jueves, 31 de marzo de 2016

Jesús Micó

Jesús Micó es un fotógrafo andaluz (nacido en Cádiz en 1962, vive en Barcelona) que se dedica a  la creación, gestión, investigación y docencia de la fotografía.

 

© Jesús Micó

© Jesús Micó

 

 

 

Biografía

Jesús Micó es licenciado en Medicina por la Universidad de Cádiz (UCA) y doctor en Bellas Artes (especialidad de fotografía) por la Universidad de Barcelona (UB) con una tesis sobre teoría semiótica de la imagen fotográfica (utilizando como recurso artístico su propia obra como fotógrafo) titulada Natura Hominis: Escenarios (1997-2009), una propuesta de investigación y de creación. Vive en Barcelona desde hace poco más de una década.

Especialista en Teoría e Historia de la Fotografía, durante una década ha sido profesor en la Escuela Universitaria de Fotografía de la Universitat Politècnica de Catalunya y desde hace años imparte clases en el Máster Internacional de la escuela EFTI (Madrid) y en el Grado Universitario en Fotografía de la Universitat Abat Oliba ceu (Barcelona, Escola Idep).

Actualmente combina la enseñanza de la fotografía con su obra personal, la investigación y el comisariado de exposiciones de autores noveles. Desde 2007 es comisario de la Kursala, sala de exposiciones de la Universidad de  Cádiz, y responsable de su colección Cuadernos de la Kursala, con la que ha llegado a ser una figura clave del llamado boom del fotolibro español de estos últimos años. Los Cuadernos de La Kursala han permitido la publicación de obras fundamentales como Afronautas de Cristina de Middel, Ostalgia de Simona Rota (premio al mejor fotolibro del año en PHE 2014, Noray de Juan Valbuena, La caza del lobo congelado de Ricardo Cases, … .

Entre 1990 y 1995 se propuso realizar un exhaustivo archivo contemporáneo de la vida cotidiana de su ciudad natal, proyecto que se materializó en Cádiz, fin de milenio, compuesto por 15.000 imágenes en blanco y negro, y que estuvo presente en la Primavera Fotogràfica de Catalunya en Barcelona en 1996. De principios de los 90 es también Natura hominis: taxonomías, un ensayo sobre el cuerpo humano que cuenta con cerca de 400 imágenes pensadas para realizar una vasta desmitificación del cuerpo y que se expuso en cerca de una veintena de ciudades españolas y latinoamericanas: entre otras, se exhibió en galerías como Fòrum en Tarragona, H2O en Barcelona, Canal Isabel II y Fundación Canal Isabel II en Madrid, Museo de Antropología (antiguo MEAC) en Madrid, Patio de Escuelas en la Universidad de Salamanca, Sala de Caja Madrid en Barcelona, MUSAC en León, etc. La inauguración fue en el Patio de Escuelas de la Universidad de Salamanca (con edición de fotolibro en la mítica colección Campo de Agramante dirigida por Alberto Martín). Las muestras del Canal Isabel II de Madrid y del MUSAC de León fueron comisariadas por Rafa Doctor (el célebre director del museo).

Actualmente trabaja en su obra Natura hominis: escenarios (interludios fotografiados y filmados de biografía), un proyecto muy extenso que comenzó en 1997 y que a día de hoy continúa en pleno desarrollo, constituyendo un diario personal autobiográfico con enormes imágenes fotográficas (algunas alcanzan los 8 metros del lado mayor) compuestas de cientos de disparos ensamblados a manera de mosaico, con pequeñas piezas videográficas y con textos que acompañan tanto a las imágenes como a los vídeos.

Con imágenes realizadas en ciudades como Barcelona, Cádiz, Madrid, Lisboa, Marraquech, Hannover, Hamburgo, Nueva York, México DF, Utrecht, Roma, París, etc., es un trabajo en el que la presencia protagonista del cuerpo vuelve a ser elemento fundamental de su trabajo. Este proyecto, entre otras ciudades y galerías, se ha expuesto en los Fotoencuentros de Murcia en 2008 y dentro de la colectiva Ocultos (2007-08), organizada por el Canal de Isabel II en Madrid.

Entre otras instituciones públicas y privadas, posee obra en la Colección del Ayuntamiento de Alcobendas, la Fundación Provincial de Cultura de la Diputación de Cádiz y en el Centro de Arte Dos de Mayo de Móstoles en Madrid.

 

 

Referencias

 

 

Libros

miércoles, 30 de marzo de 2016

Heidi Lender

Heidi Lender es una fotógrafa estadounidense (nacida en New Haven, Connecticut, en 1966, vive a caballo entre Amagansett, Nueva York y Garzón, Uruguay) cuyas curiosas y excéntricas fotografías, con su agudo ojo para la moda, el diseño interior y la fotografía, nos hablan sobre la historia universal de viajar a través, mayormente, de autorretratos.

 

 

© Heidi Lender

© Heidi Lender

Lo que comenzó como un proyecto fotográfico semanal autoimpuesto: “subida en un banco, cada lunes, viste algo bonito", se transformó en un cuento fotográfico de investigación del “quien soy yo” a través de diversos entornos y vestimenta.

Pese a que mi madre trabajaba y atendía el hogar, siempre lo hizo con estilo. Ella nunca salía de casa sin lápiz labial y delineador, y siempre mantuvo su cita en el salón de belleza todos los viernes. Así era mi mamá.

Biografía

Heidi Lender fue periodista de moda para revistas de USA, escribiendo artículos y organizando sesiones de fotos para revistas nacionales. Con una licenciatura en prendas de vestir y textiles en la Cornell University, su trabajo cubría desde diseño de interiores, comida, viajes y estilo en Nueva York, Londres y París

Una búsqueda espiritual la llevó a India con su perro Bubba, donde vivió 8 años a tiempo parcial estudiando yoga, que luego enseñó en San Francisco en su propio estudio. En 2009, finalmente se encontró, detrás de la lente de su primera réflex digital, con la fotografía y jubiló su boli y su profesorado de yoga para hacer fotos.

Heidi es miembro del colectivo online, Six Shooters, y actualmente obsesionada por instagram.

Su serie Once Upon es un diario visual de una asignatura autoimpuesta con tres reglas: “Súbete a algo, asegúrate de que sea lunes y viste algo bonito”. En ella podemos ver a Lender en diferentes espacios, interiores y exteriores, con un montón de ropa diferente y en diferentes países y lugares: habitaciones de hoteles, mercados. Paseos sin destino que, de alguna manera, nos recuerdan el sentimiento de encontrarse de nuevo. Entre sus destinos estuvieron la India, Sudamérica y las algunas montañas de Norte América. Retratos sin rostro y texturas sobrepuestas, provocan una sensación de objetividad y libertad con la que es fácil identificarse.

She Can Leap Tall Buildings es un homenaje a su madre y a todas las mujeres que hacen de todo y todo lo hacen bien. Es una serie de 15 fotografías en la que la protagonista es ella caracterizada con una peluca negra y manteniendo siempre el rostro oculto. Con esta acción la artista intenta representar a todas las mujeres que casi de forma simultánea son esposas, madres, hijas y trabajadoras. Sobre un fondo blanco intervenido con un dibujo, Lender aparece desempeñando labores propias del hogar como cocinar, lavar los platos, atender a los niños o lavar la ropa pero también se representa haciendo labores de oficina, como maestra e incluso como fotógrafa.

En Road Trip había planeado capturar sus luchas personales mientras que cruzaba la ruta 66 con sus campos secos y cactus pero, afortunadamente, las mientras buscaba descubrió llanuras vacías, fascinantes montañas a la distancia y el elenco más ecléctica de personajes de los Estados Unidos.

 

 

 

Referencias

martes, 29 de marzo de 2016

Helena Price

Helena Price es una narradora y fotógrafa estadounidense (nacida en New Bern, Carolina del Norte, vive en San Francisco, California). Alta, pálida y la mitad-noruega, realiza fotografía comercial, editorial y retratos.

 

© Helena Price

© Helena Price

Las cosas cayeron en su sitio mucho antes de lo esperado ... Todo lo que hago ahora es hacer fotografías y contar historias, lo que es mi sueño. No puedo creer que sea real.

 

 

 

Biografía

Helena Dagmar creció  en una pequeña ciudad de Carolina del Norte llamada New Bern, donde no había mucho que hacer aparte de jugar entre arbustos, disparar pistolas de aire comprimido a latas de refrescos y hacer fotos. Su padre fue el que le metió en la fotografía, pues documentaba todo con cámaras desechables de 35 mm; con 6 años, empezó ella también a fotografiar, y luego a comprar y obsesionarse con sacar fotos a todo. Eran fotos terribles de sus amigos y en la escuela era “la chica con la cámara desechable”.

En la Universidad de Raleigh tomó la fotografía más en serio y en las vacaciones acompañaba como fotógrafa en las giras a varias bandas y contando sus historias de carretera, en sus blogs de Myspace.

Después de su graduación, se trasladó a San Francisco para hacer un master de fotografía. Como no tenía dinero con otro amigo acompañaron 2 meses la gira de las bandas de Carolina del Norte, Bowerbirds y Megafaun, haciendo fotos, escribiendo historias y promocionándolas en Internet.

De vuelta en San Francisco, familiarizada con la tecnología de la escena musical, la contrató un sello discográfico y entró rápidamente en la escena tecnología empresarial, dejando aparcada la fotografía. Al cabo de varios años, decidió dejar su carrera tecnológica y perseguir su sueño de ser fotógrafo a tiempo completo. Y ¡funcionó!

Ha trabajado para Dropbox, Nike, Path, Designer Fund, Photojojo, Rdio, Samsung, Square, Uber, Yammer, Facebook, Fitbit, Google, Microsoft, Pinterest, Twitter y muchos otros.

Al cabo de dos años, fue nombrada "El fotógrafo más buscado de Silicon Valley".  Su trabajo ha sido publicado en Communication Arts, The New York Times, Complex Magazine, Inc, Refinery29, …, y el Huffington Post la nombró una de los "30 fotógrafos más influyentes en la Web".

 

 

Referencias

lunes, 28 de marzo de 2016

Builder Levy

Builder Levy es un fotógrafo estadounidense (nacido en Tampa, Florida, en 1942) cuyo trabajo, entrelazando documental social, fotografía de la calle y fotografía artística, trata de celebrar el espíritu humano, presentando principalmente la vida y el trabajo de las comunidades mineras del carbón a través de sus fotografías en blanco y negro.

 

© Builder Levy

© Builder Levy

Biografía

Builder Levy nació en Tampa, Florida, y se crio en Brooklyn, Nueva York. Obtuvo una licenciatura en Arte en el Brooklyn College de la City University de Nueva York (1964), donde estudió pintura con Ad Reinhardt, fotografía con Walter Rosenblum e historia del arte con Milton Brown. Estudió en la Photo League y en el programa de fotografía de la Farm Security Administration, en relación con su master en la enseñanza del arte en la Universidad de Nueva York (1966).

Su estrecha amistad con Paul Strand y Helen Levitt añaden una visión de su papel y posibilidades como artista. Trabajó como profesor de adolescentes en situación de riesgo en Nueva York durante 35 años, fotografiando los entornos de sus estudiantes.

Ha sido galardonado con numerosas becas, como las John Simon Guggenheim Memorial Foundation, Alicia Patterson Foundation, National Endowment for the Arts, Puffin Foundationfin y J.M. Kaplan Fund. Recibió dos encargos de la Appalachian College Association.

Además de sus libros publicados, su obra está presente en más de treinta libros de fotografías.

Sus fotografías forman parte de más de 80 colecciones como Elton John Photography Collection, Museum of Fine Arts de Houston, High Museum of Art, International Center of Photography, Metropolitan Museum of Art Watson Library, Brooklyn Museum, Museum of the City of New York, Chrysler Museum of Art, John and Mable Ringling Museum of Art, Victoria and Albert Museum, Ruhrland Museum y Bibliothèque Nationale de París.

Su trabajo ha aparecido en más de 200 exposiciones, incluyendo más de 50 individuales. Como ejemplo, el High Museum of Art incluyó parte de su obra más icónica en la exposición Road to Freedom: Photographs of the Civil Rights Movement, 1956–1968. El  Rubin Museum of Art en la Ciudad de Nueva York contó con sus fotografías en Mongolia: Beyond Chinggis Khan. Participó en la exposición Coal + Ice de Asia Society en Shanghái en 2015. Su exposición Appalachia USA se realizó en Ringling Museum of Art en Sarasota, Florida, también en 2015. Developing Nations se mostró en Flomenhaft Gallery de Nueva York en 2012 y su reciente retrospectiva en la  Arnika Dawkins Gallery  de Atlanta en 2015.

 

 

Referencias

 

 

Libros

domingo, 27 de marzo de 2016

Dani Olivier

Dani Olivier es un fotógrafo francés (nacido en 1969, vive y trabaja en París) cuya obra reciente son los desnudos abstractos, composiciones que logra mediante la proyección de patrones en sus modelos, junto con el movimiento y deformaciones ópticas.

 

© Dani Olivier

© Dani Olivier

 

 

 

Biografía

Dani Olivier se graduó en la Escuela de negocios HEC de París, donde estudió matemáticas y gestión de educación pero desde adolescente su gran afición era la fotografía, revelando con 15 años sus propias fotos en el cuarto oscuro. Creó el Grupo Multimedia de Prensa en 1997, una editorial especializada en revistas y libros en el mercado francés. 

Entre 2000 y 2006, Olivier trabajó en autorretratos digitales. Pedía a sus modelos utilizar una cámara digital para captar su primer autorretrato desnudo, para capturar un momento único que no pueda ser reproducido.

Pero su principal obra fotográfica se basa en el trabajo experimental realizado desde 2007 y potenciado desde 2014, en el que crea los efectos, proyectando imágenes complejas y patrones de luz intrincados sobre sus modelos. Olivier nunca retoca los originales. Sus modelos están desnudas, sin ningún tipo de accesorios y con un maquillaje mínimo, y las imágenes son realizadas sobre un fondo negro sin ningún tipo de artefacto que interfiera, solo la modelo y la proyección de luz, ya sea abstracta o figurativa. El resultado es siempre surrealista y psicodélico.

Ha realizado diversas exposiciones en Kiev, Moscú, París, Arles y Los Ángeles.

 

 

Referencias

 

 

Libros

  • Nus abstraits, 2011
  • Nus abstraits et psychédéliques, 2011
  • Anthologie de la photo de nu de Dani Olivier, 2012
  • Nus corps et âme, 2015.

sábado, 26 de marzo de 2016

Laurisa Galvan

Laurisa Galvan es una fotógrafa estadounidense (vive en Dallas, Texas) que se ha sumergido en los últimos años en la cultura del South Central de Dallas, una zona oprimida de la ciudad, con el fin de crear una representación fiel de sus residentes. 

 

© Laurisa Galvan

© Laurisa Galvan

 

 

Biografía

Laurisa Galvan estudió Bellas Artes en la University of New Mexico en Albuquerque. Con  24 años de edad, ha pasado los últimos dos años sumergiéndose en la cultura barrio South Central de Dallas, una zona oprimida de la ciudad, con el fin de crear una representación tan fiel de sus residentes como sea posible.

Su obra resultante es sorprendente por su autenticidad y profundidad. Galván ha llevado al límite sus propios límites y los de otras personas. Algunas le han permitido ser parte de sus vidas. A veces se ha expuesto a situaciones peligrosas al tratar de capturar imágenes visuales que representen la marginación social, ya que la zona es muy desfavorecida. Poblada en su mayoría por afroamericanos, las tasas de criminalidad, la dependencia de las drogas y la apatía son altas.

Ha realizado diversas exposiciones en grupo, y en solitario expuso South Central Dallas en Mighty Fine Arts Gallery de Dallas en 2014.

 

 

 

Referencias

viernes, 25 de marzo de 2016

Juan Pablo de Miguel

Juan Pablo de Miguel es un fotógrafo español (nacido en Alicante, vive en Almería) para el que la  fotografía es una manera de entender el mundo. Especializado en fotografía panorámica y paisajes artísticos de toda Europa que capturan parte de la esencia de estos lugares y puedan hacer sentir al espectador que está cerca de ellos durante un momento.

 

© Juan Pablo de Miguel

© Juan Pablo de Miguel

 

 

 

Biografía

Juan Pablo de Miguel tuvo contacto de niño con la fotografía, pues su padre tenía una cámara bastante buena y siempre sintió una curiosidad tremenda por ella. Ya con 10/12 años empezó a usarla en algunos viajes familiares y se enganchó para siempre. Usó de adolescente compactas, una réflex Canon AV-1 con 18 años, talleres de revelado analógico en la Universidad de Granada y así sigue, apasionado desde siempre al arte, la música, el dibujo, la pintura, la lectura de literatura fantástica y ciencia ficción, evidentemente la fotografía y casi cualquier disciplina artística que exista, como puede ser la caligrafía antigua.

Rodeado de ordenadores desde muy pequeño, la transición a la digital se produjo sin esfuerzo y tomó contacto con Photoshop hace años, lo que le permite desarrollar sus propias técnicas de procesado.

En los últimos años ha ganado diferentes premios internacionales (como la Medalla de Oro en el tema Paisaje en el Trierenberg Supercircuit de 2015)  y obtenido varias menciones de honor por sus fotos de paisajes y arquitectura. Su trabajo puede verse en portadas de revistas como GEO, Indonesia Colors y Camerapixo, exposiciones nacionales e internacionales como 100 Wonders of the World en San Petersburgo y también en prensa.

Imparte talleres de procesado de fotografía de arquitectura en blanco y negro y de fotografía de paisaje.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

jueves, 24 de marzo de 2016

José Vázquez Paz

José Vázquez Paz fue un fotógrafo gallego (nacido en A Coruña en 1896 y fallecido en 1935) cuya obra estuvo centrada principalmente en la captación de paisajes del litoral gallego y de retratos marineros de extremo realismo. Destacó, además de por su calidad como pionero de la fotografía documental y sus composiciones, por la impecable técnica de laboratorio que utilizó en el positivado.

 

Niña. La Coruña, 1923. José Vázquez Paz

Niña. La Coruña, 1923. José Vázquez Paz

 

 

Biografía

José Vázquez Paz nació en una familia de la pequeña burguesía coruñesa, y fue gerente administrativo, teniendo en la fotografía su principal afición, llevando su cámara y su trípode a todos sus viajes y paseos.

Al igual que el otro gran fotógrafo coruñés y discípulo suyo, Inocencio Schmidt de las Heras, se sirvió de las técnicas más vanguardistas del momento: virado al oro, bromóleo, tintas grasas (procedimiento precursor del bromóleo, que se hacía por contacto y antes había que preparar el papel y la emulsión), carbón fresson y otros medios químicos, para acercarse al efecto visual de la pintura. En 1923 expuso en París y un año después participó, junto con José Ortiz-Echagüe, en el Salón Internacional de Bruselas.

Su legado, olvidado tras su fallecimiento, no fue considerado importante por su familia, y sus viejas cámaras, originales positivados y gran cantidad de negativos, todo lo que no fue heredado por Schmidt de las Heras, acumularon polvo en el desván familiar hasta que, tras la muerte de éste, fue recuperado en los años 80 por uno de sus nietos, José Caruncho, constatando cómo en la Galicia de aquélla época fueron utilizados los métodos de laboratorio más avanzados del momento.

La Galería Cuarto Oscuro de Ferrol, propiedad de Manuel Vilariño, expuso una muestra de este material recuperado para la historia en el año 1983.

 

 

Referencias

 

 

Libros

miércoles, 23 de marzo de 2016

Leila Alaoui

Leila Alaoui fue una videoartista y fotógrafa franco-marroquí (nacida en París el 10 de julio de 1982 y fallecida en Uagadugú, Burkima Faso, el 18 de enero de 2016) cuyas imágenes expresaban realidades sociales utilizando un lenguaje visual que combinaba la profundidad narrativa de la narración documental y la sensibilidad estética de las bellas artes, logrando plasmar la dignidad y el orgullo que emana de las personas olvidadas por los medios, el poder y el resto de la sociedad.

 

© Leila Alaoui

© Leila Alaoui

 

 

 

Biografía

Leila Alaoui nació en París, de padre empresario marroquí y madre fotógrafa francesa, y se crio en Marrakech. Cuando cumplió 18 años, se trasladó a Nueva York para estudiar fotografía en la City University of New York. Luego regresó a Europa y se trasladó a Marruecos en 2008, realizando viajes regulares a Beirut y París.

Consideró que la fotografía y el arte podían ser utilizados para el activismo social, optando por centrar su trabajo en las realidades sociales, de identidad nacional y diversidad cultural, la migración y el desplazamiento forzado. Una de sus técnicas más comunes era la de establecer un estudio portátil en un lugar público como una plaza o un mercado, e invitar a los transeúntes interesados en ser fotografiados.

Su trabajo fue exhibido en la Bienal de Marrakech en 2012 y 2014, Art Dubai y en Nueva York, Berlín, Beirut, Túnez, Luxemburgo, Argentina, Países Bajos, España y Suiza. Sus fotos se han publicado en The New York Times y en la revista Vogue. Su obra forma parte de las colecciones del Museo de Qatar y de la Société Générale.

En 2013, creó una videoinstalación titulada Crossings, que describe los viajes de los marroquíes que viajan a Europa, que se exhibió en el Museo de Fotografía y Artes Visuales de Marrakech en 2015, y en el Festival de Video de El Cairo en 2015. Las fotografías de este proyecto se expusieron en la Semana de Arte de Luxemburgo en 2015, y en la Maison Européenne de la Photographie (MEP) en París en 2015-2016, como una exposición titulada Les Marocains. También formó parte de la primera Bienal de Fotografía en el Mundo Árabe Contemporáneo, celebrada en París en 2015

En 2015, completó un trabajo fotográfico titulado Everyday Heroes of Syria, en el Líbano, Jordania e Irak, centrándose en los sirios que viven en los asentamientos de refugiados. El proyecto fue un encargo del Danish Refugee Council, la European Commission Humanitarian Aid Office y ActionAid.

A comienzos de 2016, cuando se encontraba realizando un encargo para Amnistía Internacional, fotografiando sobre los derechos de las mujeres en Burkina Faso, fue gravemente herida en los atentados del 15 de enero en Uagadugú y falleció 3 días después

 

 

 

Referencias

martes, 22 de marzo de 2016

Pavlos Fysakis

Pavlos Fysakis es un fotógrafo griego (nacido en 1969 en Atenas, donde vive y trabaja) que busca encontrar formas alternativas de investigación y documentación, un nuevo tipo de fotografía que narre la vida cotidiana de las gentes.

 

© Pavlos Fysakis

© Pavlos Fysakis

 

 

 

Biografía

Pavlos Fysakis fotografía para prensa y enseña fotografía en la Focus Athens School of Art & Photography y el Centro de Rehabilitación para la Drogadicción en el Hospital Psiquiátrico de Ática. Ha trabajado para las revistas Kathimerini y Epsilon Magazine.

Es cofundador de los colectivos artísticos KOLEKTIV8 y Depression Era. Éste último, desde 2011, ha estado documentando el paisaje social de la crisis griega a través de imágenes y textos. El objetivo del colectivo es crear un archivo vivo y una comunidad artística y activa a través de exposiciones internacionales, discusiones abiertas, seminarios gratuitos y otras acciones.

Preocupado con la idea de límites, Pavlos está interesado en el orden humano de las cosas, en el constante debate sobre la solidez o fluidez de los límites territoriales, culturales, sociales y personales que nos definen y nos posicionan dentro de una sociedad. En esa búsqueda, crea relatos imaginarios a través de una exploración geográfica del espacio, la cultura, la identidad y la documentación de los fenómenos sociales como son la urbanización, el aislamiento y la transición.

Su serie, Nea Helvetia (Nueva Suiza) trata de la ciudad Nea Helvetia en Ática, que, a diferencia del país del mismo nombre, está barrida por la contaminación, la pobreza y el abandono. Hace poco tiempo en la zona había fábricas que empleaban a la clase obrera para generar capital para los ricos, pero ahora experimenta la desintegración violenta de un mundo que fue próspero y que ahora recoge, literal y metafóricamente, desperdicios y escombros.

En Land Ends: The Four Extremes of Europe documenta 4 lugares extremos de las fronteras de Europa: Gavdos en Grecia, Finnmark en Noruega, los Urales en Rusia y Sintra en Portugal, en un intento de examinar la esencia de la identidad europea y la importancia de las fronteras internacionales dentro de ella. Resultado de dos y medio años de viaje, es un testimonio y narración a través de un punto de vista personal, una re-invención de los viajes y de la fotografía de paisaje, lejos del cliché del gran reportaje clásico, en búsqueda de las fronteras y la identidad, retratando estos espacios geográficos y también a sus habitantes, donde los encuadres limpios y los paisajes vacíos reflejan el desierto y el aislamiento.

 

 

Referencias

 

 

Libros

  • Land Ends - Photographs from the Borderlands of Europe.

lunes, 21 de marzo de 2016

Bryan Formhals

Bryan Formhals es un fotógrafo estadounidense (nacido el 18 de octubre de 1976 en St. Cloud, Minnesota, vive en Nueva York) que sigue la tradición de la fotografía callejera que explora el entorno urbano y la forma en que los seres humanos interactúan con él.

 

© Bryan Formhals

© Bryan Formhals

 

 

 

Biografía

Bryan Formhals estaba obsesionado con los deportes siendo niño, especialmente con el béisbol. Jugó durante toda la secundaria. pero no era muy bueno. En la universidad estudió periodismo y comunicaciones, mientras pensaba convertirse en escritor. Al segundo año en la universidad, dejó definitivamente el béisbol, y comenzó a leer libros y escribir una poesía horrible.

Tras graduarse en la Universidad de San Juan en Collegeville, Minnesota, buscando empleo se encontró con el primer estallido de la burbuja tecnológica y se tuvo que trasladar a Minneapolis, donde empezó a trabajar en empresa web que monitorizaba Internet para empresas de relaciones públicas. Por la noche escribía guiones.

Tras una crisis existencial, se fue a vivir al desierto, a Phoenix, luego a California donde estuvo escribiendo comedia y terminó un guion antes de que otra crisis, ésta de escritura, en 2005 le llevara a coger una cámara sencilla y a salir a fotografiar en las calles de Hollywood y el centro de Los Ángeles. Se unió a Flickr y al grupo Hardcore Street Photography, dando comienzo a su carrera en la fotografía.

Formhals ha compaginado, a veces con dificultades, su práctica fotográfica, con el mundo editorial y la escritura de artículos sobre fotografía y con el asociacionismo y la animación de grupos de fotógrafos. Así comenzó en 2007 el grupo La pura vida en Flickr. De vuelta a Nueva York, Greenpoint, en 2009, fundaría la revista LPV Magazine en papel y digital, cuyo primer número apareció en 2011 y su último, el 7º en 2013.

En 2011 comenzó a trabajar en B&H Photo. Siempre en movimiento, escribe en revistas y sitios online como americanphotomag, shootingstreetshow.com, ..., es un miembro fundador del colectivo strange.rs. Sigue activo en Tumblr, donde publica fotos y citas que encuentra en la web. Edita un podcast de entrevistas, lpv show, que ya va por la 3ª temporada.

Ha publicado junto con Stephen McLaren el libro Photographers Sketchbooks. Durante los últimos años ha estado fotografiando en Queens y está particularmente intrigado por el área alrededor de Willow Lake.

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

  • Photographers Sketchbooks, con Stephen McLaren.

domingo, 20 de marzo de 2016

Daniel Naudé

Daniel Naudé es un fotógrafo sudafricano (nacido en 1984 en Ciudad del Cabo, donde vive) que contempla la naturaleza del dominio del hombre sobre los animales, y la forma en que las historias de las personas, los animales y el paisaje se han entrelazado durante siglos.

 

© Daniel Naudé

© Daniel Naudé

 

 

 

Biografía

Daniel Naudé  se graduó una licenciatura de Artes Visuales en la Universidad de Stellenbosch, en 2007.  Fotografía zonas rurales y desiertas de Sudáfrica, todavía sin tocar por los efectos de la globalización voraces. Ha viajado por todo el país para realizar un retrato naturalista. Amante de la vida silvestre, quiere compartir un conocimiento de la relación entre el hombre y el mundo animal. También proyecta una imagen en su luz singular sobre una parte de la historia de Sudáfrica que brilla en cada uno de sus viajes y en cada uno de sus encuentros.

En su serie Animal Farm, Naudé explora pequeñas historias dentro de la historia de Sudáfrica en la que intervienen animales domésticos. Una parte está realizada recorriendo la ruta que realizó el artista-explorador Samuel Daniell, en 1800, que emprendió un viaje desde Ciudad del Cabo a Leetakoe, para documentar el paisaje, la gente y los animales. En sus conversaciones con personas durante sus viajes por carretera Daniel reunió muchas historias e información adicional acerca de cómo los animales pueden representar y ser un símbolo de una cultura. Un animal muy presente en su obra es el perro asilvestrado Africanis, descendiente de los perros del antiguo Egipto.

Participó en el Aardklop National Arts Festival en Potchefstroom en 2012. Ha realizado numerosas exposiciones en grupo, y entre las exposiciones en solitario podemos citar: Bower Birds  (2014), Sightings of the Sacred: Cattle in India, Uganda and Madagascar  (2012-2014) y Animal Farm (2007-2012)

En 2009 fue incluido en Talent, la edición especial anual de la revista FOAM. En 2011 participó en el programa de residencia en el Anderson Ranch en Aspen, Colorado. Ha participado también en la Bienal de Lyon, La vie moderne, en 2016.

 

 

Referencias

 

 

Libros

  • Animal Farm,  2012.

sábado, 19 de marzo de 2016

Maroesjka Lavigne

Maroesjka Lavigne es una fotógrafa belga (nacida en 1989, vive y trabaja en Gante) que intenta establecer cómo las personas hacen frente a la abrumadora presencia de la naturaleza y cómo esta relación se mantiene.

 

© Maroesjka Lavigne

© Maroesjka Lavigne

 

 

 

Biografía

Maroesjka Lavigne obtuvo un master en fotografía en la Universidad de Gante, en 2012.

Su trabajo ha sido mostrado en la exposición Foam Talent en Ámsterdam, el premio Photoacademy en Den Haag, Holanda, en la galería 44 en Brujas, Robert Mann en Nueva York, Galerie Abrazo en París y Museo San Guislain en Gante, entre otros. Fue la ganadora del premio Emerging Talent Awards 2014 de Lens Culture y del Harry Penningsprijs de Eindhoven en 2015.

Para su proyecto ísland de 2012, tras visitar la isla en verano, pasó cuatro meses en Islandia, conduciendo por su cuenta a través de los desolados y florecientes paisajes de invierno y primavera, en busca de esos momentos en los que el color, la luz y la materia se funden en la imagen perfecta. Auto-publicó este trabajo en un libro con el mismo nombre en 2012 y en 2014 se publicó una versión de postales.

En su serie Land of Nothingness, Maroesjka revela la soledad y la quietud en el paisaje rígido y pálido de Namibia, representando el árido desierto en colores delicadamente silenciados, llamando la atención sobre sorprendentes signos de vida en la inmensa y vacía tierra, una manada de animales salvajes aquí, una pequeña figura y su sombra allí, las retorcidas ramas de los árboles torcidos que emergen de la tierra. Con 12 años había realizado un safari en Kenia y tenía que volver a África.

En 2015 ha realizado el encargo Not seeing is a Flower en colaboración con el centro Flandes en Osaka, que se ha publicado en el catálogo Facing Japan.

 

 

Referencias

 

 

Libros

  • ísland, 2012.
  • Postcardset Ísland, 2014.

viernes, 18 de marzo de 2016

Valentín Vallhonrat

Valentín Vallhonrat es un fotógrafo español (nacido en Madrid en 1956) cuyo trabajo se centra inicialmente en la revisión del concepto de álbum como un posible prototipo del archivo, para discutir posteriormente la noción de autoría y el diálogo con una tradición de documentación fotográfica.

 

© Valentín Vallhonrat

© Valentín Vallhonrat

 

 

 

Biografía

Valentín Vallhonrat estudió Geografía e Historia y Ciencias de la Información en la Universidad Complutense de Madrid. Desde 1986 colaboró como fotógrafo de moda con Vogue en sus ediciones alemana, inglesa, portuguesa, italiana y japonesa, trabajando en múltiples campañas publicitarias de  ámbito nacional e internacional.

En 1990 se le concedió el premio Cecil Beaton de fotografía. Además de su trabajo personal, en los años 90 montó un laboratorio fotográfico especializado en tirajes de alta calidad para múltiples exposiciones por todo el mundo.

Asociado con Rafael Levenfeld desde 1996, ha desarrollado una importante labor de archivo y conservación de colecciones fotográficas. Juntos han comisariado diversas exposiciones y editado libros. También es asesor del Museo Universidad de Navarra.

Valentín Vallhonrat aborda sus temas como un coleccionista de esquemas que se repiten en lugares y situaciones diversos. Su trabajo se plasma en series de sólida unidad formal y conceptual entre las que figuran Sueño de animal (1989), donde lo vivo y lo muerto sirven como modelo. o Cristal oscuro (1992), un análisis de la naturaleza humana a partir de su representación, que sentó las bases de toda su producción posterior, crítica con los modelos de una realidad construida por la cultura a modo de imágenes simbólicas. En esta línea se enmarcan Room for love (1998), una particular búsqueda de huellas en escenarios rituales, Faces for love (1998), primerísimos planos de bocas de maniquíes con los que reflexiona sobre el canon de belleza impuesto por Hollywood; o Moonlight (2003), reconstrucción de paisajes de peregrinación turística.

Su obra ha sido expuesta en museos como el Museo Español de Arte Contemporáneo de Madrid (Tender Puentes en PHotoEspaña en 2007), el Museo de Arte Contemporáneo de Sevilla, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Room for love en 2000), The Museum Moscow House of Photography, el National Museum of Photography de Bradford, Palau de la Virreyna de Barcelona (Vuelo de ángel en 2004) y en galerías como Elba Benitez de Madrid (Moonlight en 2003),  y Visor de Valencia.

 

 

Referencias

 

 

Libros

jueves, 17 de marzo de 2016

Miguel Ángel Tornero

Miguel Ángel Tornero es un artista plástico y fotógrafo andaluz (nacido en Baeza, Jaén, en 1978, vive y trabaja en Madrid) cuya obra está caracterizada en las reflexiones sobre el "hecho fotográfico" como objeto artístico. Valiéndose del collage y del propio medio fotográfico, sus propuestas son de carácter esencialmente experimental.

 

digital collage _ 2014 © Miguel Ángel Tornero

digital collage _ 2014 © Miguel Ángel Tornero

 

 

 

Biografía

Miguel Ángel Tornero Cruz se licenció en Bellas Artes en 2001 por la Universidad de Granada. Su interés por la cámara le viene de tradición familiar.

Su obra, hasta el momento, se centra en el collage como forma de representar la vida, en el desarrollo del proceso creativo como forma de entender el acto artístico y en la práctica de la disciplina fotográfica como herramienta de expresión poco disciplinada.

Su herramienta de trabajo es una pequeña cámara digital compacta, que puede llevar siempre encima y que es similar a la de cualquier aficionado. Con ella acumula fotografías de su día a día, donde “todo vale potencialmente”, todo es susceptible de ser documentado porque “el acto de fotografiar no es el fin en sí mismo”. La mayoría de los fotógrafos persiguen momentos, los capturan y ya está. Pero Tornero no colecciona instantes, los almacena para darles una segunda oportunidad y reconstruirlos en forma de collage.

En una primera etapa realizaba sus fotomontajes de forma digital, situando a diferentes personajes fuera de su entorno, en paisajes nocturnos, con un estilo definido por el uso del flash y con largos títulos que nos invitaban a construir historias. En una segunda etapa, manteniendo los flashazos como lenguaje fotográfico y el suspense como atmósfera narrativa, el collage es manual y las figuras comienzan a desaparecer y se descomponen en miembros mutilados y espacios ausentes. En sus últimos trabajos (The Random Series) ha vuelto al collage digital de su vasto archivo, pero de una forma un tanto azarosa, mezclando sus imágenes con un sencillo programa de creación de panorámicas, cuyo resultado es inesperado al juntar imágenes que no forman realmente una panorámica.

En 2003 resultó ganador del prestigioso Premio ABC de Fotografía. En 2004 obtuvo la Beca Casa de Velázquez de Madrid, y residencias artísticas en lugares como la Academia de España en Roma en 2012/13 y Künstlerhaus Bethanien en Berlín en 2010. Fue ganador en 2007 del primer premio de fotografía Purificación García, el Generaciones 2008 para proyectos artísticos, en 2011 ganó el Grünenthal, así como en 2013 en Premio Estampa de la Casa Velázquez

Ha expuesto en ciudades como Sevilla, Valencia, Barcelona, São Paulo, París, Milán, Londres, México, Miami o Madrid.  Entre sus exposiciones individuales destacan Querido Imprevisto en 2012 en la Galería Juan Silió de Santander, The Random Series - berliner trato en 2010 en la Künstlerhaus Bethanien de Berlín, y Por ahora todo va bien en 2007 en la Galería Luis Adelantado de Valencia.

 

 

 

Referencias

  • su página web miguelangeltornero.net (ES, EN [+240f 1v]),
  • Miguel Ángel Tornero en wikipedia,
  • Miguel Ángel Tornero en juansilio [8f],
  • The Random Series - berliner trato, romananzo & madrileño trip, [10f 1v],
  • Entrevista a Miguel Ángel Tornero en plataformadeartecontemporaneo [6f],
  • Miguel Ángel Tornero – The Random Series -berliner trato- en 30y3 [19f],
  • La fotosíntesis creativa de Miguel Ángel Tornero en elasombrario [1f],
  • The Random Series – Berliner Trato en dalpine [5f],
  • Miguel Ángel Tornero en elcultural [1f],
  • Miguel Ángel Tornero: “Photography is a living being” en bjp-online (EN [5f]),
  • El foto-collage digital de Miguel Ángel Tornero en duran-subastas [4f 1v],
  • Miguel Ángel Tornero. Pretérito Imperfecto Compuesto en criticaenelmargen [1f],
  • Miguel Ángel Tornero en facebook [?f].

     

     

     

    Libros

    • 2005, 100 Fotógrafos Españoles. Exit.
    • 2006, Arte emergente en España de Manuela Villa.
    • 2010, The Random Series - berliner trato
    • 2014, The Random Series - berliner trato, romananzo & madrileño trip
    • 2015, Photography Is Magic de Charlotte Cotton.
  • miércoles, 16 de marzo de 2016

    David Vasilev

    David Vasilev es un fotógrafo búlgaro (nacido en Stara Zagora en 1981) que recorre partes olvidadas de los Estados Unidos, intentando capturar cápsulas de tiempo llenas de puro instinto y huellas arcaicas de una naturaleza humana que sigue intacta.

     

    © David Vasilev

    © David Vasilev

     

     

    Observar es pasar más tiempo mirando a través de la lente que fotografiando. Así es como yo consigo momentos de la realidad difíciles de alcanzar en una única imagen.

    Nunca olvidaré los niños. Un día, una chica con ojos curiosos se me acercó en silencio y preguntó: "¿Usted ha visto el mar?"

     

     

     

    Biografía

    David Vasilev nació en Stara Zagora, donde pasó sus primeros años. Desde que era un niño pequeño, siempre estaba rodeado de reporteros gráficos, siendo su padre uno de ellos. Esto tuvo un gran impacto en su percepción del mundo, y la fotografía se convertiría en una herramienta necesaria para su autoexpresión.

    Crecer en un barrio culturalmente mixto  le ha definido como persona y como fotógrafo. Ha capturado el espíritu humano en bruto en personas apartadas de la sociedad y que siente alegría y tristeza sólo por sobrevivir, con una sencillez que nos falta a nosotros.

    Después se trasladó a los Estados Unidos donde inició un extenso viaje para encontrar la inspiración en los contrastes culturales de América del Norte. Sigue sus instintos sin mirar hacia atrás, lo que le lleva a lugares fascinantes. En un viaje, mientras fotografiaba a la tribu Lakota en las Grandes Llanuras de Dakota del Sur,  se encontró con una colonia de hutteritas, una comunidad de pacifistas de habla alemana con raíces que se remontan al siglo XVI.

    Sintió su hospitalidad sincera al instante, incluso cuando no podían entender por qué estaba allí ni qué era la fotografía. Viven una existencia humilde que David quería conservar en el documento. Con el tiempo, se acostumbraron a que estuviera allí, y su presencia fue ignorada gradualmente. Sólo entonces se permitió fotografiar su esencia: el carácter real de su vida cotidiana, creando una memoria visual de este tiempo y lugar.

     

     

    Referencias

    martes, 15 de marzo de 2016

    Maria Kanevskaya

    Maria Kanevskaya es una fotógrafa rusa (nacida en marzo de 1987 en San Petersburgo, Rusia, vive en San Francisco, EEUU) que trata de crear un mundo diferente a través de fotografías, un mundo que no existe, pero que algunas personas puede querer ser parte de él.

     

    © Maria Kanevskaya

    © Maria Kanevskaya

     

     

     

    Biografía

    María Kanevskaya obtuvo una licenciatura en Dirección de Hoteles en la Universidad Estatal de Economía y Finanzas de San Petersburgo. En 2010 se trasladó a San Francisco para estudiar Inglés y compró una cámara sin pensar que enseguida se entusiasmaría por este medio. Poco después se apuntó a la  Academy of Art de San Francisco, para conseguir una formación técnica y desarrollar una fotografía práctica disciplinada.

    María está influenciada por la visión de los sueños y la vida cotidiana, recuerdos de la infancia, interacciones con las personas, sentimientos y películas y obras de otros artistas.

     

     

     

    Referencias

    lunes, 14 de marzo de 2016

    Chris Dorley-Brown

    Chris Dorley-Brown es un director de cine y fotógrafo inglés (nacido en 1958, vive en Londres) que ha trabajado principalmente con la fotografía, desarrollando imágenes de archivo a través de una serie de proyectos que estudian diversas temáticas como la arquitectura, la salud, la regeneración, la inmigración y el "paisaje cívico".

     

    © Chris Dorley-Brown

    © Chris Dorley-Brown

     

     

    Biografía

    Chris Dorley-Brown se formó como fotógrafo con Red Saunders a principios de los 80 y luego estableció su propio estudio en el East End de Londres, barrio en el que ha vivido y trabajado durante los últimos treinta años. Su formación cultural tuvo lugar a finales de los años 70, en un contexto de conflicto político fuertemente polarizado y cambiante.

    Comenzó a documentar este área de Hackney, fotografiando sus calles y la vida cotidiana, construyendo un documento contundente de la pluralidad evolución de la zona, del proceso rápido y profundo de reconstrucción que han caracterizado los cambios de su espacio físico y de la mezcla cambiante de las culturas.

    Era consciente de que estaba presenciando el final de una era que se había iniciado en el siglo XIX, esencialmente una revolución industrial y de fabricación. Los muelles acababan de cerrar y en realidad sólo la industria de la confección era un sector visible en Londres, pero los viejos edificios se quedaron y muchos estaban siendo habitado por artistas y fotógrafos porque eran relativamente baratos, amplios y flexible, por lo que era natural fotografiar este fenómeno. Parecía ser un mundo que era frágil y vulnerable, algo digno de ser preservado haciendo fotografías.

    Su archivo fotográfico se remonta a los efectos a la reconstrucción posterior a la guerra, y se extiende a través de los años de Thatcher, Blair y el actual período de "regeneración" que sentó las bases para la remodelación completa de grandes partes del este de Londres para los Juegos Olímpicos de 2012. Los índices de fragmentación social, de los niveles divergentes o diametralmente opuestos de la prosperidad económica y las oportunidades se pueden discernir a través del espíritu de sus treinta años de trabajo, y hablan con claridad alarmante de las fuerzas que impulsan la suerte de esa región y sus habitantes en este momento presente de desgracia económica extraordinaria.

    También ha realizado encargos públicos, como las fotografías en 1987 que realizó para el Hackney Council, de un conjunto de bloques torre que fueron volados y querían un registro fotográfico antes de que desaparecieran. Diez años más tarde refotografiiaría las fincas desde la misma posición para crear una serie de fotografías antes y después de la zona.

    En 1988, fue nombrado fotógrafo residente en el Hospital Homerton y en un año documentó la gama de servicios de salud proporcionados por el nuevo hospital y también los edificios vacíos de los antiguos hospitales de Hackney.

    En su libro The longest way round mezcla fotografías actuales suyas y antiguas de su padre y de su madre, con cartas, documentos de la guerra, y distintos archivos, para mostrar recuerdos que tardan en aparecer, como la vieja maleta de fotografías y archivos de la guerra que su padre le dejó, y que cuentan la historia de su padre Peter, un soldado británico, prisionero de guerra durante cuatro años.

    Desde 1993, ha estado colaborando con artistas, directores de cine y escritores en una variedad de proyectos relacionados con la arquitectura, el cine, la televisión, Internet, colecciones públicas y radio. Ha logrado un amplio reconocimiento por su trabajo utilizando técnicas digitales de morphing para explorar las actitudes cambiantes a los retratos y la creación de la identidad.

    En 2006 ha trabajado en el Departamento del Archivo de Televisión y Cine de la BBC.  Ha publicado varios libros, y realizado obras y reportajes para la BBC.

    Su trabajo forma parte de las colecciones de la Wellcome Trust, National Sound Archive, Museum of London, St Bartholomew's Hospital, Homerton Hospital, London Borough of Hackney Archives, BBC, Nederlands FotoArchief, y la Bibliotheque Nationale de París.

     

     

     

    Referencias

     

     

     

    Libros

    • Drivers In The 1980s.
    • The longest way round.