lunes, 16 de octubre de 2017

Francisco Mata Rosas

Francisco Mata Rosas es un fotógrafo mexicano (nacido en 1958 en Ciudad de México, donde vive) considerado uno de los exponentes más reconocidos de la fotografía contemporánea mejicana. Ha realizado proyectos que se caracterizan por tener una larga duración, lo que implica una transformación permanente, a medida que los intereses van cambiando y buscando otras perspectivas conceptuales.

© Francisco Mata Rosas

© Francisco Mata Rosas

Biografía

Francisco Mata Rosas comenzó con la fotografía con 12 años, cuando su madre le regaló su primera cámara en una festividad de los Reyes Magos. Su padre es un fotógrafo aficionado muy reconocido activo hoy en día, y él, con sus cuatro hermanos, era asiduo lector de las revistas de fotografía que llegaban a su hogar. Estudió Ciencias de la Comunicación en la Universidad Autónoma Metropolitana-Xochimilco y obtuvo un master en Artes Visuales en la UNAM.

Durante ese tiempo se sintió apasionado por el periodismo escrito tomando a la fotografía como un pasatiempo. Hasta que empezó a compaginar ambas cosas siendo fotoperiodista para el periódico La Jornada de México desde 1986 hasta 1992. Durante este trabajo pudo empaparse de la importancia de las imágenes, pues el periódico tenía como concepto que lo visual, incluyendo fotografías, diseño, caricaturas y tipografía, era el eje en donde se iban a concentrar, para que el mensaje llegase por completo a su público objetivo.

Tras su salida de La Jornada, Francisco comenzó una vida académica que ha consumido una parte fundamental de su tiempo. Actualmente es profesor/investigador de tiempo completo en la Universidad Autónoma Metropolitana (Cuajimalpa, Ciudad de México) y es desde el aula y la investigación, donde Mata Rosas ha generado una gran riqueza al analizar y criticar a la fotografía como un fenómeno contemporáneo donde conviven los complejos vehículos de producción trans-media, los canales de diseminación físicos y virtuales y el papel que tiene en el siglo XXI la originalidad y la recepción de la obra fotográfica.

Francisco ha impartido diversos talleres así como más de 100 conferencias sobre el tema de la fotografía, la imagen, nuevas tecnologías, multimedia, post-fotografía, etc., en importantes festivales, museos e instituciones académicas en Estados Unidos, México, Inglaterra, Argentina, España, Brasil,

Su trabajo fotográfico se ha publicado en varios de los principales periódicos y revistas de Estados Unidos, España, Canadá, Italia, Francia, Inglaterra y México. Sus fotografías han sido expuestas en México, Holanda, Alemania, Italia, España, Francia, Inglaterra, Estados Unidos, Escocia, Japón, Argentina, Brasil, Panamá, Uruguay, Ecuador, Perú, Honduras, Cuba y Costa Rica, entre otros lugares.

Ha obtenido numerosos premios, como el Premio de Adquisición en la Bienal de Fotografía Mexicana en 1988,  Premio de Honor en el Concurso del Bicentenario de la Revolución Francesa, México-Francia, en 1989, Beca de Jóvenes Creadores del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes, México, en 1989, Third Mother Jones Fund for Documentary Photography, en EEUU en 1993, Residencia Artística en el Museo de Bellas Artes de Orleáns en Francia, en el marco de las 5º Recontres Photographiques d´Orleáns, Une Saison Mexicaine en 2004. Honor of Distinction in Photojournalism, Black an White Spider Awards en 2006, etc.

Su obra forma parte de colecciones públicas y privadas, como Koninklijk Instituut voor de Tropen en Ámsterdam, Holanda, Southwest Texas State University, Wittliff Gallery of Southwestern and Mexican Photography, Kiyosato Museum of Photographic Arts en Japón, Mother Jones Fund for Documentary Photography en San Francisco, Colección permanente de la Casa de la Cultura de Juchitán, Oaxaca, Guangdong Musueum of Art en Guangzhou, China, y otras muchas.

Referencias

Libros

  • América Profunda, 1992.
  • Sábado de Gloria, 1994.
  • Litorales, 2000.
  • México Tenochtitlan, 2005.
  • Tepito ¡Bravo el Barrio!, 2006
  • Arca de Noé, 2009
  • Ojos que no ven. 2010
  • Un Viaje. El metro de la ciudad de México, 2011
  • Corte de caja.
  • La línea.

domingo, 15 de octubre de 2017

Chris Upton

Chris Upton es un fotógrafo inglés (vive en Nottingham, Reino Unido) especializado en fotografía de viajes, paisaje y documental social.

© Chris Upton

© Chris Upton

Dos de mis grandes pasiones en la vida son los viajes y la fotografía. He tenido la suerte de viajar ampliamente y es una experiencia increíble para observar y fotografiar una variedad de culturas, personas y paisajes. Espero que a través de mis fotografías pueda traer un poco de esto al espectador e inspirar a otros a disfrutar de la belleza y la diversidad del mundo por sí mismos.

Biografía

ChrisUpton2Chris Upton es un premiado fotógrafo y educador especializado en fotografía de viajes, paisajes y documentales sociales, cuyo interés por la fotografía comenzó cuando era un muchacho joven y su padre era un fotógrafo aficionado.  Comenzó fotografiando caminatas y escaladas en Lake District, Gales y Escocia. Poco a poco, a medida que su interés crecía, empezó a hacer más fotos y a caminar cada vez menos. Finalmente, el propósito de sus escapadas a la montaña llegó a ser la fotografía.

Siempre le ha gustado viajar, experimentar culturas diferentes y observar algunos lugares verdaderamente maravillosos. Sus lugares preferidos para la fotografía son India y Cuba. Tuvo la suerte de poder realizar vacaciones fantásticas viajando por todo el mundo. En los últimos años ha hecho bastantes viajes fotográficos organizados y ha tenido la suerte de conseguir 2 encargos de la Autoridad de Turismo de Tailandia para fotografiar en este país.

Cuando la fotografía era con película usaba las cámaras Nikon, pero cuando llegó el digital cambió a Canon y luego, en 2013 compró una cámara Fuji y se quedó encantado; tanto que se ha convertido en un oficial Fujifilm X Photographer.

Después de haber fotografiado como semiprofesional durante muchos años, se retiró temprano de los negocios y ahora está disfrutando una segunda carrera en la fotografía, disparando, enseñando, impartiendo conferencias, realizando viajes y talleres para inspirar a otros a obtener más de su fotografía.

Está asociado de la Royal Photographic Society, ha obtenido premios en concursos fotográficos nacionales. También ha realizado varias exposiciones individuales y ha sido invitado a exponer en la prestigiosa exposición de fotografía Masters of Vision en Southwell Minster en 2009, 2011 y 2013. Su trabajo ha sido publicado en muchas revistas y libros y está representado por varias bibliotecas de imágenes de stock internacionales. 

En 2015 decidió crear un registro de la vida en Thoresby Pit, cerca de Mansfield, antes de que esta mina de carbón cerrara dejando a cientos de mineros sin trabajo, marcando el final de 750 años de minería en el condado. Esta serie ha sido publicada en el libro Thoresby The End Of The Mine que acompaña a la exposición del mismo nombre.

Referencias

Libros

sábado, 14 de octubre de 2017

Olga Karlovac

Olga Karlovac es una fotógrafa croata (nacida en Dubrovnik, vive en Zagreb) que realiza una fotografía de calle, mayoritariamente de Zagreb, en blanco y negro, oscura y desdibujada, mostrando una sensación de frustración e impotencia frente a los impulsos interminables con los que somos bombardeados.

© Olga Karlovac

© Olga Karlovac

Biografía

Olga Karlovac nació en Dubrovnik y vive en Zagreb, la capital de Croacia. Ha estado fotografiando activamente durante los últimos años y la fotografía es para ella una forma de vida y una oportunidad de expresarse. Casi siempre hace fotografía callejera. Le encanta caminar por la ciudad y capturar momentos, gente y cualquier cosa que le atraiga. Cuando no está en las calles disfruta meditando en la naturaleza.

Fragments, su proyecto más importante por el momento, también publicado como libro con el mismo nombre, es una serie de fotografías hechas en 2016 en Zagreb, en lugares donde diferentes destinos humanos se entrelazan con una amplia variedad de cables, vallas publicitarias, ferrocarriles, semáforos, calles luces y cámaras. Para hacer las fotografías realizó las tomas a través de diversos medios, como vidrio o plástico sucio, y experimentó con reflejos en superficies de vidrio, para crear doble exposiciones.

Su fotografía trata de cuestionar el proceso de rendirse aceptando lo que es por defecto, impuesto, un sentido de libertad ilusoria en una sociedad de progreso tecnológico desenfrenado. La alienación, el miedo, la desesperanza y la pérdida son sentimientos  resultado del proceso de reducir al hombre a un recurso disponible al servicio del "desarrollo".

Referencias

Libros

viernes, 13 de octubre de 2017

Lilian Alcántara

Lilian Alcántara es una fotógrafa brasileño-española que realiza fotografía de calle y de viajes. Es una aventurera y una apasionada por su trabajo y consigue imágenes que te trasladan la emoción que siente en el momento de la captura.

Mourinho de Caravelas © Lilian Alcántara

Mourinho de Caravelas © Lilian Alcántara

Biografía

Lilian Alcántara es una trotamundos, guardadora de memorias e investigadora en Didácticas de las Ciencias Sociales en la Universidad de Valencia. Actualmente desarrolla estudios sobre las representaciones sociales del racismo en España y Brasil. Le interesan todas las formas de vida, sin restricciones, y la fotografía ha sido la forma que encontró para dar a conocer algo de los mundos que navega, de compartir su búsqueda constante por lo universal en las singularidades humanas.

El deseo de transmitir el mundo a través de la fotografía siempre ha sido un reto en su trayectoria profesional y humana. Si en un primer momento pretendía hacerlo investigando temas relacionados con las Ciencias Sociales, actualmente prefiere hacerlo a través de imágenes. Inicialmente buscaba la crudeza del supuesto mundo real y hacía hincapié en la imagen como documento, ahora busca la magia que se desvela a través de los colores, un elemento mágico que suaviza lo real, que da una experiencia más sensorial, buscando el “realismo mágico” de la vida.

Referencias

jueves, 12 de octubre de 2017

Jindrich Streit

Jindřich Štreit es un fotógrafo y pedagogo checo (nacido el 5 de septiembre de 1946 en Vsetín, Moravia) conocido por su fotografía documental en la que captura la vida rural y la gente de las aldeas checas. Está considerado uno de los exponentes más importantes de la fotografía documental checa.

 © Jindřich Štreit

© Jindřich Štreit

Biografía

Jindřich Štreit empezó a hacer fotografía en 1964, durante sus estudios en la Facultad Pedagógica de la Universidad Palacký de Olomouc. Después de su graduación trabajó como profesor en Rýmařov y más tarde se convirtió en director de la escuela en Sovinec y Jiříkov, cerca de la frontera con Polonia en el norte de Moravia. Además de su profesión, Štreit participó activamente en la vida pública. Como cronista local documentó los acontecimientos cotidianos y la vida de las aldeas checas bajo el régimen comunista.

Estudió en el Institut výtvarné fotografie (Instituto de Fotografía Artística) en Brno, graduándose con un ciclo de fotografía teatral. Al mismo tiempo continuó ampliando su exploración de la vida cotidiana de las aldeas en las estribaciones de las montañas de Jeseníky.

Desde la década de los 80, organizó periódicamente exposiciones, conciertos y actuaciones teatrales en el castillo de Sovinec. Se le apodó "Jindra de Sovinec".

En 1981, durante las elecciones generales en Checoslovaquia, Štreit documentó la campaña oficial de las elecciones. En algunas de sus fotografías el retrato del presidente aparecía en las fotografías en lugares "muy improbables y absurdos". Un año más tarde, en junio de 1982, Štreit mostró estas obras en la exposición Setkání (The Meeting) organizada en Praga por la artista gráfica Alena Kučerová. Después de varias horas, la exposición fue prohibida por la policía estatal y Štreit fue arrestado y acusado de difamación del presidente y del país, siendo condenado a diez meses de prisión y una condena condicional de dos años, basándose en una interpretación de sus fotografías. Su cámara fue confiscada como instrumento del crimen.

Como consecuencia, perdió su trabajo y se vio obligado a ganarse la vida en una granja estatal en Rýžoviště. Se le prohibió tomar fotografías, pero nunca respetó la prohibición y volvió a la fotografía inmediatamente después de su liberación de la prisión. Anna Fárová logró incluir sus obras en la exposición 9+9, visitada por Henri Cartier-Bresson, quien documentó la instalación de Štreit y publicó sus fotos en el diario francés Le Monde.

Su obra fue presentada por primera vez en el Reino Unido en la Side Gallery de Newcastle en 1989. Poco después, la Revolución de Terciopelo cambió su vida, pudiendo impartir clases de fotografía en la Academia de Cine de Praga, en la Academia de Artes de Bratislava y en la Universidad de Silesia en Opava. En 2009, fue nombrado profesor de Artes Aplicadas por el Presidente de la República Checa Václav Klaus.

Su trabajo forma parte de muchas colecciones públicas en la República Checa, así como en colecciones de todo el mundo incluyendo el Victoria & Albert Museum de Londres, la Bibiothèque Nationale y el Musée de l'Elysée en París, el Museo de Arte Moderno de Nueva York y el Museo Metropolitano de Fotografía de Tokio.

Referencias

Libros y catálogos

  • Jindřich Štreit: Fotografie,1980.
  • 14 regards sur le district de Saint-Quentin, 1993.
  • Vesnice Je Svet / The Village Is a Global World / Un village, c'est tout en monde, 1993.
  • Le Quai de Rohan – Nouvelle Ville, 1994.
  • Der Hof: Vom Leben am Lande, con Manfred Chobot. 1995.
  • People of the Olomouc region / Lidé Olomouckého okresu, 1995.
  • Mikulovsko / The Mikulov Region, 1995
  • Japonsko: Lidé z Akagi / 日本 赤城村からの人々, 1996.
  • Les gens du bassin potassique dęAlsace. / Lidé z ledkových dolů. / Die Leute des Laligebiets. / The pot ash basin population / People of the Alsace Potash Basin, 1998
  • Zabavené fotografie / The Confiscated Photographs, 1999.
  • A coeur perdu / Touches of Heart / Doteky srdce, 1999.
  • Cesta ke svobodě / The Road Towards Freedom / Weg zur Freiheit, 2000.
  • Brána naděje / The Gate of Hope / La porte de l'espoir / Tor der Hoffnung, 2000.
  • Lidé Třineckých železáren / People of Třinec Steelworks / Die Menschen die Třinecer Hütte / Les gens de l'usine métallurgique de Třinec, 2000.
  • Fotóhomok / Fotografie z kraje písku / Photographs from the Flatlands, 2000.
  • Na konci světa. Burjatsko - Sibiř. / At the End of the World, 2000.
  • Jindřich Štreit ze Sovince, aneb, Kam (ne)vstoupila noha fotografova, 2001.
  • Mezi námi / Among Us, 2001.
  • Daleko od domova, 2002.
  • Za oponou / Behind the Curtain, 2002.
  • Cesty života / Ways of life, 2003.
  • Spolu / Together, 2003.
  • Jindřich Štreit - Tváře za zdí / Jindřich Štreit - Faces behind the wall / Yinderehe Shitecaide - Weicheng zhi nei, 2003.
  • Tak blízko, tak daleko. Čečna a Ingušsko 2003 / So Close and Yet So Far. Chechnya and Ingushetia 2003 / So nah und doch so fern. Tschetschenien und Ingutschien 2003, 2004.
  • Jindřich Štreit: Fotografie 1965-2005 / Jindřich Štreit: Photographs 1965-2005, 2006.
  • Paměť času, 2006.
  • Identita reality, 2007.
  • Ocelový svět / World of steel, 2008.
  • Vítkovice, 2008.
  • Japonsko 1995 - Návraty, 2008.
  • Víra a odpuštění / Faith and forgiveness, 2008.
  • Europeans, 2009.

miércoles, 11 de octubre de 2017

Chris Suspect

Chris Suspect es un fotógrafo estadounidense (nacido en Filipinas en 1968, vive en Hyattsville, Maryland, un suburbio de Washington DC) que realiza fotografía callejera y documental por el área de Washington DC., especializado en capturar momentos cotidianos absurdos y profundos.

© Chris Suspect

© Chris Suspect

Biografía

Chris Suspect es hijo de un diplomático,  y nació en Filipinas en 1968. Su interés por la fotografía comenzó a los 20 años, cuando era el bajista de una banda punk, y solía ir a la biblioteca a ver libros de fotos y luego hacer copias de las fotos que le gustaban (de guerra y de crímenes) para folletos de la banda. Cuando nació su hijo, compró una cámara “apunta y dispara” para fotografiarlo y salía a la calle para ver lo que podía hacer de forma creativa con los ajustes de la cámara, buscando recrear el estilo de las imágenes que había estado utilizando para la banda.

Después de algunos comentarios positivos en Flickr, consiguió encargos de algunas revistas,  y como siendo un padre de familia la vida en carretera con la banda ya no era deseable, se apuntó a estudiar fotografía en la Corcoran School of the Arts and Design.

Se pueden hacer buenas fotos en cualquier lugar y lleva una cámara a todas partes que va. Sin embargo, hay proyectos que le atraen, como las subculturas y tribus urbanas, que puede buscar y repetir, como la escena músical underground y hardcore en DC, la vida en una ciudad deprimida económicamente en la bahía de Chesapeake, y actualmente todos los eventos políticos de protesta en la capital. Cuando no está trabajando en algo en particular tiende a dirigirse a las calles de Chinatown, pasear por su barrio o salir de noche a bares y discotecas.

Le gusta obtener imágenes que hagan pensar a la gente, evocando una reacción o que contengan algo inesperado. Por lo general, cuanto más extraño o más extremo mejor. Dispara en color durante el día y casi exclusivamente en blanco y negro por la noche.

Su trabajo de fotografía de calle ha sido reconocido internacionalmente y ha sido expuesto en Miami, Bélgica, Alemania, Italia, Rumania, Georgia y el Reino Unido, además de en los EEUU. Desde 2012 es miembro del foto colectivo orientado a la fotografía de calle STRATA.

Su trabajo documental en la escena musical underground de Washington, D.C., fue publicado en el libro Suspect Device en 2014 y expuesto en el Kolba Tblisi Photo Festival 2015 de Tblisi, Georgia, la Leica Galerie en Photokina 2014 en Colonia, Alemania, y otros muchos sitios. Su trabajo ha sido publicado en el Huffington Post, Photo District News, LFI Magazine, blog Leica Camera, Washington Post, Washington City Paper, CNN, The Atlantic, Forbes y otros medios.

Recientemente ganó el concurso StreetFoto San Francisco en la categoría Series, el concurso FotoWeek DC en Photographer's Choice y el concurso fotográfico anual de Exposed DC. También fue finalista en el Miami Street Photography Festival, seleccionado para los International Street Photography Awards en el Reino Unido y ganó el Washington City Paper’s de 2014, "The Scene" de Photo District News para fotografía musical en 2013, etc.

Referencias

Libros

  • UnPresidented: The Inauguration of Donald J. Trump and the Peoples’ Response, 2017.
  • World Street Photography 3 (2015/2016), 2016.
  • Suspect Device (2nd Edition), 2015.
  • Suspect Device (1st Edition), 2014.

martes, 10 de octubre de 2017

Zoran Marinovic

Zoran Marinovic es un camarógrafo y fotógrafo documental croata (nacido en 1973, vive en Dubrovnik) que cubre conflictos y cuestiones sociales y humanitarias en el mundo.

© Zoran Marinovic

© Zoran Marinovic

Biografía

Zoran Marinovic es un fotógrafo y camarógrafo croata que ha trabajado durante los últimos quince años cubriendo conflictos y complejas cuestiones sociales y humanitarias en todo el mundo: Irak, Siria, Ucrania, Sierra Leona, Afganistán, RD Congo, Liberia,  Colombia, Paraguay, Nepal, ..., cuyo trabajo ha aparecido en muchos canales de televisión y periódicos y revistas internacionales como Paris Match, National Geographic, New York Times, Telegraph, y otros.

Ha realizado muchas exposiciones en Croacia y Europa y ha obtenido diversos premios como el mejor proyecto fotográfico dado por la Croatian Contemporary Art Foundation, Magazin Professional Photographer, Int. Kontinent Awards, Lens Culture, See Me / Art Takes NY, National Geographic / Your Shot, Exposure Awards 2013,

Es un autor fuertemente involucrado en asuntos humanitarios. Su exposición fotográfica permanente Esperanza en el corazón de la oscuridad, basada en los claustros del monasterio franciscano de Dubrovnik, contó con más de un millón de visitantes y recaudó más de cien mil dólares de contribuciones voluntarias para el misionero Ilija Barišić y la construcción de escuelas en Bukavu, RD Congo.

Su exposición República Democrática del Conflicto sobre niños soldados, buscadores de oro y prisioneros de la República Democrática del Congo, uno de los países más pobres del mundo y sin embargo el más rico en recursos naturales, se puede ver en la galería War Photo Ltd. Zoran  es un Fuji Film Ambassador y X–photographer.

Referencias

Libros

lunes, 9 de octubre de 2017

José Martínez Sánchez

José Martínez Sánchez fue un fotógrafo español (nacido en 1807 en Bicorp, Valencia, fallecido en 1874, también en Valencia) considerado por los historiadores de la fotografía uno de los primeros maestros españoles y uno de los más sobresalientes fotógrafos españoles de las obras públicas del siglo XIX.
 
 
José Martínez Sánchez
José Martínez Sánchez

Biografía

José Martínez Sánchez abrió un gabinete de fotografía en Madrid, en la Puerta del Sol, hacia 1857, que ampliando posteriormente con nuevas instalaciones y donde realizaba retratos de estudio. En 1858 realizó un reportaje de la visita de Isabel II al puerto de Valencia, en colaboración con Antonio Cosmes, que está considerado el primer reportaje secuencial sobre un acto oficial, realizado por fotógrafos españoles.​
 
En 1865 se asoció con Jean Laurent, con el que inventó y desarrolló el papel leptográfico, que alcanzó cierta difusión en Francia, aunque no pudo sustituir a las copias a la albúmina en el positivado a partir de los negativos de colodión. Martínez Sánchez utilizó el papel leptográfico para retratos de su estudio, pero sin destacar que era una invención propia. Entre los años 1866 y 1868, prefirió anunciarse como Fotógrafo de S.A.R. el infante D. Sebastián. En cambio, Laurent utilizó el nombre del invento en su estudio, y en los retratos positivados en ese papel acreditaba "Leptografía Laurent", mediante un sello en seco, o con un texto impreso en el cartón del reverso.
 
Pero sin duda para los historiadores de la fotografía, el más amplio y espectacular repertorio de estos primeros años de rodaje del arte fotográfico, en torno a las obras públicas, sea la colección titulada Obras públicas de España, realizada para mostrar las grandes inversiones que contribuyeron a modernizar el país en los inicios de la segunda mitad del siglo XIX. El esfuerzo, centrado sobre todo en tres áreas: trazado de carreteras y sus correspondientes puentes, la señalización de costas y la construcción de líneas de ferrocarril, fué de tal envergadura que desde las esferas gubernamentales, y gracias a la orientación del ingeniero Lucio del Valle, se concibió la idea de enviar a la Exposición Universal que se preparaba en París para 1867, una serie de fotografías que mostraran en Europa la carrera por la modernización que había iniciado España.
 
El encargo recayó en los fotógrafos Jean Laurent y José Martínez Sánchez, que se repartieron la geografía hispana, el primero al oeste y el segundo al este. Realizaron un trabajo difícil, recorriendo el país incluso en invierno.  Ambos realizaron un trabajo de gran importancia documental sobre las obras públicas españolas, para con 169 vistas fotográficas distribuidas en cinco álbumes, con los siguientes títulos: Puentes de fábrica, Puentes de hierro, Faros, Vistas de obras antiguas y Vistas varias. A través de ese trabajo se pudo mostrar la calidad de los trabajos de ferrocarril y carreteras que se estaban realizando para el progreso del país.
 
Entre sus fotografías encontramos vistas de los faros de la costa mediterránea, destacando los tres faros de hierro del delta del Ebro, en la provincia de Tarragona. Igualmente, en 1866 ó 1867 realizó una fotografía en las canteras del puerto de Tarragona, con presos trabajando encadenados.
 
Tras su estancia en la capital de España, en 1870 se estableció en Valencia, donde abrió un gabinete fotográfico, y en esta ciudad permaneció hasta su fallecimiento de 1874. No obstante, su estudio de Madrid continuó activo en manos de su sobrino Eduardo Blasco.
 
Muchos de sus retratos de estudio se han conservado en la colección Manuel Castellano, de la Biblioteca Nacional de España, mientras que 100 de sus negativos del tema Obras Públicas de España, en placas de vidrio al colodión, se incorporaron al archivo de J. Laurent en el año 1868, y se conservan actualmente en Madrid, en el Archivo fotográfico Ruiz Vernacci, del Instituto del Patrimonio Cultural de España.

Referencias

    Libros

    • Jean Laurent y José Martínez Sánchez. Ojos distintos para una sola mirada. La Andalucía del siglo XIX en las fotografías de J. Laurent y Cía. López Beriso, M. (1999).
    • Diccionario de historia de la fotografía. Sougez, M.L.; Pérez Gallardo, H. (2003).
    • La historia de la Fotografía en España desde sus orígenes hasta 1900. Fontanella, L. (1981).
    • Los fotógrafos de la Casa Laurent, en tierras valencianas (1858-1870). Las fotografías valencianas de J. Laurent. Teixidor, C. (2003).
    • Historia de la fotografía en España (4ª edición). López Mondéjar, P. (1999).
    • La documentación fotográfica de la Dirección General de Bellas Artes y Archivos: J. Laurent. Varios autores (1983).
    • La fotografía de obras públicas en el periodo isabelino. Revista de Obras Públicas. Díaz Aguado y Martínez, César (2001).
    • Obras Públicas de España. Fotografías de J. Laurent, 1858-1870. Varios (2003).
    • Una nueva visión de la fotografía española: La obra de José Martínez Sánchez, 1807-1874
    • Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI,  2013.

    domingo, 8 de octubre de 2017

    Shivji Joshi

    Shivji Joshi es un fotógrafo indio (vive en Jodhpur, Rajastán) cuya fotografía es un viaje colorido en los interiores de Rajastán, dando una visión amable de las vidas de sus habitantes.

    © Shivji Joshi

    © Shivji Joshi

    Biografía

    Shiv Narayan Joshi "Shivji" es un artista fotográfico de renombre internacional. Se formó como filósofo, con especialización en la filosofía de la religión. Se retiró de su carrera de profesor como Jefe del departamento de filosofía de la Universidad de Jodhpur. Comenzó la fotografía en 1963 mientras perseguía su posgrado en filosofía. Su interés por la fotografía se desarrolló mirando las imágenes emergentes lentamente en un papel en blanco, sumergido en una solución en el cuarto oscuro del estudio de un amigo, a donde solía ir en su camino de vuelta a casa desde la universidad.

    Disfruta de la fotografía directa tradicional sin ninguna manipulación. Saca lo mejor de sí mismo para crear 'algo más' en la imagen usando las líneas y la luz embebidas en el sentido del sentimiento. Su largo viaje de más de 50 años en fotografía tiene dos fases:

    1. El paisaje del desierto y fotografía de la vida de la aldea. Ha realizado centenares de fotografías en película de blanco y negros y diapositiva e imágenes digitales que cubren los diversos “sabores” del desierto en cada estación. Trata de tomar fotos del paisaje del desierto de tal manera que parezca natural. El desierto no es tierra estéril para él, sino que es vibrante y viva bailando al ritmo de la luz y las sombras. Las curvas circulares y los contornos dan un aspecto femenino agraciado a las dunas de arena.
    2. La calle y la fotografía de personas. Para él, la fotografía de calle es el mejor medio para explorar el esfuerzo humano y su poder de resistencia para adaptarse en situaciones bastante adversas con escasos recursos. La primera y principal cosa a tener en cuenta al disparar escenas callejeras es olvidar nuestra propia identidad siendo una parte de la calle, ya sea viviendo como un trabajador o un poste de luz de calle no viviente. De esta manera sentimos la unidad con el ambiente de calle y podemos respetar los sentimientos del hombre común.

    Ha ganado más de 200 premios en competiciones nacionales e internacionales, incluyendo KODAK, NIKON y medallas de oro en Estados Unidos, Inglaterra y Austria. Ha sido miembro del jurado por más de 50 concursos fotográficos. Ha publicado sus imágenes en Your Shot de National Geographic en EEUU, Popular Photography, Amateur Photographer, Practical Photography, Photography Year Book, … y en el calendario NIKON en Japón.

    Es fundador de la escuela Gurukul of Photographic Art en Jodhpur, dedicada a la promoción de la fotografía entre entusiastas por tutoriales, discusiones y revisión de imágenes.

    Referencias

    sábado, 7 de octubre de 2017

    Federico Lessmann

    Federico Lessmann fue un dibujante, litógrafo y fotógrafo alemán (nacido en Braunschweig, Alemania, en 1826, fallecido en Caracas en 1886) que fue protagonista de la historia visual de Caracas, cuya ejemplar e indispensable labor se convirtió en un documento para la historia, ofreciendo un testimonio único y real no sólo de la ciudad durante el siglo XIX, sino del modus vivendi de su gente.

    Teatro Guzmán Blanco. Nuevo teatro de la Opera, circa 1887. Federico Lessmann

    Teatro Guzmán Blanco. Nuevo teatro de la Opera, circa 1887. Federico Lessmann

    Biografía

    Frederich Wilhelm Lessmann Meder fue hijo de Friedrich Lessmann y de Guillermina Meder, y llegó con 18 años al puerto de La Guaira, Venezuela, en 1844, procedente de Hamburgo. De inmediato se dedicó al oficio de dibujante y litógrafo en la empresa de Müller y Stapler. En 1851 contrajo matrimonio con la también alemana Luisa Heibner Lumann con quien tuvo once hijos, uno de los cuales, con su mismo nombre, siguió sus pasos en el oficio de fotógrafo. Después de ejercer durante varios años como litógrafo y dibujante en distintas empresas en las que fue socio y luego en solitario, decidió ofrecer sus servicios como retratista, dando sus primeros pasos en el mundo de la fotografía.

    Su gusto y estilo fue muy valorado por la sociedad de entonces y por un entorno que siempre reconoció la importancia de su trabajo. Federico Lessmann se ocupó durante más de cuatro décadas de documentar la Caracas del siglo XIX y buena parte de su transformación, permitiendo el recuerdo de la Caracas pre-guzmancista que poco a poco desapareció bajo decreto y piqueta del presidente Antonio Guzmán Blanco, del que Lessmann fue fotógrafo oficial.

    También retrató artística, cuidadosa y profesionalmente a importantes personajes como el General José Antonio Páez, Anton Göering, Arístides Rojas y Adolfo Ernst, así como líderes políticos y económicos del país.

    Fue protagonista de una empresa fotográfica realizada con las más rudimentarias técnicas, que exigían el conocimiento de química para la realización de los compuestos de revelado. La dificultad implícita en el traslado de aparatosos equipos de fotografía y su pasión por acercarse a la imagen paisajística, develan la complejidad de su mundo creativo que se expresó desde el daguerrotipo, las tarjetas de visita, las cámaras para grandes placas de colodión, los equipos estereoscópicos o de miniaturas.

    Su obra se dio a conocer internacionalmente, pues durante 1873 participó en la Exposición Internacional de Viena con vistas fotográficas y estereoscópicas de Caracas y sus alrededores. En 1878 ofrecía hacer ampliaciones de todos los tamaños hasta el natural, por negativos o reproduciendo retratos, así como retoques artísticos al creyón y tinta china. Una década después realizó en Caracas una de las series más importantes de arquitectura y ciudad, plasmando en fotografía la fachada de la Iglesia La Trinidad, hoy Panteón Nacional, el ferrocarril de La Guaira y el Palacio Federal Legislativo.

    Falleció en Caracas el 10 de noviembre de 1886. Una importante muestra de su obra, en la que se reunieron 103 fotografías, además de dibujos, litografías e imágenes fue realizada en el Museo Arturo Michelena (Caracas) en 1995. El Archivo Fotografía Urbana conserva gran parte de su obra en tarjetas de visita, albúminas y originales estereoscópicos.

    Referencias

    Libros

    viernes, 6 de octubre de 2017

    Bob Mazzer

    Bob Mazzer es un fotógrafo inglés (nacido en Aldgate, East London) que ha estado fotografiando las gentes del metro de Londres durante más de 40 años.

    © Bob Mazzer

    © Bob Mazzer

    A diario viajaba a King’s Cross y regresaba. Volvía de noche, bastante tarde y aquello era como una fiesta. Sentía que el metro era mío y que estaba allí para hacer fotos.

    Biografía

    Bob Mazzer nació y creció en Aldgate, East London. Hizo fotos desde niño, después de que sus padres le regalaran a los 13 años una Ilford Sporti, como regalo por su bar mitzvah. Creció siguiendo las únicas lecciones necesarias para ser fotógrafo: llevar la cámara siempre encima, mirar con ansia y no dejar de disparar.

    Pero su contacto en serio con la fotografía fue en 1969 cuando se fue a los Estados Unidos, su primer viaje al extranjero y con 21 años. La experiencia de estar en un país completamente diferente con una cámara le liberó; todo era nuevo para él y volvió con un montón de fotografías: en Nueva Jersey donde visitó a su familia, en Nueva York, donde visitó a sus amigos, y en Pittsburg y Michigan para encontrarse con una chica que había conocido en Londres. Hizo un montón de fotos de personas, amigos y familiares, pero también de hermosos coches americanos, niños estadounidenses y piscinas. Incluso hizo una foto en el metro de Nueva York de un estadounidense durmiendo sobre el hombro de un chino.

    De vuelta de Estados Unidos para estar con su padre, consiguió un empleo como proyeccionista en una sala de cine porno. Cuando empezó a trabajar ahorró hasta poder comprarse una Leica M4 fiel y luminosa que nunca le falló. Durante 40 años el trayecto de ida y vuelta de metro entre Whitechapel, en el East End de la capital inglesa, zona en la que vivía, y King’s Cross, en el centro, donde trabajaba, con apenas 20 minutos de trayecto, le sirvió para recoger en fotografías un diario del subsuelo de la ciudad, sus estaciones y los convoyes que las unen en un tratado de veracidad, buen humor, mañas cinegéticas y esplendor humano.

    Con una naturalidad casual ha hecho frente al registro de los viajes en metro: desmanes, restos de victorias y derrotas, galas de borrachos, hazañas de gandules y escenas de rara ternura que emergen de los escombros del día, desde los 70 a hoy en día, capturando las subculturas, moda y diversidad de la vida en Londres; los años 80, punks y rockers con chaquetas de cuero con tachuelas, parejas enamoradas, locas, solitarias y desposeídas. Estas fotos anónimas son a la vez tiernas y duras, cautivando al espectador con una miríada de momentos poéticos.

    Aunque la vida en el metro de Londres sea su obra cumbre, inmortalizada en su reciente libro Underground, no sólo ha fotografiado el metro, sino las calles de Londres y las de Nueva York en su juventud.

    Referencias

    Libros

    jueves, 5 de octubre de 2017

    Pete Muller

    Pete Muller es un reportero multimedia y fotógrafo estadounidense (nacido el 17 de febrero de 1982 en Newton, Massachusetts, vive en Nairobi, Kenia) que es un National Geographic Photography Fellow y realiza ensayos visuales sobre conflicto, masculinidad y nacionalismo en estados postcoloniales.
     
     
    © Pete Muller
    © Pete Muller

     

    Biografía

    Pete Muller obtuvo una licenciatura en la American University de Washington DC donde estudió historia y paz internacional y resolución de conflictos. Se centró en los orígenes históricos de los conflictos étnicos contemporáneos con especial interés en los asuntos israelí-palestinos, la ex Yugoslavia y el Cáucaso, además de en las construcciones sociales de la masculinidad.
     
    Su carrera comenzó en 2005 con la Maan News Agency en los Territorios Palestinos donde trabajó como reportero y editor cubriendo eventos en Cisjordania, Jerusalén Este y la Franja de Gaza, incluyendo la construcción de asentamientos israelíes, las elecciones del Consejo Legislativo Palestino y el subsiguiente boicot internacional del gobierno dirigido por Hamas.
     
    Desde entonces ha cubierto temas políticos y sociales en el norte de Uganda, Somalia, Sudán, Afganistán, República Democrática del Congo, Sudán del Sur, Territorios Palestinos, Afganistán, Zimbabue, Sierra Leona y otras áreas afectadas por conflictos y luchas sociales. A partir de 2009 se estableció en Juba, Sudán del Sur, cubriendo la transición del país a la independencia tras décadas de guerra civil. Además de la crónica de las cuestiones políticas relacionadas con la secesión, exploró la tenue identidad nacional del nuevo sur. Esta obra nace del interés de Muller por los estados-nación, la identidad y el conflicto en los ambientes postcoloniales.
     
    Ha ganado varios premios, incluyendo un World Press Photo en 2015, Pictures of the Year International, TIME Magazine, Overseas Press Club, World Photography Organization y es miembro del colectivo fotográfico Prime. Ha publicado en el New York Times, Washington Post, National Geographic Magazine, TIME Magazine, … Ha proporcionado apoyo mediático a organizaciones de derechos humanos y de desarrollo como Amnistía Internacional, Human Rights Watch, UNICEF, Norwegian People's Aid, Greenpeace, Nobel Women's Initiative y otros.
     
    Su trabajo ha sido apoyado por el Magnum Emergency Fund, la Open Society Initiative y otras fundaciones. Su trabajo en curso, A Tale of Two Wolves, examina la interacción entre los conceptos de masculinidad, experiencia masculina y violencia.

     

    Referencias

    miércoles, 4 de octubre de 2017

    Joan Martí

    Joan Martí fue un fotógrafo levantino (nacido en 1832 en Alcora, Valencia, fallecido en 1902 en Camprodón, Gerona) que perteneció a la primera generación de fotógrafos destacados de Barcelona y es principalmente conocido por su serie de álbumes de Bellezas. Fue un precursor del cinematógrafo.
     
     
    JoanMarti
    © Joan Martí
     

    Biografía

    Joan Martí i Centellas inició su trayectoria profesional en Barcelona en 1859, con un estudio de retratos donde realizaba daguerrotipos y ambrotipos. En 1867 abrió en Ecudellers, el primer establecimiento de la ciudad en contar con expositores en la planta baja, lo que le reportó gran éxito comercial, pues para aprovechar la luz normalmente los estudios estaban en áticos. También fotografiaba en exteriores, teniendo que desplazar un pesado estudio móvil por el colodión húmero, lo que le permitió realizar fotografías de la revuelta del General Prim, y hacia 1870 ya practicaba la fotografía estereoscópica. A finales de 1872 descubrió el formato álbum gracias a los trabajos de Francisco Javier Álvarez y de Jean Laurent y se dedicó desde entonces a la producción y edición de álbumes fotográficos. En 1884 volvió al retrato y también realizó las clásicas tarjetas de visita.
     
    Perteneció a la primera generación de fotógrafos destacados de Barcelona y es principalmente conocido por su serie de álbumes de Bellezas. Entre ellos figura Bellezas de Barcelona, editado por Pere Vives en 1874, con 50 copias a la albúmina sobre los principales emblemas de Barcelona en un momento de desarrollo industrial, urbano y artístico sin parangón. Al año siguiente realizó Bellezas de Montserrat, con 40 imágenes inspiradas en la iconografía del lugar sagrado, alejándose de los paisajes urbanos que se recogen en los otros dos,  y dos años después, Bellezas de Gerona, con fotografías representativas de la ciudad que registraban su proceso de cambio a través de monumentos y arquitectura de la época. También en 1877, por encargo de la Catedral de Girona, realizó 38 fotografías del tesoro como regalo para el papa Pío IX. Realizó ediciones de libros coleccionables sobre Sabadell en 1881 y trabajó para la Casa Real.
     
    Cuando comprobó las posibilidades de la fotografía en movimiento, no dudó en 1900 en abrir su estudio de Rambla d'Estudis a la proyección de películas. Entonces se anunciaba como cinematógrafo. A él se debe una de las primeras cintas documentales barcelonesas, Llegada al puerto de Barcelona del correo de Baleares, en 1898 y la grabación de dos acontecimientos históricos como son La coronación de S.M. Alfonso XIII en 1902 y El entierro del poeta Mossén Jacinto Verdaguer en 1902, junto con otras de menor interés.
     
    Premiado con la Medalla de Oro en la Exposición Universal de París de 1878 y en la de 1889, recibió la Medalla de Oro en la de Barcelona en 1888. Participó en la Exposición de Bellas Artes de Barcelona en 1872 y en la Nacional de Industrias Artísticas, también en Barcelona en 1892 y publicó sus imágenes en La Ilustración. Tras su muerte, su hijo Joan Martí Corrons se hizo cargo durante un tiempo de su estudio. Las fotografías de los álbumes Bellezas de  Barcelona y Bellezas de Girona se conservan en el Arxiu Històric de la Ciutat de Barcelona, siendo objeto en 2008 de la muestra Joan Martí, fotògraf. Belleses del XIX, con su catálogo en papel.

     

    Referencias

     

    Libros

    martes, 3 de octubre de 2017

    David De Vleeschauwer

    David De Vleeschauwer es un fotógrafo belga que trabaja como fotógrafo freelance para varias editoriales internacionales de prestigio, que tratan principalmente del tema de los viajes. Viaja el 75% del año y ha visitado ya 95 países, documentando desde la Antártida a Corea del Norte, pasando por Papúa Nueva Guinea y Zimbawe.

    © David De Vleeschauwer

    © David De Vleeschauwer

    Biografía

    David De Vleeschauwer realiza fotografía de viajes diversa, flexible y creativa. Sus 3 momentos fotográficos cumbre han sido fotografiando en Corea del Norte, a los luchadores de sumo en Tokio y a los gorilas del Congo. También ha fotografiado tribus en Papúa Nueva Guinea, a los chefs más encumbrados y a sus creaciones culinarias en los rincones más alejados del mundo.

    En 2008 cofundó su página web Classe Touriste, un lugar donde mostrar los asombrosos lugares que visita durante sus viajes, con Debbie Pappyn, otra experta viajera que, en 2004, después de estudiar turismo y periodismo, comenzó a escribir sobre viajes para varios periódicos y revistas, consiguiendo una magnífica reputación, que le ha permitido trabajar como consultora y estilista de viajes para empresas de la industria del turismo y para viajeros individuales.

    En 2012, Classe Touriste consiguió la medalla de plata al mejor sitio web personal en los Lovie Awards en Londres. También consiguieron el premio en la categoría People en los Lovie Awards por su blog de viajes.

    Referencias

    Libros

    Con Debbie Pappyn:

    • Remote places to stay, 2017.
    • Atlante degli alberghi remoti, 2015.
    • Remote Hotels : Die schönsten Orte, um wirklich abzuschalten, 2015.
    • Remote Places to Stay, 2014.

    lunes, 2 de octubre de 2017

    Adriano Villegas

    Adriano Villegas es un fotógrafo español (nacido en Madrid en 1986) que realiza una fotografía personal, con imágenes inquietantes y amenazadoras.

    © Adriano Villegas

    © Adriano Villegas

    Biografía

    Adriano Villegas se licenció en Publicidad y Relaciones Públicas. Durante sus años de universidad trabajó como crítico de cine y fundó la revista digital Entreasfalto, medio en el que empezó a interesarse por la fotografía y donde comenzó a aprender dicho arte de forma autodidacta.

    Trabajó como director de artístico, pero abandonó el mundo de la publicidad y, un año después de fundar su propia agencia de diseño web (Bohemian Case), la cerró y se dedicó a viajar, a la fotografía, a la enseñanza y al arte. Trabajó como profesor particular y educador social, además de ser el cocreador de Fragile Photography, un proyecto enfocado a la fotografía artística y la moda alternativa. Durante seis meses vivió en una escuela en Camboya, trabajando como voluntario, y posteriormente regresó a Madrid.

    Ha publicado fotografías en las revistas Dark Beauty Magazine, ProjectUno y Brutal Masks, así como un artículo sobre pintura barroca y literatura gótica en la revista Herejía y Belleza.

    Referencias

      domingo, 1 de octubre de 2017

      Christophe Agou

      Christophe Agou fue un fotógrafo francés (nacido en 1969 en Montbrison, Loira, fallecido en 2015) que desarrolló una exploración intuitiva y empírica de universos, situaciones y personas que llega a entender por un proceso gradual de absorción, sin darse cuenta de que ha sucedido hasta que se encuentra resonando íntimamente con ellos.

      © Christophe Agou

      © Christophe Agou

      Biografía

      Christophe Agou nació en Montbrison, un pequeño pueblo al pie de las colinas de Forez, en el departamento del Loira, en Francia. A partir de los años 90, hizo fotografía de estilo documental en blanco y negro y en color con un acercamiento alusivo a la condición humana. También realizó cortometrajes y escultura.

      En 1992 se instaló en Nueva York. Este exilio voluntario temprano, por un deseo de sumergirse en un mundo completamente diferente, es típico de la obra que Christophe ha venido desarrollando en los últimos veinte años: una exploración intuitiva y empírica de universos, situaciones y personas que llega a entender por un proceso gradual de absorción, sin darse cuenta de que ha sucedido hasta que se encuentra resonando íntimamente con ellos.

      Comenzó a hacer fotografía en la calle que mostraban una sensación de anhelo y aislamiento. Hizo fotografías del Ground Zero el 11S de 2001, que fueron utilizadas en numerosas publicaciones. Pero su primer éxito y reconocimiento le llegaron con sus fotografías en el metro de Nueva York City, publicados en su libro Life Below en 2004.

      Trabajando con igual facilidad en blanco y negro como en color, en paisaje o en el retrato, renueva constantemente sus afirmaciones y las formas de su propia visión. A lo largo de los años, Christophe Agou ha extendido su expresión a otros medios, siempre trabajando intuitivamente, realizando montajes, instalaciones multimedia, películas y escribiendo cuentos.

      En el invierno de 2002, Christophe Agou volvió a su Forez nativo y vagó por su duro paisaje que nunca había abandonado su mente. Con el tiempo (10 años) y a través del proceso gradual de construcción de confianza y amistad, los agricultores y sus familias lo aceptaron y le permitieron fotografiar y filmar su existencia cotidiana. El cuerpo resultante de trabajo, titulado Face au Silence, fue galardonado con el European Publishers Award for Photography en 2010.

      En 2005 se convirtió en miembro del colectivo de fotografía de calle In-Public.

      En 2010, sus nuevas fotografías de personas y lugares explorando el tema de la impermanencia hasta sus límites se publicaron en Les Fides Secondaires en 2013, en un libro de edición limitada que reúne 70 fotografías, un texto de John Berger y poemas de Daniel De Bruycker.

      Su trabajo ha sido expuesto en el Moma y The Brooklyn Museum de Nueva York, Jeu de Paume en Paris, The Museum of Fine Arts en Houston, The National Museum of American History y The Corcoran Museum of Art en D.C, The Annenberg Space for Photography en Los Angeles, The Pilar y Joan Miró Foundation en Palma de Mallorca, The Santa Fe Center for Visual Arts, Les Rencontres D’Arles, Noorderlicht Festival, Format Festival y en varios festivales internacionales de fotografía en China.
      Su obra forma parte de colecciones permanentes públicas o privadas como el Museum of Fine Arts en Houston,  Smithsonian American Art Museum en D.C., The New York Public Library, The Neuberger Museum of Art, The New York Historical Society, The Akron Art Museum, The JGS Collection y Les Galeries Fnac.

      Referencias

      Libros

      También contribuyó a:

      • 10 – 10 Years of In-Public, 2010.
      • Photographers' Sketchbooks, 2010.
      • 100 Great Street Photographs, 2017.