viernes, 18 de agosto de 2017

Óscar Palomares

Óscar Palomares es un fotógrafo catalán (nacido en 1976 en Barcelona, vive en Badalona) que está especialmente interesado en temas relacionados con la vida cotidiana en las ciudades, con un extraordinario dominio del color y una forma de componer las imágenes con una gran cantidad de elementos yuxtapuestos que hacen necesario detenerse un momento para apreciar los detalles de sus fotografías en su justa medida.

© Óscar Palomares

© Óscar Palomares

Biografía

Oscar Palomares es Licenciado en Periodismo por La Universidad Pompeu Fabra (UPF) de Barcelona. Ha publicado, entre otros, en el Periódico de Cataluña, Ling, Time Out, Barcelona Divina y en el Magazine de La Vanguardia.

En relación a su trabajo como fotógrafo está especialmente interesado en temas relacionados con la vida cotidiana y ha formado parte de la lista de 21 finalistas del International Street Photography Awards. También fue uno de los premiados del Miami Street Photography Festival 2012. En España ha sido premiado por partida doble en el Photocertamen de 2013, y en el Photoagora de A Coruña, también en 2013.

Con un extraordinario dominio del color, su estilo se caracteriza por dominar composiciones complicadas con yuxtaposiciones. Encuadres llenos de elementos que ofrecen imágenes llamativas y que requieren de una mirada pausada para encontrar todos los detalles y matices.

Referencias

jueves, 17 de agosto de 2017

Alice Austen

Elizabeth Alice Austen fue una fotógrafa estadounidense (nacida el 17 de marzo de 1866 en Staten Island, donde falleció el 9 de junio de 1952) pionera de la fotografía documental y de la visualización de la homosexualidad femenina.

© Alice Austen

© Alice Austen

Biografía

Elizabeth Alice Munn fue abandonada recién nacida por su padre (por ello jamás utilizaría su apellido) y criada por su madre, sus abuelos maternos y tíos en la casa familiar, Clear Confort, donde vivirá toda su vida. Tuvo la suerte de vivir en un ambiente familiar amoroso y protegida de dificultades materiales a pesar de la ausencia de su padre.

A los 11 años, Alice recibió de su tío Oswald Müller, capitán de la marina mercante danesa, un aparato fotográfico. Esta invención la fascinó inmediatamente, le dedicará 40 años de su vida y producirá más de 8.000 imágenes. Ayudada por otro de sus tíos, Peter Townsend Austen, profesor de química, aprendió desde joven la teoría necesaria para revelar las fotografías, instalando su laboratorio fotográfico en el ático de la casa familiar donde debía subir el agua necesaria para el revelado con un balde. A los 18 años, sus aptitudes eran comparables a las de un fotógrafo profesional. Sus clichés más antiguos datan de esta época, documentando su vida cotidiana, su familia, amigos, amores, casa, jardín y realizando algunos auto-retratos trabajados.

Austen no fue solamente fotógrafa, sino también una mujer independiente con varias facetas: paisajista, atleta, y tenista reconocida (será miembro del primer club de tenis en Estados Unidos en Livington), y fue la primera mujer de Staten Island en poseer un vehículo.

Rápidamente dejó de contentarse de las fotografías de proximidad, recorriendo las calles de Staten Island en bicicleta con sus 25 kilos de equipo fotográfico. Una de sus únicas fotografías publicadas será la de su amiga Violet Ward (escritora de Bicycling for Ladies) montando en bicicleta, muy lentamente para que la imagen no salga borrosa. Retrató la ciudad de Nueva York entre finales del siglo XIX y comienzo del siglo XX, convirtiéndose en una de las primeras fotógrafas americanas y sus fotos son desde entonces una referencia histórica.

También fue pionera en mostrar el mundo privado de mujeres que amaban a otras mujeres. En sus fotografías aparecen mujeres disfrazadas de hombre con un indudable contenido homoerótico, tras ingresar en el Club Darnet de Staten Island, un lugar exclusivo para mujeres a finales del siglo XIX en Nueva York, donde ellas se podían reunir para fumar, andar en bicicleta, vestirse como los hombres o amarse libremente.

En 1899 conoció a  Gertrude Amelia Tate, institutriz y bailarina, siendo su amante y compañera, viajando por Europa  y viviendo juntas casi 50 años. Su vida fue feliz hasta 1929, cuando el crack de la bolsa las arruinó, llegando tras diversos negocios, como una tetería, a tener que vender su casa y posesiones, luego la mendicidad y el ser recluida en un centro de caridad.

En 1951 Oliver Jensen trabajando para Picture Press en búsqueda de imágenes para un nuevo proyecto sobre la historia de las mujeres estadounidenses, descubrió el material de Alice, unas 3.500 placas, de las 8.000 que fotografió, publicó varias fotos de Alice en el libro Revolt of Women, escribió una historia de ocho páginas en la revista Life y publicó seis páginas de sus fotos de viajes en la revista Holiday, recaudando más de 4.000 dólares para que pudiera vivir en una residencia privada, y organizó una exposición en el museo Richmondtown de sus obras en la que Austen fue la invitada de honor. Pocos meses después murió y a pesar de su deseo no fue enterrada junto a su amada Gertrude, ya que la familia de ésta lo impidió. 

Actualmente, el museo Alice Austen House (su casa familiar recuperada) en Staten Island en Ciudad de Nueva York tiene una gran colección de sus fotografías y alrededor de 300 se exhiben al público.

Referencias

Libros

miércoles, 16 de agosto de 2017

Juan José Serrano

Juan José Serrano fue un fotógrafo español (nacido en Arenas de San Pedro, Ávila, en 1888 y fallecido en Sevilla en 1969) reconocido por sus trabajos de retratista en su estudio de Sevilla, fotorreportero de guerra en la Guerra Civil Española y por su labor en el periódico ABC.

JuanJoseSerrano

© Juan José Serrano

Biografía

Juan José Serrano Gómez nació en una familia modesta. A los doce años se trasladó con su familia a Madrid y en 1909 ya trabajó para algunas publicaciones taurinas. Con 16 años comenzó a trabajar en la confitería madrileña Niza, cuyo propietario, aficionado a la fotografía, lo inició en su práctica.

Conoció muy pronto a los grandes reporteros del momento Alfonso Sánchez Portela y Pepe Campúa, ofreciéndole el primero una colocación en su estudio donde realizó algunos trabajos para los periódicos El Heraldo y El Liberal de Madrid. Poco después Campúa le ayudó a ingresar en la plantilla de la revista Nuevo Mundo, completando su formación como operador de documentales de cine para la casa Pathé, sobre el mundo de los toros.

Siguiendo los consejos del torero Joselito, decidió trasladarse a Sevilla y seguir en esta ciudad su carrera como reportero, realizando sus primeras fotos en la feria de 1916 y estableciendo su estudio en la calle O’Donnell, en el que, entre los años 20 y 50, retrató a un gran número de personajes célebres. Su hijos continuaron su labor hasta 1988, y su nieto Juan Manuel Serrano Becerra continua la saga y es redactor gráfico en ABC.

Durante la Guerra Civil española, acompañó a la columna del general Varela en su avance hasta Madrid, lo que le valió la concesión de la Cruz de Campaña. Destacan igualmente sus fotografías del entierro del torero Joselito y de los sucesos de Casas Viejas en 1933, el paso del Zeppelin, así como las de la Semana Santa sevillana, por las que fue premiado en 1956. También fue fotógrafo taurino, publicando en La Lidia y Sol y Sombra. Trabajó con diferentes formatos clásicos y, ya al final, con cámaras de paso universal.

Tras la guerra, ingresó en la plantilla del diario ABC de Sevilla y colaboró con Semana Gráfica, Nuevo Mundo, Mundo Gráfico, El Sol y La Tribuna, entre otros. Obtuvo el 1º premio en el Concurso Internacional de 1927 (Córdoba) con una fotografía de la reina María Victoria, Medalla de Oro a la Mejor Cobertura Fotográfica de la Exposición Iberoamericana de 1929 y Medalla de Oro al Mérito de la Información (1963).

En 2003, la Diputación de Cádiz organizó una exposición de las fotografías de Serrano y Cecilio Sánchez del Pando sobre Casas Viejas, y en 2008 se celebró en Córdoba Papeles y metralla. Testimonios documentales de la Guerra Civil española (1936-1939), que incluyó obra del autor. Su archivo, alrededor de 113.000 originales, se encuentra en la Hemeroteca Municipal de Sevilla desde 1988.

Referencias

Libros

martes, 15 de agosto de 2017

Elsa Medina

Elsa Medina es una fotógrafa mexicana (nacida el 4 de noviembre de 1952 en Ciudad de México) cuya obra tiene en la crítica social y la denuncia dos elementos que definen sus imágenes, que ha capturado lo mismo en la Ciudad de México, en Tijuana y Baja California, o en el extranjero, en países como Guatemala, Nicaragua y Haití.


© Elsa Medina

© Elsa Medina

Biografía

Elsa Medina ha vivido periodos de su vida entre México y Estados Unidos. Después de la primaria estuvo 1 años en casa de sus tíos en Los Angeles, después volvió al Distrito Federal, donde estudió diseño y fotografía. Luego se trasladó a Tijuana e ingresó en la San Diego State University, estudiando Diseño Industrial y 3D, cruzando la frontera diariamente 3 años con su hijo. Fue ahí donde comenzó a trabajar con figuras en tres dimensiones y donde adquirió una gran técnica fotográfica. Al no poder llevar a su hijo dejó sus estudios.

Años después, de nuevo en Ciudad de México, Medina dio sus primeros pasos en la fotografía, aunque todavía no a tiempo completo. Esa decisión la tomó después de asistir a una exposición colectiva en el Museo de Arte Contemporáneo donde vio por primera vez el trabajo del reconocido fotógrafo Nacho López. Poco después hizo un taller de fotografía en el Centro Universitario de Estudios Cinematográficos, de la UNAM, impartido por el propio Nacho López. A partir de entonces, quedó unida al fotoperiodismo, aprendiendo que había que tomar una postura crítica dentro de la fotografía y al mismo tiempo ser propositivo.

Elsa es una de las mejores fotógrafas mexicanas en el tema del fotoperiodismo, formando parte del equipo del diario El Sur de Guerrero y posteriormente del de fotógrafos liderados por Pedro Valtierra en el departamento de fotografía del periódico La Jornada, donde quedó de manifiesto su profundo interés por el tema de los migrantes, a quienes ha dedicado buena parte de su obra, la cual se ha exhibido en múltiples galerías y museos de México y Europa. Sus encuadres son como pinturas que muestran extraordinariamente las realidades cotidianas de la vida mexicana, llevadas hasta un extremo grado de sensibilidad.

Con casi 40 años de trayectoria, ha sido reconocida en la cuarta edición del Festival Internacional de la Imagen (FINI), organizado por la Universidad Autónoma del Estado de Hidalgo, con la Medalla al Mérito por su sólida trayectoria dentro del fotoperiodismo que siempre ha realizado con una perspectiva crítica y comprometida con las personas y las problemáticas que retrata.

Elsa es fundadora y colaboradora del periódico El Sur de Guerrero. Ha exhibido su trabajo en varias exposiciones individuales y más de 50 colectivas en México y Europa. Realizó reportajes especiales sobre política en Guatemala, Nicaragua y Haití. Ha obtenido diversos reconocimientos, entre los que destacan: ganadora del concurso Dos culturas, un solo origen, segundo lugar del certamen Mujeres vistas por mujeres organizado por la Comunidad Económica Europea, nominada al Premio Olorum Iberoamericano del Fondo Cubano de la Imagen Fotográfica. Ha sido distinguida como miembro del Sistema Nacional de Creadores en 2004 y 2010. Su obra se ha publicado en múltiples libros y revistas.

Referencias

lunes, 14 de agosto de 2017

David duChemin

David duChemin es un fotógrafo canadiense (vive en Victoria, Canadá) cuya vida nómada y aventurera alimenta su fuego para crear y compartir fotografías y proyectos en los 7 continentes.

© David duChemin

© David duChemin

Biografía

David duChemin tuvo un primer contacto con la fotografía a los 14 años con una pequeña Voigtländer Range Finder de 35mm con la que conectó inmediatamente, pero no aguantó más de 2 días como asistente de un fotógrafo profesional. Así que estudió filosofía, teología, hizo teatro y estuvo unos 12 años de comunicación con el público a través del teatro, al tiempo que hacía fotografía, y un día, en un viaje a Haití como comediante, llevó la cámara consigo y tuvo una revelación: eso era lo que quería hacer.

Es un fotógrafo que ha realizado proyectos humanitarios a nivel mundial, es autor de best-sellers, editor digital y líder internacional de talleres de fotografía. En sus encargos crea imágenes poderosas que transmiten la esperanza y la dignidad de los niños, los vulnerables y los oprimidos, para ONGs internacionales como World Vision, Save the Children y el Proyecto BOMA.

Sus viajes lo han llevado a través de inviernos en Rusia y Mongolia, veranos en el Amazonas, estancias entre los nómadas en el Himalaya indio y en la remota Kenia del Norte. Ha realizado trabajos de trabajo en Ecuador, El Salvador, República Dominicana, Haití, Etiopía, Malawi, RDC, Ruanda, Uganda, Bangladesh, entre otros, y ha trabajado personalmente en lugares como Islandia, la Antártida, Túnez, Cuba, Vietnam e Italia.

Por sus experiencias en la comedia, David es un dinámico y atrayente presentador y educador itinerante. Artista, creativo profesional, empresario y aventurero de toda la vida, forma e inspira a través de impresionantes imágenes visuales y hilarantes historias de viajes.

Es fundador y director ejecutivo de Craft & Vision, editor en jefe de la revista PHOTOGRAPH, columnista de PHOTOLIFE y colaborador y embajador de Maptia.com.

Referencias

Libros

Ediciones en castellano:

Ediciones en inglés (se venden en Craft & Vision)

  • The Soul of the Camera. The Photographer’s Place in Picture-Making, 2017
  • WITHIN THE FRAME (2nd Edition). The Journey of Photographic Vision, 2016
  • A BEAUTIFUL ANARCHY. When the Life Creative Becomes the Life Created, 2016
  • THE VISUAL TOOLBOX. 60 Lessons for Stronger Photographs, 2015
  • PHOTOGRAPHICALLY SPEAKING. A Deeper Look at Creating Stronger Images, 2011
  • THE PRINT & THE PROCESS. Taking Compelling Photographs from Vision to Expression, 2012
  • VISIONMONGERS. Making A Life and a Living in Photography, 2009
  • SEVEN (Limited Edition). Seven Continents + Seven Years: A Photographic Journey, 2013.

Ebooks (se venden en Craft & Vision)

  • THE PHOTOGRAPHIC STORY.  How To Use Storytelling To Make More Powerful Photographs, 2017
  • MASTER THE CRAFT. 8 Steps to Becoming a Better Photographer, 2016
  • MAKING THE IMAGE. The Creative Path to Stronger Photographs, 2015
  • SEE THE WORLD BUNDLE. Lessons + Case Study for Stronger Travel Photographs, 2015
  • HOW TO FEED A STARVING ARTIST. A Financial Field Guide for Creatives, Solopreneurs and Other Anarchists, 2014
  • THE VISUAL IMAGINATION. Ideas and Techniques for Creative Photographic Expression, 2014
  • SEVEN+. Seven Continents + Seven Years: A Photographic Journey Expanded Digital Edition, 2013
  • LR DEVELOP PRESETS. 36 Adobe Lightroom Presets
  • PORTRAITS OF EARTH. An Introduction to Landscape Photography
  • FORGET MUGSHOTS. 10 Steps to Better Portraits
  • A DEEPER FRAME. Creating Deeper Photographs & More Engaging Experiences
  • TEN. Ten Ways to Improve Your Craft Without Buying Gear
  • TEN MORE. Ten More Ways to Improve Your Craft Without Buying Gear
  • THE VISION-DRIVEN PHOTOGRAPHER. Notes on Discovering & Refining Your Vision
  • DRAWING THE EYE. Creating Stronger Images Through Visual Mass
  • CHASING THE LOOK. 10 Ways to Improve The Aesthetics of Your Photographs.

domingo, 13 de agosto de 2017

Arindam Mukherjee

Arindam Mukherjee es un fotoperiodista indio (nacido en 1974 en Calcuta, donde vive) que principalmente produce informes sobre cuestiones sociológicas de su país.

© Arindam Mukherjee

© Arindam Mukherjee

Biografía

Arindam Mukherjee comenzó su carrera en 1996 como fotógrafo publicitario, tras estudiar economía, y ha trabajado con agencias de publicidad de renombre, diseñadores de moda, diseñadores gráficos y ONGs como Greepeace.

Inicialmente interesado en la fotografía callejera, esto lo llevó rápidamente al fotoperiodismo. Comenzó su carrera en fotoperiodismo como freelance en The Times of India. Ha trabajado en la agencia fotográfica EyePress basada en Hong Kong, donde actualmente es director de asignaciones. También trabaja como fotógrafo para Sipa Press. También imparte cursos básicos y avanzados de fotoperiodismo para fotógrafos aspirantes.

Ha obtenido diversos premios importantes como Media fellowship from National Foundation for India (2003 – 2004) en la sección de fotoperiodismo, beca B.D. Bangoor (2006) en fotografía y el premio New American Media (2009) en fotoperiodismo.

Ha publicado sus fotografías en Al Jazeera, Grazia, Geographical, BBC,  The Sunday Times, The Sunday Telegraph, The New Statesman, Traveler, The New Internationalist, Le Figaro, Le Monde, Liberation, Stern, Focus, Der Spiegel, De Volkskrant, National (UAE), Intelligence Living, Gente, Forbes, Marie Claire, Chatelaine, Audrey, Emphasis Media, Earth Geographic, Rhythms Monthly, National Geographic , …

Ha expuesto en solitario:

  • Indian coal Miners en Nueva Delhi en 2004.
  • Children of Kolkata en Cork, Irlanda, en 2007.
  • Dark side of the boom en el Angkor Photo Festival en 2012.
  • The Indian Grandchildren of Europe en el Delhi Photo Festival de 2013.

Referencias

Libros

  • The Wave that shook the world.

sábado, 12 de agosto de 2017

Mustafa Seven

Mustafa Seven es un fotógrafo turco (nacido en Sivas en 1974, vive en Estambul) que compagina su trabajo de fotoperiodista con la fotografía en la calles, sobre todo en las de Estambul.

© Mustafa Seven

© Mustafa Seven

Biografía

Mustafa Seven empezó su carrera de fotoperiodismo en el grupo de revistas Sabah Newspaper Magazine y continuó con Hürriyet Magazine Group, Gazete Pazar y Milliyet antes de convertirse en el editor de fotografía del periódico Akşam. Posteriormente dirigió su atención a la fotografía callejera que él define como "testigo de la vida".

Mustafa Seven ha sido galardonado en muchos concursos nacionales e internacionales de fotografía, participando en numerosas exposiciones y festivales, realizando una exposición personal llamada Tek en 2013 y ArTriangle Şehir Hikâyeleri en 2017. Ha estado usando Intagram como un canal activo en los últimos años y es uno de los fotógrafos turcos con más alto número de seguidores.

Seven también se dedica a actividades educativas, realizando talleres de fotografía callejera y trabajando en proyectos junto a universidades y otras instituciones educativas.

Tiene dos libros publicados: Istanbul Photographs in Instagram, que es una colección de sus fotografías de Estambul compartida en Instagram, y Street Photography que ha escrito como una guía para aquellos que comienzan a trabajar en este campo específico de la fotografía.

Seven continúa trabajando como fotoperiodista freelance y haciendo fotografías que comunican la calle y documentan la época en que vive, junto con proyectos privados nacionales e internacionales (Samsung, Volvo, Sony, Turkish Airlines, …).

Referencias

Libros

  • Istanbul Photographs in Instagram. 2014.
  • Street Photography. 2014.

viernes, 11 de agosto de 2017

Mariana Yampolsky

Mariana Yampolsky fue una fotógrafa naturalizada mexicana (nacida en Chicago, Illinois, EEUU, el 6 de septiembre de 1925, fallecida en Ciudad de México el 3 de mayo de 2002) en cuya obra se reconoce la diversidad cultural de México a partir de sus fotografías fundamentalmente del mundo rural.

© Mariana Yampolsky

© Mariana Yampolsky

Biografía

Mariana Yampolsky Urbach, hija de padre ruso pintor y escultor y madre alemana, ambos judíos. Durante su niñez y adolescencia, estuvo rodeada de pensamiento intelectual, idealismo socialista y un interés por lo que ahora se denomina humanismo global.  Estudió una licenciatura en Ciencias Sociales en la Universidad de Chicago de 1941 a 1944.

Llegó a México en 1945 e ingresó en La Esmeralda para estudiar pintura y escultura. Ese mismo año empezó su carrera como grabadora hasta mediados de los 60. En 1958 se nacionalizó mexicana. Fue la primera mujer en formar parte del Comité Ejecutivo del Taller de Gráfica Popular (TGP), donde conoció y trabajó con Leopoldo Méndez, Pablo O'Higgins, Alberto Beltrán, entre otros.

Su relación con la fotografía comenzó en 1948, en un ejercicio de registro personal de los diversos viajes emprendidos a lo largo del país. Realizó un curso en la Academia de San Carlos con la fotógrafa Lola Álvarez Bravo, también había hecho fotografías de los miembros del Taller de Gráfica Popular, algunas de las cuales fueron publicadas. En 1960 realizó su primera exposición en la Galería José María Velasco en Ciudad de México. Se ha difundido su obra fotográfica en alrededor de 15 libros, así como a través de más de 50 exposiciones individuales y aproximadamente 150 colectivas.

Uno de sus temas principales fue la arquitectura, incluida la popular. La artista y su marido, Arjeh van der Sluis, construyeron su propia casa en Tlalpan, a las afueras de la ciudad de México, hoy convertida en museo y sede de la Fundación Cultural Mariana Yampolsky, en la que se conservan sus 60.000 negativos.

De 1962 a 1965 colaboró en el Fondo Editorial de la Plástica Mexicana junto con Leopoldo Méndez, participando en la edición de libros sobre la obra de José Guadalupe Posada, el muralismo mexicano y el arte popular. Precisamente sobre arte popular trata su primer libro llamado Lo efímero y lo eterno del arte popular mexicano, publicado junto a Manuel Álvarez Bravo.

Como editora, Yampolsky publicó libros de artistas mexicanos como Diego Rivera y Francisco Toledo y la revista infantil Colibrí, y como comisaria organizó una exposición en el Museo de Arte Moderno de México sobre el 150 aniversario de la fotografía, titulada Memoria del Tiempo, que viajó luego a Europa.

Fue galardonada y reconocida por sus aportaciones al arte y a la cultura mexicanas por el Sistema Nacional de Creadores de Conaculta y con el premio Miguel Othón de Mendizábal por el Instituto Nacional de Antropología e Historia (2000).

Referencias

Libros

  • 1982, La casa que canta, Arquitectura popular mexicana
  • 1985, La raíz y el camino
  • 1987, Estancias del olvido
  • 1987, Tlacotalpan
  • 1992, Haciendas poblanas
  • 1993, Mazahua
  • 1993, Nachdenken über Mexiko: Fotografien von Mariana Yampolsky
  • 1993, The Traditional Architecture of Mexico
  • 1995, Mariana Yampolsky
  • 1997, Mariana Yampolsky. El jardín de Edward James
  • 1998, The Edge of Time
  • 1999, Mariana Yampolsky, imagen-memoria / image-memory
  • 2003, Formas de vida / Life forms.

jueves, 10 de agosto de 2017

Martín Molinero

Martín Molinero es un fotógrafo argentino (nacido en Buenos Aires, vive en Madrid, España) que realiza fotografía de calle. A través de sus ojos, la soledad, la fragilidad, la sorpresa, las preocupaciones y cualquier sentimiento que alguien tiene en un momento, ya no desaparecen en el olvido, capturados por su cámara.

© Martín Molinero

© Martín Molinero

Biografía

Martín Molinero nació y creció en Buenos Aires. Su predilección por la fotografía de calle no fue una elección. Cuando tenía 17 años su tío le introdujo en la fotografía y le enseñó los principios técnicos y que era un medio para la auto-expresión y el auto-conocimiento. Como hacía largas caminatas (20 o 30 kilómetros) en Buenos Aires, la combinación de fotografía y caminar era muy natural que le llevara a la fotografía de calle. Con su vieja y oxidada Canon AE-1 y una lente de 50mm, tomaba instantáneas y disfrutaba de revelar sus propias fotos en ByN.

Luego vino la crisis económica argentina (1999-2002) y en 2003 se trasladó a Barcelona, abandonando su equipo fotográfico (y muchas cosas más) en Buenos Aires, comenzando una nueva vida en España, y deseando volver a la fotografía, pero siempre estaba demasiado ocupado luchando por sobrevivir para tener tiempo de sobra para sus paseos fotográficos económicamente improductivos. En 2010 su esposa le dio una Nikon D90 como regalo de cumpleaños y desde entonces está de nuevo en el juego.

Sus fotos son de naturaleza contemplativa y temporal. Aunque los momentos callejeros son pasajeros, se tiene la sensación de que muchos han sido cuidadosamente capturados buscando algo más profundo. Martín habla de la lectura entre las líneas de la vida: Una especie de subtexto detrás de la acción que se desarrolla. El resultado es a menudo pequeños, pero frágiles y vulnerables momentos de la vida de las personas que de alguna manera te tocan.

Tras residir en Barcelona unos catorce años ha comenzado una nueva etapa de su vida en Madrid. Ha sido miembro del colectivo Calle 35 aunque ahora mismo forma parte del colectivo internacional de street photographers denominado VIVO.

Referencias

miércoles, 9 de agosto de 2017

Maria Svarbova

Maria Svarbova es una fotógrafa eslovaca (nacida en 1988 en Slepcany, vive en Bratislava) cuyas fotografías se asemejan a un sueño que mezcla la realidad con elementos del surrealismo y del Art Nouveau. Sus últimas fotografías se centran en el minimalismo y la pureza.

© Maria Svarbova

© Maria Svarbova

Biografía

Mária Švarbová terminó sus estudios universitarios de restauración y arqueología, dedicándose a la fotografía desde 2010. Desde el principio ha desarrollado un estilo propio y diferenciado, partiendo de los retratos tradicionales para centrarse en la experimentación con el espacio, el color y la atmósfera. Su interés por la arquitectura y los espacios públicos, generalmente los construidos en la era socialista, le ha llevado a crear escenarios únicos. El cuerpo humano en sus fotografías es más o menos un apoyo, sin individualidad ni emociones. Gracias a una cuidadosa composición, las figuras crean escenas que parecen sueños a través de objetos ordinarios, con una tensión silenciosa, el drama se oculta bajo una superficie limpia y lisa.

Incluso en sus obras más ornamentales y nostálgicas hay una sensación de frío desapego. Acciones cotidianas como el deporte o la visita médica se congelan en un momento, dando un nuevo significado a la escena. Los suaves pasteles, la geometría y la pureza visual dan una sensación de orden ultramundano, placer visual inalterable que es inalcanzable en la vida real. A través de sus fotografías, Maria detiene el tiempo y comparte su visión: no tiene miedo de abordar la soledad y el aislamiento, sin embargo, decide celebrar su belleza tranquila y tranquila.

Desde 2010, se ha centrado en el desarrollo de su propio lenguaje fotográfico, obteniendo rápidamente el reconocimiento internacional. Entre sus premios, exposiciones individuales y grupales, su trabajo ha aparecido en VogueForbes, The Guardian, EL Pais, Leica, La Republica, Internazionale, Vogue Korea, Vogue Italia, Cosmopolitan, Harper's bazaar, Behance, Instagram, Instragram Russia, iGnant, Fubiz,  Him Production y otras publicaciones. Lo más destacado de su trabajo comercial incluye el encargo para el cartel promocional del gigantesco rascacielos Taipei 101 en Taiwan.

Sus fotos han sido utilizadas como portadas para varios libros de gran éxito de autores de talla mundial y una de sus obras fue seleccionada para la portada de la prestigiosa revista de fotografía DODHO. También ganó la medalla de oro en el Trierenberg Super Circuit que tuvo lugar en Austria. Ganó el International Photography Award de 2016.

Referencias

martes, 8 de agosto de 2017

Pepe Campúa

Pepe Campúa fue un empresario cinematográfico y teatral y fotógrafo español (nacido en Madrid el 18 de septiembre de 1900, fallecido el 28 de febrero de 1975, también en Madrid) cuya fotografía es realista, intentando estar lo más cerca de la acción, sin intentar que sea artística ni estética, sino buscando el periodismo puro. Es considerado uno de los mejores reporteros gráficos de su época.

Alfonso XIII en las Hurdes © Pepe Campúa

Alfonso XIII en las Hurdes © Pepe Campúa

Biografía

José Demaría Vázquez, conocido como Pepe Campúa, era hijo del también fotógrafo José L. Demaría López «Campúa», del que heredó su nombre artístico. Acabados sus estudios, tras un primer intento de dedicarse a la pintura, frecuentando el estudio de Joaquín Sorolla a quien le pidió que le enseñara el oficio, decidió que su vocación era la fotografía y el periodismo, se independizó de sus padres y creó la Agencia Express.

Empezó a colaborar en diversos medios como El Fígaro, Nuevo Mundo, Mundo Gráfico y La Esfera, entre otros. En los años 1920, al igual que su padre, realizó importantes trabajos fotográficos (obtuvo la primera fotografía de la bandera de España ondeando en el monte Gurugú, tras su toma por los soldados españoles en 1921) durante las acciones bélicas desarrolladas en el norte de África. En esos años viajó a diversos países recogiendo imágenes de la actualidad política y social del momento tanto en fotografías como en cine.

Alcanzó gran prestigio cuando en 1922 fue el único reportero gráfico que acompañó a Alfonso XIII en su viaje a Las Hurdes. También son importantes su retrato del general Sanjurjo preso en la cárcel del Dueso o el de Primo de Rivera en el acto fundacional de La Falange. En 1934 viajó a Asturias para obtener imágenes de la revolución de octubre, y realizó el documental Los luctuosos sucesos de Asturias.  En esos años estuvo considerado entre los mejores reporteros gráficos españoles junto a Alfonso Sánchez Portela, José María Díaz Casariego y Luis Ramón Marín que estuvieron trabajando en equipo en la publicación Mundo Gráfico hasta 1936.

Además de trabajar como reportero, desarrolló su actividad como empresario cinematográfico, primero en la gestión del cine Royalty y luego poniendo en marcha el cine Actualidades, donde proyectaba sus propios reportajes y noticias. En 1935 inauguró el cine Madrid-París​ en la antigua sede de los almacenes del mismo nombre en la Gran Vía madrileña. En junio de 1936 constituyó la Unión de Informadores Gráficos y ocupó el cargo de presidente.

Durante la guerra civil él y su padre fueron apresados (y su padre asesinado) y su estudio y buena parte de su obra destruidos. En 1937 se escapó de la cárcel y se pasó al lado franquista, realizando gran cantidad de fotografías (más de 10.000) tanto en el frente como en la retaguardia. Sin embargo la mayoría de sus fotografías de guerra no se han podido contemplar expuestas hasta el siglo XXI, como en la exposición Lérida 1938. Fotografías de José Demaría Campúa de 2008.

Acabada la contienda retomó con intensidad su actividad de empresario teatral y de cine, terreno en el que ayudó a iniciar la carrera de reconocidos artistas del espectáculo, pero sin abandonar su estudio, especializado en el retrato, por el que pasaron multitud de personajes de la sociedad, las artes y la política. Entre 1941 y 1947 trabajó en dicho estudio el fotógrafo húngaro Gyenes hasta que montó su propio estudio.

También colaboró en la revista Fotos. Creó la Agencia Gráfica Campúa, que colaboró con La Vanguardia, el ABC, ¡Hola! y otras publicaciones tanto nacionales como extranjeras. Era considerado el fotógrafo habitual de Franco y de la Casa Real española, realizando fotografías de los Borbones en el exilio en Roma y Estoril y el reportaje del nacimiento y el bautizo del infante Juan Carlos.

En 1952 fue elegido presidente de la Asociación de Informadores Gráficos de España y en 1967, vicepresidente de la Asociación Internacional de Fotógrafos de Prensa. Fue catedrático de la Escuela Oficial de Periodismo y creador de la Institución de Defensa de la Propiedad Fotográfica. Recibió el título de Periodista de Honor y la Medalla de Plata al Mérito en el Trabajo.

En 2010, su figura ha sido recuperada, junto con la de otros tres fotógrafos citados anteriormente, en el documental Héroes sin armas,​ que relata el trabajo que realizaron estos tres fotógrafos durante la Guerra Civil española y, especialmente, en el Frente de Madrid.

Referencias

Libros

lunes, 7 de agosto de 2017

Flor Garduño

Flor Garduño es una artista y fotógrafa mexicana (nacida el 21 de marzo de 1957 en México D. F., vive y trabaja en Tepoztlán y también en Suiza) que ha trabajado asiduamente en naturaleza muerta, retratos, y desnudos en monocromo. Gracias a su uso de la luz y de la sombra, sin el uso de luz artificial y con un gran equilibrio la composición, sus imágenes reflejan una forma de arte que se puede encontrar en el ritual y en la naturaleza del espacio y el tiempo, capturando la cultura de su país al mismo tiempo que explora su propio mundo interior.

© Flor Garduño

© Flor Garduño

Biografía

Flor Garduño nació en Ciudad de México, pero con 5 años su familia se trasladó a una granja a 25 Km de la capital. Allí, viviendo entre animales, en contacto con la naturaleza, formó su carácter. Después realizaría estudios de artes visuales en la Antigua Academia de San Carlos, de la Universidad Nacional Autónoma de México, siendo alumna de Kati Horna.​ Interrumpió sus estudios después de tres años a favor de una posición de asistente de cuarto oscuro,​ del veterano y muy respetado fotógrafo mexicano Manuel Álvarez Bravo. Con el maestro, fue capaz de desarrollar y perfeccionar sus habilidades adquiridas.

Luego trabajaría con el Ministerio de Educación de México, bajo la dirección de Mariana Yampolsky, viajando a las aldeas rurales de todo México con un equipo de fotógrafos y artistas que buscaban temas para ilustrar los libros de texto de las escuelas primarias de las comunidades indígenas. Estas experiencias le dieron la oportunidad de aprender sobre el México rural, especialmente la difícil situación de los pueblos indígenas, y ayudaron a perfeccionar su propio estilo único, que infundió la fotografía descriptiva con arquetipos místicos característicos del surrealismo mexicano.

En 1982 tuvo su primera exposición en la Ciudad de México en la Galería José Clemente Orozco, y desde entonces, su obra se muestra en exposiciones, galerías y museos, habiendo recibido numerosos premios, becas y galardones por su trabajo.​ Su obra forma parte de colecciones públicas y privadas como The Museum of Modern Art en Nueva York, Art Institute of Chicago, Museum of Fine Arts en Houston, Center for Creative Photography en Tucson, Museo de Arte Moderno en Ciudad de México, Bibliothèque National de France en Paris, Museum Ludwig en Colonia, Alemania, …

En 1985, y animada por el entusiasmo y apoyo del pintor Francisco Toledo, publicó su primer libro.  En 1993, se dedicó a la revista suiza DU. Con el siguiente libro Witness of Time que tuvo un éxito rotundo y numerosos premios, como los Kodak Award en 1992 y Queen Elisabeth en 1993, siendo traducido a cinco idiomas. Y le permitió programar una extensa gira internacional de exposición a través de más de cuarenta países de América y Europa. En 1995, recibió una beca de tres años para su nuevo Proyecto Mesteños, donde muestra animales y personas de su entorno natural, y un año después  realizó 2.000 fotografías de Zúrich y un documental sobre ellas, para la Casa del arte de esta ciudad.

Garduño ha desarrolla a lo largo de su carrera un estilo propio que es fácil de reconocer: escala de grises y onírico, pero también cuenta con retratos en los que figuran pintores, fotógrafos, escultores, arquitectos, escritores, etc. A partir del 2013 ha comenzado con la intervención de fotografías.

Referencias

Libros

  • Magia del juego eterno, 1985.
  • Bestiarium, 1987.
  • Witnesses of Time/Zeugen der Zeit, 2000.
  • Mesteños, 1994.
  • Testigos Del Tiempo, 1997.
  • Flor, 2001.
  • Inner Light/Flor, 2003.
  • Flor, 2004.
  • Nature silenziose / Silent natures
  • The sonnets of Shakespeare
  • Trilogía, 2010.
  • Trilogy, 2011
  • Trilogie, 2011 (alemán).
  • FLOR GARDUÑO, Photo Poche Collection, 2016.
  • Glimpses of Mexico / Miradas de México
  • Looking in, looking out: Latin American Photography.

domingo, 6 de agosto de 2017

Ramón Grandal

Ramón Grandal es un fotógrafo cubano (nacido en La Habana el 4 de octubre de 1950, vive en Venezuela) cuya obra es el resultado de un proceso íntimo: un registro diario y personal que, en sus propias palabras, expresan “brevísimas opiniones” de un mundo que intenta guardar en la memoria, la propia y la de cualquiera que se detenga a verlas.

Carnaval © Ramón Grandal

Carnaval © Ramón Grandal

Biografía

Ramón Martínez Grandal se graduó en la Escuela Libre de Artes Plásticas, estudió Museografía y Museología en el Museo de Bellas Artes de La Habana. Trabajó como diseñador gráfico hasta que vio la oportunidad, a los 20 años, de trabajar como fotógrafo de teatro en el Consejo Nacional de la Cultura junto a quien fuese su tutor, Tito Álvarez, maestro de la fotografía cubana. Desde sus inicios, en los primeros años de la década de los 70, y durante sus primeros 30 años, su fotografía mantiene un compromiso social, un discurso casi objetivo de la realidad, pero la llegada de Los americanos, de Robert Frank.

A partir de su encuentro con esa manera norteamericana de fotografiar, Grandal generó un nuevo lenguaje que juega con la idea de una imagen que trascienda de la cotidianidad, primero de Cuba, luego de Venezuela a la que se trasladó en 1993 ya con una carrera destacada en la fotografía documental y América Latina. Su fotografía rompe con los discursos sociales y consigue un enfoque retrospectivo que brinda al espectador una oportunidad de reflexionar sobre la realidad fotografiada. Es un proceso más íntimo: un registro diario y personal que, en sus propias palabras, expresan “brevísimas opiniones” de un mundo que intenta guardar en la memoria, la propia y la de cualquiera que se detenga a verlas.

Ramón Grandal fue uno de los primeros fotógrafos cubanos en exponer en Estados Unidos tras el cese de la Guerra Fría ha participado en más de 60 exposiciones colectivas en en Cuba, México, Brasil, Venezuela, Estados Unidos, Francia, Suiza, Alemania, Italia, España, Hungría, etc., algunas de ellas junto a su esposa la también fotógrafa Gilda Pérez. Destaca, entre sus encuentros con otros fotógrafos, la exposición Cuba 1933-1992. Dos visiones: Walker Evans-Ramón Grandal, en Francia y Un mundo, varios puntos de vista. Encuentro con fotógrafos notables: MagnumPhotos/Venezuela, en los museos Jesús Soto (Ciudad Bolívar) y Alejandro Otero (Caracas), en 2007. 

En 1998 recibió en Venezuela la Mención del Premio de Fotografía Latinoamericana Josune Dorronsoro del Museo de Bellas Artes de Caracas, el Premio Único del Festival Internacional de la Luz en el 2000 y el Premio de Fotografía de la Unión de Escritores y Artistas de Cuba.

Desde 1996 ofrece conferencias y talleres en diferentes universidades e instituciones. Su obra ha sido publicada en múltiples revistas, periódicos y fotolibros. En 2009 fundó la agencia ENPHOCO.

Sus fotografías forman parte de diferentes colecciones públicas y privadas como Musée de L’Elysée  y Photoforum Pasquart en Suiza, Consejo Mexicano de Fotografía, Casa de las Américas y Museo de Bellas Artes de La Habana en Cuba, Museo de Bellas Artes de Caracas y Galería de Arte Nacional en Caracas, Venezuela, …

Referencias

Libros

  • Camera, 1980.
  • La Ciudad de las Columnas, con textos de Alejo Carpentier, 1982.
  • Canto a la realidad. Fotografía Latinoamericana 1868-1992, 1993.
  • ExtraCAMARA,
  • Memoria: Artes Visuales Cubanas del Siglo XX, 2003.

sábado, 5 de agosto de 2017

Enrique Facio

Enrique Facio fue un fotógrafo español (nacido en Málaga en 1833, fallecido en 1897) al que se le atribuye el mérito de ser el primer fotógrafo español corresponsal de guerra.

EnriqueFacio

Enrique Facio

Biografía

Enrique Facio o Fazio nació en una familia de origen italiano que se dedicaba al comercio y él fue aficionado a la pintura y la fotografía, pero sin llegar a ser profesional, es decir, que no tenía un establecimiento fijo.

Tras la Guerra de Crimea y la incursión de la fotografía (Roger Fenton, principalmente) en su relato, en la Guerra de África con Marruecos en 1859 se creó una lucha por los medios de aquel tiempo en conseguir una información de primera mano con la que lograr  la mayor venta de periódicos. Así, los diversos medios mandaron periodistas junto con dibujantes, para mantener la emoción con información de la guerra por entregas.

Uno de los que consiguió más éxito en su trabajo fue un joven Pedro Antonio de Alarcón (1833-1891), inexperto en aquel entonces, pero que partió a Marruecos con un dibujante y pintor (posiblemente Rombado, que ya había estado en las acciones bélicas de Crimea y Mogador, y que habría tomado nota de la importante presencia de la fotografía en ellas) y un fotógrafo al que contrató para que “con su máquina y demás útiles de arte, sacara panoramas de los terrenos que recorriéramos, retratos de cristianos, moros y judíos, y vistas de las ciudades que conquistásemos”, seguramente por consejo de Rombado.

Alarcón nunca mencionó el nombre del fotógrafo, rebajó la importancia de la fotografía en sus crónicas para La Iberia, pero se atribuyó el haber sido él el introductor de la primera máquina fotográfica en Marruecos, y muchos de los grabados de sus crónicas (en aquel entonces todavía no se podían poner fotografías en los medios impresos) fueron realizados a partir de fotografías tomadas por Facio.

Investigaciones recientes indican que fue Facio el fotógrafo contratado por Alarcón, en buena parte por coincidir fotos guardadas por la familia con los grabados de los artículos, y por ello se le atribuye el mérito de ser el primer fotógrafo español corresponsal de guerra.

Referencias

    Libros

      viernes, 4 de agosto de 2017

      Guilherme Bergamini

      Guilherme Bergamini es un fotógrafo brasileño (nacido en Belo Horizonte, Minas Gerais, Brasil) que expresa a través de la fotografía sus vivencias personales y su visión del mundo, como una forma de crítica política y social.

      GuilhermeBergamini

      © Guilherme Bergamini

      Biografía

      Guilherme Bergamini ha sido un apasionado de la fotografía desde chico y estudió la carrera de Periodismo. Es un entusiasta y curioso de las nuevas posibilidades contemporáneas de la fotografía. A través de su arte, Bergamini busca expresar sus experiencias, puntos de vista y ansiedades. Persistente y crítico, entiende a la fotografía como una forma de crítica política y social.

      Como ejemplo de su trabajo, podemos citar su proyecto Educação para todos, en el que documenta, a través de fotografías de colegios abandonados, el largo camino que todavía queda en Brasil para asegurar en la práctica la universalidad de la educación.  Este proyecto ha obtenido diversos premios como el 3º puesto en el Concurso Debiutas en Vilna, Lituania, en 2016, 2º puesto en ExperimentoBio en Bilbao en 2015 y ha sido objeto de numerosas exposiciones en Brasil, Venezuela y Barcelona, Madrid y Bilbao en España.

      Su libro de artista Quatro gerações es una invitación para reflexionar sobre el arte, el paso del tiempo y las herencias dejadas para las próximas generaciones, a través de cuadros, pinturas, fotografías y dibujos en la pared que simbolizan el paso del tiempo y la permanencia del amor por las artes que trasciende a las generaciones de esa familia. Este libro ha sido presentado en numerosos festivales.

      Premiado en competiciones y festivales nacionales, ha formado parte de exhibiciones en grupo e individuales en Brasil, Portugal, España, Grecia, Francia, Alemania, Italia, Eslovenia, Lituania, Turquía, Venezuela, México, Chile, Argentina, Ecuador, Uruguay y Estados Unidos.  Ha publicado su trabajo en distintos medios de comunicación brasileños y extranjeros.

      Referencias

      Libros

      jueves, 3 de agosto de 2017

      Luis Camacho

      Luis Camacho es un fotógrafo español (nacido en Madrid en 1972) que añade a su trabajo de fotorreportero el de la fotografía de calle, principalmente de la Gran Vía madrileña.

      © Luis Camacho

      © Luis Camacho

      Me interesa la mutación constante de la ciudad que produce una crisis de identidad y un conflicto cultural continuo, en fotografías exploro la dinámica entre el sujeto y el tiempo, lo real y lo su-real en escenas callejeras desarticuladas donde se manifiesta la gente corriente en su vida cotidiana.

      Biografía

      Luis Camacho Peral estudió Imagen y Sonido en la especialidad de Imagen fotográfica en el IFP Siglo XXI. Comenzó en la producción audiovisual hasta que en el año 2000 sintió la llamada de la fotografía; desde entonces en un aprendizaje continuo no ha dejado de explorar las posibilidades del lenguaje fotográfico.

      Ha sido miembro del colectivo de fotografía documental Calle 35 y fundador de la Asociación Fotográfica Villaverde.  En la actualidad es fotógrafo en la SGAE, realiza retratos editoriales para ESQUIRE, FORBES y TAPAS y desde 2001 trabaja como colaborador habitual de las cabeceras de Unidad Editorial: TELVA, Diario Médico, Expansión, Correo Farmacéutico.

      Ha publicado fotografías o reportajes en ABC, El Mundo, El País, Diario 16, El Semanal, QUE, AR, El Mundo Deportivo, Diario As, Megaphon, Kleine Zeitung entre otros.

      Ha recibido algunas becas y premios que le han ayudado a desarrollar su trabajo más personal, tales como: Beca del Ministerio de Cultura para estancia en el Colegio de España en París, Ayuda a la promoción del Arte Español y Nuevas Tendencias concedida por la Dirección General de Bellas Artes, premio FotoCAM 2013, premio Fujifilm Euro Press Photo Adwards,

      Ha realizado exposiciones tanto individuales como colectivas en España, Francia, Italia, EE.UU o Dinamarca y su obra se encuentra en colecciones públicas y privadas.

      Referencias