miércoles, 23 de agosto de 2017

Hermanos Mayo

Hermanos Mayo fue un colectivo de fotógrafos gallegos formado por los hermanos Paco (1911-1949), Cándido (1922-1984) y Julio Souza Fernández (nacido el 18 de octubre de 1917), y los también hermanos Faustino (1913-1996) y Pablo del Castillo Cubillo (nacido el 6 de junio de 1922) que fundaron una agencia fotográfica en España al comienzo de la guerra civil española y después continuaron su actividad fotográfica en México.

Estrella roja. Cárcel Modelo. Presos políticos en manifestación, 1934, Fotos Mayo

Estrella roja. Cárcel Modelo. Presos políticos en manifestación, 1934, Fotos Mayo

Biografía

Este colectivo dedicado al fotoperiodismo, compuesto por cinco hermanos gallegos de dos familias, trabajó durante más de 50 años dando testimonio de la realidad de España (1934-39) y México (1939-92). El balance de este trabajo fue un conjunto de más de cinco millones de negativos que repasan, entre otros, los sucesos de la Guerra Civil española y la historia reciente de México.

El padre de los hermanos Souza Fernández era escultor y estuquista y falleció en 1926, por lo que debieron comenzar muy jóvenes a trabajar. Paco, el hermano mayor, encontró trabajo en Madrid realizando fotografías aéreas para la aviación militar, pero tras su estancia en el Sáhara, castigado por participar en el fallido levantamiento de Queipo de Llano en Cuatro Vientos, decidió dedicarse al fotoperiodismo. Sus primeros trabajos fueron sobre todo para revistas como Mundo Obrero y Renovación; en algunos de sus reportajes estuvo encargado del seguimiento de la actividad de Dolores Ibarruri, por lo que tuvo ocasión de fotografiar la Revolución de Asturias de 1934.

La primera empresa fotográfica recibió el nombre de Fotos Souza, pero antes de la guerra civil cambiaron de nombre y domicilio llamándose Fotos Mayo, posiblemente en honor al 1º de mayo.  Desde 1933 con frecuencia Paco iba acompañado de su hermanos Cándido y Julio y en 1934 utilizaron su primera cámara Leica; en ese año Paco fundó la agencia Foto-Mayo en Madrid para distribuir fotografías a la prensa española y extranjera. Esta agencia tuvo gran actividad durante la guerra civil, ofreciendo imágenes de la guerra y la vida en la zona republicana, publicando entre otros en El Liberal, Mundo Obrero, El Socialista, Frente Rojo, Acero, Times y Life.

Al finalizar la contienda emigraron desde Francia a México Francisco y Cándido junto a Faustino, que también era fotógrafo, al que conocieron en Francia. Al llegar, su primera actividad fotográfica fue hacer un retrato a todos los emigrantes que viajaron con ellos en el buque Sinaia, unos 1.600 exilados republicanos, cuadros, artistas y profesionales. Posteriormente abrieron un estudio con el nombre de Fotos Mayo.

En noviembre del 1947, llegó Julio. Paco, el alma mater del colectivo, murió tempranamente en un accidente de aviación, trabajando en fotografía aérea en el volcán Popocatepetl en 1949. Cambiaron el nombre por Hermanos Mayo. Poco después, en 1952, también emigró Pablo, el hermano de Faustino, y también se asoció con ellos. Los hermanos Mayo publicaron sus fotografías en gran cantidad de diarios y revistas, entre las que se encuentran El Popular, Hoy, Mañana, La Prensa, Time y Life, convirtiendo su agencia en la más grande de América Latina.

Realizaban reportajes de viajes y sus trabajos documentales sobre la vida política del país los alternaban con otros sobre la vida de la calle, los mercados, la artesanía, la arqueología, etc. Trabajaron diversos temas fotográficos como corridas de toros, fútbol, otros deportes, espectáculos, casas de juego, ambiente nocturno e hicieron reportajes sobre los indígenas mexicanos.

Los Mayo fotografiaron manifestaciones, huelgas, represiones, logros tecnológicos y movimientos sociales; además, contribuyeron a instituir la Asociación Mexicana de Fotógrafos de Prensa, AC, en 1946, que pugnaba por dignificar el periodismo gráfico. Aportaron, también, las bases de lo que debería ser la defensa de los derechos de autor de los reporteros gráficos. Fueron pilares en la dignificación de los fotoperiodistas mexicanos a partir de los años cuarenta.

Su trabajo, formado por cinco millones de negativos, tanto en color como en blanco y negro, se encuentra desde 1994 en el Archivo General de la Nación (México).​ Su obra sobre la guerra civil española obtuvo reconocimiento a finales del siglo XX (en 1992, el Instituto Valenciano de Arte Moderno acogió la exposición Foto Hermanos Mayo, 1934-1992) y los homenajes han estado centrados en la persona de Julio Mayo, que dispone de distinciones como el título de Fotógrafo Histórico de la Provincia de La Coruña y la Cámara de Plata de la revista mexicana Cuartoscuro.​ Los Hermanos Mayo fueron declarados Premio Nacional de Periodismo 2007 de México, en la categoría de trayectoria periodística.  

Referencias

Libros

martes, 22 de agosto de 2017

Andoni Lubaki

Andoni Lubaki es un fotoperiodista vasco (nacido en 1982 en Urretxu, Gipuzkoa) especializado en documentales sobre zonas de conflicto como Birmania, Iraq, Turquía, Libia, Mauritania, Argelia, Egipto, Sahara Occidental, Siria, República Centroafricana, ....

A Syrian rebel plays football in the Saif al-Dawlah neighborhood of Aleppo, Syria, 2013 © Andoni Lubaki

A Syrian rebel plays football in the Saif al-Dawlah neighborhood of Aleppo, Syria, 2013 © Andoni Lubaki

Biografía

Andoni Lubaki es un fotoperiodista autodidacta basado en África y el País Vasco. Su interés por la fotografía comenzó en  su infancia, apoderándose de la cámara de su padre para ir a un viaje escolar. Durante la secundaria asistió a cursos básicos de fotografía en casa.

A partir de este punto, Andoni desarrolló un interés mayor y asistió a varios talleres impartidos por Pep Bonet (NOOR Images), Álvaro Ybarra (Getty Images) y Peter Van Agtmael (Magnum Photos) entre otros. Hoy en día trabaja como fotoperiodista freelance y ha cubierto conflictos y disturbios sociales en el Birmania, Iraq, Turquía, Libia, Mauritania, Argelia, Sahara Occidental, Siria, República Centroafricana, .... También ha trabajado para TV, DW (Alemania), ONGs como Mundubat y sus fotografías han sido publicadas en periódicos y revistas nacionales e internacionales como Zazpika, GARA, Argia, Newsweek, International Herald Tribune, Washington Post, The Guardian y New York Times, entre otros. En video suele hacer encargos para canales de televisión como ETB y VICE.

Ha ganado varios premios internacionales como el 2º Picture Of the Year International en la categoría Spot News en 2014 por su trabajo en Siria. En 2013 fue premiado con el Atlanta Photojournalism Seminar Best in Show por su trabajo para Associated Press en Aleppo y con el Chris Hondros Memorial Award por su cobertura para los medios internacionales de la Primavera Árabe. Buena parte de ese trabajo sus reportajes fue publicado en GARA, periódico del que es colaborador.

Durante su estancia en Alepo, donde cubrió el frente de guerra, en enero pasado fue secuestrado 14 horas por un grupo de rebeldes presuntamente yihadistas en compañía de otros dos periodistas occidentales.

Es fundador de la agencia vasca de fotografía Bostok.

Referencias

lunes, 21 de agosto de 2017

Tito Álvarez

Tito Álvarez fue un cantante y fotógrafo cubano (nacido el 18 de octubre de 1916 en Las Tunas, fallecido el 25 de septiembre del 2002 en La Habana) que realizó una fotografía humanista centrada en la forma de vivir de la gente.

© Tito Álvarez

© Tito Álvarez

Biografía

José María González Álvarez comenzó en 1940 sus estudios de Solfeo en el Conservatorio de la Habana y hasta 1961 trabajó como cantante de gran éxito de baladas, tangos y boleros en radio y televisión.​ Sin embargo, su interés por la fotografía (su primera fotografía la hizo con 18 años) le permitió aprenderla en el Club Fotográfico de Cuba al que se afilió en 1950. Posteriormente perfeccionó su técnica al realizar un curso de Composición fotográfica con Nicolás Haas y a partir de 1962 se dedicó profesionalmente a la fotografía.

Su trabajo fotográfico comenzó relacionándose con el mundo de la música, en el que había participado como cantante de boleros, ofreciendo sus servicios en la Empresa de grabaciones disqueras. Entre 1963 y 1978 estuvo trabajando para el Ministerio de Cultura de Cuba, entrando ese año a formar parte de la redacción de la revista Revolución y Cultura hasta 1997.

Álvarez realizó una fotografía humanista centrada en la forma de vivir de la gente, así su trabajo más conocido se llama Gente de mi barrio. Sus fotografías documentan a las personas en su ambiente aunque siguen siendo fotografía callejera. El alto contraste y las profundas sombras dan un sentido de drama, creando una visión conmovedora de la vida cotidiana en La Habana. Otras series con similar temática son Mercaderes 111, En el parque y Con un poco de humor. A ello se une una galería de retratos, donde aparecen importantes personalidades de la cultura junto a simples personajes costumbristas de la rica tradición popular cubana.

Su obra ha estado expuesta por toda la geografía cubana desde 1955. También ha participado en numerosas muestras internacionales de fotografía cubana: Méjico, Francia, Italia, Hungría,Alemania, Suecia, U.S.A., Inglaterra, Argentina y España. Entre las exposiciones realizadas puede destacarse Hecho en Latinoamérica en Venecia y Soirée Latinoamericaine en Arlés en 1979 y Fotografie Lateinamerika en Zúrich en 1981. Ha obtenido importantes premios nacionales (premio Olórum del Fondo Cubano de la Imagen Fotográfica por su trabajo a lo largo de su vida) e internacionales de fotografía y su obra se encuentra en numerosas colecciones permanentes en museos e instituciones dentro y fuera de Cuba.

Referencias

Libros

  • 2003. Diccionario de historia de la fotografía.
  • 2003. Canto a la realidad. Fotografía Latinoamericana 1860-1993
  • 1999. Diccionario histórico de la fotografía.
  • 1985. Cuba, a view from inside : 40 years of Cuban life in the work and words of 20 photographers, photographs, videotapes, movies, a multimedia project of the Center for Cuban Studies.

domingo, 20 de agosto de 2017

Elia Locardi

Elia Locardi es un fotógrafo estadounidense (nacido en 1980) especializado en fotografía de viajes, de paisaje, aérea y videografía. Es conocido por sus recreaciones de imágenes en color de espectaculares paisajes y de temas de viajes de docenas de países. También es un conocido bloguero, educador, orador y empresario de fotografía.

Eternity. Rome © Elia Locardi

Eternity. Rome © Elia Locardi

Biografía

Elia Locardi se graduó en arte y animación multimedia en el Art Institute of Ft Lauderdale en 2002. Después de una década de trabajo en la industria multimedia y viajando, lanzó su carrera en fotografía. Sus temas fotográficos han sido los paisajes naturales, paisajes urbanos, arquitectura antigua y lugares del patrimonio mundial.

Junto con su esposa Naomi, en 2010 fundó la página web Blame The Monkey, un blog centrado en la inspiración de la fotografía de viajes y la educación. El blog comparte historias de experiencias de fotógrafos que son nómadas globales que viven en la carretera y las técnicas usadas en la creación y postproceso de imágenes de fotografía de viaje, y también comparte recursos educativos en línea en forma de tutoriales de fotografía. Blame The Monkey fue elegido Best New Blog for Photographers por Scott Kelby en 2011. Es seguido por casi 3 millones de personas en Facebook, Google+, Twitter, Instagram, YouTube y Snapchat, convirtiéndose en uno de los fotógrafos más seguidos en el mundo.

Desde 2012, él y su esposa viven un estilo de vida 100% móvil, perpetuamente viajando de país a país, circulando continuamente alrededor del mundo. Desde que comenzó a viajar a tiempo completo en 2009, ha visitado más de 55 países, ha viajado más de un millón de millas y ha colaborado con importantes compañías, marcas, países y agencias de turismo de todo el mundo.

Locardi ha creado un método de procesamiento digital que él llama Advanced Dynamic Blending, usando exposiciones múltiples durante un largo período de tiempo (hasta varias horas), con lo que es capaz de capturar el rango dinámico completo de luz en una escena. Elia ha desarrollado un estilo de fotografía ampliamente reconocido y altamente exclusivo que se ha convertido en muy conocido en todo el mundo. Con cada fotografía, su objetivo es compartir su visión para que otros puedan ver el mundo como lo hace, lleno de color, textura, belleza, profundidad y emoción.

Su trabajo ha sido publicado en National Geographic, Digital Photo Magazine, Digital Camera Magazine y Professional Photographer Magazine. Del mismo modo, sus imágenes y secuencias de drones han sido elogiadas en fuentes especializadas en línea y en libros.

Sólo o en asociación, Locardi ha participado en el desarrollo de tutoriales y demás material educativo sobre fotografía y técnicas de post-proceso aplicadas a los viajes, el paisaje, el paisaje urbano, el paisaje nocturno del desierto y la astro-fotografía, entre otros. Es uno de los fundadores y líderes de Dream Photo Tours.

Ha realizado la foto fija del How I Became an Elephant (2012), y realizó las tomas aéreas con dron para la película documental del Tour of the Dragon de 2015 en Bután.

Locardi ha sido un conferenciante invitado en Photoplus Expo en Nueva York, Photokina (Alemania en 2014 y 2016), InterBee (Tokio), PNE (Pekín), Gulf Photo Plus, Out of Chicago Conference y South Carolina ASMP, Southeastern Film & Photo Conference.



Referencias

sábado, 19 de agosto de 2017

Ton Sirera

Ton Sirera fue un médico y fotógrafo catalán (nacido en Barcelona en 1911, fallecido en Lérida en 1975) cuyo trabajo creativo se realizó sobre todo en el campo del arte abstracto en fotografía.

© Ton Sirera

© Ton Sirera

… éste es, en rigor, el papel que ha de desempeñar la fotografía: aislar para dotar a lo que es familiar de una virtud de extrañeza.

Biografía

Antoni Sirera i Jené estudió odontología en Barcelona, donde entró en contacto con el movimiento Adlan (Amics De l’Art Nou). En 1935 se trasladó a Lérida, ejerciendo profesionalmente como odontólogo al tiempo que desarrollaba una importante labor artística en los campos de la pintura, el cine y la fotografía. Fue un gran impulsor de la vida cultural de la ciudad, estando ligado al Cercle de Belles Arts y, posteriormente, al grupo de artistas formado en torno a la Petite Galerie de la Alliance Française. Fue miembro del Centre Excursionista de esta ciudad, para el que realizó diversos reportajes, y fundador de diversas asociaciones culturales, como la Agrupación de Cine Amateur (1955) o la Societat Fotogràfica de Lleida (1972).

Su obra fotográfica se caracteriza por su enfoque personal, aunque está ligada a los movimientos de vanguardia. Junto a su hermano Jordi, catedrático de Ciencias Naturales, creó el Archivo Sirera Jené especializado en documentos de naturaleza, botánica y fotografía aérea, tomadas desde su propia avioneta. Eran fotografías que tendían hacia la abstracción, algo que se acentuó tras una estancia en París en 1950 y su contacto con el artista Joan Vila Casas.

Se puede considerar un pionero en el uso artístico de la macrofotografía a mitad del siglo XX, exponiendo sus obras, dotadas de un contenido abstracto, en la sala Aixelà de Barcelona en 1960. Sus primeros planos ampliados de líquenes y otros cultivos se encuentran entre las primeras fotografías abstractas realizadas en España a partir de temas reales. En los años siguientes, participó en diversas exposiciones, destacando las celebradas en la Petite Galerie de Lérida entre 1968 y 1971

También realizó diferentes películas vanguardistas y colaboró con el escritor Josep Vallverdú en la realización de una serie de monografías de la serie colección Catalunya Visió y la monografía Els rius de Lleida. La mirada de Sisera, una mirada distinta, centrada en el territorio y sus paisajes, encontró su culminación en el proyecto editorial de Catalunya Visió, un proyecto realizado conjuntamente con Vallverdú, inspirado por la tradición geográfica catalana, a medio camino entre las descripciones de las monografías comarcales y las aportaciones literarias y visuales de sus autores. Así, los volúmenes de la publicación, desde un punto de vista objetivo, reflejan un país que, lejos de esencialismos intemporales, está experimentando la transición entre una sociedad catalana agraria tradicional y una sociedad cada vez más urbana e industrializada.

Actualmente, su obra forma parte de las colecciones del Museu d’Art Jaume Morera y el Museo Museu Nacional d’Art de Catalunya (Barcelona), y la diputación de Lleida organiza el premio Ton Sirera otorgado por el Institut d’Estudis Ilerdencs. En el año 2000 se realizó una exposición antológica de su trabajo en el Centro de Estudios Catalanes de París.

Referencias

Libros

  • 1947 - Árboles.
  • 1950 - Guía de Mallorca, Menorca e Ibiza
  • 1958 - Geografia de Catalunya
  • 1960 - Antonio Sirera
  • 1967 - Terres i homes del Països Catalans. La montaña
  • 1968 - Catalunya Visió Vol. 1, 2, 3, 4.
  • 1969 - Catalunya Visió Vol. 7, 8.
  • 1972 - Viatge entorn de Lleida
  • 1973 - Catalunya Visió Vol. 9, 10.
  • 1976 - Els rius de Lleida
  • 2000 - Ton Sirera
  • 2003 - Diccionario de historia de la fotografía.
  • 2011 - Catalunya Visió
  • 2011 - Pel món amb Ton Sirera.
  • 2013 - Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI.
  • 2013 - De la terra i dels homes. Fotografies de Ton Sirera.

viernes, 18 de agosto de 2017

Óscar Palomares

Óscar Palomares es un fotógrafo catalán (nacido en 1976 en Barcelona, vive en Badalona) que está especialmente interesado en temas relacionados con la vida cotidiana en las ciudades, con un extraordinario dominio del color y una forma de componer las imágenes con una gran cantidad de elementos yuxtapuestos que hacen necesario detenerse un momento para apreciar los detalles de sus fotografías en su justa medida.

© Óscar Palomares

© Óscar Palomares

Biografía

Oscar Palomares es Licenciado en Periodismo por La Universidad Pompeu Fabra (UPF) de Barcelona. Ha publicado, entre otros, en el Periódico de Cataluña, Ling, Time Out, Barcelona Divina y en el Magazine de La Vanguardia.

En relación a su trabajo como fotógrafo está especialmente interesado en temas relacionados con la vida cotidiana y ha formado parte de la lista de 21 finalistas del International Street Photography Awards. También fue uno de los premiados del Miami Street Photography Festival 2012. En España ha sido premiado por partida doble en el Photocertamen de 2013, y en el Photoagora de A Coruña, también en 2013.

Con un extraordinario dominio del color, su estilo se caracteriza por dominar composiciones complicadas con yuxtaposiciones. Encuadres llenos de elementos que ofrecen imágenes llamativas y que requieren de una mirada pausada para encontrar todos los detalles y matices.

Referencias

jueves, 17 de agosto de 2017

Alice Austen

Elizabeth Alice Austen fue una fotógrafa estadounidense (nacida el 17 de marzo de 1866 en Staten Island, donde falleció el 9 de junio de 1952) pionera de la fotografía documental y de la visualización de la homosexualidad femenina.

© Alice Austen

© Alice Austen

Biografía

Elizabeth Alice Munn fue abandonada recién nacida por su padre (por ello jamás utilizaría su apellido) y criada por su madre, sus abuelos maternos y tíos en la casa familiar, Clear Confort, donde vivirá toda su vida. Tuvo la suerte de vivir en un ambiente familiar amoroso y protegida de dificultades materiales a pesar de la ausencia de su padre.

A los 11 años, Alice recibió de su tío Oswald Müller, capitán de la marina mercante danesa, un aparato fotográfico. Esta invención la fascinó inmediatamente, le dedicará 40 años de su vida y producirá más de 8.000 imágenes. Ayudada por otro de sus tíos, Peter Townsend Austen, profesor de química, aprendió desde joven la teoría necesaria para revelar las fotografías, instalando su laboratorio fotográfico en el ático de la casa familiar donde debía subir el agua necesaria para el revelado con un balde. A los 18 años, sus aptitudes eran comparables a las de un fotógrafo profesional. Sus clichés más antiguos datan de esta época, documentando su vida cotidiana, su familia, amigos, amores, casa, jardín y realizando algunos auto-retratos trabajados.

Austen no fue solamente fotógrafa, sino también una mujer independiente con varias facetas: paisajista, atleta, y tenista reconocida (será miembro del primer club de tenis en Estados Unidos en Livington), y fue la primera mujer de Staten Island en poseer un vehículo.

Rápidamente dejó de contentarse de las fotografías de proximidad, recorriendo las calles de Staten Island en bicicleta con sus 25 kilos de equipo fotográfico. Una de sus únicas fotografías publicadas será la de su amiga Violet Ward (escritora de Bicycling for Ladies) montando en bicicleta, muy lentamente para que la imagen no salga borrosa. Retrató la ciudad de Nueva York entre finales del siglo XIX y comienzo del siglo XX, convirtiéndose en una de las primeras fotógrafas americanas y sus fotos son desde entonces una referencia histórica.

También fue pionera en mostrar el mundo privado de mujeres que amaban a otras mujeres. En sus fotografías aparecen mujeres disfrazadas de hombre con un indudable contenido homoerótico, tras ingresar en el Club Darnet de Staten Island, un lugar exclusivo para mujeres a finales del siglo XIX en Nueva York, donde ellas se podían reunir para fumar, andar en bicicleta, vestirse como los hombres o amarse libremente.

En 1899 conoció a  Gertrude Amelia Tate, institutriz y bailarina, siendo su amante y compañera, viajando por Europa  y viviendo juntas casi 50 años. Su vida fue feliz hasta 1929, cuando el crack de la bolsa las arruinó, llegando tras diversos negocios, como una tetería, a tener que vender su casa y posesiones, luego la mendicidad y el ser recluida en un centro de caridad.

En 1951 Oliver Jensen trabajando para Picture Press en búsqueda de imágenes para un nuevo proyecto sobre la historia de las mujeres estadounidenses, descubrió el material de Alice, unas 3.500 placas, de las 8.000 que fotografió, publicó varias fotos de Alice en el libro Revolt of Women, escribió una historia de ocho páginas en la revista Life y publicó seis páginas de sus fotos de viajes en la revista Holiday, recaudando más de 4.000 dólares para que pudiera vivir en una residencia privada, y organizó una exposición en el museo Richmondtown de sus obras en la que Austen fue la invitada de honor. Pocos meses después murió y a pesar de su deseo no fue enterrada junto a su amada Gertrude, ya que la familia de ésta lo impidió. 

Actualmente, el museo Alice Austen House (su casa familiar recuperada) en Staten Island en Ciudad de Nueva York tiene una gran colección de sus fotografías y alrededor de 300 se exhiben al público.

Referencias

Libros

miércoles, 16 de agosto de 2017

Juan José Serrano

Juan José Serrano fue un fotógrafo español (nacido en Arenas de San Pedro, Ávila, en 1888 y fallecido en Sevilla en 1969) reconocido por sus trabajos de retratista en su estudio de Sevilla, fotorreportero de guerra en la Guerra Civil Española y por su labor en el periódico ABC.

JuanJoseSerrano

© Juan José Serrano

Biografía

Juan José Serrano Gómez nació en una familia modesta. A los doce años se trasladó con su familia a Madrid y en 1909 ya trabajó para algunas publicaciones taurinas. Con 16 años comenzó a trabajar en la confitería madrileña Niza, cuyo propietario, aficionado a la fotografía, lo inició en su práctica.

Conoció muy pronto a los grandes reporteros del momento Alfonso Sánchez Portela y Pepe Campúa, ofreciéndole el primero una colocación en su estudio donde realizó algunos trabajos para los periódicos El Heraldo y El Liberal de Madrid. Poco después Campúa le ayudó a ingresar en la plantilla de la revista Nuevo Mundo, completando su formación como operador de documentales de cine para la casa Pathé, sobre el mundo de los toros.

Siguiendo los consejos del torero Joselito, decidió trasladarse a Sevilla y seguir en esta ciudad su carrera como reportero, realizando sus primeras fotos en la feria de 1916 y estableciendo su estudio en la calle O’Donnell, en el que, entre los años 20 y 50, retrató a un gran número de personajes célebres. Su hijos continuaron su labor hasta 1988, y su nieto Juan Manuel Serrano Becerra continua la saga y es redactor gráfico en ABC.

Durante la Guerra Civil española, acompañó a la columna del general Varela en su avance hasta Madrid, lo que le valió la concesión de la Cruz de Campaña. Destacan igualmente sus fotografías del entierro del torero Joselito y de los sucesos de Casas Viejas en 1933, el paso del Zeppelin, así como las de la Semana Santa sevillana, por las que fue premiado en 1956. También fue fotógrafo taurino, publicando en La Lidia y Sol y Sombra. Trabajó con diferentes formatos clásicos y, ya al final, con cámaras de paso universal.

Tras la guerra, ingresó en la plantilla del diario ABC de Sevilla y colaboró con Semana Gráfica, Nuevo Mundo, Mundo Gráfico, El Sol y La Tribuna, entre otros. Obtuvo el 1º premio en el Concurso Internacional de 1927 (Córdoba) con una fotografía de la reina María Victoria, Medalla de Oro a la Mejor Cobertura Fotográfica de la Exposición Iberoamericana de 1929 y Medalla de Oro al Mérito de la Información (1963).

En 2003, la Diputación de Cádiz organizó una exposición de las fotografías de Serrano y Cecilio Sánchez del Pando sobre Casas Viejas, y en 2008 se celebró en Córdoba Papeles y metralla. Testimonios documentales de la Guerra Civil española (1936-1939), que incluyó obra del autor. Su archivo, alrededor de 113.000 originales, se encuentra en la Hemeroteca Municipal de Sevilla desde 1988.

Referencias

Libros

martes, 15 de agosto de 2017

Elsa Medina

Elsa Medina es una fotógrafa mexicana (nacida el 4 de noviembre de 1952 en Ciudad de México) cuya obra tiene en la crítica social y la denuncia dos elementos que definen sus imágenes, que ha capturado lo mismo en la Ciudad de México, en Tijuana y Baja California, o en el extranjero, en países como Guatemala, Nicaragua y Haití.


© Elsa Medina

© Elsa Medina

Biografía

Elsa Medina ha vivido periodos de su vida entre México y Estados Unidos. Después de la primaria estuvo 1 años en casa de sus tíos en Los Angeles, después volvió al Distrito Federal, donde estudió diseño y fotografía. Luego se trasladó a Tijuana e ingresó en la San Diego State University, estudiando Diseño Industrial y 3D, cruzando la frontera diariamente 3 años con su hijo. Fue ahí donde comenzó a trabajar con figuras en tres dimensiones y donde adquirió una gran técnica fotográfica. Al no poder llevar a su hijo dejó sus estudios.

Años después, de nuevo en Ciudad de México, Medina dio sus primeros pasos en la fotografía, aunque todavía no a tiempo completo. Esa decisión la tomó después de asistir a una exposición colectiva en el Museo de Arte Contemporáneo donde vio por primera vez el trabajo del reconocido fotógrafo Nacho López. Poco después hizo un taller de fotografía en el Centro Universitario de Estudios Cinematográficos, de la UNAM, impartido por el propio Nacho López. A partir de entonces, quedó unida al fotoperiodismo, aprendiendo que había que tomar una postura crítica dentro de la fotografía y al mismo tiempo ser propositivo.

Elsa es una de las mejores fotógrafas mexicanas en el tema del fotoperiodismo, formando parte del equipo del diario El Sur de Guerrero y posteriormente del de fotógrafos liderados por Pedro Valtierra en el departamento de fotografía del periódico La Jornada, donde quedó de manifiesto su profundo interés por el tema de los migrantes, a quienes ha dedicado buena parte de su obra, la cual se ha exhibido en múltiples galerías y museos de México y Europa. Sus encuadres son como pinturas que muestran extraordinariamente las realidades cotidianas de la vida mexicana, llevadas hasta un extremo grado de sensibilidad.

Con casi 40 años de trayectoria, ha sido reconocida en la cuarta edición del Festival Internacional de la Imagen (FINI), organizado por la Universidad Autónoma del Estado de Hidalgo, con la Medalla al Mérito por su sólida trayectoria dentro del fotoperiodismo que siempre ha realizado con una perspectiva crítica y comprometida con las personas y las problemáticas que retrata.

Elsa es fundadora y colaboradora del periódico El Sur de Guerrero. Ha exhibido su trabajo en varias exposiciones individuales y más de 50 colectivas en México y Europa. Realizó reportajes especiales sobre política en Guatemala, Nicaragua y Haití. Ha obtenido diversos reconocimientos, entre los que destacan: ganadora del concurso Dos culturas, un solo origen, segundo lugar del certamen Mujeres vistas por mujeres organizado por la Comunidad Económica Europea, nominada al Premio Olorum Iberoamericano del Fondo Cubano de la Imagen Fotográfica. Ha sido distinguida como miembro del Sistema Nacional de Creadores en 2004 y 2010. Su obra se ha publicado en múltiples libros y revistas.

Referencias

lunes, 14 de agosto de 2017

David duChemin

David duChemin es un fotógrafo canadiense (vive en Victoria, Canadá) cuya vida nómada y aventurera alimenta su fuego para crear y compartir fotografías y proyectos en los 7 continentes.

© David duChemin

© David duChemin

Biografía

David duChemin tuvo un primer contacto con la fotografía a los 14 años con una pequeña Voigtländer Range Finder de 35mm con la que conectó inmediatamente, pero no aguantó más de 2 días como asistente de un fotógrafo profesional. Así que estudió filosofía, teología, hizo teatro y estuvo unos 12 años de comunicación con el público a través del teatro, al tiempo que hacía fotografía, y un día, en un viaje a Haití como comediante, llevó la cámara consigo y tuvo una revelación: eso era lo que quería hacer.

Es un fotógrafo que ha realizado proyectos humanitarios a nivel mundial, es autor de best-sellers, editor digital y líder internacional de talleres de fotografía. En sus encargos crea imágenes poderosas que transmiten la esperanza y la dignidad de los niños, los vulnerables y los oprimidos, para ONGs internacionales como World Vision, Save the Children y el Proyecto BOMA.

Sus viajes lo han llevado a través de inviernos en Rusia y Mongolia, veranos en el Amazonas, estancias entre los nómadas en el Himalaya indio y en la remota Kenia del Norte. Ha realizado trabajos de trabajo en Ecuador, El Salvador, República Dominicana, Haití, Etiopía, Malawi, RDC, Ruanda, Uganda, Bangladesh, entre otros, y ha trabajado personalmente en lugares como Islandia, la Antártida, Túnez, Cuba, Vietnam e Italia.

Por sus experiencias en la comedia, David es un dinámico y atrayente presentador y educador itinerante. Artista, creativo profesional, empresario y aventurero de toda la vida, forma e inspira a través de impresionantes imágenes visuales y hilarantes historias de viajes.

Es fundador y director ejecutivo de Craft & Vision, editor en jefe de la revista PHOTOGRAPH, columnista de PHOTOLIFE y colaborador y embajador de Maptia.com.

Referencias

Libros

Ediciones en castellano:

Ediciones en inglés (se venden en Craft & Vision)

  • The Soul of the Camera. The Photographer’s Place in Picture-Making, 2017
  • WITHIN THE FRAME (2nd Edition). The Journey of Photographic Vision, 2016
  • A BEAUTIFUL ANARCHY. When the Life Creative Becomes the Life Created, 2016
  • THE VISUAL TOOLBOX. 60 Lessons for Stronger Photographs, 2015
  • PHOTOGRAPHICALLY SPEAKING. A Deeper Look at Creating Stronger Images, 2011
  • THE PRINT & THE PROCESS. Taking Compelling Photographs from Vision to Expression, 2012
  • VISIONMONGERS. Making A Life and a Living in Photography, 2009
  • SEVEN (Limited Edition). Seven Continents + Seven Years: A Photographic Journey, 2013.

Ebooks (se venden en Craft & Vision)

  • THE PHOTOGRAPHIC STORY.  How To Use Storytelling To Make More Powerful Photographs, 2017
  • MASTER THE CRAFT. 8 Steps to Becoming a Better Photographer, 2016
  • MAKING THE IMAGE. The Creative Path to Stronger Photographs, 2015
  • SEE THE WORLD BUNDLE. Lessons + Case Study for Stronger Travel Photographs, 2015
  • HOW TO FEED A STARVING ARTIST. A Financial Field Guide for Creatives, Solopreneurs and Other Anarchists, 2014
  • THE VISUAL IMAGINATION. Ideas and Techniques for Creative Photographic Expression, 2014
  • SEVEN+. Seven Continents + Seven Years: A Photographic Journey Expanded Digital Edition, 2013
  • LR DEVELOP PRESETS. 36 Adobe Lightroom Presets
  • PORTRAITS OF EARTH. An Introduction to Landscape Photography
  • FORGET MUGSHOTS. 10 Steps to Better Portraits
  • A DEEPER FRAME. Creating Deeper Photographs & More Engaging Experiences
  • TEN. Ten Ways to Improve Your Craft Without Buying Gear
  • TEN MORE. Ten More Ways to Improve Your Craft Without Buying Gear
  • THE VISION-DRIVEN PHOTOGRAPHER. Notes on Discovering & Refining Your Vision
  • DRAWING THE EYE. Creating Stronger Images Through Visual Mass
  • CHASING THE LOOK. 10 Ways to Improve The Aesthetics of Your Photographs.

domingo, 13 de agosto de 2017

Arindam Mukherjee

Arindam Mukherjee es un fotoperiodista indio (nacido en 1974 en Calcuta, donde vive) que principalmente produce informes sobre cuestiones sociológicas de su país.

© Arindam Mukherjee

© Arindam Mukherjee

Biografía

Arindam Mukherjee comenzó su carrera en 1996 como fotógrafo publicitario, tras estudiar economía, y ha trabajado con agencias de publicidad de renombre, diseñadores de moda, diseñadores gráficos y ONGs como Greepeace.

Inicialmente interesado en la fotografía callejera, esto lo llevó rápidamente al fotoperiodismo. Comenzó su carrera en fotoperiodismo como freelance en The Times of India. Ha trabajado en la agencia fotográfica EyePress basada en Hong Kong, donde actualmente es director de asignaciones. También trabaja como fotógrafo para Sipa Press. También imparte cursos básicos y avanzados de fotoperiodismo para fotógrafos aspirantes.

Ha obtenido diversos premios importantes como Media fellowship from National Foundation for India (2003 – 2004) en la sección de fotoperiodismo, beca B.D. Bangoor (2006) en fotografía y el premio New American Media (2009) en fotoperiodismo.

Ha publicado sus fotografías en Al Jazeera, Grazia, Geographical, BBC,  The Sunday Times, The Sunday Telegraph, The New Statesman, Traveler, The New Internationalist, Le Figaro, Le Monde, Liberation, Stern, Focus, Der Spiegel, De Volkskrant, National (UAE), Intelligence Living, Gente, Forbes, Marie Claire, Chatelaine, Audrey, Emphasis Media, Earth Geographic, Rhythms Monthly, National Geographic , …

Ha expuesto en solitario:

  • Indian coal Miners en Nueva Delhi en 2004.
  • Children of Kolkata en Cork, Irlanda, en 2007.
  • Dark side of the boom en el Angkor Photo Festival en 2012.
  • The Indian Grandchildren of Europe en el Delhi Photo Festival de 2013.

Referencias

Libros

  • The Wave that shook the world.

sábado, 12 de agosto de 2017

Mustafa Seven

Mustafa Seven es un fotógrafo turco (nacido en Sivas en 1974, vive en Estambul) que compagina su trabajo de fotoperiodista con la fotografía en la calles, sobre todo en las de Estambul.

© Mustafa Seven

© Mustafa Seven

Biografía

Mustafa Seven empezó su carrera de fotoperiodismo en el grupo de revistas Sabah Newspaper Magazine y continuó con Hürriyet Magazine Group, Gazete Pazar y Milliyet antes de convertirse en el editor de fotografía del periódico Akşam. Posteriormente dirigió su atención a la fotografía callejera que él define como "testigo de la vida".

Mustafa Seven ha sido galardonado en muchos concursos nacionales e internacionales de fotografía, participando en numerosas exposiciones y festivales, realizando una exposición personal llamada Tek en 2013 y ArTriangle Şehir Hikâyeleri en 2017. Ha estado usando Intagram como un canal activo en los últimos años y es uno de los fotógrafos turcos con más alto número de seguidores.

Seven también se dedica a actividades educativas, realizando talleres de fotografía callejera y trabajando en proyectos junto a universidades y otras instituciones educativas.

Tiene dos libros publicados: Istanbul Photographs in Instagram, que es una colección de sus fotografías de Estambul compartida en Instagram, y Street Photography que ha escrito como una guía para aquellos que comienzan a trabajar en este campo específico de la fotografía.

Seven continúa trabajando como fotoperiodista freelance y haciendo fotografías que comunican la calle y documentan la época en que vive, junto con proyectos privados nacionales e internacionales (Samsung, Volvo, Sony, Turkish Airlines, …).

Referencias

Libros

  • Istanbul Photographs in Instagram. 2014.
  • Street Photography. 2014.

viernes, 11 de agosto de 2017

Mariana Yampolsky

Mariana Yampolsky fue una fotógrafa naturalizada mexicana (nacida en Chicago, Illinois, EEUU, el 6 de septiembre de 1925, fallecida en Ciudad de México el 3 de mayo de 2002) en cuya obra se reconoce la diversidad cultural de México a partir de sus fotografías fundamentalmente del mundo rural.

© Mariana Yampolsky

© Mariana Yampolsky

Biografía

Mariana Yampolsky Urbach, hija de padre ruso pintor y escultor y madre alemana, ambos judíos. Durante su niñez y adolescencia, estuvo rodeada de pensamiento intelectual, idealismo socialista y un interés por lo que ahora se denomina humanismo global.  Estudió una licenciatura en Ciencias Sociales en la Universidad de Chicago de 1941 a 1944.

Llegó a México en 1945 e ingresó en La Esmeralda para estudiar pintura y escultura. Ese mismo año empezó su carrera como grabadora hasta mediados de los 60. En 1958 se nacionalizó mexicana. Fue la primera mujer en formar parte del Comité Ejecutivo del Taller de Gráfica Popular (TGP), donde conoció y trabajó con Leopoldo Méndez, Pablo O'Higgins, Alberto Beltrán, entre otros.

Su relación con la fotografía comenzó en 1948, en un ejercicio de registro personal de los diversos viajes emprendidos a lo largo del país. Realizó un curso en la Academia de San Carlos con la fotógrafa Lola Álvarez Bravo, también había hecho fotografías de los miembros del Taller de Gráfica Popular, algunas de las cuales fueron publicadas. En 1960 realizó su primera exposición en la Galería José María Velasco en Ciudad de México. Se ha difundido su obra fotográfica en alrededor de 15 libros, así como a través de más de 50 exposiciones individuales y aproximadamente 150 colectivas.

Uno de sus temas principales fue la arquitectura, incluida la popular. La artista y su marido, Arjeh van der Sluis, construyeron su propia casa en Tlalpan, a las afueras de la ciudad de México, hoy convertida en museo y sede de la Fundación Cultural Mariana Yampolsky, en la que se conservan sus 60.000 negativos.

De 1962 a 1965 colaboró en el Fondo Editorial de la Plástica Mexicana junto con Leopoldo Méndez, participando en la edición de libros sobre la obra de José Guadalupe Posada, el muralismo mexicano y el arte popular. Precisamente sobre arte popular trata su primer libro llamado Lo efímero y lo eterno del arte popular mexicano, publicado junto a Manuel Álvarez Bravo.

Como editora, Yampolsky publicó libros de artistas mexicanos como Diego Rivera y Francisco Toledo y la revista infantil Colibrí, y como comisaria organizó una exposición en el Museo de Arte Moderno de México sobre el 150 aniversario de la fotografía, titulada Memoria del Tiempo, que viajó luego a Europa.

Fue galardonada y reconocida por sus aportaciones al arte y a la cultura mexicanas por el Sistema Nacional de Creadores de Conaculta y con el premio Miguel Othón de Mendizábal por el Instituto Nacional de Antropología e Historia (2000).

Referencias

Libros

  • 1982, La casa que canta, Arquitectura popular mexicana
  • 1985, La raíz y el camino
  • 1987, Estancias del olvido
  • 1987, Tlacotalpan
  • 1992, Haciendas poblanas
  • 1993, Mazahua
  • 1993, Nachdenken über Mexiko: Fotografien von Mariana Yampolsky
  • 1993, The Traditional Architecture of Mexico
  • 1995, Mariana Yampolsky
  • 1997, Mariana Yampolsky. El jardín de Edward James
  • 1998, The Edge of Time
  • 1999, Mariana Yampolsky, imagen-memoria / image-memory
  • 2003, Formas de vida / Life forms.

jueves, 10 de agosto de 2017

Martín Molinero

Martín Molinero es un fotógrafo argentino (nacido en Buenos Aires, vive en Madrid, España) que realiza fotografía de calle. A través de sus ojos, la soledad, la fragilidad, la sorpresa, las preocupaciones y cualquier sentimiento que alguien tiene en un momento, ya no desaparecen en el olvido, capturados por su cámara.

© Martín Molinero

© Martín Molinero

Biografía

Martín Molinero nació y creció en Buenos Aires. Su predilección por la fotografía de calle no fue una elección. Cuando tenía 17 años su tío le introdujo en la fotografía y le enseñó los principios técnicos y que era un medio para la auto-expresión y el auto-conocimiento. Como hacía largas caminatas (20 o 30 kilómetros) en Buenos Aires, la combinación de fotografía y caminar era muy natural que le llevara a la fotografía de calle. Con su vieja y oxidada Canon AE-1 y una lente de 50mm, tomaba instantáneas y disfrutaba de revelar sus propias fotos en ByN.

Luego vino la crisis económica argentina (1999-2002) y en 2003 se trasladó a Barcelona, abandonando su equipo fotográfico (y muchas cosas más) en Buenos Aires, comenzando una nueva vida en España, y deseando volver a la fotografía, pero siempre estaba demasiado ocupado luchando por sobrevivir para tener tiempo de sobra para sus paseos fotográficos económicamente improductivos. En 2010 su esposa le dio una Nikon D90 como regalo de cumpleaños y desde entonces está de nuevo en el juego.

Sus fotos son de naturaleza contemplativa y temporal. Aunque los momentos callejeros son pasajeros, se tiene la sensación de que muchos han sido cuidadosamente capturados buscando algo más profundo. Martín habla de la lectura entre las líneas de la vida: Una especie de subtexto detrás de la acción que se desarrolla. El resultado es a menudo pequeños, pero frágiles y vulnerables momentos de la vida de las personas que de alguna manera te tocan.

Tras residir en Barcelona unos catorce años ha comenzado una nueva etapa de su vida en Madrid. Ha sido miembro del colectivo Calle 35 aunque ahora mismo forma parte del colectivo internacional de street photographers denominado VIVO.

Referencias

miércoles, 9 de agosto de 2017

Maria Svarbova

Maria Svarbova es una fotógrafa eslovaca (nacida en 1988 en Slepcany, vive en Bratislava) cuyas fotografías se asemejan a un sueño que mezcla la realidad con elementos del surrealismo y del Art Nouveau. Sus últimas fotografías se centran en el minimalismo y la pureza.

© Maria Svarbova

© Maria Svarbova

Biografía

Mária Švarbová terminó sus estudios universitarios de restauración y arqueología, dedicándose a la fotografía desde 2010. Desde el principio ha desarrollado un estilo propio y diferenciado, partiendo de los retratos tradicionales para centrarse en la experimentación con el espacio, el color y la atmósfera. Su interés por la arquitectura y los espacios públicos, generalmente los construidos en la era socialista, le ha llevado a crear escenarios únicos. El cuerpo humano en sus fotografías es más o menos un apoyo, sin individualidad ni emociones. Gracias a una cuidadosa composición, las figuras crean escenas que parecen sueños a través de objetos ordinarios, con una tensión silenciosa, el drama se oculta bajo una superficie limpia y lisa.

Incluso en sus obras más ornamentales y nostálgicas hay una sensación de frío desapego. Acciones cotidianas como el deporte o la visita médica se congelan en un momento, dando un nuevo significado a la escena. Los suaves pasteles, la geometría y la pureza visual dan una sensación de orden ultramundano, placer visual inalterable que es inalcanzable en la vida real. A través de sus fotografías, Maria detiene el tiempo y comparte su visión: no tiene miedo de abordar la soledad y el aislamiento, sin embargo, decide celebrar su belleza tranquila y tranquila.

Desde 2010, se ha centrado en el desarrollo de su propio lenguaje fotográfico, obteniendo rápidamente el reconocimiento internacional. Entre sus premios, exposiciones individuales y grupales, su trabajo ha aparecido en VogueForbes, The Guardian, EL Pais, Leica, La Republica, Internazionale, Vogue Korea, Vogue Italia, Cosmopolitan, Harper's bazaar, Behance, Instagram, Instragram Russia, iGnant, Fubiz,  Him Production y otras publicaciones. Lo más destacado de su trabajo comercial incluye el encargo para el cartel promocional del gigantesco rascacielos Taipei 101 en Taiwan.

Sus fotos han sido utilizadas como portadas para varios libros de gran éxito de autores de talla mundial y una de sus obras fue seleccionada para la portada de la prestigiosa revista de fotografía DODHO. También ganó la medalla de oro en el Trierenberg Super Circuit que tuvo lugar en Austria. Ganó el International Photography Award de 2016.

Referencias

martes, 8 de agosto de 2017

Pepe Campúa

Pepe Campúa fue un empresario cinematográfico y teatral y fotógrafo español (nacido en Madrid el 18 de septiembre de 1900, fallecido el 28 de febrero de 1975, también en Madrid) cuya fotografía es realista, intentando estar lo más cerca de la acción, sin intentar que sea artística ni estética, sino buscando el periodismo puro. Es considerado uno de los mejores reporteros gráficos de su época.

Alfonso XIII en las Hurdes © Pepe Campúa

Alfonso XIII en las Hurdes © Pepe Campúa

Biografía

José Demaría Vázquez, conocido como Pepe Campúa, era hijo del también fotógrafo José L. Demaría López «Campúa», del que heredó su nombre artístico. Acabados sus estudios, tras un primer intento de dedicarse a la pintura, frecuentando el estudio de Joaquín Sorolla a quien le pidió que le enseñara el oficio, decidió que su vocación era la fotografía y el periodismo, se independizó de sus padres y creó la Agencia Express.

Empezó a colaborar en diversos medios como El Fígaro, Nuevo Mundo, Mundo Gráfico y La Esfera, entre otros. En los años 1920, al igual que su padre, realizó importantes trabajos fotográficos (obtuvo la primera fotografía de la bandera de España ondeando en el monte Gurugú, tras su toma por los soldados españoles en 1921) durante las acciones bélicas desarrolladas en el norte de África. En esos años viajó a diversos países recogiendo imágenes de la actualidad política y social del momento tanto en fotografías como en cine.

Alcanzó gran prestigio cuando en 1922 fue el único reportero gráfico que acompañó a Alfonso XIII en su viaje a Las Hurdes. También son importantes su retrato del general Sanjurjo preso en la cárcel del Dueso o el de Primo de Rivera en el acto fundacional de La Falange. En 1934 viajó a Asturias para obtener imágenes de la revolución de octubre, y realizó el documental Los luctuosos sucesos de Asturias.  En esos años estuvo considerado entre los mejores reporteros gráficos españoles junto a Alfonso Sánchez Portela, José María Díaz Casariego y Luis Ramón Marín que estuvieron trabajando en equipo en la publicación Mundo Gráfico hasta 1936.

Además de trabajar como reportero, desarrolló su actividad como empresario cinematográfico, primero en la gestión del cine Royalty y luego poniendo en marcha el cine Actualidades, donde proyectaba sus propios reportajes y noticias. En 1935 inauguró el cine Madrid-París​ en la antigua sede de los almacenes del mismo nombre en la Gran Vía madrileña. En junio de 1936 constituyó la Unión de Informadores Gráficos y ocupó el cargo de presidente.

Durante la guerra civil él y su padre fueron apresados (y su padre asesinado) y su estudio y buena parte de su obra destruidos. En 1937 se escapó de la cárcel y se pasó al lado franquista, realizando gran cantidad de fotografías (más de 10.000) tanto en el frente como en la retaguardia. Sin embargo la mayoría de sus fotografías de guerra no se han podido contemplar expuestas hasta el siglo XXI, como en la exposición Lérida 1938. Fotografías de José Demaría Campúa de 2008.

Acabada la contienda retomó con intensidad su actividad de empresario teatral y de cine, terreno en el que ayudó a iniciar la carrera de reconocidos artistas del espectáculo, pero sin abandonar su estudio, especializado en el retrato, por el que pasaron multitud de personajes de la sociedad, las artes y la política. Entre 1941 y 1947 trabajó en dicho estudio el fotógrafo húngaro Gyenes hasta que montó su propio estudio.

También colaboró en la revista Fotos. Creó la Agencia Gráfica Campúa, que colaboró con La Vanguardia, el ABC, ¡Hola! y otras publicaciones tanto nacionales como extranjeras. Era considerado el fotógrafo habitual de Franco y de la Casa Real española, realizando fotografías de los Borbones en el exilio en Roma y Estoril y el reportaje del nacimiento y el bautizo del infante Juan Carlos.

En 1952 fue elegido presidente de la Asociación de Informadores Gráficos de España y en 1967, vicepresidente de la Asociación Internacional de Fotógrafos de Prensa. Fue catedrático de la Escuela Oficial de Periodismo y creador de la Institución de Defensa de la Propiedad Fotográfica. Recibió el título de Periodista de Honor y la Medalla de Plata al Mérito en el Trabajo.

En 2010, su figura ha sido recuperada, junto con la de otros tres fotógrafos citados anteriormente, en el documental Héroes sin armas,​ que relata el trabajo que realizaron estos tres fotógrafos durante la Guerra Civil española y, especialmente, en el Frente de Madrid.

Referencias

Libros