jueves, 30 de junio de 2016

Hoy hace 5 años: Humberto Rivas

Humberto Luis Rivas Ribeiro fue un fotógrafo argentino (nacido en 1937 en Buenos Aires y fallecido el 7 de noviembre de 2009) que desarrolló la mayor parte de su actividad fotográfica en España y que mostraba en sus fotografías una pasión por dos géneros: el retrato y el paisaje, así como una preocupación por las huellas que el paso del tiempo deja tanto en los rostros y en los cuerpos como en los espacios y los objetos. Se le llamaba “el fotógrafo del silencio”.

 

María, 1979 (c) Humberto Rivas

© Humberto Rivas

 

Frente a un paisaje o un retrato o lo que sea yo no quiero ni puedo ser objetivo.

Yo era un loco del cine –pasión que aún conservo-, hasta tal punto que me hice socio de un lugar en el que proyectaban películas y al que acudía todos los días. Esa pasión por el cine trajo consigo el deseo de tener una cámara. Quería hacer fotos como las de las películas. Después de mucho insistir en ese deseo y ayudado por mi padre, compré una cámara de 35 mm, una Nikon, y no paré de hacer fotos.

 

 

Otros fotógrafos que se publicaron en este día fueron:

miércoles, 29 de junio de 2016

Yvon Buchmann

Yvon Buchmann es un fotógrafo francés (nacido en Goetzenbruck, Lorraine, vive en Battenheim, Alsacia) que con su estilo elegante y sutil, a través de su amor a la vida y al ser humano, expresa con gran sencillez la extraordinaria poesía de la vida cotidiana. 

 

© Yvon Buchmann

© Yvon Buchmann

 

 

 

Biografía

Yvon Buchmann tuvo su primera cámara en las manos a la edad de 7 u 8 años de edad, entregada por su padre. Esta pasión ha resistido el paso de los años. A pesar de haber tenido que dejarla de lado, debido a circunstancias de la vida, vuelve incansablemente a ella.

A la edad de 19, después de un accidente que le impuso temporalmente una silla de ruedas, Buchmann se formó en contabilidad, al mismo tiempo que dedicaba su tiempo libre a la fotografía y a forjar su mirada. Después de muchos puestos temporales, se convirtió, en la década de 2000, en webmaster. La vida sigue, e Yvon se convirtió en padre y trabajador sin tiempo para la fotografía, con duros trabajos en el cuarto oscuro que no le satisfacían, guardando su pasión casi treinta años en el armario.

En 2006, su esposa cayó enferma y sintió la necesidad de retomarla. Una noche estaba caminando bajo un puente y descubrió una inscripción que decía 'Mi juventud se escapa y la vida también".  Sin pensarlo, subió a casa, cogió su cámara e hizo esa foto, con la que ganó su primer premio.

Para él lo extraordinario de lo cotidiano es capturar momentos fugitivos, inmortalizar un instante único, mostrar atmósferas, dar a conocer los sentimientos de la gente. Junto con su poderosa sensibilidad gráfica, su talento para la manipulación de la luz y el enfoque que da a las líneas de los edificios modernos, así como a los paisajes y a las caras de la gente, llenándoles de vida, consigue que sus imágenes conecten emocionalmente de forma inmediata.

Gran parte de su trabajo lo realiza en blanco y negro, pero mientras estaba en 2015 en Dubái para recibir su 4º premio en la categoría General en el Hamdan International Photography Award (HIPA), ganó el Premio Sony Francia de la World Photography Organisation con una foto en color.

 

 

Referencias

 

 

Libros

martes, 28 de junio de 2016

Hoy hace 1 años: Mario Ayguavives

Mario Ayguavives es un escultor y fotógrafo aragonés (nacido en Zaragoza en 1968) que nos muestra una naturaleza no natural, rehecha y fabricada al gusto del consumidor, una imagen teóricamente más agradable al ojo humano, donde el gusto por la simetría y la repetición del hombre se exprime hasta crear un paisaje perturbador. Sus imágenes nos muestran una naturaleza globalizada, hecha al gusto del hombre, seriada y fabricada hasta la infinitud.

 

© Mario Ayguavives

© Mario Ayguavives

 

 

He querido mostrar a la ciudad completamente vacía y deshumanizada. Busco acentuar los volúmenes y despojarlos hasta dejarlos como una maqueta. Sin ninguna referencia al ser humano que es el que ha creado esa ciudad.

 

 

Otros fotógrafos que se publicaron en este día fueron:

lunes, 27 de junio de 2016

Nelli Palomäki

Nelli Palomäki es una fotógrafa finlandesa (nacida en 1981 en Forssa, vive y trabaja en Helsinki) cuyos retratos intemporales de niños y jóvenes revelan la fragilidad del momento. Sus fotografías tratan del crecimiento, la memoria y nuestra problemática forma de vernos a nosotros mismos. Uno de los temas cruciales en su retrato es nuestra mortalidad.

 

© Nelli Palomäki

© Nelli Palomäki

 

 

Luchamos contra nuestra propia mortalidad. Podemos negarlo, pero las fotografías están ahí para demostrar nuestro destino ineludible. La idea de envejecer es desgarradora.

 

 

 

Biografía

Nelli Palomäki se graduó en Diseño y Arquitectura en la Aalto University School of Art de Helsinki.

Componente de la Escuela de Helsinki, en su fotografía busca la magia perdida que antes era inherente a la fotografía en los días en que hacerse un retrato era algo especial. Sus retrato, mayoritariamente en blanco y negro desafían nuestro punto de vista de la cantidad de una fotografía puede revelar acerca de nosotros. La propia personalidad y las emociones del artista también se transfieren en sus obras. A través de su método de trabajo intensivo, Palomäki logra contactar con sus sujetos, a menudo sin mediar palabra. Los momentos de la toma se dedican al silencio, y la artista muchas veces ni siquiera comparte idioma con sus modelos.

Palomäki utiliza una antigua cámara réflex de objetivos gemelos desde el principio, cuando aún era una estudiante, que, por sus características técnicas y el formato 6x6 cm de la película le permite producir retratos suaves, reproduciendo fiel y sensualmente estructuras y superficies.

Sus obras han sido expuestas en numerosas exposiciones individuales y colectivas internacionales. Entre las primeras podemos citar: Breathing the Same Air  en el Ordrupgaard Art Museum de Copenhague en 2013, Nelli Palomäki en el The Finnish Museum of Photography en Helsinki en 2013, Sons of Nakhimov en el The Wapping Project Bankside en Londres en 2012, As time consumes us en el Discovery Award de Les Rencontres d’Arles en 2012 y en el Kulturhuset de Estocolmo en 2011, Elsa and Viola en Next Level Projects en Londres en 2011 y en Gallery TAIK en Berlín en 2009, I, Daughter en el Turku Art Museum de Turku en 2008.

Entre las colectivas incluimos las realizadas en el Helsinki City Art Museum, Hasselblad Foundation en Gothenburg, Bruce Silverstein Gallery en  Nueva York, Daegu Photo Biennale en Corea del Sur, The National Museum of Photography en Copenhague, Purdy Hicks Gallery en Londres y Aperture Gallery en Nueva York.

Su fotografía ha aparecido en diversas publicaciones como la revista TIME, British journal of photography, Independent magazine, New York Magazine, Zoom y Exit

En 2010 Palomäki obtuvo el segundo premio en la categoría de Retrato en los Sony World Photography Awards y el mismo año la Fundación Hasselblad le otorgó la beca Victor Fellowship Grant para estudiar en Londres. También fue seleccionada como uno de los jóvenes artistas emergentes para el proyecto reGeneration2–Tomorrow's Photographers Today.

Su obra forma parte de colecciones como Moderna Museet en Estocolmo, The Hague Museum of Photography, Hasselblad Foundation en Gotemburgo y en el Helsinki Art Museum. Está representada por la Gallery Taik Persons de Berlín y Filles del Calvarie en París.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

  • New Nordic Photography The Victor Fellowships 10 Year Anniversary Issue, 2014
  • Potretti. Photographs and Literature  from Finnish Artists and Writers (varios), 2014
  • Breathing the Same Air, 2013.
  • Face to Face (varios), 2012
  • Liisa Ihmemaassa. Alice in Wonderland (varios) 2011
  • The Helsinki School Vol. 4 - A Female View (varios) 2011
  • Daegu Photo Biennale 2010: Helsinki School (varios) 2010
  • Nelli Palomäki - Elsa and Viola, 2009

domingo, 26 de junio de 2016

Hoy hace 3 años: Luigi Ghirri

Luigi Ghirri fue un fotógrafo,  italiano (nacido en Scandiano el 5 de enero de 1943 y fallecido en Reggio Emilia, el 14 de febrero de 1992) que revolucionó la fotografía italiana, ganando una reputación de gran alcance como pionero y maestro de la fotografía contemporánea. Sus composiciones y los matices de sus fotografías sugieren sutiles tonos emocionales y una  manera meticulosamente rica de ver el mundo, así como el papel de las imágenes que contiene.

 

© The Estate of Luigi Ghirri

© The Estate of Luigi Ghirri

 

 

El encuentro diario con la realidad, la ficción, los aspectos ambiguos, poéticos o alienantes, todo parece impedir cualquier forma de salir del laberinto, cuyas paredes son cada vez más ilusorias ... hasta el punto en que podríamos fundirnos con ellas ... El sentido de lo que yo estoy tratando de hacer a través de mi trabajo es la verificación de la forma en que aún es posible desear y trazar un camino de conocimiento, para poder por fin de distinguir con precisión la identidad del hombre, de las cosas, de la vida, de la imagen del hombre, de las cosas y de la vida.

¿Cómo pensar en imágenes? Esta frase contiene el significado de todo mi trabajo.

 

Otros fotógrafos que se publicaron en este día fueron:

sábado, 25 de junio de 2016

Rafael Roa

Rafael Roa es un fotógrafo español (nacido en Madrid en 1955) cuya obra se ha centrado durante muchos años en el desnudo como herramienta de transgresión. Compagina su trabajo comercial con la enseñanza y el desarrollo su obra personal.

 

© Rafael Roa

© Rafael Roa

 

 

 

Biografía

Rafael Roa se formó en fotografía y vídeo experimental de manera autodidacta. Durante la década de los 80 fue codirector de Image, una galería de arte especializada en fotografía. Esta experiencia le dio un gran conocimiento de la fotografía contemporánea, y de la fotografía de los siglos XIX y XX.

Desde 1988 trabajó como fotógrafo y videocreador, exponiendo sus vídeos desde 2005. Su portfolio incluye fotografía de moda y retrato para las principales revistas españolas (Vogue, Elle, El País Semanal, Cosmopolitan, El Mundo Magazine, Blanco y Negro, Frau Japan …), publicidad y catálogos para las colecciones de los diseñadores nacionales más importantes.

Ante su cámara han posado celebridades nacionales e internacionales, artistas, gente del mundo de la cultura y la política (Paloma Picasso, Frank McCourt, Sean Connery, Rupert Everett, Penélope Cruz, Raimundo Amador, Cindy Crawford, Ryuichy Sakamoto, Caballero Bonald, Frank McCourt, José Carreras, Monserrat Caballé, Jose Luis Sampedro, Valentino, Celia Cruz, …).

Su obra se ha centrado durante muchos años en el desnudo como herramienta de transgresión, con las series Hidden Desires (1986-2003), compuesta por fotografías de desnudos en blanco y negro en las que el cuerpo se alza como el gran protagonista de un conjunto de historias abiertas que trascienden lo puramente racional, A Walk By The Wild Side (1988-2005). A Void Regard es una serie que reflexiona sobre la última mirada antes de morir, la violencia y lo efímero de la existencia.

Ha expuesto entre otros lugares en Arcomadrid 1983 y en PHotoEspaña 2000 en la colección Cualladó, en 2005 expuso en la Galleria Seno Guerrero de Ferrara (Italia) y en 2009, en el Museo Metropolitano y la Gallery Nights de Buenos Aires, así como en el Museo Municipal de Trelew, Chubut, también en Argentina.

Su obra ha sido reconocida con diversos premios, como el Primer Premio Becas Talleres de Arte Actual en Granada en 1986, el Segundo Premio FotoPres en la categoría de Deportes en 1990 y el premio de la i Bienal de Arte Contemporáneo de Chapingo en Ciudad de México en 2008. Su obra forma parte de las colecciones permanentes del Instituto Valenciano de Arte Moderno, en la colección Polaroid del Centro Andaluz de Fotografía y el National Center for Contemporary Arts de Moscú.

En 2005 empezó a trabajar con vídeo y a exponer sus videos a nivel internacional. Entre las proyecciones más importantes están las de su vídeo Souls Of the Shadows en el NCCA en Moscú 2007/09, I Bienal de Arte de Chapingo en México y Optica Festival de Gijón, Madrid, París, etc. Es una reflexión sobre la historia y las derrotas de las generaciones frente al poder. Forma parte de una trilogía con Slaves y Dogs.

Posee una profunda experiencia en la enseñanza de la fotografía, impartiendo cursos en universidades públicas y privadas, así como seminarios dirigidos a la formación de profesores especializados en las diferentes áreas de la imagen. Su blog muestra su siempre interesante visión de la fotografía contemporánea.

El 23 de junio de 2016 presentó su libro Dead Skin en La fabrica en Madrid.

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

viernes, 24 de junio de 2016

Hoy hace 3 años: Pere Formiguera

Pere Formiguera ha sido un fotógrafo, comisario y escritor catalán (nacido en Barcelona en 1952 y fallecido el 9 de mayo de 2013, también en Barcelona) considerado una de las figuras claves para entender la producción fotográfica realizada en España en las últimas décadas. Realizó retrato, color, blanco y negro, Polaroid, mezcló fotografía y pintura y formó parte de una generación de fotógrafos que su interés por la fotografía sobrepasó el ámbito de la creación y se adentró también en aspectos como la recuperación histórica, la promoción o la teorización.

 

© Pere Formiguera

© Pere Formiguera

 

 

Otros fotógrafos que se publicaron en este día fueron:

jueves, 23 de junio de 2016

Nicholas Scarpinato

Nicholas Scarpinato es un cineasta, escultor y fotógrafo estadounidense (nacido en Stafford, Virginia, vive en Los Angeles, California) cuya obra se compone de imágenes oníricas, que deambulan entre la realidad y la ficción, creando fragmentos de historias y escenas que intrigan al espectador.

 

© Nicholas Scarpinato

© Nicholas Scarpinato

 

 

 

Biografía

Nicholas Scarpinato estudia Arte en la Virginia Commonwealth University (VCU). Está en el departamento de fotografía y cine, centrándose en la realización cinematográfica. La universidad tiene sus cosas buenas y malas: está rodeado de artistas increíbles con los que puede colaborar e intercambiar ideas, pero, a veces, puede ahogar su creatividad.

Nicholas elige para fotografiar imágenes que cuenten una historia, secretos que están esperando a ser descubiertos, un recuerdo o un lugar en el tiempo. La captura fotográfica inicial es importante, pero el proceso creativo que sigue es el factor distintivo en su obra. Sus imágenes están diseñadas para ampliar los límites intelectuales de la fotografía surrealista, en un marco con aura del pasado, con una mirada vintage.  La naturaleza casi siempre presente se apodera de su obra, como si fuera el eje desde el cual se desprenden sus historias. Los personajes aparecen en actitud de desidia, como si cedieran a su situación dejándose ganar por una fuerza más grande que ellos mismos.

En 2012 fue el ganador del Canon Project Imagination (Ron Howard Films), teniendo una exposición individual en Foode, fue VCU Ambassador, y publicó portadas en Nees y Voss, así como en Cold Mountain Review Magazine.

En 2013 fue clasificado como uno de los 5 mejores fotógrafos por United Colors of Benetton, uno de los 10 jóvenes fotógrafos con talento por mymodernmet.com, y apareció en la portada de la Poictesme Literary Magazine.

 

 


Referencias

miércoles, 22 de junio de 2016

Hoy hace 5 años: Letizia Battaglia

Letizia Battaglia es una fotógrafa y fotoperiodista italiana (nacida en 1935 en Palermo, Sicilia) que, junto con su pareja por largo tiempo Franco Zecchin produjo muchas de la imágenes que se han convertido en iconos que representan a Sicilia y a la mafia por todo el mundo.

 

Rosaria Schifani (c) Letizia Battaglia

 

 

La libertad es algo extraordinario e inconmensurable. Nadie puede obligarte a vivir de un modo que tú no quieras. Nadie. Yo siempre me he visto como una criatura libre, siempre he sentido que tengo derecho a la libertad.

Vivo a través de mi cámara fotográfica. Es un trozo de mi corazón, una extensión de mi intuición y mi sensibilidad.

 

 

Otros fotógrafos que se publicaron en este día fueron:

martes, 21 de junio de 2016

Melanie Einzig

Melanie Einzig es una fotógrafa estadounidense (vive y trabaja Nueva York) que, con un trasfondo en el arte y fotoperiodismo, muestra en sus trabajos de fotografía callejera su amor de la estética, su interés por las personas y su capacidad de identificar los momentos dramáticos clave de cualquier tipo de evento. Trabaja silenciosa y discretamente con el fin de registrar los momentos más auténticos de una manera natural.

 

© Melanie Einzig

© Melanie Einzig

 

 

 

Biografía

Melanie Einzig creció en los suburbios de Minneapolis, Minnesota, donde la vida era muy tranquila y controlada. Inicialmente se interesó en el arte y la poesía. Comenzó a hacer fotografía de calle a los 15 años, "sin darse cuenta de qué era lo que estaba haciendo”.

Ha trabajado en muchos medios diferentes a lo largo de la escuela secundaria y la universidad. Cuando se mudó a Nueva York en 1990, cogió una cámara y empezó a documentar lo que le interesaba. Las calles eran muy emocionantes, llenas de vida, variedad y de posibilidades.

Después estudió fotografía, pero mayormente experimentaban con el cine y los ordenadores. Poco después de graduarse, le dieron un trabajo en Associated Press. Un editor vio algunos de sus trabajos en blanco y negro, le dio veinte rollos de película en color y le dijo que hiciera algunas fotos. A partir de entonces, 1997, no ha dejado de trabajar en color.

Después de estar como asistente de Joel Meyerowitz, con treinta años, decidió "poner un montón de tiempo y esfuerzo en hacer fotos en la calle".

Aunque cubre inauguraciones de exposiciones, galas, bodas, presentaciones, reuniones y fiestas familiares, su obra está ligada principalmente a la vida cotidiana. Sólo en raras ocasiones sale específicamente a "disparar". Sus mejores fotografías han sido conseguidas yendo o volviendo de trabajar, o caminando hacia algún otro destino.

Sus imágenes han sido impresas en los libros sobre fotografía, en muchas publicaciones nacionales e internacionales, así como en informes anuales y boletines de instituciones y organizaciones.

Su trabajo personal ha sido expuesto a nivel internacional y sus fotos forman parte de colecciones como las del Art Institute of Chicago, e-space del San Francisco Museum of Modern Art y de la  Brooklyn Historical Society y otras colecciones privadas. Recibió la beca de la Fundación Aaron Siskind por su trabajo Midtown que se muestra en la Zero Zone.

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

Su trabajo ha sido incluido en diversos libros como:

lunes, 20 de junio de 2016

Hoy hace un año: Thomas Dodd

Thomas Dodd es un artista visual y fotógrafo estadounidense (con sede en Atlanta, Georgia) que ha desarrollado un estilo (que él llama fotomontaje pictórico) ​​con el que trata principalmente temas míticos y cuasi-religiosos que rinden homenaje a las tradiciones artísticas de los Antiguos Maestros, elaborando al mismo tiempo arquetipos psicológicos que evocan una fuerte respuesta emocional del espectador.

 

Echo, 2011 © Thomas Dodd

Echo, 2011 © Thomas Dodd

 

 

Definitivamente estoy más influenciado por los pintores que por los fotógrafos. Adoro a Rembrandt y Caravaggio por la forma como representan la luz y los tonos de piel, Giuseppe Arcimboldo por su fusión de plantas y formas humanas, los prerrafaelitas por su representación de los mitos y la belleza femenina y quizá la mayor influencia sobre mí viene de los simbolistas, porque unieron perfectamente lo metafórico y la belleza en sus obras.

 

 

 

Otros fotógrafos que se publicaron en este día fueron:

domingo, 19 de junio de 2016

Richard Tuschman

Richard Tuschman es un fotógrafo estadounidense (nacido en 1956 en Nueva York, donde vive y trabaja) que empezó a experimentar con la imagen digital en la década de los 90, desarrollando un propio estilo que sintetiza sus intereses en el diseño gráfico, la fotografía, la pintura y el collage.

 

© Richard Tuschman

© Richard Tuschman

 

Siempre me ha gustado la forma en que sus pinturas [Edward Hopper], con una economía de medios, son capaces de hacer frente a los misterios y complejidades de la condición humana.

 

 

Biografía

Richard Tuschman estudió Bellas Artes en la Universidad de Michigan. Se especializó en la impresión y en el grabado, centrándose en particular en los procedimientos fotográficos utilizados para la reproducción impresa como el fotograbado y la fotolitografía. Desde entonces, se ha utilizado la fotografía como una herramienta indispensable para su práctica artística, básicamente centrado en el collage y la impresión.

Gracias a los avances de la tecnología digital y la invención de software creativo como Photoshop, que ha llevado a cabo muchos experimentos en el campo del diseño gráfico. Este último le permitió desarrollar un estilo que sintetiza tanto su atracción por la fotografía y por la pintura y el montaje, creando poéticas fotografías, imágenes para portadas de libros, revistas, publicidad y exposiciones.

Su trabajo digital ha encontró una amplia audiencia en el sector comercial, y su obra ha aparecido en páginas de revistas, informes anuales, cubiertas de libros y catálogos para clientes como Adobe Systems, The New York Times, Penguin, Sony Music, Newsweek y Random House, entre otros.

Su obra ha sido reconocida con numerosos galardones, como American Photography, Print, AIGA,
Photo District News, American Illustration, Critical Mass top 50, Kontinent, Exposure Awards 2013
de Lensculture y el Prix de la Photographie en Paris.

Su serie Hopper Meditations combina maquetas en miniatura construidas a mano combinadas a la perfección con modelos humanos de la vida real, inspirados en las pinturas de Edward Hopper. En Once Upon a Time in Kazimierz cuenta la historia de una familia judía en la Polonia de los años 30, combinando también maquetas realizadas a mano con personajes reales.

Ha realizado numerosas conferencias sobre su técnica artística y proceso creativo y ha enseñado en el Cuyahoga Community College en Cleveland, la University of Akron School of Art y el Ringling College of Art + Design en Sarasota, Florida).

 

 

Referencias

sábado, 18 de junio de 2016

Hoy hace 7 años: Diane Arbus

Diane Arbus (Diane Nemerov) fue una fotógrafa estadounidense (nacida el 14 de marzo de 1923 en Nueva York y fallecida el 26 de julio de 1971 en Greenwich, Nueva York) que presentaba lo normal como monstruoso: cuando fotografiaba el dolor, lo encontraba en personas normales. Provocaba que la gente presuntamente normal apareciera como anormal. Rompía la composición, situando al personaje en el centro.

 

 Eddie Carmel, Jewish Giant, taken at Home with His Parents in the Bronx, NY, 1970 (c) Diane Arbus

 

Hasta que estudié con Lisette, yo soñaba con fotografiar en lugar de hacerlo. Lisette me aconsejó disfrutar cuando fotografiaba, así que comencé a hacerlo, y después aprendí a disfrutar del propio trabajo de fotografiar. También me advirtió que me sentiría culpable por ser mujer..., culpable porque nunca creí que podría llegar a comprender la mecánica de la cámara. Siempre había creído que los pintores sentían la imagen mucho más que un fotógrafo, porque trazaban cada línea sobre un lienzo, y eso me molestaba. Lisette me habló de cuán antigua era la cámara fotográfica y de que la luz imprime una imagen en la capa de plata de la película, al igual que lo hace la memoria.

Una fotografía es un secreto acerca de un secreto. Cuántas más cosas te dice, menos cosas sabes.

 

 

 

Otros fotógrafos que se publicaron en este día fueron:

    viernes, 17 de junio de 2016

    Justyna Neryng

    Justyna Neryng es una fotógrafa polaca (nacida en 1981 en Chelmsko, vive en Brighton and Hove, Inglaterra) cuyo trabajo (retrato y autorretrato) representa la lucha del individuo por la identidad y las emociones fuertes que están detrás de esta lucha.

     

    JustynaNeryng

    Childhood Lost VIII © Justyna Neryng

     

    Para mí, cada imagen es un mundo y puedes inventar miles de historias llenas de detalles sobre cada personaje. Y estoy segura de que cada espectador ve diferentes historias en cada fotografía.

     

     

    Biografía

    Justyna Neryng pasó gran parte de su infancia dibujando y jugando desde los 5 años con las cámaras de su padre y revelando en el cuarto oscuro, mientras recorría los bosques de Chelmsko próximos a la frontera checa, creando sus propios mundos imaginarios. En la adolescencia se centró más en la costura con su abuela. Estudió diseño de moda pero finalmente volvió a la fotografía.

    Ya adulta, madre e inmigrante en Gran Bretaña, su fotografía ha florecido en el tema del retrato, donde aparece el espíritu oscuro del bosque de su infancia, así como la condición de mujer moderna. Sus fotografías son personales y eróticas por naturaleza, pero también son a la vez oscuras y vulnerables. Su uso de la luz y del color transmite una sensación de aislamiento del mundo material y la alienación del verdadero ser, capturando el alma del sujeto, no su apariencia. Su trabajo representa la lucha del individuo por la identidad y las emociones fuertes, que están detrás de esta lucha.

    Ha realizado numerosas exposiciones en Inglaterra y Polonia, y ha obtenido diversos premios entre los que podemos citar el Peaches & Cream III en Millennium Images en Londres en 2013 y medalla de oro en The Royal Photographic Society en 2011.

    Todas sus fotografías son realizadas en estudio. En su reciente serie Childhood Lost fotografía a su hija barrocamente vestida jugando a los personajes de su infancia, como si fueran autorretratos de ella misma a esa edad, explorando la naturaleza del retrato y la memoria. Las imágenes son estéticamente inspiradas en los retratos de la Edad de Oro de la pintura holandesa. con la esperanza de dar un toque intemporal a las imágenes finales.

     

     

     

    Referencias

    jueves, 16 de junio de 2016

    Hoy hace 2 años: Elina Brotherus

    Elina Brotherus es una fotógrafa finlandesa (nacida en 1972 en Helsinki, vive en París y Helsinki), que trabaja también con video. Los  elementos fundamentales de sus obras son ella misma y los paisajes abiertos mostrando experiencias subjetivas, como la presencia y la ausencia de amor. Actualmente trata cuestiones más formales en su serie The New Painting.

     

    © Elina Brotherus

    © Elina Brotherus

     

     

    Hice la serie Wedding Portraits (Retratos de boda, 1997) cuando me casé, Divorce Portrait (Retratos de divorcio, 1998) cuando me divorcié, y I hate sex (Odio el sexo, 1998) cuando tuve ese sentimiento. No estaba mostrando diversos papeles de la mujer, sino mi propia vida, e intentaba captar algo genuino y verdadero sobre ella en las fotos.

     

     

     

    Otros fotógrafos que se publicaron en este día fueron:

    miércoles, 15 de junio de 2016

    John Loengard

    John Loengard es un fotógrafo estadounidense (nacido en 1934 en Nueva York) con una larga y exitosa carrera en la que ha desempeñado diversos papeles relacionados con la fotografía, siendo fotógrafo, editor de imágenes, mentor y oráculo, comisario, historiador, crítico, enseñante y estudioso.

     

    JohnLoengard

    Georgia O’Keeffe en her Roof © John Loengard

     

     

     

    Biografía

    John Loengard se interesó en la fotografía a la edad de once años, cuando, al final de la II Guerra Mundial, su padre habló de comprar una nueva cámara. Comenzó a hacer fotografías para el periódico de la escuela secundaria. En 1956, estando en la Universidad de Harvard, la revista Life le pidió fotografiar un carguero encallado en Cape Cod. John se uniría al personal de la revista Life en 1961, realizando diversos encargos como los de Georgia O'Keefe, The Shakers, un día en Miami con una nueva banda llamada The Beatles, Vanishing Cowboy, … y de 1973 a 1987 realizó las labores de editor de imágenes de esta revista.

    Cuando la revista Life suspendió su publicación semanal en 1972, Loengard se convirtió en editor de imagen de diez Special Reports semestrales de Life. También fue editor de imagen del equipo de desarrollo de Time Inc, que mensual. En 1986, esta publicación ganó el primer premio "Excelencia en Fotografía" dado por la American Society of Magazine Editors. Loengard continuó como editor de imagen de Life hasta 1987.

    En 2004 recibió el Lifetime Achievement Award Henry R. Luce otorgado por Time Inc  En 2005 la revista American Photo le reconoció como "una de las 100 personas más influyentes en la fotografía".

    Ha sido profesor en el International Center for Photography en Nueva York, The New School for Social Research en Nueva York y en talleres en todo el país. Su trabajo se encuentra en colecciones de instituciones como la National Portrait Gallery en Washington, D.C., Center for Creative Photography en Tucson, Arizona, International Center of Photography en Nueva York, Nueva York; la Menil Foundation en Houston, Texas, y George Eastman House en Rochester, Nueva York.

    Alguna de sus fotografías, incluyendo sus ensayos The Shakers y Georgia O’Keeffe, son actualmente consideradas clásicos.

    En noviembre de 2016 se publicará en Inglaterra y EEUU por Thames & Hudson su nuevo libro Moment By Moment, una colección retrospectiva de sus fotografías de finales de lo años 60. 

     

     

    Referencias

     

     

    Libros

    martes, 14 de junio de 2016

    Hoy hace 4 años: Gisèle Freund

    Gisèle Freund fue una fotógrafa francesa (nacida el 19 de diciembre de 1908 en Schöneberg, cerca de Berlín y fallecida el 30 de marzo de 2000 en París) comprometida políticamente desde muy joven, y que hizo de su cámara un arma cargada de futuro. Fotógrafa peculiar y socióloga de la fotografía y las gentes, luchó no sólo por la dignidad de la mujer, sino por la de todos los seres humanos, habiendo escrito, además, importantes textos sobre fotografía.

     

    © Gisèle Freund

    © Gisèle Freund

    Una fotografía nunca puede decir más de lo que ve el fotógrafo. El verdadero valor de una fotografía depende de la habilidad del fotógrafo para seleccionar, entre un cúmulo de detalles que llaman la atención y que confunden a la vez, aquellos que le parecen los más característicos. Los conocimientos técnicos no son decisivos, lo más importante es saber ver.

    No sé por qué los seres humanos se cubren los genitales cuando el rostro es lo más desnudo que tenemos.

    La fotografía es la total falsificación de la realidad.

     

     

    Otros fotógrafos que se publicaron en este día fueron:

    lunes, 13 de junio de 2016

    Margo Ovcharenko

    Margo Ovcharenko es una fotógrafa rusa (nacida en 1989 en Krasnodar, vive en Nueva York) que hace retratos de jóvenes rusos de su edad, sus amigos cercanos y gente contactada a través de las redes sociales, con los que comparte su vida y sensaciones y en los que se adivina un poco de sí misma.

     

    © Margo Ovcharenko

    © Margo Ovcharenko

     

    No digo que siempre pueda mostrar [en una fotografía] los pensamientos y las experiencias internas de una persona, pero me las arreglo para hacerlo más a menudo que otros artistas.

     

     

     

    Biografía

    Margo Ovcharenko ya realizaba retratos con 17 años y quería eliminar la pose y que fueran naturales.  Estudió en la Escuela Rodchenko de Fotografía y Multimedia de Moscú. Realizó una residencia en Fabrica (el centro de investigación de comunicación del grupo Benetton) en Treviso, Italia, y recientemente otras 2 residencias en Estados Unidos. Está representada por la galería Russiatearoom en París y por Pop/Off/Art en Moscú.

    En su obra anhela revelar la vulnerabilidad de las frágiles personas que fotografía. Con la inspiración de la luz, el color y el uso de la percepción semejante a las pinturas del siglo XIX, se propone acortar la distancia entre el sujeto y el espectador.  La luz y el silencio son sus grandes aliados creando tensión y un sentido de violencia inminente, pero sin brutalidad, mientras retrata la transición entre la juventud y la edad adulta.

    Su trabajo ha sido expuesto internacionalmente en exposiciones individuales y colectivas en Suiza, Dinamarca, Estados Unidos, Rusia y Francia. Expuso individualmente en el Museo de Arte Moderno de Moscú como parte del Seventh Moscow International Festival: Fashion and Style in Photography 2011.

    Fue seleccionada para la exposición colectiva itinerante reGeneration2 - Tomorrow's Photographers Today por los comisarios del Museo de l'Elysée, y también en la exposición colectiva Hope en el New York Photo Festival de 2011.

     

     

    Referencias

    domingo, 12 de junio de 2016

    Hoy hace 7 años: Pierre Gonnord

    Pierre Gonnord es un fotógrafo francés (nacido en 1963 en Cholet y que desde 1988 vive y trabaja en Madrid) cuyas obras parecen de Murillo, Caravaggio o Velázquez, pero sus personajes son gentes de hoy en día.

     

    (c) Pierre Gonnord

     

    Comencé mi proyecto en 1999. La fotografía era para mí un salvavidas, una oportunidad de ir hacia el otro, de acercarlo. Ni siquiera me planteé la cuestión: comencé por un retrato. Era un pretexto para vivir “otra cosa”, para investigar los destinos humanos por muy distintos que pudieran ser.

    Fui a buscar en mis contemporáneos, con los que cruzaba en el anonimato de las grandes ciudades, de las cosas que experimentaba alrededor y en mi. Decidí también dejar hablar a mi inconsciente dándole rienda suelta.

     

    Otros fotógrafos que se publicaron en este día fueron:

    sábado, 11 de junio de 2016

    Robert Rutöd

    Robert Rutöd es un fotógrafo y cineasta austriaco (nacido en 1959 en Viena) muestra en su obra su capacidad de detectar lo extraordinario y lo absurdo en la vida cotidiana, mostrando nuestras vidas rutinarias como algo único. “Sus momentos decisivos” son a veces tan surrealistas que el espectador está dispuesto a dudar de su autenticidad.

     

    © Robert Rutöd

    © Robert Rutöd

     

     

     

    Biografía

    Robert Rutöd inicialmente se dedicó a la pintura, pero a partir de 1978 su atención se volcó a la fotografía. Las obras de estos años más tarde, en 2010, aparecieron con algunos de sus textos absurdos en grayscales, early b&w photographs.

    Entre 1979 y 1993, escribió y dirigió cortometrajes, que se proyectaron en varios festivales internacionales de cine. A mediados de los años 90, empezó a dedicarse al diseño de libros y aplicaciones para los nuevos medios digitales. En 2004 regresó a la fotografía y desde el año 2009 presenta sus imágenes a un público más amplio.Su trabajo fotográfico ha sido expuesto en Europa, Estados Unidos y Asia.

    Su proyecto Right Time Right Place trata el tema de estar en el lugar correcto en el momento adecuado, a lo que se asocia generalmente con la felicidad y el éxito. Está formado por una colección de fotografías que ha hecho en los últimos cinco años en sus viajes por Europa, girando en torno a si es posible que una persona esté en el lugar correcto en el momento adecuado. ¿Es el estado ideal de espacio y tiempo algo se nos adjudica o se trata de un estado temporal por el que pasamos sin ser conscientes de nuestra buena fortuna?

    Right Time Right Place ha sido galardonado con el premio especial del Centro Checo de Fotografía, una foto de la serie ganó el New York Photo Award en 2012 en la categoría Artística y ha sido Artista del Año en el Dong Gang International Photo Festival en 2015 de Corea del Sur.

     

     

    Referencias

     

     

     

    Libros

    • 2015 Right Time Right Place
    • 2014, Milky Way
    • 2010, grayscales, early b&w photographs
    • 2009, Less Is More.

    viernes, 10 de junio de 2016

    Hoy hace 6 años: Clarence H. White

    Clarence Hudson White fue un fotógrafo estadounidense (nacido el 8 de abril de 1871 en West Carlisle, Ohio, y fallecido el 7 de julio de 1925 en Ciudad de Méjico) cofundador de la corriente de la Photo-Secession. Su trabajo tuvo gran reconocimiento por sus retratos pictorialistas y por ser profesor de fotografía.

     

    Alvin Landon Coburn and his Mother, 1909 (c) Clarence H. White

     

     

    Otros fotógrafos que se publicaron en este día fueron:

    jueves, 9 de junio de 2016

    Ando Fuchs

    Ando Fuchs es un fotógrafo austriaco (nacido en Innichen, Italia, vive en Sillian) que realiza fotografía en blanco y negro, principalmente de calle, aunque también realiza paisaje y retrato. Uno de sus trabajos más reconocidos es su serie sobre de Venecia, donde capta su belleza de una forma etérea.

     

    © Ando Fuchs

    © Ando Fuchs

     

     

     

    Biografía

    Ando Fuchs tuvo su primer contacto con la fotografía mediados los 80. Su primera cámara fue un regalo de un amigo, una Nikon FT que todavía utiliza a veces.

    La fotografía le permite ver el mundo con otros ojos. Las características más importantes de cree que deben tener sus fotos son expresión, atmósfera y contenido, siendo lo menos importante la  calidad técnica. Su meta es hacer que la audiencia "sienta" la imagen. Si es capaz de lograr esto, lo siente como un éxito personal y queda satisfacción con su trabajo.

    Por lo general, realiza fotografía digital, pero a veces también analógica. Le gusta el ambiente de las calles con o sin gente y la relación entre la ciudad y sus calles y la gente.

     

     

    Referencias

     

     

     

    Libros

    miércoles, 8 de junio de 2016

    Hoy hace 3 años: David Nebreda

    David Nebreda es un fotógrafo español (nacido en Madrid el 1 de agosto de 1952) que convierte su cuerpo en protagonista de su obra artística, en un registro del dolor y testimonio de una enfermedad mental. Su obra muestra la construcción de una identidad a partir de la destrucción del cuerpo para lograr un renacimiento.

     

    © David Nebreda

    © David Nebreda

     

     

    No leo, no veo la televisión, no escucho música, no tengo ordenador, ni conexión a Internet. Paso la mayor parte de mi tiempo en la cama.

     

    Mi contacto con el mundo exterior ha destruido mi sentido del orden y me ha suscitado palabras, hasta ahora desconocidas para mí, como vergüenza, dolor o disgusto provocado. Quiero hacer hincapié en ello: sólo ahora descubrí el significado de palabras como asco, vergüenza u odio.

     

     

    Otros fotógrafos que se publicaron en este día fueron: