lunes, 24 de abril de 2017

Colin Templeton

Colin Templeton es un fotógrafo escocés (vive en Glasgow) con 22 años de experiencia en noticias y deporte. Sin embargo, a pesar de su extensa labor fotoperiodista, trabajando a tiempo completo para el Herald, Sunday Herald y Evening Times, su verdadera pasión es documentar la vida cotidiana, especialmente en los rincones más oscuros de las calles y escondites de Glasgow.

 

© Colin Templeton

© Colin Templeton

Las fotos de ciudades, calles y personas serán fascinantes en el futuro. Todo lo que damos por sentado hoy desaparecerá. Cabinas de teléfono, buzones, taxis sin anuncios en ellos. Taxis. A veces me gusta que salgan coches en mis fotos. Hay gente que aún no ha nacido y que le sorprenderá que a la gente se le permitiera conducir automóviles.

 

 

Biografía

Colin Templeton estudió fotografía en el Glasgow College of Building and Printing y consiguió hacer reportajes de partidos de fútbol para el Sun escocés. Ha trabajado más de 20 años como fotógrafo en plantilla de periódicos de tirada nacional como The Herald, Sunday Herald, The National, Evening Times, y actualmente trabaja como freelance en la Escocia central.

Sus trabajos de noticias, eventos, relaciones públicas y deporte han aparecido en The Guardian, The Times, The Sunday Times, The Independent, The Sun, Daily Express, The Mirror, Sunday Mirror, Daily Mail, Mail Sunday, Daily Record, Sunday Mail, The Scotsman, Scotland on Sunday, HELLO!, Black + White Photography y Leica Fotografie International.

Le encanta su trabajo, y el desafío continuo que le supone, pero al final del día, cuando guarda su bolsa grande y pesada de llena de cuerpos réflex y lentes, puede relajarse, coger su cámara pequeña, con un 50 o un 28mm, y salir a la calle a disfrutar. Ha expuesto en la Hidden Lane Gallery y en el Glasgow Art Club.

 

 

Referencias

domingo, 23 de abril de 2017

Rita Lino

Rita Lino es una fotógrafa portuguesa (nacida en 1986 en Portugal, vive y trabaja en Berlín, Alemania) cuya fotografía podría definirse como animal, instintiva, íntima, narcisista, llena de emociones y de sensaciones, un diario con mil posibles interpretaciones, un lugar espiritual, una rehabilitación auto sostenida delineada por la brutal transparencia de su propia vida.

© Rita Lino

© Rita Lino

 

Para mí, mi fotografía no trata sobre un concepto. La idea viene de dentro de mí y, a veces sólo necesito la luz perfecta o el lugar perfecto. Elijo la ropa y accesorios con mucho cuidado, ya que es una manera de materializar mi concepto, a pesar de que este concepto se trata sólo de sentimientos y emociones. Cuando yo digo que no es sobre el concepto, me refiero a que no tiene un enfoque intelectual, es sobre el amor, la locura, la belleza y los sentimientos.

 

Biografía

Rita Lino vivió y trabajó en Porto y Barcelona, antes de irse a vivir a Berlín. Comenzó a trazar su propio camino en la fotografía explorando libremente y sin ningún tipo de preconcepción la construcción de la imagen fija. Centrándose principalmente en su trabajo personal, lo ha estado desarrollando y materializando bajo una serie de fotos, ejercicios visuales que exploran una "obsesión natural" con el yo y la persona, un continuo "trabajo en progreso" que utiliza el cuerpo como una materia de imprimación para ser recreada y bellamente exorcizada.

Ha desarrollado sus propias series y proyectos personales y ha colaborado con varias iniciativas internacionales, residencias de artistas, exposiciones, e iniciativas editoriales, contribuyendo con su series personales o creando fotos exclusivas para revistas internacionales.

 

Referencias

 

Libros

sábado, 22 de abril de 2017

Judith Prat

Judith Prat es una abogada y fotógrafa aragonesa (nacida en Altorricón, Huesca, en 1973) cuya trayectoria fotográfica ha venido definida por su interés en contar lo que pasa, en informar sobre realidades que a veces no son visibles y en dar vida a historias humanas sobre personas anónimas. A menudo, estas pequeñas historias, pueden mostrarnos cómo es realmente el mundo en el que vivimos.

 

© Judith Prat

© Judith Prat

 

 

Biografía

Judith Prat se graduó en derecho y se especializó en derechos humanos. Comenzó a viajar con oenegés y se dio cuenta de que la fotografía era una herramienta muy potente para documentar y  denunciar las injusticias. Comenzó a formarse en fotografía documental y fotoperiodismo. Pronto se dio cuenta no sólo de su pasión por la fotografía, sino también de cuan poderosas podrían ser sus imágenes al capturar las realidades con las que se encontraba.

En mayo de 2015 se fue a Nigeria para recoger el testimonio de las niñas secuestradas por Boko Haram recién liberadas por el ejército nigeriano. Con el material gráfico y de vídeo ha elaborado el corto Boko Haram, una guerra contra ellas.

En los últimos años ha realizado fotografías sobre diferentes temas como las condiciones de vida de los prisioneros en las cárceles de Panamá, las consecuencias de la crisis económica para los inmigrantes que viven en España, las minas de coltán en el este de la República Democrática del Congo, los refugiados sirios que viven en países vecinos, la situación en el Kurdistán turco

Ha obtenido importantes premios y becas, entre los que podemos citar como ejemplo el Julia Margaret Cameron Award en Inglaterra, Photofest Award en México, Prix de la Photographie en Paris 2014, International Photography Awards (IPA) en EEUU, Moscow International Foto Awards, todos ellos en 2014, …

Ha publicado sus artículos y fotografías en revistas como VICE Australia, VICE USA, Heraldo de Aragón, El Periódico de Cataluña, Periodismo Humano, El Periódico de Aragón, Diagonal, Global, Artes &Letras, ...

ha realizado numerosas exposiciones, entre las que podemos citar, en  2015: MAPHOTO, Photography Festival Maputo en Mozambique, Photography Festival Moscow en Rusia, Libertad Gallery en Querétaro, México; en 2014 en la International Biennial of fine art and documentary photography (Worldwide Photography Gala Awards), Museo del Patrimonio Municipal de Málaga, El Trapiche en Granada, Casa de las Culturas en Zaragoza, etc.

 

 

Referencias

viernes, 21 de abril de 2017

Nelson Souto

Nelson Souto es un fotógrafo español (nacido en Montevideo, Uruguay, en 1956, vive en Barcelona). Fotógrafo de prensa, se ha especializado durante muchos años en reportajes de viajes, ha desembarcado en todos los continentes por cuenta de revistas nacionales e internacionales. La informática se ha transformado en su segunda pasión y no duda en dejarse inspirar por las posibilidades artísticas derivadas de las técnicas modernas.

© Nelson Souto
© Nelson Souto


Biografía

Nelson Souto vive en Barcelona desde 1982. Catalán de adopción, es también un ciudadano del mundo, pues ha pisado los cinco continentes por cuenta de periódicos y revistas de viajes.Tras una larga carrera, consiguiendo un premio en el World Press Photo en 1991, la llegada de la fotografía digital y las nuevas tecnologías le ha permitido ampliar sus horizontes creativos.
En posesión de un archivo fotográfico de una gran riqueza humana, arquitectónica y paisajística, Nelson ha decidido aprovechar su segunda pasión, la informática, para reciclar el fruto de veinte años de labor como fotógrafo. Dejándose seducir por los efectos gráficos de la pintura, se prepara a redescubrir el mundo con un lápiz digital en la mano. Gracias a las posibilidades artísticas derivadas de las técnicas modernas, ha emprendido nuevas andanzas virtuales por tierras bolivianas y barcelonesas donde se deleita entre recuerdos visuales y fantasía pictórica.
Como ejemplo, su muestra Catalunya Digital fue un recorrido imaginativo por los rincones y monumentos más emblemáticos de la ciudad y aporta una visión muy diferente a lo que sería una exposición fotográfica tradicional. La apuesta por la luminosidad en el tratamiento de las imágenes, la inclusión de elementos digitalizados ajenos a la obra le dan una singularidad fuera del común.
Sus fotografías se han publicado en revistas nacionales e internacionales, como El Periódico de Cataluña, Viajar, Paisajes desde el Tren, Integral, Marie Claire, Altaïr, Geo España,  La Vanguardia, El País Viajero, etc.,  y ha trabajado para las agencias de prensa Gamma, Pressfoto, Laif, Europa Press y Visión España.
Ha obtenido diversos premios entre los que podemos citar el comentado anteriormente, Word Press Photo, 3º Premio en la categoría de Arte en 1991, 3º Premio en la categoría Cultura y Espectáculo del Fotopress España en 1991, Premio de Fotografía de la Maison de la France en 1996, …


Referencias

jueves, 20 de abril de 2017

Boris the Flash

Boris the Flash es un fotógrafo moldavo (nacido en Bender, donde vive) que realiza una fotografía de calle, muy especial y algo fantasmagórica.

 

© Boris the Flash

© Boris the Flash

 

 

Biografía

Boris the Flash es moldavo, pero viaja mucho a Israel y realiza la mayor parte de su trabajo en Tel Aviv. Es un contribuidor del grupo de Flickr de Streethunters.net. Forma parte del colectivo de fotografía de calle con flash frontal Full Frontal Flash.

Sus imágenes son de las más inspiraciones y sobresalientes de lo que uno puede encontrar si busca ejemplos de la fotografía de calle. Ya sea combinando el flash con una exposición más larga o simplemente acercándose mucho a la gente que fotografía, sus imágenes tienen un atractivo muy salvaje y algo alucinógeno.

 

 

Referencias

miércoles, 19 de abril de 2017

Valerio Bispuri

Valerio Bispuri es un fotógrafo italiano (nacido en 1971 en Roma) que combina fotografía, antropología y periodismo para intentar comprender el continente sudamericano a través de sus prisiones y de la vida en la calle en los suburbios de sus grandes ciudades.

© Valerio Bispuri
© Valerio Bispuri

Cuando el ojo está cansado de mirar, realmente se empieza a observar. La profundidad de una imagen nace de la perfecta armonía entre lo que se siente y lo que se ve.


Biografía

Bispuri Valerio, nació en Roma, en el año
1971. Después de su graduación en literatura de la Universidad "La Sapienza" de Roma, decidió dedicarse a la fotografía.

Fotoperiodista profesional desde 2001, colabora con numerosas revistas italianas y extranjeras.

Durante diez años estuvo involucrado en "Encerrados", un proyecto fotográfico complejo que muestra las condiciones de vida del "aislado" en cárceles de todos los países del continente latinoamericano.

Esta investigación lo llevó a visitar 74 prisiones, desde las de alta seguridad a las cárceles de mujeres, con el objetivo de contar la realidad social difícil de todo un continente.

La obra "Encerrados" ha viajado mucho y fue expuesta, entre otros, en Vierta la Visa l'Image de Perpiñán (2011), el Palacio de Exposiciones de Roma; en la Universidad de Ginebra, Festival de Cine de Berlín; el Bronx Documental Center (BDC) en Nueva York.

En 2013 Valerio terminó otro gran proyecto fotográfico de ocho años para denunciar la propagación y los efectos de la nueva droga a bajo costo llamado "Paco", que está matando a una generación de jóvenes en los suburbios de las metrópolis de América del Sur. Recientemente, la investigación ha sido expuesta en Estambul de la Cruz Verde Interaccional que creó un catálogo en el personal "Paco".

Estos trabajos le han valido numerosos premios internacionales: el Poy América Latina en 2011 (mención honorífica), los premios Sony World Photography 2013 (1er lugar, Temas Contemporáneos), Días Japón Premios Internacionales Fotoperiodismo en 2013, y el Poy 2014 (2 º lugar, Reportajes Edición de artículos - Revista).

En 2014 Valerio fotografía Filipinas devastada por el tifón Haiyan y los desplazados que aún hayan la paz, centrándose en el área de Tacloban, uno de los más afectados por el tsunami; en los últimos tiempos ha seguido su objetivo en las historias de los niños que escapan desde las orillas opuestas del Mediterráneo para llegar a Sicilia y son bienvenidos en la "Escuela Verde" en Augsburgo.

El año pasado Valerio se ha dedicado a su primer libro, "Encerrados", editado por Contrasto.


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Libros

martes, 18 de abril de 2017

Ming Thein

Ming Thein es un escritor, editor y fotógrafo malayo (nacido en Kuala Lumpur, Malasia, donde vive) que realiza fotografía de calle, pero como fotógrafo comercial está especializado en trabajos de tipo documental corporativo y gran producto, ayudando a mostrar fácil y visualmente a sus clientes donde su empresa es diferente de su competencia.

 

© Ming Thein© Ming Thein

 

Empiezas siendo un fotógrafo de verdad observando …

 

 

Biografía

Ming Thein se graduó en Oxford a la edad de 16 años, y estudió física antes de embarcarse en una carrera corporativa en M&A/private equity. Desde 2004 ha realizado encargos comerciales, pero a principios de 2012, decidió seguir su corazón y comprometerse totalmente con la fotografía, que hasta entonces era una vocación a tiempo parcial pero pasión a tiempo completo, y dejó su puesto de ejecutivo.

Realiza fotografía de calle, pero como fotógrafo comercial está especializado en trabajos de tipo documental corporativo y gran producto, ayudando a mostrar fácil y visualmente a sus clientes donde su empresa es diferente de su competencia. Últimamente, también ha trabajado como consultor  y director creativo para asegurar una apariencia visual coherente en todos los aspectos de una campaña.

Ming es primeramente un fotógrafo, luego un filósofo/escritor, después un fotógrafo comercial, un educador y, finalmente y a distancia, un bloguero. Internet es simplemente otra herramienta para desarrollar su labor como fotógrafo, y edita su blog intentando que el porqué de las fotos sea lo principal.

Entre sus clientes podemos citar a Nissan, Chun Wo Engineering and Construction, Jaeger Le-Coultre, Van Cleef & Arpels, Maitres du Temps, Richemont, Swatch Group, Hijjas Kasturi Architects, Tange Associates Architects, Sunway Group, Maybank, Eastern & Oriental, The Boston Consulting Group, varios chefs con estrellas Michelin como Fergus Henderson y Bruno Menard, y Moon Travel Guides.

También mantiene una biblioteca de más de 250.000 imágenes de alta resolución disponibles para licenciar, tanto directamente como a través de Getty Images. Ha sido nombrado Hasselblad Global Ambassador a principios de 2016, es miembro de Nikon Professional Services en el Reino Unido y consultor de Carl Zeiss AG. También contribuye en varias publicaciones de fotografía internacional y anteriormente fue colaborador y redactor de CLICK! Magazine en Malasia.

 

 

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lunes, 17 de abril de 2017

Benjamin De Diesbach

Benjamin De Diesbach es un fotógrafo franco-suizo (nacido en 1967 en París, donde vive) cuyo trabajo es muy variado y polivalente, yendo desde el retrato barroco a la fotografía de automóviles, pasando por las bodas, portadas de discos, la moda, los objetos y el paisaje.

 

© Benjamin De Diesbach

© Benjamin De Diesbach

 

 

Biografía

Benjamin de Diesbach estudió historia y política. La historia sigue siendo una gran pasión para él. Como fotógrafo, comenzó a trabajar en la década de los noventa para la industria discográfica, y sus fotos han ilustrado muchas portadas de discos.  Ha realizado retratos a  Manu Dibango, Eddy Mitchell, Etienne Daho, …

Al mismo tiempo, trabajó en una serie de fotografías llamadas Portraits baroques. Estas series estaban inspiradas en la pintura del siglo XV. Preciso en su composición, Benjamin busca dramatizar situación extrema y extraer su belleza inherente. Mientras trata de reflejar las tensiones que se siente en el momento del disparo, se congela, como un pintor, en el instante.

Preciso en su trabajo, ha optado por la fotografía de objetos. Fascinado por los problemas técnicos a resolver (reflexión, transparencia, …) esto le ha llevado a entusiasmarse con la fotografía de automóviles. También le fascina la fotografía de reportaje de bodas y eventos familiares.

Su trabajo ha sido publicado en Francia y en el extranjero. También ha sido expuesto en varios museos, como el Museo de Bassano del Grappa en Italia en 2010 y el Museo de Artes Decorativas de París en 2014.

 

 

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domingo, 16 de abril de 2017

Mark Thorpe

Mark Thorpe es un cámara submarino y fotógrafo inglés (vive en Okinawa, Japón) que realiza una fotografía muy variada, desde la submarina a la de calle, pasando por el paisaje y por el macro apilado.

 

Waiting © Mark Thorpe

Waiting © Mark Thorpe

 

 

 

Biografía

Mark Thorpe perfeccionó sus habilidades dentro del campo de la imagen submarina al dejar el ejército después de 12 años de servicio en la infantería británica y la Legión Extranjera francesa. Empezó con la fotografía submarina, en sus 2 años en Djibouti, en el Mar Rojo, todavía en el ejército, y cuando se salió, perfeccionó su técnica y se examinó de buceo en la isla de Tenerife en el archipiélago canario. Se pasó  al vídeo submarino y al cine, y ha estado durante sus últimos 20 años trabajando en un número cada vez mayor de proyectos internacionales de la serie de televisión Blue Chip de historia natural que tratan de proyectos de conservación de bajo o nulo presupuesto. Recientemente ha vuelto otra vez a la fotografía.

En ese tiempo ha tenido la suerte de haber vivido en algunos de los lugares más prístinos, sobre todo alrededor de la región del Pacífico Occidental, especialmente los Estados Federados de Micronesia, la República de Palau y luego las islas de Indonesia.

Actualmente vive en Japón con su esposa, que es originaria de Yokohama, y ​​su hijo pequeño, Joshua. Allí está buscando establecer una Unidad de Medios de Historia Natural para la región de Okinawa.

Ha tenido la suerte de recibir el reconocimiento de la industria de la radiodifusión internacional en forma de un Premio Emmy de Cinematografía, junto a un equipo de cinematógrafos responsables de algunas de las secuencias de la serie Great Migrations de National Geographic, además de haber sido reconocido en varios festivales internacionales de cine e imaginen de vida salvaje.

 

 

Referencias

sábado, 15 de abril de 2017

Jalón Ángel

Jalón Ángel fue un fotógrafo español (nacido el 11 de agosto de 1898 en Viana, Navarra, fallecido en Zaragoza el 6 de diciembre de 1976) que fue una de las figuras más destacadas de la fotografía retratística en España desde los años 20.

 

© Jalón Ángel

© Jalón Ángel

 

 

Biografía

Ángel Hilario García de Jalón Hueto se dedicó a la fotografía por influencia familiar, iniciando su formación en Logroño, con el maestro Alberto Muro, y perfeccionándola en 1916, primero en Lyon, con los maestros Pacalet y Tony Tollet, y posteriormente en París. En esta última ciudad estudió en la Academia de Bellas Artes y trabajó con Arlanda y con el fotógrafo norteamericano Benjamin Benson, de quien aprendió los secretos de la fotografía de moda en la ciudad de la luz.

En 1926, se instaló en Zaragoza y abrió su propio estudio, en la calle Alfonso I, con el nombre de Jalón Ángel, como recuerdo y homenaje a su maestro Benson Benjamín, que había invertido el nombre y el apellido. Por su estudio pasó lo más granado de la sociedad aragonesa, pero también personajes relevantes de la política nacional, del mundo del teatro y del cine y religiosos, y también  de la élite científica, artística y cultural aragonesa y nacional como Inocencio Jiménez, Miguel Allué Salvador, Ramón Rey Ardid, Mariano Benlliure, Celia Gámez, Pepe Isbert, Antonio Mompeón Motos, Ramón Lacadena, Miguel Fleta o Pilar Bayona, entre muchos otros.

Recién inaugurada la Academia General Militar de Zaragoza en 1926, Franco, su primer director, le encargó, como fotógrafo de moda en la ciudad, una colección de retratos familiares y personales. En 1937, en plena guerra civil, Jalón Ángel retrató a Franco en Salamanca, y estas fotografías se utilizarían en centros oficiales y sellos de correos. En 1939 será reclamado por la Casa Real para realizar una serie fotográfica a Alfonso XIII en su exilio romano, junto con Don Juan de Borbón y la Reina Victoria. Ya al final de su vida, retrataría también a la familia del entonces Príncipe de Asturias, Don Juan Carlos de Borbón, Doña Sofía y los Infantes.

Al final de la guerra, en 1939, editó un álbum con 32 fotografías titulado Forjadores de Imperio, con portada del pintor aragonés Alberto Duce e introducciones de José María Pemán y Federico García Sanchiz.

Su éxito profesional nunca le impidió atender continuamente a su formación, tanto para interés propio como para el de la comunidad. En 1955 viajó a la escuela TELLKO, en Vevey, Suiza, empresa gestionada por AGFA, para ponerse al día en las primeras técnicas de la fotografía en color que tendría gran interés en difundir a través de su curso por correspondencia. Tradujo el libro Fotografía del color sobre papel, de A. Curchod y organizó el I Congreso de Fotografía en Color de Zaragoza, difundiendo la nueva técnica mediante cursos a profesionales.

También fue crítico de la Sociedad Fotográfica de Zaragoza, en cuya fototeca se conservan algunas de sus imágenes, y gran dinamizador cultural. Fue, además, cofundador de la Escuela de Formación Profesional San Valero (1953), que hoy ha crecido y son 5 centros educativos de todos los niveles aunados en el Grupo San Valero.

Con una extraordinaria capacidad de trabajo, a lo largo de sus 50 años como fotógrafo archivó alrededor de 450.000 negativos. Resalta su interés por los efectos de luz y un planteamiento estético que no complacía a algunos ortodoxos de la época. A su éxito contribuyeron los efectos de flou y los suaves enfoques. Sus paisajes, principalmente los rurales, se acompañan por un interés hacia los monumentos arquitectónicos y la figura humana. También se interesó por el cine no profesional en pequeño formato.

En 2011 su archivo fue cedido al grupo San Valero y depositado en la Universidad San Jorge de Zaragoza, donde se conserva, se estudia y se gestiona su puesta en valor. El archivo está dirigido por la profesora e investigadora de la Universidad San Jorge, Pilar Irala-Hortal y cuenta con la documentalista Alicia Mellén.  En abril de 2013 se organizó una gran exposición en el Instituto Aragonés de Arte y Cultura Contemporáneos Pablo Serrano con la obra menos conocida de Jalón Ángel, sus fotografías de viajes, que le sitúan en las corrientes estéticas más vanguardistas de la primera mitad del siglo XX, sobre todo en la fotografía urbana. Actualmente se celebra en su nombre un concurso anual de fotografía, con las categorías de retrato y viajes, que fueron los temas principales en su propia obra.

Desde el año 2017 el Archivo Jalón Ángel es socio institucional de la Real Sociedad Fotográfica de Zaragoza, institución a la que también perteneció el propio Jalón Ángel; y forma parte también del proyecto internacional Photoconsortium. Asimismo, los derechos de sus imágenes están gestionados por el VEGAP.

 

 

 

Referencias

 

 

Libros

viernes, 14 de abril de 2017

Andreas Franke

Andreas Franke es un submarinista y fotógrafo austriaco que ha mezclado escenas de otro tiempo con paisajes submarinos naturales o de restos de naufragios, creando mundos y escenas que parecen sacadas del mundo de los sueños.

 

© Andreas Franke

© Andreas Franke

 

Con mis fotografías de The Sinking World, quiero atraer a los espectadores hacia mundos irreales y extraños. Las escenas ordinarias del pasado juegan dentro de un espacio de ficción y se convierten en mundos oníricos en los que puedes perderte o con los que puedes identificarte.

 

 

Biografía

Andreas Franke es conocido por su talento en la fotografía, pero el buceo es su pasión. Lleva trabajando más de 20 años para grandes marcas como Ben & Jerry, Coca-Cola, Ford, General Electric, Gillette, Heineken, Nike, Visa, … Para el Luerzer’s Archive está entre los 200 Mejores Fotógrafos.

Sus naturalezas muertas y sus efectos surrealistas son famosos. En sus imágenes cada pequeño detalle se planea cuidadosamente, sin dejar espacio a la suerte. También es un viajero y su trabajo lo lleva con frecuencia a países de todos continentes.

En 2010 Andreas realizó una expedición de buceo sobre el casco de uno de los nuevos arrecifes artificiales, el Hoyt S. Vandenberg, trasporte militar en la II Guerra Mundial, que fue hundido en 2009, ubicado a 100 pies bajo el nivel del mar, aproximadamente a siete millas al sur de Key West de Florida. Habiendo documentado el viaje y el sitio del naufragio, manipuló digitalmente las imágenes por él capturadas para añadir escenas cotidianas y surrealistas del pasado.

Doce de las fotografías resultantes se instalaron en el propio del barco hundido para poder ser contempladas por los numerosos (+10.000) submarinistas que lo visitan. A pesar de la instalación a prueba de bomba, a los 4 meses el mundo submarino ya había dejado su huella en las fotografías otorgándoles una nueva dimensión.

La respuesta de los visitantes y de los medios internacionales a esta serie Vandenberg, fue un éxito y Andreas ha realizado más proyectos en esta línea o parecidas, como Stravonikita, localizado cerca de la isla de Barbados, y con un mundo decadente de personajes de la época de María Antonieta, y Mohawk, proyecto alrededor del barco de guerra americano de este nombre.

Además de sus exposiciones submarinas, ha realizado exposiciones en EEUU, Eslovenia, Turquía, Bélgica, Maldivas, Mónaco y su Austria natal.

 

 

Referencias

jueves, 13 de abril de 2017

Hilary Duffy

Hilary Duffy es una fotógrafa estadounidense (vive en Nueva York) en cuyas imágenes se refleja su  curiosidad, honestidad, compasión y sensibilidad cultural.

 

© Hilary Duffy

© Hilary Duffy

 

 

Biografía

Hilary Duffy comenzó su carrera de fotografía en noticias y viajes para The Tico Times mientras vivía y trabajaba en Costa Rica en la década de los 90 como profesora voluntaria de inglés y directora de un programa de educación para grupos escolares en la selva tropical. A lo largo de estos siete años, se sumergió en la cultura de Costa Rica y perfeccionó sus habilidades de fotografía.

En el año 2000, Hilary se graduó en el International Center of Photography's Documentary/PJ Program  y más tarde asistió a los Maine Photo Workshops en La Habana, Cuba. Comprometida para compartir la fotografía con la juventud local, desarrolló una biblioteca de fotografía gracias a donaciones de libros y dirigió el curso Havana Youth Photo en el 2003, compartiendo su pasión por la fotografía y educando a una generación más joven.

Como destinataria de la beca ICP / Johnson & Johnson en 2002 y en 2004, Hilary completó las tareas de responsabilidad social corporativa de Johnson & Johnson en la frontera entre los Estados Unidos con México, y después en India y Vietnam. Esto le llevó a encargos posteriores para ONGs en los Estados Unidos, Asia, América Latina, el Caribe y en las regiones afectadas por el tsunami.

Su trabajo y experiencia internacional le brindaron la oportunidad de documentar la difícil situación y la rehabilitación de los niños de la calle para Covenant House/Latin America. Su proyecto Young Lives at Risk on the Streets fue presentado en Media Voices for Children, PhotoPhilanthropy y socialdocumentary.net. Estas colaboraciones le han permitido fortalecer su pasión como fotógrafa socialmente preocupada y trajeron consigo una exposición permanente en el Covenant House Headquarters en la ciudad de Nueva York.

Además, Hilary ha expuesto en Costa Rica, Cuba, Guatemala y los EEUU. Y su fotografía de stock ha sido representada en Aurora, Corbis y National Geographic Image Collection.

Entre sus clientes podemos citar, además de a Covenant House, a Habitat for Humanity, Heifer International, MAP International, UN Women, UNHCR y The Clinton Foundation. También ha dado clases y talleres de fotografía en la ciudad de Nueva York. Tiene una gran  experiencia en viajes, sobre todo a Cuba, y organiza viajes culturales en grupo a esta isla, esperando compartir su conocimiento de Cuba y contribuir a programas educativos que ayuden a mejorar las relaciones, el respeto y la comprensión entre ambos países.

 

 

Referencias

miércoles, 12 de abril de 2017

Camilo Echavarría

Camilo Echavarría es un fotógrafo colombiano (nacido en 1970 en Medellín) con un interés a lo largo de sus diferentes proyectos en la relación del hombre con su entorno. Su práctica artística aborda la representación del paisaje desde una perspectiva cultural e histórica, construyendo paisajes que trascienden la representación fotográfica tradicional, buscando expandir sus posibilidades descriptivas y narrativas al intervenir sus elementos espacio-temporales. Su trabajo de fotografía y video libera la imagen fotográfica de su condición de instantánea y borra las fronteras entre ambos medios.

 

Atardecer en el Trópico, 2011 © Camilo Echavarría

Atardecer en el Trópico, 2011 © Camilo Echavarría

 

 

Biografía

Camilo Echavarría tiene un titulo de Bachelor in Science de la Southern New Hampshire University y un master en Historia del Arte por la Universidad de Antioquia.

Echavarría guarda en su memoria desde niño las imágenes de viajes familiares por carretera. Comenzó a hacer fotos en una de estas salidas y también realizó algunos cursos de fotografía cuando era joven. Aborda el paisaje como una construcción cultural y subjetiva cuyo elemento central es el hombre. Sus obras trascienden la representación fotográfica tradicional y expande sus posibilidades descriptivas y narrativas. Basado tanto en fotografía como en video, su trabajo libera la imagen fotográfica de su condición de instantánea y borra las fronteras entre ambos medios.

En La mirada ilustrada o la ilustración de la mirada: Romanticismo en los paisajes americanos de Humboldt, explora la subjetividad y la idealización en imágenes de la literatura de viaje de los siglos XVIII y XIX. Ha obtenido diversos premios con su fotografía y con la maqueta de su libro Illustrated Landscapes.

Ha realizado numerosas exposiciones en grupo, como Arte colombiano: Cuatro décadas de la colección de Suramericana en el Museo de Arte de El Salvador, San Salvador, en 2014, Diálogo con un paisaje, en el Museo de Arte e Historia de Guanajuato, México, en 2013, etc., y entre las exposiciones en solitario podemos citar: 

  • 2016, Atlas de los Andes: Tomo I en el Centro de Artes de la Universidad EAFIT en Medellín.
  • 2011, Paisajes Ilustrados en la Galería de la Oficina en Medellín.
  • 2010, Ciudad Anónima (P. urbanos) en Edificio Vintage en Medellín.
  • 2007, Re-construcciones en Rococó Galería en Bogotá.

Su obra forma parte de colecciones como la Colección Patricia Phelps de Cisneros en Nueva York, Museo de Antioquia en Medellín, Colección BBVA Colombia en Bogotá, …

 

 

Referencias

 

 

Libros

  • Illustrated Landscapes, 2016.
  • La mirada ilustrada o la ilustración de la mirada: Romanticismo en los paisajes americanos de Humboldt, 2009.

martes, 11 de abril de 2017

Formento & Formento

Formento & Formento es un dinámico equipo formado por la pareja BJ Formento (nacido en Hawaii) y Richeille Formento (nacida en Londres, Inglaterra) dedicado a la fotografía de moda en el que BJ es la luz (el fotógrafo) y Richeille el pigmento (directora creativa). Su estilo es muy personal y cinemático y han hecho un arte de su singular estilo de fotografía.

 

Nami XVI, Hanazono, Japan, 2013. From Japan Diaries series © Formento & Formento

Nami XVI, Hanazono, Japan, 2013. From Japan Diaries series © Formento & Formento

 

 

Biografía

BJ Formento nació en Hawai y creció en Filipinas, estudió Arte en la Academy of Arts University en San Francisco y se trasladó a Nueva York en 1999 siendo asistente de fotógrafos tan importantes como Richard Avedon, Mary Ellen Mark y Annie Leibovitz. Richeille Formento nació en Londres y asistió al prestigioso Central St. Martins College of Art antes de trabajar como directora de arte y diseñadora en la industria de la moda. Dividen su tiempo entre Nueva York y Miami con sus 3 gatos siameses.

Con una sensualidad misteriosa combinada con una narrativa sensible y cinematográfica, con personajes y escenarios de naturaleza ambigua nos recuerdan a David Lynch y a los paisajes de Hopper. Vogue Italia ha sido un precursor y leal partidario de su trabajo, así como revistas de vanguardia como Aesthetica, Blink, Musee y L'oeil de la Photographie.

Comenzaron su colaboración en 2009 y ya 2012 fue un año decisivo para ellos, con nominaciones en la New Exposure Competition de American Vogue. En 2014 sus obras fueron seleccionadas por Vogue Italia y L'Uomo Vogue para Glimpse at Photo Vogue en la Galería Carla Sozzani y en 2015 para 45 Frames from Photo Vogue en Leica Milan Gallery

Han realizado exposiciones individuales en toda Europa desde París, Londres, Berlín, Stuttgart y Dusseldorf. Su trabajo también se exhibió en Boston con la galería Robert Klein y en Nueva York en Edelman Arts Gallery. Han tenido gran éxito también en festivales como Art Basel Miami Beach, Aipad, Photo Paris, Photo London, Photo Shanghai y Armory NYC.

 

 

Referencias

 

 

Libros

lunes, 10 de abril de 2017

Victoria Ivanova

Victoria Ivanova es una fotógrafa rusa (vive en Moscú) cuyo interés principal es dar carácter y alma a objetos estáticos, creando arte a través del uso de pinzas de ropa, verduras o piezas de ajedrez en un original estilo de naturalezas muertas.

 

VictoriaIvanova

© Victoria Ivanova

 

 

Biografía

Victoria Ivanova es, en su vida profesional, una  profesora de economía en una Universidad, pero su verdadera pasión es la fotografía. Tiene realmente un latido diferente tanto en la creación de objetos como en el uso de su cámara. Tiene una gran imaginación para poder traducir una historia imaginaria en su mente en una imagen con una historia completa que el observador la entiende a primera vista. Luces, perspectivas, lente y objetos se mezclan para darnos un nuevo estilo y nuevas ideas de fotografía.

Victoria pasa horas paseando por los mercados de fruta buscando peras con pera-sonalidad, para poder crear estas escenas chistosas, que produce con mimo. Busca peras con la "pose correcta" antes de colocarlas cuidadosamente en una serie de situaciones humanas. En esta serie varias imágenes son únicas, gracias al juego de luces y al encuadre que utiliza la artista.

El bodegón, es un estilo fotográfico en el que se utilizan objetos inanimados para crear escenas vivas. Esto lo aprovecha de manera excepcional Victoria, que utiliza elementos cotidianos y su gran imaginación para expresar de una manera divertida escenas de la vida real.

 

 

Referencias

domingo, 9 de abril de 2017

Jean-Pierre Favreau

Jean-Pierre Favreau es un fotógrafo francés (nacido en 1940, vive en París) que, desde principio de la década de los 80, navega en solitario en todos los continentes, en búsqueda de hombres y mujeres que viven en segundo plano, ignorados, pasajeros perdidos en el océano urbano.

 

© Jean-Pierre Favreau

© Jean-Pierre Favreau

 

Estas calles, estas plazas, estos puertos, son mis desiertos, mi mar abierto, donde me cruzo,
navegando en solitario, pasajeros perdidos en el océano urbano.

 

 

Biografía

Jean-Pierre Favreau nació en 1940 y creció en La Rochelle. Vive en París desde 1962. De 1970 a 1980 viajó por todo el mundo como fotoperiodista: Estados Unidos, América del Sur y el Sureste de Asia. Después de 1980, el viajero se convirtió en fotógrafo, y eligió centrar su atención en las personas en el medio urbano.

En 1982 obtuvo una beca del Ministerio de Cultura francés para un proyecto sobre Nueva York. Optó por poner el foco en la gente de la ciudad frente a su cuestionamiento interno, sorprendida en sus momentos errantes cuando se escapa del universo urbano. Pocos años después, parte de su trabajo se integró en un libro titulado Incertaines cités, publicado por Filigranes en 1997.

De 1985 a 1991, permaneció regularmente en Cabo Verde, exponiendo en 1990 en el edificio del diario francés Le Monde en París y luego en la galería Contrejour de París, que publicó su libro Blues Outremer en 1991, con fotos de Cabo Verde que también fueron mostradas en la Exposición Universal de Sevilla.

Como contribuidor habitual de Le Monde, trabajó en varias ediciones especiales, entre ellas una sobre Francia, que se convirtió en el tema de una exposición celebrada en 1992. También obtuvo varios encargos del Ministerio de Cultura de las Artes en Francia y del Ministerio de Agricultura.

De 1991 a 1998, realizó varios viajes a La Habana, lo que dio lugar a su libro Rue Caraïbes en 1999.
De 2001 a 2009, eligió Japón para ampliar su trabajo sobre el hombre en la ciudad. Y de 2005 a 2012, realizó varios viajes a China.

 

 

Referencias

 

 

Libros

sábado, 8 de abril de 2017

Jacques Leonard

Jacques Leonard fue un montador de filmes, escritor y fotógrafo francés (nacido en París en 1909, fallecido en Cataluña, en 1994) cuya obra de miles de negativos es una valiosa fuente artística y documental de la comunidad gitana que habitaba en las barracas de Montjuïc y de la Barcelona de los años 50 a 70.

 

© Jacques Leonard

© Jacques Leonard

 

 

Biografía

Jacques Leonard fue hijo único de Julien Leonard, entrenador y criador de caballos, y de Emilienne Tabary, empresaria de alta costura, y descubrió el origen gitano de su padre husmeando de niño entre fotos antiguas. Cineasta y escritor, debutó como chico para todo en el primer documental sonoro galo, El país de los vascos, de Maurice Champreux.

Llegó a España en 1940 en busca de documentación para una película sobre Cristóbal Colón. Tras recorrer el país, recaló en Madrid, donde, en paralelo a su actividad cinematográfica, formó parte de una red clandestina de ayuda a compatriotas franceses que huían de la ocupación alemana. Aceptó un trabajo en la productora española Ulargui Films y llegó a Barcelona en los 50, como productor de la revista de éxito Los Vieneses, de Arthur Kaps. Allí contrajo segundas nupcias con Rosario Amaya, que trabajaba como modelo de pintores y pertenecía al clan gitano de las barracas de Montjuic.

Durante los años 50 y 60, el payo Chac, como le apodaron los gitanos de Barcelona, fotografió a la etnia gitana desde dentro, sin sentimentalismos, sin explotar el exotismo o el tipismo, dejando un legado de 3.000 negativos, la mayoría de formato medio y en blanco y negro. Documentó metódicamente todos los aspectos de la cultura gitana: sus fiestas, encuentros, religión, bodas... Con una mezcla de nostalgia y admiración, imprimió a estas imágenes una mirada comprometida, dolida ante la decadencia y la progresiva desaparición de la última cultura nómada de Europa.

Murió Leonard en el barrio barcelonés de La Mina cubierto por un velo de silencio, lejos de sus cámaras fotográficas y dejando grandes incógnitas, sobre su vida, sin responder y un archivo fotográfico que abarca toda su carrera. Durante quince años su legado permaneció almacenado en un trastero hasta que sus hijos Santiago y Alex intentaron recomponer el intenso viaje vital del padre y descubrieron en un manuscrito de puño y letra de su padre, los secretos de una vida azarosa y agitada, donde las experiencias profesionales y los viajes por todo el mundo configuraban un personaje que cautiva por su energía y su saber.

En 2010 se formalizó la adquisición de sus fondos de negativos (unos 18.000, de ellos 3.000 dedicados a la etnia gitana) por parte del Arxiu Fotogràfic de Barcelona. Gracias a su digitalización en curso, en los últimos años han podido verse en Barcelona dos exposiciones de su trabajo Pèlerinage Gitan, que reunía una selección de fotografías realizadas durante los 60-70 en las peregrinaciones gitanas a Santa María del Mar (La Camarga, Francia); y Barcelona gitana.

Por una serie de circunstancias fortuitas, Jesús Ulled conoció a Santi Leonard, hijo de Jacques, que le hizo llegar el manuscrito que había dejado su padre y que utilizó de base para su novela Mitad payo, mitad gitano. Su nieto Yago Leonard ha sido el director del documental Jacques Leonard, el payo Chac, realizado en 2010.

 

 

 

Referencias

 

 

Libros

viernes, 7 de abril de 2017

Fernando Botán

Fernando Botán Mon (nacido en 1908, fallecido en 1983) y Fernando Botán Castillo (nacido en Madrid el 22 de marzo de 1935, fallecido el 24 de agosto de 1983) crearon una agencia fotográfica cuyo archivo ha sido parte esencial de la historia de la tauromaquia española contemporánea, proveedora de diarios y revistas, anuarios, agencias informativas y editoriales, y ganadora de numerosos premios y reconocimientos.

 

FernandoBotan

La pirueta © Fernando Botán

 

 

Biografía

Fernando Botán Mon compró su primera cámara fotográfica en Canarias. Su afición a los toros le llevó a plasmar los mas antiguos negativos en la plaza de toros de Las Ventas a los millones con los que actualmente cuenta el archivo de Reportajes Botán. El diario Ya fue quien publicó sus primeras fotografías. Lo que en inicio fue un mero hobby, se convirtió con la compañía de su hijo Fernando Botán Castillo en un trabajo especializado, en la agencia de reportajes taurinos Reportajes Botán.

Revistas y diarios ya desaparecidos como Dígame, El Ruedo, El Alcázar, Informaciones, Pueblo, o agencias de noticias como Efe, Europa Press, así como las editoriales Planeta Agostini o Espasa Calpe plasmaron en sus páginas momentos inmortalizados por esta Agencia. Sus fotografías ilustraron revistas como Stern (Alemania), Paris Match (Francia), Oggi (ltalia), Gaceta Ilustrada, Sábado Gráfico, Interviú, etcétera, y diarios como 5 días, Ya, Abc, EL PAIS, Diario 16 y Pueblo.

Durante varios años realizaron una anual Crónica gráfica, compendio de las mejores instantáneas de cada temporada taurina celebrada en la madrileña plaza de toros de Las Ventas. También aportaron una valiosa colaboración gráfica a la monumental obra enciclopédica de Los Toros, en su segunda etapa.

Fernando Botán (no sabemos si el padre o el hijo, pero en la página del WPP, aparece el nombre del padre) obtuvo en 1973 un primer premio en el World Press Photo con La pirueta y un año antes había obtenido el tercer premio con El toro volador. Estos momentos insólitos de la lidia, dieron la vuelta al mundo, popularizando la imagen del toro de lidia español.

Otra fotografía icónica suya es la del comandante Ernesto Che Guevara consu clásico uniforme verde olivo y su emblemática boina negra en la cabeza, en una barrera de primera fila en la Plaza de Las Ventas, en 1959.

En la actualidad la firma Botán continúa acompañando, desde hace más de veinte años, la crónica taurina del diario ABC. En la actualidad es María del Carmen Botán Castillo junto a los fotógrafos Santos Martín y Domingo Álvarez, asiduos en Las Ventas, quien está al frente de esta agencia.

 

 

Referencias

 

 

Libros