of Arts) entre Londres y Nueva York, se estableció en Madrid para desarrollar su carrera profesional. Su amor por la fotografía se remonta al final de su adolescencia y no ha hecho sino aumentar desde entonces.

Guiada por su intuición e impulso, está inmersa en una búsqueda constante de expresiones y de historias y a través de sus fotos intenta transmitir sus sensaciones. Atraída por la gente, la luz, la composición y lo que sea que haga que su corazón lata rápido, su trabajo a veces es muy sutil, pero siempre hermoso.

Bajo el sol o la lluvia, de noche o de día, camina por las calles con su cámara (una Fujifilm X100S) y móvil, varias baterías y auriculares atenta para encontrar composiciones únicas, gracias a un instinto oculto, un reflejo creativo que solo se materializa bajo la disciplina diaria de caminar en la calle.

La combinación correcta, la mezcla perfecta, se forma con proporciones variables de ingredientes que cambian constantemente. Luces y sombras, colores y contrastes dan vida a personajes cuidadosamente identificados en la singularidad de un gesto o una expresión.

Ha obtenido diversos premios como ser finalista en el concurso II Edición de NNstreetphoto de Nationale Nederlanden en Madrid, premio especial del jurado y 1 de las 5 fotografías ganadoras del concurso Passing By organizado por The Eyes Magazine y la editorial Out of the Phone. Ha realizado varias exposiciones colectivas, como Nuevos Talentos II. Fotonline/Fujifilm en 2017 y Nuevos Talentos I. Fotonline en el 2016 en el Centro de Arte de Alcobendas en Madrid, Four Way Street en Galleria Makemake en Roma y Outsiders en la galería Mobile Camera Club en Paris, ambas en 2015, Lights en galería Espacio 51 en Madrid en 2013.

Sus fotografías han sido incluidas en libros como 25 Regards de photographes à travers le monde en 2017, 1 Camera, 100 Photographers en 2014, y se han publicado en revistas como L ’Oeil de la Photographie, TheGuardian, Indie Rocks de Ciudad de México. Forma parte del colectivo de fotografía de calle La calle es nuestra.

Referencias