domingo, 31 de julio de 2016

Marja Pirilä

Marja Pirilä es una fotógrafa finlandesa (nacida en 1957 en Rovaniemi, vive en Tampere) cuyo trabajo más representativo es unir en una fotografía en color a personas en el interior de una habitación fundidas con el paisaje exterior mediante una cámara oscura.

 

© Marja Pirilä

© Marja Pirilä

 

El paisaje que se ve desde la ventana no es sólo exterior, sino también está dentro de nosotros.

 

 

Biografía

Marja Pirilä  nació en Finlandia cerca del círculo polar ártico, y quizás esto sea el origen de su amor sin fin por la luz y su fascinación por el fenómeno de la cámara oscura en la que la inundación de luz en un espacio oscuro lleva consigo reflejos del mundo exterior. Se graduó como fotógrafo y como bióloga (en zoología ecológica) en 1986.

Marja  se embarcó en su proyecto Interior/Exterior después de ver algunas imágenes en blanco y negro de Abelardo Morell en una revista de fotografía. La idea originalmente documental de mostrar al mismo tiempo el entorno interior y exterior de una persona, pronto se expandió en una nueva dirección: las imágenes comenzaron a formarse también para constituir una excursión en el paisaje mental: reflexiones de recuerdos, sueños, miedos y sueños.

En la oscuridad de una cámara oscura, el silencio y la lentitud le obligan a uno a contemplar el mundo de una manera distinta, desde nuevos ángulos. Cuando un espacio se transforma en un "cuarto oscuro" se evoca la magia de la fotografía una y otra vez. Es entonces cuando la autora se siente más consciente de que está trabajando con la luz.

Para tomar las imágenes transforma una habitación en cámara oscura, cubriendo sus ventanas con plástico negro, colocando en la parte superior y en un agujero cortado en el plástico una lente convexa simple. Así, la vista fuera de la ventana se refleja boca abajo en la sala formando un espacio de ensueño en capas sobre el ocupante y la habitación. Entonces fotografía la escena completa con una cámara convencional.

Al principio utilizaba cámaras de película de rollo, y hoy en día una cámara digital. Las técnicas de impresión también cambiaron en el curso del proyecto: yendo desde las impresiones en color cromogénicas de los primeros años hasta la impresión actual en papel de fibra con pigmentos permanentes.

Ha estado trabajando intensamente con la técnica de la cámara oscura desde 1996. Interior / Exterior es el proyecto más amplio y de larga duración que ha realizado con el método de cámara oscura, con fotografías hechas en Finlandia, Noruega, Italia y Francia, y el trabajo continúa. Este proyecto ha dado lugar a las series Milavida (2012-2013), Speaking House (2004- 2006) e Inner Landscapes (2009-2011). Ha construido varias cámaras oscuras 3D con Nuutinen Petri.

Ha realizado decenas de exposiciones individuales y ha participado en numerosas exposiciones colectivas tanto en Finlandia como en el extranjero. Su obra forma parte de colecciones de arte públicas y privadas en Finlandia, Alemania, Suecia, Holanda, Italia y Francia. En el año 2000 recibió el The Finnish State Award for Photography.

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

  • The Eyes of the Fingertips Are Opening, 1993
  • CAMERA OBSCURA Interior/Exterior, 2002
  • Speaking Light, 2006,
  • I am, 2010
  • Inner Landscapes, 2012.
  • Carried by Light, 2014.

sábado, 30 de julio de 2016

Hoy hace 7 años: Ruud van Empel

Rudolph Franciscus Maria van Empel es un fotógrafo holandés (nacido el 21 de noviembre de 1958 en Breda, que trabaja y vive en Ámsterdam) con un estilo muy particular.

© Ruud van Empel

© Ruud van Empel

Cuando era niño tenía que llevar traje con corbata y pantalones cortos. Se suponía que tenía que parecer un pequeño caballero pero yo solo quería jugar en el jardín y en los campos que había alrededor de la casa. Era divertido ver a un niño vestido con traje y lo he trasladado a un niño de color en la selva tropical.

 

 

Otros fotógrafos que se publicaron en este día fueron:

viernes, 29 de julio de 2016

Federico Alegría

Federico Alegría es un fotógrafo salvadoreño (nacido en El Salvador el 19 de octubre de 1989, vive en La Libertad) cuya fotografía se caracteriza por una estética visual en la que predomina el blanco y negro con una controlada sobreexposición y donde las personas se integran dentro de un contexto.

 

© Federico Alegría

© Federico Alegría

 

 

Biografía

Federico Alegría es un fotógrafo documental social, que mantiene un estricto cuidado de la composición de la imagen, y un acertado sentido de la dinámica, ya sea a través de las acciones de los sujetos fotografiados o de la tensión que la recurrente inclusión de líneas generan a sus imágenes.

Poco a poco fue dándose cuenta de que la fotografía que más le apasionaba era la de calle, por permitirle acercarse a las personas que él considera como parte de la cotidianidad. Su trabajo muestra una visible consistencia en cuanto a la estética visual del revelado, al uso de las distancias focales  y a las temáticas que aborda.

Ha participado en varias exposiciones, como Contrastes en 2014 y Miedo Ambiente en 2015 en el Museo Nacional de Antropología de El Salvador. Llegó a dirigir el colectivo Fractal, radicado en Granada, España, y actualmente trabaja como columnista fijo para la revista australiana Light Stalking. También es columnista y fotógrafo freelance para distintos sitios web internacionales. En su país ejerce la función de editor de la revista del club ASA2000, el cual es el club de fotografía más antiguo de El Salvador.

En su formación podemos destacar Revelado Digital, con el maestro Andy Goldstein en 2013, Técnicas de Composición Pictórica, impartida por la Universidad Miguel Hernández de Elche en 2015, A través de la Fotografía, impartido por el Museo de Arte Moderno (MoMA) en 2016, Fotografía Digital en Shaw Academy, Irlanda, en 2016.

 

 

Referencias

jueves, 28 de julio de 2016

Hoy hace 5 años: Stephen Dupont

Stephen Dupont es un fotorreportero australiano (nacido en Sídney en 1967) que captura en sus temas la dignidad humana con gran intimidad y a menudo en algunas de las regiones más peligrosas del mundo. Sus imágenes han recibido el reconocimiento internacional por su integridad artística y por su acercamiento con la gente, cultura y comunidades que han existido durante cientos de años, y que ahora desaparecen rápidamente de nuestro mundo.

StephenDupont

© Stephen Dupont

Es obligado formar parte de la historia. En una zona de guerra, me centro en llegar, en conseguir grandes fotos y en poder volver. Sin las fotografías, no habría verdad, no habría tribunales de guerra. En la guerra, hay tragedia. Pero también dignidad, una belleza en la gente que sale del corazón, del alma.

 

 

Otros fotógrafos que se publicaron en este día fueron:

miércoles, 27 de julio de 2016

Levon Biss

Levon Biss es un fotógrafo inglés (nacido en 1975, vive en Londres) cuyo trabajo se ha basado principalmente en realizar retratos de acción dinámica que muestren la belleza de la forma humana en movimiento. Su último trabajo, sin embargo, está basado en la fotografía macro de insectos muertos.

 

© Levon Biss

© Levon Biss

 

 

Biografía

Levon Biss creció en el sur de Londres. Se formó inicialmente como ilustrador y no fue hasta el final de su adolescencia que cogió una cámara, para combinar  la fotografía con su amor por el deporte.

Paralelamente a su actividad deportiva, Levon ha realizado campañas durante los últimos 18 años para marcas internacionales como Adidas, Hsbc, O2, Deutsche Post, Mastercard, Sky, Puma y Texaco, y agencias como 180 amsterdam, TBWA, Grey London, VCCP y Mother. Su trabajo ha aparecido en las portadas de publicaciones como la revista TIME, Observer, GQ y New York Times.

Levon también ha documentado la cultura que rodea el deporte publicando un libro global sobre fútbol titulado One Love, con fotografías realizadas en 28 países. Esta serie ha sido expuesta en numerosas ocasiones.

Su pasión por la naturaleza y la fotografía se han unido para crear Microsculpture, un estudio fotográfico único de insectos con una ampliación alucinante, que ha llevado a este género a un nuevo nivel. Sus fotografías capturan con detalle impresionante la belleza del mundo de los insectos y se imprimen en formatos a gran escala para proporcionar al público una experiencia visual inolvidable.

Esta es la descripción de la técnica utilizada en cada imagen del proyecto Microsculpture:

  • el insecto clavado se coloca sobre una platina de un microscopio adaptado que permite tener un control completo sobre el posicionamiento de la muestra delante de la lente,
  • dispara con una cámara de 36 megapíxeles que tiene un objetivo de  microscopio 10x conectado con un objetivo de focal fija de 200 mm.
  • fotografía el insecto en unas 30 secciones diferentes, dependiendo del tamaño de la muestra,
  • cada sección, hasta que cubrir toda la superficie del insecto, es iluminada de manera diferente con luces estroboscópicas para destacar  la belleza escultural de esa sección particular del cuerpo,
  • debido a la poca profundidad de campo del microscopio, la cámara está montada en un carril electrónico que programa para avanzar 10 micras entre cada disparo, que después habrá que unir mediante diversos procesos de foto-apilamiento
  • se repite este proceso en todo el cuerpo del insecto y una vez que tiene unas 30 secciones totalmente enfocadas las funde en Photoshop para crear la imagen final
  • Así, una fotografía lleva alrededor de 3 semanas de tomas, procesado y retoque y unas se  8.000 fotografías individuales.

 


Referencias

 

 

Libros

martes, 26 de julio de 2016

Hoy hace 3 años: Karen Glaser

Karen Glaser es una fotógrafa estadounidense (nacida en Pittsburgh, vive en Florida) experta y famosa por su práctica constante de la fotografía submarina durante muchos años, abarcando muchos y diversos temas acuáticos: manatíes, tiburones, rayas, pantanos, marismas … en color o en blanco y negro.

Eagle Ray © Karen Glaser

Eagle Ray © Karen Glaser

 

 

Otros fotógrafos que se publicaron en este día fueron:

lunes, 25 de julio de 2016

Jack Simon

Jack Simon es un psiquiatra y fotógrafo estadounidense (vive cerca de San Francisco, California) que realiza fotografía de calle en color, donde crea  maravillosas yuxtaposiciones de personas y elementos urbanos a su alrededor.

 

© Jack Simon

© Jack Simon

 

Me gusta la caza de ese momento de misterio, sorpresa y humor en mi vida cotidiana.

Busco imágenes ni planificadas ni preparadas que hagan alusión a una historia más amplia, como si fueran el cartel de alguna película ya olvidada.

Estos fragmentos de historias de ficción son extraídos del mundo real gracias a la extraña pareja de mi inconsciente, mis intenciones y el azar.

 

 

 

Biografía

Jack Simon ha trabajado 40 años como psiquiatra en el área de la Bahía de San Francisco. Hace una docena de años comenzó a fotografiar en sus viajes con una cámara digital de apunta y dispara. Quiso mejorar sus fotos y empezó a explorar el mundo de la fotografía. Mientras miraba libros de fotografía y fotografía en museos, el trabajo de los fotógrafos de la calle le capturó. Ahora rara vez va a ninguna parte sin su cámara, que encaja con su disfrute de vagar por entornos urbanos.

Vive a una hora de San Francisco en un entorno suburbano maravilloso, pero la mayoría de sus fotografías son de San Francisco, sobre todo del Distrito de la Misión, donde existe una tremenda diversidad, un montón de buena comida, tiendas interesantes y gente en la calle. También el centro de la ciudad y Chinatown y Tenderloin. También ha realizado fotografía de calle en sus viajes por el mundo.

Su trabajo ha sido expuesto en varias publicaciones y exposiciones de fotografía de calle. Fue seleccionado para exponer en la bienal Format Festival en Inglaterra en 2011, y su libro UNTITLED también fue seleccionado para ser presentado en el festival. También ha participado en exposiciones colectivas como Burn My Eye Collective Show en el London Festival of Photography y en Third Floor Gallery en Cardiff, Gales, en 2012, y otras en Londres, Los Ángeles, Dubái y París.

Su trabajo se puede encontrar en varias publicaciones de fotografía de calle. Ha participado en varios programas de fotografía en el Reino Unido, Europa y Estados Unidos. Entre otros premios, ha sido el ganador del Street Photography Now Project y del Reality Remade organizado por Street Reverb Magazine, ambos en 2011.

Es miembro del colectivo de fotografía de calle Burn My Eye.

 

 

Referencias

 

 

Libros

Sus fotografías han aparecido en estos libros grupales:

domingo, 24 de julio de 2016

Hoy hace 5 años: Cristina García Rodero

Cristina García Rodero es una fotógrafa manchega (nacida en Puertollano, Ciudad Real, el 14 de octubre de 1949) considerada como uno de los fotógrafos de mayor relieve y trascendencia creativa en España. Su sensibilidad y curiosidad hacia los mundos que explora, junto con un continuado y elaborado trabajo fotográfico llevado a cabo a lo largo de los años, hacen que sus fotografías irradien una fuerza sobrecogedora sin caer en el exhibicionismo ni en el artificio.

(c) Cristina García Rodero

© Cristina García Rodero

Intenté fotografiar el alma misteriosa, verdadera y mágica de la España popular, con su pasión, el amor, el humor, la ternura, la rabia, el dolor, con su verdad; y los momentos más intensos y plenos en la vida de los personajes, tan simples como irresistibles, con toda su fuerza interior, en un desafío personal que me dio fuerza y comprensión y en el que invertí todo mi corazón.

Siempre he ido a lo que salga, a la aventura. Siempre sola. El viaje para mí es descubrimiento, conocimiento; poder compartir, ser testigo. Es regresar con un tesoro: traer imágenes que estén a la altura de lo vivido y hacer de eso una obra personal que te defina como creador y como persona, que es a lo que todos aspiramos en realidad.

 

 

Otros fotógrafos que se publicaron en este día fueron:

sábado, 23 de julio de 2016

Ruddy Roye

Ruddy Roye es un activista en Instagram y fotógrafo jamaicano (nacido en 1969 en Montego Bay, Jamaica, vive en Brooklyn, EEUU)  especializado en retratos editoriales y ambientales, y en fotoperiodismo. Está interesado en contar historias de las victorias y derrotas de la gente humilde, principalmente jamaicanos como él, haciendo oír su voz en los medios sociales y en papel.

 

© Ruddy Roye

© Ruddy Roye

 

La fotografía es encontrar un pedazo de mí en los ojos o la esencia de toda la gente o cosas que fotografío. Siempre ha sido un esfuerzo colaborativo.

 

 

 

Biografía

Ruddy Roye alias Radcliffe Roye ha trabajado con revistas como el New York Times, Fast company, BET, Ebony, ESPN y Essence y también ha trabajado con periódicos locales como el New York Newsday. Perfeccionó su habilidad como reportero gráfico trabajando en la calle para  Associated Press en Nueva York cubriendo eventos.

También es conocido por su documentación de la escena dancehall en todo el mundo. Ha viajado hasta Brazzaville, en el Congo, para documentar cómo los jamaicanos y otros bailarines utilizan el lenguaje de la danza como herramienta de activismo.

Recientemente, Ruddy comenzó a experimentar con la fotografía interpretativa, permitiendo que el contenido abstracto dictara la voz y el propósito de la imagen. Su serie Elements se centra en el pictorialismo y la imagen borrosa como una forma de transmitir imágenes que despierten sutilmente el subconsciente.

Ruddy también ha utilizado Instagram mostrando su interés en las comunidades de Bed-Stuy y de Brooklyn como un conjunto. Las imágenes de retratos de sus series Black Portraiture y I Can’t Breathe han sido el tema de conversación en numerosos foros de Instagram. Se le encargó hacerse cargo del Instagram del New Yorker cuando un huracán devastó las costas orientales en 2012.

Posteriormente ha trabajado con la New York University, la School of Visual Arts y también como profesor adjunto en la Columbia University. Su trabajo es ampliamente expuesto por todo el mundo.

Ruddy es miembro del colectivo de fotógrafos negros Kamoinge y apareció en el reciente documental Through a Lens Darkly, una película sobre fotógrafos negros y su fotografía en EEUU. También está en la lista The 50 Greatest Street Photographers Right Now.

 

 

Referencias

viernes, 22 de julio de 2016

Hoy hace 4 años: Pål-Nils Nilsson

Pål-Nils Nilsson fue un fotógrafo, profesor de fotografía y cineasta sueco (nacido en 1929, fallecido en 2002) que obtuvo reconocimiento por sus fotografías de paisajes suecos, de sitios culturales y por sus películas para televisión.

© Pål-Nils Nilsson

© Pål-Nils Nilsson

(¿Que por qué disparo?) La respuesta es, probablemente, que en el fondo creo que es divertido.  Nunca dejo de sentir la emoción en la búsqueda de momentos de contenido simbólico y asociativo. Espero siempre en la oscuridad para descubrir las imágenes.

 

 

Otros fotógrafos que se publicaron en este día fueron:

jueves, 21 de julio de 2016

Romina Ressia

Romina Ressia es una artista argentina (nacida el 11 de marzo de 1981 en Azul, provincia de Buenos Aires) cuya obra se caracteriza por sus retratos de una marcada influencia renacentista con un anacronismo creado incluyendo objetos modernos.

 

Pop-Corn © Romina Ressia

Pop-Corn © Romina Ressia

 

 

 

Biografía

Romina Ressia se mudó a los 19 años se mudó a la Capital Federal para realizar sus estudios donde se graduó de Licenciada en Administración y de Contadora Pública en la Universidad de Buenos Aires, unas profesiones que más tarde abandonaría con 25 años para dedicarse de lleno a la fotografía. Realizó estudios de fotografía, dirección de arte y escenografía en varias instituciones incluyendo el Teatro Colón.

En sus inicios se dedicó a la fotografía de modas y gradualmente fue volcándose al Fine Art, utilizando también técnicas mixtas. Sus obras están representadas por galerías de arte en el Reino Unido, Nueva York, Suiza e Italia; y han sido expuestas en varias de las ciudades más importantes del mundo como Nueva York, Milán, Reino Unido, Zúrich, París y Buenos Aires.

Su obra Pop-Corn integra hoy la colección permanente del Columbus Museum of Art, en Estados Unidos.

Romina se caracteriza por el uso de anacronismos y yuxtaposiciones que permiten trazar una línea de tiempo a partir de la cual explorar la evolución humana y sus conductas como individuos y como colectivo. Así, sus imágenes se parecen más a un cuadro del Renacimiento que a una foto moderna,  pero usa con ironía la confrontación pasado/presente.

Sus trabajos han sido destacados, entre otros, por The Huffington Post, Interview Magazine, Vanity Fair, Vogue Italia y The Wild Magazine. Ha obtenido una medalla de oro en el PX3 Prix de la Photographie Paris en 2016.

 

 

Referencias

miércoles, 20 de julio de 2016

Hoy hace 3 años: Emmet Gowin

Emmet Gowin es un fotógrafo estadounidense (nacido en 1941 en Danville, al sur de Virginia, vive y trabaja en Newtown, Pennsylvania) considerado uno de los fotógrafos más originales de los últimos cuarenta años y que ocupa un lugar prominente dentro de la historia de la fotografía de la segunda mitad del siglo XX.

Edith, Chincoteague Island (Virginia), 1967 - Gelatina de plata - © Emmet Gowin

Edith, Chincoteague Island (Virginia), 1967 - Gelatina de plata - © Emmet Gowin

Para mí, las fotos son una forma de retener, intensamente, un instante de comunicación entre un ser humano y otro.

Hay cosas en vuestra vida que solo vosotros veréis, historias que solo vosotros oiréis. Si no las contáis o las escribís, si no hacéis la foto, esas cosas no serán vistas ni oídas.

Un paisaje mantiene su alma a pesar de las cicatrices y el castigo que le inflige el hombre. Es eso lo que quiero mostrar.

 

 

Otros fotógrafos que se publicaron en este día fueron:

martes, 19 de julio de 2016

Brandon Thibodeaux

Brandon Thibodeaux es un fotógrafo estadounidense (nacido en 1981, vive en Dallas, Texas) que crea retratos según la tradición documental. Además de su trabajo comercial, explora la vida del sur de EEUU.

 

BrandonThibodeaux

© Brandon Thibodeaux

 

Para mí, la fotografía trata de la construcción de relaciones y de contar historias. Mi trabajo personal siempre ha tenido una pizca de auto-descubrimiento mezclado con lo documental. Creo que es por eso que estoy tan atraído por el retrato y por las narrativas de larga duración que me permiten el tiempo necesario para desarrollar una intimidad con las personas que estoy fotografiando.

 

 

Biografía

Brandon Thibodeaux se crio en Beaumont, Texas. Su carrera fotográfica comenzó en un pequeño diario en el sureste de Texas, mientras que estudiaba fotografía en la Universidad de Lamar con Keith Carter.

En la actualidad reside en Dallas, donde trabaja como freelance para clientes como MSNBC.com, Newsweek, The New York Times, Fader Magazine, The Financial Times Weekend Magazine, Monocle, Shell Oil International y The Wall Street Journal, entre otros.

Cuando no está haciendo estos encargos es probable encontrarlo por las carreteras secundarias del sur de EEUU con su cámara de objetivos gemelos realizando un cuerpo de trabajo según la tradición documental, usando principalmente película en blanco y negro y una Mamiya C330 capturando composiciones poéticas en formato cuadrado, con retratos atemporales de los lugares que visita y de sus habitantes.

Thibodeaux también utiliza 35 mm y cámaras digitales, e incorpora elementos de su práctica artística en su carrera editorial y corporativa. Es miembro del colectivo de fotografía MJR, con sede en la ciudad de Nueva York.

Su trabajo ha sido reconocido por American Photo Magazinem Photo District News, New York Times Lens Blog y NPR entre otros, y Oxford American lo incluyó en su lista 100 Under 100, New Superstars of Southern Art 2012.

Su trabajo en el Delta del Mississippi fue premiado con los premios Center’s Gallerist Choice en 2013 y Critical Mass Solo Show en 2014, la beca Michael P. Smith Fund For Documentary Photography en 2014 y también fue finalista en los premios LensCulture Exposure en 2014.

Su serie When Morning Comes es un reflejo de la vida en el delta del Mississippi. Viajó por primera vez a la región en el verano de 2009, para respirar aire libre pero terminó fotografiando en cinco comunidades de unas 15 millas cuadradas del norte del delta del Mississippi, compaginando la experiencia específica del campo rural negro, con temas como la fe, la identidad y la perseverancia que son comunes en todos nosotros.

 

 

 

Referencias

lunes, 18 de julio de 2016

Hoy hace 5 años: Wolfgang Moersch

Wolfgang Moersch es un fotógrafo y fabricante de productos químicos de fotografía alemán (nacido en 1948, vive en Kraut, cerca de Colonia) referente actual en fotografía química.

(c) Wolfgang Moersch

© Wolfgang Moersch 

 

 

Otros fotógrafos que se publicaron en este día fueron:

domingo, 17 de julio de 2016

Pilar García Merino

Pilar García Merino es una fotógrafa española (nacida en 1976 en Madrid) cuya obra trata de historias inventadas, historias de su infancia y juventud, divertidas o trágicas y construidas a partir de espacios creados al efecto con recortes o maquetas que ilumina adecuadamente para darles una atmósfera inquietante.

 

Estación Central © Pilar García Merino

Estación Central © Pilar García Merino

 

 

Biografía

Pilar García Merino es licenciada en Comunicación Audiovisual por la Universidad Complutense de Madrid.

Utiliza la puesta en escena, mediante representaciones en tres dimensiones, para construir realidades y recrear ambientes que responden a un determinado estado anímico.

Es una especie de demiurgo, sujeto creador que ordena y perfecciona el espacio a fotografiar haciendo que objetos cotidianos como pañuelos, algodones o ramas, se tornen mares, nubes o frondosas selvas. Son universos propios donde habitan componentes tan antagónicos como la realidad y la fantasía. Una realidad mágica donde los objetos adquieren una dimensión de vida propia.

Desde el año 2000 realiza exposiciones individuales y colectivas de forma regular y su obra forma parte de colecciones públicas y privadas.

Ha recibido numerosos premios, entre ellos, Primer Premio Fundación Mapfre, Primer Premio Caminos de Hierro en 2010, Beca de Ayuda a la Creación Visual de la Fundación Arte y Derecho y del Fondo Asistencial y Cultural de VEGAP, Premio de Honor Asisa, Primer Premio Mezquita Ciudad de Córdoba en 2007, Primer Premio Injuve para la Creación Joven, Beca Estancias Injuve para la Creación Joven, Primer Premio Caja de Ahorros del Mediterráneo, Primer Premio Caja de Extremadura y Certamen Internacional de Fotografía Signo Editores (en la categoría Series) en 2016.

 

 

Referencias

 

 

Libros

sábado, 16 de julio de 2016

Hoy hace 4 años: Philip Hyde

Philip Hyde fue un conservacionista y fotógrafo estadounidense (nacido en San Francisco el 15 de agosto de 1921 y fallecido el 30 de marzo de 2006 en Reno, Nevada) cuyas fotografías han participaron en más campañas medioambientales que las de cualquier otro fotógrafo. En el nacimiento del movimiento medioambiental moderno, fue uno de los ilustradores principales de la innovadora serie The Exhibit Format Series del Sierra Club. Dedicó toda su vida a defender las tierras vírgenes del oeste americano.

Steamboat Rock, Dinosaur National Monument, Colorado, 1955. From the book, 'This Is Dinosaur?' © Philip Hyde

Steamboat Rock, Dinosaur National Monument, Colorado, 1955. From the book, 'This Is Dinosaur'
© Philip Hyde

Cada lugar tendrá siempre gente que quiera explotarlo, y habrá siempre gente, afortunadamente, que quiera mantenerlo tal como es. Incluso con riesgo de invitar a las muchedumbres al paraíso, es bueno publicar tus fotografías para reunir a las tropas en su defensa.

 

Otros fotógrafos que se publicaron en este día fueron:

viernes, 15 de julio de 2016

John Sypal

John Sypal es un fotógrafo estadounidense (nacido en 1979 en Nebraska, vive en Japón) que realiza fotografía de calle principalmente de Tokio, afrontando el reto de documentar la vida en una cultura y país que no son los suyos, pero que ha convertido en su hogar.

 

© John Sypal

© John Sypal

 

 

Biografía

John Sypal tuvo una infancia típica de la clase media estadounidense. Estudió Arte en la Universidad de Nebraska. Después de pasar un año en Japón en un programa de estudios en el extranjero, más tarde, en 2004, se trasladó a Tokio donde ha residido los últimos años.

Siempre estuvo interesado en el arte y había tomado una clase o dos de fotografía en la escuela secundaria. Entró en la Universidad de Nebraska pensando en la ilustración o la pintura. Un semestre de fotografía era un requisito para todas las carreras de arte, pero sentía que el cuarto oscuro era muy engorroso en comparación con dibujar o pintar, pero afortunadamente sus maestros le enseñaron menos acerca de la técnica y más sobre la naturaleza de las fotografías.

Fue a Tokio con un programa de un año en el extranjero y empezó a disfrutar de la escena fotográfica y de las personas de Tokio. Se unió a un club de fotografía y cuando no estaba en clase estaba en las calles fotografiando. Pasó más tiempo en el cuarto oscuro que en su dormitorio. Después volvió a casa, pareciéndole Nebraska muy exótica.

Un par de años después, en 2004 volvió a Japón. En 2008 estaba formando parte en un festival de fotografía de una semana y preguntó a un chico si podía hacer una foto de su cámara. Y como no había mucha gente por ahí con cámaras de película le preguntó un poco más acerca de la cámara. Sólo había visto un fotoblog tumblr una semana antes, pero después de conseguir algunas fotos más creó Tokyo Camera Style, un blog de fotos sobre las cámaras de película que se usan en las calles de Tokio.

El éxito de su fotoblog, le ha llevado a fotografiar cámaras por ciudades de todo el mundo y a publicar el libro Tokyo Camera Style en 2015.


 

Referencias

 

 

Libros

  • Tokyo Camera Style, 2015.

jueves, 14 de julio de 2016

Hoy hace 3 años: Shōji Ueda

Shōji Ueda fue un fotógrafo japonés (nacido el 27 de marzo de 1913 en Sakaiminato, y fallecido el 4 de julio de 2000 en Yonago,Tottori) que realizó la mayoría de sus obras en una franja de unos 350 km. entre las prefecturas de Tottori, de Hyōgo y de Yamaguchi. Está considerado como el principal representante del surrealismo en la fotografía japonesa.

© Shōji Ueda Office

© Shōji Ueda Office

He hecho toda esta serie de retratos de grupo con luz frontal. Recuerdo que traté de mantener el fondo, ya fuera cielo, mar o dunas, muy simple. Evito las nubes del cielo para crear composiciones planas y sin profundidad.

Sólo hago las fotografías que me gustan.

 

Otros fotógrafos que se publicaron en este día fueron:

miércoles, 13 de julio de 2016

Jared Polin

Jared Polin es un fotógrafo estadounidense cuyo objetivo es siempre capturar y contar una historia increíble en imágenes que hagan sentir emoción y vivan para siempre.

 

© Jared Polin

© Jared Polin

 

 

 

Biografía

Jared Polin, alias FRO, es un consumado fotógrafo cuyo trabajo ha aparecido en la revista Rolling Stone, Spin Magazine, Billboard y en un sinnúmero de otras publicaciones internacionales. Su trabajo tiene mucho que ver con el mundo de la música ya sea en estudio o en conciertos en directo.

En 2010 lanzó FroKnowsPhoto.com, una página web informativa y desenfadada para ayudar a fotógrafos de todos los niveles a mejorar en técnica y estilo.

La popularidad de su marca I Shoot Raw de merchandising ha catapultado al propio Jared y a FroKnowsPhoto al reconocimiento mundial, creando una legión de fieles seguidores.

Hoy en día se pueden encontrar más de 1300 vídeos gratuitos sobre fotografía y video en FroKnowsPhoto.com y en el podcast de fotografía RAWtalk.

Además de reconocido fotógrafo y superestrella en la red, Jared se ha convertido en un asesor y consultor de confianza de marcas y empresas que buscan ampliar su visibilidad en línea. También es un destacado orador y experto en fotografía y en desarrollo de contenidos y marketing.

 

 

 

Referencias

martes, 12 de julio de 2016

Hoy hace 6 años: Fernando Bayona

Fernando Bayona es un fotógrafo español (nacido en Linares, Jaén, el 23 de marzo de 1980 y que vive alternando Granada y Milán) que articula la producción de sus obras partiendo de objetos y vivencias cotidianas, ancladas en la mas simple de las rutinas diarias. La mayor parte de sus obras indagan en la reflexión sobre las relaciones humano-amorosas y la identidad del sujeto.

 

(c) Fernando Bayona

© Fernando Bayona

Nunca soy lo que se espera de mí. Al contrario que otros de mi generación, mi obra adolece de continuidad. Sin predisposición consciente a una trayectoria desconcertante, aparezco y desaparezco con cada colección; soy un creador desobediente y mi estilo no es reconocible como el de otros

 

 

Otros fotógrafos que se publicaron en este día fueron:

lunes, 11 de julio de 2016

Alex Stoddard

Alex Stoddard es un fotógrafo estadounidense (nacido el 15 de noviembre de 1993 en Jacksonville, Florida, vive en Los Ángeles, California) cuyo retrato narrativo se nutre de lo fantástico y de la fragilidad de la experiencia humana.

© Alex Stoddard

© Alex Stoddard

 

Un día estaba colgando de un acantilado, otro día me lanzaba a un estanque de peces en pleno invierno. No me importaba si me sentía incómodo, sólo estaba concentrado en la creación de una imagen única.

 

 

Biografía

Alex Stoddard nació en Jacksonville, Florida, y se crio en Georgia, donde descubrió su amor por la fotografía a una edad temprana.

Comenzó a hacerse autorretratos a escondidas y con la cámara de su madre con 16 años en el bosque detrás de su casa en Georgia, en un clásico proyecto “365. Poco a poco fue desarrollando su estilo poniéndose en circunstancias extremas para obtener la imagen deseada. Cuando terminó el proyecto un año más tarde, tenía decenas de miles de fans en Flickr. Su portafolio se encuentra en constante crecimiento a través de nuevos efectos visuales que marcan su propio estilo. Con la edad, su trabajo fotográfico va evolucionando y ya se dedica a la fotografía a tiempo completo.

Ha realizado portadas para bandas como Futures y Paper Route, y su trabajo ha sido publicado en varias revistas, presentando su obra en la prestigiosa galería Fahey/Klein en Los Ángeles.

Fue nombrado uno de los 20 mejores fotógrafos 20 under 20 por Yahoo! en 2014.

 

 

Referencias

domingo, 10 de julio de 2016

Hoy hace 3 años: Ricardo Cases

Ricardo Cases es un fotógrafo español (nacido en Orihuela, Alicante, en 1971, vive y trabaja en Madrid) con una mirada humana y antropológica. Evitando la imaginería pop, se interesa por las pulsiones sinceras y universales que laten bajo la superficie banal, kistch y poco glamourosa de la España contemporánea.

© Ricardo Cases

© Ricardo Cases

 

Otros fotógrafos que se publicaron en este día fueron:

sábado, 9 de julio de 2016

Ola Billmont

Ola Billmont es un fotógrafo sueco (vive en Estocolmo) que realiza principalmente fotografía de calle.

 

© Ola Billmont

© Ola Billmont

 

He aprendido que se puede flashear a alguien y simplemente seguir caminando, y 99 de cada 100 veces eso es todo.

A veces las personas interactúan, ya sea con curiosidad o con ira. Mi comentario habitual es darles un elogio positivo. A pesar de que no siempre es el caso, suele funcionar bien.

 

 

Biografía

Ola Billmont (alias Ola Anotherswede) estuvo interesado en la fotografía desde adolescente, pero no fue hasta finales de 2012 que encontró su lugar como fotógrafo de la calle. Se estima que alrededor del 80 por ciento de sus retratos son con flash a la cara del sujeto fotografiado. Con el paso del tiempo está ampliando su perspectiva y temática.

La fotografía se ha convertido en una gran parte de su vida cotidiana. Casi el 100% de las fotos que hace son con cámaras analógicas de todo tipo, con película en blanco y negro en 35mm o 120 o diapositivas cuando se trata de color, y siempre con un 28mm de objetivo, pero no tiene limitaciones. Revela y positiva él mismo.

Sus cámaras (a veces bastante obsoletas) tienen una gran personalidad y producen grandes imágenes. No le importa si la cámara es grande, pero en realidad cuanto más grande, mejor, incluso utiliza cámaras de gran formato 8x10".

En el momento de la publicación de este artículo tiene en preventa en su web su libro A Day at the Races con fotos realizadas durante un período de 4 años (2012-2015) en uno de los hipódromos de trotones más prestigiosos del mundo, Elitloppet en Solvalla, Estocolmo.

 

 

Referencias

 

 

Libros

  • En dag på travet - A Day at the Races. 2015.

viernes, 8 de julio de 2016

Hoy hace 2 años: Heinz Hajek-Halke

Heinz Hajek-Halke fue un fotógrafo alemán (nacido el 1 de diciembre de 1898 en Berlín y fallecido el 11 de mayo de 1983, también en Berlín) que formó parte del grupo Fotoform que ejerció gran influencia durante la postguerra de la Segunda Guerra Mundial. Su fotografía es de corte experimental y se puede considerar próxima al arte abstracto.

Ripe Fruit © Heinz Hajek-Halke

Ripe Fruit © Heinz Hajek-Halke

 

Otros fotógrafos que se publicaron en este día fueron:

jueves, 7 de julio de 2016

Ernest Cole

Ernest Cole fue un fotógrafo sudafricano (nacido en 1940 en Eersterust, un suburbio de Pretoria, y fallecido en Nueva York el 18 de febrero de 1990) que fue el primer fotógrafo independiente negro de Sudáfrica, documentando fotográficamente el apartheid en este país en la década de los 60. Con audacia imaginativa, valor y compasión, retrató la vida cotidiana de los negros mientras sufrían las leyes y la opresión racista del apartheid.

 

© The Ernest Cole Family Trust

© The Ernest Cole Family Trust

 

Trescientos años de supremacía blanca en Sudáfrica nos han colocado en la servidumbre, nos han despojado de nuestra dignidad, robándonos nuestra autoestima y rodeándonos de odio.

 

 

 

Biografía

Ernest Levi Tsoloane Kole era un negro sudafricano, el 4º de los 6 hijos de un sastre y una lavandera. Dejó la escuela cuando la Ley de Educación Bantú se puso en marcha en 1953 y estudió por correspondencia hasta que no pudo pagárselo. Problemas de alimentación en su infancia hicieron que no superara los 1,5 metros de altura, y fuera clasificado para trabajos auxiliares como mensajero, repartidor de flores, etc.

Comenzó a hacer fotografías a una edad muy joven, y en la década de los 50 un misionero católico le regaló una cámara. En 1958, se presentó a un puesto de trabajo con la revista Drum. la única revista que se atrevía a informar de la vida en los guetos obligatorios para negros. Jürgen Schadeberg, el editor de imágenes, lo empleó como su ayudante, al mismo tiempo que comenzó un curso por correspondencia con el New York Institute of Photography.

Mientras trabajaba para Drum, Cole comenzó a mezclarse con otros talentosos jóvenes sudafricanos negros: periodistas, fotógrafos, músicos de jazz y líderes políticos del creciente movimiento contra el apartheid y se radicalizó en sus puntos de vista políticos. Pronto decidió implicarse en un proyecto que implicaba el registro del apartheid, y muchas de sus fotografías fueron tomadas a escondidas.

Después trabajó en el periódico Bantu World donde continuó su carrera como fotógrafo, trabajando como freelance para otros medios.

De piel no muy negra logró ser clasificado como "de color", en lugar de como “negro” y cambió su apellido Kole por Cole. Esto le permitía la posibilidad de viajar por Sudáfrica para realizar mejor su trabajo

Pero fue descubierto por la policía y tuvo que irse en 1966 a Europa y luego a Nueva York, sacando en secreto su proyecto apartheid con él. Mostró su trabajo a la agencia Magnum consiguiendo un contrato de edición. El libro resultante, House of Bondage (1967), fue prohibido en Sudáfrica, aunque entraron algunos ejemplares ilegalmente.

Más tarde recibió una beca de la Fundación Ford para otro libro, un estudio sobre familias negras en el sur rural y en el gueto urbano. Nunca se publicó aunque realizó una serie de fotografías.

Cole más tarde se trasladó a Suecia, donde hizo cine. Las fotos que había tomado del apartheid fueron ampliamente utilizadas por la ANC en sus diversas publicaciones. Pero a partir de 1975 las cosas le fueron mal y terminó por vivir en las calles y metro de Nueva York.

Murió de cáncer en Nueva York el 18 de febrero de 1990, a la edad de 49 años. Gran parte de su trabajo se perdió, pero unas copias de su trabajo llegaron a la Hasselblad Foundation gracias a la asociación sueca Tio Fotografer y su obra está volviendo a ser reconocida mundialmente en exposiciones, algunas retrospectivas y libros. También la Universidad de Ciudad del Cabo organiza desde 2011 el premio Ernest Cole Award.

Como ejemplo de sus exposiciones póstumas, podemos citar:

  • 2001 - Soweto – A South African Myth - Photographs from the 1950s (Alf Khumalo, Ernest Cole y Jürgen Schadeberg).
  • 2010 - Ernest Cole: Photographer en la Johannesburg Art Gallery.
  • 2012 - Everything Was Moving: Photography from the 60s and 70s en The Barbican Centre, Londres, con fotografías también de David Goldblatt.
  • 2014 - Ernest Cole: Photographer en la Grey Art Gallery de la Universidad de Nueva York.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

  • House of Bondage,1967
  • Defiant Images: Photography and Apartheid South Africa, (varios), 2009
  • The Photographer, 2010.

miércoles, 6 de julio de 2016

Hoy hace 2 años: Roger Mayne

Roger Mayne fue un fotógrafo Inglés (nacido el 5 de mayo de 1929 en Cambridge y fallecido el 7 de junio de 2014) famoso por su documentación de los niños de Southam Street de Londres.

© Roger Mayne

© Roger Mayne

Soy un fotógrafo documentalista, siempre he tenido el hábito de observar. Me atraían las áreas más pobres de la ciudad, donde la presencia de niños era muy evidente. La calle era como su propio patio, y siempre estaban dispuestos a ser fotografiados.

 

 

Otros fotógrafos que se publicaron en este día fueron:

martes, 5 de julio de 2016

Bryan Schutmaat

Bryan Schutmaat es un fotógrafo estadounidense (nacido en 1983 en Houston, vive en Brooklyn, Nueva York) que se centra principalmente en retratar la América rural, su identidad y los habitantes de las ciudades pequeñas de una manera poética.

 

Tonopah, 2012 © Bryan Schutmaat

Tonopah, 2012 © Bryan Schutmaat

 

Me gusta hacer alusión a las narrativas y transmitir las experiencias que tuvieron otros y que estimulan mis propias emociones.

 

 

 

Biografía

Bryan Schutmaat obtuvo una licenciatura en Historia en la Universidad de Houston en 2009, y un master en Fotografía en la Universidad de Hartford en 2012.

En su serie Western Frieze, recorrió el oeste de Estados Unidos, capturando paisajes e interiores en los pueblos somnolientos y ambientes solitarios. La cultura de la carretera de Estados Unidos juega un papel importante en la serie en la que no aparecen seres humanos, aunque su presencia se intuye. Sus imágenes no están destinadas a ser una pura documentación, sino más bien un retrato de lo que la identidad estadounidense significa para él.

Su última serie Grays the Mountain Sends  combina retratos, paisajes y bodegones en una serie de fotos que explora la vida de las personas que trabajaban y vivían en pequeños pueblos de montaña y en comunidades mineras en el oeste de Estados Unidos. Equipado con una cámara de gran formato, e inspirado por la poesía de Richard Hugo intenta insinuar narrativas y transmitir las experiencias de gente desconocida. En última instancia, este cuerpo de trabajo es una meditación sobre la vida de pueblo, el paisaje, y lo más importante, los paisajes interiores de los hombres comunes. Su publicación en libro ha tenido gran éxito y ha conseguido diversos premios.

Ha expuesto su obra ampliamente en todo el mundo. Podemos citar sus exposiciones en Center en Santa Fe, Photographic Resource Center en la Universidad de Boston y el Houston Center for Photography. Su obra forma parte de las colecciones permanentes del Baltimore Museum of Art, el Museum of Fine Arts de Houston y de numerosas colecciones privadas.

Ha sido premiado en 2013 con el premio 203 Flash Forward Emerging Photographer Award, primer premio en el CENTER’s 2013 Gallerist Choice Awards, el Aperture Portfolio Prize y el primer premio en el Daylight Photo Awards.

Su trabajo ha sido publicado en Hotshoe International, Vice, CNN, Aesthetica, PDN, Exit Magazine, Houston Chronicle, Spot, The New York Times Inc., Bloomberg Businessweek, Suddeutsche Zeitung y Collector’s Guide to Emerging Art Photography, entre otras revistas en papel y en línea.

 

 

Referencias

 

 

Libros

  • Grays the Mountain Sends, 2013
  • Islands of the Blest (editado con Ashlyn Davis), 2014.