jueves, 25 de mayo de 2017

Gustavo Cuevas

Gustavo Cuevas es un fotógrafo español (nacido en Madrid en 1948, donde vive) que ha trabajado para diversas agencias de noticias, principalmente para la Agencia Efe española.

 

© Gustavo Cuevas / Efe

© Gustavo Cuevas / Efe

 

La gran ventaja que tiene la fotografía de agencia es que no estás encasillado en un sitio, que no te aburres porque vas cambiando de un tema a otro y de hecho a veces no sabes lo que te va a deparar el mismo día.

 

 

Biografía

Gustavo A. Cuevas Gozalo es licenciado en Química por la Universidad Complutense de Madrid y obtuvo un master en la Universidad Laval de Québec, donde también estudió fotografía avanzada. Aparte de sus estancias en Québec y Londres, ha pasado su vida en Madrid.

Cuevas comenzó su carrera como fotoperiodista en 1976 como fotógrafo de plantilla en Kappa Press y desde entonces ha trabajado con United Press International, Agencia Penta Press (donde fue socio fundador y editor gráfico) y Servimedia, entre otras agencias y medios. Ha sido fotógrafo de la Agencia EFE, donde trabaja desde hace más de 12 años.

Su trabajo ha aparecido tanto en prensa digital como en prensa escrita, en publicaciones como Tiempo, El País, Newsweek, Time, Stern y Paris Match, y su obra ha sido objeto de varias exposiciones.

su imagen de la aparatosa cornada que sufrió el torero Julio Aparicio en la plaza de Las Ventas el 21 de mayo de 2010 le sirvió para obtener el segundo premio de la categoría de deporte en el prestigioso concurso de fotografía World Press Photo, además de otros.

Su trabajo en la agencia de noticias EFE (la más importante de España y la cuarta del mundo) le ha permitido que sus fotografías cubrieran los acontecimientos más importantes y variados de la vida española, al mismo tiempo que ha limitado su proyección personal como fotógrafo, salvo por el hecho de haber obtenido un prestigioso premio World Press Photo.

 

 

 

Referencias

miércoles, 24 de mayo de 2017

Manish Khattry

Manish Khattry es un artista indio (nacido el 8 de febrero de 1973) que está considerado uno de los fotógrafos de calle más influyentes en el mundo.

 

© Manish Khattry

© Manish Khattry

 

 

Biografía

Manish Khattry es presidente de la agencia de publicidad Ishita Adlab y profesor en la Facultad de Artes Visuales de la Banaras Hindu University en Benarés.

En el año 1993, introdujo el ordenador como medio artístico por primera vez en la India y celebró la primera exposición en India de pintura mediante ordenador en la Academia Lalit Kala de Nueva Delhi.

Organizó la Primera Exposición en Asia de Infografía por Mujeres Artistas en la ABC Art Gallery de Benarés en 1997. Ha realizado muchas exposiciones nacionales e internacionales desde 1993, siendo reconocido como fotógrafo de la calle en numerosos países, siendo el 2º fotógrafo de calle más influyente del Reino Unido.

Ha publicado numerosos dibujos animados, ilustraciones, pinturas, fotografías y artículos en periódicos y revistas nacionales e internacionales. Khattry ha obtenido muchos premios y honores nacionales e internacionales. La fotografía es su gran pasión, sobre todo la de calle en blanco y negro, principalmente de Benarés.

Es miembro de muchas organizaciones bien conocidas como el Heritage Committee for the development of the city Varanasi, Advisory Board of Ganga Seva Nidhi, Archeological Survey of India para exposiciones de fotografía, etc..

 

 

Referencias

martes, 23 de mayo de 2017

Lisa Wiltse

Lisa Wiltse es una fotógrafa estadounidense (nacida en Weston, Connecticut, en 1977, vive en Nueva York) que trabaja en el amplio campo del estudio social y cultural, con énfasis en comunidades y modos de vida socialmente desfavorecidos.

 

© Lisa Wiltse

© Lisa Wiltse

 

 

La fotografía es un pasaporte para otros mundos. Siendo una persona privilegiada, quiero entender la vida de los menos privilegiados. Siendo una mujer quiero tratar de comprender las dificultades de las mujeres. Siendo humanista, quiero entender y, en consecuencia, dar algo de luz sobre la difícil situación de los niños que sufren. Es este deseo de experimentar y de tratar de entender las cosas distintas de lo que sé lo que da sentido a mi trabajo.

 

 

Biografía

Lisa Wiltse se graduó con un BFA en fotografía en el The Art Institute de Boston, donde también asistió a un taller de Eugene Richards de fotografía documental. En 1998 realizó un internado con Magnum Photos en Nueva York. En 2001 estuvo 7 semanas de voluntaria en Uganda, documentando y trabajando con niños de Lost Generation of orphans.

En 2004 se trasladó a Sídney, Australia, donde trabajó como fotógrafo en plantilla en el Sydney Morning Herald.

En 2008, decidió seguir su carrera freelance, viajando a Filipinas para trabajar en dos historias:  Reproductive health rights y Charcoal kids of Ulingan. que retomaría en 2011.

En 2009 se mudó a La Paz, Bolivia, desde donde visitó la aislada comunidad de los Mennonitas de Manitoba. Ha viajado mucho y se ha centrado en documentar la vida cotidiana en comunidades marginadas en lugares como Bangladesh, para documentar sobre los trabajadores del sexo en la pequeña villa de Daulatdia, Uganda, Filipinas, Bolivia, Nueva Zelanda y Estados Unidos.

 

 

Referencias

lunes, 22 de mayo de 2017

Ramón Vaquero

Ramón Vaquero es un fotógrafo español (nacido en Vigo) especializado en fotografía de publicidad, social, industrial y de belleza.

 

© Ramón Vaquero

© Ramón Vaquero

 

 

Biografía

Ramón Vaquero Aldazábal sintió la llamada de la fotografía gracias a la afición de su padre. Desde pequeño tuvo siempre contacto con la fotografía y comenzó a interesarse bastante en serio, completando el aprendizaje con lecturas, viendo exposiciones de grandes maestros, pero sobre todo fotografiando.

La fotografía se había convertido en su gran pasión, y decidió en los años 90 dedicarse profesionalmente a lo que realmente le gustaba hacer. Siempre sin perder la parte personal o más lúdica de la fotografía.

Prefiere las fotografías creadas en lugar de las tomadas, interesándole más crear algo propio que en estar atado a la realidad. Le gustan los géneros clásicos, como el paisaje, arquitectura, el retrato en todas sus variantes, la moda y la belleza, realizando trabajos de imagen publicitaria, social, industrial y reportaje para instituciones oficiales, públicas y privadas, empresas, productoras, agencias y particulares. Simultáneamente desarrolla trabajos de fotografía personal como autor.

Ha obtenido numerosos premios en concursos de prestigio internacional, como el Trierenberg Supercircuit (donde ha conseguido 8 medallas), los ND Awards, IPA, los premios LUX de fotografía profesional en España, y el más reciente en el Tokyo International Foto Awards. Sus fotografías han aparecido en numerosas exposiciones y portadas de catálogos, así como en numerosas publicaciones internacionales de fotografía, como en la revista Nikon pro, donde le han publicado en 5 ocasiones sus fotos, una de ellas en portada.  

Su serie Lighting clothes, ha obtenido gran éxito internacional, consiguiendo numerosos premios, ya sea como serie como fotografías individuales,  como, por ejemplo, los prestigiosos premios LUX.

 

 

Referencias

domingo, 21 de mayo de 2017

Martin U. Waltz

Martin U. Waltz es un fotógrafo alemán (reside en Berlín) que realiza fotografía de calle principalmente en las de Berlín. Su estilo característico es una fotografía en blanco y negro con un contraste muy alto. Le gusta estar muy cerca del sujeto y tiene una colección muy importante de retratos en la calle.

 

© Martin U. Waltz

© Martin U. Waltz

 

Me gusta la imprevisibilidad de la fotografía de la calle. Sales y nunca sabes lo que vas a encontrar. Me gusta que se necesite poca cámara, solo una medio decente con un gran angular moderado y ya está. Por último, creo que el resultado es altamente relevante. La fotografía de calle refleja la vida urbana. Y este tipo de vida es donde la mayoría de nosotros vivimos nuestro día a día.

 

 

Biografía

Martin U. Waltz empezó muy pronto a hacer fotografías en las calles; con tan sólo 14 años de edad ya estaba haciendo fotografía de la calle sin saberlo. Así pues la fotografía fue su primer amor y su segunda carrera. Después de dedicarse a las finanzas, ahora trabaja como fotógrafo artístico y comercial en Berlín.

Martin es un agudo observador de la fragilidad y transitoriedad de la vida urbana. En su fotografía de calle enfatiza el contraste entre las suaves formas humana y las dura y estáticas formas de las infraestructuras de la ciudad. Utiliza fuertes composiciones geométricas y, todavía, piensa en su fotografía como asociativa y poética.

Su trabajo a largo plazo es la captura de lo contemporáneo de Berlín, la ciudad en la que vive desde hace más de 30 años. Esto incluye muchos estilos de la fotografía, algunos claramente más allá de la propia fotografía de calle. Memorial Ghosts es una colaboración fotográfica sobre el Memorial del Holocausto de Berlín, junto a Roland Groebe.

Martin ha ganado numerosos premios internacionales como una medalla de bronce en el Prix de la Photography en Paris, un segundo puesto en el Concurso Internacional de Moscú, y en 2017 ha obtenido una mención en los Sony World Photo Awards.

Su obra ha sido mostrada internacionalmente en exposiciones colectivas e individuales en Nueva York, París, Dublín, Bucarest y Berlín, y está considerado como uno de más influyentes fotógrafos de la calle. Actualmente es jefe editor del blog Street Word y es miembro fundador del colectivo de fotografía de calle berlin1020. Es socio de la agencia de márquetin digital marketinghelfer.

 

 

Referencias

sábado, 20 de mayo de 2017

Joan Costa

Joan Costa es un fotógrafo balear (nacido en Ibiza en 1968) que realiza fotografía de diverso tipo, habiendo evolucionado de la fotografía de viajes a la fotografía científica, de naturaleza y submarina.

 

JoanCosta

Heteropoda © Joan Costa

 

 

Biografía

Joan Costa comenzó a trabajar como fotógrafo profesional en 1988, cuando se convirtió en miembro del personal del Diario de Ibiza. Después de trabajar en varios periódicos de Ibiza, Mallorca y Barcelona, ​​se trasladó a Madrid en 1996 y comenzó a trabajar con la agencia Cover. Se especializó en fotografía de viajes y colaboró ​​con la revista Traveler, la revista Viajar, la revista EPS Sunday de El País, Focus, Sky, el suplemento dominical del UK Financial Times, el New York Times, Il Venerdi y Epsilon, entre otros.

En 1997, inició un proyecto de cuatro años como fotógrafo oficial de la Universidad Internacional Menéndez Pelayo. En 2000 y 2001 trabajó con AECi, Agencia Española de Cooperación Internacional para la producción de dos libros de fotografía: Belice y Nuevo México.

En 2004 y 2005, trabajó con la Comunidad de Madrid en la producción de dos exposiciones fotográficas: Ucrania, los ojos del alma y Secretos del alma de Rusia. En 2006, Costa presentó Naltros, una obra sobre la cultura popular de Ibiza y, en 2010, Cases d'Eivissa, una exposición fotográfica sobre la arquitectura de Ibiza.

En 2006, comenzó a trabajar en fotografía científica y, en 2010, se convirtió en el fotógrafo oficial de Malaspina 2010, una expedición oceanográfica alrededor del mundo para estudiar el impacto del cambio global en los océanos. Con una fotografía de esta expedición consiguió un 2º premio en la categoría de Naturaleza del World Press Photo de 2012.

En 2013 se unió a la Universidad de Australia Occidental, UWA, como artista en residencia. También ha trabajado con la Universidad Rey Abdullah para Ciencia y Tecnología, KAUST, en Arabia Saudita.

 

 

Referencias

 

 

Libros

  • Belice.
  • Nuevo México.
  • 101 flores de Ibiza y Formentera.

viernes, 19 de mayo de 2017

Hector Isaac

Hector Isaac es un fotógrafo cubano (nacido en La Habana, vive en Miami, EEUU) que realiza fotografía de calle. Trabaja indistintamente en color o blanco y negro.

 

© Hector Isaac

© Hector Isaac

Están solos usted y su cámara. Las limitaciones en su fotografía están en usted, porque lo que vemos es lo que somos.

Ernst Haas

 

Biografía

Hector Isaac nació en Cuba, donde vivió hasta los 16 años, cuando se trasladó a Miami, EEUU. Trabaja como contable en el campo de la salud.

La fotografía divertida es una manera de escapar de los ordenadores, ya que gasta gran parte de su vida en el trabajo, la escuela. Todo comenzó a finales de 2011 tras leer Life Magazine: 100 fotografías que cambiaron el mundo. Poco después compró su primera cámara, una Fuji x100, y desde entonces ha pasado todo el tiempo libre como ha podido fotografiando en las calles. Recientemente ha tenido participado en 2 eventos de fotografía callejeros como un magnífico resultado: Miami International Street Photography, donde ganó en 2012, y You Are Here II en Los Angeles.

Formó parte del colectivo de fotografía Strata Collective. Su obra es animada y llena de dramatismo con una composición sorprendente y temas siempre intrigantes.

 

 

Referencias

jueves, 18 de mayo de 2017

Joaquín Pedrosa

Joaquín Pedrosa fue un hombre polifacético, comerciante, director del balneario La Puda de Montserrat, inventor del Licor de Montserrat y fotógrafo catalán (nacido en Esparraguera, Barcelona, en ¿1820?, fallecido en ¿1890?) cuya obra tuvo una originalidad particular, con una estética  alejada de los convencionalismos comerciales que impregnaron la mayor parte del trabajo de los fotógrafos del siglo XIX.

 

Joaquín Pedrosa

Joaquín Pedrosa

 

 

 

Biografía

Joaquín Pedrosa i Vacarissas fue uno de los primeros calotipistas españoles y también produjo imágenes estereoscópicas de la Alhambra de Granada. 

En 1857 realizó varios calotipos con vistas de las ciudades de Sevilla y Granada que reunió en un álbum, al que denominó Álbum español. Presentó sus obras a diversas exposiciones, como la celebrada en Sevilla en 1858 bajo el auspicio de los duques de Montpensier, en la que le fue concedido un premio de primera clase, o la Exposición de Pinturas convocada por la Sociedad de Amigos de Bellas Artes en Barcelona en 1858. Además, cultivó la fotografía estereoscópica, editando seis vistas de la Alhambra en este formato.

Su Álbum español está compuesto por 35 fotografías firmadas por el autor y fechadas en 1857. En las imágenes predomina el tema de la arquitectura palaciega, en ocasiones acompañada de la figura humana. Muchas de sus fotografías poseen un efecto visual característico, logrado con el uso de la técnica del contraluz. Dedicado en la hoja de guarda «A D. Juan José Bueno en testimonio de amistad», pudiera haber sido confeccionado como regalo, pero también podría ser uno de los habituales catálogos comerciales de la época.

Se conserva en el Archivo del Patronato de la Alhambra y Generalife. Algunas de sus fotografías formaron parte de la muestra Imágenes en el tiempo, un siglo de fotografía en la Alhambra 1840-1940, organizada por esta institución en 2002. Las colecciones Fernández Rivero e Ignasi Solé i Sugranyes también poseen obra del autor.

 

 

 

Referencias

 

 

Libros

miércoles, 17 de mayo de 2017

Nico Goodden

Nico Goodden es un fotógrafo inglés (nacido en Londres, donde vive y trabaja) que realiza fotografía de calle, desde imágenes de estilo cine negro, hasta retratos cándidos y planos arquitectónicos abstractos. Es un apasionado del paisaje de Londres, sus calles, gente y arquitectura a través de fotografía, cinemagraphs y timelapses.

 

© Nicholas Goodden

© Nicholas Goodden

 

 

Biografía

Nicholas "Nico" Goodden estudió para chef en una escuela francesa. Con 14 años ya estaba fuera de la casa paterna. Su primer trabajo fue con 17 años en un hotel de primera en París. La   cocina era un trabajo muy creativo. Fue también un techno DJ underground 10 años.

Nunca estudió fotografía, empezó a hacer fotos en serio hacia 2008, cuando regresó a Londres. En 2010, lanzó su sitio web, y en 2014 su pequeña empresa. Ahora es un premiado e influyente fotógrafo de calle. En 2014, fue incluido en una lista de los 100 fotógrafos más influyentes socialmente, en 2015 en la de los 20 fotógrafos de calle más influyentes y en 2016 en la de los 20 mejores fotógrafos del Reino Unido en Internet. .

Sus imágenes son verdaderamente llamativas, sus composiciones audaces y con el uso frecuente de colores y contrastes luminosos, ofrece una visión muy personal de la ciudad de Londres. Desde el ajetreo y el bullicio al camino solitario de londinenses anónimos, cada imagen es un homenaje a la ciudad y su impulso creativo o de trabajo que muestra las múltiples facetas de la capital británica.

Además de fotografías, realiza también cinemagraphs y timelapses para las mejores marcas (Adidas, Amazon, Peugeot, …) principalmente en campañas de marketing de medios sociales.

Es un usuario avanzado de la redes sociales, teniendo cerca de 100.000 seguidores en Twitter y más de 13.000 en Instagram. Escribe regularmente para publicaciones importantes (Photoshelter, The Phoblographer, Olympus Magazine, FStoppers, World Photo Org, Creative Review, …) sobre temas de fotografía urbana y de la importancia de los medios sociales.

Por otro lado, también dirige Street Photography London, un blog muy popular sobre el tema de la fotografía callejera. Es visionario Olympus.

Recientemente realizó  su primera exposición de fotografía de calle en solitario llamada The Great Londoners patrocinada por Hoxton Hotels y Olympus.

Su último proyecto es a medias con su hermana, una ilustradora, mezclando dibujo con fotografías de las calles de Londres.

 

 

Referencias

martes, 16 de mayo de 2017

Joaquim Gomis

Joaquim Gomis fue un fotógrafo, coleccionista, empresario y promotor artístico catalán (nacido en Barcelona el 19 de septiembre de 1902, fallecido también en Barcelona el 12 de diciembre de 1991) considerado un pionero en la utilización de un lenguaje fotográfico que se adelantó a los postulados de la Nueva Visión. Entre 1940 y 1960 realizó el grueso mayor de su obra. Su especialidad eran las fotografías de cuerpos, los paisajes urbanos y la arquitectura.

 

JoaquimGomis

Blanco sobre negro. Rigi Kuhlm, Suiza, 1937. Gelatina de plata tiraje de época
©HEREDEROS DE JOAQUIM GOMIS. FUNDACIÓN JOAN MIRÓ, BARCELONA

 

 

Biografía

Joaquim Gomis Serdañons nació en Barcelona en el seno de una familia acomodada, su padre disponía de un negocio algodonero y su abuelo Cels Gomis fue un ingeniero de caminos con inquietudes intelectuales. Con doce años dispuso de su propia cámara, una Brownie de 6×9 cm con la que realizó sus primeras fotografías. En 1919 obtuvo el título de perito mercantil y a partir de 1921 estuvo residiendo en Inglaterra y Estados Unidos; esta estancia le permitió realizar una serie de fotografías sobre su arquitectura y paisajes urbanos.

En 1930 entabló amistad con Joan Miró, Josep Lluís Sert y Joan Prats, y en 1932 fundó junto a los dos últimos el grupo Adlan (Amics de l’Art Nou), destinado a promover el arte de vanguardia. Admirador de la obra de Antoni Gaudí, a pesar de que en aquel momento su obra era una arquitectura minusvalorada, realizó varias exposiciones sobre él en colaboración con el Grup d’Arquitectes i Tècnics Catalans per al Progrés de l’Arquitectura Contemporània.

Al estallar la Guerra Civil española, se instaló en París, donde entró en contacto con los fotógrafos Man Ray, Brassaï, Irving Penn y Henri Cartier-Bresson. Durante la II Guerra Mundial trabajó a favor de los aliados, lo cual le valió la Médaille de la Reconnaissance française.

En 1940 editó los fotoscops en colaboración con Joan Prats, una serie de libros de imágenes con un orden secuencial. Aunque su primera serie fue sobre un eucalipto, entre los temas que trató se encuentran: la Sagrada Familia, la catedral de Tarragona y la ciudad de Barcelona en 1900, siendo fundamentales en la divulgación de la obra y la figura de personalidades como Miró, Gaudí y Le Corbusier.

En 1949 fundó el Club 49, grupo del que formaron parte Miró, Antoni Tàpies, Modest Cuixart y Joan Ponç. Fue promotor del Museu d’Art Contemporáni de Barcelona y de la Fundació Joan Miró de esta misma ciudad, entidad que presidió entre 1972 y 1975.

Su producción fotográfica se puede enmarcar en la Nueva visión, considerándose una de las excepciones existentes en un panorama dominado por tendencias pictorialistas. En 1952 fue nombrado presidente de Amics de Gaudí y entre 1972 y 1975 presidió la Fundación Joan Miró.

Entre las exposiciones que realizó destacan la realizada junto a Miró en 1948 en la Galerie Maeght de París, Guggenheim Foundation de Nueva York en 1955, Museum of Modern Art de Nueva York en 1957, en el Institute of Contemporary Art de Londres en 1965 y la realizada en 1997 en el IVAM que ofrecía imágenes inéditas de su estancia en Estados Unidos entre 1922 y 1923. En 2002, la Fundació Joan Miró organizó y acogió la exposición Joaquim Gomis, y en 2012 la retrospectiva Joaquim Gomis: de la mirada oblicua a la narración visual.

La mayor parte de su obra (unas 70.000 imágenes y documentación complementaria) se encuentra en el Arxiu Joaquim Gomis, propiedad de sus herederos y depositado a su vez en el Arxiu Nacional de Catalunya.

 

 

Referencias

 

 

Libros

  • 1952. La Sagrada Familia de Antonio Gaudí.
  • 1959. Atmosfera Miró.
  • 1968. Artesanía
  • 1994. Joaquim Gomis, Joan Miró : photographs, 1941-1981 : Portrait of a universe
  • 1997. Joaquim Gomis : fotógrafo.
  • 1998. Atmósfera Gaudí.
  • 2000. Joaquim Gomis, un avantguardista independent : Eivissa, del 21 de juny al 14 de julïol de 2000.
  • 2002. Joaquim Gomis.
  • 2012. Joaquim Gomis: de la mirada oblicua a la narración visual.
  • 2013. Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI

lunes, 15 de mayo de 2017

Cipriano Pastrano

Cipriano Pastrano es un fotoperiodista español (nacido en Madrid) que ha realizado silenciosamente su carrera trabajando para periódicos como ABC y La Razón, donde ha cubierto muchas noticias con su fotografía y actualmente desarrolla labores de dirección.

 

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© Cipriano Pastrano Delgado

 

 

Biografía

Cipriano Pastrano Delgado estudió en la Universidad Complutense de Madrid.

En 2015 obtuvo el 1º premio en la categoría de Naturaleza, historias en el Word Press Photo Award, por un artículo que realizó para ABC – Blanco y Negro en 2014, en el que trataba sobre las ratas: La población humana de una ciudad moderna es superada en número de tres a uno por las ratas. Debajo de las calles de la ciudad se mueven alrededor de su propio oscuro, húmedo laberinto de alcantarillas, bodegas, tuberías y conductos de aire.

Aparte de este acontecimiento tiene una presencia nula en internet, y tan solo sus fotografías en los periódicos y revistas para los que ha trabajado, dando visibilidad a noticias de tipo muy diverso, nos permiten encontrar su nombre en la red.

 

 

Referencias

domingo, 14 de mayo de 2017

Kevin “Shakes” O’Meara

Kevin “Shakes” O’Meara es un fotógrafo estadounidense (nacido en 1987, vive en Minneapolis, Minnesota) que realiza fotografía de calle y documental, y cuya obra, realizada en película, capta a la gente emotivamente, por lo general agotada, derrotada o aislada de alguna manera.

 

© Kevin “Shakes” O’Meara

© Kevin “Shakes” O’Meara

 

 

Biografía

Kevin “Shakes” O'Meara es un artista de Minneapolis dedicado a la fotografía en película. Es en gran parte autodidacta, formado en parte  gracias a su abuelo, un fotógrafo de la National Press Photographers Association (NPPA) y a través del diálogo con otros artistas. Su trabajo se destaca por el uso predominante de flash en la cámara.

Disparando sobre todo en Tri-X con una Leica M6 y una lente 35mm Summicron, intenta capturar el comportamiento de la gente que más le interesa: acciones, reacciones e interacciones, emociones, lenguaje corporal, excentricidades, humor, … y esos raros momentos de surrealismo visual que suceden al azar. creando una obra que es a la vez emocionalmente honesta y fiel al estilo del documental callejero. Ya se trate de adolescentes en una bañera, un concierto local, o los patrones de la Feria del Estado de Minnesota, trata a todos con el respeto que merecen.

Forma parte del colectivo de fotógrafos de calle Elephant Gun, ha expuesto sus trabajos en Minneapolis, Chicago, y Los Ángeles y ha publicado varios libros de fotografía. Drogas, sexo y violencia forman a veces parte de la atmósfera que desprenden sus fotografías, siendo prostitutas, fracasados y marginados sus principales protagonistas. 

DAY & NIGHT es un nuevo álbum de fotos de Kevin O'Meara y Kevin Horn que se unieron para un libro que junta la obra de ambos. Con unas 50 indicaciones de qué y como fotografiar, Horn trabajó el día en Nueva Orleans y O'Meara la noche de San Francisco,  durante una semana. Ambos sufrieron altercados físicos, pero sobrevivieron para contar la historia.

En Second Best, buscó documentar la experiencia de la segunda feria estatal más grande del país mientras exploraba la idea del regionalismo, y reflejaba el contraste y doble sentido de superioridad de ambos lados de la experiencia: los turistas que mirar despectivos esta sencilla manera de vivir y los locales que se esforzaban en disfrutar y mejorar la experiencia de la feria, orgullosos de sus logros.

 

 

Referencias

 

 

Libros

sábado, 13 de mayo de 2017

Karen Jerzyk

Karen Jerzyk es una fotógrafa estadounidense (con base en la zona de Boston, EEUU) que crea decorados en lugares abandonados para contar historias de luz y oscuridad.

 

© Karen Jerzyk

© Karen Jerzyk

 

 

Biografía

Karen Jerzyk comenzó su aventura fotográfica en 2003, tras graduarse en Inglés en la Universidad de New Hampshire, cuando sus padres le regalaron su primera cámara digital. Autodidacta, en sus inicios se centró en fotografiar bandas de música (miles de bandas), concentrándose tanto en las fotos en vivo como en las promocionales, y ocasionalmente alguna portada de discos. Hacia 2009 comenzó a realizar retratos de personas, y en última estancia decidió concentrar su atención en la fotografía con modelos.

Su estilo consiste en capturar escenas elaboradas en edificios abandonados, tras pasar horas en el lugar que le ha impactado limpiando y restaurándolo como pudo haber sido (o no), prestando atención a los detalles más pequeños hasta crear muchas veces un ambiente excesivo. En 2014 le detuvieron trabajando en un lugar abandonado y muchos medios estadounidense recogieron la historia y obtuvo una gran popularidad y actualmente viaja por su país fotografiando a personas para varios proyectos.

Siempre ha tenido dificultades para expresarse verbalmente. En 2011 murió su padre inesperadamente y hoy consigue expresar sus sentimientos contando sus historias con sus luchas internas, intentando hacer imágenes que se conecten con el espectador a nivel personal.

 

 

Referencias

viernes, 12 de mayo de 2017

Vineet Vohra

Vineet Vohra es un fotógrafo indio (nacido en Delhi en 1973) que realiza fotografía de calle, considerado los últimos años uno de los más influyentes en el mundo. Tiene una gran habilidad para integrar varias escenas en cada imagen.

 

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© Vineet Vohra

 

 

Biografía

Vineet Vohra pasó su infancia bajo la dirección de mi padre y de su hermano mayor. Artista aplicado uno y el otro escultor, son su mayor fuente de inspiración, enseñándole lo que posiblemente no podría aprender en la escuela ni la universidad. Realizó un master en Artes plásticas por la prestigiosa Universidad de las Artes de Delhi y ahora es considerado como uno los 20 fotógrafos de calle más importantes del mundo.

Entró a la fotografía de forma autodidacta, motivado por el glamour, paso a la fotografía de vida salvaje 1 año o dos, girando su cámara a la fotografía de calle en 2001. Esta pasión la vive como una disciplina. Para él la fotografía callejera es un viaje a recorrer diariamente, aprendiendo y desaprendiendo en búsqueda siempre de la mejora, intentando capturar momentos ordinarios que parezcan extraordinarios en una calle  llena de pequeños acontecimientos inesperados.

En 2011 cofundó  APF (artphotofeature.com) junto con su hermano, Rohit Vohra, que también es un fotógrafo callejero. APF nació de un imperativo educativo, siendo una revista en evolución donde se reconocía el talento fresco.

Vineet.ha impartido numerosos talleres internacionales en Asia, Europa y Estados Unidos. Es fotógrafo Fuji-X y Leica Ambassador y ha siso dos veces incluido como uno de los 20 fotógrafos de calle más influyentes del mundo por StreetHunter. Sus  obras e historias han sido publicadas en revistas de prestigio en todo el mundo.

 

 

Referencias

jueves, 11 de mayo de 2017

Shawn Nee

Shawn Nee, alias discarted, es un premiado cineasta y fotógrafo estadounidense (con base en Los Angeles) cuya obra principal ha sido realizada los últimos años mientras vivía en Hollywood.

 

© Shawn Nee

© Shawn Nee

 

 

Biografía

Shawn Nee recibió en su adolescencia como regalo de su tía su vieja Canon AT-1, e hizo fotos de cosas y objetos alrededor de su patio trasero y vecindario. Era muy malo, así que dejó de hacer fotos durante años. Pero por alguna razón, nunca se deshizo de la cámara, y siempre la mantenía cargada donde quiera que viviera.

Tras trasladarse a Hollywood y estar aquí algunos años, una cadena de eventos muy personal y el azar le trajeron de vuelta a la fotografía, y empezó a fotografiar a la gente. Tenía unos 28 años, y ya le parecía que era capaz de hacer fotografías que otras personas querían ver. Fue una buena sensación, y la experiencia le dio la confianza para tener otra vez su cámara lista donde quiera que vaya, para fotografiar cualquier cosa que sea interesante, pero principalmente personas.

Enfocó toda su energía en Hollywood (donde ha vivido más de 10 años) y sus gentes (con tendencia en centrarse en los marginados).

No posee una cámara digital, y todo su trabajo está basado en película. Dispara con una Canon EOS 3 con gran angular, y cualquier película en blanco y negro, aunque prefiere Fuji Neopan o Tri-X. Hace su propio revelado en blanco y negro, y usa un Epson 700 para escanear sus negativos.  Hacer todo él mismo le permite mantener sus gastos relativamente bajos, pero aún así se gasta miles de dólares al año.

Es un activista de la libertad de poder fotografiar libremente y ha sido detenido por la policía de Los Angeles en varias ocasiones. También le gusta fotografiar manifestaciones y protestas, que hay muchas en LA, interesándose más en las que involucran un mayor conflicto, pues el conflicto ayuda a contar la historia y hace las cosas más interesantes.

 

 

Referencias

miércoles, 10 de mayo de 2017

Raniero Fernández

Raniero Fernández fue un fotógrafo gallego (nacido en Vigo en 1909, fallecido en 1999) considerado uno de los principales impulsores de la fotografía de aficionados en Galicia durante los años 50 y principios de los 60, a través de diversas asociaciones. Su tema principal de fotografía fue el puerto de Vigo.

 

© Raniero Fernández

© Raniero Fernández

 

 

Biografía

Raniero Fernández fue la persona que más animó la fotografía de aficionados durante los años 50 y la primera mitad de los años 60 en Galicia. Esta actividad fue promovida por las asociaciones fotográficas que nacieron en ese momento, la primera de ellas la Agrupación Fotográfica Gallega de Vigo, que desarrolló su actividad más intensa cuando Raniero se convirtió en presidente de la sociedad, en 1954, organizando cada año una "Exposición Nacional" que posteriormente sería "Exposición Ibérica", al mismo tiempo que un gran número de concursos sociales para sus miembros y exposiciones como la de Otto Steinert. Otra actividad organizada por la AFG fue el "Celluloid Bank" o la biblioteca de películas. También fue presidente de la sociedad cinematográfica desde su fundación en los años 60 hasta 1977. Cuando en 1969 Raniero abandonó su puesto en la AFG, las actividades fotográficas de la asociación habían desaparecido casi por completo.

Su trabajo fotográfico se caracteriza por una gran elegancia, con especial atención a la geometría y a la composición de las imágenes, y academicismo formal, tanto en la toma como en el trabajo posterior del laboratorio. A nivel de contenido, no existe en la fotografía de Raniero ninguna preocupación por el ser humano, ni crítica social. Equilibrado en el plano formal, fue totalmente coherente con su visión conservadora del mundo.

Aún así, tenía que haber algo vivo en la fotografía. Por eso se sintió atraído por el puerto pesquero de Vigo, definiéndolo como "reserva excepcional de caza fotográfica, retratando la lonja de descarga de pescado, los paseantes ante la bahía o los pescadores de caña, indiferentes al intenso tráfico de la emigración a Sudamérica, y que recogió en su libro Vigo, puerta del Atlántico. Otro de los temas a los que dedicó su obra fue la Galicia rural de la posguerra, perpetuando las fiestas y romerías, las ferias de ganado, los hórreos, los molinos y las construcciones rurales, muchas ya desaparecidas.

En 1988 su obra formó parte de la exposición colectiva Crónica dunha cidade (Concello de Vigo).

 

 

Referencias

 

 

Libros

martes, 9 de mayo de 2017

Adam Brooberg y Oliver Chanarin

Adam Broomberg (nacido en 1970 en Johannesburgo, Sudáfrica) y Oliver Chanarin (nacido en 1971 en Londres) son artistas que viven y trabajan entre Londres y Berlín, y que utilizan a veces la apropiación de imágenes para crear su obra. Sus libros han obtenido importantes premios internacionales.

 

© Broomberg & Chanarin

© Broomberg & Chanarin

 

 

Biografía

Adam Broomberg y Oliver Chanarin son profesores de fotografía en la Hochschule für bildende Künste (HFBK) en Hamburgo, Alemania, en L'Ecole supérieure d'arts appliqués y profesores invitados en la University of the Arts London.

Juntos han tenido numerosas exposiciones individuales como el Centre for Contemporary Art Ujazdowski Castle en Varsovia (2015), Fundación Jumex en Ciudad de México (2014), FotoMuseum de Amberes (2014),  Mostyn en Llandudno en Reino Unido (2014), Townhouse en El Cairo (2010),  Musée de l'Elysee en Lausana (2009) y el Stedelijk Museum en Ámsterdam (2006).

También han participado en exposiciones de grupos internacionales como las del British Art Show 8 (2015-2017), Conflict, Time, Photography en Tate Modern, Londres y Museum Folkwang de Essen (2015), Bienal de Shanghai (2014), Museum of Modern Art de Nueva York (2014), Tate Britain (2014), Mathaf Arab Museum of Modern Art en Doha (2013), Gwanju Biennale (2012) y el KW Institute for Contemporary Art de Berlín (2011).

Sus premios más importantes incluyen el ICP Infinity Award (2014) por su libro Holy Bible y el Deutsche Börse Photography Prize (2013) por War Primer 2, un libro que habita físicamente en las páginas de War Primer, la notable publicación de 1955 de Bertolt Brecht.

Su obra forma parte de importantes colecciones públicas y privadas, como en la del Tate Modern, The Museum of Modern Art (MOMA), Stedelijk Museum, Victoria and Albert Museum, Musee de l’Elysee, The International Center of Photography , Loubna Fine Art Society.Art Gallery de Ontario, Cleveland Museum of Art y Baltimore Museum of Art..

Han fundado el sello editorial Chopped Liver Press para publicar y vender sus propios libros, así como los de otros artistas.

 

 

Referencias

 

 

Libros

lunes, 8 de mayo de 2017

Marius Vieth (VICE)

Marius Vieth alias VICE es un fotógrafo, artista, escritor, empresario e inversor holandés-alemán (nacido el 24 de mayo de 1988 en Lingen, Alemania, vive en Ámsterdam, Holanda) cuya obra gira esencialmente en torno al elemento humano inmerso en un mundo urbano que presenta a través de una pasión poética y un profundo surrealismo místico.

 

MariusVieth

Maximinimal © Marius Vieth

 

Mi arte gira en torno al elemento humano en un mundo urbano. En el corazón del bullicio de ciudades como Nueva York o Seúl capturo la sinergia entre extraños al azar y su entorno urbano. A veces en infatuación poética o profunda admiración, a veces en surrealismo místico o abstracción pura.

 

 

Biografía

Marius Niklas Vieth se trasladó a Holanda en 2007. Tiene un  master en Communication Studies, Psychology and Marketing. Comenzó con la fotografía de forma autodidacta en 2011, tras comprarse una cámara para capturar sus vivencias en los viajes que hacía. Hizo todo tipo de fotografía, pero no se encontraba a gusto, la fotografía no le llenaba. Sabía que tenía algo pero no lo encontraba.

En 2013 emprendió el clásico proyecto 365 días, 365 fotos y se dio de alta en Flickr para que fuera el soporte del proyecto. Esto le cambió la vida: se encontró a gusto en la fotografía de calle, su fotografía tuvo el soporte del público y con la foto 39ª del proyecto, Urban Lights, ganó el concurso de Reddit & WideAngle. A partir de ahí su carrera ha sido meteórica y dejó su trabajo a tiempo completo, dedicándose completamente a la fotografía y a su promoción en redes sociales e internet.

En 2014, junto con su socio el fotógrafo artístico Martin Dietrich fundó en Frankfurt, el sello Neoprime, que apoya a fotógrafos emergentes, vende copias y publica la revista Neoprime Contemporary Fine Art Photography.

En 2015 se trasladó a Ámsterdam, y su fotografía Maximinimal se utilizó para la campaña publicitaria global de la exposición de los Sony World Photography Awards 

Después de un descanso creativo en 2016, Vieth ha vuelto a usar su apodo de niñez VICE. En 2017, Vieth ha fundado el sello Eye, Heart & Soul (EHS) con sede en Ámsterdam, que ofrece talleres, podcasts y una revista en línea.

Fue galardonado como Fotógrafo Urbano del Año por CBRE en 2014. También fue preseleccionado en el Top 10 para los Sony World Photography Awards de 2015 en la categoría Cultura y Artes y de nuevo en 2016 en la categoría Personas.

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

domingo, 7 de mayo de 2017

Alejandro Merletti

Alejandro Merletti fue un fotógrafo italiano (nacido en 1860 en Turín, Italia, fallecido en 1943 en Barcelona) que es considerado uno de los pioneros del fotoperiodismo en Cataluña.

 

© Col·lecció Merletti – L’Institut d’Estudis Fotogràfics de Catalunya

© Col·lecció Merletti – L’Institut d’Estudis Fotogràfics de Catalunya

 

 

Biografía

Alejandro Merletti i Quaglia nació en el seno de una familia de empresarios textiles de Turín y emigró a Buenos Aires en sus años de juventud. Allí comenzó a trabajar como fotógrafo, profesión que retomaría en Barcelona, ciudad a la que se trasladó años después, tras la Exposición Universal de 1888, trabajando al frente de una relojería que al poco es asaltada y robada. Volvió a su antigua profesión y comenzó a recorrer la ciudad buscando temas.

Estuvo activo como fotógrafo desde la última década del siglo XIX. y su fino olfato para estar en el lugar adecuado le permitió publicar sus primeras colaboraciones. Fotografió la repatriación de soldados de la guerra de Cuba, el atentado frustrado contra el presidente Maura y las trincheras de la Semana Trágica. Este sangriento episodio en 1909 le dio fama internacional al ser el único en poder colar una cámara escondida en el chaleco en el tribunal donde se juzgó a Ferrer i Guàrdia, y sus fotos aparecieron en la prensa internacional pese a la prohibición del tribunal.

Sus reportajes dejaron testimonio de los acontecimientos políticos, sociales, culturales y deportivos más relevantes de la Barcelona de la primera mitad del siglo XX. Su periodo de mayor actividad se inició en 1910, gracias al gran reconocimiento adquirido el año anterior con sus fotos anteriormente citadas del tribunal en la Cárcel de la Modelo en Barcelona.

A principios del siglo XX sus extravagancias lo convirtieron en uno de los personajes populares de La Rambla: paseaba en patinete, vestido con traje y pajarita, conducía un coche de tres ruedas construido por él mismo, se hacía sus propias lentes y objetivos, y fotografiaba los actos públicos subido a una escalera, y al final del retrato regalaba un caramelo ya fuera a un niño o incluso al propio rey.

En las siguientes décadas, Merletti desarrolló una intensa actividad, a la que en los años 30 se sumaría la de su hijo Camilo (que firmaba sus fotografías también como Merletti, lo que ha causado problemas de atribución) y que conseguían llegar los primeros al periódico para vender sus fotos gracias a su motocicleta con sidecar en la que iban los dos. Durante la Guerra Civil Española, tomaron fotografías de actos públicos y sobre todo del estado de la industria barcelonesa.

Diarios y revistas como La Hormiga de Oro, El Día Gráfico, Mundo Gráfico, El Noticiero Universal, Diario de Barcelona, La Vanguardia, La Esfera, Blanco y Negro, Caras y Caretas, L’Illustration o Daily Mirror publicaron sus fotografías. También publicó entre 1914 y 1916 en la revista taurina La Lidia.

La parte de sus imágenes que se ha conservado (unos 6.500 negativos de instantáneas tomadas entre 1905 y 1953) se conserva en el Arxiu Històric Fotogràfic del Institut d’Estudis Fotogràfics de Catalunya.

 

 

Referencias

 

 

Libros