miércoles, 20 de septiembre de 2017

Victor Mendiola

Victor Mendiola es un fotógrafo mexicano (nacido el 11 de febrero de 1969 en Ciudad de México, donde vive) que se dedica a la fotografía publicitaria pero que es un apasionado de la fotografía de grupos humanos y sus expresiones. Le interesa  enseñarnos a convivir de mejor manera al mostrar una imagen que nos lleve a conocernos mejor como sociedad y como individuos.

© Victor Mendiola

© Victor Mendiola

Biografía

Victor Mendiola estudió en la Escuela Activa de Fotografía. Desde 1989 ha trabajado para distintos medios como la Agencia Cuartoscuro, la revista Macrópolis y el periódico La Jornada. Fue editor de fotografía en la revista El Laberinto Urbano y coeditor en Milenio Diario.

Víctor es un apasionado fotógrafo documental que comenzó su carrera en el medio del fotoperiodismo y el movimiento universitario con las huelgas de los años 1986 y 1987 cuando era un estudiante en el Colegio de Ciencias y Humanidades, donde experimentó una primera necesidad clara por documentar los hechos para tener una referencia visual. Documentó también el movimiento zapatista y esto cambió su forma de ver las cosas. Desde entonces comprendió la evidente importancia de difundir las movilizaciones sociales para lograr trascendencia y expansión.

Fue miembro del programa jóvenes creadores del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (FONCA) y con las becas que consiguió realizó dos proyectos: Los bajos golpes, un ensayo fotográfico sobre el ambiente del boxeo en México, y el ensayo De paso, que fue una documentación de la vida cotidiana en diferentes ciudades de México.

Para él es fundamental conservar los espacios de convivencia para todo tipo de habitantes, transgrediendo y no obedeciendo el orden impuesto por la derecha mal-gobernante de su país. En su serie fotográfica El que no brinque es puto expresa la búsqueda de identidad, solidaridad, transgresión, protesta, diversión y convivencia de la juventud mexicana.

Ha sido galardonado dos veces con el premio de Vida Cotidiana en la 1ª y 2ª Bienal de Fotoperiodismo (1995 y 1997). Desde 2000 es fotógrafo freelance, socio fundador de Via 69 y colabora en distintos proyectos publicitarios, editoriales, periodísticos, documentales y de fotografía fija para cine.

Referencias

Libros

martes, 19 de septiembre de 2017

William Yu

William Yu es un fotógrafo estadounidense (vive en San Francisco, California) que realiza fotografía de viajes y tiene un gran prestigio como organizador de talleres sobre fotografía de viajes.

© William Yu

© William Yu

Biografía

William Yu es un instructor de fotografía y fotógrafo, propietario de la empresa de talleres fotográficos William Yu Photo Workshops, en la que, varias veces al año, dirige un pequeño grupo de fotógrafos para recorrer algunos de los lugares más singulares y bellos del mundo, capturando tanto culturas, gentes, festividades y paisajes en los lugares más bellos del mundo.

Es también miembro e instructor en Bryan Peterson School of Photography.

Sus fotografías se han publicado en revistas de fotografía en EEUU, China y Europa. Entre sus clientes de fotografía de viajes podemos citar a Amazon.com, Ubisoft, Accenture, Google, Ogilvy One Worldwide, Microsoft, American Airlines, Earnest & Young, MTV Networks, Bloomberg Finance, Westjet, Figaro Magazine, etc.

Referencias

lunes, 18 de septiembre de 2017

Dimitri Mellos

Dimitri Mellos es un fotógrafo griego (nacido en Atenas, Grecia, vive en Nueva York) que realiza fotografía de calle.

© Dimitri Mellos

© Dimitri Mellos

Biografía

Dimitri Mellos nació en Grecia, y de niño solía caminar con una vieja cámara Kodak Instamatic sin película jugando a sacar fotos. Estudió filosofía y psicología. Muchos años después redescubrió su pasión por la fotografía y tras trasladarse en  2005 a la ciudad de Nueva York, en 2008 empezó a considerar la fotografía en serio, aunque ha realizado poca educación formal.

Su obra ha sido expuesta en Grecia, Barcelona, ​​Londres, Berlín, Nueva York, Miami, Santa Fe y otros lugares, y está en colecciones públicas y privadas de Europa y EEUU.

Ha recibido varios premios por su trabajo, en los PX3 Awards, International Photography Awards y en los WPGA Pollux Awards, así como 2º puesto en los premios CENTER’s 2011 Editor’s Choice y el 1º  en el concurso Blurb Photography Book Now 2011. También ha ganado el 1er premio en la categoría de libros electrónicos en el concurso Fotoweek DC 2012, fue finalista de la prestigiosa beca Fotovisura y en el premio Magnum Expression, tres veces finalista del Renaissance Photography Prize y fue seleccionado para ser incluido en las American Photography nº 28 y 31. Más recientemente, ha sido seleccionado premio del jurado en Magnum Photography Awards de 2016.

    

Referencias

Libros

domingo, 17 de septiembre de 2017

David Salcedo

David Salcedo es un fotógrafo español (nacido en1981 en  Caravaca de la Cruz, Murcia) que realiza fotografía documental, de autor y de calle. Él se define como fotógrafo al aire libre.

‘1+1’ © David Salcedo

‘1+1’ © David Salcedo

Biografía

David Salcedo está actualmente representado por la galería Art Deal Project de Barcelona. Parte de su trabajo se ha expuesto de forma individual en la galería Kowasa, además de en otros centros expositivos de Madrid, Sevilla, Valencia, Bilbao, Barcelona, Girona, Granada, Murcia, Gijón, Ourense y A Coruña, también en festivales fotográficos como el Autono Fotográfico Galego, el festival de fotografía emergente PA-TA-TA Festival, Visa Off de Perpiñán o el Sonimag Foto de Barcelona.

Ha participado también en numerosas muestras colectivas como Un cierto Panorama, reciente fotografía de autor en España, y las realizadas con el colectivo Calle 35, destacando el Festival Internacional de Fotografía Callejera de Miami. Sus fotografías se han visto proyectadas en varios museos y eventos fotográficos como en el Museo de Bellas Artes de Murcia, la librería La Fábrica de Barcelona, el Forum fotografic de Can Basté, Art Deal Project de Barcelona o en el festival Sestaophoto.

Ganador de varios premios y becas, cabe mencionar el premio Proyecta 2016 del Centro Fotográfico Andaluz, el Premio Nuevo Talento Fnac de fotografía 2015, el premio Otra Manera de Mirar del PA-TA-TA Festival de Granada y la beca de los Seminarios de Fotografía y Periodismo de Albarracín. También fue seleccionado para los visionados de porfolios de los Encuentros de la Imagen de Braga, Descubrimientos de Photoespaña y finalista en las becas Fotopres de “La Caixa” y las del Forum fotografic de Can Basté.

Ha autoeditado 3, el fanzine Argos, participado también en la publicación Presentes Futuros del PA-TA- TA festival y los catálogos Un cierto Panorama, reciente fotografía de autor en España y el del festival Autono Fotográfico Galego 2013. En el 2014 formó la plataforma Territorios Libres, junto con Mingo Venero (fotógrafo) y Pablo Pérez (gestor cultural) con los que edita y publica el libro Pasaporte Territorios Libres.

Referencias

Libros

sábado, 16 de septiembre de 2017

Luther Gerlach

Luther Gerlach es un fotógrafo estadounidense que ha estado trabajando en procesos y tecnologías fotográficas históricas durante los últimos 30 años y que ha dado más de 200 conferencias y demostraciones en el J Paul Getty Center

© Luther Gerlach

© Luther Gerlach

Muy a menudo, siento como si mi alma estuviera en el pasado y mi mente en el futuro. Las cámaras clásicas y los procesos que utilizo tienen una cualidad mágica, lo que me ayuda a producir una indefinible profundidad de sentimiento y estructura poética en mis fotografías. Mi principal preocupación es que mi arte se comunique tanto a nivel fáctico como en belleza y emoción.

Biografía

Luther Gerlach descubrió su fascinación por la fotografía a una edad temprana mientras viajaba por el mundo con su padre antropólogo. Durante los últimos 30 años ha explorado los diversos procesos fotográficos, concentrándose en los utilizados en los primeros cincuenta años de la fotografía. Gerlach utiliza su extensa colección de cámaras y lentes antiguas para su trabajo, con un enfoque especial en las cámaras gigantescas. Su pasión por los últimos 15 años ha sido por el colodión húmedo en sus variantes positivos, ambrotypos y tintypos. Gerlach también construye sus propias cámaras de gran formato, las más recientemente en 2013, la The Griffiness 24x26”.

Gerlach ha realizado más de 200 demostraciones, conferencias y talleres sobre el terreno desde 2001 sobre la historia de la fotografía, incluyendo el colodión en placas húmedas, albumina, platino y fotograbado en el J. Paul Getty Museum de Los Ángeles y el Getty Villa en Malibú. También ha dado demostraciones y conferencias en el Denver Museum of Art, Natural History Museum en Santa Bárbara, Carne Santa Paula Museum, Palace of the Governor en Santa Fe y en el Seattle Art Museum. En algunos de estos talleres se apoya en su autobús personalizado como cuarto oscuro, lleno de cámaras y lentes raras.

Ha aparecido varias veces en el programa "Meet the Artist" en el Carnegie Museum. Ha dado clases e impartido conferencias en el Art Center de Pasadena, California, y en el Brooks Institute of Photography. Fue el orador principal de Photo Arts Santa Fe en 2003, e invitado como artista destacado en el Alternative Photographic International Symposium en Santa Fe en 2009.

Su trabajo ha aparecido en numerosas publicaciones, entre las que se incluyen View Camera, American Photographer, Shutterbug y Architectural Digest. También se ha expuesto internacionalmente y forma parte de numerosas colecciones de museos públicos y privados, como el Michael Wilson Center of Photography, Denver Museum of Art , J. Paul Getty Museum, Prague National Museum, Santa Barbara Museum of Art, Minnesota Institute of Art, Schacknow Museum of Fine Arts y LACMA.

Es consultor principal del largometraje que representa la vida y el trabajo de Eadweard Muybridge, escrito y dirigido por Gary Oldman.

Referencias

Libros

viernes, 15 de septiembre de 2017

Jerónimo Arteaga-Silva

Jerónimo Arteaga-Silva es un fotógrafo mexicano (nacido en 1972 en el municipio de Ecatepec, Estado de México, vive entre Ciudad de México y Düsseldorf, Alemania) cuyo trabajo documental se ha centrado en temas sociales y de inmigración. Sus ensayos fotográficos no sólo se han centrado en México, sino también en Europa y en América Central. La moda, la foto artística y los retratos son otros temas en los que trabaja.  

© Jerónimo Arteaga-Silva

© Jerónimo Arteaga-Silva

Biografía

Jerónimo Arteaga-Silva se formó inicialmente en arquitectura en la UNAM, pero a partir de 1994 comenzó a trabajar como fotógrafo en el diario El Ciudadano, en la ciudad de San Luis Potosí y luego para diarios locales de Ciudad de México. Desde entonces, ha publicado fotografías y textos sobre fotografía en los más importantes medios impresos mexicanos y algunos europeos.

En 2006 junto a otros fotógrafos fundó Mondaphoto, una agencia fotográfica que realizó proyectos documentales colectivos.

Sus trabajos se han expuesto en Cuba, Argentina, Alemania, Francia, España, China, Bélice y Estados Unidos, entre otros países, además de en México. Ha obtenido diversos premios como el Premio Latinoamericano de Fotografía Digital en 2001, el premio de Fotografía Antropológica 2006 en México, mención honorífica en el Internationaler Preis fuer Jungen Bildjournalismus (Premio Internacional de Jóvenes Fotoperiodistas) en 2003 en Alemania, el Premio Unión Latina–Martín Chambi en 2002 en Francia, premio de la Bienal de Fotoperiodismo Mexicano en la categoría Política en 2001. También ha obtenido 2 veces beca en el programa Jóvenes Creadores del CONACULTA.

Su serie Cosplayer está formada por retratos de jóvenes alemanes disfrazados de sus personajes favoritos de manga  que visitan la Feria del Cosplay, en Düsseldorf.

Su serie con mayor proyección es Vivir en el Desierto, cuyas imágenes iniciales fueron realizadas en 1998 como parte de un pequeño reportaje sobre las condiciones de pobreza extrema existentes en algunas regiones del estado de San Luis Potosí en México, principalmente en el altiplano Potosino. Ha tratado de aprovechar al máximo las bondades tecnológicas añadiendo a las fotografías pequeños fragmentos de video y sonido para una mejor contextualización de este trabajo.

Actualmente trabaja en una serie de retratos llamada Portraits from a late late Renaissance y en un libro de Street Photography titulado Calle Sol.

Referencias

jueves, 14 de septiembre de 2017

Prashant Godbole

Prashant Godbole es un creativo y fotógrafo indio (vive en Bombay) que trabaja en proyectos de fotografía publicitaria para marcas de renombre y da conferencias invitado en varias escuelas de arte y escuelas de fotografía en toda la India. Es un apasionado de la fotografía y vive para capturar en película como se desarrolla la vida en un momento, normalmente en las calles de Bombay.

© Prashant Godbole

© Prashant Godbole

Mis imágenes son el resultado de mi observación, de mi punto de vista. Leo un libro llamado vida. No leo ficción u otras historias. Miro todos los momentos de mi vida como una serie.

Biografía

Prashant Godbole estudió en una escuela de arte en Aurangabad, y posteriormente en la famosa Sir JJ School of Art de Bombay. En la universidad, desarrolló una pasión por las artes visuales. Comenzó su carrera como director artístico en la icónica campaña Hamara Bajaj, con Rahul daCunha.

Con una trayectoria publicitaria de unos 30 años, ha ganado más de 250 premios como Cannes Lions, D & AD Londres, One Show, el Festival de Nueva York, Asia-Pac Awards, … Ha trabajado en varias agencias de publicidad, y ahora gestiona la suya, ideas@work.

Le gusta ilustrar, dibujar y, cuando tiene tiempo, pintar. Su familia está relacionada con el arte, su abuelo era pintor, su padre es fotógrafo, su hermano músico, su esposa es actriz y es amigo de poetas, escritores, artistas y escultores.

No tiene una formación en fotografía. En medio de una campaña publicitaria, se quedaron sin fotógrafo y, sin otra opción, tuvo que empuñar la cámara él mismo. Una cámara alquilada a la que el tendero configuró en enfoque automático, y con la que Prashant simplemente apuntó y disparó toda la campaña. Una campaña que ganó varios premios y desde ese día una cámara siempre le ha acompañado.

Como fotógrafo es reconocido por su fotografía de calle en Bombay. Para él, la fotografía de calle es como aportar un espejo a la sociedad, capturando la vida de un momento en película, contando una historia, haciendo sonreír, y siempre de forma sorprendente.

La India es el mejor lugar del mundo para ver a diferentes personas, culturas y edades conviviendo. Lo medieval y lo moderno coexisten lado a lado. Podemos ver un carro de bueyes y un Jaguar XJ 220 atascados en un atasco de tráfico, causado por una vaca, que decidió echarse la siesta de la tarde en medio de la carretera.

Aplica su formación en publicidad a la fotografía callejera, buscando la sencillez y el “menos es más”. No planea sus disparos en las calles: se tropieza con una situación y espera que se desarrollen los acontecimientos, intentando anticiparse a lo que espera que va a suceder.  

Como le gusta compartir su trabajo con la gente, se asoció al colectivo de fotografía de calle Street View Photography es como soportar un espejo de la sociedad, capturando la vida de un momento, y en la aldea global de hoy en día, la fotografía es lo único que cruza las barreras del lenguaje y transporta a los espectadores a diferentes culturas.

Referencias

miércoles, 13 de septiembre de 2017

Jamey Hoag

Jamey Hoag es un fotógrafo estadounidense (vive en Los Angeles) que realiza una fotografía de calle, captando elementos urbanos que presentan aspectos humorísticos y peculiares, con un estilo equilibrado con colores un poco pastel.

© Jamey Hoag

© Jamey Hoag

Biografía

Jamey Hoag ha vivido en California toda su vida, los últimos 10 años en Los Ángeles. Ha estado haciendo fotos desde finales de 2009 y es un fotógrafo callejero moderno, con fotografías de muchos colores, con ángulos diferentes y zonas de iluminación diferentes, y muchas veces con borde blanco. No aparecen personas y se centran principalmente en la arquitectura y en elementos urbanos, muchas veces combinados creando contradicciones.

La fotografía es una especie de meditación, terapia o paz para él. Le gusta salir y caminar para interesarse en cosas que la mayoría de la gente probablemente consideraría mundanas o tal vez aburridas. Su territorio de caza es la zona de Los Ángeles, cuyo paisaje cambia muy rápidamente, y donde trata de retratar la decadencia y la desintegración de una manera tan divertida que el espectador desvíe su atención a los aspectos más ligeros de la vida que confortan nuestras vidas en un mundo no muy agradable.

Algunas de sus imágenes favoritas son de sitios por lo que había pasado un millón de veces, pero un día por alguna razón algo hizo clic, y le llamó la atención para capturarlo. 

Trabajo mayoritariamente en película y en 35mm; siempre lleva una compacta Olympus en el bolsillo. Ha probado con el formato medio, pero sin encontrar una cámara que le satisfaga hasta el momento.

Referencias

Libros

  • Cloud.

martes, 12 de septiembre de 2017

Viktor Kolar

Viktor Kolář es un fotógrafo checo (nacido el 7 de septiembre de 1941 en Ostrava) considerado uno de los máximos componente de la fotografía documental checa. Su obra refleja mayoritariamente la vida urbana en la región industrial de Ostrava.

© Viktor Kolář

© Viktor Kolář

El dolor y la miseria que algunos de nosotros atravesamos a menudo pueden dar lugar en la creación de las mejores fotografías. Cuando las cosas son duras, creo yo, podemos ver lo que parece invisible, o apreciar el potencial de un tema que parece ordinario.

Biografía

Viktor Kolář se acercó a la fotografía de joven, ya que su padre, un cineasta autodidacta y fotógrafo, era el dueño de un estudio fotográfico y de una tienda de fotografía. A los 12 años, comenzó a fotografiar, y pronto se familiarizó con las obras de reconocidos fotógrafos, particularmente Henri Cartier-Bresson. De 1960 a 1964, estudió en el Instituto Fotográfico de Ostrava. Después de eso, enseñó en una escuela primaria. Desde la segunda mitad de los años sesenta, decidió dedicarse plenamente a la fotografía. Al mismo tiempo, conoció y se hizo amigo de la teórica de la fotografía  Anna Fárová y su esposo, el pintor Libor Fára. En 1964 realizó su primera exposición individual.

Después de la invasión de Checoslovaquia por el Pacto de Varsovia en 1968 emigró a Canadá. Inicialmente en la Columbia Británica, su fotografía pasó de capturar paisajes genéricos a documentar su desconcierto por su nuevo entorno. Pronto se trasladó a Toronto, y luego a Montreal, trabajando en la minería de molibdeno y en la fundición de níquel. En sus 5 años en Canadá sus fotografías en blanco y negro muestran una visión apasionada de la sociedad canadiense (y también la neoyorquina) durante un período de cambio, con austeras composiciones que evocan un momento de modernización en un contexto de vida tradicional, consiguiendo cierto renombre y llegando a exponer en la Optica Gallery de Montreal.

En 1973 regresó a su país, y aunque amnistiado por haberse exiliado, perdió la posibilidad de trabajar como fotógrafo haciéndolo como obrero, aunque siguió encubiertamente su documentación fotográfica de la región de Ostrava. De 1975 a 1984, trabajó como técnico de escena en el Teatro Petr Bezruč. En 1985 se le permitió dedicarse a la fotografía. En 1994, después de la Revolución de Terciopelo, comenzó a enseñar fotografía documental en la FAMU en Praga, donde fue nombrado profesor asociado en 2000. También viaja y da conferencias en los Estados Unidos.

Sus fotografías de las calles de Ostrava en las décadas de los 70 y 80 revelan el estado psicológico de las personas que captura y al mismo tiempo ponen en contacto a los espectadores con la atmósfera de la época formada por las reglas impuestas por el estado comunista, los valores que aportaba, la pérdida de la utopía y anticipación del cambio. En sus fotografías de la ya república checa independiente, los símbolos de una nueva sociedad capitalista como centros comerciales, mercados ambulantes, publicidad siempre presente, contrastan con los propios residentes de Ostrava que no están familiarizados con la economía de mercado.

En 1991 Kolář ganó el premio Mother Jones International Fund para Fotografía Documental. Ha expuesto de forma individual en el festival de fotografía Mesiac Fotografie en Bratislava en 2011, en la Leica Gallery de Nueva York en 2002, Musée de l’Elysée en Lausana en 1998, Centro Fotográfico en Atenas en 1997. En exposiciones en grupo su trabajo se ha mostrado en el Museum of Contemporary Photography de Chicago en 2001, Barbican Art Gallery en Londres en 2006, The Art Institute de Chicago en 2001, Museum Ludwig en Colonia en 1990, FotoFest en Houston en 1990, The Photographers’ Gallery de Londres en 1985, Rencontres Internationales de la Photographie en 1983.

Sus obras forman parte de colecciones del The Art Institute of Chicago, Victoria and Albert Museum de Londres, International Center of Photogpraphy en Nueva York, Maison Européenne de la Photographie en Paris, Musée de l’Elysee para la fotografía en Lausana, Museum Ludwig en Colonia.

Referencias

Libros

  • Viktor Kolář, 1986.
  • Baník Ostrava, 1986.
  • Malá Strana, 1993.
  • Ostrava-obležené město, 1995.
  • Seminar in Documentary Photography, 2000.
  • Viktor Kolář, 2002.
  • Ostrava, 2010.
  • Canada, 1968–1973, 2013.
  • Viktor Kolář: Human, 2015.

lunes, 11 de septiembre de 2017

Ignasi Raventós

Ignasi Raventós creativo publicitario de profesión y fotógrafo por vocación, es un habitual de las calles de Barcelona. Su pasión por la fotografía de calle le lleva a patear a diario la ciudad en busca de escenas urbanas. Desde que recobró su vocación, ha ido consolidando un estilo propio en que la luz y el momento exacto se combinan en composiciones armónicas y equilibradas. Ignasi entiende así la fotografía de calle: instante decisivo, calidad de luz y composición eficaz. Muchos aficionados a la fotografía afirman que reconocen una imagen suya al verla. Y muchos son los que le siguen y se inspiran en su trabajo.

© Ignasi Raventós

© Ignasi Raventós

Biografía

Ignasi Raventós soñaba con ser fotógrafo de National Geographic. Pero en la época en que empezó a fotografiar, la fotografía era una afición o una profesión muy cara y pronto tuvo que buscar ocupaciones alternativas que le permitiesen ganarse la vida. Estudió Publicidad en la Faculta de de Ciencias de la Información y durante 25 años se dedicó por entero a esta profesión, olvidando por completo la fotografía. Fue con la llegada y la consolidación de la fotografía digital que recuperó el interés por la fotografía. Le fascinó que con unas aplicaciones de móvil, podía hacer lo que le hubiese gustado hacer en el laboratorio fotográfico, bajo la luz ortocromática. Poco a poco fue descubriendo que se le daba bien tomar fotografías de la vida urbana. Y poco a poco fue ganando seguidores en las redes y reconocimientos en forma de premios.

Actualmente, Ignasi forma parte del colectivo Fujifilm X-Photographers, un privilegio que alcanza a tan solo 600 fotógrafos de todo el mundo.

Ha obtenido premios tanto como creativo publicitario como fotógrafo. Como fotógrafo, cabe destacar los siguientes premios y menciones:

  • Nominación en los Sony World Photography Awars,
  • Premio Hutasa de los premios Gran Marina Hoteles.
  • Finalista en Premios Exposición Henri Cartier Bresson de Fundación Mapfre.
  • Tres accésits en PhotoMerce del Ajuntament de Barcelona.
  • Segundo Premio en Concurso Autorretratos de Fundación Canal con motivo de la exposición de Vivian Maier.
  • Mejor foto del año Revista DNG.

Referencias

Libros

domingo, 10 de septiembre de 2017

Chema Hernández

Chema Hernández es un pintor y fotógrafo español (nacido en Salamanca en 1963, vive en Oviedo, Asturias) que practico una fotografía de tipo documental en la que intenta que tengan gran importancia aspectos subjetivos o emotivos. Le interesa extraer imágenes de lo cotidiano, imágenes con alto contenido emotivo, simbólico, o simplemente imágenes cuyos elementos formales resulten interesantes.

© Chema Hernández

© Chema Hernández

Biografía

Chema Hernández se interesó de forma temprana con el mundo de la imagen en general. Estudió Bellas Artes lo que supuso un primer contacto medianamente serio con la fotografía. Durante años la fotografía ocupó en su vida un lugar secundario tras la pintura, haciendo fotografías en blanco y negro y procesándolas en su cuarto oscuro. Se interesaba especialmente la fotografía documental. Nunca dejó de tomar fotografías, sobre todo de viajes.

En 2008 se topó por casualidad en internet con unas fotos de Matt Stuart que le llamaron mucho la atención. Así descubrió el trabajo del colectivo de fotografía de calle IN-PUBLIC. A la vez, y por circunstancias personales había dejado aparcada la pintura, por lo que decidió seguir con la fotografía. Siempre se interesó por la fotografía documental y su referente siempre fue Cartier-Bresson, por lo que llegó de manera natural a la fotografía urbana. Las redes sociales le pusieron en contacto con gente con los mismos intereses que los suyos y le hicieron avanzar y conseguir mejores resultados. Es miembro del colectivo internacional VIVO de fotógrafos de calle.

Fotografía casi en cualquier lugar: en casa, desde la ventana de la cocina, desde su coche, en el trabajo ... y por supuesto en la calle. Cualquier lugar es potencialmente adecuado para extraer una imagen interesante de ella. Vive en Oviedo y trabaja como profesor en una escuela secundaria enseñando temas relacionados con el arte. Al vivir en una pequeña ciudad, practicar la fotografía callejera es un verdadero desafío. Al principio se sorprendía cuando veía de nuevo en la calle a alguien que salía en una de sus fotos. Las situaciones extraordinarias son raras y parece que todo es siempre más de lo mismo; por ello, trata de superar estas dificultades con la imaginación y un horizonte en expansión, llevando a menudo su cámara consigo y aprovechando cualquier oportunidad que pueda surgir. Le interesa también cómo los seres vivos se relacionan con los humanos, así como intentar encontrar un orden dentro del aparente caos de la naturaleza.

Referencias

sábado, 9 de septiembre de 2017

Daniel Aguilar

Daniel Aguilar es un fotoperiodista mexicano (nacido en Ciudad de México en 1971) que ha sido merecedor de premios internacionales como varios Premio Nacional de Periodismo de su país, 2 premios World Press Photo y el Premio Internacional de Periodismo Rey de España, entre otros.

© Daniel Aguilar

© Daniel Aguilar

El objetivo del fotoperiodismo es mostrar imágenes para que la gente pueda entender lo que está sucediendo. Muchas veces el fotógrafo puede tomar fotos estéticas con carga informativa. La fotografía que se publica hoy en día, en el futuro será un documento que formará parte de nuestra historia.

Biografía

Daniel Aguilar Rodríguez tuvo sus primeros contactos con una cámara fotográfica cuando estudiaba educación primaria con una cámara Kodak formato 110 milímetros, gracias a su padre, que era arquitecto y escribía sobre deportes. Juntos hacían recorridos para fotografiar los acontecimientos que sucedían a su alrededor, como incendios, choques, explosión en San Juan Ixhuatepec y edificios devastados en el terremoto de 1985 en Ciudad de México.

En 1989 se inicia como reportero gráfico en El Heraldo de México. En 1997 se incorporó como fotoperiodista a la agencia Reuters, donde colabora hasta 2010. Asimismo, ha trabajado como reportero gráfico en los periódicos El Universal, Excelsior, La Jornada y en las revistas Época y Emeequis.

En 2000, 2002, 2004 y 2006 fue merecedor al Premio Nacional de Periodismo, que otorga el Consejo Ciudadano del Premio Nacional de Periodismo, en el 2000 y 2004 el premio de periodismo José Pagés Llergo, mención de honor en el Premio Internacional de Periodismo Rey de España de 2004 y en el World Press Photo de 2005; 3º en el Photo International News The Best Photojournalism de 2005, mención de honor en el China International Press Photo de 2005m  3º en el World Press Photo de 2007, en el 2008 obtuvo el Premio Internacional Fotografía Humanitaria de Médicos del Mundo y en 2011 fue merecedor del Premio Internacional de Periodismo Rey de España, correspondiente a 2010.

Ha realizado coberturas en diversos países como Guatemala, El Salvador, Honduras, Colombia, Haití, Venezuela, Cuba, Argentina, Jamaica, Bolivia, Costa Rica, Estados Unidos y China, cubriendo eventos como los Juegos Olímpicos de Atlanta en 1996 y Pekín 2008, el golpe de estado en Venezuela en el 2002 y la crisis política y revueltas de Haití en 2004.

Ha participado en exposiciones colectivas e individuales como Haití. Vivir la Muerte en el Centro de la Imagen de México, DF.  en 2004, 45 miradas mexicanas en el Guangdong Museum of Art en China en 2007 y Daniel Aguilar 20 en Casa Escorza en Guadalajara, Jalisco, en 2009.

Referencias

viernes, 8 de septiembre de 2017

Dave Yoder

Dave Yoder es un fotógrafo estadounidense (nacido en Goshen, Indiana, vive en Europa) que trabaja principalmente para National Geographic. Interesado en temas de interés humano, ha trabajado en una variedad de proyectos con temas muy variados que van desde cazarrecompensas a un circo infantil, pasando por instalaciones de antenas en el desierto de Atacama y por el Vaticano.

© Dave Yoder

© Dave Yoder

De alguna manera, es como estudiar un arte marcial tradicional: se necesitan años de práctica y entrenamiento para olvidar la cámara y estar en el lugar correcto mentalmente para capturar un momento o un sentido de lugar.

Biografía

Dave Yoder nació en Indiana pero fue criado en Tanzania en las estribaciones del monte Kilimanjaro, creciendo rodeado por fauna africana e interesándose en la zoología. Posteriormente fue a la Universidad de Indiana y se graduó en fotoperiodismo. Después de graduarse, trabajó para varios periódicos antes de trasladarse a Italia como freelance.

Un ensayo fotográfico sobre cazadores de recompensas fue expuesto en Visa Pour l'Image en Perpignan, Francia, y su trabajo ha aparecido en prestigiosas publicaciones en todo el mundo.

Yoder ha logrado un éxito significativo con su fotografía. Es un fotógrafo de National Geographic Magazine y Explorador de National Geographic Society; también ha publicado en The New York Times, así como en otras publicaciones, como  Gucci, Smithsonian, The Wall Street Journal, Forbes, Revista Fortune, TIME Magazine, Newsweek, W magazine, WWD, revista Elle, …. Un ensayo fotográfico suyo sobre cazadores de recompensas fue expuesto en Visa pour l'image en Perpiñán, Francia. En 2015, tuvo la oportunidad de fotografiar al Papa con pleno acceso al Vaticano, realizando unas 68.000 fotos en 6 meses.

Dentro de la fotografía, se siente atraído tanto por el punto de vista técnico y estético. Recientemente para National Geographic Magazine ha estado documentando la investigación  de la búsqueda de una obra maestra perdida de Leonardo da Vinci.

Referencias

jueves, 7 de septiembre de 2017

Carlos Germán Rojas

Carlos Germán Rojas es un fotógrafo venezolano (nacido el 22 de enero de 1953 en Caracas, donde vive) en cuya obra la intimidad de sus imágenes se han convertido en un factor fundamental, definiendo la fotografía como una relación, una amistad que se hace entre los actores, su entorno y la cámara.

Jugando Chapita, 1982 © Carlos Germán Rojas

Jugando Chapita, 1982 © Carlos Germán Rojas

Para mi trabajo no me interesa hacer fotografía con teléfono porque yo soy más riguroso en el proceso. Puedo hacerla, pero para utilizarla como boceto. Yo tengo un sistema de trabajo mucho más conservador.

Biografía

Carlos Germán Rojas inició su carrera en la pintura, dedicado a la composición geométrica. Acompañado por el maestro Napoleón Pisani, se adentró al mundo del arte asistiendo a las exhibiciones de la Galería Euroamericana y exponiendo sus pinturas en varias ocasiones en la década de los 70.

Se inició en el fotoperiodismo dentro de la revista Venezuela Gráfica cuando descubrió “la magia del revelado”. Después realizó cursos de laboratorio en el Instituto de Diseño Neumann y durante más de 10 años trabajó como fotógrafo institucional en la Galería de Arte Nacional.

Su aprendizaje, como sus imágenes, tienen mucho que ver con los buenos fotógrafos que se encontró en el camino., como Claudio Perna, que bajo su tutela, pasó de ser un caminante errante con cámara en mano a entrar en las listas de quienes guardan la memoria visual venezolana con imágenes íntimas de su barrio, gracias a su trabajo Imágenes de la Ceibita, una colección que se puede definir como la fotogeografía humana de un país.

Al contrario de los temas más tratados en la época, Rojas se dedicó a una fotografía con una mirada más íntima y sencilla. Imágenes de la Ceibita es un registro de su barrio, de sus amigos, de una forma de vivir. En su niñez, su madre hacía fotos a sus hermanos y a él con una cámara instantánea y esos retratos sorprendieron a Claudio y le atraparon. Luego todo se fue ampliando en su juventud, y comenzó a hacer fotos a sus amigos del barrio, lo que se convirtió en un ejercicio constante desde mediados de los años 70, con una Instamatic y cuando un primo le regaló una cámara 35 mm fue a más, fotografiando sus matrimonios, los bautizos, los cumpleaños… y así nació el proyecto La Ceibita.

Además del retrato del barrio, Rojas se ha dedicado a elaborar el más extenso registro de la iconografía nacional, al fotografiar a gran cantidad de artistas y sus obras dentro de sus propios espacios (retratos que reunió en la publicación de 2017, Trato y Retrato), y de la iconografía de su ciudad en panorámicas con su serie Desde aquí….

En 1978 expuso por primera vez en la colectiva Octubre libre en La Fotototeca. Desde entonces, ha participado en varias bienales y numerosas exposiciones nacionales e internacionales. En 1981 recibió el Segundo Premio de Fotografía CONAC y el premio Luis Felipe Toro en 1988. En 2004 publicó Imágenes de la Ceibita, trabajo realizado desde 1976-1983, que expuso en distintas ocasiones. En 2012, fue nombrado Ciudadano de Santiago de León de Caracas por el Cabildo Metropolitano de Caracas. Sus fotografías han sido publicadas en diferentes colectivas internacionales como Sueño de la razón. Fotografía sudamericana en 2013 e Informal city. Caracas case en 2005.

Además de varias exposiciones organizadas entre 2016 y 2017 en celebración de sus 40 años de trayectoria profesional, ha publicado el libro Trato y retrato y reeditado su serie sobre el barrio La Ceibita en dos tiempos añadiendo a las fotos originales en blanco y negro las de color de 30 años después, con los mismos personajes.

Referencias

Libros

  • Imágenes de la Ceibita, 2004.
  • Trato y retrato, 2017.

miércoles, 6 de septiembre de 2017

Alberte A. Pereira

Alberte A. Pereira es un fotógrafo gallego (nacido en 1964 en A Guarda, Pontevedra, vive en  O Rosal, también provincia de Pontevedra) que realiza principalmente fotografía de calle, centrándose en recorrer las calles y ser testigo de lo que sucede en ellas, aunque también le interesa la fotografía documental y el reportaje.
 
 
© Alberte A. Pereira
© Alberte A. Pereira
 
 
La fotografía para mi es una forma de intentar comprender el mundo que me rodea. Observar el flujo de la vida en el espacio público. Llegar a sentirse invisible en medio del bullicio. Estar solo en medio del ajetreo urbano, en lo que yo denomino “soledad socializada” y captar instantáneas para mostrar mi modo de ver el mundo.

 

Biografía

Alberte Alonso Pereira es un fotógrafo autodidacta e independiente. Después de sus primeros contactos en los años 80 con la fotografía analógica, a partir de 2012 se implicó realmente decantándose por la fotografía de calle sobre todo, centrándose en recorrer las calles y ser testigo de lo que sucede en ellas, aunque también le interesa la fotografía documental y el reportaje.
Su interés por la fotografía hizo que realizase cursos y talleres con renombrados fotógrafos como José Manuel Navia, Eduardo Momeñe, Walter Astrada y Óscar Molina, entre otros.
Vive en O Rosal, una pequeña población de la provincia de Pontevedra que no llega a siete mil habitantes, muy tranquila y limítrofe con Portugal. De ahí sus continuas visitas a las ciudades portuguesas del norte, como Viana do Castelo, Braga, y su preferida Porto.
Utiliza las Fuji X-T1 o la X100S, pequeñas y discretas, que ofrecen una muy buena calidad de imagen y son ideales para practicar la fotografía de calle.
Sus imágenes han sido publicadas en medios escritos y digitales como La Voz de Galicia, Querty Magazine, American Magazine Edge of Humanity y se han expuesto en salas de Vigo, Santiago, A Coruña, Ferrol, Lisboa, Miami, San Francisco, Londres, ...
Ha sido seleccionado en el TOP 100 de LensCulture Street Photography Awards 2016. Así mismo ha sido finalista en el StreetFoto San Francisco 2016, en el London Photo Festival 2016 y en Miami Street Photography Festival (MSPF) 2015.
En 2016, junto con otros tres fotógrafos, crearon Quitar Fotos, un espacio online de reflexión, diálogo y difusión de propuestas visuales de calle y documentales.

Referencias

martes, 5 de septiembre de 2017

Yusuke Sakai

Yusuke Sakai es un fotógrafo japonés (nacido en 1984 en Osaka, donde vive) que realiza fotografía de calle en Osaka, en lugares donde mucha gente se reúne. Fotografía en la calle, parques o incluso desde los tejados de los edificios, explorando su ciudad en busca de una línea conductora, un modelo y una reflexión, que se reflejan muchas veces en sus imágenes con elementos geométricos.

© Yusuke Sakai

© Yusuke Sakai

Biografía

Yusuke Sakai es un artista japonés que practicó el arte de la caligrafía durante unos 10 años cuando era niño, lo que seguramente le influye en la importancia de las líneas y en la simetría en sus imágenes. Empezó la fotografía como un pasatiempo en 2010 y se dio a conocer en 2012 participando en una exposición fotográfica sobre el asesoramiento del conocimiento, donde consiguió un premio.

Obseso de la forma y la composición, la geometría no sólo está presente en toda su obra, sino que llega a ser el motivo principal e incluso único en su serie Points of view, un trabajo obsesivo empeñado en integrar a los viandantes dentro de la geometría urbana. Otras series suyas como Salaryman Blues o Lights tienen un planteamiento más conceptual, pero su obsesión por la geometría sigue presente en sus fotografías.

En su trabajo muestra una de las virtudes más subestimadas en la fotografía: la paciencia. Yusuke encuentra una ubicación correcta para fotografiar y espera pacientemente a que cada elemento y persona "armonice" antes de disparar. Con esto consigue una verdadera magia entre espacios y personas.

Para Salaryman Blues, en sus días libres, se ponía un traje y subía al tren. Cuando encontraba un lugar que le gustaba, configuraba su cámara en el trípode y decidía la composición. Después ponía el temporizador y corría a colocarse en la escena, volviendo a la cámara a ver la toma realizada, y repetir el proceso una y otra vez hasta que estuviera a su gusto. Esta serie son autorretratos y también reflejan su dura (y la de muchos) vida como asalariado en Japón. Karōshi, que significa literalmente la muerte por exceso de trabajo, es un problema importante en Japón. Es un problema que afronta principalmente el asalariado, un empleado corporativo que trabaja para la misma empresa desde que abandona la universidad. Se puede esperar que trabajen más de 110 horas a la semana y luego en su tiempo libre deben entretener a los clientes y la red. Al no tener independencia ni autonomía, pueden ser objeto de acoso y explotación por parte de sus directivos, es decir, hasta caer muertos, por ataques cardíacos, accidentes cerebrovasculares o suicidios, la trágica víctima de una cultura destructiva.


Referencias