lunes, 29 de febrero de 2016

Souichi Furusho

Souichi Furusho es un diseñador gráfico y fotógrafo japonés (nacido en 1977, vive en Kumamoto) cuyo trabajo se basa principalmente en monocromáticos paisajes oníricos con una cierta abstracción industrial que captura con su iPhone.

 

© Souichi Furusho

© Souichi Furusho

 

 

Biografía

Souichi Furusho trabaja como diseñador gráfico en el mundo de la publicidad. Descubrió la iPhoneografía en Facebook y Flickr hace un par de años, casi al mismo tiempo en que se compró su iPhone.

Esto fue seguido por una variedad de encuentros agradables con la gente en línea. Ha participado en exposiciones en España,Holanda y California, junto con iPhonegraphers de varios países.

Aunque no tenía experiencia previa en el mundo de la fotografía, gracias a su trabajo como diseñador estaba familiarizado con la fotografías. Su estilo es libre y simple, y se acerca a la fotografía desde muchos ángulos diferentes. La iPhoneografía le ha proporcionado oportunidades interesantes para esta nueva forma de comunicación.

En su trabajo, el paraguas se ha convertido en un símbolo esencial, encarnando los pensamientos y los sueños de la gente, algo como un vehículo que transporta un sueño.

 

 

 

Referencias

domingo, 28 de febrero de 2016

Aneta Ivanova

Aneta Ivanova es una fotógrafa búlgara (nacida en Varna, donde vive y trabaja) que realiza principalmente fotografías con doble exposición combinando a la perfección la belleza de la arquitectura, el paisaje y el cuerpo humano, en sus retratos surrealistas de la naturaleza o entornos urbanos dentro de siluetas de forma femenina.

 

© Aneta Ivanova

© Aneta Ivanova

 

Mi trabajo es a la vez sensual y emocional, una yuxtaposición de la persona y del entorno, entre la superficie y lo que está sucediendo en el interior.

 

 

Biografía

Aneta Ivanova ha estado fascinada por el arte desde pequeña, empezando por el dibujo y la pintura, cambiándose posteriormente a la fotografía con 13 años. Después de hacer un montón de trabajo conceptual y retratos empezó a experimentar con diferentes técnicas para dar un nuevo sentido a sus fotografías: largas exposiciones al principio, luego exposiciones dobles y también múltiples que combinan retratos con elementos del paisaje y de la naturaleza.

Busca inspiración en todas partes a su alrededor: leyendo, escuchando música, viendo arte, dando largos paseos y soñando mucho. El mar siempre ha sido su máxima fuente de inspiración como puede comprobarse en algunas de sus obras, fascinándole el hecho de que sea tan impredecible y poderoso, siempre cambiante.

Siempre trata de mantener su trabajo lo más personal posible, realizando autorretratos o retratos de sus hermanas principalmente, pensando que otras alternativa no podrían recrear lo que está en su mente de una mejor manera. Cree que una obra de arte no debe ser explicada, que debe hacer preguntas en lugar de dar respuestas.

Ha realizado numerosas exposiciones en grupo, y en solitario podemos citar la más reciente An ode to everything en SOHO de Sofía en 2015. Ha trabajado para Penguin Books, O2 Telefonica, Diesel, Pilot Pen France, … entre otras empresas.

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

  • Contemporary Portraits (varios).

sábado, 27 de febrero de 2016

Aleydis Rispa

Aleydis Rispa es una fotógrafa catalana (nacida en Sort, Lleida, en 1964, vive y trabaja en Barcelona) que ha optado siempre por la fotografía artística y una estética minimalista y poética. Realiza fotogramas y quimigramas, obteniendo manchas, veladuras y formas abstractas durante el revelado de sus imágenes que inciden en el resultado artístico final.

 

Ventana, 1991, 60x50cm © Aleydis Rispa

Ventana, 1991, 60x50cm © Aleydis Rispa

 

Lo que intento al crear mis imágenes es hacer visible lo que todavía no lo es, creando espacios virtuales inexistentes más allá de la superficie fotosensible. Mi afán por simplificar tanto el resultado final como el proceso para llegar allí, me ha llevado a emplear técnicas alternativas como el fotograma, el quimigrama y, más recientemente, la cianotipia.

 

 

 

Biografía

Aleydis Rispa es licenciada en Bellas Artes en la especialidad de Imagen por la Universidad de Barcelona (1988), y compagina su actividad artística con la docencia y ha sido profesora de Fotografía de la Facultad de Bellas Artes en la Universidad de Barcelona y de escuelas especializadas como la Escola Groc e idep Barcelona

Realiza fotogramas en los que impresiona por contacto diversas formas en el soporte emulsionado. Sirviéndose también de la técnica del quimigrama, obtiene manchas, veladuras y formas abstractas durante el revelado de sus imágenes que inciden en el resultado artístico final. Un tema que ha tocado en su obra es el mar, su contaminación y el efecto sobre los ecosistemas marinos.

En 1989 ganó el Premio de Fotografía de la Bienal de Jóvenes Creadores Europeos del Ayuntamiento de Barcelona y el Premio Foto Joven de la II Bienal de Fotografía de la Fundación “la Caixa” y en 2001 el premio La Transparencia de la Universidad Nacional de Educación a Distancia.

Desde entonces ha expuesto su obra, en diversos lugares de España y en París, como Clépsidra en el Círculo de Bellas Artes de Madrid en 1990, Fotogramas en Galería Visor de Valencia en 1991, Objetos, artefactos y ruedas en la Universidad de Salamanca en 1996, Prótesis en Galería Spectrum Sotos de Zaragoza en 2001, Trilogía espacial en el Institut d’Estudis Llerdencs en el marco de Dmostra en Lleida en 2003 y Frozen Fishfood en la Galería Esther Montoriol de Barcelona en 2012.

Sus proyectos han sido publicados en revistas especializadas como Exit, Analog mago, FV, Film und foto, Photovision, Café Crème, European Photography y Camera Austria, así como en numerosos catálogos y libros de referencia.

Su obra forma parte de colecciones públicas y privadas como las del Fondo de Arte de la Generalidad de Cataluña, MNAC, Fundación Vila Casas en Barcelona, Fundación Arte y Tecnología y UNED en Madrid, Universidad de Salamanca y la Colección Julio Álvarez Sotos en Zaragoza, entre otras.

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

viernes, 26 de febrero de 2016

Hannah Collins

Hannah Collins es una artista y cineasta británica (nacida en Londres en 1956, vive a caballo entre Londres y Barcelona) cuya obra trata las experiencias colectivas de la memoria, la historia y la vida cotidiana en el mundo moderno.
 

Anemones, from “The Fragile Feast“ © Hannah Collins
Anemones, from “The Fragile Feast“ © Hannah Collins


La mayor parte de mi trabajo es una línea entre la cultura y el mundo.




Biografía

Hannah Collins estudió en la Slade Shool of Fine Arts de Londres y en Estados Unidos con una beca Fulbright, donde entró en contacto con la escultura, las instalaciones y los ambientes creados por artistas minimalistas y conceptuales en aquel momento, lo que le llevó a desarrollar un concepto escultórico del espacio en conexión con la memoria. Desde sus comienzos se interesó por los elementos espaciales y temporales expresados en la arquitectura, tratando las complejas relaciones físicas y psíquicas que el individuo establece con su entorno como método para reconstruir nuestra visión íntima de la realidad.
 
Es conocida por sus instalaciones fotográficas, pero también ha dirigido películas sobre los gitanos en España y en un pueblo en la Rusia rural. Como ejemplos de su trabajo podemos citar:
  • su serie más reciente de fotografía, The Fragile Feast. Routes to Ferran Adria, donde se embarcó en la misión de rastrear las rutas de unos treinta productos desde su lugar de origen a la mesa. Las imágenes y los escritos resultantes crean un documento de conexiones globales, diversidad geográfica, precedentes históricos y refinamiento estético sublime.
  • su película La Mina, para la que en 2001, Hannah y su equipo filmaron 24 horas de metraje con película de 35 mm en una extensa zona de Barcelona habitada principalmente por la comunidad gitana, a medio camino entre el documental de observación y un enfoque más basado en la actuación y la colaboración, con escenas planificas, interpretadas y algunas espontáneas. 
Ha realizado muchas exposiciones internacionales y su trabajo está en numerosas colecciones públicas y privadas, incluyendo Tate Modern, Centro Georges Pompidou, MACBA, Reina Sofía, Dallas Museum of Art, MNHA Luxemburgo y la galería Gering Et Lopez en Nueva York.
 
Recientemente ha expuesto en la Galería Javier López - Mario Sequeira en Madrid en 2010 y en la Fundació Suñol en Barcelona en 2012, donde ha estado viviendo años.
Nominada para el Premio Turner en 1993, Collins recibió el European Photography Award en 1991,  el Olympus Award en 2004 y el SPECTRUM International Prize for Photography, Sprengel Museum de Hannover en 2013.  
 
Además de su actividad como artista plástica, ha sido profesora en la Universidad de Davis en California, y en el Royal College of Art de Londres. También fue profesora invitada en Le Fresnoy, Studio National de Arts Contemporains, de Roubaix en 2007-08.

 
 

Referencias




Libros

  • The Fragile Feast. Routes to Ferran Adria, 2011.
  • Hannah Collins, Historia en curso. Películas y fotografías, 2008
  • Parallel, 2008.
  • Finding, Transmitting, Receiving, 2007
  • Hannah Collins. Filming Things, 2007.
  • The Street, 2004.
  • Hannah Collins. In the Course of Time, 1996.
  • Shopping, 1996.
  • A Worldwide Case of Homesickness, 1996.
  • The Hunter's Space, 1995.
  • Hannah Collins, 1993
  • Legends, 1988.

jueves, 25 de febrero de 2016

Patrick Morarescu

Patrick Morarescu es un artista alemán (nacido en Múnich en 1973) cuya técnica principal es la fotografía, aunque sus proyectos combinen también otros formatos como el collage o la instalación.

 

Ane Lan (NO) out of the series Performers by Patrick Morarescu

Ane Lan (NO) out of the series Performers by Patrick Morarescu

 

La fotografía es una reacción química en la que la luz se transcribe en una superficie plana, la creación de un código que a la mirada sugiere la realidad; pero la fotografía no es la realidad en sí, sino una abstracción de la misma. Y éste es el punto que me fascina; la posibilidad de recrear la realidad a través del proceso químico.

 

Pongo las historias no contadas en el marco formal de la imagen y les doy un barniz de melancolía. En el centro no está el hombre como persona, sino el lugar con la omnipresencia de la civilización y sus restos. Las actividades y las acciones de los seres humanos siempre dejan pistas como señales de una presencia en el espacio. Las impresiones visuales muestran la dualidad del presente: tensión y ausencia, una dicotomía que cuestiona la realidad humana. De esta manera las fotos no quieren dar ninguna respuesta, sino reflexionar sobre nuestra existencia.

 

 

 

Biografía

Patrick Morarescu estudió en la Academia de Fotografía en Múnich. Su técnica principal es la fotografía, aunque sus proyectos combinan también otros formatos como el collage o la instalación.

Siempre se ha sentido atraído por el retrato debido a la dinámica natural y a la complejidad del individuo. Fotografía personas por las que siente una atracción inicial y trata de reflejar esta fuerza en las imágenes. Un poder que no se puede describir con palabras o conceptos racionales, sino que capta la atención y crea una curiosidad fuerte, una especie de adicción no sólo a las formas del cuerpo, los ojos, las tonalidades de la piel, sino a lo que está detrás: los pensamientos y el estado mental de que las personas. En sus series más recientes retrata a performistas tras sus perfomances, para documentar, no sus acciones artísticas, sino la personalidad que hay detrás de esas acciones artísticas.

Ha exhibido sus obras en Alemania, Reino Unido, España, Holanda, Bélgica, Islandia, Estonia, Suiza, Polonia, Finlandia, Australia, Camerún, Marruecos y Taiwán incluyendo exposiciones en museo Fluxus+ en Potsdam, Pori Art Museum en Finlandia, Museu Arts Santa Mónica en Barcelona, Noorderlicht Photography Festival en Groningen, Ballarat International Foto Bienale en Victoria en Australia, Wiesbadener Photography Festival y Juming Museum en New Taipei City.

Ha conseguido becas de la Comisión Europea, Kulturreferat de Múnich, Goethe Institutes of Amman, Sofía, Rabat y Yaundé y ha participado en residencias de artistas becadas en Makan en Amman, Raumars en Finlandia, Hotel Mariakapel en Holanda, Howl Space y Juming Museum en Taiwán.

Sus trabajos han sido publicados en el British Journal for Photography, Le Journal de la Photographie, Der Greif, Aint-Bad, Feature Shoot, Slate, Musée, Lenscratch, ...

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

  • 2013 Performers,
  • 2010 7 for the price of 1-Accumulating Value.

miércoles, 24 de febrero de 2016

Mabi Revuelta

Mabi Revuelta es una artista vasca (nacida en Bilbao en 1967, vive y trabaja entre Bilbao y Nueva York) cuya obra se articula en diferentes formas: instalaciones, esculturas y fotografías. Su trabajo conecta diferentes dimensiones de su experiencia personal que se suman a otros aspectos de la vida no pertenecientes sólo a una visión cotidiana de la misma. La relación entre el espacio íntimo y el impacto de este espacio con lo público se evidencia en parte de su obra.

 

© Mabi Revuelta

© Mabi Revuelta

 

 

 

Biografía

Mabi Revuelta estudió Bellas Artes en la Universidad del País Vasco obteniendo la licenciatura en 1990. Desde muy pronto comenzó a exhibir su trabajo de forma profesional exponiendo regularmente en galerías, centros de arte, ferias y museos nacionales e internacionales, entre los que destacan: Galería Vanguardia en Bilbao y Galería Raquel Ponce (The Unlikely Butterflies) en Madrid, La Casa Encendida en Madrid, International Studio & Curatorial Program en Nueva York, Instituto Cervantes en Pekín y Tokio, ARTIUM en Vitoria, Tenerife Espacio de las Artes TEA (Divertimentos tipográficos) en Tenerife, Museo Erótico en New York, Museo Guggenheim en Bilbao y Museo Euskal Herria en Guernica (Los amantes ilusorios). 

Ha obtenido numerosas becas de creación, como las de la Fundación BBK (2002), la Fundación Marcelino Botín (2003), que le permitió completar su formación en el International Studio & Curatorial Program en Nueva York y KREA de Caja Vital (2007).

Artista multidisciplinar, se dedica a la fotografía, al vídeo y a la escultura, evitando el uso de elementos prefabricados a la hora de materializar sus proyectos. Su obra, heredera de las corrientes dadaísta y surrealista, busca la interacción con el espectador y el traslado de lo personal al espacio público.

Entre sus obras destaca ABECEDA, Ballet Triádico, un complejo proyecto basado en el lenguaje, desarrollado en el marco del BAD, Festival de Teatro y Danza Contemporánea de Bilbao, 2009, que se materializó en la realización del cartel del festival, una exposición acompañada de una performance en la Galería Vanguardia y, finalmente, el ballet dirigido por la artista, estrenado en el Teatro Arriaga de Bilbao, que toma el subtítulo de Ballet Triádico como homenaje a Oskar Schlemmer y al trabajo que desarrolló como responsable del Taller de Teatro de la Bauhaus.

De 2008 a 2015, la investigación plástica de Mabi Revuelta ha estado articulada en torno a 3 ejes: el lenguaje, el juego y la educación en arte. El juego como método de aprendizaje se revela en cada una de las piezas de estos años.

Su obra forma parte de colecciones de museos e instituciones públicas como: TEA Tenerife Espacio de las Artes, International Museum of Women de San Francisco, Fundación Marcelino Botín,  Fundación BilbaoArte, ARTIUM, Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo, entre otras.

 

 

Referencias

 

 

Libros

  • Mabi Revuelta
  • Abededa. Ballet Triádico
  • My Favorite Dress of Nothing, 2007
  • Divertimentos tipográficos, 2010.
  • C´mom, daby, Do the Ipsilamba with me!, 2015.

martes, 23 de febrero de 2016

Gonzalo Puch

Gonzalo Puch es un artista andaluz (nacido en Sevilla en 1950, vive en Madrid) que realiza una obra multidisciplinar fruto de la combinación de fotografía, instalación y vídeo, y que generalmente lleva a cabo en el medio universitario. Su trabajo más que el empeño en un compendio enciclopédico subjetivo, es la búsqueda de un espacio poético donde se dan las cosas: vida, arte, saber.

 

© Gonzalo Puch

© Gonzalo Puch

 

La naturaleza se hace posible en nosotros gracias a la cantidad de relaciones que podemos establecer con ella; de esta forma naturaleza y cultura no pueden existir separadamente.

 

 

Biografía

Gonzalo Puch se inició en el mundo de las artes de la mano de la pintura abstracta, incorporando posteriormente a su proceso creativo escultura y fotografía. También ha combinado dibujo y fotografía en un proceso que parte de dibujos que posteriormente fotografía y mezcla digitalmente con fotos. Con el tiempo, también prepara instalaciones donde incorpora el video y diferentes elementos como el agua.

Crea situaciones o "incidentes", generalmente en ambientes neutros, como salas de clase, o su propio apartamento, que luego registra fotográficamente y presenta en impresiones fotográficas en color de gran tamaño. A pesar de que sus métodos de trabajo y el medio ambiente son herméticos, su trabajo aborda y trata de poner orden al caos del mundo. Sus temas están relacionados con las diversas materias académicas tradicionales, como matemáticas, ciencia, música, biología y estudios de medio ambiente. Recientemente ha estado trabajando en paisaje inmediato abordando temas ambientales.

Su obra en los últimos años, se ha caracterizado por introducir tensiones entre lo fijo y lo moviente. Sus “naturalezas muertas” están siempre a punto de cambiar, los objetos fotografiados están sosteniendo un equilibrio inestable siempre en el borde del movimiento.

En 2010, Puch obtuvo una residencia de artista de un año en Location One en Nueva York, donde desarrolló la serie A Temporary Garden, donde hojas de plantas de hojas se combinan con dibujos lineales y objetos ensamblados en una fotografía.

Puch ha estado exhibiendo en España desde 1985. En 2004 se llevó a cabo una gran retrospectiva suya en el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo en Sevilla, y en 2002 en la Fundación Antonio Pérez de Cuenca. En 2005 expuso en la Julie Saul Gallery de Nueva York.

Su obra está presente en numerosas colecciones en España, incluyendo el Centro Nacional Reina Sofía en Madrid, Artium en vitoria-Gasteiz, el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, la Fundación Cocacola y el Museo Blanton de la Universidad de Texas en Austin. Es profesor de la Universidad de Cuenca.

 

 

Referencias

 

 

Libros

lunes, 22 de febrero de 2016

Jo Ann Callis

Jo Ann Callis es una artista estadounidense (nacida en Cincinnati, Ohio, en 1940, vive en Los Ángeles, California), una de los primeros practicantes importantes del movimiento "fotografías fabricadas" en los 70, y que ha trabajado la fotografía en color, escultura, pintura e imagen digital.

 

Untitled, (Hand and Honey) from Early Color Portfolio, circa 1976 © Jo Ann Callis

Untitled, (Hand and Honey) from Early Color Portfolio, circa 1976 © Jo Ann Callis

 

 

Descubrí que podría hacer fotos de las cosas que tenía dentro de mi cabeza, de cosas no tangibles, y que no dependía de mi capacidad de dibujar.

Pero ese tema, ya sea la sexualidad o la sensualidad, ha sido constante en todo mi trabajo. Incluso cuando hago fotos de objetos los miro acariciándolos con los ojos.

 

 

 

Biografía

Jo Ann Callis comenzó sus estudios de arte en Ohio ya en la década de los 50. Después de su matrimonio y de criar sus hijos, volvió a la fotografía en la década de los 70 para terminar su licenciatura en la Universidad de California de Los Angeles (UCLA), inicialmente en diseño gráfico. Cuando hizo un curso de Robert Heinecken de fotografía experimental se sintió alentada por él para explorar el interior de su mente. También se inspiró para utilizar el color tras ver el trabajo de Paul Outerbridge.

En 1975, cuando todavía era estudiante en UCLA, un año antes de terminar su master en Bellas Artes, se le ofreció un puesto a trabajar en el California Institute of the Arts (CalArts), donde ha trabajado hasta ahora.

Para ella, la fotografía es otra herramienta de estudio para ser utilizada. Su inventiva la ha convertido en un referente en el arte del sur de California y en la práctica fotográfica actual. Su estilo vanguardista de “fotografía fabricada” fue reconocido prontamente y su trabajo ha sido exhibido y publicado internacionalmente, por ejemplo en la Whitney Biennial de 1981 y Museum of Modern Art en Nueva York, Los Angeles County Museum of Art, Hammer Museum y Museum of Contemporary Art en Los Angeles, San Francisco Museum of Modern Art, University Art Museum de Berkeley, Hirshhorn Museum en Washington, D.C., Santa Monica Museum of Art, Min Gallery en Japón, Craig Krull Gallery en Los Angeles y Rose Gallery en Santa Monica.

En 2009 su retrospectiva Woman Twirling se exhibió en el J. Paul Getty Museum. Ha recibido diversas becas, como 3 NEA Fellowships, una Guggenheim Fellowship y Cultural Affairs Office en Los Angeles en 2001-2002.

Su obra forma parte de colecciones públicas y privadas como Museum Of Modern Art en Nueva York, Los Angeles County Museum of Art, J. Paul Getty Museum en Los Angeles, Hirshhorn Museum and Sculpture Garden en  Washington, D.C, Gallery Min en Japón, entre otros.

En su libro más reciente, Other Rooms, muestra 2 series de fotografías realizadas en la década de los setenta,  que muestran el lado más sexual y sensual de Callis y que hasta el momento estaban inéditas. Casada y con 2 hijas con 23 años, a los 30 estaba divorciada, comenzando una nueva vida aprendiendo y trabajando en la fotografía. Sensuales e inquietantes, estas imágenes son un escaparate de imaginación erótica en sus muchas formas, todas íntimas y profundamente humanas.


 

 

Referencias

 

 

 

Libros

domingo, 21 de febrero de 2016

Robert Moran

Robert Moran es un fotógrafo estadounidense (nacido en 1952, vive en un pequeño pueblo en la costa de Maine) cuyo trabajo freelance le ha llevado alrededor del mundo. Su proyecto más reciente está enfocado en objetos comunes cuyo tiempo ha pasado.

 

© Robert Moran

© Robert Moran

 

 

 

Biografía

Robert Moran es un fotógrafo independiente. Su interés por la fotografía comenzó a la edad de doce años cuando sus padres le compraron una cámara de película Super 8 para Navidad. Pocos años después compró su primera cámara de 35 mm.

Después de estudiar arte en la Universidad de Maine, comenzó varios negocios a lo largo de veinte años. Durante ese período encontró el tiempo para estudiar fotografía y para dedicarse a proyectos personales que dieron lugar a varios cuerpos de trabajo. Aunque no es un fotógrafo de viajes, estos trabajos le llevaron a África, Asia, Groenlandia y el Pacífico Sur.

Sus fotografías forman parte de colecciones privadas en los EEUU, Gran Bretaña, Australia y América Central, como las de Cleveland Clinic, Magenta Foundation y Fort Wayne Museum of Art, y su trabajo ha sido expuesto en galerías y museos de todo EEUU y en el extranjero, como en la Ballarat International Foto Biennale de Australia, The Center for Fine Art Photography en Fort Collins, Griffin Museum of Photography en Winchester y el Magenta Flash Forward Festival en Canadá. entre otros.

Sus imágenes y series se han publicado en The Photo Review, Shots Magazine, B&W + Color Magazine, F-Stop, Lenscratch, Maine, Maine Home + Design Magazine, The Oxford American y BETA developments in photography.

 

 

Referencias

 

 

Libros y catálogos

  • Relics, 2013

sábado, 20 de febrero de 2016

José Noguero

José Noguero es un escultor, pintor y fotógrafo aragonés (nacido en Barbastro, Huesca, en 1969, desde 1999 vive y trabaja en Berlín) cuya obra es compleja, al límite del concepto, utilizando todo tipo de recursos: escultura, molduras neobarrocas, espejos, … Incluso ha pintado y construye escenografías que luego fotografía y expone.

 

JoseNoguero

© José Noguero

 

Creo que nos movemos muchas veces en un paisaje mental... me interesa ver cómo ese paisaje mental interactúa con la realidad.

 

 

 

Biografía

José Noguero entró con dieciséis años en la Escuela Massana de Barcelona donde estuvo siete años, ha estudiado también en la Bristol Polytecnic y en la Rietveld Academy de Ámsterdam. Ha estado con becas en Roma y Nápoles y en 2005 realizó una estancia en el taller de escultura hindú de Lingaraj Maharana en Orissa. Actualmente vive en Berlín.

Su obra se sitúa entre las formas de representación clásicas, el bajo relieve, el bulto redondo, la factibilidad de la materia escultórica, la incorporación de la fotografía como medio expresivo y complementario, y el gusto por la escenografía. De este modo, conjuga elementos expresivos que, funcionando por separado, se complementan hasta conformar un resultado global.

En lo esencial, José Noguero es un escultor. Sin embargo, cada vez expone menos obras que se ofrezcan al tacto. En su mayor parte se trata de fotografías, que .fijan la imagen de la escultura, una escultura que, a diferencia de la estatuaria conmemorativa, y a semejanza de ser humano, es consustancialmente frágil y efímera. Escayola que nace para el martillo, o cera destinada al fuego.

En sus obras producidas en Roma son esculturas que ya nacen como imágenes, copias de algunas de las esculturas clásicas o barrocas que habitan esa ciudad, y que fotografía primero para modelar luego en barro. Luego las somete a un baño de silicona que distorsiona sus rasgos, y vuelve a fotografiar el resultado, siendo esto lo que, finalmente, expone.

Destacan sus exposiciones individuales Tierras raras/Seltene Erden en 2015 y Flämische Landschaften en 2014 en Greusslich Contemporary de Berlín, Espacio 5 en CAC de Málaga en 2014 y Nada es estatua en la Sala Buñuel del Paraninfo de la Universidad de Zaragoza en 2013.

Su obra forma parte de colecciones como las del Museo de Arte Contemporáneo Reina Sofía en Madrid, CAC en Málaga, ARTIUM en Vitoria-Gasteiz, Fundació Suñol en Barcelona, Künstlerförderung en Berlín, entre otras.

 

 

 

Referencias

 

 

Libros y catálogos

viernes, 19 de febrero de 2016

Richard Learoyd

Richard Learoyd es un fotógrafo inglés (nacido en 1966 en Lancashire, vive y trabaja en Londres) que crea sus fotografías únicas por medio de una habitación que hace de cámara oscura. Sus imágenes se hacen directamente sobre papel fotográfico consiguiendo un efecto hiperrealista.

 

Agnes red © Richard Learoyd

Agnes red © Richard Learoyd

 

 

Biografía

Richard Learoyd estudió en la Glasgow School of Art, donde ya se fascinó con las imágenes de cámara oscura, cuando tenía 18 años. Posteriormente enseñó en la universidad y trabajó como fotógrafo comercial, pero cansado de esto decidió regresar a sus propios orígenes, perfeccionando este método.

Sus minuciosos retratos en color a gran escala no se parecen a otras fotografías. Están hechos con una cámara gigante compuesta por dos habitaciones, El sujeto a retratar (generalmente una persona, aunque a veces es un objeto, ocupa una habitación que contiene una potente fuente de luz, mientras que el papel fotográfico ocupa la cámara oscura adyacente, conectada a la primera habitación por un objetivo situado dentro de un fuelle de acordeón que data del siglo XIX.

Estas fotos son imágenes directas positivas únicas producidas sin negativo. Las fotografías son imágenes hechas por el registro directo de la luz que se refleja desde el objeto al papel fotográfico, consiguiendo  retratos de una intensidad psicológica inquietante. Los tiempos de exposición pueden ser bastantes largos, unas 8 horas, con la prueba que eso supone para sus modelos, pero sus fotografías son sin grano y sin distorsión.

Sus fotografías han sido recientemente adquiridas por The Metropolitan Museum of Art, Yale University Art Gallery, San Francisco Museum of Modern Art y el Victoria and Albert Museum, entre otros. En 2015 una gran exhibición de su trabajo tuvo lugar en el Victoria and Albert Museum, y será seguida en 2016 en el John Paul Getty Museum.

 


 

Referencias

 

 

Libros

  • Richard Learoyd: Day for Night, 2015
  • Presences, 2011.
  • Richard Learoyd: Unique Photographs, 2007-09, 2009.

jueves, 18 de febrero de 2016

Matej Michalik

Matej Michalik es un fotógrafo eslovaco (nacido en 1981 en Bratislava, donde vive y trabaja) que se ha especializado principalmente en la fotografía de larga exposición de arquitectura y paisajes marinos, pero también está interesado en la fotografía de calle y en la fotografía infrarroja.

 

Hotel Double Tree by Hilton © Matej Michalik

Hotel Double Tree by Hilton © Matej Michalik

 

Estoy convencido de que no importa lo caro que sea el equipo de fotografía. Tener una buena imaginación es lo esencial.

 

 

Biografía

Matej Michalik se graduó en la Universidad de Economía de Bratislava, y ha estado trabajando en una empresa de la construcción desde que terminó sus estudios. Entró en contacto con la fotografía en 2010. Pertenece a la nueva ola de fotógrafos que no pasaron por la era analógica y el revelado en cuartos oscuros. Desde el principio, su intuición le condujo a las fotos en blanco y negro. Observaba el trabajo de varios fotógrafos artísticos cuyo trabajo apreciaba enormemente y empezó a comunicarse con ellos, compartiendo consejos y experiencia, y así es como empezó su camino por la fotografía.

Sabe que está todavía en el punto de partida de su camino, y que tiene que mejorar sus habilidades. Pero las habilidades son sólo una parte del juego ¡lo importante es la visión!

Utiliza la técnica de larga exposición por que capta algo fuera de la realidad, algo que no puede ser visto por el ojo desnudo. Esta herramienta permite al fotógrafo poder capturar el movimiento.

Respecto al uso del blanco y negro, es por la simplicidad y la paz que se extiende alrededor cuando uno está buscando en las cosas un modo monocromático. Las imágenes en blanco y negro representan el tema en su formato puro, crudo. Esto permite que la textura, el contraste y la forma salgan a la luz. Al tomar fotografías en blanco y negro, siempre trata de ser minimalista y mostrar una simplicidad pura. Lo que quiere conseguir es una simple fotografía limpia, llena de la atmósfera que sintió cuando estaba mirando a través del visor.

 

 

 

Referencias

miércoles, 17 de febrero de 2016

Virginia Beahan

Virginia Beahan es una fotógrafa estadounidense (nacida en Pennsylvania, vive en New Hampshire) cuyas imágenes utilizan la geografía para describir las complejidades de la actividad humana.

 

Panadería René Ávila Reyes, Mártir de la Revolución, Holguín, Cuba   2004 © Virginia Beahan

Panadería René Ávila Reyes, Mártir de la Revolución, Holguín, Cuba   2004 © Virginia Beahan

 

 

 

Biografía

Virginia Beahan estudió Inglés en la Universidad Estatal de Pensilvania y un master en fotografía en la Tyler School of Art de la Universidad de Temple en 1984. En la tradición de los fotógrafos del siglo XIX, utiliza una cámara Deardorff 8x10" por sus máximas cualidades descriptivas y capacidad de conseguir impresiones de gran tamaño.

Desde el principio, Beahan ha tratado con su fotografía de detener el matiz y el esplendor del mundo físico y de entender nuestro lugar en él. Esta investigación se inició con exploraciones visuales cerca de su casa y se ha extendido a lugares tan lejanos como Islandia, Hawaii, Italia, Sri Lanka, Nueva Jersey y el desierto del sur de California.

Su trabajo No Ordinary Land publicado por Aperture en 1998 fue la culminación de 10 años de colaboración con la fotógrafa Laura McPhee.

Fotografiando la isla de Cuba, tan cargada social y políticamente, comenzó a mirar las formas de su espectacular paisaje que revela historias sobre el pasado y el presente. Su monografía de 2009, CUBA. Singing with bright tears presenta a un país tan trágico y hermoso, luchando bajo el peso de la historia. Las imágenes de los héroes revolucionarios Che Guevara y Camilo Cienfuegos pueblan la isla y nos recuerdan el aislamiento de Cuba, a pesar de que está a sólo 90 millas de las costas de Estados Unidos.

Su trabajo ha sido ampliamente exhibido en EEUU y en el extranjero: J. Paul Getty Museum, Houston Museum of Fine Arts, San Francisco MoMA, Princeton University Art Museum, Johnson Museum en la Cornell University y numerosos lugares en Alemania, República Checa, Suiza y China, entre otros. Además, sus fotografías forman parte de importantes colecciones como el Metropolitan Museum of Art, Museum of Fine Arts en Boston, Corcoran Museum of Art, Hood Museum y Fogg Museum en la Harvard University.

Beahan ha recibido subvenciones y becas de la New England Foundation for the Arts, Mellon Foundation, Pennsylvania Council for the Arts, John Sloan Dickey Center for International Understanding, Leslie Center for the Humanities y John Simon Guggenheim Memorial Foundation. Actualmente enseña en el Departamento de Studio Art en el Dartmouth College.

 

 

 

Referencias

 

 

Libros

martes, 16 de febrero de 2016

Wenxin Zhang

Wenxin Zhang es una fotógrafa china (nacida en Anhui en 1989, vive a caballo entre China y San Francisco, California) que con sus escritos y fotografías, describe sus experiencias de crecer en China, su vida actual en San Francisco, y sus relaciones personales.

 

© Wenxin Zhang

© Wenxin Zhang

 

 

Biografía

Zhang Wenxin acompañaba a veces a su padre que era periodista de una emisora ​​de radio local y viajaba mucho. En 2004 su padre le dio una cámara digital, y la usaba todos los días. Le gustaba tomar fotos y tratar de interpretar su entorno, para crear un nuevo mundo con su pequeña cámara con el fin de alejarse del mundo real. Cuando estaba en la escuela secundaria se iba con su mejor amiga en autobús a los límites de su ciudad, a los suburbios y al campo, y se hacían fotos una a otra creando sus propios personajes de historias inventadas, insatisfechas de la vida en su pequeña ciudad de Hefei, en el interior de China. Un lugar de donde las almas jóvenes se iban después de la secundaria, y no había nada nuevo.

Tras estudiar turismo en la Universidad de Jinan University en Guangzhou, Guangdong, se trasladó a los EEUU y obtuvo un master en el California College of the Arts. Wenxin siempre está redefiniendo su realidad. En sus escritos y fotografía, describe sus experiencias de crecer en China, su vida actual en San Francisco, y sus relaciones personales con una voz melancólica y surrealista.

Su trabajo se ha expuesto ampliamente en Estados Unidos y China. Fue seleccionada como finalista en el Three Shadows Photography Award de 2014, Leica Oskar Barnack Newcomer Award,  Photographic Museum of Humanity New Generation Award y la beca Atlantic Philanthropies Grant de la Magnum Foundation.. Además, fue seleccionada como artista en residencia por Rayko Photo Center y The Center for Photography en Woodstock

Como ejemplo de sus trabajos podemos citar:

  • Five Nights, Aquarium, es una narración no lineal tejida por fotografías y cinco obras escritas cortas, en las que trata de reconstruir su viaje interior en los viajes que ha hecho entre su país China y San Francisco, con sentimientos sobrecargados de distanciamiento y desolación, como en un viaje espacio-tiempo que se asemejara a un acuario. En este acuario, los paisajes urbanos son la decoración de la pecera, las personas son el pescado, y los escritos son etiquetas en los tanques.
  • Beast by the Waterfall Guesthouse es una historia fotográfica no lineal que analiza la pérdida y el redescubrimiento del distanciamiento y del deseo.

 

 

Referencias

 

 

Libros

lunes, 15 de febrero de 2016

Jack Montgomery

Jack Montgomery es un abogado y fotógrafo estadounidense (viven en South Freeport, Maine) que realiza principalmente una fotografía de retrato firmemente honesto, íntima y cautivadora.

 

Katie and Margaret © Jack Montgomery

Katie and Margaret © Jack Montgomery

 

 

 

Biografía

Jack Montgomery creció en Nueva Jersey y luego en Nueva York. En 1973 fue con su esposa a Maine por un fin de semana, pero se quedó alli. Quería ser un psicoterapeuta y trabajó en el Hospital de St. Mary en Lewiston pero cambió su camino para estudiar derecho.

En su larga carrera ha fotografiado a muchas personas, centrándose en grupos, como los bomberos del Bajo Manhattan después del 9/11, sobrevivientes del holocausto de Maine, jueces, fetichistas, los habitantes de las antiguas ciudades de la Toscana, cortadores de caña haitianos en la República Dominicana, bailarines, artistas de circo y naturistas en Rusia.

Estos trabajos le han permitido el acceso a personas y lugares que nunca hubieran estado disponibles para él sin tener su cámara en la mano.

Ahora con sus más de 60 años, una edad maravillosa para la reflexión, mira hacia atrás y se da cuenta de que su vida posterior ha estado marcada por esta obsesión, junto con la estética de sus primeros años en la costa. La gran mayoría de sus imágenes las ha hecho a una milla de la costa de Maine y Massachusetts. Muchos de sus retratos se hicieron en las islas. Para él, es una yuxtaposición casi perfecta: una tierra de lenta decadencia, el deterioro que ilumina la verdadera naturaleza del envejecimiento y la belleza particular de la pubertad.

Fue miembro de la directiva de los Maine Media Workshops (antes Maine Photographic Workshops) basados en Rockport, Maine, y del Instituto de Estudios de Doctorado en artes plásticas ubicado en Portland, Maine, y Spannocchia en la Toscana. Es miembro del Consejo Asesor de Fotografía del Portland Museum of Art.

Ha expuesto en Susan Maasch Fine Art (que le representa), Center for Maine Contemporary Art, Portland Museum of Art, Maine Jewish Museum y Forbes Galleries en Nueva York. Obtuvo el Grande Prix de la Decouverte, en Retrato en París en 2012

 

 

Referencias

 

 

Libros

domingo, 14 de febrero de 2016

Petr Frolich

Petr Frolich es un fotógrafo checo (nacido en 1979 en Prostejov, República Checa, vive actualmente en el Reino Unido) al que le encanta fotografiar paisajes y marinas al amanecer y al atardecer con una larga exposición y una composición sencilla y pura.

 

© Petr Frolich

© Petr Frolich

 

 

Biografía

Petr Frolich siempre ha estado interesado en la fotografía como simple aficionado, pero desde 2006, cuando se compró su primera cámara réflex digital Canon se ha convertido en su pasión.

Ha realizado casi todos los tipos de fotografía. Sin embargo, ha desarrollado un gran interés en los fotografía de viaje y de paisaje. Empezó a trabajar en forma digital, pero ahora prefiere hacer algunas series en película en formato medio. Usa cámaras y lentes Canon.

Le encanta el color, pero se encuentra cada vez más a gusto con la fotografía en blanco y negro, lo que le llevó a utilizar película en sus imágenes, ya través de una cámara de 35mm, y luego en formato medio con una preciosa Hasselblad 500cm con Ilford Delta 100.

 

 

 

Referencias

sábado, 13 de febrero de 2016

Idan Hojman

Idan Hojman es un fotógrafo israelí (nacido en 1980, vive actualmente en Barcelona) cuyo trabajo  es reconocido por su belleza poética y elegancia casi mística.

 

© Idan Hojman

© Idan Hojman

 

Para mí la fotografía es una forma de meditación, una simple observación de lo que ocurre a nuestro alrededor, una manera de conectar con el momento presente de instante en instante. ¡Hay tanta belleza en este mundo! Uno sólo tiene que abrir los ojos y el corazón para verlo.

 

 

 

Biografía

Idan Hojman se crió en el kibutz Ramot Menashe situado en el norte de Israel. Sirvió sus 3 años en las FDI (Fuerzas de Defensa de Israel) como paramédico en una unidad de rescate. Durante este tiempo, fue testigo directo del conflicto destructivo entre Israel y Palestina y comenzó a cuestionar muchas cuestiones relacionadas con el conflicto y la vida misma.

En 2005 comenzó su carrera como fotógrafo profesional durante un viaje a Asia. La mayor parte de su trabajo inicial fue hecho con una cámara Rolleiflex 6x6” analógica, utilizando métodos tradicionales. Su obra se ha expuesto en Barcelona en la Galería Hartmann, Paspartu Galería y en varios lugares públicos de la ciudad.

De 2008 a 2014 dedicó la mayor parte de su tiempo a estudiar y ofrecer sesiones de la disciplina psicoterapéutica llamada Método Grinberg. Durante este tiempo, exploró otras disciplinas en la busqueda de ampliar la  concienciación y obtener un mejor estado de bienestar y de libertad personal.

En el año 2011 ganó el premio PBN elección del público en la categoría de Viajes por su libro autoeditado Along the River, una búsqueda fotográfica espiritual en la India.

En el año 2015 ha publicado su segundo trabajo, Land, un viaje de auto-descubrimiento y de belleza a través de los paisajes de Israel, con el objetivo de inspirar a la unidad y la paz a través del poder de la naturaleza.


 

 

Referencias

 

 

 

Libros

viernes, 12 de febrero de 2016

Rafael Garzón Rodríguez

Rafael Garzón Rodríguez fue un fotógrafo andaluz (nacido en Granada en 1863 y fallecido en 1923) considerado uno de los fotógrafos españoles más importantes y activos de finales del siglo XIX del sur de España, por sus colecciones fotográficas de  monumentos, calles y escenas costumbristas de ciudades históricas como Granada, Sevilla, Córdoba, Málaga o Cádiz.

 

Rafael Garzón Rodríguez

Rafael Garzón Rodríguez

 

 

 

 

Biografía

Rafael Garzón Rodríguez cursó diversos estudios sobre fotografía en Madrid y creó en su ciudad natal su primer establecimiento en 1883, en la calle Real de la Alhambra. Los primeros años los dedicó principalmente  al Palacio de la Alhambra y a su Granada. Entre los años 1898 y 1901 se asoció comercialmente con  Rafael Señan, compartiendo su estudio de Granada. Posteriormente se estableció también en Córdoba y posteriormente en Sevilla, donde consiguió gran éxito comercial.

Principalmente se dedicaba  al sector turístico creando sus propios "souvenir" sobre las ciudades en las que se instalaba, como postales, estampas o incluso ofrecía la posibilidad de hacerse un retrato morisco en  sus estudios fotográficos, donde se representaban vistas de ciudades como Granada, Sevilla o Córdoba.

También fue fotógrafo oficial de  su Majestad Don Alfonso XIII durante su viaje a Granada en 1904 y fotografió a celebridades como Manuel de Falla, José Zorrilla y muchos otros personajes populares de la época que no dudaron en posar ante sus objetivos.

Se hizo famoso por sus retratos fotográficos realizados en su estudio dentro de La Alhambra. Sus fotografías ilustraron la Guía Comercial de Granada. En Sevilla, a donde llegó en 1901, montó un estudio con un suntuoso paisaje árabe con el fin de utilizarlo para sus fotografías. Hizo retratos de la aristocracia sevillana y también de los primeros turistas del siglo XIX que solían viajar a Andalucía.

Su  éxito se vio reflejado en múltiples publicaciones de la época tanto en libros españoles (Maravillas de España, Panorama Nacional, España Artística y Monumental) como extranjeros, que con sus fotografías los ilustraban. Además supo reunir espléndidas colecciones fotográficas en una gran variedad de temáticas y formatos.

También realizó trabajos fuera de Andalucía, como muestran las magníficas colecciones de Toledo de 1898, las de Gibraltar y Tánger. Falleció en 1923 pero sus estudios se mantuvieron abiertos hasta 1935. Su nieto, también llamado Rafael Garzón, conserva alrededor de 2.500 fotografías, la colección Fernández Rivero también tiene obra suya, así como la colección del Palacio Guevara en Lorca, Murcia.

Su obra ha formado parte de diversas muestras retrospectivas, como Viaje de ida y vuelta: fotografías de Castilla-La Mancha en la Hispanic Society of America, Imágenes en el tiempo, un siglo de fotografía en la Alhambra (1840-1940), celebrada en Granada por el Patronato de la Alhambra y el Generalife en 2002 y La fotografia a Espanya al segle XIX, organizada por la Fundación La Caixa en 2003.

 

 

Referencias

 

 

 

Libros