jueves, 31 de agosto de 2017

Nacho López

Nacho López fue un fotoperiodista mexicano (nacido en Tampico, Tamaulipas, en 1923, fallecido en Ciudad de México en 1986) considerado la figura más importante en periodismo fotográfico de dicho país en el siglo XX. Fotografió a la gente común de Ciudad de México y fue el primero en su país en trabajar con series fotográficas, a las que llamó “foto ensayos” para publicarse en revistas semanales en el país.

 © Nacho López

© Nacho López

La virtud de la fotografía –porque ésta no cambiará al mundo– consiste en servir de enlace, de comunión entre los seres humanos.

Poner el ojo en el visor fotográfico, encuadrar al sujeto y oprimir el botón es fácil si se piensa que lo folclórico es el motivo principal. Ellos están tras las rejas, nosotros fuera. Si invertimos la imagen, los cautivos somos nosotros. Atrapados en otra realidad, concebimos un mundo imaginario acorde a los prejuicios de una clase social que no penetra en ese mundo «mágico» (idea cursi-poética), sólo descarnada por la injusticia, el hambre, la represión y el aislamiento prevaleciente.

Biografía

Ignacio López Bocanegra, más conocido como Nacho López, tuvo una relación temprana con la fotografía: su padre era representante de Palmolive y para promoción de sus productos preparaba llamativos aparadores que inmortalizaba en imágenes fotográfica. Eso y que un tío le regaló una cámara Brownie, en la que gastaba su tiempo y dinero, le llevó más tarde a estudiar en el Instituto de Artes y Ciencias Cinematográficas de 1945 a 1947. Aprendió fotografía principalmente de Manuel Álvarez Bravo, que le enseñó a rechazar el uso de la fotografía para crear una identidad mexicana más unificada, típico de los fotógrafos mexicanos de la época.

Fue el primero en México en trabajar con series fotográficas, a las que llamó “foto ensayos” hechos para publicarse en revistas de imágenes semanales en el país. Cerca de la mitad de sus fotografías eran eventos organizados por él mismo diseñados para capturar las reacciones de los presentes en el evento. Sus otros intereses incluían arquitectura, etnografía, jazz de 1960 y danza contemporánea, casándose con dos bailarinas contemporáneas durante su vida.

A principios de su carrera, enseñó técnicas fotográficas en la Universidad Central de Venezuela por un tiempo corto, donde también tuvo su primera exhibición importante de su trabajo en 1948.​ Su primer trabajo fotográfico incluyó temas como la calle 15 de Septiembre, bailarines, máscaras y carnavales, así como huelgas de maestros, Huicholes y Coras.

Su trabajo principal como fotógrafo fue entre los años 1949 y 1955, cuando hizo foto periodismo para revistas mexicanas como Pulso, Así, Mañana, Hoy, Rotofoto, Presente y Siempre!.​ En ese tiempo, las revistas con imágenes fueron el principal recurso de información cultural y el trabajo que le dio la flexibilidad más creativa.​ López quiso ser un director y productor de cine y usó sus años como fotoperiodista para ilustrar alguna de sus ideas para guiones. Se concentró más en la vida cotidiana con aproximadamente la mitad de sus fotos sobre ese tema. Con una inclinación por la crítica social sus trabajos se centraron más en los aspectos negativos del desarrollo económico en México de esa época y las afirmaciones oficiales de una identidad mexicana unificada.

En 1957, encontrando el fotoperiodismo muy restringido comenzó una etapa de 10 años realizando un número de documentales y comerciales ganadores de premios y una película llamada Los hombres cultures en 1972. También fue el camarógrafo del corto Todos somos mexicanos, patrocinada por el Instituto Nacional Indigenista.

En los años 70, dejó de hacer películas, regresando a la fotografía pero no al fotoperiodismo, ​exponiendo su trabajo fotográfico, y con un contrato del Instituto Nacional Indigenista. Muchas de sus fotografías continúan siendo usadas por la Secretaría de Relaciones Exteriores. Posteriormente se convirtió en crítico fotográfico y en los 80, enseñó fotografía en el Centro Universitario de Estudios Cinematográficos de la Universidad Nacional Autónoma de México y la Universidad Veracruzana, enseñando a muchos de los nuevos fotoperiodistas de México.

Aunque estuvo como fotoperiodista activo menos de una década en los cincuenta, fue una influencia para las generaciones de foto periodistas que lo sucedieron, con una colección de aproximadamente 33.000 imágenes ahora en el Fondo Nacho López de la Fototeca Nacional de México.

Murió repentinamente en 1986 en la ciudad de México. Su hija Citlali López ha trabajado desde entonces para promover la preservación e investigación del trabajo de su padre, llevándolo al reconocimiento internacional en los 90 y a una gran exhibición de su trabajo en Ciudad de México en 2008, más de veinte años después de su muerte.

Referencias

Libros

miércoles, 30 de agosto de 2017

Laura Gilpin

Laura Gilpin fue una fotógrafa estadounidense (nacida el 22 de abril de 1891 en Austin Bluffs, Colorado, y fallecida el 30 de noviembre de 1979 en Santa Fe, Nuevo Mexico) conocida por sus fotografías de los indios (particularmente navajos y pueblos) y de los paisajes del sudoeste americano.

© Laura Gilpin

© Laura Gilpin

Biografía

Laura Gilpin dispuso de su primera cámara con 12años, una Brownie Kodak, pero en 1908 su amigo Alfred Curtis trajo unas placas autocromas y le maravillaron por lo que hizo varias y decidió estudiar fotografía.​

En 1915, viajó a la Exposición Panamá-California en San Diego y a la Exposición Internacional Panamá-Pacífico en San Francisco como compañera de una amiga de su madre. En estas exposiciones, Gilpin desarrolló un interés por la escultura, la arquitectura (lo que le interesaba de la arquitectura y la escultura era la forma en que la luz interaccionaba con las formas tridimensionales) y las culturas nativas. También hizo una gran cantidad de fotografías, publicando alguna y  ganando una competición mensual patrocinada por la revista American Photography en mayo de 1916.

Entre 1916 y 1918 estudió fotografía en la escuela de Clarence H. White en Nueva York por recomendación de su mentora Gertrude Käsebier, donde amplió enormemente su conocimiento y habilidad fotográficos, aprendiendo  procesos fotográficos y métodos de impresión alternativos, incluyendo la impresión de platino, un proceso con el que trabajaría a lo largo de su carrera.

Después de su primer año escolar y tras sus vacaciones de verano en Colorado regresó a Nueva York en el otoño de 1917, pero contrajo la gripe y no pudo hacer fotos durante seis meses. Su familia le puso bajo el cuidado de Elizabeth Forster, una enfermera que se convirtió en su amiga y compañera de toda la vida. Cuando estuvo bien otra vez empezó a trabajar y a hacer fotos de nuevo, pero nunca volvió a la escuela y su período de estudio formal del arte llegó a su fin.

Gilpin comenzó su carrera profesional en 1918 gracias al apoyo de sus padres, haciendo retratos de conocidos y paisajes locales de Colorado Springs, en la técnica del platino. En 1922, viajó a Europa lo que más tarde influiría en su trabajo, experimentando con una fotografía de enfoque nítido, y en la creación de libros fotográficos después de encontrarse con la obra de William Blake. Sus experiencias en Europa también ampliaron su conocimiento del arte y de la historia del arte, y ayudaron a consolidar su identidad como individuo del oeste americano.

Entre 1932 y 1936 fue la fotógrafa titular del City Theatre de Colorado y trabajó para la Boeing durante la Segunda Guerra Mundial. Pero la mayor parte de su éxito provino de la popularidad de sus fotografías del paisaje del oeste americano, un interés originado por su educación en Colorado Springs, ampliado cuando visitó con su padre el Museo de Nuevo México, y potenciado por su viaje a Europa. Sus trabajos más significados han sido el reportaje etnográfico sobre los indios navajos que inició en 1930 y que aparece representado en el libro The Enduring Navaho. También realizó un libro sobre los indios Pueblo en 1941 con el título The Pueblos: a Camera Chronicle.

Gilpin está considerada como uno de los grandes fotógrafos de platino, y muchas de sus obras están en colecciones de museos de todo el mundo, y su trabajo de treinta años ha sido visto en más de un centenar de exposiciones. Fue muy activa como fotógrafa y como participante en la escena de las artes de Santa Fe hasta su muerte en 1979. Sus archivos fotográficos y literarios se encuentran ahora en el Museo Amon Carter de Arte Americano en Fort Worth, Texas.

Referencias

Libros

martes, 29 de agosto de 2017

José Suárez

José Suárez fue un fotógrafo gallego (nacido en Allariz, Orense, en 1902, fallecido en A Guarda, Pontevedra, en 1974) cuyo tema central es el hombre y su entorno. Su estilo fotográfico está influenciado por las vanguardias artísticas y combina la estética del modernismo ruso con la Nueva Objetividad y la mirada humanista de los fotógrafos documentales americanos de los años 30.

JoseSuarez

© José Suárez

Biografía

José Suárez realizó sus primeras fotografías en Allariz en 1916 con una cámara estenopéica construida por él mismo. Colaboró en la revista Vida Gallega desde los 19 años, compatibilizándolo con sus estudios de derecho en Salamanca y la realización de cortometrajes. En 1932 publicó un libro titulado 50 fotos de Salamanca con prólogo de su amigo Miguel de Unamuno

En esa época realizó diversos reportajes sobre diferentes actividades profesionales: alfareros, tejedores, segadores, marineros y romeros. A principios de los años 30 trabajó en Madrid para la productora Cifesa. En 1935 comenzó a realizar en Morrazo un documental cinematográfico llamado Mariñeiros pero no pudo terminarlo a causa de la guerra civil. Han quedado sus fotografías, pero no quedan copias del documental que terminó en Argentina.

Su espíritu liberal y su compromiso político e intelectual provocaron su exilio forzoso tras la rebelión militar franquista, emprendiendo, como la mayoría de la intelectualidad, una travesía marítima en 1936 desde Lisboa a Argentina en la que coincidió con el pintor Manuel Colmeiro. Se estableció en Buenos Aires, donde tras unos años sin trabajo ejerció el reportaje gráfico para el diario La Prensa.​ También realizó numerosas películas. En 1950 se trasladó a vivir a Punta del Este en Uruguay y tres años después aceptó ser corresponsal en Japón para los diarios La Prensa y El Día.

Su estancia en Japón ejerció gran influencia en su vida y tras su regreso a España en 1956 estuvo dando a conocer el teatro Noh mediante conferencias y traducciones y realizó una exposición sobre sus fotografías japonesas titulada Vislumbre de Japón en Buenos Aires. Colaboró con las revistas Life y US Camera.

En 1959 regresó a España aunque encontró ciertas dificultades para dar a conocer su trabajo. Su obra se puede relacionar con la fotografía humanista en tanto el hombre y su entorno es su tema central, ofreciendo del mismo una visión personal. Sin embargo algunos autores lo incluyen entre los fotógrafos encuadrados en la Nueva Objetividad.

Sus primeros trabajos habían sido fotografías etnográficas sobre oficios y fiestas en pueblos gallegos. En 1960 realizó un reportaje junto a Rafael Alberti en La Mancha. Publicó su trabajo en semanarios (Mundo Gráfico, Estampa), diarios (Ahora, Claridad) y revistas (Atalaya, Ciudad, Mundial).

En 1965 publicó un libro sobre La Mancha basado en una serie fotográfica en blanco y negro que ha sido muy valorada. En 1966 publicó un libro en el Reino Unido dedicado a los toros y titulado The Life and Death of the Fighting Bull. La sofocante situación cultural que lo rodeaba, la falta de reconocimiento y las dificultades económicas le llevaron a una fuerte depresión que desembocaría en su muerte.

El año de su fallecimiento se realizó en Vigo la retrospectiva José Suárez, 1902-1974, y en 2006 el Instituto Cervantes de Lisboa organizó la muestra La Mancha (1965). Fotografías de José Suárez. En 2016 el mismo instituto ha promocionado la exposición antológica José Suárez. Unos ojos vivos que piensan, en Cidade da Cultura de Galicia, y en sus centros de Madrid, Argentina, Francia, Uruguay y Tokio.

 Xosé Luis Suárez Canal, sobrino del fotógrafo y albacea de su obra, planea la fundación del Museo José Suárez en Allariz. Los fondos del Museo de Pontevedra y del Instituto Valenciano de Arte Moderno también conservan obra del autor. En 1982 se publicó un libro póstumo titulado Galicia: terra, mar e xentes que recogía 161 fotografías sobre su tierra natal.

Referencias

Libros

  • 1932. 50 fotos de Salamanca.
  • 1935. José Suárez.
  • 1957. Vislumbre del Japón.
  • 1965. La Mancha.
  • 1966. The Life and Death of the Fighting Bull.
  • 1993. José Suárez.
  • 2003. Diccionario de historia de la fotografía.
  • 2005. Historia de la fotografía en España. Fotografía y sociedad desde sus orígenes hasta el siglo XXI, de Publio López Mondéjar
  • 2005. La Mancha. José Suárez.
  • 2006. Fotografías de José Suárez.
  • 2009. Historia general de la fotografía.
  • 2013. Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI.  

lunes, 28 de agosto de 2017

Josep Pons i Girbau

Josep Pons i Girbau fue un fotógrafo catalán (nacido en1889 en Blanes, Gerona, fallecido el 19 de agosto de 1966 en Reus, Tarragona) que fue el retratista por excelencia de su ciudad natal, ya que ejerció como fotógrafo durante la primera mitad del siglo XX y llegó a hacer miles de retratos destinados principalmente a álbumes familiares. Paralelamente a este tipo de obras, también destacó en la fotografía artística, en los trabajos fotográficos meteorológicos y en el cine.

© Fons Josep Pons i Girbau. Arxiu Mpal de Blanes

© Fons Josep Pons i Girbau. Arxiu Mpal de Blanes

Biografía

Josep Pons i Girbau, también conocido como Pepito Pons, entró de aprendiz en la prestigiosa Casa de Fotografía Areñas de la Calle de Barcelona. Para el aprendizaje teórico y práctico su padre pagó 150 pesetas, y a los 18 años consiguió el certificado de fotógrafo. Fue entonces cuando su padre le regaló una cámara fotográfica profesional y con su ayuda montaron un estudio fotográfico moderno en una casa familiar de Blanes. En 1909 abrió de manera oficial su estudio fotográfico y ya en 1910 una fotografía suya se publicó en La Ilustración Catalana, la revista ilustrada más importante del momento en Cataluña. En 1913 fue premiado en el Concurso Fotográfico de Terrassa.

Durante los siguientes años, la profesionalidad de Pons y Girbau se fue extendiendo en el mundo fotográfico, añadiéndose también en los círculos del cine. Así, en 1918 dirigió junto con Francesc Carreras el mediometraje Unión que Dios bendice, y en 1919 la fotografía del film Vida cruel, vida de color, del director Alfonso Roure. En 1920, también se encargó de la dirección fotográfica de la película Los murciélagos, rodada en Blanes con muchos extras de la villa. Aunque tuvo gran éxito, después de este rodaje el artista abandonó el mundo del cine y se volcó en el fotográfico.

Fue el fotógrafo oficial del Servicio Meteorológico de Cataluña (SMC) entre los años 1921 y 1939, a raíz de queel SMC creara un centro de estudio de las nubes, por encargo de la Fundació Concepció Rabell i Cibils. En el año 1926 había hecho ya miles de fotografías del cielo, y para 1932, el Año Polar Internacional, cerca de 5.000. Muchas de estas imágenes sirvieron para ilustrar el Atlas Internacional dels núvols i dels estats del cel, que publicó la Asociación Internacional de Meteorología en 1935.

Desde el SMC Pons fotografió de forma sistemática el cielo de Barcelona y Cataluña, consiguiendo una de las colecciones fotográficas de nubes más valiosas del mundo. Logró que las nubes quedasen bien contrastadas en los clichés del momento, que normalmente se quemaban en este tipo de exposición. Además, ideó un sistema para la medición de diferentes parámetros físicos a partir de la altitud, velocidad y dirección de las masas nubosas que fotografiaba.

Otra parte importante de su trabajo fotográfico se enmarca dentro de una estética fotográfica de vocación más abiertamente costumbrista, folclórica y etnográfica.  Sus retratos de tipos, costumbres y escenas populares, con fines de estudio de pescadores, marineros o vagabundos, donde enfatiza los detalles de su fisonomía, son especialmente destacables. Con su técnica, Pons y Girbau intentó superar los retratos estáticos herencia del siglo XIX, buscando el perfil más psicológico de las personas a las que retrataba, así como en la ambientación de los personajes.

En 1959 se jubiló de su trabajo en el Departamento Cartográfico de la Diputación de Barcelona, y a principios de los años 60 comenzó a padecer una enfermedad mental degenerativa. La Agrupación Fotográfica y Cinematográfica de Blanes (AFIC) le rindió homenaje en 1960, y en 1965 lo nombró Presidente Honorario. Murió en  agosto de 1966.

Apenas un año más tarde, el Ayuntamiento de Blanes inició la tradición de homenajearle utilizando sus imágenes en programas, carteles y felicitaciones municipales, y en 1973 organizó la exposición Josep Pons y Girbau, precursor y artífice de la fotografía. Dos años más tarde, el hijo único del artista hizo donación al Ayuntamiento de Blanes de parte del fondo documental de su padre, conservándose en el Archivo Municipal de Blanes.

Referencias

Libros

  • Atlas internacional dels núvols i dels estats del cel, 1935.
  • Historia de la fotografía en España: fotografía y sociedad desde sus orígenes hasta el siglo XXI, 2005.
  • Meteòrologs amb cara i ulls: exposició de meteoròlogs catalans de tots el temps, de Jordi Mazón Bueso, 2009.
  • Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI,  2013.

domingo, 27 de agosto de 2017

Jeff Jacobson

Jeff Jacobson es un fotógrafo estadounidense (nacido en Des Moines, Iowa, en 1946) con una larga trayectoria en el fotoperiodismo y unos trabajos personales más conceptuales.

© Jeff Jacobson

© Jeff Jacobson

Una fotografía puede describir el mundo en un momento específico del tiempo, pero contiene una ambigüedad poderosa. Esta ambigüedad proviene del encuentro de la psique del fotógrafo con la realidad del mundo. ¿Qué verdad está siendo presentada en la fotografía, la del fotógrafo o la del mundo?

También tratamos de asociar el color en las fotografías con los hechos ... Como fotógrafo en color, mi reto no es quedarse atascado en los hechos presentados en las imágenes ... Esto requiere abstracción; en blanco y negro esta abstracción es inmediata porque el mundo es en color. Las fotografías en color requieren un tipo diferente de abstracción. Mi desafío es acentuar el color sin dejar que domine mis imágenes de tal manera que el tema de mi fotografía se convierta en el color en sí. Es un delicado acto de equilibrio.

Biografía

Jeff Jacobson nació en el seno de una familia de refugiados judíos. Comenzó su carrera como abogado de la American Civil Liberties Union (ACLU) antes de dedicarse a la fotografía después de estudiar con Charles Harbutt.

Fue pionero en la actualmente muy usada técnica del flash abierto en los 70. Se unió a Magnum Photos en 1978. Posteriormente, 1981, dejó Magnum y se unió a Archive Pictures, convirtiéndose más tarde en socio y presidente. En 1990 se trasladó a Los Angeles.

Ha publicado tres libros, todos con fotografías realizadas en película Kodachrome:

  • My Fellow Americans en 1991, en el que documenta la sociedad americana durante la era de Ronald Reagan, años 1978-1989, con fotografías cándidas y marcadas por chistes visuales, usando flash y flash de relleno que daban una borrosidad desorientadora.
  • Melting Point en 2006,  con fotografías que presentan una visión más etérea del mundo en transición, de 1990 a 2002, con una reacción más lírica e interior a acontecimientos como la muerte de sus padres, su vuelta a la costa este, las Torres Gemelas ardiendo, etc.
  • The Last Roll en 2013, encarna su maduración, además de abstraer su visión del mundo, cuando éste se tambalea con la desaparición en 2010 del Kodachrome con el que había trabajado 35 años y su diagnóstico y tratamiento de cáncer. A medida que recuperó su energía, sus fotografías fueron imbuidas por una nueva comprensión de la mortalidad, mirando al mundo con ojos nuevos y centradose en imágenes que lo conmuevan y le den fuerza.
  • Está trabajando en su cuarto título, The Little Guy, realizado con una pequeña cámara digital apunta-dispara.

Sus fotografías forman parte de las colecciones permanentes del The Whitney Museum of American Art de Nueva York, The San Francisco Museum of Modern Art, The Houston Museum of Fine Art, George Eastman House en Rochester, The Center For Creative Photography de Tucson, Azizona, The Joy of Giving Society en Nueva York, The Center for Photography en Woodstock.

Su trabajo ha sido mostrado en The Walker Arts Center de Minneapolis, Minnesota, The International Center of Photography y The Jewish Museum en Nueva York,  High Museum of Art de Atlanta, George Eastman House en Rochester, Museo Rufino Tamayo en Ciudad de México, The Armand Hammer Museum en Los Angeles, The Center For Photography en Woodstock, The Photo Resource Center en Boston, Look 3 Photo Festival en Charlottesville, Virginia, Visa Pour L’image en Perpiñán, Pingyao International Photo Festival en Pingyao, China.

Jeff imparte talleres anualmente en el International Center of Photography en Nueva York. También ha enseñado en el The Tuscany Photo Workshop, The Anderson Ranch, Center For Photography en Woodstock, Julia Dean Photo Workshop en Los Angeles, Centro de la Imagen en Ciudad de México, Shakerag Arts Workshop en Sewannee, Tennessee, y Bazan Photo Workshops en Sicilia.

Ha obtenido becas  como la National Endowment For The Arts y The New York Foundation For The Arts. Ha trabajado como fotoperiodista en las principales revistas de todo el mundo, como The New York Times Magazine, Time, Life, Fortune, Stern, Amica, Mother Jones, The New Yorker y muchas otras.

Referencias

Libros

  • My Fellow Americans, 1991
  • Melting Point, 2006, 
  • The Last Roll, 2013
  • The Little Guy, (próximamente).

sábado, 26 de agosto de 2017

Michele Palazzo

Michele Palazzo es un arquitecto y fotógrafo italiano (vive y trabaja en Nueva York) que cuenta historias tejiendo narrativas a través de los movimientos y emociones de la gente.

Jonas Blizzard in New York, 2016 © Michele Palazzo

Jonas Blizzard in New York, 2016 © Michele Palazzo


Me gusta mirar a la gente y viajar con mi imaginación por sus vidas. Mis fotos están ligadas a la gente y su entorno, sus movimientos y emociones, estoy interesado en esas pequeñas peculiaridades que nos conectan como seres humanos. Es ese tipo de cosas diarias mundanas lo que quiero documentar, y lentamente se ha convertido en una rutina diaria para mí. Hace que el mundo se acerque un poco más, especialmente en Nueva York.

Biografía

Michele Palazzo es italiano por sangre, arquitecto por formación y fotógrafo de corazón. Narrador visual, teje narrativas a través de los movimientos y emociones de la gente.

Empezó a hacer fotografías cuando estaba en la escuela secundaria, hace muchos años en Italia. Su primera cámara fue una Nikon FM que tomó prestada a su padre. Revelaba y positivaba sus fotos en un improvisado cuarto oscuro, y todavía puede recordar esa sensación de anticipación de cada imagen que estaba a punto de revelar. Desde entonces la fotografía se convirtió en una parte inseparable de su vida. Incorpora todo tipo de temas en sus fotografías: arquitectura, naturaleza, clima y gente, entre otras cosas. Más que nada, quiere mostrar cómo interactuamos con los espacios combinando la fotografía de calle y los espacios arquitectónicos.

Sus imágenes no son necesariamente bellas, sino que van más bien sobre cazar a la gente en la "jungla de hormigón". Le gustan los fuertes contrastes, situaciones cómicas y caras interesantes, y esto se refleja en su estilo: sus imágenes suelen ser de alto contraste y tratan de transmitir una intimidad única.

Sus fotografías de arquitectura y vida en la ciudad le han otorgado un gran reconocimiento, especialmente su reciente serie realizada durante la tormenta de invierno Jonas en Nueva York, en la que sus paisajes urbanos de invierno capturan un lado encantador de la ciudad, a menudo oscurecido en los tiempos modernos, y ofrecen otra visión de lo que hace que esta ciudad sea un lugar único.

La imagen icónica de la serie es la del edificio Flatiron en la que los remolinos de nieve creaban patrones parecidos a pinceladas rápidas. En conjunto, la fotografía hace eco increíblemente de una pintura impresionista.

También colabora con otros artistas, como en el proyecto colaborativo #UNSEEN realizado con el artista Giorgio Casu, y que es una combinación de fotografía y pintura en interpretaciones íntimas de la vida cotidiana de Nueva York.

Ha obtenido también diversos premios como Fine Arts Photography Awards, International Photographer of the Year 2015, National Geographic Italia 2016 en la categoría Lugares y Paisajes

Referencias

Libros

viernes, 25 de agosto de 2017

Beomsik Won

Beomsik Won es un artista surcoreano (nacido en 1972 en Won-ju) que es principalmente conocido por sus series Archisculpture, un proyecto en el que crea esculturas arquitectónicas mediante el collage de fotografías de diversas obras arquitectónicas, desmantelando el paisaje urbano y re-imaginándolo como la suma de sus partes.

© Beomsik Won

© Beomsik Won

Mi interés por la arquitectura se debe a su gran apariencia y a sus funciones pragmáticas. Cuando miro a edificios de grandes tamaños con un diseño particular, hago muchas fotos, por lo que he recogido cientos de fotos. Sin embargo, no puedo usar estas fotos directamente porque a pesar de que soy el fotógrafo, ellas sigue siendo la obra del arquitecto. Así que decidí utilizarlas como soporte material para mis creaciones artísticas, como si fueran mármol o bronce.

Biografía

Beomsik Won construía, de niño, juguetes nuevos ensamblando piezas de otros juguetes. Estudió cerámica, dibujo, fotografía, escultura y diseño ... todo lo que le permitiera hacer todo tipo de artes por sí mismo, en la Universidad de Kookmin y en la Universidad de Hongik en Seúl.

Se obsesionó con la fotografía documental, mientras trabajaba como diseñador de libros durante 6 años y decidió ir al extranjero para hacer verdaderamente significativo. De 2004 a 2005, viajó por 33 países en 8 meses haciendo fotografías. Después de ese viaje, en 2010 se fue a hacer un master en la Slade School of Fine Arts de Londres en 2010, y comenzó su serie Archisculpture.

Para él, las fotografías de los edificios que utiliza en sus collages son un material más, como el mármol o el bronce con el que se hacen otro tipo de esculturas. En primer lugar, elije un tema para una nueva imagen y luego dibuja a lápiz la idea. Si es lo suficientemente buena, busca en su base de datos digital para encontrar fotos que sean adecuadas para el nuevo tema. Si no puede encontrar ninguna, sale a buscar edificios que se adapten a ese tema y hace fotos de ellos. Después de recoger las fotografías correctas, empieza el collage de acuerdo a su dibujo inicial utilizando software de diseño gráfico.

No hay criterios fijos: pueden ser estéticos, programáticos o conceptuales. Y a veces no hay tema en absoluto. Muchas veces se trata simplemente de ciudades como Shanghái, Edimburgo o Seúl. En otras ocasiones concentra en una obra edificios destinados a una misma función: museos de Nueva York, edificios dedicados a la justicia de Londres. Así el resultado es compacto y, aunque imposible, forma un todo con cierta coherencia.

Referencias

Libros

jueves, 24 de agosto de 2017

Manuel Compañy

Manuel Compañy, también conocido simplemente como Compañy, fue un fotógrafo español (nacido en Orusco de Tajuña en 1858, fallecido en Madrid el 13 de enero de 1909)​ que fue uno de los fotógrafos retratistas más populares y reconocidos del país.​ También fue uno de los primeros reporteros de guerra en la fotografía española.
 
ManuelCompany
Manuel Compañy

 

Biografía

Manuel Compañy era a finales de 1870 un reconocido fotógrafo especializado en retratos.​ Fue muy popular y desde la encopetada dama hasta la humilde criada, desde el prestigioso general hasta el último recluta, desde el gran literato y académico hasta el modesto gacetillero, desde el más elevado gobernante al más obscuro hombre de pueblo, todos fueron retratados por este fotógrafo.
Abrió su primer estudio en torno a 1880 en Madrid, teniendo hasta 3 sedes en esta ciudad y hacia 1897 instaló un nuevo estudio en Toledo, sobre todo para retratos de los numerosos militares de la Academia de Infantería. Para él trabajaron importantes fotógrafos de comienzos del siglo XX como José L. Demaría López «Campúa»,​ Alfonso García Sánchez Alfonso o Eduardo Rodríguez Cabezas Dubois.
 
El perfeccionamiento de las técnicas de estampación estimuló el crecimiento en la demanda de fotografías para la prensa escrita, hecho que fue aprovechado hábilmente por Compañy. Su trabajo apareció en revistas gráficas de la época y fueron muy conocidos sus reportajes de sucesos para La Ilustración Ibérica (1891) o sus imágenes taurinas para la revista Sol y Sombra (1897). En 1893 hizo un amplio reportaje fotográfico de la guerra del Rif (la llamada Guerra de Margallo) en Marruecos que se publicó en la revista Blanco y Negro. Y trabajó para otras revistas como Por Esos Mundos, Portafolio fotográfico, España artística, ...
 
Formó parte del comité que publicaba la revista Daguerre. Sociedad de Fotógrafos Establecidos, que empezó a publicarse en 1904, junto con los grandes fotógrafos de la época: J. Bueno, Mariano Gombau, Manuel Alviach y por breve tiempo, Christian Franzen. También creo y dirigió la revista de fotografía Avante, órgano de difusión de la Sociedad General de Fotógrafos de España, institución surgida de la primera Asamblea de Fotógrafos Profesionales celebrada en Madrid en  1905, y de la que apenas ha constancia.

Referencias

Libros

miércoles, 23 de agosto de 2017

Hermanos Mayo

Hermanos Mayo fue un colectivo de fotógrafos gallegos formado por los hermanos Paco (1911-1949), Cándido (1922-1984) y Julio Souza Fernández (nacido el 18 de octubre de 1917), y los también hermanos Faustino (1913-1996) y Pablo del Castillo Cubillo (nacido el 6 de junio de 1922) que fundaron una agencia fotográfica en España al comienzo de la guerra civil española y después continuaron su actividad fotográfica en México.

Estrella roja. Cárcel Modelo. Presos políticos en manifestación, 1934, Fotos Mayo

Estrella roja. Cárcel Modelo. Presos políticos en manifestación, 1934, Fotos Mayo

Biografía

Este colectivo dedicado al fotoperiodismo, compuesto por cinco hermanos gallegos de dos familias, trabajó durante más de 50 años dando testimonio de la realidad de España (1934-39) y México (1939-92). El balance de este trabajo fue un conjunto de más de cinco millones de negativos que repasan, entre otros, los sucesos de la Guerra Civil española y la historia reciente de México.

El padre de los hermanos Souza Fernández era escultor y estuquista y falleció en 1926, por lo que debieron comenzar muy jóvenes a trabajar. Paco, el hermano mayor, encontró trabajo en Madrid realizando fotografías aéreas para la aviación militar, pero tras su estancia en el Sáhara, castigado por participar en el fallido levantamiento de Queipo de Llano en Cuatro Vientos, decidió dedicarse al fotoperiodismo. Sus primeros trabajos fueron sobre todo para revistas como Mundo Obrero y Renovación; en algunos de sus reportajes estuvo encargado del seguimiento de la actividad de Dolores Ibarruri, por lo que tuvo ocasión de fotografiar la Revolución de Asturias de 1934.

La primera empresa fotográfica recibió el nombre de Fotos Souza, pero antes de la guerra civil cambiaron de nombre y domicilio llamándose Fotos Mayo, posiblemente en honor al 1º de mayo.  Desde 1933 con frecuencia Paco iba acompañado de su hermanos Cándido y Julio y en 1934 utilizaron su primera cámara Leica; en ese año Paco fundó la agencia Foto-Mayo en Madrid para distribuir fotografías a la prensa española y extranjera. Esta agencia tuvo gran actividad durante la guerra civil, ofreciendo imágenes de la guerra y la vida en la zona republicana, publicando entre otros en El Liberal, Mundo Obrero, El Socialista, Frente Rojo, Acero, Times y Life.

Al finalizar la contienda emigraron desde Francia a México Francisco y Cándido junto a Faustino, que también era fotógrafo, al que conocieron en Francia. Al llegar, su primera actividad fotográfica fue hacer un retrato a todos los emigrantes que viajaron con ellos en el buque Sinaia, unos 1.600 exilados republicanos, cuadros, artistas y profesionales. Posteriormente abrieron un estudio con el nombre de Fotos Mayo.

En noviembre del 1947, llegó Julio. Paco, el alma mater del colectivo, murió tempranamente en un accidente de aviación, trabajando en fotografía aérea en el volcán Popocatepetl en 1949. Cambiaron el nombre por Hermanos Mayo. Poco después, en 1952, también emigró Pablo, el hermano de Faustino, y también se asoció con ellos. Los hermanos Mayo publicaron sus fotografías en gran cantidad de diarios y revistas, entre las que se encuentran El Popular, Hoy, Mañana, La Prensa, Time y Life, convirtiendo su agencia en la más grande de América Latina.

Realizaban reportajes de viajes y sus trabajos documentales sobre la vida política del país los alternaban con otros sobre la vida de la calle, los mercados, la artesanía, la arqueología, etc. Trabajaron diversos temas fotográficos como corridas de toros, fútbol, otros deportes, espectáculos, casas de juego, ambiente nocturno e hicieron reportajes sobre los indígenas mexicanos.

Los Mayo fotografiaron manifestaciones, huelgas, represiones, logros tecnológicos y movimientos sociales; además, contribuyeron a instituir la Asociación Mexicana de Fotógrafos de Prensa, AC, en 1946, que pugnaba por dignificar el periodismo gráfico. Aportaron, también, las bases de lo que debería ser la defensa de los derechos de autor de los reporteros gráficos. Fueron pilares en la dignificación de los fotoperiodistas mexicanos a partir de los años cuarenta.

Su trabajo, formado por cinco millones de negativos, tanto en color como en blanco y negro, se encuentra desde 1994 en el Archivo General de la Nación (México).​ Su obra sobre la guerra civil española obtuvo reconocimiento a finales del siglo XX (en 1992, el Instituto Valenciano de Arte Moderno acogió la exposición Foto Hermanos Mayo, 1934-1992) y los homenajes han estado centrados en la persona de Julio Mayo, que dispone de distinciones como el título de Fotógrafo Histórico de la Provincia de La Coruña y la Cámara de Plata de la revista mexicana Cuartoscuro.​ Los Hermanos Mayo fueron declarados Premio Nacional de Periodismo 2007 de México, en la categoría de trayectoria periodística.  

Referencias

Libros

martes, 22 de agosto de 2017

Andoni Lubaki

Andoni Lubaki es un fotoperiodista vasco (nacido en 1982 en Urretxu, Gipuzkoa) especializado en documentales sobre zonas de conflicto como Birmania, Iraq, Turquía, Libia, Mauritania, Argelia, Egipto, Sahara Occidental, Siria, República Centroafricana, ....

A Syrian rebel plays football in the Saif al-Dawlah neighborhood of Aleppo, Syria, 2013 © Andoni Lubaki

A Syrian rebel plays football in the Saif al-Dawlah neighborhood of Aleppo, Syria, 2013 © Andoni Lubaki

Biografía

Andoni Lubaki es un fotoperiodista autodidacta basado en África y el País Vasco. Su interés por la fotografía comenzó en  su infancia, apoderándose de la cámara de su padre para ir a un viaje escolar. Durante la secundaria asistió a cursos básicos de fotografía en casa.

A partir de este punto, Andoni desarrolló un interés mayor y asistió a varios talleres impartidos por Pep Bonet (NOOR Images), Álvaro Ybarra (Getty Images) y Peter Van Agtmael (Magnum Photos) entre otros. Hoy en día trabaja como fotoperiodista freelance y ha cubierto conflictos y disturbios sociales en el Birmania, Iraq, Turquía, Libia, Mauritania, Argelia, Sahara Occidental, Siria, República Centroafricana, .... También ha trabajado para TV, DW (Alemania), ONGs como Mundubat y sus fotografías han sido publicadas en periódicos y revistas nacionales e internacionales como Zazpika, GARA, Argia, Newsweek, International Herald Tribune, Washington Post, The Guardian y New York Times, entre otros. En video suele hacer encargos para canales de televisión como ETB y VICE.

Ha ganado varios premios internacionales como el 2º Picture Of the Year International en la categoría Spot News en 2014 por su trabajo en Siria. En 2013 fue premiado con el Atlanta Photojournalism Seminar Best in Show por su trabajo para Associated Press en Aleppo y con el Chris Hondros Memorial Award por su cobertura para los medios internacionales de la Primavera Árabe. Buena parte de ese trabajo sus reportajes fue publicado en GARA, periódico del que es colaborador.

Durante su estancia en Alepo, donde cubrió el frente de guerra, en enero pasado fue secuestrado 14 horas por un grupo de rebeldes presuntamente yihadistas en compañía de otros dos periodistas occidentales.

Es fundador de la agencia vasca de fotografía Bostok.

Referencias

lunes, 21 de agosto de 2017

Tito Álvarez

Tito Álvarez fue un cantante y fotógrafo cubano (nacido el 18 de octubre de 1916 en Las Tunas, fallecido el 25 de septiembre del 2002 en La Habana) que realizó una fotografía humanista centrada en la forma de vivir de la gente.

© Tito Álvarez

© Tito Álvarez

Biografía

José María González Álvarez comenzó en 1940 sus estudios de Solfeo en el Conservatorio de la Habana y hasta 1961 trabajó como cantante de gran éxito de baladas, tangos y boleros en radio y televisión.​ Sin embargo, su interés por la fotografía (su primera fotografía la hizo con 18 años) le permitió aprenderla en el Club Fotográfico de Cuba al que se afilió en 1950. Posteriormente perfeccionó su técnica al realizar un curso de Composición fotográfica con Nicolás Haas y a partir de 1962 se dedicó profesionalmente a la fotografía.

Su trabajo fotográfico comenzó relacionándose con el mundo de la música, en el que había participado como cantante de boleros, ofreciendo sus servicios en la Empresa de grabaciones disqueras. Entre 1963 y 1978 estuvo trabajando para el Ministerio de Cultura de Cuba, entrando ese año a formar parte de la redacción de la revista Revolución y Cultura hasta 1997.

Álvarez realizó una fotografía humanista centrada en la forma de vivir de la gente, así su trabajo más conocido se llama Gente de mi barrio. Sus fotografías documentan a las personas en su ambiente aunque siguen siendo fotografía callejera. El alto contraste y las profundas sombras dan un sentido de drama, creando una visión conmovedora de la vida cotidiana en La Habana. Otras series con similar temática son Mercaderes 111, En el parque y Con un poco de humor. A ello se une una galería de retratos, donde aparecen importantes personalidades de la cultura junto a simples personajes costumbristas de la rica tradición popular cubana.

Su obra ha estado expuesta por toda la geografía cubana desde 1955. También ha participado en numerosas muestras internacionales de fotografía cubana: Méjico, Francia, Italia, Hungría,Alemania, Suecia, U.S.A., Inglaterra, Argentina y España. Entre las exposiciones realizadas puede destacarse Hecho en Latinoamérica en Venecia y Soirée Latinoamericaine en Arlés en 1979 y Fotografie Lateinamerika en Zúrich en 1981. Ha obtenido importantes premios nacionales (premio Olórum del Fondo Cubano de la Imagen Fotográfica por su trabajo a lo largo de su vida) e internacionales de fotografía y su obra se encuentra en numerosas colecciones permanentes en museos e instituciones dentro y fuera de Cuba.

Referencias

Libros

  • 2003. Diccionario de historia de la fotografía.
  • 2003. Canto a la realidad. Fotografía Latinoamericana 1860-1993
  • 1999. Diccionario histórico de la fotografía.
  • 1985. Cuba, a view from inside : 40 years of Cuban life in the work and words of 20 photographers, photographs, videotapes, movies, a multimedia project of the Center for Cuban Studies.

domingo, 20 de agosto de 2017

Elia Locardi

Elia Locardi es un fotógrafo estadounidense (nacido en 1980) especializado en fotografía de viajes, de paisaje, aérea y videografía. Es conocido por sus recreaciones de imágenes en color de espectaculares paisajes y de temas de viajes de docenas de países. También es un conocido bloguero, educador, orador y empresario de fotografía.

Eternity. Rome © Elia Locardi

Eternity. Rome © Elia Locardi

Biografía

Elia Locardi se graduó en arte y animación multimedia en el Art Institute of Ft Lauderdale en 2002. Después de una década de trabajo en la industria multimedia y viajando, lanzó su carrera en fotografía. Sus temas fotográficos han sido los paisajes naturales, paisajes urbanos, arquitectura antigua y lugares del patrimonio mundial.

Junto con su esposa Naomi, en 2010 fundó la página web Blame The Monkey, un blog centrado en la inspiración de la fotografía de viajes y la educación. El blog comparte historias de experiencias de fotógrafos que son nómadas globales que viven en la carretera y las técnicas usadas en la creación y postproceso de imágenes de fotografía de viaje, y también comparte recursos educativos en línea en forma de tutoriales de fotografía. Blame The Monkey fue elegido Best New Blog for Photographers por Scott Kelby en 2011. Es seguido por casi 3 millones de personas en Facebook, Google+, Twitter, Instagram, YouTube y Snapchat, convirtiéndose en uno de los fotógrafos más seguidos en el mundo.

Desde 2012, él y su esposa viven un estilo de vida 100% móvil, perpetuamente viajando de país a país, circulando continuamente alrededor del mundo. Desde que comenzó a viajar a tiempo completo en 2009, ha visitado más de 55 países, ha viajado más de un millón de millas y ha colaborado con importantes compañías, marcas, países y agencias de turismo de todo el mundo.

Locardi ha creado un método de procesamiento digital que él llama Advanced Dynamic Blending, usando exposiciones múltiples durante un largo período de tiempo (hasta varias horas), con lo que es capaz de capturar el rango dinámico completo de luz en una escena. Elia ha desarrollado un estilo de fotografía ampliamente reconocido y altamente exclusivo que se ha convertido en muy conocido en todo el mundo. Con cada fotografía, su objetivo es compartir su visión para que otros puedan ver el mundo como lo hace, lleno de color, textura, belleza, profundidad y emoción.

Su trabajo ha sido publicado en National Geographic, Digital Photo Magazine, Digital Camera Magazine y Professional Photographer Magazine. Del mismo modo, sus imágenes y secuencias de drones han sido elogiadas en fuentes especializadas en línea y en libros.

Sólo o en asociación, Locardi ha participado en el desarrollo de tutoriales y demás material educativo sobre fotografía y técnicas de post-proceso aplicadas a los viajes, el paisaje, el paisaje urbano, el paisaje nocturno del desierto y la astro-fotografía, entre otros. Es uno de los fundadores y líderes de Dream Photo Tours.

Ha realizado la foto fija del How I Became an Elephant (2012), y realizó las tomas aéreas con dron para la película documental del Tour of the Dragon de 2015 en Bután.

Locardi ha sido un conferenciante invitado en Photoplus Expo en Nueva York, Photokina (Alemania en 2014 y 2016), InterBee (Tokio), PNE (Pekín), Gulf Photo Plus, Out of Chicago Conference y South Carolina ASMP, Southeastern Film & Photo Conference.



Referencias

sábado, 19 de agosto de 2017

Ton Sirera

Ton Sirera fue un médico y fotógrafo catalán (nacido en Barcelona en 1911, fallecido en Lérida en 1975) cuyo trabajo creativo se realizó sobre todo en el campo del arte abstracto en fotografía.

© Ton Sirera

© Ton Sirera

… éste es, en rigor, el papel que ha de desempeñar la fotografía: aislar para dotar a lo que es familiar de una virtud de extrañeza.

Biografía

Antoni Sirera i Jené estudió odontología en Barcelona, donde entró en contacto con el movimiento Adlan (Amics De l’Art Nou). En 1935 se trasladó a Lérida, ejerciendo profesionalmente como odontólogo al tiempo que desarrollaba una importante labor artística en los campos de la pintura, el cine y la fotografía. Fue un gran impulsor de la vida cultural de la ciudad, estando ligado al Cercle de Belles Arts y, posteriormente, al grupo de artistas formado en torno a la Petite Galerie de la Alliance Française. Fue miembro del Centre Excursionista de esta ciudad, para el que realizó diversos reportajes, y fundador de diversas asociaciones culturales, como la Agrupación de Cine Amateur (1955) o la Societat Fotogràfica de Lleida (1972).

Su obra fotográfica se caracteriza por su enfoque personal, aunque está ligada a los movimientos de vanguardia. Junto a su hermano Jordi, catedrático de Ciencias Naturales, creó el Archivo Sirera Jené especializado en documentos de naturaleza, botánica y fotografía aérea, tomadas desde su propia avioneta. Eran fotografías que tendían hacia la abstracción, algo que se acentuó tras una estancia en París en 1950 y su contacto con el artista Joan Vila Casas.

Se puede considerar un pionero en el uso artístico de la macrofotografía a mitad del siglo XX, exponiendo sus obras, dotadas de un contenido abstracto, en la sala Aixelà de Barcelona en 1960. Sus primeros planos ampliados de líquenes y otros cultivos se encuentran entre las primeras fotografías abstractas realizadas en España a partir de temas reales. En los años siguientes, participó en diversas exposiciones, destacando las celebradas en la Petite Galerie de Lérida entre 1968 y 1971

También realizó diferentes películas vanguardistas y colaboró con el escritor Josep Vallverdú en la realización de una serie de monografías de la serie colección Catalunya Visió y la monografía Els rius de Lleida. La mirada de Sisera, una mirada distinta, centrada en el territorio y sus paisajes, encontró su culminación en el proyecto editorial de Catalunya Visió, un proyecto realizado conjuntamente con Vallverdú, inspirado por la tradición geográfica catalana, a medio camino entre las descripciones de las monografías comarcales y las aportaciones literarias y visuales de sus autores. Así, los volúmenes de la publicación, desde un punto de vista objetivo, reflejan un país que, lejos de esencialismos intemporales, está experimentando la transición entre una sociedad catalana agraria tradicional y una sociedad cada vez más urbana e industrializada.

Actualmente, su obra forma parte de las colecciones del Museu d’Art Jaume Morera y el Museo Museu Nacional d’Art de Catalunya (Barcelona), y la diputación de Lleida organiza el premio Ton Sirera otorgado por el Institut d’Estudis Ilerdencs. En el año 2000 se realizó una exposición antológica de su trabajo en el Centro de Estudios Catalanes de París.

Referencias

Libros

  • 1947 - Árboles.
  • 1950 - Guía de Mallorca, Menorca e Ibiza
  • 1958 - Geografia de Catalunya
  • 1960 - Antonio Sirera
  • 1967 - Terres i homes del Països Catalans. La montaña
  • 1968 - Catalunya Visió Vol. 1, 2, 3, 4.
  • 1969 - Catalunya Visió Vol. 7, 8.
  • 1972 - Viatge entorn de Lleida
  • 1973 - Catalunya Visió Vol. 9, 10.
  • 1976 - Els rius de Lleida
  • 2000 - Ton Sirera
  • 2003 - Diccionario de historia de la fotografía.
  • 2011 - Catalunya Visió
  • 2011 - Pel món amb Ton Sirera.
  • 2013 - Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI.
  • 2013 - De la terra i dels homes. Fotografies de Ton Sirera.