viernes, 31 de marzo de 2017

Ira Kahn

Ira Kahn es un fotógrafo estadounidense (nacido en 1950, al sur de San Francisco, California) cuyo tema principal es la fotografía abstracta.

 

Mille Bolle Artist Reflected, 1999 © Ira Kahn

Mille Bolle Artist Reflected, 1999 © Ira Kahn

 

La unión del misterio y la vitalidad en el arte de tantas culturas tribales y ancestrales es una influencia fundamental en mi trabajo.

 

 

Biografía

Ira Kahn fue introducido en la fotografía con siete años mientras vivía en Camboya. En 1965 comenzó a desarrollar su arte, haciendo un hermoso trabajo en el cuarto oscuro donde su pasión por las impresiones artísticas nació conforme aprendía a hacerlas. Su trabajo se expuso por primera vez en 1967. Kahn estudió más tarde Arte de estudio y cine en la Universidad de Stanford.

La intimidad y la forma son las piedras angulares de su trabajo. El placer de ver lo inspira; la abstracción y la artesanía lo realizan. En un  mundo tan dado a la imitación, Kahn trabaja con condiciones y sujetos que reflejan una naturaleza genuina propia. Crea su obra de una manera que se basa en características esenciales, pero que, a menudo, están ocultas y oscuras. Sus fotografías son fieles a sus temas aunque siempre interpretativas y con una rara representación. Como las máscaras ceremoniales que revelan más de lo que ocultan, las fotografías de Kahn son conductos a través de los cuales se expresan otras cualidades desconocidas.

Su obra forma parte de distinguidas colecciones públicas y privadas. Ha realizado exposiciones individuales y su trabajo ha sido publicado en revistas y ha aparecido como portadas de libros.

 

 

Referencias

 

 

Libros

  • The Fountains of Bellagio (fotografía y portada).

jueves, 30 de marzo de 2017

Julien Chatelin

Julien Chatelin es un fotógrafo francés y estadounidense (nacido en París en 1968) que realiza fotografía documental sobre cómo la humanidad se relaciona con el entorno, para conseguir tener un camino propio ya sea ante otras potencias o frente a la naturaleza o su propio destino. Ha tocado zonas que luchan por su independencia, regiones en un gran proceso de urbanización y áreas en completa transformación buscando su supervivencia.

 

© Julien Chatelin

© Julien Chatelin

 

 

Biografía

Julien Chatelin comenzó en 1992 su carrera como periodista fotográfico después de graduarse en la Universidad de Nueva York. Comenzó investigando cuestiones sociales en Francia, pero su enfoque se volvió cada vez más hacia los principales acontecimientos internacionales, y en particular a los cambios que se produjeron en Europa Oriental tras el colapso de la Unión Soviética.

Chatelin amplió posteriormente sus horizontes a otros territorios, centrando su atención en el destino de las naciones que luchan por su independencia como estado. Esta serie incluía obras del Cáucaso, Kosovo, Sáhara Occidental, Kurdistán, Xinjiang y Tíbet, cuyo cuyo ensayo Lhasa, the lost soul of Tibet fue presentado en el Open Society Institute.

Entre 2004 y 2006 Chatelin se propuso crear un fresco visual de la sociedad israelí, publicando su trabajo en el libro Israel Borderline en 2008, tras una gran exposición en Cannes.

En búsqueda constante, explorando nuevas dialécticas visuales y narrativas,  produjo Egyptorama, un viaje a través de las tierras semidesérticas de Egipto, rodado en gran formato, que recibió el premio Camera Clara en 2013. Este proyecto es el primer opus de un cuerpo más grande en curso titulado Promised lands, que incluye proyectos en Detroit y el oeste de China, además de otros lugares en los que se implique la urbanización y las transformaciones cíclicas de nuestros entornos.

Chatelin es cofundador de la galardonada revista De L'air, ex miembro de Rapho y Photographer of the year 2016 por All About Photo. Su trabajo ha sido ampliamente publicado a nivel mundial y expuesto en prestigiosos museos como la Casa Europea de la Fotografía o el Centro de Ginebra para la Fotografía.

 

 

Referencias

 

 

Libros

miércoles, 29 de marzo de 2017

Kisa Kavass

Kisa Kavass es una fotógrafa australiana (nacida en Adelaida, Australia, vive en Nashville, Tennessee, EEUU) cuya obra muestra la importancia de las historias de la niñez, el folclore y los cuentos de hadas y su propósito en los procesos de las historias humanas, pues las historias que una vez nos encantaron todavía existen profundamente dentro de nuestra psique y revelan una relación con fuerzas no entendidas, las sombras de la intuición.

 

© Kisa Kavass

© Kisa Kavass

 

 

Biografía

Kisa Kavass nació en Adelaida, en el sur de Australia, de padres con profundas raíces en su legado letón y ruso. A la edad de cinco años su familia se trasladó a los Estados Unidos y pasó tiempo explorando diversas regiones, también de Europa,  antes de finalmente establecerse en Nashville, Tennessee. Estos viajes le inculcaron una intensa curiosidad por el mundo y una fascinación por la naturaleza.

Kisa estudió Inglés e Historia del Arte en la Universidad de Vanderbilt. Su pasión por la creación y el arte la llevó a la fotografía y ha trabajado como fotógrafa profesional durante más de quince años, especializada en fotografía artística y retrato, con su estudio y laboratorio en una pequeña ciudad histórica en los alrededores de Nashville, especializándose en el retrato en blanco y negro impreso en su cuarto oscuro.

Cuando era niña, creció escuchando y leyendo historias que le crearon un estado de ánimo y una curiosidad sobre el mundo natural. A través de su fotografía vuelve a la imaginación y la curiosidad que experimentó de niña. Sus imágenes están destinadas a recordar la memoria de esas historias y crear otras nuevas.

Ha impartido talleres sobre creación de libros, tinte a mano al óleo y procesos alternativos de películas Polaroid. Su obra ha sido publicada en numerosas revistas, como Shots,  y ha realizado exposiciones individuales y colectivas por todo Estados Unidos.

 

Referencias

martes, 28 de marzo de 2017

Jan Vermeer

Jan Vermeer es un fotógrafo holandés de naturaleza que ha estado trabajando como fotógrafo profesional a tiempo completo durante más de quince años. La naturaleza es su mayor fuente de inspiración, y pasa gran parte de su tiempo en el Veluwe holandés, la más amplia zona boscosa del país, con una gran diversidad de paisajes, con bosques, brezales, y la mayor zona de arena de deriva de Europa, Kootwijkerzand.

 

© Jan Vermeer

© Jan Vermeer

 

 

Biografía

Jan Vermeer es un fotógrafo apasionado por la naturaleza y su interés por es amplio y sus temas diversos. En su fotografía, el color y la forma determinan fuertemente sus imágenes.

Además de sus actividades en los Países Bajos, su trabajo ha adquirido una dimensión cada vez más internacional, y Jan viaja regularmente a lugares lejanos, buscando naturaleza virgen. En los últimos años superó el inmenso frío para tomar fotografías de regiones remotas de la Antártida y del Ártico como Spitsbergen, Rusia e Islandia.

Su trabajo ha sido publicado en revistas como Panda, Natuurbehoud, National Geographic Traveler y KLM Holland Herald. Cada año se publican un gran número de calendarios, agendas y diarios tanto a nivel nacional como internacional con sus imágenes. Es un magnífico conferenciante y especialista en presentaciones.

Ha ganado múltiples premios en concursos como el Wildlife Photographer of the Year. Es miembro del ILCP (International League of Conservation Photographers) y ha sido invitado para el proyecto Wild Wonders of Europe. Es Sony Ambassador desde hace tres años.

 

 

Referencias

 

 

Libros

  • Witte Veluwe
  • Antarctica
  • Arctic
  • Breaking Ice.

lunes, 27 de marzo de 2017

Kirk Crippens

Kirk Crippens es un fotógrafo estadounidense (nació en Dallas, Texas, en 1971, vive en el área de San Francisco). Una gran parte de su obra explora la Gran Recesión, con proyectos que buscan la exclusión, la pérdida de empleo, y el colapso de los constructores de automóviles, y otra parte se centra en series de retratos de grupos de personas en su entorno característico.

 

© Kirk Crippens

© Kirk Crippens

Biografía

Kirk Crippens tuvo un comienzo temprano con la fotografía, inspirado por su padre, y su abuelo, que era un fotógrafo militar retirado y que mantuvo un cuarto oscuro en su casa. Estudió fotoperiodismo en la Universidad de Texas en Austin, trabajando en prestigiosos periódicos de todo Estados Unidos.

Con sede en San Francisco desde 2000, centró ya sus esfuerzos en proyectos personales. Ha expuesto ampliamente desde2008 en exposiciones individuales y colectivas, siendo nombrado Top 50 Photographer en el Photolucida’s Critical Mass de 2010 y 2011, nominado para el Eureka Fellowship Program 2011-2013, nominado al premio Photolucida’s book y ha participado en el Festival Internacional de Fotografía de Lishui, China. Ha sido artista en residencia en RayKo Photo Center en San Francisco y en el Newspace Center for Photography de Portland, Oregón.

Sus proyectos tratan principalmente de retratos que identifican a la gente en su entorno particular, como en Hidden Population, una serie de retratos sobre reclusos de San Quentin, o en Portraitlandia, en la que utilizó una cámara fotográfica 4x5” con película sobre la gente de Portland, una rica ciudad estadounidense de Oregón, que se enorgullece de promover el individualismo, inspirado en una popular serie de comedia televisiva, Portlandia, que santifica a esta ciudad de 600.000 habitantes como centro de la política liberal y estilos de vida alternativos. Su mezcla de personajes imaginativos sugiere un alto nivel de reinvención personal y tiende a confirmar a Portland como un paraíso consumista.

Referencias

 

Libros

domingo, 26 de marzo de 2017

Markus Andersen

Markus Andersen es un fotógrafo australiano (nacido en Sídney, donde vive) cuya práctica artística engloba obras documentales, de retrato y conceptuales, que emplean todas las formas de fotografía analógica y digital.

 

© Markus Andersen

© Markus Andersen

 

 

Biografía

Markus Andersen estudió arte en la escuela secundaria y su primera exposición a la fotografía como forma de arte fue el uso de una Nikon F M2 prestada y una lente de 50 mm para crear imágenes abstractas en negativo en color. Ojeando National Geographic y revistas de fotografía de niño quedó fascinado por la luz, la composición y el relato de historias.  Posteriormente estudió fotografía a tiempo completo, obteniendo un título del Sydney Institute Of Technology antes de convertirse en fotógrafo independiente.

Después de muchos años de pulsar botones para otros, tomó en 2012 la decisión consciente de comenzar a concentrarse en sus imágenes personales, así como en trabajos de filmación para exposiciones y libros.

Realiza rápidamente sus imágenes pero éstas revelan múltiples niveles de composición que Andersen captura a nivel intuitivo, buscando elementos que agreguen un estado de ánimo a la imagen y sus decisiones creativas las toman en un instante. Dispara rápido, con un encuadre determinado y se mueve rápido, como si intentara capturar un rayo en una botella, y fotografiando los elementos de luz, sombra y sujeto bailando juntos en unidad dentro del encuadre.

Su trabajo se ha exhibido en Nueva York, París, Estambul, Toronto, Sídney y el Reino Unido. Su obra forma parte de numerosas colecciones privadas y públicas. El cineasta Rob Norton dirigió recientemente un mini documental titulado Into the Belly of the Beast sobre su trabajo callejero en Sídney y su filosofía subyacente.

Es miembro del colectivo Tiny Collectiv, una cooperativa internacional de fotógrafos de calle, con miembros en Nueva York, París, Estambul, Toronto, Zagreb, San Francisco, Los Angeles, Oakland, Atlanta y Sídney.

En su época más actual se ha centrado en 3 cuerpos de trabajo:

  • un proyecto de un año de duración en un suburbio de Sídney con una historia algo polémica, realizado con equipo digital y de película Fuji,
  • otro proyecto basado en las playas de la costa oriental de Sídney filmados enteramente con diversas cámaras Lomo y Diana con película de 35mm y 120, y
  • su trabajo de calle en blanco y negro con sus cámaras MP y M4 de Leica.

 

 

Referencias

 

 

Libros

  • Rage Against The Light, 2015/16.
  • Cabramatta: a moment in time, 2017.

sábado, 25 de marzo de 2017

Sofía Ayarzagoitia

Sofía Ayarzagoitia es una fotógrafa mejicana (nacida en 1987 en Monterrey, Nuevo León, donde vive). Una gran parte de su trabajo gira en torno a la intimidad y a los temas que surgen de ella, manteniendo el vínculo necesario entre el arte y la vida. Trata de explicar su viaje existencial y psicológico, mientras explora también la delgada línea entre los recuerdos, la ficción, el tiempo y el espacio.

 

© Sofía Ayarzagoitia

© Sofía Ayarzagoitia

 

 

 

Biografía

Sofía Ayarzagoitia estudió fotografía en LCI en Monterrey,  fotoperiodismo en 2012 en la Escuela José Martí en La Habana, Cuba, y en 2015/16 realizó el Master Europeo de Fotografía Artística de IED en Madrid. Desde que en 2012 obtuvo el premio Casa de la Cultura de Monterrey, ha expuesto colectiva e individualmente en México, Polonia, … publicado su fotografía y conseguido ser en 2016 Foam Talent, ganadora de la competición de photobooks en La Fabrica en Madrid, una beca de la Chung Ang University de Corea del Sur y ganadora de la XVII Bienal de Fotografía Centro de la Imagen de Ciudad de México.

Sofía está interesada en la fotografía que tiene algo de perfomance pero que deriva del patrimonio documental. Esta frontera con la perfomance se extrae de la relación empática que comparte con sus sujetos fotografiados. Incluso aunque ella nunca aparezca en las fotografías, el trabajo siempre se refiere a ella, no sólo a través de textos, sino también a través de esta relación.

Every night temo ser la dinner es un diario fotográfico, a través de micro-narraciones no lineales, de vivencias recogidas por su cámara, en el que la fotógrafa recoge un total de once encuentros con hombres, realizados durante su estancia en Madrid entre 2015 y 2016. La maqueta ha sido publicada por La Fábrica y forma parte de su catálogo editorial

 

 

Referencias

 

 

Libros

viernes, 24 de marzo de 2017

Chris Hadfield

Chris Hadfield es un aviador y astronauta canadiense (nacido el 29 de agosto de 1959 en Sarnia, Ontario) que ha realizado bellas fotografías de la Tierra desde el espacio.

 

© Chris Hadfield

© Chris Hadfield

 

 

Biografía

Chris Hadfield creció con sus padres en una granja de maíz. Desde joven estuvo interesado en volar, su padre era piloto de aviación y tenía una avioneta,  y tuvo la idea de ser astronauta cuando, con nueve años, vio en televisión el aterrizaje del Apolo 11. Pero Canadá no tenía un programa de astronautas, ni lo tendría en un futuro previsible.

Pasaba su tiempo en casa aprendiendo mecánica sobre tractores y coches viejos, y volando con su padre y hermanos cada vez que podía. Entró en la RCAF, convirtiéndose en un piloto de prueba experimental y pilotando más de 70 tipos diferentes de aviones. Se aseguró de que cuando surgiera la oportunidad de viajar al espacio, estaría preparado para ello.

Entre otras actividades espaciales, Chris ha volado en el espacio tres veces, en 1995, 2001 y 2012/13, una vez en la estación espacial rusa MIR y dos veces a la Estación Espacial Internacional. En estos tres vuelos, hizo unas 45.000 fotos. No hay tiempo en órbita para revisar todas estas fotos, así que hizo un montón, las descargó a la Tierra, y la NASA se quedó la mayoría. A pesar de ello, ha realizado un par de libros con las fotos más bellas. Las fotografías tomadas a bordo de la Estación Espacial Internacional (ISS) están realizadas a alrededor de 400 km de la superficie, y a esa altitud se da una vuelta a la tierra cada 92 minutos.

El coronel Hadfield ha sido el primer canadiense en subir al espacio, el primer comandante canadiense de la Estación Espacial Internacional, pero es también un autor de libros de fotos muy vendido, causó sensación su versión de Space Oddity, canción de David Bowie, que se grabó en la Estación Espacial Internacional, y cuyo videoclip colgó en su página personal de YouTube y un magnífico conferenciante y orador.

 

 

Referencias

 

 

Libros

  • An Astronaut’s Guide to Life on Earth.
  • You are Here: Around the World in 92 minutes.
  • The Darest Dark (para niños).

jueves, 23 de marzo de 2017

Gustave de Beaucorps

Gustave de Beaucorps fue un fotógrafo francés (nacido en Rochefort el 13 de noviembre de 1824 y fallecido en Niza el 10 de junio de 1906) cuyos estudios sobre la arquitectura, paisaje y gentes de Argelia (invadida por Francia en 1830) aprovecharon la fascinación pública por las representaciones orientalistas del Oriente Medio y del Norte de África.

 

Harem Slave, Algeria, 1859. Gustave de Beaucorps

Harem Slave, Algeria, 1859. Gustave de Beaucorps

 

 

Biografía

El conde Jean-Félix Gustave de Beaucorps, miembro destacado de la aristocracia francesa, perteneció a una saga familiar de miembros volcados en estudios arqueológicos, especialmente centrados en el arte islámico y en el coleccionismo.

Se inició en la fotografía con Gustave Le Gray. Con el objetivo de inmortalizar el mayor número de estampas ligadas con su pasión por el mundo oriental y la arqueología, emprendió varios viajes. En 1856 en un viaje por Francia realizando imágenes de París, Blois, Chambord, Compiègne, Coucy y Pierrefonds. En 1857 viajó a Bélgica, y en 1858 a España y Portugal, donde retrató las ciudades de Valladolid, Toledo, Burgos, Sevilla, Granada, Coimbra y Lisboa. De ahí continuaría viajando hasta Argelia, frecuentando en los años siguientes otros lugares del Mediterráneo, como Italia y Turquía.

Experimentó con diferentes técnicas fotográficas, destacando en el uso del calotipo o positivo de papel, un procedimiento que en la época era más cómodo de cara a afrontar los riesgos y accidentes de un largo viaje, en contraposición al vidrio. A través de esta técnica, retrató escenas pintorescas, persiguiendo el ideal romántico. Controlaba minuciosamente cada detalle, desde el enfoque hasta la iluminación o la composición de la escena. 

Durante su viaje por España entabló amistad con el fotógrafo británico Charles Clifford, acompañándolo a su visita de la Alhambra el 10 de junio de 1858, tal y como consta en el libro de firmas del monumento.

Expuso en la Société Française de Photographie (París), de la que era miembro, en 1859, 1861 y 1869. No se conoce ningún libro editado por él, pero sí se conservan numerosas copias positivas a la albúmina y negativos en papel encerado de gran formato, dispersos en diversas colecciones públicas y privadas de España y Francia, como las de la Universidad de Navarra y el Musée d‘Orsay de París.

Su magistral retrato del mundo oriental mereció, casi 150 años después, el montaje de una exposición en Les Musées de Saintes et de Poitiers en 1992, titulada: Gustave de Beaucorps (1825-1906). Calotypes, y la edición de un catálogo llamado L’appel de l’orient.

 

 

 

Referencias

 

 

Libros

miércoles, 22 de marzo de 2017

Juan Cristóbal Cobo

Juan Cristóbal Cobo es un fotógrafo colombiano (nacido en Cali, vive en Bogotá) que realiza fotografía de calle en Bogotá y Nueva York.

 

© Juan Cristóbal Cobo

© Juan Cristóbal Cobo

 

 

Biografía

Juan Cristóbal Cobo nació en Cali y se trasladó a Nueva York siendo un adolescente. Sus primeras pasiones se centraron en el cine, pero después de 30 años como director de fotografía y director comercial, se encontró fuertemente atraído por el arte de la fotografía fija.

Estudió cine en la Universidad de Nueva York, ciudad donde vivió y trabajo por más de diez años. Como director de fotografía ha filmado siete largometrajes como Águilas no cazan moscas, La deuda, El rey, Esto huele mal, Yo soy otro), varios cortos (Hoy es un día distinto, Juntos no es suficiente y La serenata) y cientos de comerciales, siendo nominado en la categoría Mejor Fotógrafo para largometraje en los dos últimos Premios Nacionales de Cine en Colombia. En el área de la publicidad sus trabajos han sido frecuentemente premiados en festivales nacionales e internacionales, como el de mejor director de cine publicitario en El Ojo de Iberoamérica.

A diferencia del caos controlado de un estudio de cine, ahora encuentra la paz perdiéndose entre extraños, inmerso en entornos diversos y listo para capturar momentos espontáneos con el solo clic de su obturador. Desde 2013, esta nueva pasión ha sido su único enfoque y es el medio que le permite expresar mejor su voz interior.

Entre sus trabajos fotográficos podemos citar La 7ª sobre la calle principal y más histórica de Bogotá, que se extiende por muchos kilómetros a lo largo de la ciudad, cambiando drásticamente en vistas, olores y sonidos. Este trabajo se centra sólo en unas pocas cuadras del centro de la ciudad donde las cicatrices irregulares de los eventos históricos todavía están a la vista para que todos puedan ver. Está poblada por personas que recuerdan a los viejos Bogotá o Cachacos: políticos, hombres de negocios, artistas callejeros, vagabundos y solitarios que infunden al ambiente una extraña dosis de surrealismo. Ha estado fotografiando este tramo de la ciudad durante muchos meses, tratando de construir un retrato de esta calle, de esta ciudad, donde la desesperación y la esperanza no están en oposición, sino que coexisten entre sí.

En Otros ojos, reflexiona sobre el hecho de que, como las calles están inundadas de cámaras, el retrato se ha vuelto distante y anónimo, y su cámara es una mas entre los millones que inundan las calles convirtiéndome así en un espectador solitario que pasa desapercibido entre la multitud.

 

 

Referencias

 

 

Libros

  • En el café, con Sofía Oggioni Hatty.

martes, 21 de marzo de 2017

Evan Anderman

Evan Anderman es un geólogo y fotógrafo estadounidense (nativo de Colorado, vive en Denver) que busca cuestionar nuestra comprensión de la relación entre el desarrollo humano y el mundo natural documentando la forma en que usamos la tierra.

 

© Evan Anderman

© Evan Anderman

 

Como geólogo, cuando vuelo sobre las altas llanuras del este de Colorado, miro las capas múltiples y superpuestas y cómo la tierra ha sido modificada por una combinación de procesos, tanto naturales como artificiales. La capa más baja, la tierra misma, se ha creado en millones de años y forma los cimientos. La cubierta que le cubre es lo que la humanidad ha impuesto de varias maneras, con actividades y estructuras que se llaman colectivamente "progreso". Aunque mi principal interés es la sutil belleza del paisaje en sí, también me gusta descubrir lo que el hombre ha hecho con esa tierra y hacer que el espectador se pregunte qué está pasando y por qué. Las imágenes son fundamentalmente estéticas, pero te dejan cuestionando el tema.

 

 

Biografía

Evan Anderman estuvo décadas trabajando como geólogo, y tiene un master y un doctorado en Ingeniería Geológica de la Colorado School of Mines y una ingeniería en geología en la Princeton University. Poco a poco se fue convirtiendo en fotógrafo de paisajes y naturaleza artística, normalmente desde los aires,  que intenta desafiar nuestra comprensión de la relación entre los seres humanos y el mundo natural documentando los paisajes cambiantes, las corrientes y la atmósfera que son pasadas por alto por el desarrollo humano.

Decidió concentrarse en las planicies orientales de Colorado porque su belleza sutil ilustra las tensiones globales a escala local. Son regiones escasamente pobladas de Colorado que están sujetas a una mezcla diversa del uso de la tierra. Grandes extensiones se dan a la recolección de cultivos o pastoreo de ganado, lo que si no se gestiona cuidadosamente puede diezmar el paisaje. Su tema más reciente es el negocio de la energía, que hasta hace poco tenía sólo una pequeña presencia en la zona. Pero se ha expandido rápidamente, invadiendo o incluso superponiendo los espacios agrícolas. Todavía no está claro si ambos pueden coexistir y si estas dinámicas cambiantes tendrán un impacto sobre el paisaje y la tierra.

Su fotografía puede encontrarse en la colección del Denver Art Museum, así como en muchas colecciones privadas en todo el país. Su trabajo ha sido expuesto en instituciones nacionales e internacionales, incluyendo el DongGang International Photo Festival de Corea del Sur, Mt Rokko International Photo Festival en Japón, Denver Public Library, Midwest Center for Photography, The Dairy Center for the Arts, The Arvada Center, American Mountaineering Center, Denver International Airport, The Museum of Outdoor Arts, The Arts Student’s League of Denver, Carmen Wiedenhoeft Gallery, The Colorado State Capitol, Robischon Gallery, Lamont Gallery, Buttonwood Art Space y su propia galería en el Denver’s Santa Fe Arts District.

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

lunes, 20 de marzo de 2017

Daniel Arnold

Daniel Arnold es un escritor y fotógrafo estadounidense (nacido en Milwaukee, Wisconsin, vive en Brooklyn, Nueva York) ampliamente conocido por sus instantáneas sinceras de escenas callejeras y de pasajeros del metro de Nueva York, y que, a diferencia de las generaciones anteriores de fotógrafos callejeros, su utilización de Instagram y Tumblr lo hace sentir como un participante activo en la comunidad de Nueva York, no sólo como un observador pasivo.

 

© Daniel Arnold

© Daniel Arnold

 

 

Parpadeas y el momento ha desaparecido por completo y el único lugar en el que existe es en tu cabeza o en tus fotos o en cualquier manifestación creativa que tengas en tu vida. La Nueva York de mi cabeza probablemente no existe.

 

 

Biografía

Daniel Arnold nació en una familia con ocho hijos. Fotografía todo el día todos los días, pues está obsesionado. Antes de renunciar a su trabajo capturaba reuniones, comidas, sus viajes, todo. Ahora que está más libre pasa la mayor parte de los días caminando, no necesariamente pensando en sus fotografía e, incluso, sin un objetivo en mente. Llevar una cámara encima le hace sentir que todo ese vagabundeo sea productivo.

Un Garry Winogrand de la era digital, Arnold ha hecho miles de fotos de personas en las calles de Nueva York, algunas robadas, otras más formales. Como Winogrand y Friedlander antes que él, Arnold es un maestro en capturar los momentos sutiles y las interacciones. A diferencia de sus antepasados, sin embargo, pone sus imágenes a disposición de literalmente miles de personas al instante a través de las redes sociales. Considerado uno de los mejores fotógrafos en Instagram, le cancelaron su cuenta por mostrar unas fotos en topless de una playa, pero creó otra cuenta donde ahora tiene más de 135.000 seguidores. También ha tenido relevancia por conseguir vender en un día fotografías por valor de 15.000$ a través de su cuenta de Instagram.

Como no todo puede ser el mundo virtual de las redes sociales, recientemente ha completado una importante serie en el metro para el New Yorker, y ha fotografiado la Met Gala para Vogue. Su trabajo ha sido publicado en el New Yorker, Forbes, Gawker y The Huffington Post, entre muchos otros medios de comunicación. También ha expuesto individual y colectivamente, como su exposición individual New Photos en Mark Wolfe Contemporary Art en San Francisco.

 

 

Referencias

domingo, 19 de marzo de 2017

Claudi Carbonell

Claudi Carbonell fue un ingeniero y fotógrafo catalán (nacido en Barcelona en 1891 y fallecido en 1970) cuya obra consistió principalmente de naturalezas muertas y paisajes que representaba con estilo pictorialista.

 

El moro de la guitarra, de Claudi Carbonell

El moro de la guitarra, de Claudi Carbonell

 

 

Biografía

Claudi Carbonell i Flo estudió ingeniería industrial en Alemania, trabajando durante un tiempo en ese país. Aprendió fotografía de modo autodidacta. En 1923 fue socio fundador de la Agrupación Fotográfica de Cataluña junto a Josep Desmestres, Salvador Lluch y Joaquim Pla Janini. También presidió la Federación Española de Fotografías Artística (1952-1967).

Estaba especializado en la técnica del bromóleo, hasta el punto de poseer un taller de producción de papel para él mismo, con su socio Federico Fernández. Trabajaba con formatos pequeños, lo que aportó a sus retratos de personajes populares y paisajes un tono intimista. Algunas de sus fotografías se publicaron en el boletín de la Agrupación Fotográfica de Cataluña, creado en 1925, y en El Progreso Fotográfico, una publicación que defendía el pictorialismo.

A pesar de ello, en 1935 Carbonell reclamó una fotografía sin artificios desde la revista D’Aci i D’Alla, y recomendó aprovechar los espacios a los que la pintura no podía acceder, para captar la realidad con mucha precisión, plasmar el momento decisivo de una acción o de una escena y detener el movimiento.

Entre las exposiciones donde se han podido ver sus obras destaca Imágenes de la Arcadia, en la Biblioteca Nacional de Madrid, dedicada a la fotografía catalana de los años treinta. Parte de su obra se encuentra en el Museu-Social de la Agrupación Fotográfica de Cataluña y sobre todo en el Museo Nacional de Arte de Cataluña que recibió la cesión de esta asociación de 3.500 fotografías de sus fondos, incluyendo obras de Claudi Carbonell, Antoni Crous, Joaquim Pla Janini, Joan Colom, Joan Porqueras y Josep Closa Miralles, entre otros.

 

 

Referencias

 

 

Libros

sábado, 18 de marzo de 2017

Adalberto Benítez

Adalberto Benítez fue un fotógrafo español (nacido el 23 de abril de 1912 en Santa Cruz de Tenerife, Islas Canarias, y fallecido el 24 de junio de 1975, también en Santa Cruz de Tenerife) que fue polifacético y un excelente observador del paisaje insular, cronista de la historia e investigador de nuevas formas y técnicas de la fotografía en los años veinte. Introdujo fórmulas y conceptos modernos en sus retratos de estudio y aplicó en sus obras propuestas de nuevas tendencias estéticas de la época como la Nueva Visión y la Nueva Objetividad.

 

Adalberto Benítez

Adalberto Benítez

 

 

 

Biografía

Adalberto Jorge Benítez Togores antes que fotógrafo quiso ser pintor. Recibió clases del artista Teodomiro Robayna, profesor desde 1898 de la Escuela Municipal de Dibujo de Santa Cruz de Tenerife y cofundador y director del Museo Municipal de Bellas Artes, participando en 1917 con sus dibujos y apuntes en una exposición celebrada en el Ateneo de Santa Cruz de Tenerife.

A principios de 1919, comenzó a dar forma a su proyecto de abandonar la isla para completar su formación. Primero pensó en París, sin embargo en el último momento cambió de opinión y emigró a Cuba, país donde inició su fructífera relación con la fotografía, además de como creyonista (retocador de instantáneas e iluminando imágenes al pastel y al óleo). Durante esta época hizo muchos retratos y autorretratos, faceta en la que demostró su capacidad interpretativa de la psicología de los personajes que inmortalizó con su cámara.

En 1921 regresó a Tenerife y abrió una librería (su padre fue librero, impresor, fotógrafo y litógrafo) vendiendo artículos de papelería, de música y de cine, y compaginando enseguida su actividad de librero con la de fotógrafo y vendedor de artículos relacionados con la fotografía (venta de papeles, fondos, tarjetas postales, cámaras, álbumes, marcos) y encargos de ampliaciones fotográficas, revelados de películas y "tiradas de pruebas".

En 1926 la librería se convirtió en el Arte Estudio Fotográfico de Adalberto Benítez. Al principio vendía materiales relacionados con la fotografía y el revelado, hasta que se animó a presentar sus propios trabajos, sobre todo retratos, especialidad a la que incorporó nuevas fórmulas compositivas y soluciones técnicas poco comunes.

Sorprende la modernidad de sus fotografías ya a principios de la década de los 30, con un temprano uso del fotomontaje y de los recursos estilísticos de la Nueva Objetividad y de la Nueva Visión. Esta asimilación de tendencias, que ya era hasta cierto punto excepcional en el panorama español, no consistió en una imitación superficial de recursos, sino que se vio acompañada de una verdadera renovación de la visión, que se expresa fundamentalmente en sus fotografías de paisaje y en sus bodegones. En estos capítulos de su trabajo demuestra una sensibilidad muy desarrollada hacia los elementos naturales, de los que obtiene calidades escultóricas, como en sus preciosas fotografías de flores, cactus y dragos.

En 1924 empezó a colaborar como redactor gráfico de La Prensa, además de exponer regularmente sus trabajos fotográficos en su local. Fue colaborador en los rotativos Hoy, Diario republicano de Tenerife, Blanco y negro, La Tarde y El Día, y en la revista gráfica Hespérides en la que, como redactor gráfico contribuyó a difundir los paisajes de las Islas.

En 1936 se afilió a la Falange Española, e inició la edición de tarjetas postales de felicitación para los combatientes, a partir de dibujos y composiciones propias. En la década de los 50 comenzó su actividad pública como consejero del Cabildo Insular de Tenerife y como concejal del Ayuntamiento de Santa Cruz de Tenerife, con un papel destacado como responsable del Servicio de Parques y Jardines Municipales. También participó activamente en diversas agrupaciones fotográficas, concursando en salones de fotografía.

En 1968 abandonó la fotografía tras ser operado de cataratas, y su estudio fue regentado por su familia. En los años 90 se digitalizaron más de 40.000 fotografías para conservar su obra.

Su obra se incluyó en la exposiciones colectivas Les avantguardes fotogràfiques à Espanya (1977) y La fotografía pictorialista en España (1998), ambas celebradas en la Fundación “la Caixa” de Barcelona. En el año 2000, el Círculo de Bellas Artes de Santa Cruz de Tenerife volvió a acoger una muestra monográfica suya. Bajo el nombre de Las islas, se mostraron 72 instantáneas realizadas entre los años 20 y 60. En 2011, su trabajo ha vuelto a poder contemplarse en el Espacio Cultural El Tanque en Santa Cruz de Tenerife. Su legado se encuentra repartido entre la Colección Gilberto Benítez y el Archivo Municipal de Santa Cruz de Tenerife.

 

 

Referencias

 

 

Libros

viernes, 17 de marzo de 2017

Sim Chi Yin

Sim Chi Yin es una documentalista visual (nacida en 1978 en Singapur, vive actualmente en Pekín) centrada en proyectos en Asia. Está particularmente interesada en la historia y en la memoria, la migración y la transitoriedad.

 

© Sim Chi Yin

© Sim Chi Yin

 

 

Biografía

Sim Chi Yin nació y creció en Singapur en una familia de origen chino. Estudió Historia Internacional en la London School of Economics and Political Science.Trabajó como periodista y corresponsal en el extranjero para The Straits Times, el diario nacional de lengua inglesa de Singapur, durante nueve años, hasta que decidió dedicarse a la fotografía a tiempo completo. Actualmente vive en Pekín desde hace 9 años, y siente que pertenece tanto al sureste asiático como al mundo chino, teniendo puesto el foco en el encuentro de culturas diferentes que se mezclan o que divergen.

Ha realizado encargos de fotografía, video y multimedia para TIME, The New York Times Magazine, National Geographic, Le Monde y The New Yorker, entre otras publicaciones internacionales, así como para ONGs. Su trabajo personal es a más largo plazo y es presentado en libros, instalaciones y proyecciones.

Su trabajo ha sido mostrado en los festivales fotográficos en Arles y Perpiñán, y expuesto en el  PhotoVille en Nueva York, el Annenberg Space en Los Angeles, Paris Photo, Nobel Peace Center en Oslo y diversos festivales en China. Ha impartido conferencias y clases en festivales y escuelas de Estados Unidos, Europa y Asia.

Chi Yin es uno de los 18 fotógrafos del mundo representados por la Agencia Fotográfica VII, con sede en Nueva York. Obtuvo una beca Magnum Foundation Human Rights y Photography fellow en la New York University y fue finalista en la Beca W. Eugene Smith en Fotografía Humanística en 2013. Fue seleccionada como una de las 30 fotógrafas emergentes a nivel mundial por Photo District News (PDN30) en 2013 y Ones to Watch  por el British Journal of Photography  y Young Woman Achiever Award en 2014. También ha sido miembro del jurado del World Press Photo para categorías documentales en 2016.

Su proyecto a largo plazo, Dying to Breathe: The Unseen Cost of Gold Mining, con el soporte del Pulitzer Center on Crisis Reporting, fue publicado en 2015.

 

 

Referencias

jueves, 16 de marzo de 2017

Maren Elize Klemp

Maren Elize Klemp es una fotógrafa noruega (vive y trabaja en Oslo) cuyo interés en la fotografía abarca el autorretrato, la fotografía en blanco y negro y el uso de equipo fotográfico vintage que infunde a sus imágenes una dimensión intemporal, utilizándose a sí misma y a sus hijos como modelos.

 

© Maren Elize Klemp

© Maren Elize Klemp

 

 

Biografía

Maren Elize Klemp comenzó con la fotografía cuando era una adolescente y vivía en una pequeña ciudad en las afueras de Oslo, Noruega. Su primera cámara, regalo de su padre, abrió su mente a un nuevo universo, y dejó con 17 años la escuela para trabajar como fotógrafa en el periódico local. Allí aprendió mucho, pero pronto se dio cuenta de que estaba más interesada en la fotografía artística que en el fotoperiodismo y se fue a estudiar a la Robert Meyer Kunsthøgskole en Oslo.

Desde entonces Klemp ha estado trabajando en varios proyectos relacionados con el arte. En 2014 viajó a Charleston, Carolina del Sur, para trabajar en su primer libro junto con el fotógrafo y profesor, José Escobar. El libro se llama Between Intervals y es una representación visual de las condiciones que las personas con enfermedades mentales pueden experimentar.

En su trabajo, investiga las profundidades de la psique humana, creando autorretratos en blanco y negro para profundizar en lo que describe como los lados más oscuros de la mente humana. Klemp fue diagnosticada con trastorno bipolar en 2013 y su trabajo enigmático ofrece representaciones visuales de la agitación interna que puede tener los que sufren enfermedades mentales como la suya.

Sus fotografías arrojan una luz suave sobre la lucha con el dolor y el aislamiento, creando una belleza mística sobre lo trágico. En algunas, parece estar huyendo o cayendo a ciegas a través de lo desconocido; en otras, está cubierta por gasas o una niebla cambiante, como si la realidad cotidiana estuviera oscurecida.

Está representada por Lensmodern en Londres, ha obtenido diversos premios, como 1º premio en Retrato en los International Photography Awards, y 1º premio en autorretrato en los Tokyo International Foto Awards, ambos en 2016, y ha realizado diversas exposiciones de su obra, en Oslo y en París.


 

Referencias

 

 

Libros

  • Between Intervals.

miércoles, 15 de marzo de 2017

Rubén García

Rubén García es un fotógrafo andaluz (nacido el 1 de noviembre de 1975 en Almería, donde vive) cuya constante principal en su obra es el desnudo y cuyos intereses se basan principalmente en el retrato de personas que están al margen de la sociedad.

 

Desolada, 2012

Desolada, 2012. Serie "Prostitución. Retratos de una vida en la calle". © Rubén García

 

 

El cuerpo desnudo nos puede aportar una información adicional extra, por así decirlo, acerca de una persona concreta en un retrato. El rostro habla y nos dice cosas, pero el cuerpo desnudo desvela aquello que normalmente vestido no se ve.

 

 

Biografía

Rubén García Felices descubrió en 2008 la fotografía, disciplina que le apasiona y a la que se dedica en su tiempo libre. Su formación fotográfica es autodidacta, y empezó a interesarse por el retrato documental en 2011, tras algunos años en los que se dedicó al autorretrato y desnudo artístico. El desnudo es casi siempre una constante en su obra, tanto artística como retratista.

Realiza la mayor parte de sus fotografías en Almería: El Alquián, Vera, los alrededores del Paseo de Almería y algunos suburbios de la ciudad se encuentran entre sus localizaciones preferidas. Sus personajes, desnudos o vestidos, son prostitutas, transexuales, nudistas y especialistas de cine, gente extraña de la cual el artista quiere mostrar su dignidad y verdad interior. Sus modelos, por lo general, posan de pie frente a la cámara, aislados sobre un fondo neutro. Está influenciado por autores como Rineke Dijkstra, August Sander o Diane Arbus y su estilo se caracteriza por ser bastante realista y no hacer uso de adornos.

De su obra destacan sus series Prostitución. Retratos de una vida en la calle, realizada entre 2011 y 2014 en los barrios marginales almerienses de El Puche y Pescadería y seleccionada en el programa Descubrimientos del festival PHotoEspaña de 2013, y Nudistas, en la que trabaja desde 2013 mostrando al colectivo denominado Turismo nudista.

A lo largo de su trayectoria, ha ideado y comisariado diversos proyectos expositivos, entre los que destaca Nueva fotografía internacional en el siglo XXI (2015-2016), en espacios como el Centro Municipal de las Artes (CMA) de Alcorcón o el Museu de Belles Arts de Castelló, para el festival Imaginària. Además ha editado Contemporáneos. Treinta fotógrafos de hoy en La Fábrica en 2015, un volumen que recoge una amplia panorámica de la fotografía más contemporánea. También ha editado y dirigido el número cero del fanzine Contemporáneos Zine, publicado en 2016.

Con su obra ha participado en diferentes festivales de fotografía, tales como: Fotonoviembre (Santa Cruz de Tenerife), PhotOn Festival (Valencia), PHotoEspaña (Madrid), Encontros da Imagen (Braga), Imaginària - Fotografía en primavera (Castellón), Outono Fotográfico (Ourense) y segoviaFOTO (Segovia).

Entre sus principales exposiciones, figuran la individual realizada en el Centro Português de Fotografia (C.P.F.) de Oporto (2014), y las colectivas celebradas en la Place M2 Gallery de Tokio (2011), Museo de Almería (2014 y 2016), Galería Railowsky de Valencia (2015) y en la Galería BAT Alberto Cornejo de Madrid dentro del Festival Off de PHotoEspaña 2016.

Su obra forma parte de las colecciones del Centro Português de Fotografia de Oporto, de la fototeca de la Real Sociedad Fotográfica de Madrid, de la Fundación Museo Casa Ibáñez de Olula del Río (Almería) y del Centro de Fotografía Isla de Tenerife de Santa Cruz de Tenerife, entre otras.

 

 

 

Referencias

 

 

 

 

 

Libros

  • Contemporáneos. Treinta fotógrafos de hoy (edición). 2015.
  • Prostitución. Retratos de una vida en la calle. 2015.
  • Rubén García: la tradición del desnudo. 2011.