lunes, 31 de octubre de 2016

Stephan Zaubitzer

Stephan Zaubitzer es un fotógrafo francés que ha explorado diferentes técnicas y formatos, creando un estilo único, fácil de leer e incluso a veces espectacular, en el que la luz juega un papel esencial.

Raj Mandir, Jaipur © Stephan Zaubitzer

Raj Mandir, Jaipur © Stephan Zaubitzer

 

 

Biografía

Stephan Zaubitzer es fotógrafo desde 1991.  A principios de los años 90  participó en varias actividades en París, entre ellas la aventura del periódico Autre, que revivió la escena artística en revistas por un tiempo. También fue socio de Tendance Floue, un colectivo que ahora se ha convertido en indispensable en el panorama fotográfico francés. Está representado por la Galerie Cinema.

En paralelo a su trabajo para la prensa, también trabaja en encargos para instituciones públicas y privadas.

En 2003, su fotografía se encontró con el cine. En este período de cambios tecnológicos considerables, da testimonio mediante la documentación de cada sala de proyección o  cine al aire libre por todo el mundo. Resulta encantador ver como consagra e inmortaliza cines populares de países como Cuba,  Burkina Faso, India o Marruecos, sin olvidar algunos drive-ins de California.

Viaja y recoge imágenes con el fin de constituir un rico patrimonio cultural. Su proyecto Silver Screens ha sido premiado en varias ocasiones, desde un World Press Photo en 2004, a la nominación al premio Roger Pic en 2006, pasando por una exposición en el Mois de la Photographie en 2008, organizado por la Maison Européenne de la Photographie, y una beca de la SCAM en 2011.

A finales de 2010, con la ayuda de las respectivas embajadas de Francia, desarrolló este proyecto en la India y Egipto. A finales de 2012, con Oeil en cascade, realizó una residencia en el cine de Seine Saint Denis, cuya exposición se llevó a cabo en la Maison de l’Arbre, el lugar exacto de los dasaparecidos Studio Mélies. Con fondos particulares de Estados Unidos fotografió los teatros de Hollywood en California en la primavera de 2013.

 

 

Referencias

 

 

Libros

domingo, 30 de octubre de 2016

Daniel Mayrit

Daniel Mayrit es un fotógrafo español (nacido en 1985 en Madrid, donde vive actualmente) cuya obra se centra en la relación entre lo documental y la ficción y en cómo sus interconexiones afectan la forma en que el espectador recibe las imágenes.

© Daniel Mayrit

© Daniel Mayrit

 

 

Biografía

Daniel Mayrit es licenciado en Ciencias de Comunicación por la Universidad Complutense de Madrid. Estuvo un par de años en Copenhague (Dinamarca) estudiando en la Universidad de Copenhague antes de trasladarse a Londres, donde se graduó en Photographic Arts por la Universidad de Westminster. Se trasladó a Madrid después de haber obtenido una beca por su master en fotografía en la Escuela de Fotografía EFTI.

Como artista sus principales intereses se centran en la relación entre el documental y la ficción y en cómo sus interconexiones afectan la forma en que el espectador recibe las imágenes. Mayrit explora las fronteras de ambos campos, lo que a menudo se traduce en imágenes que el espectador no puede colocar en ninguna de las categorías mencionadas, dejando abiertas las preguntas en cuanto a si han sido preparadas cuidadosamente o son imágenes naturales.

Con este fin, sus proyectos hacen uso de imágenes de diferentes medios de comunicación, desde la prensa escrita a Internet, pasando por la historia del arte. Su objetivo no es sólo para señalar la artificialidad de los lenguajes o modos de toma de imagen, sino desafiar las ideas preconcebidas y expectativas del espectador para, en última instancia, invitarle a ser críticamente consciente del discurso visual y su agenda que nos quieren imponer.

Ha realizado numerosas exposiciones en grupo. En solitario en 2016 muestra You Haven't Seen Their Faces en la Rubber Factory de Nueva York y Authorised Images en Galeria CERO de Madrid dentro de PhotoEspaña ‘16.

Su serie You Haven’t Seen Your Faces, en la que desvelaba los rostros de los más poderosos de la City pero como si fuesen vulgares delincuentes, le ha supuesto en 2015 el reconocimiento internacional gracias al primer premio Aperture en Paris Photo por el fotolibro del mismo nombre.

Daniel Mayrit es profesor de fotografía en la escuela de fotografía LENS en Madrid. También ha dado clases en EFTI, Universidad de Navarra, Universidad Complutense de Madrid, HKU Utrecht, KABK La Haya y AKV-St. Joost de Breda.

 

 

Referencias

 

 

Libros

  • You Haven’t Seen Your Faces.

sábado, 29 de octubre de 2016

Diego Quiroga y Losada

Diego Quiroga y Losada fue un fotógrafo español (nacido en Madrid en 1880 y fallecido en San Sebastián en 1976) cuya obra fotográfica recoge, de manera muy natural, todos los rincones de España tanto en sus gentes como sus paisajes y monumentos. Sus fondos sirvieron para divulgar en su momento las imágenes de España y también para recordarnos hoy las imágenes de monumentos desaparecidos.

 

"Almadía por el Esca", h. 1910, Diego Quiroga y Losada

"Almadía por el Esca", h. 1910, Diego Quiroga y Losada

 

 

 

Biografía

Diego Quiroga y Losada, XI Marqués de Santa María del Villar, formó parte de la Real Sociedad Fotográfica de Madrid, la Sociedad Fotográfica de Guipúzcoa y el Club Alpino Español. Su título nobiliario le acercó a la corte de Alfonso XIII recogiendo las actividades diarias del monarca, de quien era Mayordomo de semana, así como las deportivas (cacerías y regatas). En 1928 su amigo el rey le propuso el cargo de presidente del Patronato Nacional de Turismo, pero no lo aceptó por quedar fuera de sus ambiciones, puramente estéticas. No obstante, recibió el encargo del monarca de fomentar y divulgar con sus fotografías el turismo de España, labor a la que dedicaría el resto de su vida.

Su estilo inicial fue pictorialista, pero su obra viró pronto hacia el naturalismo, de carácter inmediato, con un marcado valor documental y etnográfico e implicaciones impresionistas. Se adelantó así a la fotografía de reportaje que se generalizaría en los años 50 y 60.

Recorrió a pie, en bicicleta, motocicleta y automóvil toda la geografía navarra, así como gran parte del norte de la Península Ibérica. Son célebres las fotografías obtenidas en la travesía que hizo, en una almadía roncalesa, del Ezka por el Aragón hasta la desembocadura del Ebro en Tortosa.

Antes de la guerra civil su archivo era ya de 120.000 fotografías, aunque muchas de ellas fueron destruidas durante la Guerra Civil Española.

Tras la Guerra Civil Española se instaló en San Sebastián, donde continuó trabajando para el Departamento Fotográfico de Regiones Devastadas hasta 1960. Fue colaborador de revistas como Montes (1949), Reconstrucción (1942-54) y Vida Vasca (1949-51), y su obra fue publicada en numerosas revistas, como Blanco y Negro, Sombras o Vértice.

En la década de los 60 recibió numerosos homenajes, como la Medalla de Oro al Mérito Fotográfico y a la Mejor Colección de Fotografía Turística. Arruinado, conoció a Francisco Javier Beúnza, con el que trabó amistad y al que regaló y vendió parte de su obra (entre 1895 y 1969, realizó 500.000 imágenes de las que se conservan unas 75.000) y gracias al cual realizó diversas exposiciones. Porteriormente, Beúnza, vendió el archivo fotográfico de Quiroga, unas 2.000 fotografías de papel y 11.000 negativos, a los que hay que sumar más de 700 placas de vidrio al Gobierno de Navarra para asegurar su adecuada conservación. En 2015 un sobrino del fotógrafo donó también su archivo formado por fotografías, documentación, correspondencia y objetos relativos a la trayectoria de su tío como fotógrafo al Gobierno de Navarra.

En 2005, el Archivo Real de Navarra organizó una exposición con sus fotografías sobre el Camino de Santiago, que se celebró en las galerías medievales del Palacio de los Reyes de Navarra, en Pamplona.

 

 

Referencias

 

 

Libros

viernes, 28 de octubre de 2016

Shane Gray

Shane Gray es un fotógrafo inglés (nacido en Londres, vive en Nueva York) que realiza fotografía documental y de calle. Gran parte de su trabajo actual se basa en la metrópoli y su gente, a pesar de que la posibilidad de explorar otros países sea siempre bienvenida.

 

© Shane Gray

© Shane Gray

 

Mi estilo es a menudo bastante audaz en términos de forma y color con una fascinación por predicamentos,  encuentros humanos y experiencias extravagantes. Prefiero la luz del día o la que disponible y amo a la luz solar y cómo se comporta y se manifiesta.

 

 

Biografía

Shane Gray tuvo como primera cámara una muy pequeña "110" que, probablemente, fuera la base de su primera experiencia fotográfica. En más de una ocasión fue totalmente fascinado por la cámara Polaroid. Las fotografías del fotógrafo de guerra Tim Page se le quedaron grabadas en su memoria desde muy temprana edad.

Gray se graduó de la Escuela de Newport de la fotografía documental antes del comienzo del nuevo milenio con un interés en la labor periodística y en la artística dentro del medio.

Fotografió ampliamente en monocromo al principio, pero considera que la interacción y la vitalidad del color es importante hoy en día en su trabajo. Ha sido miembro del colectivo Street Photographers y contribuyó al libro Street Photographers que publicó dicho colectivo.

Gray fotografía principalmente en las calles de Nueva York, pero eso es sólo porque las ve como un microcosmos del mundo, y describe a este ciudad como "un descubrimiento embriagador de lo convencional y de lo excéntrico por igual”, yendo con su cámara a cualquier posible ubicación, desde estaciones de metro a calles anónimas de esquinas grises para disparar desde ángulos abiertos y a todo color, para conseguir imágenes auténticas en las que casi se puede oír las hermosas cacofonías de sonido que rodean a cada imagen.

 

 

Referencias

 

 

Libros

  • Street Photographers (varios).

jueves, 27 de octubre de 2016

Sergi Escribano

Sergi Escribano es un fotógrafo catalán (nacido en 1975 en Barcelona, vive en el barrio del Raval) que realiza fotografía creativa, documental, retrato y sobre todo fotografía de calle.

 

Businessman © Sergi Escribano

Businessman © Sergi Escribano

 

 

Biografía

Sergi Escribano accedió a la fotografía en su infancia de una manera casual y de forma autodidacta, fotografiando su entorno con una vieja cámara Praktica. Nacido en el casco antiguo de Barcelona que, al igual que la gran mayoría de las ciudades del Mediterráneo, cuenta con una fuente aparentemente inagotable de luz, pasó muchas horas con esta cámara de antigua Alemania del Este, intentando atrapar esa luz a través de la gran cantidad de calles estrechas y callejones de su barrio. De 2000 a 2004 cursó estudios de fotografía en el I.E.F.C (Institut d'Estudis Fotogràfics de Catalunya). 

En el año 2013 comenzó a colaborar con la agencia de fotografía Corbis Images, como fotógrafo de prensa. Actualmente colabora como fotógrafo freelance con la agencia Getty, en su división creativa.

En los últimos años ha colaborado con múltiples colectivos, entre ellos el grupo activista Femen y Crónica21.

Light and Darkness es uno de sus primeros proyectos fotográficos y le acompaña desde sus inicios en la fotografía. Desde niño siempre ha sentido una fascinación por la luz y su capacidad para dibujar realidades alternativas e intentar cazar "ese momento" en un soporte fotográfico. Este trabajo está centrado básicamente en Barcelona y concretamente en su centro histórico, el escenario perfecto, ya que esta ciudad es una fuente inagotable de luz. Como todo proyecto, ha requerido de mucha planificación, bastantes frustraciones por el tiempo (la luz no se comporta igual en verano que invierno) y la masificación de turismo que sufren las grandes ciudades europeas. Una de las premisas de Light and Darkness era que las personas que apareciesen en la imagen final fueran "parte de" y no "el todo", como pasa casi siempre en la fotografía de calle. Aquí el protagonismo absoluto es para la luz o la ausencia de ella.

 

 

Referencias

miércoles, 26 de octubre de 2016

Joanne Teasdale

Joanne Teasdale es una pintora, artista del vidrio y fotógrafa canadiense (nacida en 1958 en Montreal, vive en Santa Fe, Nuevo México) cuyo trabajo gira en torno a los desafíos, las luchas y la resistencia de personas en diferentes partes del mundo que se enfrentan a las atrocidades de la guerra, genocidios y la ruptura de la economía.

 

© Joanne Teasdale

© Joanne Teasdale

 

 

Estoy explorando la intimidad y los legados de nuestra vida, las huellas quedan atrás. Busco una calidad etérea en la creación de la imagen y el enlace a las huellas de nuestra existencia.
Una energía circula entre los tres medios que utilizo y se influyen mutuamente. Cuando trabajo con la cámara, estoy en parte pensando en lo que crearé con el vidrio y cuando trabajo con vidrio, a menudo pienso en cómo voy a utilizar la cámara. Esta interrelación también incluye mis pinturas: una atmósfera en una pieza de vidrio encontrará su camino al lienzo y un concepto de la pintura será transferido a los otros medios.

 

 

Biografía

Joanne Teasdale con 20 años era una pintora abstracta que exponía ya sus obras. Tras un periodo de ausencia, viajando por el mundo impulsada por la obsesión de entender la conciencia compartida de toda la humanidad. Con el tiempo, convirtió esta pasión en un negocio, la importación de textiles y objetos de arte de Asia a Canadá. Regresó a la expresión artística con 42 años, trasladándose a Santa Fe, en Nuevo México, en 2006, donde estableció  su casa y estudio, traduciendo sus experiencias de vida en meticulosas pinturas fotorrealistas y, posteriormente, a fotografías.

Su obra explora la experiencia humana y en ella la luz juega un papel importante, y se ha ido moviendo a aprovechar las capacidades del vidrio. En los últimos años comenzó a estudiar este medio intensamente bajo la tutela de artistas reconocidos, añadiendo el vidrio modelado en horno en su repertorio en 2009.

Teasdale enseña y da conferencias en estudios de vidrio, en EEUU e Italia, así como en el Museo del Vidrio de Corning en Nueva York. Como fotógrafa, ha participado en el One Million Bones Project, una instalación a gran escala en Washington, DC, con el propósito tocar las conciencias por  los genocidios del mundo.

Sus proyectos se llevan a cabo en todo el mundo. En Sarajevo, Bosnia, está construyendo una gran instalación fotográfica que incluye testimonios y fotografías de personas de Bosnia que tomaron decisiones en función de la bondad, mientras vivían en circunstancias violentas y oscuras durante el asedio de 1992 a 1996, integrando también  las historias y fotos recopiladas dentro de la arquitectura dañada del cuartel militar del Mariscal Tito. Así, desde el contraste creado por la yuxtaposición de estos elementos documentados dentro de los edificios en ruinas, podrá emerger una metáfora de "resiliencia".

También está desarrollando un documental foto intercultural basado en la relación entre la mujer y el agua. A menudo, las mujeres son responsables de recoger el agua que sus familias necesitan y, en algunas ciudades y pueblos, tienen que caminar grandes distancias para acceder a su fuente. Este simple acto, las coloca en situación de vulnerabilidad a la violencia, la violación y el secuestro, lo cual, a su vez, afectará a sus familias.

Sus fotografías han aparecido en portadas de libros y su obra ha sido objeto de artículos en una variedad de revistas, como RFOTO FOLIO, Art LTD, Glass Quarterly, The Willamette Week, Pittsburgh Tribune y Southwest Art.

Ha expuesto en galerías y museos de Canadá, Francia, Nueva York, Santa Fe, Portland, Pittsburgh y Filadelfia. Su trabajo también se encuentra en colecciones como The Alexander Tutsek-Stiftung Foundation en Múnich, The U Place Corporation en Bruselas y el General Trust Bank en Montreal.

 

 

Referencias

martes, 25 de octubre de 2016

Mina Teslaru

Mina Teslaru es una fotógrafa rumana (nacida en 1982 en Bucarest, vive en Nueva York) enamorada de Coney Island, su paseo marítimo, rueda de la fortuna y playa, que han sido objeto durante años de sus imágenes sobreexpuestas y oníricas.

 

© Mina Teslaru

© Mina Teslaru

 

 

Biografía

Mina Teslaru nació en Bucarest, Rumania, y pasó su infancia en el teatro, entre actores que se preparaban para salir al escenario, entre polvos de maquillaje y disfraces, y la mayoría de los veranos junto al mar Negro, capturando el mundo con su cámara panorámica de plástico, fascinada por el cine, enmarcando el mundo en imágenes sobreexpuestas para expresar la luminosidad de su visión.

Desde su traslado a Nueva York en 2007, cayó enamorada de forma irreversible con Coney Island, un tema que ha sido el centro de su trabajo durante los últimos 8 años.

Al explorar el concepto de paisaje de una manera nostálgica, Teslaru investiga su dinámica, basada en nuestras suposiciones de lo que significa para nosotros el paisaje. En lugar de presentar una realidad fáctica,  fabrica una ilusión para evocar los reinos de nuestra imaginación.

Mina vive en Ciudad de Nueva York y trabaja desde su estudio en Brooklyn, publicando en diversos medios su trabajo artístico, que no se limita únicamente al medio fotográfico, pues también produce instalaciones de luz. Desde 2010, ha participado en exposiciones colectivas en los estados de Nueva York y California. Sus imágenes oníricas se han descubierto muy recientemente en Europa, y Le Bon Marché de París le dedicó una exposición en 2015.

 

 

Referencias

lunes, 24 de octubre de 2016

Sandra Tamos

Sandra Tamos, anteriormente Sandra Strazdaite, es una fotógrafa lituana (nacida en 1989, vive en Vilna) que realiza fotografía artística, principalmente retratos, en los que trata de crear imágenes que recuerden los cuentos de hadas o los sueños.

 

© Sandra Tamos

© Sandra Tamos

 

 

Biografía

Sandra Tamos se sintió atraída desde su infancia por las artes visuales, la pintura mayormente, con  el sueño para convertirse en una diseñadora de moda cuando fuera mayor. A los 14 años, las cosas cambiaron, sin perder su pasión por la pintura, la cámara que le dio su padre le llevó a la fotografía, comenzando a hacer autorretratos y ganando experiencia fotográfica.

Más tarde empezó a leer libros sobre fotografía pero sin fotografiar. Con 18 años se compró su primera cámara digital y comenzó a hacer fotografías de naturaleza. Se convirtió en adicta a la macrofotografía, ya que la cámara le reveló mundos no vistos por el ojo humano.

Cuando se graduó de la escuela estudió Tecnología de fotografía en la Universidad de Vilna de Ciencias Aplicadas de Ingeniería, y obtuvo un título de Fotoperiodista.

Sus temas preferidos son el retrato y la fotografía de danza, especialmente ballet. El ballet es para ella algo por encima de la realidad, algo espiritual, algo fantástico. En sus fotos trata de mostrar el ballet de la forma en que lo veo y lo siento.

 

 

Referencias

domingo, 23 de octubre de 2016

Elaine Vallet

Elaine Vallet es una fotógrafa francesa (nacida en Burdeos, vive en París) que fotografía como diversión, para compartir un sentimiento de momentos vividos, realizar el seguimiento de un mensaje y compartir, también, una estética.

 

© Elaine Vallet

© Elaine Vallet

 

 

 

Biografía

Elaine Vallet creció en un entorno familiar orientado a representación visual. Descubrió la fotografía a través de los grandes nombres de la fotografía humanista y de los reportajes de los fotógrafos de Magnum. Luego quiso ser testigo de esta sociedad a través del prisma de la lente.

En 2006, con treinta años y su primera réflex, una 350D, empezó a navegar por ciudades en busca de la luz para poner de relieve la existencia humana en la inmensidad del universo o simplemente capturar momentos, fragmentos de vida, de su entorno y de otros lugares.

Luego de llegar a París, después de un periodo de tres años en Inglaterra, se encontró en la capital dando clases y pudiendo dar rienda suelta a su pasión ... En blanco y negro por su poder intemporal, purificando las fotos, jugando con las luces y texturas para transmitir lo esencial y permitir que las líneas y las curvas encuentren su lugar.

 

 

Referencias

sábado, 22 de octubre de 2016

Franck

Franck fue un fotógrafo francés (nacido en París en 1816 y fallecido en 1906, también en París) que durante ocho años estuvo establecido en España.

 

Franck


Franck

 

 

Biografía

François Marie Louis Alexandre Gobinet de Villecholes nació en París y tras sus estudios comenzó a dedicarse a la literatura pero después comenzó a interesarse en la fotografía y en 1845 ya se dedicaba a hacer daguerrotipos.

Con motivo de la Segunda República Francesa se exilió a Barcelona en 1849 donde montó un estudio fotográfico que pronto alcanzó un prestigio similar al que alcanzaría poco después la compañía fotográfica Napoleón. Alguna de sus obras de esta época corresponden al género de fotografía de difuntos que se encontraba muy vigente en esos años.

En sus últimos años en España se dedicó también a la enseñanza de la fotografía y en 1855 se asoció con el litógrafo Alexander  Wigle y comercializaron sus trabajos como Franck y Wigle estableciéndose en la Rambla del Centro. En 1856 entró a formar parte de la Sociedad fotográfica de Francia. Mantuvo su estudio de Barcelona abierto hasta 1857 cuando decidió trasladarse de nuevo a París y dos años después en 1859 abrió un lujoso estudio de retratos junto a Wigle, que alcanzó prestigio en la corte de Napoleón III.

Aunque su trabajo en España se centró en el daguerrotipo, experimentó otras técnicas como el colodión húmedo, la copia a la albúmina y el gelatino-bromuro, aunque destacó por el uso del papel leptográfico, que era poco utilizado a pesar de ser un invento español de J. Laurent y José Martínez Sánchez y que ofrecía alta calidad de reproducción. Su temática más conocida ha sido el retrato pero también realizó importantes fotografías documentales de arquitectura y paisajes, asimismo sus fotografías estereoscópicas alcanzaron gran difusión. Entre otras fotografías se podría destacar el reportaje realizado con motivo de la Comuna de París.

En 1880 vendió su estudio al fotógrafo Chalot, y se dedicó a la manufactura de placas hasta 1890. Parte de su obra se conserva en la National Portrait Gallery de Londres, en la Universidad de Navarra, en el Musée d’Orsay y el Arxiu Fotogràfic de Barcelona, entre otras instituciones.

 

 

Referencias

 

 

Libros

viernes, 21 de octubre de 2016

Kalyan Varma

Kalyan Varma es un fotógrafo de fauna, realizador y conservacionista indio (nacido el 13 de enero de 1980 en Vizag, vive en Bangalore) dedicado a documentar la vida salvaje y los conflictos de nuestro tiempo con el medio ambiente.

 

A cheetah Acinonyx jubatus hunts down a young impala Aepyceros melampus, a medium-sized antelope on the African plains.© Kalyan Varma

A cheetah Acinonyx jubatus hunts down a young impala Aepyceros melampus, a medium-sized antelope on the African plains.© Kalyan Varma

 

 

 

Biografía

Kalyan Varma obtuvo su licenciatura en Ingeniería mecánica por la PES University. Trabajó en Yahoo como experto en seguridad de aplicaciones durante tres años, antes de cambiar su carrera por la vida al aire libre en 2004. Fue un colaborador activo en varios proyectos de código abierto.

Kalyan está muy involucrado en la promoción de la comunidad entre fotógrafos y conservacionistas. En 2004, junto con un equipo de fotógrafos, fundó India Nature Watch, una comunidad en línea que se ha convertido en la plataforma más grande para los fotógrafos de vida salvaje en Asia. En 2015, fue cofundador de la iniciativa de periodismo lento el proyecto Peepli, que profundiza en temas que la actualidad no los toca. Kalyan emprendió un proyecto de un año de duración para documentar las realidades sobre el terreno de conflicto entre humanos y elefantes en Karnataka. También es uno de los cofundadores de Nature InFocus, un festival anual centrado en la fotografía de la naturaleza y la conservación.

Junto con estas iniciativas, Kalyan también ha dado clases de fotografía a través de diversos talleres y seminarios. Sus trabajos han aparecido en diversas publicaciones de todo el mundo como National Geographic, BBC Wildlife, GEO, Smithsonian, Lonely Planet y otras varias.

En la actualidad trabaja como freelance para BBC Natural History y National Geographic Channel (India) habiendo participado en varios documentales, y también con ONGs de base como Nature Conservation Foundation and VGKK para poner de relieve las cuestiones medioambientales en su país.  Fue fundador de Gorukana Eco Lodge una de las pocas empresas de ecoturismo en la India.

 

 

Referencias

jueves, 20 de octubre de 2016

Pau Audouard

Pau Audouard fue un fotógrafo español (nacido en La Habana, Cuba, en 1856 y fallecido en Barcelona en 1918) conocido principalmente por sus retratos y por sus trabajos realizados durante la Exposición Universal de Barcelona: fotografías de la construcción de los pabellones,  de los visitantes y del ambiente.

 

Pau Audouard

Pau Audouard

 

 

Biografía

Pau Audouard Deglaire estudió pintura en su adolescencia, pero se formó técnica y visualmente en el estudio de su padre, el también fotógrafo Jean-Oscar Audouard. Se instaló en Barcelona en 1879, donde abrió un estudio que trasladó de lugar en diferentes ocasiones. En 1879 ingresó en la Sociedad Francesa de Fotografía en la que participó activamente hasta 1894, obteniendo una medalla de oro en París en 1889.

En 1887 fue nombrado fotógrafo oficial, junto a Antoni Esplugas, de la Exposición Universal de Barcelona de 1888. Mientras que la función de Esplugas era hacer fotografías de las personas y grupos que asistían a la exposición, Audouard se encargaba de hacer fotografía arquitectónica y de los acontecimientos que se organizaban, asimismo disponía de la exclusiva en la venta de reproducciones y tuvo instalado su propio quiosco dentro de la muestra, lo cual le dio mucha fama entre la burguesía de la ciudad.

La exposición universal le supuso un impulso a su trabajo en su estudio fotográfico, pero también la oportunidad de realizar otros trabajos como el encargo de la compañía MZA en 1890 para documentar los trabajos de infraestructuras del ferrocarril entre La Zaida y Reus. Así como una serie de fotografías aéreas del Puerto de Barcelona, realizadas desde un globo instalado en el recinto de la exposición y que se consideran las primeras tomas del mismo desde el aire.

Convertido en el fotógrafo de moda, de 1886 a 1905 se dedicó sobre todo al género del retrato. Es conocido y recordado por sus retratos de famosos de la época, como Eusebi Güell, Àngel Guimerà, Lluís Domènech i montaner y Josep Puig i Cadafalch.

Fue el primero en modernizar la estructura e iluminación tradicional de los estudios fotográficos, al instalar todo un sistema eléctrico para el trabajo con diferentes luces y escenas. Además, realizó fotografía arquitectónica e industrial, de paisajes, editorial y artística.

Sus inquietudes no se redujeron al ámbito fotográfico, también se interesó por el teatro e hizo algunas aportaciones al cine de las que apenas quedan muestras.

Por motivos poco conocidos abandonó su estudio en 1915 para convertirse en el director artístico de los estudios fotográficos de los Almacenes El Siglo, donde su trabajo estuvo marcado por un fuerte convencionalismo.

 

 

 

Referencias

 

 

Libros

miércoles, 19 de octubre de 2016

Stanko Abadzic

Stanko Abadzic es un fotógrafo y reportero gráfico croata (nacido en 1952 en Vukovar, vive y trabaja en Zagreb) cuyo trabajo se caracteriza por fuertes contrastes de luz y oscuridad y un interés en patrones y formas geométricas creadas por largas sombras, calles de ladrillos o adoquines, diseños intrincados de hierro, vallas y otros elementos reticulares.

 

© Stanko Abadzic

© Stanko Abadzic

 

En Praga, donde viví durante siete años durante la guerra en la antigua Yugoslavia, me encontré con personas que no participaban en los procesos de globalización, viviendo vidas herméticas detrás de las fachadas de una ciudad cuyas calles estaban atestadas de hordas de turistas. Si bien es difícil penetrar en su mundo oculto y protegido por paredes cubiertas de hiedra, si se logra, podemos encontrar un montón de motivos espontáneas y genuinos. En los casos de la arquitectura y la gente, estoy interesado en las marcas del tiempo, un registro de la duración. En las fachadas de cristal casi no hay indicios del paso del tiempo. Quiero que el objeto de mi trabajo sea reflejar mi visión del mundo y mi estado emocional.

 

 

Biografía

Stanko Abadzic tuvo su primera cámara, un regalo de su padre, con 15 años. Autodidacta a través de libros y exposiciones, trabajó profesionalmente en bodas y partidos de fútbol, y más tarde trabajó un período de 10 años como reportero gráfico para el diario croata Vjesnik. Durante ese periodo realizó reportajes de Túnez, Malta, Turquía y otros países. Después del inicio de la guerra croata de independencia en 1991, se trasladó al extranjero y no volvería a Croacia hasta muchos años después.

Después de cuatro años en Alemania, trabajando en lo que pudo, camarero, profesor, y renovando cada 3 meses su visado, hasta que le denegaron definitivamente su solicitud de asilo, pasó siete años en Praga, República Checa, una ciudad que tuvo gran impacto en su expresión artística. En este punto de su carrera, se alejó del fotoperiodismo hacia la fotografía artística. En la República Checa ha participado en numerosas exposiciones colectivas e individuales, la mayor de las cuales fue una exposición retrospectiva en la galería Dom Jozefa Sudka en Praga, en cuya ocasión su primera monografía T ogledalu života (En el espejo de la vida) fue publicada.

En 2002 regresó a Croacia y a la escena fotográfica croata con una gran exposición en el Museo Mimara, donde expuso  In Absentia, su serie más famosa sobre Praga, en película y blanco y negro, que evoca una sensación de nostalgia y tiempos pasados ​​en sus obras.

Abadzic ha tenido exposiciones individuales en numerosos países europeos: la República Checa, Croacia, Alemania, Portugal, Suiza y España, por nombrar algunos. También ha expuesto fuera de Europa, en Argentina, EE.UU. y Japón. Ha recibido el reconocimiento profesional, así como muchos premios por su trabajo.

Su obra forma parte de colecciones como la Modern Gallery en Zagreb, Modern Gallery en Rijeka, Croatia, Umelecko-průmyslová Museum en Praga, John Cleary Gallery en Houston, Verve Gallery of Photography en Santa Fe, Nuevo México, Stockeregg Gallery en Suiza, Kazutami Ando en Tokio, así como en otras colecciones públicas y privadas.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

  • Miris žene
  • Istanbul
  • Stanko Abadzic – Portfolio
  • Prague
  • Adriatic Routes
  • Paris - Sketches for a portrait of the city
  • Zagreb - Skice za portret grada / Zagreb - Sketches for portrait of the city
  • Book of nudes and poetry (Drago Glamuzina) "Sami u toj šumi“ .

martes, 18 de octubre de 2016

Heinrich Heidersberger

Heinrich Heidersberger fue un fotógrafo alemán (nacido en Ingolstadt el 10 de junio de 1906, fallecido el 14 de julio de 2006 en Wolfsburg) conocido sobre todo por su trabajo en temas arquitectónicos, aunque realizó interesantes ensayos experimentales y surrealistas.

 

© Heinrich Heidersberger

© Heinrich Heidersberger

 

 

 

Biografía

Heinrich Heidersberger estudió brevemente arquitectura y después vivió en París desde 1928 hasta 1931, donde estudió pintura con Fernand Léger. en la desaparecida Académie Moderne en Montparnasse, y vivió pobremente como artista.

Junto con un amigo artista, Ida Kar, decidió documentar sus pinturas y dibujos con fotografías. Se compró una cámara en un mercado de pulgas local y tras unas malas experiencias empezó a hacer todo el proceso fotográfico él mismo, tomar las fotografías,  revelarlas y hacer las copias en papel.

Hasta 1935, consideraba la fotografía más como un hobby apasionante que una profesión. Pero después se trasladó a Berlín y obtuvo un buen número de contratos de trabajo para empresas de publicidad y organismos y la fotografía se convirtió en una importante fuente de ingresos.

Después de conocer el arquitecto Herbert Rimpl, se involucró en la fotografía de arquitectura. Contratado por Rimpl, fotografió la planta de aviones Heinkel en Oranienburg. Más tarde, Rimpl le pidió que fuera director de la biblioteca de imágenes y cine Hermann Göring Reichswerke en la que se recogían proyectos de construcción a gran escala en el Tercer Reich.

Después de la Segunda Guerra Mundial trabajó inicialmente como intérprete para los ocupantes británicos y luego documentó la reactivación de la vida cultural de la ciudad, fotografiando en un pequeño estudio a la sociedad de posguerra de la zona de Braunschweiger en condiciones improvisadas y muy innovadoras y originales.

Tras fundarse la revista Stern a finales de la década de 1940, Heidersberger se convirtió en uno de los primeros fotógrafos para trabajar por la publicación. Y para esta revista realizó la ahora famosa serie titulada Kleid aus Licht (Vestido de luz), una serie surrealista de desnudos femeninos iluminados con luces y sombras, que fue muy polémica en su tiempo y documentales sobre diferentes temas, entre ellos uno sobre un circo que huyó por la frontera de Alemania Oriental a principios de los 50. Trabajó para Stern hasta principios de la década de los 60.

Sus trabajos sobre diferentes ciudades refleja mucha precisión meticulosa y una gran sensibilidad, recopilados en libros como los que realizó sobre las ciudades de Braunschweig y Wolfsburg, donde vivió desde 1961.

Después de la guerra, Heidersberger desarrolló amistades con varios arquitectos en Braunschweig y se convirtió en su fotógrafo habitual, consiguiendo una sólida reputación en la fotografía de arquitectura. Fotografiar la arquitectura siguió siendo uno de los principales temas de su trabajo en la década de los 70.

Al igual que en la fotografía de arquitectura, la publicidad y la fotografía industrial se convertirían en el segundo pilar de su trabajo, trabajando para empresas como Krupp.

Además de sus encargos profesionales, produjo interesantes trabajos personales, como sus Rhythmograms que son, sin duda, una de las áreas más importantes de su fotografía experimental.
Pero las fotografías de la Laedertraede en Copenhague o Peatones en Düsseldorf se consideran los puntos más álgidos de sus obra.

Su  legado, el Instituto Heidersberger, está ubicado en el Museo Municipal de Wolfsburg, en el castillo de Wolfsburg, monumento histórico de la ciudad y, al mismo tiempo, significativo centro de su vida cultural.

 

 

Referencias

 

 

Libros

  • Heinrich Heidersberger: Light Harmonies, 2014.
  • Wolfsburg: Bilder einer jungen Stadt, 2013.
  • Ästhetik der Moderne: Photographien von Heinrich Heidersberger, 2007.
  • Architekturphotographie 1952-72, 2000.
  • Braunschweig, 1956.

lunes, 17 de octubre de 2016

Laura Stevens

Laura Stevens es una fotógrafa inglesa (nacida en 1977, vive entre París y Londres) cuyas series de retratos narrativos normalmente representan fabulas y situaciones personales. El paisaje interno sirve como telón de fondo, utilizando el teatro, el cine y la estética pictórica en temas como la intimidad, las relaciones y la pérdida.

 

'Lily' from the series Another November by Laura Stevens

'Lily' from the series Another November by Laura Stevens

 

 

Biografía

Laura Stevens obtuvo su licenciatura en la Universidad Metropolitana de Leeds, y posteriormente un master en fotografía en la Universidad de Brighton en 2007.

Seis meses después de una ruptura dolorosa, Laura decidió trabajar a través de las emociones en retratos escenificados que representaran su dolor.  Así nació su serie más reciente Another November, en la que produjo imágenes de forma rápida y obsesiva, muchas de ellas creadas en los apartamentos de sus amigos, pero en las que también incluye algunas mujeres que encontró en la calle. Stevens quiso deliberadamente crear una sensación de nostalgia, donde el sujeto mirar hacia el pasado con el anhelo de que las cosas sean como antes.

En US Alone, utilizó retratos de parejas reales que viven juntos en París, Londres y Brighton, para reconstruir escenas de comunicación entrecortada, alienación, tristeza, tensión y aburrimiento, los problemas que afectan a una vida de convivencia.

Su trabajo se ha expuesto a nivel internacional, con una exposición individual reciente en la Schneider Gallery de Chicago y ha sido incluido en numerosas exposiciones colectivas en instituciones como la National Portrait Gallery, The Centre for Fine Art Photography, Encontros da Imagem Festival, Singapore International Photography Festival y está representado en diversas colecciones privadas.

Laura ha sido incluida en Critical Mass Top 50 (2014), recibió una distinción especial en los LensCulture Emerging Talents de 2014 y fue finalista en The Taylor Wessing Portrait Prize en 2013 y 2014.

Junto a su dedicación a proyectos personales a largo plazo, es una colaboradora habitual en la prensa, en publicaciones como The Times Magazine, Le Monde, Forbes y The Washington Post.

 

 

 

Referencias

domingo, 16 de octubre de 2016

Ana Martínez Requena

Ana Martínez Requena es una fotógrafa española (nacida en 1990 en Madrid), su obra de tipo experimental, mezcla técnicas analógicas y digitales.

 

© Ana Martínez Requena

© Ana Martínez Requena

 

 

Biografía

Ana Martínez Requena ha vivido una gran parte de su vida en Madrid. Su trabajo es principalmente experimental. Aunque comenzó estudiando Periodismo y Comunicación Audiovisual y trabajó en ello, después, buscando comenzar algo nuevo, más creativo, trabaja en el departamento creativo de una agencia de publicidad  
 
Trabaja tanto en color como en blanco y negro y todas sus fotos están procesadas (algunas lo son en analógico) y a menudo provocan una sensación extraña, como de ensueño. Sus imágenes manipuladas muestran figuras humanas y objetos inanimados de manera poco convencional.
 
En otras series, utiliza técnicas de laboratorio alternativas, como los rayogramas, evitando usar así la cámara y componiendo la imagen con la ampliadora, para obtener mayor libertad en la creación de cosas que no existen realmente..

 

 

Referencias

sábado, 15 de octubre de 2016

Chris Weeks

Chris Weeks es un fotógrafo estadounidense (vive en Los Ángeles, California) que realiza fotografía editorial y de calle.

 

Santa Barbara ©1994-2008 Chris Weeks (Leica Film)

Santa Barbara ©1994-2008 Chris Weeks (Leica Film)

 

 

Biografía

Chris Weeks es un fotógrafo editorial que trabaja de forma freelance en encargos para las marcas  más conocidas, agencias de noticias, revistas, agencias de publicidad y relaciones públicas. Su trabajo ha sido publicado en periódicos, revistas y sitios web como  InStyle, Vanity Fair Italy, USA Today, People, Vogue, Rolling Stone, …, entre otras publicaciones impresas y en línea.

En su trabajo más personal fotografía las calles de Los Angeles o de allá donde esté. Con su inseparable Leica M6 desarrolla su trabajo con una visión única y certera, que no va de la captura de los momentos más impactantes, sino más bien de la grabación desinteresada de un lugar y un tiempo, experimentado por cualquier persona que hubiera estado allí en ese momento.

También retrata a celebridades, pero con la misma sensibilidad que en sus trabajos de calle, donde la cámara y la técnica desaparecen y hasta el fotógrafo no tiene presencia.

 

 

Referencias

 

 

Libros

viernes, 14 de octubre de 2016

Severin Koller

Severin Koller es un fotógrafo austriaco (nacido en 1986 en Viena, donde vive y trabaja) cuya obra se centra en la fotografía callejera, especialmente por las calles de su ciudad natal. Tanto su trabajo comercial como su fotografía personal capturan el espíritu del lugar y tiempo, a menudo con un toque surrealista o irónico.

 

SeverinKoller

© Severin Koller

 

 

Biografía

Severin Koller se crio en una familia centrada en la política, la cultura y el arte, pero su decisión de seguir un estilo de vida creativo y artístico fue suya: con 18 años había conseguido ya sus primeros encargos profesionales. En 2005 se inscribió en la Academia de Bellas Artes de Viena, a la que asistió durante tres años, y luego comenzó a trabajar como fotógrafo para varias agencias de diseño y publicidad.

Koller encontró su verdadera pasión en la fotografía de la calle, poco después de la compra de sus primeras SLR de película, revelando y positivando prácticamente todas sus imágenes en blanco y negro él mismo. Es un fotógrafo reconocido a nivel internacional en el mundo de la fotografía callejera, siendo sus valedores Chris Weeks y Joel Meyerowitz

Es un fotógrafo muy activo ya que tiene en marcha varios proyectos interesantes. Entre ellos su propio magazine llamado By Severin Koller donde publica cada mes en papel y en línea sus mejores capturas.

Desde 2008 ha viajado a Alemania, Francia, Estados Unidos, Suiza, Países Bajos, Polonia y Mónaco en encargos editorial o documentales, realizando fotografía de retrato, arquitectura, publicidad, moda y productos, así como trabajando como director de fotografía de comerciales, e incluso como cortador de película y editor.

 

 

Referencias

jueves, 13 de octubre de 2016

Andreas Smetana

Andreas Smetana es un director y fotógrafo austriaco (vive en Sídney, Australia) para el cual la fotografía fija y en movimiento son una aventura y es reconocido por su capacidad para abarcar una amplia gama de estilos en su trabajo de publicidad, desde un trabajo altamente conceptual a los retratos más fascinantes.

 

AndreasSmetana5

© Andreas Smetana

 

 

Biografía

Andreas Smetana creó su propio estudio en Innsbruck con apenas 23 años donde estuvo trabajando durante 3 años. Cuando su trabajo estaba despegando, se trasladó a Sídney, Australia. Pasó una dura temporada intentando conseguir encargos y tuvo que aprender que, en inglés, un "hasta luego" no significaba "le llamaremos".

Pero una vez que obtuvo su primer encargo, Andreas se movió rápidamente en el mundo de la fotografía publicitaria, convirtiéndose en uno de los talentos emergentes más populares de Australia. Su trabajo comenzó a cobrar impulso, no sólo a nivel local sino también a nivel internacional, y ha  trabajado para los nombres más grandes en la industria, como, por ejemplo, Levis.

Andreas encuentra inspiración en todo el proceso que culmina en sus imágenes impactantes. Le encanta conectar con la gente creativa para elaborar un guion, empujando los límites visuales hasta encontrar una frontera y un estilo individual. Como ejemplo de sus trabajos podemos citar su campaña recreando el rostro de Cathy Freeman, una atleta australiana, mediante cientos de cuerpos desnudos.

Ha sido reconocido por su trabajo en todo el mundo, ganando premios en algunos de las muestras más prestigiosas del mundo: Cannes, New York Festival, MADC (Melbourne Publicidad y Diseño Club), Clio, London International Award, London International Advertising Awards, …. Su trabajo fotográfico hn sido expuestos en la AOP Gallery de Londres y en el Kodak Photo Salon de Tokio. La revista fotográfica Archive Magazine lo ha catalogado como uno de los fotógrafos más publicados en los últimos 10 años. 

Su versatilidad en el rodaje de una amplia variedad de géneros le ha convertido en uno  de los fotógrafos de Australia más reconocidos. Andreas se las ha ingeniado para perseguir sus sueños, mientras hace lo que ama. Cuando no se coloca detrás de una cámara y dirige a su equipo le encanta disfrutar con su familia y navegar aunque haya nacido en un país sin mar.

.

 

Referencias

miércoles, 12 de octubre de 2016

Martin Usborne

Martin Usborne es un fotógrafo inglés (nacido en 1973 en Londres, donde vive y trabaja) cuyo interés clave es la relación del hombre con (otros) animales. Aunque sus imágenes sean duras a veces, para intentar mostrarnos el silencio, el control o nuestra lejanía de los animales, en ellas también se destila un sutil humor.

 

© Martin Usborne

© Martin Usborne

 

Las fotos vienen del miedo profundo que tengo a estar solo y sin voz (de pequeño me era prácticamente imposible expresarme) y también de mi fascinación por los animales, sobre todo por los perros, que me parecían igualmente vulnerables y de alguna forma mudos.

 

 

Biografía

Martin Usborne estudió filosofía, psicología y animación 3D, en la School Art de Glasgow y en la Universidad de Edimburgo, antes de dedicarse finalmente a la fotografía. Desde una edad temprana desarrolló una gran complicidad con todo tipo de animales, lo que le ha permitido realizar de forma natural sus sorprendentemente emocionales retratos de perros.

Una constante en su obra son, pues, los retratos de perros, donde compara la angustia de los niños con la sensación de abandono de los animales, aquellos que no pueden expresar ese temor al olvido causado por la eterna espera.

Para realizar estos proyectos utiliza una cámara de gran formato (de 5x4”), y fotografía en plena noche, para de esta manera incrementar la melancolía y desolación que refleja el perro al estar sólo dentro de un automóvil.

Martin realiza a menudo encargos editoriales o comerciales y su trabajo aparece regularmente en revistas internacionales y ha sido mostrado en exposiciones colectivas e individuales en todo el mundo, como en la National Portrait Gallery de Londres. Ha obtenido diversos premios, como el Prix Best in Show en 2012 dentro del Creative Review Photography Annuel por su serie The Silence of dogs in Cars.

En la actualidad está dedicando un año para ver cuántos animales puede salvar en 365 días. Y espera poder reflejar esta historia en su próximo libro.

 

 

Referencias

 

 

Libros