domingo, 17 de diciembre de 2017

Pascual Pérez Rodríguez

Pascual Pérez Rodríguez fue un escritor, periodista y fotógrafo español (nacido el 16 de febrero de 1804 en Valencia, fallecido en 1868)  que trajo a España desde París, las últimas novedades en la profesión de fotógrafo de aquella época.

pascualperez

Pascual Pérez y Gascón, 1848. Fotografía de Pascual Pérez Rodríguez

Biografía

Pascual Pérez Rodríguez estudió Latín en el Seminario de las Escuelas Pías y Filosofía en la Universidad de Valencia. Profesó como escolapio y con 19 años fue director de alumnos internos y profesor de Humanidades en el Colegio Santo Tomás de Aquino de las Escuelas Pías de Zaragoza, y en las de Valencia a partir de 1827.

Tras abandonar en 1835 la vida religiosa por una grave enfermedad, fundó el semanario femenino La Psiquis (1840) y colaboró con diversos periódicos y revistas valencianas y españolas, como El Mole, El Sueco, El Tabalet, El Edetano, Las Bellas Artes, El Miguelete, El Museo Literario y El Museo Universal. Junto al padre Juan Arolas y Pedro Sabater fundó el periódico Diario Mercantil de Valencia, de cuya dirección se ocupó hasta 1844, y en 1851 comenzó a trabajar como corresponsal de La Lumière.

Dominaba el francés, inglés, italiano y portugués, por lo pudo traducir tres tomos de Los viajes de Alí-Bey-el Abbássi y otros libros. Escribió autos sacramentales en valenciano que llegaron a representarse, y también escribió 3 novelas góticas, siendo considerada La urna sangrienta o El panteón de Scianella una obra maestra del género en España.

En su labor como fotógrafo, fue uno de los primeros en usar el daguerrotipo y el calotipo en prensa; también fue el primer fotógrafo profesional valenciano que abrió un estudio en la ciudad. En 1849 comenzó a trabajar con el calotipo, ya que permitía la realización de copias múltiples, y en 1851 publicó una colección de vistas en calotipo con el título El álbum del Cabañal que fue el primero que se comercializó en España.

Se le atribuye la primera foto en papel en España, que es la que aparece en el artículo. Además, hizo una de las primeras fotografías que aparecieron en la prensa escrita española, un daguerrotipo publicado en 1852 en El  Diario Mercantil de Valencia. 

En vida, participó en la exposición organizada por la Sociedad Económica de Amigos del País de Valencia (1852), y en 1992 se le incluyó en la muestra Memoria de la luz: fotografía en la comunidad Valenciana 1839-1939. En 2013 se fundó en Valencia el Museo y Centro de Investigación Pascual Pérez Rodríguez, para difundir la historia de la fotografía, particularmente la valenciana. Posee obra en los fondos del Instituto Valenciano de Arte Moderno, y en el Museo del Prado.

 


Referencias

      Libros

      • El Romanticismo español, 1982.
      • Benito Monfort y Pascual  Pérez Rodríguez, dos valencianos pioneros de la  fotografía, 1990.
      • Historia de la fotografía en España, de Publio López Mondéjar, 1999.
      • Gran enciclopedia de la Comunidad Valenciana, 2005.
      • Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al siglo XXI, 2013.

      sábado, 16 de diciembre de 2017

      Luis de las Alas

      Luis de las Alas es un fotógrafo español (nacido en 1965 en Madrid, donde vive) con una larga carrera profesional, en la que ha tocado todos los géneros y para el que el retrato editorial es su principal seña de identidad.

      David Lynch, París. 2008 © Luis de las Alas

      David Lynch, París. 2008 © Luis de las Alas

      Biografía

      Luis de las Alas hizo su primer curso de fotografía con 14 años y luego se formó como fotógrafo profesional en el Centro de Estudios de la Imagen (CEV), realizando cursos monográficos de especialización en la Universidad Internacional Menéndez Pelayo de Santander. En 1983 realizó sus primeros trabajos fotográficos como colaborador del diario Liberación y el periódico ABC y en 1984 se incorporó como fotógrafo a la redacción del diario económico Cinco Días y la revista Mercado.

      Desde entonces ha trabajado como freelance, alternando portadas de revistas o de discos con exposiciones personales, compensando encargos con proyectos vocacionales o románticos. Recorriendo todos los géneros, desde el editorial de moda al reportaje, desde la fotografía industrial (gastronomía, hoteles, bodegas, corporativa...) hasta la de paisaje, llegó al retrato, que se ha convertido en su principal seña de identidad y que, junto con las motos y el surf, son sus grandes pasiones.

      En sus retratos entrevista al modelo mediante imágenes; para ello necesita conocerlos previamente y poder plasmar su personalidad. Por el objetivo de su cámara han pasado un sinfín de personalidades como David Lynch, Raimundo Amador, Carlos Saura, Eduardo Arroyo, Stephane Hessel, Javier Bardem y Morante de la Puebla, entre muchos muchos otros.

      Ha realizado portadas para los suplementos La luna del siglo XXI, Fuera de Serie, Magazine, La Revista de El Mundo, El Dominical y El País Semanal, así como para las revistas Match y Quo, para los que ha fotografiado a personajes relevantes del arte y la cultura. Recibió el premio FotoPres en la categoría de Retrato en 1990.

      Dedicado de forma profesional a la fotografía desde finales de los años 80, es miembro del equipo fundador de la revista Matador, que de forma anual aporta una mirada singular a la cultura contemporánea, y fue colaborador de la revista El canto de tripulación, fundada por Alberto García-Alix en 1989. Fotoperiodista independiente, colabora con Cinco Días, El País, El Mundo, ABC y Expansión, con la revista Big bob junto a Miguel Trillo y es profesor de retrato editorial en la escuela EFTI de Madrid.

      Presente en PHotoEspaña 1999 en la Sala Fotosíntesis con su serie Rapaces, en 2008 participó en el proyecto-exposición Retrátate-Mírate, celebrado en el Canal de Isabel II  de Madrid, dentro de PHotoEspaña, en el que los ciudadanos fueron invitados a posar ante la cámara de destacados fotógrafos y a formar parte de una posterior exposición.

      Sus fotografías se han expuesto en Fotopres (1990), Tiempos Modernos (1991), Galería Detursa (1992), Universidad de Verano de El Escorial (1995), Canal de Isabel II (1997), Galería Boades (1999), PHotoEspaña 2008 y Fundación CGAE, entre otros centros de arte y galerías.

      Referencias

      Libros

      viernes, 15 de diciembre de 2017

      Nagore Legarreta

      Nagore Legarreta es una fotógrafa vasca (nacida en 1981 en Hernani, Gipuzkoa) que realiza proyectos personales principalmente mediante fotografía estenopéica.

      © Nagore Legarreta

      © Nagore Legarreta

      Biografía

      Nagore Legarreta se licenció en Comunicación Audiovisual en la Universidad del País Vasco (UPV/EHU). Su interés por la fotografía viene de la época en que trabajó en el periódico local Hernaniko Kronika (2003-2009), y desde entonces ha estado inmersa en este mundo, trabajando como artista con trabajos comerciales y personales y como docente.

      Ha asistido a varios talleres muy distintos con fotógrafos como Eduardo Momeñe, Oscar Molina, David Jiménez, Jon Uriarte, Isabel Diez, Gabriel Brau, ... hasta que en 2009 realizó un taller sobre fotografía pinhole (estenopéica) y de inmediato comprendió que esa forma primitiva de fotografía era la mejor manera de desarrollar sus proyectos propios. En 2011, la editorial Banizu Nizuke publicó su primer libro EDIPOTOA, que incluía sus primeras fotos estenopéicas.

      En 2014, comenzó a trabajar en el proyecto HYSTERON, con una lata de cinco kilos de atún  con cuatro agujeros (objetivos) capturando fotos de cuerpos de mujeres desnudas sobre fondo negro, que se fusionaban en el papel representando la tensión entre ellas. Este trabajo fotográfico fue presentado en 2015 y se ha expuesto en la Saatchi Gallery de Londres, Festival Arg! de Oñate, Muestra de Arte Joven de la Rioja y Andoaingo Argazkia en 2015, Photoespaña (Festival Off) en Madrid, Centro Cultural Koldo Mitxelena en San Sebastián, patrocinado por la Capital Cultural de San Sebastián, Artistes de passage-Pasabidean organizada por la asociación Arcad en Hendaya, etc. en 2016.

      Entre 2013-2017 trabajó en su proyecto Suzko Irudiak (Imágenes de fuego) con fotografías de varios viajes a India usando como cámara cajas de cerillas, que se ha expuesto ya en su totalidad en el Gran Canaria Photo de 2017.

      Fue seleccionada por el Instituto Etxepare y AIR WRO para realizar su proyecto (El río no es un lugar) sobre el río Odra en Wroclaw, Polonia en 2017.

      También se dedica a impartir cursos de fotografía y de desarrollo de proyectos  fotográficos, tanto en el campo estenopéico como en el digital a través de Fotoeskola.

      Referencias

      Libros

      • Hysteron, 2016.
      • Editopoa, 2011.

      jueves, 14 de diciembre de 2017

      Bernardo Aja

      Bernardo Aja es un fotógrafo español (nacido en 1973 en Santander, vive entre Madrid y México D.F.) que ha trabajado en distintos países y que se ha mantenido una mirada crítica desde donde se sumerge en cada personaje que retrata, creando una distancia intima, demandante e incluyente.
       

      © Bernardo Aja
      © Bernardo Aja

       

       

      Biografía

      Bernardo Aja de Maruri estudió fotografía en la Universidad de Santa Mónica en Los Ángeles, California, y trabajó como asistente de fotógrafos durante dos años en Nueva York.
       
      De 1997 a 1999 fue el fotógrafo personal de Alberto Fujimori, ex-presidente de la República de Perú. Ha colaborado con importantes agencias como EFE, Reuters y la Agence France Press (AFP), así como con la Casa Real española.
       
      Dentro de sus proyectos personales destaca Entre Muros, una serie de retratos de la alta burguesía española, peruana, mexicana y filipina. Interesado en conocer la intimidad del personaje, el espacio en el que vive y lo que le define, Bernardo compone para estos retratos montajes teatrales en los que todo está construido y nada se deja al azar, apoyándose en los bocetos que dibuja antes de tomar cada fotografía. Estas imágenes logran introducir al espectador en dos temporalidades, las familias actuales y sus auras de siglos pasados, combinando una estética contemporánea con residuos de los siglos XIX y XX y que nos revelan el peso de la herencia, el testamento, la pérdida de una generación que está perdida entre dos muros, entre dos vidas.
       
      Esta obra ha sido exhibida en Casa de la Cultura de España en Lisboa, Museo Tlatelolco en México, Santo Domingo en Oaxaca, y en exposiciones en el Círculo de Bellas Artes y Fundación Reina de España en Matadero, Madrid, entre otras. En 2011, Entre Muros obtuvo la Medalla de Lorenzo il Magnifico y una mención de honor del jurado en la Biennale d’Arte Contemporanea de Florencia.
      Ha participado en las Bienales de Florencia en 2011, de Lima en 2014 y de la Habana en 2015. También ha participado en la colectiva Madrid, ¡oh cielos! en la Azotea del Círculo de Bellas Artes en Madrid en 2010.
       
      Su proyecto personal más reciente, Tormenta, es su obra más autobiográfica. Aja es miembro del Consejo de la Crónica de Cuidad de México. Actualmente trabaja entre Madrid y México D.F., creando su obra de autor y colaborando para empresas editoriales y agencias de publicidad.


      Referencias


      Libros

      miércoles, 13 de diciembre de 2017

      Sebastian Jacobitz

      Sebastian Jacobitz es un fotógrafo alemán que realiza fotografía de calle principalmente en Berlín, capturando la vida diaria de esta gran ciudad.


      SebastianJacobitz
      Ku'Damm - Berlin LXXXIX LQ © Sebastian Jacobitz
       
      Berlin Ku'Damm es la calle comercial más importante de Berlín.
      Normalmente, la calle está llena de gente que busca los últimos vestidos o teléfonos celulares.
      Pero cuando el sol sale de la escena, otra característica es visible.
      Casi como un sueño borroso, la serie muestra otro lado de la calle.
      Al crear esas escenas con un flash y una velocidad de obturación más larga, los personajes se vuelven diferentes.
      Poco impresionante, mundano y habitual de día.
      Extraordinario, duro y salvaje de noche.

      Esto es Berlín en una serie de fotografía.

       

      Biografía

      Sebastian Jacobitz es un fotógrafo callejero de Berlín y miembro del colectivo Berlin1020. Desde 2015, la fotografía callejera ha sido su pasión y le encanta pasear por la ciudad, capturando los hermosos momentos de esta ciudad le presenta. En su paseo habitual, utiliza una Fuji X100F o una Ricoh GR II y un flash fuera de la cámara. Con esta configuración, se acerca mucho a la gente para provocar sus emociones y acercar al espectador a la escena.
      Comencé a fotografiar las calles en 2015 para superar algunos problemas de salud. En sus paseos, llevaba la cámara consigo y pronto descubrió lo divertido y desafiante que puede ser fotografiar en la calle. La parte de desafío le enganchó y desde entonces trata de mejorar cada día.
      La fotografía es una forma de expresión y le permite sacar sus emociones. La ira, la felicidad o simplemente el aburrimiento se pueden mostrar con la ayuda de la fotografía y así se mantiene sano. También es una salida creativa donde uno puede desafiarse a sí mismo y mostrar a otras personas lo que se están perdiendo. La belleza de la fotografía callejera es que el escenario es el mismo para todos y uno, como fotógrafo, intenta capturar esos pequeños momentos preciosos que otros no ven.
      Su lenguaje visual es oscuro y con grano, tanto en color como en blanco y negro. Su trabajo ha sido recientemente exhibido en la Fotogalerie Friedrichshain de Berlín dentro de la exhibición One Day in Berlin. Dirige el muy respetado blog Streetbounty relacionado con la fotografía callejera. También publica en muchos de los sitios online de fotografía más conocidos, como Petapixel, DIY Photography, 121clicks y Digital Photography School.


      Referencias


      Libros

      martes, 12 de diciembre de 2017

      Christopher R. Perez

      Christopher R. Perez es un fotógrafo estadounidense (nacido en 1967 en Colorado, vive en Denver) que utiliza principalmente la técnica del colodión húmedo para hacer retratos y desnudos.

      © Christopher R. Perez

      © Christopher R. Perez

      Biografía

      Christopher Ray Perez es un fotógrafo que usa procesos fotográficos analógicos desde película hasta colodión húmedo para crear retratos contemporáneos sin adornos. Su práctica diaria también incluye grabaciones aleatorias de la vida cotidiana y lugares. Su trabajo es una serie de procesos y experimentos, que incluyen Polaroids, grabado, cámaras estenopéicas y de juguete.

      Fotógrafo autodidacta y artista gráfico, poco amante de las nuevas tecnologías, durante muchos años ha ido creando sus propios artilugios fotográficos modificando antiguas cámaras.

      La técnica del colodión, en su gran complejidad, funciona bien con los retratos y Perez los realiza a gran cantidad de gente, en ocasiones amigos y otras veces a gente desconocida a la que escoge,  deambulando con su furgoneta por la ciudad hasta que encuentra a las personas deseadas, a las que finalmente convence para que le hagan de modelos.

      El resultado son estos maravillosos, atemporales e intensos retratos, toda una delicia de emoción, transmitida por sus miradas penetrantes a cámara.

      Es cofundador de Processus, un espacio compartido para artistas en la zona de RiNo en Denver. También es un gestor de arte profesional y ebanista.

      Referencias

      lunes, 11 de diciembre de 2017

      Raoul Hausmann

      Raoul Hausmann fue un artista (pintor, escultor), escritor y fotógrafo austriaco (nacido el 12 de julio de 1886 en Viena, fallecido el 1 de febrero de 1971 en Limoges, Francia) cuyos collages, acciones y poesías sonoras, entre otros delirios artísticos, fueron de una enorme influencia para la historia del arte, siendo uno de los dadaístas más experimentales.

      © Raoul Hausmann

      © Raoul Hausmann


      El dadaísta ama el sinsentido y odia la estupidez.

      Fue como un destello: se podría - lo vi instantáneamente - hacer fotos, únicamente montando trozos de fotografías. En septiembre, ya de regreso en Berlín, comencé a darme cuenta de esta nueva visión, y utilicé fotografías de la prensa y el cine.

      Biografía

      Raoul Hausmann, alias Der Dadasophe, nació en Viena, pero con 14 años su familia se trasladó a Berlín. Su padre era pintor y restaurador de pinturas por lo que le enseñó estas técnicas y posteriormente estuvo estudiando en una escuela privada de arte en Berlín. Con 19 años compartió ideas dadaístas con Johannes Baader que estudiaba arquitectura y Elfride Schaeffer que era un violinista. Pintó en estilo expresionista en el taller de Erich Heckel y escribía para Der Sturm por lo que pudo disponer de un recurso para iniciar sus ataques al arte establecido institucionalmente, levantando una importante polémica. En ella contó con el apoyo de los expresionistas que se mostraron a favor de cambiar una situación esclerotizada, a pesar de ser unas ideas provenientes de un austríaco que vivía en Alemania.

      Fue uno de los fundadores del Club Dadá de Berlín, que el 22 de enero de 1918 hizo la primera proclama dadaísta en Alemania en la galería de arte IB Neumann. A los pocos días el club se formó estando integrado por Hausmann, su amante Hannah Höch, Richar Huelsenbeck, George Grosz, John Heartfield, el escritor anarquista Franz Jung, Walter Mehring y Baader. El grupo organizó su primer evento el 12 de abril de 1918 en el marco de una retrospectiva de pinturas de la artista Lovis Corinto dentro del Berlín Sezession y una velada de actuaciones de poesía y conferencias entre las que se encontraban el Manifiesto Dadá recitado por Huelsenbeck, un baile sincopado de jazz a cargo de Grosz y Hausmann gritó su manifiesto El nuevo material en la pintura entre el escándalo y las risas de los espectadores.

      La búsqueda de nuevos materiales le llegó en forma de epifanía cuando, durante sus vacaciones en el Báltico, vió una fotografía de 5 soldados con la cara de un niño repetida tapando sus rostros. Hausmann vio la luz y se convirtió en el descubridor oficial del fotomontaje, que fue utilizado profusamente por el movimiento Dadá y otros de corte más político como el constructivismo o posteriormente el pop.

      En 1921 realizó una gira anti-Dadá junto a Höch, Kurt Schwitters y su esposa Helma. Desde esos años y hasta el comienzo de segunda guerra mundial se consagró al empleo de la fotografía y a escribir, de modo especial, su novela Hyle. Entre las actividades que realizó se encuentra una exposición de fotomontajes en 1931 en Berlín, también patentó en 1935 en Londres la máquina Optofón para realizar poemas optofonéticos que convertía las imágenes en sonidos.

      En 1937 debido a su espíritu crítico los nazis lo pusieron en los primeros puestos de su lista de arte degenerado y tuvo que emigrar a Ibiza, pero tuvo que abandonarla en 1938 ante la entrada de las tropas alemanas que apoyaban a Franco. Durante la segunda guerra mundial se refugió en Peyrat-le-Château y en 1948 se fue a vivir a Limoges donde estuvo residiendo hasta su muerte en 1971. Durante este tiempo publicó varios libros sobre el Dadá, incluido Courier Dadá (1958), y abrió discusiones con varios artistas estadounidenses sobre la tendencia emergente conocida como Neo-Dadá, así como el movimiento European Fluxus y Nouveau Realisme. También produjo una serie de foto-pictogramas y fotomontajes y, en la década de 1950, una gran cantidad de pintura al óleo. En 1967 tuvo su primera retrospectiva (en Estocolmo).

      Referencias

      Libros

      • Courrier Dada, 1958.
      • La Sensorialidad Excéntrica, 1975.
      • Raoul Hausmann, arquitecte: Eivissa, 1933-1936, 1991.
      • Raoul Hausmann : junio-septiembre de 1996, 1996.
      • Raoul Hausmann, 1997.
      • Hyle: ser-sueño en España, 1998.
      • Raoul Hausmann o El camino de los exilios, 2008.

      domingo, 10 de diciembre de 2017

      Barry Talis

      Barry Talis es un fotógrafo callejero (vive en Tel Aviv, Israel) al que le encanta caminar durante horas siendo prácticamente invisible, buscando interacciones, conflictos e historias interesantes, como las experiencias religiosas, que le intrigan particularmente, y experimentando con diferentes fuentes de luz para obtener resultados interesantes que le sorprendan cuando vea la foto.

      © Barry Talis

      © Barry Talis

      Biografía

      Barry Talis se ha ganado la vida como editor de video profesional durante los últimos 15 años. Compró una cámara réflex digital para grabar proyectos de video documentales y videoarte, pero descubrió que lo que realmente le gusta fotografiar son situaciones y personas interesantes en la calle.

      Al principio, la fotografía era un ejercicio terapéutico para sanar sus ansiedades sociales. Luego se convirtió en una salida para sus necesidades creativas. Así que la fotografía es para él una saludable combinación de meditación con algún escapismo y con suerte un poco de arte.

      Trabaja en algunos proyectos que solo involucran luz natural. Pero se siente atraído por el uso del flash por muchas razones: permite detener la apertura y utilizar un enfoque de zona, lo que permite disparar mucho más rápido, se está menos limitado a ciertas condiciones de iluminación y se tiene más control y oportunidades para captar el momento y le da a las fotos un acabado nítido. Sin embargo, no puede resolver todas las dificultades de iluminación y por lo general limita a un solo disparo antes de que el fotógrafo sea notado. Cree que con el tiempo ha desarrollado un buen sentido de quién no quiere ser fotografiado y obra en consecuencia.

      Las exposiciones largas con el flash permiten incluir la dimensión del tiempo y agregar movimiento a las fotos. En su extremo, también pueden ser una herramienta experimental divertida.

      Barry utiliza Flickr como su principal medio de publicación de su obra y ha formado parte de diversos colectivos de fotografía callejera y actualmente es administrador de burnmyeye. Su trabajo incluye la fotografía surrealista de la calle con flash y disparos de gran angular de cerca que realmente captan la atención del espectador. Vive y dispara principalmente en la capital de Israel, Tel Aviv.

      Referencias

      sábado, 9 de diciembre de 2017

      Sumaya Agha

      Sumaya Agha es una fotógrafa estadounidense (originaria de California del Norte, vive en Portland, Oregon) que ha pasado más de cuatro años documentando la crisis de refugiados sirios en Jordania y Europa del Este.

      After crossing the Macedonian-Serbian border, refugees walk the unofficial refugee route in subfreezing snowy weather. Near Miratovac, Serbia, January 17, 2016. 

According to UNHCR, 67,415 refugees landed in Greece in January 2016 alone, most of who traveled the route through Serbia on their way to Western Europe. The number of refugees arriving in Greece has dropped significantly since the Balkan border closures in March 2016.

On assignment for Mercy Corps, I documented refugees crossing through Serbia in January 2016. © Sumaya Agha

      After crossing the Macedonian-Serbian border, refugees walk the unofficial refugee route in subfreezing snowy weather. Near Miratovac, Serbia, January 17, 2016.

      According to UNHCR, 67,415 refugees landed in Greece in January 2016 alone, most of who traveled the route through Serbia on their way to Western Europe. The number of refugees arriving in Greece has dropped significantly since the Balkan border closures in March 2016.

      On assignment for Mercy Corps, I documented refugees crossing through Serbia in January 2016.

      © Sumaya Agha

      Biografía

      Sumaya Agha es una fotógrafa de ascendencia siria con muchas tías, tíos y primos que aún viven en Damasco. Tiene una licenciatura en Artes Aplicadas y Diseño con especialización en Fotografía por la Cal Poly State University en San Luis Obispo, California, y un master del Middlebury Institute of International Studies.

      Su trabajo ha sido publicado en Huffington Post, BBC Focus on Africa, Forbes Africa y NPR.org, y realizó la fotografía fija de la película The Fog of War ganadora de un Academy Award. Ha vivido en Siria, Liberia y Jordania.

      Ha obtenido diversos premios, entre los que podemos citar el 3º puesto en los ALL ABOUT PHOTO AWARDS en 2017, 2º puesto en Social Cause y menciones en las categorías Children y Portrait en los IPA AWARDS de 2016, 3º puesto en la International Juried Exhibition del Center for Photographic Art y menciones en las categorías Children y Portrait en  los IPA AWARDS de 2015.

      Ha expuesto en la ALL ABOUT PHOTO EXHIBITION en el Phoenix Hotel de San Francisco, Akbaduna: Children of the Refugee Crisis en la AKAPDX Gallery en Portland, ambas en 2017, y en la International Juried Exhibition del Center for Photographic Art en Carmel en 2016 y 2015, The Refugee Crisis en la Global Perspectives Gallery del Middlebury Institute of International Studies en 2016–2017.

      Ha realizado también numerosas conferencias sobre el tema de los refugiados: The Syrian Refugee Crisis, The Refugee Crisis, Children of the Refugee Crisis, Global Migration.

      Referencias

      viernes, 8 de diciembre de 2017

      Patricia Aridjis

      Patricia Aridjis es una artista visual mexicana especializada en fotografía (nacida en 1960 en Contepec, Michoacán) que ejerce su profesión con una clara conciencia social y de género. Desde hace varios años trabaja de manera independiente y desarrolla proyectos de documentación con los que da visibilidad y voz a quienes no la tienen.

      © Patricia Aridjis

      © Patricia Aridjis

      La gente que vive en el anonimato tiene nombre y rostro, aunque sean presencias silenciosas e incomoden a nuestras conciencias privilegiadas

      Biografía

      Adriana Patricia Aridjis Perea, conocida como Patricia Aridjis estudió la carrera de Comunicación Social en la Universidad Autónoma Metropolitana Xochimilco. Desde 1992 se dedica de manera profesional a la fotografía en las ramas de fotoperiodismo y fotografía documental. Eligió esta profesión como un medio de producción artística autónomo.

      Con una amplia trayectoria de más de veinte años, y a través de las imágenes capturadas por su cámara crítica con una visión de género, los afectos y la vida cotidiana de hombres y mujeres en contextos de olvido y marginalidad como ejes temáticos de sus series fotográficas, adquieren relevancia para contar y visibilizar otras realidades sociales del México contemporáneo.

      Sus trabajos más recientes abordan realidades de mujeres invisibles a la mirada social:

      • Las horas negras (2000-2007) es un ensayo fotográfico que le llevó más de siete años, periodo en el que permaneció en el interior de cárceles para mujeres, principalmente en Ciudad de México, entablando una relación de confianza con ellas, lo cual se ve reflejado en fotografías de gran veracidad que captan la atmósfera densa y opresiva en el penal, con un enfoque crítico da a conocer la marginación que se vive tras las rejas. El proyecto se concretó en un libro homónimo, gracias al apoyo de la beca de Fomento y Coinversiones del FONCA y se ha dado a conocer en Polonia, China, España, Estados Unidos, en varios países de América Latina y en gran parte de la República Mexicana.
      • Su serie Arrullo para otros aborda historias afectivas de mujeres que se dedican a cuidar niños y niñas de las familias donde son contratadas, y​ en ella detalla la convivencia natural entre nanas e infantes, a la vez que documenta las condiciones de vida de las cuidadoras.

      Su paso por diversos medios informativos: revistas y diarios de distribución nacional, de 1992 a 2006, le permitió ser observadora de sucesos en la política y la economía, como el levantamiento zapatista en Chiapas y el seguimiento a las campañas electorales de 1994 hasta 2000, retratando personajes de la vida política y cultural mexicana. Ha colaborado en Milenio Diario, El Independiente, La Revista de El Universal, Revista Cambio y El Semanario.

      Patricia Aridjis fue cofundadora del Colectivo Taco de Ojo en 2011. Entre sus proyectos destacan sus series fotográficas: Rojo, Amazonas Inmortales y Por los Ausentes con los que se propone otra mirada hacia temas como la violencia hacia el cuerpo, las batallas que libran mujeres a quienes se les ha detectado cáncer de mama ​y las desapariciones forzadas en México, como los 43 normalistas de Ayotzinapa.

      Entre los premios y reconocimientos recibidos destacan su nominación por la Fundación de Nuevo Periodismo Iberoamericano en 2008, patrocinada por la organización Revela en Galicia, España, en 2006, que apoya proyectos fotográficos con temas sociales, becada por el Programa del Estímulo para Proyectos Culturales del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (FONCA) en 2002.

      Ha participado en 26 exposiciones individuales y en más de 63 de manera colectiva en espacios nacionales e internacionales. Su obra forma parte de colecciones públicas y privadas como The Margolis Foundation en EEUU y Guangdong Museum of Art en China, donde participó en una exposición colectiva sobre fotografía mexicana.

      Además ha sido publicada y exhibida en Bélgica, España, Portugal, China, Estados Unidos, Canadá, Perú, Bolivia, Argentina, Colombia, Chile, Paraguay, Uruguay, Polonia, Bangladesh y Turquía.

      Imparte conferencias, diplomados y seminarios en recintos académicos y culturales en los que comparte su amplio conocimiento del lenguaje visual, la foto narrativa y el uso de los nuevos medios.

      Referencias

      Libros

      • Las Horas Negras, 2007.
      • Ojos de papel volando, 2011.
      • Arrullo para otros, 2016.

      Colectivos

      • Mujeres en lucha, Presencia de la mujer en las luchas sociales y políticas de México, 2013.
      • A través de la máscara. Metamorfosis del retrato fotográfico en México. Pablo Ortìz Monasterio, 2012
      • México a través de la fotografía 1839-2010, 2012.
      • Nuestro México del futuro, 2012.
      • Actos Mortis, 2010.

      jueves, 7 de diciembre de 2017

      Roberto Aguirrezabala

      Roberto Aguirrezabala es un artista vasco (nacido en 1971 en Sestao, vive y trabaja en Bilbao) cuya obra tiene un carácter eminentemente multidisciplinar donde la fotografía convive con objetos intervenidos y la instalación para explorar los conflictos, tanto de identidad como sociales y políticos, del individuo a través de la memoria histórica.

      © Roberto Aguirrezabala

      © Roberto Aguirrezabala

      Biografía

      Roberto Aguirrezabala se licenció en Bellas Artes en 1995 en las especialidades de Audiovisuales y Pintura en la Universidad del País Vasco y complementó su formación artística con el taller dirigido por los artistas Txomin Badiola y Ángel Bados en Arteleku de Donostia en 1994. Empezó a utilizar la fotografía desde sus primeros trabajos, donde la imagen se fusionaba con la escultura y la instalación para llegar hasta sus obras de net.art muy reconocidas y premiadas internacionalmente, integrando la imagen fotográfica y el vídeo en sistemas narrativos interactivos.

      A partir de2008 centró su producción en torno a la fotografía, construyendo un dispositivo de trabajo que es transversal a la imagen y al objeto. La fotografía que realiza actualmente no puede encuadrarse dentro del ámbito del reportaje, aunque realmente contenga numerosas conexiones con lo documental y habitualmente los temas que desgrana son parte de la prensa diaria y de la memoria histórica. Más bien está interesado en la fotografía como ensayo, como una herramienta de discusión. Cada obra que construye trata de ahondar en un momento puntual de la historia del siglo XX como si se tratara de un debate abierto con la actualidad, un diálogo con sus tensiones y enfrentamientos. Así, de un modo teatral escenifica esa dialéctica. Es ficción, pero también es documental. Todos los objetos que introduce en cada obra, absolutamente cualquier detalle, vestuario, atrezzo en personajes y  fondos, son objetos rigurosamente originales de la época y pertenecen al momento histórico que este tratando. Todo forma parte de la realidad y de la historia. Esto añade un componente documental que es esencial.

      Desde 2015 trabaja en la serie Entropía, un proyecto que indaga en la Europa del siglo XX, entre 1914 con el comienzo de la Primera Guerra Mundial y 1991 con la caída de la Unión Soviética, para profundizar en los escenarios de revoluciones, los conflictos sociales y políticos. Los personajes retratados son individuos aislados del conflicto, que se encuentran en los márgenes de la acción.

      Su trayectoria artística ha sido reconocida en varias ocasiones con premios como el Fotógrafo del Año en los International Photography Awards IPA 2017 en su edición española, finalista en el IX Premio Bienal Internacional de Fotografía Contemporánea Pilar Citoler 2017, mención especial en el Premio de Fotografía Fundación Enaire 2017 en PHotoEspaña, 1º premio a la mejor obra de net.art X Canariasmediafest en 2002, premio al artista revelación en el Festival de Vídeo de Navarra en 1998, entre otros. Su trabajo ha sido apoyado por numerosas becas como las de Bilbao Arte en 2015 y en 2010, Becas de Artes Plásticas del Gobierno Vasco en 2016 y en 2010, Beca Generación 2001 de Caja Madrid y otras.

      Ha expuesto de forma individual en varias ocasiones entre las que cabe destacar la exposición Entropía en Bilbao Arte en 2016 y la exposición en el Centro Huarte de Arte Contemporáneo en 2008. Su trabajo ha podido verse en numerosas exposiciones colectivas como Obra Abierta 2017 en Plasencia, Extremadura, Infinito Interior dentro del programa PHotoEspaña 2017, 12º Canarias Media Fest 2006 en Las Palmas de Gran Canaria, ARCO 2000 y 2002 en Madrid, El discreto encanto de la tecnología. Artes en España, en 2008 en Badajoz, Alemania y Brasil, 12º Rencontres Internationales en 2007 en Paris, Berlín y Madrid, Sintopía(s) de la relación entre arte, ciencia y tecnología en 2007 en los Institutos Cervantes de Pekín y Nueva York, entre otras.

      Referencias

      Libros  

      • Infinito Interior. Premio de Fotografía Fundación Enaire 2017, 2017
      • Entropía, 2016   
      • Bilbao Arte 2015.
      • Bosteko 2015.
      • Egoileak 2010 Residentes.
      • El discreto encanto de la tecnología. Artes en España (varios), 2008.

      miércoles, 6 de diciembre de 2017

      Biswajit Kumar

      Biswajit Kumar es un fotógrafo indio (vive en Calcuta) que adora capturar el caos del entorno urbano, creando imágenes llenas de colores y vitalidad, que reflejan la vida en las calles de Calcuta.

      © Biswajit Kumar

      © Biswajit Kumar

      Biografía

      Biswajit Kumar es un consultor de Ciencias de la Información de profesión y un fotógrafo apasionado. Su viaje con la fotografía comenzó durante sus días en la universidad con su socio de confianza, una Vivitar v3000s durante los buenos tiempos de la película. En aquel momento, se centraba principalmente en retratos.

      Empezó a hacer fotografía de calle no hace mucho tiempo, unos 3 años. Tuvo la oportunidad de trabajar en Nueva York durante un año, y ese fue el momento en que comenzó a capturar las magníficas y grandes calles de Nueva York. También durante este tiempo, se inspiró en muchos fotógrafos callejeros. Actualmente está totalmente enamorado de este género de fotografía y le gusta capturar las calles en toda su esencia, sobre todo el caos del entorno urbano, con todos sus colores y vitalidad, buscando la luz y las sombras, texturas, líneas y expresiones humanas justo antes de presionar el obturador. La tensión entre todos estos componentes hace una buena foto, que casi trasmita el sabor del lugar.

      Biswajit muestra no solo las calles de la India, sino también las de Holanda, Bélgica, Alemania y La Haya, además de las de Nueva York, convirtiéndose en un fotógrafo callejero global. 

      Referencias

      martes, 5 de diciembre de 2017

      Aik Beng Chia

      Aik Beng Chia es un diseñador gráfico y fotógrafo de Singapur (donde nació y vive) que realiza fotografía de calle, principalmente en la cosmopolita y llena de diversidad Singapur.

      © Aik Beng Chia

      © Aik Beng Chia

      Biografía

      Aik Beng Chia, también conocido como ABC, es un fotógrafo de calle que captura principalmente la vida y elementos de las calles de Singapur. Trabaja como diseñador gráfico e ilustrador en una agencia de publicidad. Nunca tuvo una formación formal en diseño ni en fotografía y estas habilidades las ha aprendido a lo largo de los años. Comenzó a fotografiar en 2008 y ahora, cuando no está fotografiando, está dibujando. Naturalmente, su experiencia en el diseño ha influido en su fotografía en la forma en que compone sus tomas, y en la manera en que busca formas y formas.

      Tras una depresión y un bloqueo en el diseño,  decidió buscar algo más para trabajar, y fue la fotografía. Un iPhone antiguo era la única cámara que podía permitirse, así que eso fue lo que usó inicialmente. No le importaban los megapíxeles ni los aspectos técnicos, solo estaba interesado en las fotos que estaba haciendo. Incluso hoy, no tiene ninguna réflex. Si se la dejaran, la usaría en modo automático.

      Singapur es una próspera ciudad cosmopolita llena de diversidad y multiplicidad de culturas, idiomas, arte y arquitectura, en constante evolución con el tiempo. Tener todo esto delante le inspira a capturar imágenes que la mayoría de las personas no han notado, ya sea a través de desplazamientos, lugares o personas a las que pasan por alto todos los días. A menudo se pregunta “¿cómo hago que el sujeto que quiero fotografiar esté donde esté, hermoso en un instante?”. Ese es su desafío y su inspiración, además de la comunidad de otros grandes iPhoneographers que ha conocido.

      Sus imágenes vivas y con grano de la vida cotidiana de las personas en las calles de Singapur le han valido un gran número(>30.000) de seguidores en Instagram. También llamaron la atención del diario británico The Guardian en 2015, le que le permitió hacerse cargo de la cuenta de Instagram de Guardian Travel para una función especial de tres días en Singapur, para mostrarla como se ve a través de sus ojos. Ha sido invitado a colaborar en Everyday Asia en 2014 en Instagram, y sus obras han sido expuestas y publicadas internacionalmente en exposiciones en solitario y en grupo.

      Aik Beng comenzó su proyecto Singkarpor (hoy todavía es un proyecto en curso) en 2011, y de las miles de fotos tomadas desde entonces, se mostró una colección cuidadosamente seleccionada en la exposición en K + Gallery en 2015, incluyendo una función especial sobre el fallecimiento de Lee Kuan Yew, un evento que desencadenó un flujo de emoción sin precedentes en los normalmente reservados ciudadanos de Singapur. En 2013, lanzó su primera monografía Tonight The Streets Are Ours, publicada por Invisible Photographer Asia, que mostraba la Little India de Singapur después del anochecer.

      Referencias

      Libros

      lunes, 4 de diciembre de 2017

      Frances Benjamin Johnston

      Frances Benjamin Johnston fue una fotógrafa estadounidense (nacida el 15 de enero de 1864 en Grafton, fallecida el 16 de mayo de 1952 en Nueva Orleans) que está considerada como una de las pioneras en la fotografía por ser la primera mujer fotorreportera. Su carrera de 60 años como fotógrafa comenzó con el retrato, las noticias y el trabajo documental y luego se centró en la arquitectura y los jardines contemporáneos, que culminaron en la documentación de edificios históricos en el sur de los Estados Unidos.

      Frances Benjamin Johnston

      Frances Benjamin Johnston

      Biografía

      Frances Fannie Benjamin Johnston fue la única hija de un acaudalado y bien relacionado matrimonio, nació en Grafton y creció en Washington D.C., a donde sus padres se trasladaron al poco de tenerla. Estudió dibujo y pintura en la Acadèmie Julian en París y en la Liga de Estudiantes de Washington.

      Su madre era periodista en el Congreso de los EEUU y escribía sobre política en el Baltimore Sun. Frances tuvo muy claro desde su juventud que quería vivir  su propia vida, alejada de los convencionalismos de la época, y escribió artículos para publicaciones periódicas. Cuando George Eastman, que era amigo de la familia, le regaló su primera cámara Kodak pudo encontrar salida a su creatividad por medio de la fotografía. Recibió formación en fotografía y en técnicas de laboratorio por Thomas Smillie que era director de fotografía del Smithsonian.

      Se dedicó a tomar retratos de amigos, familiares y celebridades locales, antes de trabajar por cuenta propia como fotógrafa. Recorrió Europa en la década de 1890 y gracias a la recomendación de Smillie visitó a conocidos fotógrafos europeos y reunió objetos para las colecciones del Smithsonian. Aumentó su experiencia profesional trabajando en la recién creada Compañía Kodak en Washington D.C.. en el desarrollo y mejora de nuevo material fotosensible y asesorando a los clientes cuyas cámaras necesitaban reparaciones.

      En 1895, abrió su propio estudio fotográfico en Washington D.C. retratando a personalidades contemporáneas, entre ellos Susan B. Anthony, Mark Twain y Booker T. Washington. Llegó a ser la fotógrafa no oficial de la Casa Blanca durante las administraciones de Benjamin Harrison, Grover Cleveland, William McKinley, Teodoro Roosevelt y William Howard Taft.

      Bien relacionada entre la élite de la sociedad, se puso al servicio de las revistas para hacer retratos a las celebridades y fue apodada la fotógrafa de la corte americana. Sus artículos aparecían en publicaciones tan destacadas como la Demorest's Family Magazine, Cosmopolitan, Frank Leslie's Magazine, Harper's Weekly y Ladies 'Home Journal. Los lectores de revistas ilustradas populares de la década de 1890 difícilmente podían dejar de ver sus artículos o fotos.

      Fotografió a George Dewey en la cubierta del USS Olympia, a los hijos de Roosevelt jugando con su pony en la Casa Blanca y los jardines de la villa parisina de Edith Wharton. También fotografió a la famosa literata de origen estadounidense Natalie Barney en París. Pero quizás, su obra más famosa es su autorretrato satírico de la nueva mujer liberada (modelo al que se oponía), enseñando las enaguas y con una jarra de cerveza en una mano y un cigarrillo en la otra. Johnston fue una constante defensora del papel de la mujer en el emergente arte de la fotografía. El Ladies Home Journal publicó su artículo Qué puede hacer una mujer con una cámara en 1897 y junto a Zaida Ben-Yusuf comisionó una exposición de fotografía en la que participaron veinte mujeres en la exposición universal de 1900 que posteriormente fue expuesta en San Petersburgo, Moscú y Washington D.C.

      En 1899, tras haber realizado numerosos reportajes sobre las mujeres trabajadoras en los molinos de Nueva Inglaterra, de herreros y mineros, recibió el encargo de documentar la vida cotidiana en las escuelas de Hamton y Tuskeggie en Virginia, sus edificios y sus estudiantes. Había que mostrar el éxito  y el progreso obtenido  en la educación de la población de color, y  constituyó uno de los reportajes  mas dinámicos de su obra, que se exhibió como Nègre Exposè, en en la Exposición Universal de París en 1900.

      A la edad de treinta y seis años, había fotografiado una gran y diversa muestra de la cultura americana, desde políticos hasta mineros, desde instituciones públicas a humildes cabañas.

      En 1904 Frances se unió a la Photo-Secession. Con su pareja, Mattie Edwards Hewitt, una importante fotógrafa de interiores y exteriores, abrió en 1913 un estudio en Nueva York, hasta su separación en 1917. En los años 20, se interesó cada vez más en fotografiar la arquitectura, siendo uno de los primeros contribuyentes al Pictorial Archives of Early American Architecture. Sus fotografías siguen siendo un recurso importante para arquitectos modernos, historiadores y conservacionistas. También consiguió cuatro subvenciones consecutivas de la Fundación Carnegie para documentar los jardines históricos y la arquitectura del sur.

      Era extraordinariamente enérgica, emprendedora y ambiciosa, trabajando cómodamente en cualquier entorno. En 1947 regaló sus copias, negativos y correspondencia a la Library of Congress, que mantiene aproximadamente 20.000 copias y 3.700 negativos de vidrio y película.

      Viajera incansable, en sus correrías por el Viejo Sur, se enamoró de la ciudad de Nueva Orleans, y en 1948 dejó Nueva York y se trasladó allí. Su ambiente bohemio, su miscelánea de libertad, arte y alcohol,  la convirtió en la  ciudad favorita de la vieja Frances, gruñona, caprichosa y prepotente, mezcla imposible de feminista, reaccionaria, retrógrada, radical e inconformista, durante los últimos años de su vida. Durante años, Frances, como la mayoría de las demás fotógrafas del siglo XIX y principios del siglo XX, apenas apareció en la historia de la fotografía estadounidense.

      Referencias

      Libros