miércoles, 22 de noviembre de 2017

Chieska Fortune Smith

Chieska Fortune Smith es una fotógrafa estadounidense (nacida en Baltimore, Ohio, vive entre el Reino Unido y Estados Unidos) cuya fotografía posee un fuerte contenido emocional, con toques melancólicos y una belleza cargada de intimidad ciertamente intrigante.

ChieskaFortuneSmith

© Chieska Fortune Smith

Necesito la fotografía como una medicina.


Biografía

Chieska Fortune Smith nació en Baltimore, hija de bailarina japonesa y cantante de soul estadounidense con raíces afro y nativo americanas. Vivió en Japón durante 8 años donde comenzó con la fotografía de la calle y el registro de las relaciones personales cercanas entre familiares y amigos. Se mudó al Reino Unido en 2009, donde conoció a los integrantes que formaban parte del grupo conocido como Young Satellites, del que forma parte desde 2013.

Encuentra sus motivos en blanco y negro en las calles, en la vida cotidiana, siendo atraída por hermosos ángulos que escondan algo extraño, nostálgico y, a veces, incluso oscuro. Todas las personas fotografiadas son sus amigos, quienes espontáneamente, sin ninguna prescripción de posado, han dado lugar a un bello momento y una bella escena, capturada por su cámara.

Nuestra mirada hacia el exterior es como una concha, nos aísla, pero con la cámara Chieska entra en los ojos de los demás y ve lo que habitualmente está oculto. La mirada fotográfica demuestra que hay belleza en cada ser humano. A veces retrata en otros lo que está sintiendo y no es capaz de verbalizar. Es casi terapéutico, catártico. A diferencia de un camino que deseas que acabe, no quiere que su camino fotográfico llegue a su fin.

Le gusta lo digital, pero, por otra parte, le encanta el elemento sorpresa que añade la película analógica, donde nunca sabes con exactitud qué sucederá. Así que mayoritariamente hace fotos con película y luego las pos-produce con software digital.

Ahora vive en Bristol, en el Reino Unido, una ciudad liberal y bohemia, en la que se suele levantar tarde, pasea, hace fotos, fuma, bebe unas copas y charla con amigos. Es el tipo de vida que necesita en estos momento. Podríamos decir que no trabaja, es una simple soñadora freelance.

Referencias

martes, 21 de noviembre de 2017

Jonathan Bachman

Jonathan Bachman es un fotógrafo estadounidense (nacido en 1984 en Morristown, Nueva Jersey, vive en Nueva Orleans) que realiza fotografía deportiva y de noticias para agencias como Associated Press, Getty Images y Reuters.

JonathanBachman

© Jonathan Bachman / Reuters

Un día puedes fotografiar a ancianos jugando al pickleball y al día siguiente puedes fotografiar al presidente.

Biografía

Jonathan Bachman estudió fotoperiodismo en la Loyola University en Nueva Orleans, a donde se trasladó en 2003 desde su New jersey natal. Comenzó su carrera trabajando para semanarios locales. En 2012, comenzó a fotografiar eventos deportivos para Associated Press y Reuters y después también ha cubierto noticias generales, entre los que podemos citar el Huracán Isaac, la Super Bowl, Men’s and Women’s Final Four BCS Championship, playoffs de la NFL y NBA, el Mardi Grass, …

En julio de 2016, Bachman fue asignado para cubrir los eventos consecuencia del asesinato de Alton Sterling, un hombre negro de 37 años que fue asesinado a tiros por la policía de Baton Rouge. Esta fue la primera manifestación que cubrió y pudo capturar una imagen que se ha convertido rápidamente en icónica y con la que ha obtenido numerosos e importantes premios:

  • en 2017
    • The Pulitzer Prize – Finalista en Breaking News Photography
    • World Press Photo – 1º premio en Contemporary Issues - Single
    • NPPA’s Best of Photojournalism – 1º premio en Contemporary Issues
    • PX3 – Fotógrafo del año
    • Picture of the Year International – 2º premio en General News
    • Exposure Awards – 1º premio Single Image.
  • en 2016
    • Thomson Reuters Journalist of the Year Awards – Photo del año
    • Atlanta Photojournalism SeminarBest in Show.

Referencias

lunes, 20 de noviembre de 2017

Doran Bastin

Doran Bastin es un músico y fotógrafo estadounidense (vive entre Seattle,Washington, y Portland, Oregon) reconocido por sus paisajes urbanos, principalmente en blanco y negro, donde se acerca al entorno y a sus gentes con una mirada aguda y compasiva, logrando encontrar momentos íntimos en los lugares más inverosímiles.

© Doran Bastin

© Doran Bastin

Biografía

Doran Bastin tiene una larga y exitosa carrera en la música, y recientemente está promoviendo sus exploraciones creativas a través de la fotografía, un medio en el que continúa manteniendo el ritmo junto con la música, enfrentando fortalezas, desafíos y oportunidades similares en ambos.

Inspiradas por grandes fotógrafos como Lee Friedlander y Garry Winogrand, sus fotografías capturan la humanidad, el crecimiento y el cambio en el noroeste del Pacífico, específicamente en Seattle, Washington y Portland, Oregon, donde Doran divide su tiempo.

Su trabajo más reciente ha sido presentado en la exposición Long Shot de Photographic Center Northwest, Daylighted, galardonado con el tercer puesto en la exhibición anual de la galería Collective Visions en 2016 y el premio al Mérito de Jurado en los premios International All About Photo 2017. Doran es un maestro del scrum (una metodología de programación ágil) de día, un músico de noche y un fotógrafo de corazón.

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domingo, 19 de noviembre de 2017

Vicente Barberá Masip

Vicente Barberá Masip fue un fotógrafo español (nacido en 1870 en Valencia, fallecido en 1935, también en Valencia) considerado uno de los grandes fotoperiodistas españoles del primer tercio del siglo XX y el más destacado de Valencia.

Vicente Barberá Massp

Vicente Barberá Massp

Biografía

Vicente Barberá Masip manifestó un gran interés desde muy joven por la fotografía, lo que le llevó a aprender el oficio en el estudio de un fotógrafo profesional. En 1898 regentaba ya su propio estudio, denominado Fin de Siglo, tras haber n trabajado con los fotógrafos Eugenio Jouliá Potabou y Tomás Colubi, en el que ejerció con gran éxito como retratista. Ante su cámara posaron grandes personajes valencianos, como Vicente Blasco Ibáñez, íntimo amigo suyo e incluso tuvo la ocasión de fotografiar a varios miembros de la Familia Real.

Posteriormente, se dedicó también a la fotografía industrial, destacando su labor como fotógrafo de la Compañía Siderúrgica del Mediterráneo que le encargó en 1929 la confección de un catálogo con 62 fotografías, donde nos muestra toda la empresa, las baterías de coque, las oficinas, los laboratorios, el hospital, etc.. También compaginó el oficio de retratista con el de reportero, siendo nombrado en 1899 corresponsal del semanario Blanco y Negro y en 1902 del diario ABC. A lo largo de su vida colaboró con diversos medios, como Nuevo Mundo y Semana Gráfica, y fue responsable de la información gráfica del diario valenciano Las Provincias.

Además, fue un exitoso editor de tarjetas postales de temas valencianos, recogiendo en sus fotografías prácticamente todos los monumentos valencianos, sus fiestas e, incluso, sus ferias. Desde 1909 colaboró con el Ayuntamiento de Valencia, llegando a ser nombrado fotógrafo oficial de la corporación. Tras su muerte, este cargo lo heredaría su sobrino, Enrique Desfilis Barberá, quien desde 1931 venía ocupándose de la empresa del fotógrafo.

Fue un profesional preocupado por incorporar a su trabajo las últimas innovaciones técnicas, para lo cual viajaba periódicamente a ciudades como París o Bruselas, y que supo combinar en su obra la vocación documental y la estética. Su legado ha sido revalorizado recientemente, y ha formado parte de diversas muestras, como Miradas industriales: huellas humanas en el Museo de Bellas Artes de San Pío en Valencia en 2006) y Valencia 1900-1936. Colecciones ABC en 2009 en el MUVIM. Parte de su legado se encuentra en la colección fotográfica del ABC y en colecciones privadas.

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Libros

sábado, 18 de noviembre de 2017

John Hornbeck

John Hornbeck es un fotógrafo estadounidense (vive en Lawton, Oklahoma) para el cual la fotografía es una exploración de su propia vida.

© John Hornbeck

© John Hornbeck

Puedo entender por qué a la gente le gusta la película y me gusta el proceso que le rodea, pero para mí capturar una foto podría hacerse en casi cualquier cosa y la "esencia" de la fotografía es el intento de capturar un pequeño fragmento de tiempo y la realidad que estaba experimentando en ese momento, un momento que nunca volverá a suceder. La herramienta empleada realmente no importa y la idea de "pureza" o un método superior no existe.

Biografía

John Hornbeck vive en lo que parece un mundo diferente del de la mayoría de las personas que conoce. Salió de la escuela secundaria después del noveno grado, tuvo un hijo a los 18 años, me casó a los 19, se involucró con el software de código abierto en sus primeros 20 años, comenzó su propia empresa a los 25, pasó a trabajar en otras empresas de software con 28, y ha hecho todo esto desde una pequeña ciudad en Oklahoma.

Ese camino le ha dejado con una visión del mundo diferente e intenta capturar esto en su trabajo, que se puede dividir en tres áreas principales, que se superponen y a las que se acerca con el mismo estilo:

  • La mayor parte de su fotografía callejera la hace mientras viaja por trabajo para Basho Technologies, una compañía de base de datos de Cambridge, con oficinas en San Francisco, Washington D.C., Tokio y Londres. Todavía no ha tenido la suerte de visitar las oficinas de Londres o Tokio, pero visita una semana las oficinas de EEUU al menos dos veces al año. Esto le da una buena cantidad de tiempo para recorrer las calles y fotografiar mientras está allí,  lugares muy diferentes al lugar donde siempre ha vivido. Es una sensación surrealista caminar por las calles de San Francisco de noche cuando estás acostumbrado a la vida en un pequeño pueblo de Oklahoma.
  • Ha vivido en Oklahoma desde que nació. Es un lugar hermoso y su hogar, pero también es un lugar solitario y muy aislado. Dos proyectos principales crecen desde aquí,
    • Lawton After Dark es un intento de capturar la soledad del lugar en el que vive, que por la noche puede volverse muy surrealista.
    • Through a car windows es una exploración de cómo vive la gente allí. Todo el mundo conduce y causa un mundo que no es más que un borrón.
  • Tiene 3 hijos y todos tienen amigos, por lo que constantemente hay un grupo en su casa. Los niños son sujetos perfectos para la fotografía, pues no han llegado a un punto en su vida en el que intenten adoptar una personalidad falsa y hay una honestidad que se puede capturar en la cara de un niño que es muy difícil de capturar en un adulto. Con disparos lentos, alto ISO y algo de movimiento de la cámara se puede recrear un mundo que solo ellos conocen.

Su estilo que se puede incluir dentro del “provoque” japonés es muy apreciado y ha creado una aplicación de cámara para iPhone que lo imita.

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Libros

viernes, 17 de noviembre de 2017

Emmanuel Smague

Emmanuel Smague es un profesor de música y fotógrafo francés (nacido en Rennes en 1968) fiel seguidor de la fotografía tradicional en película, que suele utilizar equipo Leica en sus desplazamientos por el mundo.

© Emmanuel Smague

© Emmanuel Smague

Biografía

Emmanuel Smague siempre tuvo un gran interés por la fotografía, a pesar de que su profesión es la de profesor de música en la ciudad de Lannion en Bretaña. Tras un primer contacto con la fotografía, entre los años 1987 y 1992, volvió a retomar su interés en el año 2005 a raíz de un viaje en el transiberiano, después de 13 años de haber viajado sin hacer fotos.

Desde entonces no ha parado de fotografiar la vida diaria de la gente de diversos países como Irak, Georgia, Mongolia, etc., mostrándonos su cultura, su vida cotidiana y a los pueblos nómadas, que son importantes en número en los citados países. Sus fotografías dan la impresión de haber sido tomadas por un familiar cercano de los retratados. Configurar su cámara no es una prioridad para él: establecer una relación con la persona que está retratando sí lo es.

Su fotografía nos recuerda a los maravillosos años de la revista Life, en la que los grandes fotógrafos de siempre nos mostraban la realidad de los confines del mundo a través de sus fotografías en blanco y negro. Es de la "vieja escuela" y utiliza una Leica MP, una lente de 35 mm y un montón de películas.

Muchas de sus fotografías han sido publicadas en la prensa francesa, en revistas como Réponses Photos y Le Monde 2. Su trabajo sobre Asia central y Rusia fue expuesto en 2007 en la galería francesa L’imagerie. Ha documentado el tren Transiberiano, la gente nómada en Mongolia, los traperos de El Cairo, los habitantes de Chernobyl, las prostitutas en Bangladesh, los campos de refugiados en el Kurdistán iraquí, los pueblos nómadas de Asia Central, Mongolia y Ladakh (India) y los niños de la calle de Katmandú,  ... proyectos que han sido expuestos en diversas exposiciones, principalmente en Francia.

Su trabajo fotográfico está impregnado de la tradición del humanismo: una foto necesita contar una historia, y también le da mucha importancia a la composición de la imagen.

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Libros

jueves, 16 de noviembre de 2017

Junku Nishimura

Junku Nishimura es un fotógrafo japonés (nacido en 1967 en la prefectura de Yamaguchi, donde vive y trabaja) cuya obra se caracteriza por sus sujetos misteriosos, seductores y parecen atrapados en un momento en un cuento atemporal: rasgos que parecen reflejar al hombre detrás de la lente que los congeló.

Hug © Junku Nishimura

Hug © Junku Nishimura

Estoy visitando una nueva ciudad. Sus calles, atestadas durante el día, pronto me agotan. Regreso al albergue para tomar una siesta mientras se pone el sol. Una ducha rápida y una limpieza rápida de la lente de mi cámara. Deslice tres rollos de T-MAX en mi bolsillo. Al salir, siento las primeras punzadas de hambre y sed, así que busco un restaurante. Una llena de lugareños me viene bien. Algunos clientes, probablemente trabajadores, ya están borrachos. Más tarde, algunos trabajadores de cuello blanco se unen. Beben juntos, charlan juntos, la oscuridad de la noche se quita las máscaras usadas durante el día. Hablamos como si nos conociéramos desde hace mucho tiempo. La mejor forma de conocer una ciudad
Casi me olvido de que llevo mi cámara, pero de todos modos a nadie parece molestarle.
Salgo del restaurante y vuelvo a las calles. El tiempo que pasé allí me hace sentir como si fuera parte de este lugar. Finalmente llegué a un bar. Veo que tomé la decisión correcta, ya que tiene algunos vinilos. Ordeno un copazo.
Los encuentros de esta noche traen recuerdos de los mineros de carbón que vivían en mi ciudad natal. Ellos fueron amables conmigo cuando era un niño.

Biografía

Junku Nishimura (alias junku-newcleus) nació en un pequeño pueblo de minas de carbón en 1967, en la prefectura de Yamaguchi, en el oeste de Japón, donde vivió hasta los 18 años, cuando ingresó en la universidad de Kioto para estudiar asuntos latinoamericanos. Su primera foto fue de un tanque de plástico, realizada con la cámara de su padre, una Minolta Hi-Matic.

Después de la universidad trabajó como DJ de un club, como trabajador de la construcción. En 1991 recorrió Nueva Orleans durante tres meses con una Canon Autoboy,  y luego trabajó en una fábrica de cemento, convirtiéndose en un experto en construcción de túneles en todo el país. Consiguió una Leica M6 y comenzó a fotografiar los lugares donde trabajaba.

Después de 18 años trabajando, renunció a su trabajo y fotografía países y regiones deambulando por el mundo como fotógrafo freelance, haciendo fotografías en bares, calles, saunas. Sus fotos de interiores, que siguen siendo foto callejera, siempre dan la impresión de que ha llegado más lejos que cualquiera de nosotros en esa situación. Utiliza principalmente una Leica M5 con objetivo 50mm y película Tmax iso 1600, tras la discontinuidad del Fuji Neopan 1600. El Tmax le permite un estilo de disparo claramente retro, que refleja su propia renuencia a aceptar el cambio. Lo revela con revelador Fuji y lo positiva en papel Ilford.

Referencias

miércoles, 15 de noviembre de 2017

Deb Achak

Deb Achak es una cineasta y fotógrafa estadounidense (nacida en 1968  en Montclair, New Jersey, vive y trabaja en Seattle, Washington) cuya fotografía artística explora elementos naturales como el agua y los prados, elementos de la tierra con composiciones limpias y simples destinadas a calmar y relajar. Sus hijos también son un tema creciente de su obra. Su trabajo cinematográfico incluye películas de recuerdos de su vida y su familia, así como una serie de películas sobre el proceso de artistas contemporáneos que admira.

The Queue © Deb Achak

The Queue © Deb Achak

A través de la fotografía, he descubierto que lo simple y mundano puede ser elocuente y poético. La fotografía para mí se ha convertido en un camino hacia la atención plena y la gratitud.

Biografía

Deb Achak se crio en New Hampshire, tiene un master en trabajo social y es una fotógrafa y cineasta autodidacta, siempre en proceso de aprendizaje.

Su fotografía expresa su amor por la narración visual y el retrato ambiental. Así fotografía los temas que más le apasionan: su familia, su hogar, sus viajes, la belleza cotidiana. Y como el fotógrafo a menudo está ausente del cuadro, intenta incluirse  a ella mismo en los recuerdos que crea, con autorretratos y películas de cápsulas del tiempo.

Sus fotografías se han expuesto en Black Box Gallery en Portland, Sante Fe Photographic Workshops en Sante Fe, SE Center for Photography en Greenville  y Vermont Center for Photography en Brattleboro, además de sus exposiciones en solitario Introducing the Works of Deb Achak en Winston Wächter Fine Art y EBB and FLOW en Red Ticking, ambas en Seattle y en 2017.

En su serie She Told Us To Trust Our Intuition, pero también en All the colors i am inside y EBB AND FLOW explora el color, la textura y la poesía del océano. A través de la fotografía, Achak tiene el poder de detener el movimiento del agua. Mientras nada con su cámara, busca la interacción entre su lente y el movimiento del agua, tratando de capturar ese momento en el que su cámara, su intuición y el mundo natural están perfectamente alineados. A veces busca sujetos humanos, suspendidos en broma o en nubes de agua como sueños. En otras ocasiones, son los detalles arriba y debajo de la superficie los que capturan su imaginación. Con composiciones limpias y sencillas, evoca el poder y el misterio del agua e invita al espectador a experimentar sus propias emociones y recuerdos del mar.
 

 

Referencias

martes, 14 de noviembre de 2017

Luigi Avantaggiato

Luigi Avantaggiato es un fotógrafo suizo (nacido en Zúrich en 1984, vive y trabaja en Roma) especializado en documentales, editoriales y retratos.

© Luigi Avantaggiato

© Luigi Avantaggiato

Biografía

Luigi Avantaggiato comenzó a trabajar como fotógrafo documental después de sus estudios de doctorado en Media Studies, lo que le ayudó a desarrollar un profundo interés por los problemas sociales y ambientales globales.

Ha visitado varios países en el mundo en estado de emergencia: Líbano, Irak, Colombia, Grecia, Kosovo. Sus imágenes han sido publicadas en periódicos nacionales italianos y revistas internacionales, como Il Corriere della Sera, Il Messaggero, D di Repubblica, Panorama, Vice, Lensculture y otros.

Es profesor en Sapienza - Universidad de Roma y en varias academias privadas. Es autor de varios ensayos, libros y artículos sobre fotografía, cine y artes visuales.

Sus artículos tratan de la sociedades en estado de emergencia, como ejemplo:

  • Where The West Sets es un proyecto documental que intenta hacer una crónica de la crisis de refugiados en las islas del norte del Egeo y en la Grecia continental, los mismos territorios donde nació la cultura occidental y su sistema de valores. La estética de su trabajo radica en un enfoque no como reportero que busca hechos, sino como documentalista que intenta verificarlos.
  • Embers es un reportaje fotográfico que intenta describir el Kosovo actual, un estado tapón donde las tropas de la OTAN mantienen la armonía entre los grupos que estuvieron en conflicto hace dos décadas, ilustrando cómo el aislamiento de los enclaves serbios en Kosovo no solo se basa en cuestiones étnicas sino también en creencias ideológicas y psicológicas que afectan la vida cotidiana y las decisiones de los serbios de Kosovo. Y por otro lado, el renacimiento de los albaneses de Kosovo, que están en crecimiento urbano, industrial y turístico.
  • Hidden Leonte muestra la misión de UNIFIL italiana en el sur del Líbano: patrullas diurnas y nocturnas, establecimiento de puntos de observación, instalaciones de Blue Pillar, monitoreo de la Línea Azul, limpieza de minas terrestres, educación, interacciones y apoyo con libaneses civiles.
  • The Guest es un proyecto documental sobre residencias y sobre las relaciones que los pacientes tejen en su interior.
  • Animaly es un proyecto sobre el cuidado de mascotas, para el cual, durante aproximadamente un año, visitó clínicas y hospitales de animales.

Referencias

Libros

  • Archivio di cenere. L'immaginario mediatico e il crollo dell'11 settembre 2001, 2015
  • SalentoSilente. L'arte sosta in luoghi storici, 2011
  • Home Stories. Il filmino di famiglia nelle pratiche artistiche contemporanee, 2010.

lunes, 13 de noviembre de 2017

Orietta Gelardin Spinola

Orietta Gelardin Spinola es una diseñadora gráfica y fotógrafa italo-española (nacida en Madrid, vive entre Roma y Madrid) apasionada de la fotografía de calle.


© Orietta Gelardin Spinola
© Orietta Gelardin Spinola

Biografía

Orietta Gelardin Spinola nació en Madrid de padre estadounidense y madre italiana. Tras completar su formación universitaria (Bachelor of Arts) entre Londres y Nueva York, se estableció en Madrid para desarrollar su carrera profesional. Su amor por la fotografía se remonta al final de su adolescencia y no ha hecho sino aumentar desde entonces.

Guiada por su intuición e impulso, está inmersa en una búsqueda constante de expresiones y de historias y a través de sus fotos intenta transmitir sus sensaciones. Atraída por la gente, la luz, la composición y lo que sea que haga que su corazón lata rápido, su trabajo a veces es muy sutil, pero siempre hermoso.

Bajo el sol o la lluvia, de noche o de día, camina por las calles con su cámara (una Fujifilm X100S) y móvil, varias baterías y auriculares atenta para encontrar composiciones únicas, gracias a un instinto oculto, un reflejo creativo que solo se materializa bajo la disciplina diaria de caminar en la calle.

La combinación correcta, la mezcla perfecta, se forma con proporciones variables de ingredientes que cambian constantemente. Luces y sombras, colores y contrastes dan vida a personajes cuidadosamente identificados en la singularidad de un gesto o una expresión.

Ha obtenido diversos premios como ser finalista en el concurso II Edición de NNstreetphoto de Nationale Nederlanden en Madrid, premio especial del jurado y 1 de las 5 fotografías ganadoras del concurso Passing By organizado por The Eyes Magazine y la editorial Out of the Phone. Ha realizado varias exposiciones colectivas, como Nuevos Talentos II. Fotonline/Fujifilm en 2017 y Nuevos Talentos I. Fotonline en el 2016 en el Centro de Arte de Alcobendas en Madrid, Four Way Street en Galleria Makemake en Roma y Outsiders en la galería Mobile Camera Club en Paris, ambas en 2015, Lights en galería Espacio 51 en Madrid en 2013.

Sus fotografías han sido incluidas en libros como 25 Regards de photographes à travers le monde en 2017, 1 Camera, 100 Photographers en 2014, y se han publicado en revistas como L ’Oeil de la Photographie, TheGuardian, Indie Rocks de Ciudad de México. Forma parte del colectivo de fotografía de calle La calle es nuestra.

Referencias

domingo, 12 de noviembre de 2017

Blas Aledo

Blas Aledo fue un fotógrafo español (nacido en Alhama en 1894, fallecido en Murcia en 1959) uno de los más reconocidos en la 1ª mitad del siglo XX en Murcia, con su estudio dedicado al retrato, a las fotografías de carné y a la venta de material fotográfico.

Blas Aledo
Blas Aledo


Biografía

Blas Aledo López nació en 1894 en Alhama de Murcia. Su padre era guardia civil por lo que estuvo viviendo en diferentes poblaciones. En 1905 su padre fue trasladado a Lorca desde Jumilla. Cuando tenía ente dieciséis y dieciocho años entró como aprendiz de fotografía en el estudio fotográfico de José Rodrigo, donde adquirió su formación fotográfica, realizando trabajos de retoque que le otorgaron gran destreza, siendo muy solicitado para estos delicados procesos. En el taller coincidió con otros fotógrafos, entre ellos Pedro Menchón Peñas con el que colaboraba habitualmente y al que consideraba también su maestro.

En 1915 comenzó el servicio militar en Ceuta alcanzando el grado de sargento de artillería, quedando sordo de un oído por la exposición a las explosiones. Su destino original fue Cartagena pero cambió su plaza por la de Ceuta con un hijo de un adinerado de la época a cambio de dinero, para ayudar en la economía familiar, sin dejar su actividad como fotógrafo en el frente africano, donde con sus ahorros pudo adquirir una cámara de campaña para poder salir y fotografiar escenas militares del momento, y también trabajó en el estudio Hermanos Calatayud.

Cinco años después regresó a Lorca cuando ya había fallecido José Rodrigo. Tras su regreso abrió un estudio fotográfico dedicado sobre todo al retrato, las fotografías de carné y la venta de material fotográfico para aficionados. Trabajaba con luz artificial o natural, según el caso: con luz filtrada a través del techo acristalado, regulada por cortinas, o con focos de 1.000 vatios. Usaba cartelones pintados como fondo y una cámara de placas sobre trípode que admitía un formato máximo de 13x18 cm.

Su principal actividad fue el retrato fotográfico, también con retratos colectivos con cierto carácter gremialista: bordadoras, telefonistas, etc., pero también realizó diversos reportajes gráficos sobre la vida cotidiana en Lorca y acontecimientos destacados de la zona que le permitieron publicar fotografías en publicaciones locales como El Lorquino, La Esfera y La Estampa, así como colaborar con los diarios La Verdad y Línea.

En su trabajo fotográfico contó con la colaboración de su hijo Juan Aledo Guerrero (1927-1978). Al ser un negocio familiar era normal que colaborase su mujer Encarnación, tanto en la atención al público como en trabajos de retoque. Además otros familiares se dedicaron a esta actividad en Lorca y en otras poblaciones. En la actualidad se mantiene la actividad profesional de algunos miembros de la familia en su 4ª generación.

En Lorca se conservan muchos de sus retratos en casas particulares, y parte de su trabajo se encuentra en el Archivo Municipal de Lorca, en la colección Menchón-Aledo.


Referencias


      Libros

      sábado, 11 de noviembre de 2017

      Rodrigo Roher

      Rodrigo Roher es un fotógrafo español (nacido en Salamanca en 1976, vive en Madrid) especializado en fotografía de calle.

      © Rodrigo Roher

      © Rodrigo Roher

      Si te da por dedicarte a esto de la fotografía callejera dos buenos consejos te voy a dar: Hazte con unas buenas zapatillas y usa siempre protector solar.

      Biografía

      Rodrigo Roher es licenciado en Comunicación Audiovisual y posee estudios en Bellas Artes. Se inició en el mundo de la fotografía hace unos diez años, pero más seriamente en la fotografía de calle desde hace cuatro años. Sin estudios propios en fotografía,  se considera totalmente autodidacta y devora kilómetros y  kilómetros por las calles que pisa.

      Ha obtenido diversos reconocimientos por su trabajo, entre los que podemos citar: ganador dos años consecutivos del Calendario Fujifilm España y Portugal (2016 y 2017), finalista del Concurso National Nederlanden al  Mejor Streetphotographer Amateur de España en 2016.  Es colaborador en blogs de fotografía y miembro del colectivo de fotografía callejera La Calle Es Nuestra.

      Para él, el mundo de la imagen está continuamente presente en nuestras vidas y es difícil abstraerse sin tener referentes continuamente. Lo mejor a la hora de afrontar el tipo de fotografía que hace, es deambular sin nada concreto en que fijarse y dejarse llevar por lo que ese día tiene preparado para él en ese gran escenario real que es la calle. Al residir en Madrid, sus calles son las que más patea, pero encuentra más llamativas las de otras ciudades españolas como Toledo. También ha salido a callejear por calles muy diferentes, como las de las ciudades de Japón, Vietnam y Nepal.

      Referencias

      viernes, 10 de noviembre de 2017

      Emerty Wolf

      Emerty Wolf es una fotógrafa española (nacida en Barcelona en 1983, vive en Madrid) que realiza fotografía de todo tipo, con especial predilección por la fotografía de calle.

      © Emerty Wolf

      © Emerty Wolf

      Biografía

      Marta Lafuente Giménez, alias Emerty Wolf, tuvo su primera cámara con 12 o 13 años, cuando sus padres le regalaron una cámara automática analógica porque se iba de viaje de final de EGB a Tenerife. Sin idea de fotografía, le gustaba encuadrar, por los documentales de National Geographic que ponían en la TV. Disfrutó con esa cámara, y más cuando las reveló. Entusiasmada empezó a hacer fotos de todo hasta que tuvo que frenar por el gasto excesivo que hacía.

      Con 18 años, le regalaron una cámara réflex analógica en Navidad, una Minolta DinaX. Con 20 años, pasó a usar la cámara compacta digital de su familia en un viaje a Cuba. Con la réflex hacía fotos “de verdad”, y con la compacta digital de viajes.

      En la Universidad hizo un curso de revelado analógico y de uso de cámara réflex, abandonando el modo automático.  Al final, se acabó comprando una réflex digital, una Canon 40D, con la que buscaba la naturaleza, se iba al zoológico, a un parque, hacía fotografías a palomas en el suelo, paisajes, nubes, cielos, amaneceres, detalles, de esculturas… Todo aquello que llamara su atención, lo fotografiaba. Tras terminar sus estudios y trabajar una temporada pidió una excedencia y se fue a Perú con la 40D, motivada por los buenos resultados de sus fotografías de Cuba y comenzó a hacer fotografía más en serio. Durante un mes se recorrió todo Perú centrada en la naturaleza y la fotografía de viajes.

      Después se fue a Vancouver, Canadá, con su fotografía de paisaje y de animales, comenzando a hacer algo de street, que se convertiría en su tema favorito a su vuelta a casa, pero, volver a usar la réflex en Barcelona le suponía un mundo. Se compró una pequeña Fuji X10, bonita y práctica pero cuando descubrió sus limitaciones volvió a la réflex digital.

      Referencias

      jueves, 9 de noviembre de 2017

      Alexander Anufriev

      Alexander Anufriev es un fotógrafo ruso (nacido en 1988 en Ukhta, Komi Republic, Rusia, vive y trabaja en Moscú) que realiza principalmente fotografía de documentación social.

      © Alexander Anufriev

      © Alexander Anufriev

      Biografía

      Alexander Anufriev nació en Ukhta en 1988, tres años antes de la disolución de la Unión Soviética, y todos sus recuerdos se formaron después de la fundación de la Federación Rusa. En su infancia aprendió que Rusia es un país de grandes ideas y grandes sacrificios. Antes de comenzar con la fotografía trabajó en agencias internacionales de publicidad. Actualmente estudia en la Escuela de Arte Rodchenko en Moscú.

      Su serie más premiada, Russia Close-Up, es el retrato del artista de su país y su gente, de adentro hacia afuera, a través de fotografías de extraños, capturados de grandes multitudes, realizadas en vacaciones y en la noche de Pascua. Su proyecto cuenta una historia más grande y más ambigua, hecha en su totalidad de pequeños momentos ordinarios en la calle. Si todos los sacrificios y toda la tolerancia de los rusos actuales se hacen con la esperanza de que lleguen días mejores, Anufriev no está convencido de que esto esté funcionando, y no cree que algo bueno vaya a suceder en el futuro. Con el trasfondo de la apatía política en la sociedad, hay procesos internos que no son tan obvios para el resto del mundo: la clericalización, el reforzamiento del patriotismo y del nacionalismo, el fortalecimiento de la censura y la propaganda. Esta serie es un intento de visualizar estos procesos, de actualizar la imagen de Rusia y descubrir "qué" define a Rusia hoy.

      Las fotografías de Russia Close-Up han obtenido diversos premios en 2017 como el Feature Shoot Emerging Photography, Student Spotlight en el LensCulture Exposure Award, 2º puesto en el Sony World Photography Awards y Student Category Winner en PDN Annual. El proyecto ha sido expuesto como parte de la exhibición Feature Shoot Emerging Photography Awards en Head On Photo Festival en Sídney, Australia, y en Paddington Reservoir Gardens.

      Su obra forma parte de colecciones como las del Multimedia Art Museum  y  Museum of Modern Art en Moscú y  NordArt Collection en Budelsdorf, Alemania.

      Referencias

      miércoles, 8 de noviembre de 2017

      David Hilliard

      David Hilliard es un fotógrafo estadounidense (nacido en 1964 en Lowell, Massachusetts, vive en Boston) que trabaja principalmente con fotografías a gran escala y panorámicas a base de varios elementos. Se inspira en su vida personal y en quienes lo rodean, creando escenas a medias realidad y ficción.

      © David Hilliard

      © David Hilliard

      La fotografía, con toda su estupidez mecánica, es creíble, ¿verdad? Pero cuando se juntan [imágenes], suceden muchas cosas entre los elementos que simplemente no se saben. Podría ser un día o un segundo. Eso fue sorprendente para mí cuando empecé a resolverlo.

      [Este estilo] parecía ser lo mejor de todo. Podría ser cinematográfico, podría ser fotográfico, podría ser ficción, y podría ser una perfomance.

      Biografía

      David Hilliard obtuvo un BFA del Massachusetts College of Art en 1992, y un master por la Universidad de Yale en 1994. Su estilo característico son las fotografías en color a gran escala y con varios paneles que presentan narrativas complejas que exploran una variedad de temas y situaciones, desde silenciosos momentos de contemplación hasta escenas de gran dramatismo. Documentando su vida y las vidas de quienes lo rodean, cada obra comprende una serie de imágenes que emplean puntos focales ligeramente diferentes, que ofrecen múltiples perspectivas de una sola escena. Hilliard toma lo personal y lo familiar (ha fotografiado a su padre en numerosas ocasiones) y lo manipula para proporcionar un comentario sobre temas más amplios como la masculinidad, la mayoría de edad, la sexualidad y la espiritualidad; logrando un equilibrio entre la autobiografía y la ficción.

      Sus vibrantes imágenes multipanel encuentran un delicado y único equilibrio entre realidad y ficción. Combinando fotogramas de su cámara de visión de 4x5” tomadas en diferentes momentos, crea imágenes panorámicas compuestas que son aparentemente fluidas, pero en su lugar forman una narración que cambia entre el tiempo y el lugar.

      Su obra ha sido expuesta en numerosas instituciones, incluido el Museum of Fine Arts de Boston, The Kemper Art Museum de San Luis, Miami Art Museum, Addison Museum of American Art de Andover, Florida Museum of Photographic Arts en Tampa, … y forma parte de numerosas colecciones públicas y privadas como las del Whitney Museum of American Art de Nueva York, Art Institute of Chicago, Museum of Fine Arts de Boston, Los Angeles County Museum of Art, el Philadelphia Museum of Art, George Eastman House en Rochester, Microsoft Art Collection en Redmond, Museum of Contemporary Art en Los Angeles, The Boston Public Library en Boston, La Comunidad de Madrid en España, entre otras.

      Hilliard recibió una beca Fulbright y una de la Fundación Guggenheim, y fue galardonado con el premio Bok Center a la Excelencia en la Enseñanza por la Universidad de Harvard en 2012. Ha sido profesor visitante en numerosas escuelas, incluida la Universidad de Harvard, Dartmouth College, Art Institute de Boston y el Massachusetts College of Art & Design.

      Referencias

      Libros

      martes, 7 de noviembre de 2017

      Michiko Kon

      Michiko Kon es una fotógrafa japonesa (nacida en la prefectura de Kanaqawa en 1955) que inventa y construye escenografías de bodegones con elementos marinos, vegetales y textiles, y luego los fotografía.

      © Michiko Kon
      © Michiko Kon

      Cuando miro el pescado fresco y los vegetales, más que tener conciencia de que son alimentos, siento la delicadeza y belleza de sus formas, el erotismo de las cosas crudas, así como su transitoriedad.

      Biografía

      Michiko Kon estudió principalmente pintura y grabado en la Escuela de Arte Soskei en 1978 y fotografía durante dos años en el Colegio de Fotografía de Tokio. Comenzó a realizar fotografías a finales de los años 70 y muchas de estas imágenes fueron publicadas en revistas manga.

      Su obra fotográfica se caracteriza por sus bodegones surrealistas cuidadosamente manipulados y compuestos a base de criaturas marinas (peces, pulpos, huevas de salmón, cangrejos, …), vegetales y materiales textiles, que dan como resultado objetos imposibles. Kon crea escenografías surrealistas de naturalezas muertas con objetos cotidianos.

      Su proceso creativo indaga en la naturaleza muerta como un medio descriptivo en sí mismo más que una simple selección compositiva; reinventa este mundo, lo descuartiza e iconiza. La artista compone assemblages donde los elementos se multiplican en un sentido absurdo. Su juego visual surrealista confronta la dureza con la delicadeza, el humor con la crueldad, el icono histórico con la cultura popular, todo ello desde una composición laboriosa y sutil. Su trabajo posee una belleza cruda, seductora, perturbadora y evoca el surrealismo, los sueños, las fantasías y el subconsciente. Todo ello, utilizando una cámara de gran formato y una compleja técnica de revelado, casi olvidada.

      Su obra está influenciada por el artista del Renacimiento Archimboldo, con la excepción de que, donde el milanés ponía frutas, verduras y flores, Michiko juega con peces, pollos, pulpos u otros elementos de la naturaleza.

      Realizó su primera exposición individual Still Life en el Shinjuku Nikon Salon de Tokio en 1985, convirtiéndose así en una de las fotógrafas más innovadoras de Japón. Recibió el prestigioso Premio Kimura Ihee en 1991. Su primera exposición en los Estados Unidos se realizó en el List List Arts Centre en el MIT en 1992. Su trabajo también se incluyó en la exposición de Historia de la Fotografía Japonesa  en el Museo de Bellas Artes, Houston, en 2003. Sus obras se han exhibido ampliamente y están presentes en muchos museos de todo el mundo, incluidos el Art Institute of Chicago, la National Gallery of Australia, la National Gallery of Canada, el Metropolitan Museum de Tokio, Itabashi Art Museum de Tokio, Museo de la Fotografía Vincent Van Gogh, … Recientemente ha expuesto en la galería Michel Soskine de Madrid, dentro del Festival Off PhotoEspaña 2017.

      Referencias

      Libros

      • Michiko Kon, 1997.
      • Michiko Kon: Still Lifes, 1997.
      • KON BOX, 1996.
      • EAT, 1991.
      • EAT, 1987.

      lunes, 6 de noviembre de 2017

      Alfredo Oliva

      Alfredo Oliva es un psicólogo y fotógrafo andaluz (nacido en 1958 en Sevilla) que realiza fotografía de calle y viajes y que cruza dos disciplinas aparentemente tan dispares como la psicología y fotografía.

      © Alfredo Oliva

      © Alfredo Oliva

      Biografía

      Alfredo Oliva Delgado ha estado involucrado en la fotografía desde su adolescencia: su abuelo paterno era fotógrafo profesional, y su padre era fotógrafo aficionado, así que siempre hubo cámaras y fotos en su casa. Su abuelo materno trabajó como guía en el Museo de Bellas Artes de Sevilla, así que durante su infancia vivió rodeado de pinturas y fotografías, y esa experiencia alimentó su interés por las artes visuales.

      Con 21 años asistió a un taller de fotografía que representó para su entrada real en el mundo de la fotografía. Luego compró una ampliadora fotográfica de segunda mano para establecer un cuarto oscuro con algunos amigos. Tras acabar sus estudios de psicología,  dejó la fotografía, que retomó bastantes años después tras comprar su primera cámara digital.

      Es Doctor en Psicología, trabaja como profesor asociado de Psicología del Desarrollo en la Universidad de Sevilla, y vive con gran pasión e intensidad la fotografía durante sus vacaciones y fines de semana. Está muy interesado en la relación entre la psicología y la fotografía, y enseña sobre este tema en la universidad y frecuentemente da charlas a fotógrafos porque creo que la psicología puede hacer contribuciones interesantes a la fotografía sobre aspectos relacionados con la composición, la estética y el impacto emocional. Por otro lado, la fotografía es una herramienta útil para el psicólogo en el campo de la psicoterapia. La fototerapia y la fotografía terapéutica han experimentado un desarrollo mundial durante los últimos años.

      Además, es un fotógrafo autodidacta centrado fundamentalmente en la fotografía de calle y de viajes. Su blog reúne reflexiones interesantes y exhaustivas sobre el hecho fotográfico.  Ha publicado reportajes fotográficos en Tiempos Modernos: Revista de Fotografía Digital, Street Photography in the World e Inspired Eye Photography. Ha impartido conferencias sobre la relación entre fotografía y psicología en Sevilla, San Sebastián, Vilanova i la Geltrú, Villareal, Málaga, Rincón de la Victoria y Puerto Real.

      Referencias

      domingo, 5 de noviembre de 2017

      Christopher de Béthune

      Christopher de Béthune es un fotógrafo belga (nacido en Bruselas, donde vive), autodidacta, conocido por hacer fotos de escenas undergroud y también paisajes lejanos y solitarios, en los que se trasluce tristeza, comodidad y nostalgia. Parte de su trabajo presenta un cierto grado de melancolía y soledad y presentan un componente de irse y viajar.

      © Christopher de Béthune

      © Christopher de Béthune

      Biografía

      Christopher de Béthune ha estado trabajando toda su vida en una tienda de tatuajes en el centro de Bruselas. Cuando era adolescente, hacía toneladas de fotos de la escena de la música de rock alternativo, pues muchos de sus amigos más cercanos tenían bandas de música y eso le otorgaba algunos privilegios como estar en el escenario y cosas así. Después de este período, dejó de sacar fotos porque la película y el revelado eran caros y él no tenía trabajo.

      Luego trabajó mucho, consiguiendo dinero regularmente y hace unos años se compró una cámara nueva de película porque aún no había aparecido el digital. Ahora sigue trabajando con película. Es amante de las cámaras antiguas y devoto del blanco y negro.

      Christopher presenta una primera mirada cruda, brutal, salvaje o sucia, porque la mayoría de los espectadores pueden ver siluetas de mendigos, transeúntes, ancianos o personas sin hogar en las aceras o en el metro, pero es el momento atrapado y no la fotografía en sí, lo que deja esa clase de impresión. Además, el blanco y negro generalmente refuerza el drama y la brutalidad de la imagen, dejando menos información sobre los lugares o el momento en que se tomó.
      En su manera de trabajar se compara con un gato que camina discretamente, sin hacer ruido, generalmente cuando vuelve a casa tras su vida nocturna.

      Su trabajo está inspirado por la ciudad, sus gentes, las situaciones simples que puedes encontrar a la vuelta de la esquina, la soledad que puedes encontrar en la siguiente esquina, …. Viaja mucho también, y disfruta perdiéndose en un nuevo país lejano sin ningún plan, conociendo nuevos culturas y descubriendo nuevos lugares y también paisajes, como en Outland, resultado de un viaje de tres años por siete países, de sur a norte, norte a sur, pero que bien podría ser una mezcla de infinito y pureza, asombro y amor, una búsqueda interior contagiada por la belleza de un paisaje.

      Está obsesionado con los grandes maestros japoneses, como Nakahira, Hosoe, Moriyama, …, también con los fotógrafos de la guerra de Vietnam: Burrows, Huet, Faas, McCullin … Y también por los filmógrafos japoneses como Kurosawa, que le impactaron en su adolescencia. A pesar del tiempo pasado, el haber hecho con 16 años fanzines de películas de Hong Kong en la escuela y de hardcore Punk … hace que le encante este formato en la actualidad:  el formato zine elimina todos los límites de un álbum de fotos, y se puede hacer lo que quiera, ¡sin reglas!

      Está representado por la galería Daeppen Gallery de Basilea, Suiza.

      Referencias

      Libros y fanzines