viernes, 30 de junio de 2017

Jeannette Montgomery Barron

Jeannette Montgomery Barron es una fotógrafa estadounidense (nacida el 3 de octubre de 1956 en Atlanta, Georgia), conocida por sus retratos de artistas como Andy Warhol, Jean-Michel Basquiat y Cindy Sherman, y por su fotografía de bodegones.

Ross Bleckner, NYC
, 1983 © Jeannette Montgomery Barron

Ross Bleckner, NYC , 1983 © Jeannette Montgomery Barron



La verdad es que yo no iba a tantas fiestas. Mi objetivo era simplemente conseguir la foto. Me apetecía mucho retratar a toda esa gente, era como un juego para mí.




Biografía

Jeannette Montgomery Barron se trasladó en 1979 a Nueva York, donde estudió en el International Center of Photography.

Su trabajo fue inicialmente reconocido por sus retratos de artistas, pero ha tocado la fotografía de naturaleza muerta (bodegón) y otros temas más íntimos. La mayor parte de sus proyectos han sido expuestos internacionalmente y se han publicado como libros. Podemos ver su trayectoria como fotógrafa siguiendo la pista de sus libros:

  • Jeannette Montgomery Barron (1989) recoge sus retratos del mundo del arte en Nueva York de los años 80, incluyendo entre otros a Francesco Clemente, Andy Warhol, Keith Haring, Bianca Jagger, Jean-Michel Basquiat, Robert Mapplethorpe, Cindy Sherman, Julian Schnabel, William S. Burroughs, Willem Dafoe y Boy George.
  • Photographs and Poems (1998) muestra una colección de fotografías de bodegones, con la colaboración de Jorie Graham, poeta ganador de un premio Pulitzer.
  • Mirrors (2004) incluye un texto del célebre autor Edmund White.
  • Session with Keith Haring (2006) muestra 20 fotografías realizadas en el estudio de Keith Haring una tarde en 1985. 
  • My Mother's Clothes (2010) es un retrato conmovedor de su difunta madre a través de imágenes de bodegones de su ropa, zapatos y objetos personales. Como la lucha de su madre con el Alzheimer progresó, robándole de cualquier pasado recordado, Jeannette comenzó este álbum visual único como una manera de despertar los recuerdos de su madre, y hacer frente a su propia sensación de pérdida.
  • SCENE (2013) es un notable compendio de retratos de famosos de la cultura underground de Ciudad de Nueva York en los años 80, cuando la juventud inconformista acudió al centro de la ciudad en busca de lugares para trabajar y vivir entre seres afines.
  • My Years in the 1980's New York Art Scene (2014), fue publicada al mismo tiempo que se realizaba una exposición de su trabajo en Collezione Maramotti, Reggio Emilia, Italia.

Sus obras se encuentran en numerosas colecciones públicas y privadas como The Museum of Fine Arts en Houston, The High Museum of Art en Atlanta, Kunsthaus en Zúrich y The Andy Warhol Museum en Pittsburgh. Su trabajo se ha expuesto internacionalmente en numerosas ocasiones. Entre ellas podemos citar Galerie Bruno Bischofberger en Zúrich, Scalo en Nueva York y Zúrich, Jackson Fine Art en Atlanta, Magazzino D’Arte Moderna y The American Academy en Rome y ClampArt en Nueva York. Jeannette está representada por las galerías Jackson Fine Art, ClampArt y Magazzino di Arte Moderna.



Referencias




Libros

jueves, 29 de junio de 2017

Enric F. Martí

Enric F. Martí es un fotógrafo catalán (nacido en Barcelona en 1959, vive en Ciudad de México) que ha realizado una larga carrera en agencias internacionales de fotografía, documentando numerosos eventos, como las guerra del Golfo y de los Balcanes, consiguiendo un premio World Press Photo.

© Enric F. Martí / Associated Press

© Enric F. Martí / Associated Press

Biografía

Enric Folgosa Martí comenzó su carrera como asistente de fotografía en la Agence France-Presse en Managua, Nicaragua, en 1989, y luego trabajó como agente local de Reuters. En 1992 se trasladó a Sarajevo como freelance, uniéndose más tarde a la European Press Agency (EPA).

En 1994 comenzó a trabajar para The Associated Press en los Balcanes, y se trasladó a El Cairo para convertirse en el fotógrafo senior de AP para Oriente Medio durante seis años. Desde allí comenzó a viajar por África, Asia y Oriente Medio cubriendo todo tipo de acontecimientos noticiosos y muy especialmente varios conflictos armados. Desde 2002 hasta 2006 trabajó como director de fotografía y  fotógrafo en Jerusalén. Actualmente supervisa para AP News la cobertura regional de Latinoamérica en Ciudad de México y es editor de fotografía para el Caribe.

Autodidacta de los que han aprendido a base de errores y sacrificios, es uno de los fotógrafos de agencia más singulares. Su espíritu indómito le ha ayudado a buscar una imagen distinta, a burlar las reglas. Su trabajo está repleto de imágenes extraordinarias. Y aunque comenzó tarde en el fotoperiodismo, cuando ya rondaba los 30 años, se convirtió en uno de los mejores fotógrafos que existen en la actualidad.

Entre sus premios podemos citar 1 World Press Photo, 3 Fotopress, 1 Ortega y Gasset, el premio Bayeaux en 2001 a la fotografía de guerra y el Julio Fuentes en 2002. También  fue jurado en el World Press Photo de 2008. Su obra puede verse en la colección de fotografía del Museu Nacional d’Art.

Aunque la foto ganadora del World Press Photo parece una escena de guerra, muestra a un avión de bomberos arrojando su carga sobre la refinería de petróleo Tupras en Izmit, Turquía. La refinería estaba en llamas por el fuerte terremoto del día anterior. Los bomberos no podían bombear agua para combatir el incendio, porque el terremoto, que causó 17.000 muertos, había cortado la electricidad en la región. No sólo fue un desastre humanitario, sino que tuvo un impacto severo en la economía turca, ya que la zona afectada era el corazón industrial del país.

Referencias

Libros

miércoles, 28 de junio de 2017

Nick Turpin

Nick Turpin es un fotógrafo inglés (nacido en 1969 en Londres) que realiza fotografía de diseño y publicidad, pero sobre todo es conocido por su fotografía de calle donde, trabajando con una pequeña cámara en lugares públicos, tiene un gran ojo para capturar los momentos inusuales de la vida cotidiana.

© Nick Turpin/Hoxton Mini Press

© Nick Turpin/Hoxton Mini Press

Biografía

Nick Turpin nació y se crio en Londres. Estudió arte y diseño en la Universidad de Gloucestershire, especializándose en fotografía. Después hizo un master en fotografía, cine y video en la Universidad de Westminster. Mientras estaba en la universidad entró a trabajar en The Independent pero lo dejó para hacer carrera en la fotografía de publicidad y diseño que financiara su fotografía de calle. Un ejemplo de su trabajo en aquellos tiempos fue la portada de El Diario de Bridget Jones en 1995.

Le gusta usar la tecnología actual para hacer fotos que hubieran sido imposibles hace unos años. Cámaras digitales, disparadores inalámbricos y pequeñas luces estroboscópicas de alta potencia le permiten detener a un extraño en la calle y hacer un retrato iluminado en el mismo tiempo que se procesaba una polaroid. Le gusta el mensaje detrás de la idea de arrancar a alguien de la concurrida calle y fotografiarlos de una manera que los eleve, los convierta en un icono, un héroe, una celebridad por unos momentos ...... Para él todo el mundo es importante.

Turpin fundó el primer colectivo internacional de fotógrafos de calle, In-Public, en el año 2000 con la intención de reunir a fotógrafos de ideas afines para celebrar exposiciones, producir libros y realizar talleres. En 2010 creó la editorial Nick Turpin Publishing. Imparte talleres y da conferencias en museos, universidades y televisión sobre fotografía de calle.  También hace cortometrajes: In-Sight (2011), fue encargado y estrenado en el Format International Photography Festival de Derby en 2011.

Referencias

 

Libros

  • On The Night Bus, 2016.

Junto con otros autores

  • Publication #1, 2009.
  • Street Photography Now, 2010.
  • 10 – 10 Years of In-Public, 2010.
  • London Street Photography: 1860–2010, 2011.

martes, 27 de junio de 2017

Michael Christopher Brown

Michael Christopher Brown es un fotógrafo y cineasta estadounidense (nacido el 18 de diciembre de 1978, vive en Nueva York) conocido principalmente por la documentación de la Guerra Civil de Libia en 2011 y por la monografía resultante, Libyan Sugar.

Tripoli, Libya. August 28, 2011. 12:56:48. Remains of a body, at Abu Salim Hospital. From the book "Libyan Sugar." © Michael Christopher Brown / Magnum Photos

Tripoli, Libya. August 28, 2011. 12:56:48. Remains of a body, at Abu Salim Hospital. From the book "Libyan Sugar." © Michael Christopher Brown / Magnum Photos

Lo que me interesa en el proceso fotográfico es la relación entre la distancia y la honestidad. A medida que uno se acerca a sus límites, a menudo se vuelven más honestos.

Biografía

Michael Christopher Brown es un fotógrafo y cineasta criado en el Valle de Skagit, una comunidad agrícola en el estado de Washington. Realizó un master en Comunicación Visual por la Universidad de Ohio en 2003, luego trabajó como asistente de fotografía en The State Journal-Register en Springfield, Illinois. A finales de 2004 consiguió un internado en National Geographic y desde entonces ha realizado para ellos historias de aventuras y otros proyectos fotográficos.

Después de mudarse a Nueva York en 2006, Brown trabajó como fotógrafo con la agencia fotográfica italiana Grazia Neri. Luego se trasladó a Pekín, China, en 2009 y en 2010, comenzó a hacer fotografías con un iPhone, pasando dos meses en su furgoneta Jinbei conduciendo por el este de China.

Desde entonces ha realizado fotografías con iPhone en Libia, Egipto, Cuba, Tailandia, República Democrática del Congo, República Centroafricana y Estados Unidos de América. Su habilidad para capturar momentos críticos con un iPhone le ha llevado a su publicar en Time, The New York Times Magazine y las plataformas de medios sociales de National Geographic. A través de estas plataformas es capaz de llegar a millones de seguidores para informar y educar sobre temas sociales y políticos en áreas remotas e infra-reportadas del mundo.

En 2011, Brown pasó siete meses en Libia fotografiando la Guerra Civil Libia, explorando la distancia ética y la iconografía de la guerra. Cubrió varias batallas a lo largo de la costa, fue emboscado varias veces en el este de Libia y fue herido en la pierna por bala y posteriormente por fuego de mortero. Sus colegas Tim Hetherington y Chris Hondros murieron en el mismo ataque. Brown volvió a Libia dos veces en 2012 y fue el protagonista de la película documental de HBO Witness: Libya.

Este trabajo sobre Libia ha tenido su proyección en el libro Libyan Sugar, editado en 2016 por Twin Palms Publishers, una película con el mismo nombre y una instalación multimedia. El libro ganó el primer premio como Photobook en Paris Photo y el Infinity Award for Artist's Book en el International Center of Photography de 2017.

Brown se unió a Magnum Photos como nominado en 2013. Sus fotografías han sido expuestas en el Massachusetts Institute of Technology, el Instituto Cervantes de Nueva York, The Museum of Fine Arts de Houston, el Annenberg Space for Photography y el  Brooklyn Museum.

Brown está trabajando en proyectos de libros y películas tanto en la República Democrática del Congo (RDC) donde ha documentado el conflicto en las provincias de Kivu de la RDC desde 2012, vivió en Goma y está produciendo una serie de cuatro libros, dos de los cuales consisten exclusivamente en trabajo recolectado en el Congo.  En Cuba , desde principios de 2015, Brown ha producido un libro y una video instalación, Paradiso, perfilando la música electrónica y la escena de la juventud en el barrio Vedado de La Habana.

Referencias

Libros

  • Libyan Sugar, 2016.

lunes, 26 de junio de 2017

David Gibson

David Gibson es un fotógrafo británico (nacido en 1957 en Ilford, Essex) que realiza fotografía de calle y ocasionalmente escribe libros de fotografía.

© David Gibson

© David Gibson

En la fotografía de calle, siempre existe la posibilidad de que suceda algo nuevo en la siguiente esquina. Hay que seguir adelante, esperar que llegue algo mejor.

Biografía

David Gibson trabajó durante varios años como trabajador de servicios asistenciales. Sus primeras fotografías publicadas fueron de ancianos, niños y discapacitados, en la revista Community Care. Comenzó a dedicarse a la fotografía a tiempo completo en 1994. Hizo un master en Fotografía: Historia y Cultura en la University of the Arts de Londres en 2002.

Fue uno de los fotógrafos iniciales del colectivo de fotografía de calle In-Public, fundado por Nick Turpin en el año 2000.

Además de realizar su propia fotografía street durante más de veinticinco años, también lidera talleres de fotografía callejera en Londres, a través de Tate Modern, Photofusion y en colaboración con el London Street Photography Festival, y por todo el mundo: Atenas, Beirut, Ámsterdam, Varsovia, Bangkok, Singapur, Estocolmo, Cork y, más recientemente, Cracovia. Sus libros sobre la fotografía de calle tienen gran éxito.

Su fotografía también ha sido mostrada ampliamente en publicaciones sobre fotografía de calle, y ha expuesto de forma colectiva en Gran Bretaña (incluyendo en el Museum of London, que adquirió su trabajo para su colección permanente), en el Museum of the City of New York y en Francia, Bangkok y Estocolmo.

Referencias

    Libros

    domingo, 25 de junio de 2017

    Vasco Szinetar

    Vasco Szinetar es un escritor y fotógrafo venezolano (nacido en Caracas el 7 de diciembre de 1948) principalmente reconocido por su trabajo obsesivo de coleccionar autorretratos junto a grandes personalidades del mundo de la cultura a lo largo de 40 años. Sus obras promueven lo momentáneo de un instante que luego se convierte en la referencia para la confrontación con un indetenible devenir.

    VascoSzinetar

    Jorge Luis Borges - Serie Frente al espejo - Caracas, 1982 © Vasco Szinetar

    Siempre ha sido como una performance, algo que surge de manera natural. No es un trabajo, sino una fiesta, un placer, una cosa muy excitante que está vinculada a la capacidad y posibilidad de seducir al otro.

    Biografía

    Vasco Szinetar, hijo de rumano y venezolana. Su abuelo fue el último caudillo que tuvo Venezuela en los años 20, pero se vio obligado tras la temprana muerte de su padre a reconstruir esa imagen paterna ya fuera en la política (con 13 años se apuntó a la Juventud Comunista), la escritura (con 16 años empezó a leer y escribir sus primeros poemas) o el cine (su sueño siempre fue ser un cineasta y realizó estudios superiores de cine a comienzos de los años 70 en la Escuela León Schiller de Lodz, Polonia, y en la International Film School de Londres).

    Pronto se vio atrapado por la cámara de fotos, y como había crecido en un mundo político rodeado de intelectuales, ministros y artistas, empezó a fotografiar poetas venezolanos y personajes de la cultura, y la obsesión fue a más. Cada vez que viajaba hacía una lista de personajes a plasmar: Allen Ginsberg, John Ashbery, Geraldine Chaplin, Juan Goytisolo, …

    En 1981, en Nueva York, enamorado de su amiga fotógrafa Lydia Fisher, saliendo de un restaurante, en un espejo se retrató con ella como un testimonio de que estuvo con esa maravilla de mujer. La idea del autorretrato con otra persona en un espejo fue creciendo en su cabeza.  En 1982, en una visita de Jorge Luis Borges a Venezuela para presenciar una corrida de toros en Caracas consiguió convencerle de sacarse juntos esa foto en el espejo del baño. Entonces se dio cuenta de que era el comienzo de un proyecto importante, en el que al cabo de 40 años han pasado personalidades internacionales como el premio Nobel de Literatura Mario Vargas Llosa, escritores como Carlos Fuentes, Alfredo Bryce Echenique, Arthur Miller, Salman Rushdie, Gabriel García Márquez, Umberto Eco  periodistas como Jon Lee Anderson, Leila Guerriero, Guy Talese, artistas como el bogotano Fernando Botero o el cantautor español Joan Manuel Serrat, y muchos más.

    Su trabajo artístico ha sido reconocido y publicado por editoriales nacionales e internacionales en países como Colombia, Francia y México. Además de la labor creadora se ha dedicado a la gerencia cultural y al comisariado siendo durante distintos períodos director de la Sala de Exposiciones del CELARG, director del Centro Nacional de la Fotografía y Presidente del Museo Alejandro Otero, entre otros. En la actualidad es director/comisario del Archivo de Fotografía Urbana de la ciudad de Caracas.

    Como fotógrafo ha participado en innumerables exposiciones colectivas en ciudades como La Habana, Barcelona, Houston, Bogotá y Caracas. Entre sus exposiciones individuales destacan: Re-tratados en el Museo de Arte Contemporáneo de Caracas en 1988, Personajes en el Museo de Arte Moderno Jesús Soto en Ciudad Bolívar y en el Museo de Arte de Maracay en Venezuela en 1991, Treinta Re-tratados en la Feria Internacional del Libro de Bogotá en 1991, Re-tratados, España 1974-2003 en Casa de América en Madrid en 2004, Frente al Espejo/Cheek to Cheek en el Festival Malpensante de Bogotá en 2009, Frente al Espejo/Re-Tratados en la Fiesta del libro en Medellín, Colombia, en 2011 y en el Carnaval de las Artes de Barranquilla, Colombia, en 2012 y Creadores frente al espejo en el espacio Caña de Azúcar en Barcelona en 2016.

    Su calidad como fotógrafo ha sido recompensada por numerosos premios como el II Premio Nacional de Fotografía Conac en 1982 entre otros varios. Durante el 2014 recibió el Premio AICA 2013 en la categoría de Mejor Exposición en Pequeño y Mediano Formato por las muestras Vasco Szinetar. Cuerpo de Exilio/El Ojo en Vilo realizadas en La Caja, Fundación Chacao y en la Sala Mendoza.

    Referencias

    Libros

    • Sesenta Retratos, 1987
    • Re-tratados: España 1974-2003, 2004
    • Periodistas, 2010
    • Ha comisariado los libros:
      • Fotografía Urbana Venezolana.1850-2009, 2009
      • 70 años de fotoperiodismo en Venezuela, 2011.

    sábado, 24 de junio de 2017

    Jorge Torres

    Jorge Torres es un fotógrafo español (reside en Los Angeles, California, EEUU) que realiza fotografía documental,  artística y comercial, con un estilo muy personal.

    Ballet dancer Sara Casabella, during rehearsal © Jorge Torres

    Ballet dancer Sara Casabella, during rehearsal © Jorge Torres

    Biografía

    Jorge L.Torres se graduó en el Brooks Institute of Photography en California en 1991 con una Licenciatura en Fotografía Profesional.

    Sus proyectos han oscilado entre la documentación del terremoto turco a desfiles de moda en Japón, pasando por la contaminación de los trabajadores de las plantaciones de caña de azúcar de Nicaragua, a encargos por todo el mundo filmando ballenas azules y grises, la situación de los pescadores indígenas de langostas en Centroamérica, y el  Kumba Mela en India.

    Ha obtenido numerosos premios de fotografía en todo el mundo, incluyendo el 1º puesto en el Concurso Photo Eva (Rusia, 1991), 3º en la categoría Arts and Entertainment en el World Press Photo de 1995, una distinción en los premios Lucie en 2007 y el título de Honorary Color Master en los International Color Awards en el Reino Unido en 2007.

    Su trabajo fotográfico ha sido publicado en Los Angeles Times, Cosmopolitan, Geo magazine de Alemania, Focus (Reino Unido), Facts & Faenomen (Dinamarca), Cinemania (España), Ruoteclassiche (Italia) y muchas otras publicaciones.

    Su trabajo en televisión ha sido presentado en Canal+ de Francia, American Broadcasting Corp, BBC, Discovery Channel, National Geographic Channel, The Learning Channel, History Channel, …

     

    Referencias

    Libros

    • Lens Strokes I, 2008.

    viernes, 23 de junio de 2017

    François Mouriès

    François Mouriès es un fotógrafo franco-canadiense (nacido en 1951 en Montréal, Quebec, vive actualmente en Biarritz, Francia) que ha documentado la vida y elementos urbanos en las calles de diversas ciudades desde Buenos Aires a Roma, de Belfast a Nueva York, también ha retratado la gente y su entorno en el Mar Negro, en el mundo del jazz y en el de la danza, y también la relación del desierto de las Bardenas Reales con los pueblos que lo rodean.

    © François Mouriès

    © François Mouriès

    Biografía

    François Mouriès dio sus primeros pasos en fotografía en Arles en 1974. Después de trabajar para un canal de televisión estadounidense, y para estudio de fotografía publicitaria de Canadá, Mouriès se destacó por su trabajo fotográfico sobre músicos de jazz, así como foto fija para producciones audiovisuales, cine y televisión.

    En 1996 publicó su primer libro de fotografías, Un Paseo: La Habana, Vinales, seguido de OCEANE Roads en 1998 y Eskualdunak en 2000. En la década de los 2000 produjo varias series de retratos:  Look at Me sobre los cómicos de París, sobre las poblaciones de la costa del mar negro (Turquía, Rumania, Bulgaria) en 2003, y sobre gitanos en 2011. Y a continuación comenzó su primera serie de los pueblos del sur de la Navarra española con la serie Tres Pueblos que se exhibió en 2013 en el Instituto Cervantes de Burdeos dentro del festival Itinéraire des Photographes Voyageurs.

    En esta serie, los vastos y áridos desiertos de la provincia meridional de Navarra española no pueden compararse en magnitud con los del oeste americano, pero parecen haberse esparcido en un puñado de pueblos que los rodean, distorsionando sus puntos de referencia, eliminando rasgos visibles que marquen las calles vacías donde casas con contraventanas están respaldadas por crestas de arenisca. La arquitectura, las fachadas discretamente ornamentadas y herméticas, el tono descolorido de las casas y la luz que las revela, recuerdan escenas ya vistas, como un sueño que recuerda mal y que intenta reconstruir. Este lento ritmo de exploración parece convertirse en un viaje más metafórico que un documental, hasta el punto de perder cualquier sentido de la realidad.

    La serie se editó en el libro Pueblo sin retrato que recoge una serie de fotografías realizadas desde 2013 hasta 2015 en Navarra alrededor de las Bardenas Reales, en los pueblos de Caparroso, Valtierra, Arguedas, Marcilla y Villafranca, en las que el autor presenta impresionantes paisajes de lugares vacíos que parecen deshabitados, plantados en medio del desierto, transformando la fotografía de viajes en un itinerario onírico.

    Referencias

    Libros

    • Pueblos sin retrato, 2015.
    • Roms, 2011.
    • Euskaldunak, 2000.
    • OCEANE Roads, 1998.
    • Un paseo, la Habana, Vinales, 1996.

    jueves, 22 de junio de 2017

    Berta Vicente

    Berta Vicente es una fotógrafa catalana (nacida en Barcelona en 1994) conocida principalmente por sus retratos, en los que las personas de su entorno, familiares y amigos, son los protagonistas principales y posan normalmente relajados iluminados por una delicada luz natural.

    © Berta Vicente

    © Berta Vicente

    Biografía

    Berta Vicente Salas tuvo un contacto muy temprano con la fotografía. Cuando cumplió ocho años le regalaron una Polaroid y sus primeras fotos fueron en la misma fiesta de cumpleaños a sus amigas. Sus abuelos le regalaron en su 14º cumpleaños un móvil que tenía cámara de fotos y comenzó otra vez a hacer fotos de sus amigas. Vio que le gustaba hacer fotos, y fue comprando cámaras, haciendo más fotos, teniendo más ideas y evolucionando. Con 16 años tuvo la suerte de darse cuenta que las fotos eran lo que de verdad le hacían feliz y desde ese momento quiere que sea la fotografía lo que le marque su ritmo de vida.

    Le seleccionaron con 17 años en el Festival Emergent de Lleida en 2011, sin haber presentado previamente nada en ningún sitio, ni haber enseñado sus fotos a nadie. Pero le aceptaron en el festival y después expuso en la galería Vàlid Foto. En 2013 ha sido la ganadora en los premios Sony World Photography Awards en la categoría de Retratos en fotógrafos emergentes, con uno de los retratos de la serie Urquinaona 2.

    Esta serie tenia una historia detrás: un edificio construido en 1.800 aproximadamente iba a ser derrumbado para construir un hotel de cinco estrellas. Berta solía coincidir en el autobús con la chica que aparece en las fotografías, habló con ella para fotografiarla allí y por suerte aceptó y la idea pudo materializarse.

    Su seña de identidad son los retratos, en los que las personas de su entorno, familiares y amigos, son los protagonistas y posan al antojo de la fotógrafa. Sus fotos juegan tanto con el blanco y negro como con una paleta de colores muy personal que ella misma ha ido confeccionando. Ha experimentado tanto con la fotografía digital como con la analógica, encontrando en ambas un gran potencial para explotar.

    También realiza una fotografía documental menos delicada que sus retratos, principalmente realizada en Méjico.

    Referencias

    miércoles, 21 de junio de 2017

    Valiente Verde

    Valiente Verde es un fotógrafo español (nacido en 1970 en Serradiel, Castilla – La Mancha, vive en Alicante) especializado en retrato con un toque personal bastante característico, incorporando a la perfección guiños de humor, teatralidad e imaginación.

    © Valiente Verde

    © Valiente Verde

    Biografía

    Valiente Verde se graduó como Técnico superior de Imagen y Sonido en el IES Luis García Berlanga de Alicante. Se inició en la fotografía con la analógica, pero la dejó en segundo plano cuando empezó a trabajar en el Canal Nou de televisión. Volvió a la fotografía y colaboró para el medio digital Diario de Información, en su dominical, con retrato de editorial en la sección Entrevista. 

    Además de lo anterior se dedica a su obra personal y es uno de los profesores del festival PhotoAlicante, donde también expuso en 2015 su serie Dressed To Tractor.

    Es un fotógrafo prolífico que aborda la temática del retrato con gran maestría y un enfoque algo transgresor. Su temática predilecta es retratar realidades urbanas y/o estéticas que persistan prácticamente igual que hace décadas, a las que impregna de contemporaneidad colorista.

    Tiene una exposición permanente en la galería EspacioFoto de Madrid y ha expuesto en casas de cultura como las de Jijona, Irún, Jerez, Santa Pola, Universidad de Alicante, Mistos (Alicante). Ha obtenido diversos premios como los de la Caja Rural (mejor serie en 2014), CCM, Diputación de Alicante, Semana Santa Alicantina, Comercio Alicantino, Otoño Fotografico, Novaire (mejor Serie 2013). Ha sido incluido por Xataka en la lista de los 14 fotógrafos de retratos a los que hay que seguir en internet.

    Referencias

    martes, 20 de junio de 2017

    Haris Nukem

    Haris Nukem es un fotógrafo inglés (reside en Londres) cuya fotografía camina entre la belleza, lo estético y lo antiestético, la cotidianidad más agresiva y las situaciones menos probables de un sector que vive de los ideales de belleza. Podríamos decir que es el retratista del lado oscuro de la fotografía de moda.

    © Haris Nukem

    © Haris Nukem

    Mi comienzo en fotografía comenzó delante de la TV con mi tío Milo. Todos los días venía a mi apartamento. Nos sentábamos allí durante horas hablando de todo lo que nos inspiraba… de la música a la fotografía, a la moda o al cine.

    Biografía

    Haris Nukem es un fotógrafo londinense cuyo trabajo se aleja de la típica fotografía de glamour para centrarse en una expresiva fotografía que glorifica estilos de vida alternativos, retratando a sus modelos de una forma casi animal, por lo que llama a su estilo Tiger Syle. Hijo de inmigrantes, tuvo una infancia atípica jugando a ser ninja con su hermano mayor y viendo películas de anime inapropiadamente violentas.

    Sus retratos poseen una fuerza y una expresividad oscura y cautivadora. Sus modelos muestran una personalidad poderosa y vital, aderezados con pecas, tatuajes, icónicas barbas, modificaciones corporales y sobre todo con sus  penetrantes miradas, asomándose a la contracultura imperante. Con sus colores saturados y unos contrastes hipnotizantes, con una iluminación que dota a sus creaciones de un toque cinematográfico, consigue encontrar la belleza del momento no bello.

    Referencias

    lunes, 19 de junio de 2017

    Jack Davison

    Jack Davison es un fotógrafo inglés (nacido en 1990 en Essex, vive y trabaja en Londres) que, cargado de talento, no teme asumir riesgos y meterse de lleno en el difícil arte del retrato. Su fotografía tiene contrastes profundos, es muy emocional y consigue en cada momento el punto de vista, la textura y el encuadre ideal de cada caso.

    © Jack Davison

    © Jack Davison

    Solía vivir en el campo en medio de la nada, así que antes de que poder conducir, estaba un poco atascado en el mismo lugar. Estaba haciendo un montón de dibujos y pinturas, pero no estaba demasiado interesado en ello, así que empecé a hacer fotografías y me di cuenta de que tenía mucho sentido. Lo que era realmente importante desde el principio era que la gente con la que trabajaba residía en Londres. Siempre que iba en tren a Londres veía y aprendía cosas nuevas. Ahora, mi trabajo trata principalmente de la gente y cosas que he escogido en Londres en los últimos dos años.

    Biografía

    Jack Davison nació y se crio en Essex, en la Inglaterra rural, trasladándose posteriormente a Conventry en los West Midlands, donde estudió literatura inglesa en la Universidad de Warwick. Inmerso en la literatura y el arte desde una edad temprana, su enfoque principal se volvió gradualmente a la fotografía. Desde los 15 años, Davison siempre ha llevado su cámara con él, constantemente fotografiando a su familia y amigos, extraños y alrededores.

    Como fotógrafo, es autodidacta y su principal medio de aprender fue viendo imágenes a través de Internet. El no tener una educación formal en fotografía le ha permitido el tiempo y el espacio para hacer fotografía sin presiones, reglas y el estigma que ser el haber estudiado arte. Así, sin ideas preconcebidas de lo que debía hacer y no hacer, fue feliz experimentando y su trabajo está lleno de investigación y juego, ya que salta entre diferentes cámaras y medios, estilos y géneros.

    Ahorró algo de dinero trabajando en la construcción y en 2013 realizó un gran viaje (seis meses) por las carreteras de los EEUU parando para reunirse con un montón de fotógrafos que conocía a través de Flickr. Necesitaba salir de Inglaterra para variar. El resultado de fotografiar algo tan fotografiado, fue su proyecto 26 states en el que mostraba retratos de todo el país de una forma moderna, honesta y concisa.

    Está representado por la agencia minititle.

    Referencias

    domingo, 18 de junio de 2017

    Arturo Rodríguez

    Arturo Rodríguez es un fotógrafo canario (nacido en 1977 en Santa Cruz de La Palma) que ha trabajado para diversos medios y agencias de comunicación como Associated Prees y Reuters, así como diversas ONGs, entre las que se encuentran ACNUR y Greenpeace.

    ArturoRodriguez

    © Arturo Rodríguez

    Biografía

    Arturo Rodríguez estudió fotografía en Santa Cruz de Tenerife. Antes de terminar sus estudios comenzó a colaborar con la Agencia EFE y en el periódico Universitario de La Laguna, desde donde pasó por diversos medios locales hasta que consiguió trabajo para la agencia Reuters y más tarde para la Associated Press con la que colabora habitualmente, tras ser su fotógrafo oficial en Canarias y trabajar luego en Madrid. Ahora vive en el Sudeste Asiático donde trabaja como freelance.

    Ha colaborado y publicado en el New York Times, Greenpeace, Interviú, El País, El Mundo, Tiempo, Time Magazine, International Herald Tribune, Washington Post, USA Today, Der Spiegel, Paris Match, XL Semanal, El Clarín, El Universal y en la Revista de La Vanguardia.

    En sus encargos ha estado en los campos de refugiados del pueblo saharaui en el noroeste de África en 1995, 2006 y 2011, en Kosovo en 1999 y también en los campos de refugiados de Macedonia y Palestina en 2000,  Haití en 2010 y con la epidemia de cólera.

    Ha participado en muchas exposiciones memorables, incluyendo las exposiciones colectivas Fotonoviembre de 2001, 2005 y 2006. Uno de sus proyectos fue conmemorar el 30 aniversario de la destitución saharaui. También ha expuesto en el Epson Fotofestival de2007 en Naarden, Holanda. Ha participado en la exposición colectiva Light Africa Up sobre la migración africana hacia Europa. Junto con 34 fotógrafos de todo el mundo expuso sobre el tema de la guerra, las migraciones y el hambre en una exposición titulada 34 visiones contra el olvido, un evento organizado por Doctores del Mundo en la Casa Encendida en Madrid.

    Ha obtenido en 2007 dos premios en World Press Photo en las categorías Spot News, single y People in news, Series, una
    Special Honorable Mention en el Canadian International Digital Photography Award, YIPPA 2011 y The World Wide Photography Gala Award por su trabajo Cólera en Haiti, Mención de honor en el FCCT / Lightrocket photo contest 2015 (Club de Corresponsales Extranjeros de Tailandia) por su trabajo sobre minorías étnicas en Myanmar, Face Oblivion, 1º puesto individual (2º en la general) en el VI Concurso de Documentales y Prensa Fotografía de Canarias en 2015.

    Es embajador de Buena Voluntad de la UNESCO en la Biosfera Mundial de Canarias de La Palma.

    Referencias

    sábado, 17 de junio de 2017

    Antoni Esplugas

    Antoni Esplugas fue un fotógrafo catalán (nacido el 26 de abril de 1852 en Barcelona, fallecido en 1929, también en Barcelona) que gozó de gran prestigio durante toda su carrera, fotografiando a personajes de la burguesía y celebridades del momento, como artistas, toreros, deportistas, políticos y jovencitas que más tarde triunfarían en el género de la revista.

    Antoni Esplugas

    Antoni Esplugas

    Biografía

    Antonio Esplugas Puig se inició en su infancia en el mundo de la pintura, oficio que abandonó después de su matrimonio con Rosa Generes. En 1876 abrió en Barcelona un estudio fotográfico en la plaza del Teatro.

    En la Exposición Universal de 1888 consiguió la exclusiva para fotografiar a las personas que subían al globo fijo que existía y como consecuencia de esta actividad obtuvo fotografías aéreas de Barcelona por lo que recibió la medalla de plata de la Exposición; estas fotografías se consideraron por algún tiempo las primeras fotos aéreas realizadas en España, precursoras de las tomadas desde aviones en 1920. Aunque en realidad Charles Clifford ya había realizado una vista aérea de Sevilla desde un globo aerostático en 1855.

    Su trabajo gozó de gran reconocimiento a través de diferentes premios y condecoraciones como un diploma de honor a la exposición de Londres de 1887, medallas de plata en las exposiciones de Barcelona en 1888 y de París en 1899. Además gozó de prestigio al ser fotógrafo de la casa real y caballero de la Orden de Isabel la Católica. En consecuencia pudo ampliar y aumentar su estudio fotográfico y trasladarse al Paseo de Gracia, que era en aquel momento el centro de las empresas fotográficas, la suya fue de las más importantes de Cataluña, junto a la empresa de Pablo Audouard y la Compañía fotográfica Napoleón y llegó a contar con trece empleados, produciendo unas 50.000 fotografías al año.

    En paralelo a este trabajo habitual viajó por España realizando una gran colección de retratos de artistas de la época: cantantes, bailarinas, toreros, pelotaris, etc., que después comercializaba en formato de tarjetas y postales. Además practicó un tipo de fotografía más personal en dos facetas que lo distinguen de la mayoría de fotógrafos de su época: el desnudo y la fotografía de tipo informativo próxima al fotoperiodismo.

    Publicó en L’Esquella de la Torratxa, La Ilustració Catalana y El Teatre Català. En 1881 le concedieron la cruz de la Orden de Isabel la Católica por haber sido capaz de obtener una instantánea en un cuarto de segundo. También obtuvo varios premios durante la Exposición Universal de Barcelona, así como en la Exposición Universal de París y en la Exposición de Londres (ambas en 1889).

    Entre otros proyectos impulsó la creación de museo fotográfico de la publicación de una Galería de catalanes ilustres, una Guía cicerone del viajero o bañista y otras. Su colección hoy preservada en el Archivo Nacional de Cataluña y consta de unas 30.000 fotografías siendo retratos la mayoría. En 1998 se le dedicó la exposición El nu femení: fotografies d’Antoni Esplugas en el Palau Marc de Barcelona.

    Referencias

    Libros

    viernes, 16 de junio de 2017

    Ana Palacios

    Ana Palacios es una periodista, coordinadora de producción de cine y fotógrafa documental española (nacida en Zaragoza, vive en Madrid) que fotografía las esquinas rotas del mundo conviviendo en sus orfanatos, asilos, hospitales, psiquiátricos, slums, …, y documentando comunidades vulnerables como mujeres desahuciadas en India, leproserías en China, albinos en Tanzania, tribus de Etiopía o pigmeos en Burundi.

    © Ana Palacios

    © Ana Palacios

    … hago fotografía documental en la cocina de la vida.

    Un día de estos me quedo en alguna despensa de otro continente

    y a ver como se lo explico a mi madre.

    Biografía

    Ana Palacios estudió Ciencias de la Información (Periodismo) en Pamplona y, posteriormente, cine y fotografía en UCLA en Los Ángeles, donde vivió varios años. Ha ejercido el periodismo en la sala de redacción de los informativos de Antena 3 Televisión, dirigido gabinetes de comunicación y, desde hace más de 15 años trabaja como coordinadora de producción de cine, generalmente en coproducciones internacionales. Ha trabajado con directores como Ridley Scott, Milos Forman, Tony Kaye, Michael Radford, Jim Jarmusch y Roman Polanski.

    Entre película y película, produce fotografía documental, siempre en conexión con proyectos de cooperación al desarrollo en Asia y África. Sus fotografías aumentan la conciencia de la niñez y las cuestiones de la mujer para varias ONGs, incluyendo Manos Unidas, Africa Directo e In Movement

    Esta fotoperiodista fotografía dramas olvidados que nunca ocuparán las primeras páginas de los periódicos en países como Tanzania, Benín, Togo, … Son proyectos documentales que muestran su compromiso en territorios de construcción de paz. Ha documentado la labor en terreno de misioneros y ONGs y fruto de todo ello son trabajos de la talla de Albinos en Tanzania, La Piel de África, Niños esclavos: la puerta de atrás, entre otros. Trabajos de gran calado, que hunden sus raíces para buscar la esencia del ser humano en su estado más vulnerable y mostrar que existe una salida, en los lugares rotos del mundo: orfanatos, asilos, hospitales, unidades psiquiátricas, guetos y similares.

    Su intención es hacer visible a las comunidades vulnerables con un sentido de optimismo y esperanza. Ha vivido junto a mujeres sin hogar en la India, leprosos en China, albinos en Tanzania, tribus en Etopía, pigmeos en Burundi y niños en riesgo de exclusión social en Uganda, que se han convertido en sujetos de algunos de sus trabajos.

    Representada por Espacio Foto, su trabajo sobre cooperación en el desarrollo ha sido publicado en publicaciones internacionales como The Guardian, Al Jazeera, Stern, Die Spiegel, Dias Japón, 6 Mois, Daily Mail, XL Semanal, Mundo Negro, El País, Tiempo, Yo Dona, etc. Colabora con Gea Photowords y Fotodos (Madrid).

    En 2015 publicó su primer libro Art in Movement  sobre el arte como herramienta para el cambio social en Uganda. En 2016 publicó su segundo libro Albino, donde muestra la labor de un grupo de cooperantes españoles que desde hace años trabaja sobre el terreno en el ámbito de la salud y la educación desarrollando programas de prevención, tratamiento y formación para pacientes y médicos locales en Tanzania. El desconocimiento generalizado de las causas del albinismo alimenta su estigmatización y marginación, a los que se añade el temor a ser víctimas de brujos que elaboran elixires de la buena fortuna con miembros de personas albinas. Tras estos problemas se oculta el peligro más grave que les amenaza: el cáncer de piel, que reduce su esperanza de vida a menos de treinta años.

    Referencias

      Libros

      jueves, 15 de junio de 2017

      Kris Pannecoucke

      Kris Pannecoucke es un fotógrafo belga (nacido en 1969 en el Congo, vive en Amberes y Bruselas) cuyo trabajo se centra principalmente en fotografía documental para revistas, tanto corporativas como editoriales.

        

      © Kris Pannecoucke
      © Kris Pannecoucke

        

        

      Biografía

      Kris Pannecoucke realiza fotografía documental para diversas revistas, como Time, GEO y National Geographic Magazine, y sus encargos le han llevado a todas las partes del mundo.

       

      Después de pasar 12 años de su niñez en Kinshasa, donde cada mañana era testigo del poderoso río Congo que fluía paralelo a la avenida Wagenia, ha tenido la posibilidad de viajar al río Congo con 67 belgas, congoleños y científicos de otros países europeos, en una expedición para documentar e investigar la biodiversidad de este río.

       

      En cientos de maravillosas fotografías, capturó la vida en el río, el trabajo de campo realizado por los científicos y las diversas especies de plantas y animales que encontraron durante esta asombrosa expedición. Finalmente, este proyecto ha visto la luz en forma de libro, publicado por www.pichapublishing.com. Fleuve Congo River muestra su viaje a lo largo de uno de los ríos más poderosos del mundo, la ruta ideal para retratar el Congo de hoy en día, un país tan grande como Europa, en el que sin carreteras los ríos son cruciales para la economía, el transporte y la supervivencia en el día a día. Texto del antropólogo y ex editor para África en Libération y Le Monde, Stephen W. Smith.

       

      Kris Pannecoucke está representado por Hollandse Hoogte en Holanda.

       

       

       

      Referencias

       

       

       

      Libros

      miércoles, 14 de junio de 2017

      Michael Woloszynowicz

      Michael Woloszynowicz es un fotógrafo canadiense (basado en Toronto) que trabaja en la fotografía de moda, belleza y retrato. Disfruta manipulando las imágenes.

      © Michael Woloszynowicz

      In Thought © Michael Woloszynowicz

      La interacción con la gente es un gran atractivo para mí, ya que permite que cada proyecto se convierta en una colaboración creativa entre múltiples personas con talento y mantiene las cosas frescas y emocionantes cada vez.

      Biografía

      Michael Woloszynowicz tiene una formación en informática y un master en finanzas corporativas, pero se sintió atraído por la creatividad y la expresión encontradas en la fotografía de personas, edificios y ciudades. Michael comenzó con la fotografía de arquitectura, pasando poco a poco al retrato y a la moda, y se ha especializado en mezclar manualmente innumerables exposiciones para producir sus imágenes finales. Trabaja principalmente para clientes comerciales, agencias de modelos y encargos personales. Utiliza una Phase One IQ250 (formato medio) salvo cuando necesita más agilidad y rapidez.

      Además de crear imágenes, tiene un gran amor por la enseñanza y lo hace a través de una gran variedad de caminos. Proporciona un conjunto completo de tutoriales gratuitos en su canal de YouTube y es instructor en Retouching Academy y RGG EDU, así como columnista en plantilla en Fstoppers.

      Su trabajo ha sido presentado en una amplia variedad de publicaciones internacionales de moda y fotografía y programas de televisión sindicados como Maxim México, Maxim Colombia, Maxim India, Maxim Indonesia, Factice, Point Seven Mach y muchos otros.

      Referencias