martes, 31 de octubre de 2017

Serge Romanov

Serge Romanov es un fotógrafo ruso (vive en Moscú) que realiza ambrotipos oníricos, como cuentos de hadas, muchas veces glamurosos.

Simply Maria © Serge Romanov

Simply Maria © Serge Romanov

Biografía

Serge Romanov fue cautivado por la fotografía como una especie de arte, hace ya 25 años. Su primera cámara fueron sus propios ojos. No había cámara ni películas, ni dinero para desarrollar e imprimir películas.

Luego realizó sesiones fotográficas para las prestigiosas revistas como Playboy, XXL, y para empresas como TTY, Vnukovo Airlines, FashionTV, Rive Gauche, FHM, STSTV, MuzTV y otras. Fue reconocido e invitado a varios países para dar clases magistrales y exhibió su trabajo en las galerías de arte más famosas del mundo. Eso lo atrajo hasta que se dio cuenta de lo prescindible que podría ser este tipo de trabajo. Estas fotografías eran interesantes e importantes solo por el corto período de tiempo de su publicación en una revista o en el lanzamiento de una campaña publicitaria, es decir, por una o dos semanas. La mayoría de estos trabajos son aburridos, no varían y en ellos participan equipos multidisciplinares que coartan tu libertad.

La ambrotipia fue un procedimiento fotográfico usado a mediados del siglo XIX, especialmente entre los años 1855 y 1865. La imagen se encuentra en una capa de colodión sobre soporte de vidrio. En realidad es un negativo de colodión húmedo, que parece un positivo. Se obtiene una imagen sub-expuesta deliberadamente que se ve en positivo al situarla sobre un fondo negro. Ambrotipo significa imagen inmortal en griego antiguo.

Romanov se aproximó a esta técnica como una especie de protesta contra la castrante imagen de publicidad. Solo después de un tiempo, se dio cuenta de que el proceso de colodión húmedo tenía una relación indirecta con la fotografía ya que el ambrotipo era en sí un objeto, un artefacto.  Quizás en ese preciso momento entendió que se había convertido en un artista. Se ha convertido en uno de los mejores profesionales en esta área y no le importa no ser popular y solo a veces acepta exhibir sus obras ya que no quiere convertir su arte en mercancía.

Una obra de arte no nace entre escenarios teatrales, sino en el estudio fotográfico donde cada objeto es funcional. No hay objetos innecesarios en su estudio, sólo antiguas cámaras de madera (reparadas, en perfectas condiciones de funcionamiento) y viejos dispositivos ópticos. La creación de ambrotipos para Serge Romanov es un sacramento comparable a un baile de cuentos de hadas. Sin embargo, la gente está ansiosa por los cuentos de hadas. La gente cree en las palabras ingenuas de aquellos que saben que el principal misterio es el amor.

Referencias

lunes, 30 de octubre de 2017

Pedro Menchón

Pedro Menchón fue un fotógrafo español  (nacido el 8 de noviembre de  1875 en Lorca, Murcia, fallecido el 24 de febrero de 1955, también en Lorca) que, a lo largo de una dilatada e ininterrumpida trayectoria profesional de más de cuarenta años, retrató a varias generaciones de lorquinos que pasaron por su galería y realizó una prolífica obra fuera del estudio, de amplio registro temático.

Pedro Menchón

Pedro Menchón

Biografía

Pedro Menchón Peñas nació el 8 de noviembre de 1875 en Lorca en el seno de una familia humilde. Era el mayor de cuatro hermanos. Su padre era herrero y murió en 1900 por lo que su madre tuvo que regentar una taberna. En 1904 se casó y en esa época entró como aprendiz de fotografía en el estudio fotográfico de José Rodrigo Navarro-Casete.

Su formación fotográfica se la debe a su maestro y con el tiempo llegó a convertirse en su discípulo favorito. En el taller coincidió con otros aprendices, entre ellos Blas Aledo López. A partir de 1917 regentó el estudio fotográfico de José Rodrigo continuando la línea marcada por su maestro, e incluyendo el distintivo de «sucesor de Rodrigo» en sus anuncios y al dorso  de sus fotografías hasta el final de su actividad.

La influencia de su maestro está muy presente en sus trabajos, sobre todo en los retratos de estudio, para los que utilizó recursos escénicos como fondos de cartelones pintados, trampantojos, biombos, cortinajes de terciopelo y mobiliario artístico. En los retratos de grupo de su primera época están representadas todas las clases sociales. Son composiciones equilibradas, con personajes de cuerpo entero, en cuidadas poses, representando una escena o compartiendo una afición común. Con los años la escenografía se fue haciendo más sobria, centrándose en la psicología de los retratados.

Su principal actividad fue el retrato fotográfico, pero también realizó diversos reportajes gráficos sobre la vida cotidiana en Lorca como sus célebres procesiones de Semana Santa, partidos de fútbol, toros, actos sociales, interiores de iglesias, los militares del cuartel, el Asilo de San José de Calasanz o el paisaje urbano como escenario de la vida cotidiana. Destacan también sus retratos colectivos en orfanatos, asilos y locales de asistencia social.

Su trabajo como reportero gráfico le permitió publicar fotografías en revistas como Colores y Tontolín, así como colaborar con ABC y Blanco y Negro, La Unión Ilustrada y Levante Agrario, documentando acontecimientos destacados como un accidente ferroviario en Pulpí o la visita a Cartagena del rey Alfonso XIII.

Empleó placas de cristal de 10×15 cm para las tarjetas postales, y de 9×12 y 13×18 cm para las panorámicas y las vistas de la ciudad. En 1930 comenzó a utilizar negativos de soporte plástico de acetato. Nunca empleó la iluminación eléctrica.

Murió en Lorca con 80 años. Parte de su trabajo se encuentra en el Archivo Municipal de Lorca. En los últimos años se le han dedicado diversas exposiciones como Fotografías de Lorca (1905-1950) de Pedro Menchón en la Casa Museo Huerto Ruano de Lorca en 2007, La mujer. Primera mitad del siglo XX en Palacio Molina en Cartagena en 2009 y Semana Santa: exposición fotográfica, 1865-1930, junto a fotografías de José Rodrigo en el Centro Cultural de Lorca en 2013.


Referencias

Libros

  • Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI,  2013.
  • López Mondejar, P. Historia de la fotografía en España : fotografía y sociedad desde sus orígenes hasta el siglo XXI, 2005.
  • Fotografía en la Región de Murcia. 2003.
  • Publio López Mondéjar. Fotografía y sociedad en la España de Franco: fuentes de la Memoria III, 1996.
  • Publio López Mondéjar Fotografía y sociedad en España, 1900-1939: fuentes de la Memoria II, 1992.
  • Pedro Menchón: 1875-1955.
  • Historia de la fotografía en la Región de Murcia. Siglo XX. 1936.

domingo, 29 de octubre de 2017

Jontxu Fernández

Jontxu Fernández es un fotógrafo vasco (nacido en Berango, Bizkaia, vive en Sopela) que realiza fotografía documental y de calle, indistintamente en blanco y negro o en color.

© Jontxu Fernández

© Jontxu Fernández

Biografía

Jontxu Fernández realizó sus primeros estudios de fotografía en el Instituto montando un laboratorio en blanco y negro con un profesor y unos pocos alumnos. Anteriormente observaba a su padre con su Yashica Mynister-D cómo realizaba las fotografías de los acontecimientos familiares, viajes, fiestas, etc., y después cómo proyectaba una a una toda una retahíla de diapositivas. Después, realizó sus estudios de Imagen y Sonido y la fotografía y el vídeo se convirtieron en sus obsesiones.

Por razones de oportunidad laboral empezó a trabajar más en el mundo audiovisual, inicialmente en ETB durante tres años realizando distintas tareas. Posteriormente, en 1998 se fue a Madrid a trabajar durante 4 años en Telecinco. En el 2002 volvió a Bilbao a trabajar en una productora como postproductor. En el 2005 junto a otros compañeros montaron una productora y a día de hoy trabaja como operador de cámara y postproductor en Arbela Films.

En cuanto la fotografía, tuvo un parón que le coincidió con la paternidad y mucha carga de trabajo. En el 2011 se compró su primera cámara digital y a partir de entonces es cuando ha crecido como fotógrafo. Para él la fotografía es una manera de expresarse, nunca de una manera preconcebida, sale a fotografiar lo que surja, sin definir ningún tipo de proyecto en especial.

La fotografía callejera es el tipo de fotografía con el que más cómodo se siente. Es estar abierto a lo que sucede a nuestro alrededor y documentarlo, capturar lo que nos interesa en un pequeño rectángulo sin que podamos preparar nada en absoluto, en definitiva adelantarse y prever, estar atento… componer… y fotografiar.

Referencias

sábado, 28 de octubre de 2017

María Moldes

María Moldes es una fotógrafa gallega (vive en Madrid) que realiza fotografía callejera en la playa de Benidorm y lugares cercanos de la costa levantina, donde capta con ironía a jubilados mayoritariamente ingleses disfrutando de la arena, el mar, la sal y el lodo.

© María Moldes

© María Moldes

Con mi fotografía persigo reflejar el lado más kitsch, junto al envejecimiento de la sociedad, siempre desde un punto de vista surreal e irónico.

Biografía

María Moldes tiene una formación académica en psicología por la Universidad de Santiago de Compostela. Una de sus grandes pasiones, los viajes, fue lo que le enganchó a la fotografía, y así los diez últimos años ha dedicado todos sus esfuerzos y recursos a viajar por los cinco continentes, lo que le ha permitido desarrollar y potenciar su habilidad para la observación.

En los últimos años ha intentado aplicar esta capacidad de observación en su propio entorno, buscando en la cotidianeidad de la zona en la que vive, adentrándose de pleno en la fotografía móvil, experimentando con la cercanía que el teléfono le permite, permitiéndose invadir el espacio vital de los sujetos a fotografiar.

Su falta de esperanza en que el mundo mejore a corto plazo, le empuja a utilizar su imaginación experimentando con la fotografía y el vídeo, como huida, partiendo siempre de escenas cotidianas reales, que lleva a su terreno, creando un mundo paralelo de ficción, en el que el centro es lo surreal, la ironía y la melancolía.

En 2013/14 obtuvo una beca formativa en la escuela de fotografía MISTOS CC de Alicante, lo que le abrió las puertas a la exposición de su primera serie Escenas de la vida radioactiva, sobre las playas de Benidorm. En 2014 fue seleccionada como residente en Residencias Artísticas A Quemarropa, lo que le sirvió para presentar y exponer su siguiente serie fotográfica Gamma City, sobre las calles de Alicante. Durante estos meses abrió su cuenta de Instagram al público, dando a conocer sus fotos en la red, lo que le ha llevado a ser convocada como ponente en MOWO, III Congreso de Fotografía Móvil e Instagram, con la charla Búsqueda de un lenguaje propio a través de la caza fotográfica, a ser seleccionada para participar en el primer fotolibro del mundo de Instagram Out of the phone, que incluye imágenes de 100 fotógrafos de todo el mundo, con su fotografía Cuando Hollywood conoció a Benidorm de su serie Escenas de la vida radioactiva, lo que también le ha valido para tener una portada en The Guardian y ser mencionada en la CNN.

Acaba de terminar su nueva serie, Bloop, sobre los lodos y salinas de San Pedro del Pinatar en Murcia. También ha tenido sus imágenes expuestas en grandes vallas y paneles dispuestos en varias ciudades del mundo, incluidas Madrid y Barcelona, formando parte de la World Gallery del iPhone de Apple.

Referencias

viernes, 27 de octubre de 2017

Anoop Negi

Anoop Negi es un fotógrafo indio y empresario con intereses en el vino y en la elaboración de quesos, cuyas imágenes siempre cuentan historias convincentes, a través de colores vivos que celebran la vida.

© Anoop Negi

© Anoop Negi

Biografía

Anoop Negi sufrió el impacto visual de la revista Life que solía ver en la biblioteca de la escuela, con impactantes imágenes que capturaban "momentos" y eventos. Su paso a la práctica fue años después, cuando se pudo permitir comprar una cámara. Ha estado en el campo de la fotografía digital desde sus inicios con especial énfasis en la documentación de las vidas y los tiempos del hombre común en la actual India que coexiste junto a las creencias culturales y antropológicas y a los estilos de vida que ocupan el día a día de las personas.

Esto  le  ha implicado largos viajes por todo el subcontinente indio con estancias reales de larga duración en Kerala, Bhutan, Arunachal Pradesh, Goa, Maharashtra y Ladakh, donde ha mantenido un contacto cercano e íntimo con las personas y sus vidas, comprendiendo y asimilando su cultura y creencias y sus sueños y aspiraciones.

Cree que lo más difícil del hecho fotográfico es el exterior, pero no el paisaje, sino los eventos al aire libre como ferias, festivales y la vida y los tiempos de la gente común. Nada ni nadie tiene el control sobre la luz ni sobre la gente. Es la situación fotográfica más difícil de encontrar.

Se podría decir que su género principal de fotografía es el típico de National Geographic. Además ha trabajado en fotografía de comida, retrato, eventos, bodas, fotografía de calle y de moda para casas y diseñadores como Vero Moda, Forever New, Bohoz Fashionswallah, Reet By Kaveri Batla, Wedding Asia, Femella, Koovs.com, Riddhi Bansal,

Sus fotografías han sido publicadas ampliamente en prensa y otros medios, como BBC Good Food, Lonely Planet (Australia), Discovery PLC, Today, Der Spiegel, Thomas Cook Cruising, Singapore Airlines, Popular Photography, “Sourra" Design Magazine (Saudi Arabia), India Today Travel, …

Referencias

jueves, 26 de octubre de 2017

Enrico Markus Essl

Enrico Markus Essl es un fotógrafo austriaco (nacido en 1970 en Linz, donde vive y trabaja) que refleja en su fotografía los mundos callejeros de las ciudades de Austria.

© Enrico Markus Essl

© Enrico Markus Essl

Biografía

Enrico Markus Essl nació en Linz, creció en Salzburgo, volviendo con 12 años a su ciudad natal a vivir y luego a trabajar como técnico de iluminación de teatro. Fotógrafo autodidacta, descubrió en su niñez la pasión por la fotografía. Compró su primera cámara, una cámara réflex Zenit rusa, que le acompañó los siguientes diez años. Ahora fotografía con su Leica X1.

Siempre ha preferido hacer fotografías en la calle, sin asociar su trabajo a ningún campo de la fotografía. Hace algunos años se encontró con el grupo In-Public, cuyos miembros han definido el género de la fotografía callejera de una forma nueva, lo que despertó su motivación para sumergirse en la fotografía callejera cuando vivía en Berlín.

Actualmente vive y trabaja en Linz y hace la mayor cantidad de fotografías allí. No es una gran ciudad pero es lo suficientemente interesante para vivir y trabajar allí, y hay una amplia diversidad cultural, arquitectura moderna, edificios antiguos, el río Danubio y personas de diferentes culturas constituyen una gran variedad de motivos interesantes. Disfruta explorando la jungla urbana con su Leica X1 en la mano, para descubrir momentos cruciales a través de interminables viajes por sus calles y otros lugares que despiertan su deseo de capturar imágenes. También le gusta pasear y fotografiar por las calles de Viena.

Su trabajo es muy artístico y muestra un enfoque particular en la captura de color, geometría, líneas, espacio y escenas inusuales. Su trabajo también muestra un interés en experimentar con diferentes temas. Hay mucha creatividad mezclada con un ojo talentoso que puede encontrar instantáneas interesantes en el escenario del día a día. Parte de su trabajo incluye a personas, pero otra gran parte no lo hace. Las personas no suelen ser el centro de atención sino son una parte de la estética general de la escena. A menudo trata de combinar elementos gráficos, sombras y luz fuerte. Prefiere la luz solar brillante para obtener contrastes distintivos. Sobre todo utiliza filtros polarizadores para intensificar el brillo del color.

Su trabajo ha sido publicado en Street Photography Thailand, ISP Magazine e Inspired Eye entre otros medios.

Referencias

miércoles, 25 de octubre de 2017

Luis Felipe Toro

Luis Felipe Toro fue un fotógrafo venezolano (nacido el 21 de junio de 1881 en Caracas, donde falleció el 27 de septiembre de 1955) considerado el primer reportero gráfico de su país y uno de los grandes fotógrafos venezolanos de la primera mitad del siglo XX.

Luis Felipe Toro

Luis Felipe Toro

Biografía

Luis Felipe Toro, conocido en el ámbito de la fotografía como Torito, comenzó sus trabajos como fotógrafo a finales del siglo XIX hacia 1897, paseando por la ciudad y tomando fotos de las cosas más cotidianas, para luego encerrarse largas horas en su laboratorio. Así logró el reconocimiento de su trabajo en El Nuevo Diario y El Cojo Ilustrado, en éste con imágenes del hipódromo, trabajando con una cámara IKA portátil, novedosa entre los fotógrafos venezolanos. Más tarde trabajaría como colaborador en afamados periódicos como La Esfera, Billiken, El Universal y La Religión continuando posteriormente sus trabajos en El Nuevo Diario.

Instaló su primer estudio en Caracas, antes de que en 1917 alcanzara la cúspide de la fama al retratar a la admirada bailarina rusa Ana Pavlova durante su visita a Caracas.

Además de sus retratos en su estudio, dedicó gran parte de su carrera a registrar a través de la fotografía la vida social durante el gomecismo, así como la vida íntima del dictador Juan Vicente Gómez y su entorno familiar. También logró majestuosos retratos de los actos oficiales del General Eleazar López Contreras, Isaías Medina Angarita y eventualmente de Marcos Pérez Jiménez.

Hacia 1927 viajó a Nueva York, donde permaneció ocho meses, lo que le influyó para que su trabajo fuera más personal, con imágenes más personales. En 1934 se ofrecía como fotógrafo a domicilio aunque siguió siendo reportero gráfico hasta 1936.

Su trabajo, de un valor histórico sin igual, ha permitido no sólo el estudio de los protagonistas de sus retratos a lo largo de la historia, también logró el registro de la transformación de la ciudad de Caracas después del guzmancismo.

Trabajo hasta el día antes de morir, en 1955, a los 76 años. Su familia, llena de dolor y respeto, cerró su cuarto de fotografía hasta 1967. Cuando lo abrieron, con el fin de entregar el archivo con más de 3.000 negativos al concejo municipal de Caracas, se encontraron con una tragedia. Las paredes, el techo, los armarios… todo estaba cubierto de hiposulfito. Miles de negativos se perdieron, enmohecidos y descompuestos.

En 1985, el premio de fotografía del Consejo Nacional de la Cultura (CONAC), tomó su nombre como homenaje por ser uno de los pioneros de la fotografía en Venezuela.

En 1987, el Museo de Bellas Artes presentó las fotos de Torito que llegaron a salvarse y que fueron donadas al consejo municipal de Caracas en la exposición Luis Felipe Toro: crónica fotográfica de una época. Posteriormente, en 1991, Caracas vista por Torito fue presentada en Caracas.

El Archivo Fotografía Urbana, ha registrado y conservado buena parte de su labor con el fin de contribuir con la difusión de uno de los grandes fotógrafos venezolanos del siglo XX.

Referencias

Libros

  • Dorronsoro, Josune. Luis Felipe Toro : c.1881/1955, 1987.
  • Mendoza, Plinio Apuleyo. Luis F. Toro, Torito. En sus archivos 50 años de historia venezolana.
  • Posani, Clara. Apenas ayer… 20 años de fotografía de Luis F. Toro, 1972.

martes, 24 de octubre de 2017

Céline Pannetier

Céline Pannetier es una fotógrafa francesa (nacida en París, vive en Barcelona) viajera curiosa y apasionada por la fotografía de calle.

© Céline Pannetier

© Céline Pannetier

Biografía

Céline Pannetier estudió filología inglesa y alemana en la Université Paris Nanterre. Unas de sus primeras series de fotografías fue en unas vacaciones en Normandía, con unos 10 o 12 años, disparando emocionada con una cámara desechable pero  terminó con una posterior bronca de su madre al recoger las fotos del laboratorio de revelado porque había “malgastado” el carrete entero retratando vacas … que era lo único que había por todas partes. A pesar de esto siguió haciendo fotos como una aficionada.

Sin lugar a duda, cruzarse un día con la obra de Saul Leiter, de Alex Webb, de Constantine Manos (entre muchos otros) le abrió  los ojos para ver las calles de la ciudad como un mundo interesante para capturar.

Ahora intenta capturar la luz y los colores cuando juegan juntos. Seguramente porque Barcelona, la ciudad que escogió para vivir hace ya unos 14 años, tiene una luz tan particular, se fija particularmente en lo que llama los “sunny games”, cuando llegan las horas del día en las que el sol recorta sombras duras, aísla puntos de colores, independiza partes de cuerpos o caras durante un fracción de segundo, y pone un filtro casi dorado a las calles …

Hace también fotografía de calle con su teléfono (un iPhone viejo), que muestra en su feed de Instagram, mientras que en su recién creada pagina web presenta su trabajo realizado con sus cámaras de fotos: una Eos 6D con predilección por el 35mm fijo y una Fujifilm X100S.

Referencias

lunes, 23 de octubre de 2017

Michael Ernest Sweet

Michael Ernest Sweet es un escritor, educador y fotógrafo canadiense (nacido el 23 de marzo de 1979 en Martock, Nueva Escocia, vive en Nueva York, EEUU) que realiza una fotografía de calle muy contrastada y con mucho grano de "fragmentos humanos", puntos de vista parciales de personas en la calle y en playas urbanas.

© Michael Ernest Sweet

© Michael Ernest Sweet

No es el material lo que cuenta, sino la persona que está detrás. Realmente no tengo el tiempo (o no quiero tomarlo) para refinar un enfoque o ajustar la exposición.

Biografía

Michael Ernest Sweet nació y se crio en la granja de su familia en Martock, Nueva Escocia.

En su faceta de educador, dio clases en escuelas públicas en Montreal, Quebec, de 2003 a 2015 y fundó Learning for a Cause, por lo que ha conseguido dos de los honores civiles más altos de Canadá por servicio a la educación: Prime Minister's Awards for Teaching Excellence y la Queen Elizabeth Diamond Jubilee Medal.  También fue finalista en los Governor General's Awards for Excellence en Teaching Canadian History en 2011 a la excelencia en la enseñanza de historia canadiense. Desde 2017, Sweet enseña en la facultad de la Solomon Schechter School de Manhattan.

  En fotografía, Sweet es conocido por su fotografía de calle, extrañamente enmarcada, con grano, low-fi, así como por el uso de cámaras baratas, incluidas desechables e instantáneas. Sus dos primeras monografías sobre fotografía callejera, The Human Fragment, consiguió, entre otros, los elogios de los fotógrafos Jay Maisel y Roger Ballen, y Michael Sweet's Coney Island, que recibió elogios de Martin Parr.

En este último trabajo fotográfico con fotografías en blanco y negro con mucho grano de Coney Island, ha recogido el relevo de Harold Feinstein, que pasó la mayor parte de su vida documentando esta famosa playa urbana. Su fotografía a menudo consiste en "fragmentos humanos", puntos de vista parciales de personas en la calle.

Sweet ha obtenido diversos premios como el Black and White Magazine y Popular Photography en 2013. Ha escrito para Evergreen Review, Canadian Teacher Magazine, Reed Magazine, English Journal, Photo Life Magazine y otros varios. Ha sido un blogger habitual en la sección de fotografía de The Huffington Post desde 2014 hasta 2017, escribiendo numerosos artículos. Actualmente es jurado y miembro del equipo de comisarios de la organización World Street Photography, además de escritor colaborador de Photo Life Magazine.

Referencias

Libros

domingo, 22 de octubre de 2017

José Veiga Roel

José Veiga Roel fue un dibujante y fotógrafo gallego (nacido en Betanzos, La Coruña, en 1894, fallecido en 1976) cuya cautivadora fotografía callejera capturó la belleza, la vida y los tiempos de Galicia y su gente.

© José Veiga Roel

© José Veiga Roel

Biografía

José Veiga Roel estudió dibujo, alcanzando una gran fama como calígrafo y miniaturista. Formó parte del grupo de animadores de la revista Rexurdimento, que se editó en su villa natal.

Ilustró diversas publicaciones, revistas, programas de fiestas y colaboró en las actividades de estudio de su paisano Vales Villamartín. Mostró su obra en la Exposición de Arte Gallego de A Coruña (1923) y en la Exposición Regional de Bellas Artes de Santiago. En 1935 obtuvo un diploma de honor en la Exposición de Bellas Artes de Ferrol.

A principios de los 50, empezó a frecuentar el Café Español, lugar de reunión de los artistas locales y donde reunía a la Peña Fotográfica de A Coruña. Cuando entró en contacto con estos aficionados, descubrió la fotografía. Pronto se convirtió en uno de sus principales impulsores  instalando un laboratorio en su casa y dedicándose a esta práctica hasta que sus problemas de salud lo llevaron a abandonar la fotografía y volver al dibujo.

Realizó fotografía documental, siempre dentro de la corriente salonista, y su trabajo fue conocido especialmente a través de las revistas Vida Gallega y Galicia. Revista Anual de Turismo, en la que publicaría en los años 1966 y 1967.

En 1955 mostró sus fotografías en las salas del Centro Gallego de Buenos Aires, También participó en el Salón Internacional de Fotografía de A Coruña y en el Certamen de Fotografía Artística de Vigo, tanto como jurado o como concursante y expositor.  En 1957 realizó la que probablemente fue su exposición más importante, en los salones del Club Imperio de La Coruña y en 1965 expuso en la Casa de Galicia de Madrid. Obtuvo 170 galardones nacionales e internacionales, entre los que figura a título póstumo el de Hijo Predilecto de Betanzos (1980).

Tras su fallecimiento, sus fotografías han formado parte de exposiciones como Galiza nos 50, celebrada durante la Fotobienal de Vigo en 1990, Tiempo de silencio en la Fundació Caixa Catalunya en Barcelona en 1992 y Fuentes de la memoria II. Fotografía y sociedad en España, 1990-1939, en el antiguo Museo Español de Arte Contemporáneo de Madrid en 1992. En 1993 el Centro Galego de Artes da Imaxe de La Coruña le rindió un homenaje con la exposición antológica Veiga Roel: fotografías 1954-1964. En 1994 la muestra Veiga Roel se celebró en la Casa de Galicia de Madrid.

Referencias

Libros

sábado, 21 de octubre de 2017

Gaby Herbstein

Gaby Herbstein es una artista visual y fotógrafa argentina (nacida el 3 de Mayo de 1969 en Buenos Aires, donde vive y trabaja) que toma la fotografía como medio expresivo para generar conciencia, dando cuenta de su preocupación por el bienestar universal y por la preservación de la belleza del planeta, y de las inquietudes que surgen a partir de sus propias experiencias y trabajo personal.

© Gaby Herbstein

© Gaby Herbstein

Biografía

Gaby Herbstein es una fotógrafa con veinticinco años de carrera, que compagina su trabajo comercial con el personal. Dentro de su faceta de trabajo comercial, ha realizado campañas publicitarias y de belleza para marcas como L'Oréal, Garnier, Avon, Dove, Pantene, Sedal, Telmex, Puma, Sony, Samsung, Apple, Pernod Ricard y Chandon entre otras. En moda, ha realizado campañas para numerosas marcas internacionales de Argentina, Chile, Perú, México, Brasil, EEUU y Japón.

De sus proyectos personales podemos citar:

  • La Diablada (2017). Según la cosmovisión andina la Naturaleza, el Hombre y la Pachamama (Madre Tierra) viven en perpetua relación. Esa totalidad es, para la cultura andina, un solo ser vivo. Siendo que el hombre es la naturaleza misma no la domina ni pretende dominarla. Ser diablo es un portal para desprenderse de los aspectos negativos que se reprimieron durante todo el año.
  • Creer Para Ver, comenzó en 2016, todavía en proceso.
  • Divina Belleza (2015) es el trabajo más actual de la artista. Trece retratos de niñas, cada una de ellas representando diferentes aspectos de la belleza, en un ensayo fotográfico que aborda el tema de la geometría sagrada.
  • Estados de Conciencia (2013), serie de fotografías oníricas que indagan en la búsqueda de la espiritualidad. Un viaje en imágenes a través de diferentes estados de conciencia en el camino hacia el autoconocimiento.
  • Uno (2011), serie inspirada en la unicidad, en la fusión entre el hombre y la naturaleza.
  • Huella Ecológica (2009) y La Basura no es Basura (2010), proyectos que tocan el tema el débil equilibrio ecológico de nuestro planeta.
  • En el 2009 publicó su primer libro de fotografía, Aves del Paraíso, una metáfora visual en la que el ser humano se funde con las aves, un llamado de atención sobre el desequilibrio ambiental que está llevando a la extinción tantas especies. Este proyecto intensivo fue desarrollado a lo largo de tres años e involucró a más de 130 profesionales de distintos campos de la imagen y el diseño argentino.
  • Heroínas (2000), inspirado en mujeres destacadas, a veces no reconocidas heroínas de la historia argentina.
  • Huellas (1999), fotografías que rescatan la identidad de las mujeres originarias argentinas, con el apoyo de Naciones Unidas.

A lo largo de esta trayectoria, adquiere reconocimiento también por retratar a grandes personalidades del mundo del arte y el espectáculo, entre ellos Ricardo Darín,  Gustavo Cerati, Charly García, Pedro Aznar, Julio Bocca, Alessandra Rampolla, Carla Peterson,  Elena Roger, Natalia Oreiro y Adicta, entre otros.

Ha realizado exposiciones individuales y colectivas en países como Argentina, México, Brasil, Chile, Perú, Estados Unidos, Rusia, China y Japón, entre otros.

Su trabajo ha aparecido en importantes publicaciones líderes tanto nacionales e internacionales como Harper's Bazaar, Elle, Vogue Latinoamérica, Cosmopolitan, Marie Claire, Novum World of Graphic Design, International Designers Network (IDN), Diario Rheinsprung, La Nación, D-Mode, Para Ti, Gente, Caras, entre otras.

Ha sido galardonada con premios y reconocimientos tales como Premio Clover en 2011, Mejor libro del año por su libro Aves del paraíso, otorgado por la Cámara Argentina de Publicaciones en 2009, Premio Fundación Huésped en 2002, medalla de oro en la categoría Fine Art y medalla de plata en la categoría Libros Fine Art en los premios Prix de la Photograhie en París en 2015, por su proyecto Estados de Conciencia, premio Latin American Photography and Illustration en 2016 por Phi de la serie Divina Belleza y en 2017 por su proyecto La Diablada, premio Mujer Creativa en 2017 otorgado por el Circulo de Mujeres Creativas y la Universidad de Palermo, entre otros.

Además de su producción artística, Herbstein ha impartido charlas y seminarios de fotografía y motivación, en el marco de eventos culturales y en instituciones relacionadas al arte y el diseño.

Referencias

Libros

  • Historia general del arte en Argentina, Tomo XII, La fotografía en la Argentina 1980-2000, 2015.
  • Estados de conciencia, 2014
  • Aves del Paraíso, 2009.
  • Appropriation as Practice, 2006 (varios).

viernes, 20 de octubre de 2017

Javier Camacho Gimeno

Javier Camacho Gimeno es un alpinista y fotógrafo español (nacido en Zaragoza en 1971, vive en Pamplona) que trata de conjugar la montaña, los viajes y la fotografía que se ha especializado en fotografía de altura a más de 6.000 metros y ha grabado numerosos audiovisuales sobre grandes montañas y la vida de sus habitantes.

© Javier Camacho Gimeno

© Javier Camacho Gimeno

Biografía

Javier Camacho Gimeno es un alpinista y fotógrafo de paisajes especializado en montaña. A los 8 años ascendió su primera montaña de 3.000 metros, con 10 años ya escalaba grandes cimas, con 30 años había completado todos los tres miles de los Pirineos. Su pasión por la fotografía vino después, y gracias a sus instantáneas podemos deleitarnos con bellos y lejanos paisajes inaccesibles para la mayoría de nosotros, lo que hace de sus fotografías documentos únicos. Pero lo que le hace distinto del resto de fotógrafos cuando se encuentra a más de 6.000 metros de altitud, es su manera de aprovechar la luz en condiciones extremas y mostrarnos lo insignificante que puede llegar a ser el hombre ante la madre naturaleza, con composiciones muy estudiadas y un derroche de técnica para superar las más adversas condiciones climatológicas.

Ha escalado montes míticos de todo el mundo, desde el Mont Blanc y el Cervino de los Alpes en Europa, pasando por el Aconcagua en América del Sur, el Mckinley en Alaska y el Himalaya, habiendo escalando el Cho Oyu sin la ayuda de sherpas y sin uso de oxígeno, con sus 8.201 metros, el Lhotse con sus 8.516, …

Sus fotografías y artículos han sido mostrados en diversas publicaciones, y ha colaborado con varias publicaciones especializadas en montaña, como Desnivel o Barrabes, elaborando diversos artículos de fotografía en varias webs y foros fotográficos y proyectando numerosos audiovisuales de montaña por todo el territorio nacional, como en el festival de fotoperiodismo Periscopio en Vitoria.

Ha obtenido diversos premios en unos 100 certámenes fotográficos, incluidos el Memorial Maria Luisa, FOTOCAM, Wildlife Photograher of the Year, Travel photographer of the Year, Montphoto, Barrabés de Montaña, etc. Ha realizado varias exposiciones fotográficas colectivas e individuales, participando en eventos fotográficos como Periscopio, Foto-Montseny, PallantiaPhoto, Teruel PuntoPhoto, entre otros.  Sus fotografías han aparecido en el libro Mountains,portraits of high places junto con la de  fotógrafos como Gallen Rowell o Ansell Adams.

Es miembro activo de la Asociación Española de Fotógrafos de Naturaleza (AEFONA).

Referencias

jueves, 19 de octubre de 2017

Nour Eddine El Ghoumari

Nour Eddine El Ghoumari es un fotógrafo marroquí (nacido en Taza, Marruecos, vive en Worthing, Inglaterra) considerado como uno de los mejores fotógrafos de retratos y fotografía de calle en blanco y negro.

© Nour Eddine El Ghoumari

© Nour Eddine El Ghoumari

Biografía

Nour Eddine El Ghoumari tuvo su primer contacto con la fotografía cuando tuvo en sus manos la vieja máquina de uno de sus amigos y se subió a las almenas del viejo castillo de su ciudad y fotografió su primera puesta de sol. Enseguida se pasó a la fotografía de calle, una especialidad difícil en la que capturar la esencia de la vida es tan difícil como embotellar la luz de la noche, donde no puedes controlar la luz ni la composición y donde solo tienes segundos para crear una obra de arte a partir de la rutina diaria. Estudió Arte en la Universidad de Westminster.

Los jóvenes, los pobres y los ancianos son su verdadera inspiración. Cuando hace un retrato, trata de ser lo más honesto posible a los sujetos fotografiados y transmitir todos los detalles de sus ropas y rostros, así como la dirección de la luz. Siempre trata de recordar los olores y sonidos circundantes cuando está editando en el cuarto oscuro.

Cada uno de los rostros que captura son como una guía divina a través de la historia y la cultura de su pueblo. Las arrugas en la cara de una anciana que vende perejil y cilantro cerca de su casa son un código de su pasado y una señal de su presente y futuro. Por la expresión de su rostro e incluso por la forma en que dobla los brazos podremos descubrir la ética,  cultura y devoción religiosa de la retratada.

Su trabajo ha sido publicado en algunas de las revistas y libros fotográficos más leídos del mundo, y una selección de su obra ha sido publicada en el prestigioso libro The World’s Greatest Black and White photographers. También se ha mostrado en  numerosas páginas web y en exposiciones en Londres, Japón, Rusia, Chile… que han mostrado su estilo fotográfico único y peculiar.

Ha ganado varios premios internacionales como Photographer of the Year en Gran Bretaña, 2 Medallas de Oro por los mejores retratos en el mundo árabe, alguna Medalla de Oro de la Photografic Society of America (PSA) y un 2º puesto en los World Colour Awards.

Referencias

Libros

  • The World’s Greatest Black and White photographers.

miércoles, 18 de octubre de 2017

Gabi Ben Avraham

Gabi Ben Avraham es un fotógrafo israelí (nacido en Tel Aviv, donde vive) que realiza fotografía de calle principalmente en Tel Aviv.

© Gabi Ben Avraham

© Gabi Ben Avraham

Como un pescador que va a su trabajo diario sin saber lo que va a atrapar, cojo mi cámara y buceo en las calles sin saber qué va a pasar. Es una aventura y siempre estoy deseando que llegue ...
Cuando hago clic, trato de ver lo surrealista y de captar las cosas fuera de su significado cotidiano y su contexto habitual. Las calles son siempre diferentes: la gente, la luz y las sombras, la atmósfera. Tengo mis lugares favoritos para disparar: son aquellos en los que las fotos nunca se repiten.

Biografía

Gabi Ben Avraham coqueteó con la fotografía y las cámaras de cine en la década de los 80, pero lo dejó por su carrera como gerente de Tecnologías de Información. Su mujer le regaló hace unos años una cámara digital, y su pasión renació a pesar de haber estado inactiva durante décadas. Hoy en día, la fotografía de calle representa la forma preferida de Avraham de mirar el mundo: su cámara se ha convertido en una parte integral de él mismo y la lleva dondequiera que vaya, pensando “tal vez hoy será mi día de suerte y voy a tomar la foto de mi vida”. A través de la lente de la cámara está constantemente mirando a su alrededor, buscando ese momento "decisivo" que nunca volverá, a menos que lo capture.

Su obra está formada por múltiples capas, escenas complejas, momentos interesantes y un gran uso de la luz y la sombra naturales para realmente llevar su fotografía a la vida. Utiliza el color cuando es necesario, pero la mayor parte de su trabajo es en blanco y negro. La calle no es un estudio, pero a veces se para y espera que las cosas converjan: un ciclista, un bailarín, un niño, …

Es miembro de los colectivos de fotografía callejera Thestreetcollective y APF Collective. Algunas de sus imágenes han sido expuestas en varias exposiciones colectivas en Israel, así como en revistas y sitios web fotográficos en línea. Además de su fotografía de calle en Tel Aviv, ha realizado algunos proyectos más sociales, así como una serie sobre Cuba.

Referencias

Libros

martes, 17 de octubre de 2017

Jonathan van Smit

Jonathan van Smit es un fotógrafo neozelandés (nacido en Wellington, Nueva Zelanda, vive en Hong Kong) que captura escenarios sucios, oscuros y sórdidos. El fuerte contraste y el gran angular convierten estas escenas tristes en intensos dramas, en esbozos de historias que la imaginación pueda completar sin esfuerzo.

 © Jonathan Van Smit

© Jonathan van Smit

Biografía

Jonathan van Smit es un autodidacta cuya pasión por la fotografía se despertó en la adolescencia, pero no es hasta la llegada del digital cuando se convirtió en obsesión. Pero no podía hacer mucha fotografía callejera en Nueva Zelanda, ya que vivía al lado de una playa y simplemente no había ni muchas calles ni mucha gente. Al mismo tiempo, tuvo la oportunidad de hacer viajes de negocios regulares a China desde 2003, y le encantaba poder tomarse unos días de descanso después de cada viaje para hacer fotos. Aburrido con la vida corporativa, renunció a su trabajo a finales de 2007 con la idea de encontrar un trabajo en China para poder tener acceso a un entorno más interesante fotográficamente hablando. Tuvo la suerte de conseguir un trabajo autónomo en Hong Kong, donde trabaja y vive desde 2008.

Durante el día, trabaja como asesor de inversiones, así que la mayor parte de su trabajo está realizado por la noche, ilustrando el terrorífico poder social que el capitalismo tiene sobre las multitudes que viven en las sombras de las bellas y familiares torres de Hong Kong, tocando temas que van desde la pobreza y las condiciones marginales de la vivienda hasta el consumo de drogas y el sexo, creando un cuerpo de trabajo que ha sido descrito como "crudo, a veces sorprendentemente, pero nunca sensacionalista. Y lleno de aburrimiento, tristeza, soledad y abandono".

Sus proyectos principales son City of Dreams, Real Lives y A Song of Unending Sorrow, que se refieren a la marginación,  Love in Kowloon, que trata sobre el sexo, y Looking for Miss Wong titulado así por la pintura de Vladimir Tretchikoff, pero que trata sobre el Hong Kong que podría haber existido hace algunos años. También le gustaría hacer más trabajo sobre el mundo de las drogas.

Le gustan las distancias cortas así que usa objetivos de 15mm y 21mm mayormente. El momento real de tomar la foto es muy importante para él, porque la gente puede moverse bastante en un segundo o dos y rara vez es suficiente tiempo para componer y enfocar, así que ha aprendido a estimar todo eso a la carrera y puede cambiar la velocidad de obturación o la apertura sin mirar hacia la cámara.

Disfruta deambulando por ahí explorando sin rumbo y de manera desordenada. Tiende a caminar por calles y callejones, y a veces por los edificios sin permiso, atraído por el lado oscuro de la vida, visualmente más atractivo. Sus fotos no son  documentales, sino el resultado de su propia curiosidad, de su interés por cómo otros viven sus vidas. La ciudad que  retrata está muy alejada de la vanguardia tecnológica, de los rascacielos y la superpoblación. Fotógrafo compulsivo, en sus fines de semana camina durante quince horas o más en busca de las imágenes que le obsesionan. Con su Leica en mano patea los bajos fondos de Kowloon donde parece que la ciudad hubiese perdido el color y su elegancia, como si todo se hubiese teñido de negro y gris oscuro.

Referencias

lunes, 16 de octubre de 2017

Francisco Mata Rosas

Francisco Mata Rosas es un fotógrafo mexicano (nacido en 1958 en Ciudad de México, donde vive) considerado uno de los exponentes más reconocidos de la fotografía contemporánea mejicana. Ha realizado proyectos que se caracterizan por tener una larga duración, lo que implica una transformación permanente, a medida que los intereses van cambiando y buscando otras perspectivas conceptuales.

© Francisco Mata Rosas

© Francisco Mata Rosas

Biografía

Francisco Mata Rosas comenzó con la fotografía con 12 años, cuando su madre le regaló su primera cámara en una festividad de los Reyes Magos. Su padre es un fotógrafo aficionado muy reconocido activo hoy en día, y él, con sus cuatro hermanos, era asiduo lector de las revistas de fotografía que llegaban a su hogar. Estudió Ciencias de la Comunicación en la Universidad Autónoma Metropolitana-Xochimilco y obtuvo un master en Artes Visuales en la UNAM.

Durante ese tiempo se sintió apasionado por el periodismo escrito tomando a la fotografía como un pasatiempo. Hasta que empezó a compaginar ambas cosas siendo fotoperiodista para el periódico La Jornada de México desde 1986 hasta 1992. Durante este trabajo pudo empaparse de la importancia de las imágenes, pues el periódico tenía como concepto que lo visual, incluyendo fotografías, diseño, caricaturas y tipografía, era el eje en donde se iban a concentrar, para que el mensaje llegase por completo a su público objetivo.

Tras su salida de La Jornada, Francisco comenzó una vida académica que ha consumido una parte fundamental de su tiempo. Actualmente es profesor/investigador de tiempo completo en la Universidad Autónoma Metropolitana (Cuajimalpa, Ciudad de México) y es desde el aula y la investigación, donde Mata Rosas ha generado una gran riqueza al analizar y criticar a la fotografía como un fenómeno contemporáneo donde conviven los complejos vehículos de producción trans-media, los canales de diseminación físicos y virtuales y el papel que tiene en el siglo XXI la originalidad y la recepción de la obra fotográfica.

Francisco ha impartido diversos talleres así como más de 100 conferencias sobre el tema de la fotografía, la imagen, nuevas tecnologías, multimedia, post-fotografía, etc., en importantes festivales, museos e instituciones académicas en Estados Unidos, México, Inglaterra, Argentina, España, Brasil,

Su trabajo fotográfico se ha publicado en varios de los principales periódicos y revistas de Estados Unidos, España, Canadá, Italia, Francia, Inglaterra y México. Sus fotografías han sido expuestas en México, Holanda, Alemania, Italia, España, Francia, Inglaterra, Estados Unidos, Escocia, Japón, Argentina, Brasil, Panamá, Uruguay, Ecuador, Perú, Honduras, Cuba y Costa Rica, entre otros lugares.

Ha obtenido numerosos premios, como el Premio de Adquisición en la Bienal de Fotografía Mexicana en 1988,  Premio de Honor en el Concurso del Bicentenario de la Revolución Francesa, México-Francia, en 1989, Beca de Jóvenes Creadores del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes, México, en 1989, Third Mother Jones Fund for Documentary Photography, en EEUU en 1993, Residencia Artística en el Museo de Bellas Artes de Orleáns en Francia, en el marco de las 5º Recontres Photographiques d´Orleáns, Une Saison Mexicaine en 2004. Honor of Distinction in Photojournalism, Black an White Spider Awards en 2006, etc.

Su obra forma parte de colecciones públicas y privadas, como Koninklijk Instituut voor de Tropen en Ámsterdam, Holanda, Southwest Texas State University, Wittliff Gallery of Southwestern and Mexican Photography, Kiyosato Museum of Photographic Arts en Japón, Mother Jones Fund for Documentary Photography en San Francisco, Colección permanente de la Casa de la Cultura de Juchitán, Oaxaca, Guangdong Musueum of Art en Guangzhou, China, y otras muchas.

Referencias

Libros

  • América Profunda, 1992.
  • Sábado de Gloria, 1994.
  • Litorales, 2000.
  • México Tenochtitlan, 2005.
  • Tepito ¡Bravo el Barrio!, 2006
  • Arca de Noé, 2009
  • Ojos que no ven. 2010
  • Un Viaje. El metro de la ciudad de México, 2011
  • Corte de caja.
  • La línea.