lunes, 30 de noviembre de 2015

David Zimmerman

David Zimmerman es un fotógrafo estadounidense (vive en la ciudad de Nueva York y en Taos, Nuevo México) cuyo trabajo se ha centrado durante las últimas dos décadas en paisajes y culturas en peligro de extinción por causas políticas, ambientales, sociales o económicas.

 

© David Zimmerman

© David Zimmerman

 

 

 

Biografía

David Zimmerman se graduó con honores en el Brooks Institute en 1981. Ya en 1982 se trasladó con su familia a la ciudad de Nueva York y comenzó su carrera fotografiando paisajes, proyectos ambientales y conceptuales, además de trabajos comerciales para Pepsi, Mercedez-Benz, Seagram, American Express, Unilever y otros.

Su estudio vid en fue construido con los estándares certificados LEED para la sostenibilidad. Su estudio está totalmente alimentado por energía solar, utiliza el agua de captación y es climatizado con energía solar.

Su trabajo ha ganado  numerosos premios y realiza exposiciones a nivel internacional. Consiguió el L'Iris D'or en los Sony World Photography Awards de 2009 por su trabajo en los desiertos del suroeste de los Estados Unidos.

Ha realizado proyectos fotográficos en los desiertos del suroeste de Estados Unidos, el Mar de Salton en el sur de California y un trabajo documental a lo largo del río Ganges en el norte de la India. Después de haber pasado 15 años trabajando en la India, su trabajo reciente se ha centrado en la comunidad tibetana en el exilio. Además de fotografiar el trabajo en los asentamientos urbanos y remotos, David ha llevado a cabo talleres de fotografía para estudiantes tibetanos refugiados como medio de comunicación y de preservación cultural.

 

 

 

Referencias

domingo, 29 de noviembre de 2015

Lu Yanpeng

Lu Yanpeng es un fotógrafo chino (nacido en 1984 en la provincia de Fujian, vive y trabaja en Pekín) que realiza fotografía de larga exposición.

 

© Lu Yanpeng

© Lu Yanpeng

Cuando no puedo dibujar, escribo poemas para registrar mis sentimientos.
Cuando no sé qué escribir, dibujo imágenes que se forman a partir de mis recuerdos.
Pero cuando descubrí la cámara, fue como si yo ya no pudiera escribir ni dibujar.
Desde entonces, todos mis sentimientos convergen dentro de los 30 ó 60 segundos.
Tal vez la mayoría de la gente se embriague a sí misma en un torrente de sentimientos o estados de ánimo.
Pero lo que quiero hacer son simplemente cosas que a menudo se pasan por alto, acaso los recuerdos que se olvidan.
Tal vez ellos no duren mucho tiempo, pero siempre existirán.

Biografía

Lu Yanpeng se graduó en el Instituto de Arte de la Universidad de Fujian en 2005. Al día siguiente de graduarse Lu se subió al tren de Fujian a Pekín, con sus sueños para películas. Nunca pensó que un día iba a caer en la fotografía. En realidad, aún hoy en día, para él, la fotografía es todavía sólo un verso de un poema, o una escena de una película.

Fue nominado para el premio FOAM Paul Huf en Holanda en 2011 y recibió el primer premio del Festival Internacional de Fotografía de Pingyao 2011 para el mejor fotógrafo por su trabajo en Open Air, siendo el artista más joven en recibir este premio, y la gente comenzó a prestar atención a este joven poco conocido que acababa de cumplir 27 años.

Lu y otros fotógrafos de la nueva generación son como una nueva ola en el mundo de la fotografía en China. En comparación con la expresión más solemne y el sentido de la misión en las obras de sus predecesores, pueden recurrir a las habilidades artísticas que han aprendido en las escuelas profesionales de arte, y tienden a centrarse en una expresión individual que es más ideal, buscando el alma de lo que fotografían. Tales características llevan la luz del post-modernismo al poco sombría fotografía china. Estos fotógrafos añaden un toque de ternura, poesía, placer, extravagancia e incluso algo  de absurdo en sus obras, sin comprometer la siempre presente reflexión y la exploración de la cultura tradicional china.

Sus obras están realizadas por la noche utilizando largos tiempos de exposición. Ha participado en numerosas exposiciones tanto en China como internacionalmente.

 

 

 

Referencias

 

 

Libros

  • Sense of Presence.

sábado, 28 de noviembre de 2015

Kieran Kesner

Kieran Kesner es un fotógrafo estadounidense (con base en Nueva York y Boston) que realiza fotografía documental.

© Kieran Kesner

© Kieran Kesner

 

 

 

Biografía

Kieran Kesner es un galardonado fotógrafo, camarógrafo y narrador visual. Tiene experiencia en fotoperiodismo, fotografía documental, editorial y comercial y está disponible para encargos internacionales, nacionales y regionales.

Kieran ha ganado recientemente un Webby a la mejor utilización de la fotografía y también obtuvo el primer lugar en Noticias Internacionales en los premios NPPA de fotoperiodismo.

Entre sus trabajos documentales podemos citar la crisis del ébola en Liberia, la vida de los gitanos en la Europa del Este e Irlanda y las recientes revueltas en Ucrania.

 


Referencias

viernes, 27 de noviembre de 2015

Chang Tsai

Chang Tsai fue un fotógrafo chino (nacido en 1916 en área de Dadaocheng en la ciudad de Taipei, fallecido en 1995) considerado uno de los “3 mosqueteros” de Taiwán en las décadas de los 30 a los 50. Sus imágenes eran íntimas, puras y poderosas, y se convirtió en un modelo para la fotografía documental taiwanesa.

 

ChangTsai

© Chang Tsai

 

 

No estoy muy educado. Yo sólo uso mi cámara para observar a la gente y las cosas. No tiene que parecer artística.

 

 

 

Biografía

Chang Tsai tenía un hermano mayor, Chang Wei-Hsian, que estaba apasionadamente comprometido con Movimiento de la Nueva Cultura de Taiwán. Su infancia estaba llena de recuerdos de subir al escenario para actuar en Drama Study Society que su hermano fundó, y de viajar lejos para participar en eventos interesantes. Esto despertó en él un sentimiento de preocupación y empatía por las vidas de la gente común.

En 1934, su hermano consiguió que estudiara fotografía en Japón, con algunos amigos que su hermano había hecho en el Pequeño Teatro de Tsukiji, que eran vanguardistas y partidarios de la Nueva fotografía. Se cambió a la Escuela Musashino de fotografía bajo la dirección de Senichi Kimura, y después de graduarse, continuó sus estudios en la Escuela Kudou de Fotografía, donde se especializó en el retrato.

En 1936 regresó a Taiwán, abrió un estudio de fotografía en Taipei. Entre 1942 y 1946, viajó a Shanghái tres veces, y con su cámara Leica documentó escenas callejeras urbanas de Shanghái. En esta serie de fotos no sólo exhibió un altísimo grado de maestría, sino también llenó en un espacio en blanco en la historia fotográfica de China durante la década de los 40.

Después de que el gobierno nacionalista chino se trasladó a Taiwán tras su derrota en la guerra civil china, Chang Tsai no pudo regresar a Shanghái. En cambio, participó en un estudio de campo de indígenas realizados por un grupo de profesores de antropología de la Universidad Nacional de Taiwán, realizando una célebre serie de fotografías de la Isla Orquídea y sus habitantes nativos, capturando su estilo de vida y personalidad sencilla y sincera.

Durante el mismo período, también fue profundamente fascinado con las celebraciones de los templos y de los grupos de ópera taiwanesa que agasajaba a los dioses en estos festivales. Su cámara capturó vivas imágenes de las bulliciosos fiestas populares religiosas taiwanesas de la década de los 50, adoradores solemnes, ofrendas, sacrificios de cerdos, y conmovedoras imágenes de bambalinas de intérpretes de ópera

Después montó una tienda de fotografía en 1957, concentrándose en el negocio de las fotos en color y comprometiéndose con menos frecuencia en la creación fotográfica. Durante la década de los 90, cogió su cámara de nuevo realizando una serie de coloridas fotos panorámicas de sus viajes por el extranjero. A través de un estilo abstracto, expresó simbólicamente las dimensiones psicológicas de sus últimos años y sus sentimientos acerca de la vida.

En 2010 se montó una exposición retrospectiva con más de 200 fotografías en blanco y negro, que abarca sus series Shanghai 1942 a 1946, Retratos de los aborígenes, Reflexiones de los Tiempos, Festival del sacrificio del cerdo, Sansia, Festival del Señor Dazhong, Sinjhuang, Bambalinas de la ópera taiwanesa, Un líder en la era de las Asociaciones Fotográficas y Ying Xin 1987-1989, además de su cámara Leica, fotos que tomó de escenas cotidianas de su vida y una colección de grabados originales.

 

 

Referencias

jueves, 26 de noviembre de 2015

Yusuf Sevinçli

Yusuf Sevinçli es un fotógrafo turco (nacido en Zonguldak en 1980, vive y trabaja en Estambul) cuyos contrastados blancos y negros, con grano grueso y superficies rayadas, tienen una dimensión atemporal que confiere fugacidad de nuestra vida cotidiana.

 

© Yusuf Sevinçli

© Yusuf Sevinçli

 

 

 

Biografía

Yusuf Sevincli se graduado de la Facultad de Comunicación de la Universidad de Marmara en Estambul en 2002. Trabajó como fotógrafo para varios periódicos y revistas entre 2000 y 2004, pero su fotografía dura y descentrada en su composición estaba fuera de los cánones de la fotografía de prensa, que no le llenaba. A punto de abandonar la fotografía, realizó un curso intensivo de 4 meses de  fotografía documental en la Nordens Fotoskola de Estocolmo en 2004, que marcó un punto de intersección dejando la fotografía documental y centrándose en una fotografía personal y subjetiva.

Usa imágenes en blanco y negro intenso con una mirada cargada de poesía. Fotografía escenas cotidianas en la ciudad que le fascina: Estambul, una ciudad que se ata con carne y sangre. Cada fotografía que toma es un fragmento íntimo, muchas veces casi nada, pero ya es todo, un íntimo diario visual. En cada esquina de los callejones sin salida de Beyoglu, el distrito que Sevincli recorre día y noche, puede palparse la nostalgia, pero también la vida del día a día contemporánea.

Llegó a la ciudad como un joven estudiante y ha vivido allí durante los últimos quince años, rodeado de una comunidad de artistas, la mayoría de ellos fotógrafos con los que comparte una pasión común por la imagen.

Construye su trabajo a través de varias series, como Good Dog, que ha sido objeto de numerosas exposiciones individuales y colectivas en Turquía, Europa y en todo el mundo (Mes de la foto en Moscú, Photobiennale Festival de Tesalónica,  festival Fotografia Europa Reggio Emilia en Italia, Fotografie Noorderlicht en Holanda, FotoFreo en Australia, ...).

Desde 2008, su trabajo se ha publicado en obras colectivas como Image Makers, Image Takers: The Essential Guide to Photography, etc. En 2011, fue seleccionado para participar en el programa
internacional Reflexions Masterclass en Venecia.

Su obra forma parte de las colecciones del Musée Français de la Photographie y del Istanbul Modern Museum.

 

 

Referencias

 

 

Libros

  • Good Dog 2012
  • Marseille(s) 2014
  • Walking

miércoles, 25 de noviembre de 2015

Laura Silleras

Laura Silleras es una fotógrafa española (nacida en Valencia en 1979) que muestra en su obra una mirada fascinada hacia la extravagancia que anida en cada uno de nosotros, una mirada que descubre el encanto de la naturaleza humana en lo que nos es extraño.

 

© Laura Silleras

© Laura Silleras

 

Biografía

Laura Silleras Salcedo se licenció en Comunicación Audiovisual en la Universidad San Pablo CEU de Valencia. Empezó a fotografiar de manera autodidacta. A los 19 años se fue a Londres a trabajar y ahorró para comprarse una cámara Hasselblad con la que no ha dejado de disparar desde entonces. Aún utiliza película. Compaginó sus estudios en la Universidad con sus trabajos fotográficos, aunque ha sido durante los últimos seis años, después de obtener la licenciatura, cuando la fotografía ha determinado su manera de vivir.

Desde 2007 ha vivido periodos en Berlín, México y, más recientemente, en Nueva York, ciudades que han marcado y modelado su mirada fotográfica. Lanzarse a la deriva, con todas sus consecuencias, ha sido crucial para el desarrollo de su persona y de su obra.

Laura Silleras ha publicado en diversas revistas como Ojo de Pez, El Replicante y Vice Magazine, y ha expuesto colectiva e individualmente, principalmente en Berlín.

Recientemente se trasladó a Nueva York donde ha trabajado en el International Center of Photography (ICP). Laura pasó cerca de dos semanas en 2013 explorando la vida más allá de la "ilusión del paraíso", donde las playas de arena blanca, los chiringuitos de mariscos y las competiciones de minigolf se transforman en suburbios, comunidades de jubilados en campos de golf y parques de caravanas, sin aceras o el centro de la ciudad, "donde los jóvenes piensan que están en el lugar más aburrido en la Tierra."

Entre sus trabajos más destacados se encuentran las series:

  • Chimuelos.- Laura pasa todos los inviernos en un rancho de un pueblo del estado de Veracruz. Ahí solía cruzarse y trabar conversación con hombres desdentados (en México les llaman chimuelos), muchos, y no paró hasta que convenció a unos cuantos para que se dejaran retratar.
  • Zircus circus cirque.-  Donde muestra un mundo de farándula entre bastidores, sin público ni escenario, en el que tragadoras de sables, domadores, payasos, contorsionistas y enanos ensayan una y otra vez esa habilidad que los hace únicos al tiempo que los lastra.

 

 

 

 

Referencias

martes, 24 de noviembre de 2015

Thomas Wrede

Thomas Wrede es un fotógrafo alemán (nacido en Iserlohn-Letmathe, Westphalia, en 1963) que, con sus paisajes, juega con la realidad y las perspectivas. A partir de pequeños escenarios en miniatura consigue crear grandes realidades.

 

© Thomas Wrede

© Thomas Wrede

 

Caminar por el mundo es importante para mí, para llegar a ser inspirado por el paisaje y su iluminación diferente. Luego utilizo métodos sencillos para crear nuevos mundos en mis fotos: mundos que sólo puede existir en la fotografía, y que se funden con las imágenes memorizadas del observador.

 

 

 

Biografía

Thomas Wrede estudió arte y realizó un master en la Academia de Bellas Artes de Münster, donde también daría clases años después. En 1990 estudió con Dieter Appelt en Salzburgo y Berlín. Desde 2015 es profesor de fotografía y medios de comunicación en la HBK de Essen.

Es nuestra relación con la naturaleza lo que le interesa: nuestro anhelo por la naturaleza y su descripción misma. Con su cámara observa cómo la naturaleza artificial se recibe de la misma forma que la naturaleza real. Esto es bien conocido en la filosofía alemana, donde filósofos como Immanuel Kant y Hegel Friedrich estudiaron la relación dialéctica de la naturaleza. Wrede continúa esta tradición alemana como fotógrafo, cuestionando nuestra percepción de la naturaleza.

Su última serie Real Landscapes está formada por manipulaciones de paisajes. Mediante la adición de detalles artificiales en una naturaleza real crea una escena que parece auténtica al principio, pero que el observador siente al poco tiempo que es irreal aunque parezca real. Son escenas oníricas  o  incluso pesadillas.

Durante los últimos años ha realizado numerosas exposiciones presentando sus obras dentro y fuera de Alemania. Como ejemplo de sus exposiciones individuales podemos citar las del Museum Kunst der Westkueste en Alkersum (2010), Kunsthalle Bielefeld (2010) y el Wallraf-Richartz-Museum, de Colonia (2007) y entre las colectivas las del National Museum for History and Art en Luxemburgo (2013), Seoul Museum of Art en Corea del Sur (2011)  y el Art Museum de Wuhan, China (2009). 

Su obra forma parte de colecciones como la Staatsgalerie de Stuttgart, Landesmuseum en Münster, The West Collection en Filadelfia, Kunst-am-Bau-projects en Berlín, UBS en Zúrich y  Lucerna, DZ-Bank de Frankfurt. También ha obtenido algunos premios importantes, como el Karl-Hofer-Preis del Hochschule der Kuenste en Berlín.


 

 

Referencias

 

 

 

Libros

lunes, 23 de noviembre de 2015

Montserrat Soto

Montserrat Soto es una artista catalana (nacida en Barcelona en 1961) cuya obra se ha desarrollado a través de fotografías e instalaciones en diferentes series. Se centra en el espacio, el lugar y el paisaje, con el vacío como elemento preponderante. Los almacenes de museos y las casas de coleccionistas han sido el eje de algunas de sus series en que analiza el lugar del arte.

 

© Montserrat Soto

© Montserrat Soto

 

 

Biografía

Montserrat Soto se formó como pintora en la Escola Massana de Barcelona. Posteriormente, estudió Bellas Artes en Grenoble (Francia). Durante su aprendizaje realizó una estancia en el PS1 de Nueva York. En 1989 tuvo lugar su primera exposición en la Sala D’art Municipal Can Massallera de Sant Boi de Llobregat, Barcelona, y desde entonces se ha servido de la fotografía y el vídeo como medio expresivo habitual.

Trabaja principalmente la fotografía y las instalaciones, sobre todo en formato de series. Trabaja el espacio, el lugar y el paisaje, analizando el vacío como un elemento destacado. Partiendo de esta base, cobra especial interés el lugar que ocupa el espectador, que funciona como el referente humano latente. Son frecuentes en sus imágenes las puertas y ventanas, elementos delimitadores de los espacios por los que invita al público a transitar y reflexionar sobre el paisaje, la ciudad, el espacio y el arte. Algunas de sus series más exitosas documentan almacenes de museos y/o casas de coleccionistas.

En este sentido se inscribe una de las líneas que marcan su carrera: el registro de espacios dedicados al arte. Series como Silencios (1997), en la que retrata los almacenes vacíos de algunos museos españoles, y Paisaje secreto (1998-2002), en la que se adentra en las casas de coleccionistas, dan cuenta de la dialéctica entre el espacio expositivo y su trastienda. También ha abordado el registro reflexivo del paisaje contemporáneo mediante el viaje en trabajos como Invernaderos (2002-03), Huellas (2004), un trabajo dedicado a los paisajes industriales, Escrito sobre Piedra donde aborda el tema del paso del tiempo a partir de lugares aparentemente abandonados y desolados, y el proyecto en curso Doom City, iniciado en 2005, y del que presentó la serie The People on the Edge en La Fábrica en Madrid en 2011.

Destacan igualmente sus exposiciones Tracking Madrid en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid en 2005, Paisaje secreto en Photo España 2004 y en el Museo Patio Herreriano de Valladolid en 2007 y Diálogos a la intemperie en el Museo de Bellas Artes Emilio Caraffa de Córdoba, Argentina, en 2010.

Su obra forma parte de colecciones públicas y privadas como las del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Comunidad de Madrid y el Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León.

 

 

Referencias

 

 

 

Libros y catálogos

domingo, 22 de noviembre de 2015

Elena Vizerskaya

Elena Vizerskaya es una fotógrafa, creadora digital y dibujante ucraniana (nacida en Kiev, donde vive) cuya obra tiene una enorme carga emocional, con escenarios surrealistas en los que la figura femenina y su sensualidad sirven como impulsor de emociones.

 

© Elena Vizerskaya© Elena Vizerskaya

 

 

Biografía

Elena Vizerskaya, más conocida como Kassandra, estudió en el instituto de Arte y Diseño de Kiev, en la especialidad de Diseño de Medio Ambiente, en lo que nunca ha trabajado. Comenzó a crear sus obras en 2004, sin ninguna intención comercial. A partir de 2009 se planteó la posibilidad de vender sus fotos, y lo hace en istockphoto, con una obra no convencional, pero que obtiene gran aceptación.

Su pasión por la fotografía y la creación de collages comenzó espontáneamente en la infancia y se convirtió en una posibilidad de auto-expresión y una la manera de decir algo que no se puede decir con palabras. Sus obras a veces se pueden comparar con las de Dalí y Magritte, debido a la complejidad de las figuras artísticas y al gran número de capas de percepción, aunque es sin duda un lenguaje artístico original y absolutamente impredecible.

La figura femenina es la protagonista principal en la mayor parte de su trabajo. El erotismo y la sensualidad van implícitas en sus fotografías, aceptando la desnudez como vehículo comunicativo y transmisor de sensaciones y sentimientos y alejándose claramente de una definición más sexualmente explícita.

Sus trabajos se han utilizado en portadas de revistas e ilustraciones, grabados de ropa y campañas publicitarias.

 

 

 

Referencias

 

 

Libros

sábado, 21 de noviembre de 2015

Toni Amengual

Toni Amengual es un fotógrafo balear (nacido en Mallorca en 1980, con base en Barcelona) que utiliza la fotografía como  herramienta de exploración, un viaje de ida y vuelta, de dentro a fuera, centrándose en la fotografía documental contemporánea y los límites de la fotografía como medio para representar y entender el mundo en el que vive.

 

© Toni Amengual

© Toni Amengual

 

 

El mundo es un teatro y el flash me ayuda a potenciar esa teatralidad.

 

 

 

Biografía

Toni Amengual es licenciado en Biología y postgraduado en Fotoperiodismo. Empezó su formación fotográfica en el año 2000, recibiendo enseguida diferentes premios y becas. Ha sido investigador, cooperante y fotógrafo para contenidos relacionados con el medio ambiente y la salud en países como Guatemala, Camerún, Finlandia, Tanzania y República Dominicana. Actualmente trabaja como fotógrafo independiente.

Entre los años 2010 y 2012, Amengual fotografió casi compulsivamente a personas con el sufrimiento reflejado en su rostro. Es su manera de estudiar la situación de crisis en España. Un día cualquiera, en Barcelona, Madrid o Mallorca, da igual el lugar; unos ojos ocultos tras unas enormes gafas de sol, el luto en el abrigo, un pelo en blanco y negro y un gesto de tristeza llamaron poderosamente la atención del fotógrafo que no pudo contenerse, necesitaba retratar a esa mujer que cruzaba la calle; no llevaba la cámara, sacó el móvil y con un clic hizo el primer retrato que desencadena PAIN.

Después de dos años, con más de 2500 personajes fotografiados con el móvil y la idea clara de ver su trabajo impreso se presentó en el estudio de diseño Atlas, y en colaboración con Astrid Stavro y Pablo Martín (Premio Nacional de Diseño 2013) desarrolló de su libro cuyo diseño y fotografía forman una irresistible pareja, consiguiendo el premio al Mejor Libro Autoeditado en PhotoEspaña 2015, formando parte de la colección de libros del MOMA de Nueva York al ser finalista del Premio Anamorphosis, y opta al primer premio como mejor libro autoeditado del año. En 2015 ha publicado su libro Devotos, que sigue la estela de éxito de PAIN.

Amengual fue seleccionado en Descubrimientos PhotoEspaña 2010 y en Talent Latent en el Scan Tarragona 2010. También fue el ganador del Absolut Portfolios Nuevo Documentalismo en 2013.

Enseñó de 2009 a 2012 fotografía en la Escola Superior Balear de Palma de Mallorca y posteriormente en la escuela de fotografía IDEP de Barcelona. Creó el foto festival Visionaris 2008 en la fundación Pilar i Joan Miró en Palma de Mallorca. Desde 2009 trabaja como comisario y organizador de los talleres del Es Baluard Modern and Contemporary Art Museum de Palma de Mallorca. 

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

viernes, 20 de noviembre de 2015

Gabrielle Duplantier

Gabrielle Duplantier es una fotógrafa francesa (nacida en 1978 en Bayona) cuyo mundo fotográfico parece separarse voluntariamente de toda la realidad temporal o social. Siempre está buscando imágenes hermosas que existan fuera de cualquier contexto.

 

© Gabrielle Duplantier

© Gabrielle Duplantier

 

 

 

Biografía

Gabrielle Duplantier realizó estudios de pintura y de historia del arte en la Facultad de Artes Plásticas de Burdeos y, para ella la fotografía era una afición que iba aprendiendo de forma autodidacta. En sus fotografías aparecían sus amigos, personas cercanas con las que compartía la vida. Las imágenes las elaboraba en su laboratorio utilizando un particular tratamiento estético, inspirado en la noble belleza de los secretos femeninos.

Después de sus estudios universitarios, decidió dedicarse a la fotografía y se fue a París, donde trabajó como asistente de varios fotógrafos y, tras regresar al País Vasco Francés hacia 2002, se dejó inspirar por este país rico y enigmático y publicó una serie sobre Iparralde, donde paisajes, animales o seres humanos se revelan como visiones impresionistas en espacios interminables. La densidad del blanco y negro da a menudo a sus imágenes un aire sobrio y abstracto, una profundidad enigmática.

Ha publicado 3 libros, su fotografía aparece en prensa, en el mundo editorial o en el musical, como en Photos Nouvelles, Shots Magazine, Gente di fotografia, Le Festin, Pays basque magazine, Geokompakt, Philosophy magazine… y también se expone con regularidad. En 2012, apareció en MONO, una monografía de los mejores fotógrafos en blanco y negro de estilo contemporáneo con artistas como Michael Ackerman, Trent Parke, Anders Petersen o Roger Ballen.

Su estilo fotográfico personal está inspirado en la pintura, y es un universo íntimo, principalmente femenino, que busca eliminar de las escenas lo ordinario, con un tratamiento oscuro del blanco y negro. Gabrielle hoy continúa trabajando en el retrato femenino, uno de sus temas preferidos, y en Portugal, el país de sus raíces, a donde viaja regularmente.

 

 

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Libros

jueves, 19 de noviembre de 2015

María María Acha-Kutscher

María María Acha-Kutscher es una artista visual peruana (nacida en Lima en 1968, vive en Madrid, España) que tiene a la mujer como eje central de su trabajo. Su historia, la lucha por la emancipación y la igualdad, y la construcción cultural de lo femenino.

 

© María María Acha-Kutscher

© María María Acha-Kutscher

 

En el caso de la serie Indignadas, cuando muestro a una mujer en plena acción política estoy representando a una mujer empoderada que transgrede el espacio tradicional creado por el patriarcado. Sale de la esfera doméstica para entrar a la pública, un espacio que todavía sigue dominado por los hombres. Mi trabajo cumple una doble función: la de ser un objeto artístico que opera dentro de la institución arte y la de contribuir a las transformaciones sociales y políticas, especialmente en la mujer.

 

 

 

Biografía

María María Acha-Kutscher estudió en la Facultad de Bellas Artes de la Pontificia Universidad Católica del Perú. Enseguida se fue a Ciudad de México, donde estuvo 10 años trabajando como directora artística de agencias de publicidad. En 2001 se trasladó a Madrid donde comenzó a desarrollar su trabajo artístico. Co-dirige con Tomás Ruiz-Rivas el proyecto Antimuseo.

Posiblemente sea una de las pocas artistas de su generación que se define como feminista. Y esta decisión es particularmente acertada por la dimensión política de su obra y porque ésta no se adscribe a ningún lenguaje, estética o estilo, ni se identifica con técnicas o formatos específicos. Organiza su trabajo en proyectos de largo plazo, para cada uno de los cuales desarrolla un lenguaje y una metodología propios.

Womankind es la obra más íntima e intuitiva de la artista, donde emerge su compleja identidad cultural, con raíces criollas, chinas y africanas por un lado, y por otro un mundo legendario, con tintes oníricos, transmitido por su abuela Irmgard, alemana de origen y exiliada del nazismo.

A partir de imágenes provenientes de revistas femeninas, de Internet, revistas, libros y fotografías tomadas por la artista, María María construye de manera digital una serie de collages fotográficos, ambientados en dos de los momentos más importantes en la historia de las mujeres: el movimiento sufragista británico de principios de siglo XX y la introducción masiva de la pastilla anticonceptiva en los años 60. Estos collages retratan no sólo ámbitos femeninos, sino que funcionan como registros de la historia de la representación de la mujer en el arte y el diseño

La serie más singular dentro de este proyecto es Les Spectaculaires, 10 collages fotográficos cuyas protagonistas son mujeres que estuvieron afectadas por algún tipo de “anormalidad”. Mujeres con una condición física excepcional que las hacía únicas, como la carencia de brazos o piernas, la estatura mínima o exagerada, un rostro cubierto de pelo o los cuerpos unidos de las siamesas. Las fotografías originales, sobre las que ha trabajado la artista, son de finales del siglo XIX y principios del XX, cuando estas mujeres aún trabajaban en circos, donde se exhibían como rarezas humanas.

Ha recibido numerosos reconocimientos entre los que destacan: Beca a la Creación Contemporánea-Matadero (2012), mención de honor en el Premio Iberoamericano Cortes de Cádiz (2012) y Beca para la Promoción del Arte Español Contemporáneo del Ministerio de Cultura (2010).

Ayudas a la creación contemporánea del Ayuntamiento de Madrid (2008 y 2012), Ayudas a la Producción de Artes Plásticas 2012 de la Comunidad de Madrid, Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León - MUSAC - VI Edición Becas de Creación Artística 2011, Ayudas a la Promoción del Arte Contemporáneo Español 2010 - Ministerio de Cultura de España.

 

 

Referencias

 

 

Libros

miércoles, 18 de noviembre de 2015

Che’ Ahmad Azhar

Che’ Ahmad Azhar, también conocido por Che Mat, es un fotógrafo malayo (nacido en Alor Setar, vive en Putrajaya, Wilayah Persekutuan) considerado como el más importante fotógrafo de calle de Malasia. En su trabajo, que abarca más de 20 años, ha desafiado continuamente a los espectadores con sus composiciones sofisticadas y su sensibilidad a los detalles.

 

© Che’ Ahmad Azhar

© Che’ Ahmad Azhar

 

 

Biografía

Che’ Ahmad Azhar es profesor de la Facultad de Creativa Multimedia de la Universidad Multimedia, de Cyberjaya, Selangor. Un miembro pionero de la facultad, ha enseñado en el campo de la comunicación visual y la fotografía en la facultad durante dieciséis años.

Che Mat aprendió los fundamentos de la fotografía durante sus años de estudiante. Después de graduarse, trabajó como director de arte en agencias locales e internacionales. Se dedicó  a la enseñanza en los años 80 después de casarse, pues no podía ser un hombre de familia y mantener las horas de trabajo exigidas en la industria de la publicidad.

Inicialmente se dedicó a la fotografía de paisaje, pero le resultó frustrante depender de la inconstancia de la madre naturaleza. Experimentó con macro, naturaleza muerta, fotografías de estudio. Pero cuando se encontró con la fotografía de calle, un género que él ni siquiera sabía que tenía un nombre, descubrió su vocación.

Fotógrafo apasionado, su trabajo ha sido publicado en el Invisible Photographer Asia (IPA) y el blog Lens del The New York Times.

También ha realizado exposiciones individuales en el Obscura Photography Festival de Penang, Leica Gallery en Kuala Lumpur y Singapur. Es invitado frecuentemente como jurado, orador invitado y organizador de concursos de fotografía y talleres nacionales e internacionales.

Su trabajo más reciente Walk Of Life una documentación visual sobre la vida en las calles de Kuala Lumpur, la capital de Malasia. Todos los sábados durante casi ocho años, este ex director de publicidad y fotógrafo de paisajes merodea 3 calles de Kuala Lumpur, Petaling Street en el barrio chino, Leboh Ampang en Little India y Pudu, un enclave chino. Conviviendo con las personas que viven allí, se ha convertido en un fotógrafo de calle experimentado que puede dar sentido a paisajes urbanos locos y vidas vividas. Vendedores ambulantes sin rostro, cocineros y peluqueros, adivinos, guardias de seguridad fueron una vez extraños para él, pero ahora son una nueva rama de su familia.

 

 

Referencias

martes, 17 de noviembre de 2015

Pavel Titovich

Pavel Titovich es un fotógrafo ruso (nacido en 1983 en Belgorod) cuyo trabajo está centrado casi exclusivamente en la figura humana (principalmente femenina). Sus fotografías ofrecen un aspecto vintage y sensual donde la iluminación suave y los accesorios utilizados nos dan la sensación de estar realizando un viaje en el tiempo y visionando escenas de épocas pasadas.

 

Play Chess © Pavel Titovich

Play Chess © Pavel Titovich

 

 

Biografía

Pavel Titovich se diplomó en la Universidad Tecnológica Estatal de Perm. En 2005, se asoció al club de fotografía Perm.

Pavel Titovich cuenta una historia diferente en cada trabajo, mezclando cuerpos desnudos con extraños elementos en una sola imagen y jugando con la puesta en escena y el aspecto envejecido de las fotografías, con lo que consigue despertar sentimientos oscuros y tenebrosos.

Siempre pone a la persona en el centro de su obra, que es sensual con predominio del desnudo y tiene un aspecto vintage. La iluminación suave y los accesorios y el atrezo utilizados dan las imágenes una sensación de ensueño, fotos que podrías encontrarte en el ático de una vieja mansión olvidada.

Desde 2007 participa en concursos internacionales de fotografía artística, habiendo conseguido distintos premios, entre ellos el Grand Prix Hiii Photography de 2012 en China, por su serie Monologue.

 

 

Referencias

lunes, 16 de noviembre de 2015

Frank Ward

Frank Ward es un fotógrafo estadounidense (nacido el 19 de abril de 1949 en Taunton, Massachusetts) que, como fotógrafo documental, ha trabajado con refugiados, inmigrantes, nómadas, peregrinos y exiliados. Sus temas principales son poblaciones en transición y culturas en riesgo.

 

© Frank Ward

© Frank Ward

 

 

Fotografío porque tengo que hacerlo. Es mi forma de reaccionar ante el mundo que me rodea. La fotografía es el método que utilizo para dar sentido a las cosas. … Prefiero evitar la guerra y otros desastres, pero hago un esfuerzo para hacer frente a las secuelas de los problemas y buscar anotaciones visuales de bienestar social o de angustia. Busco la belleza de las personas dentro de la incertidumbre de las circunstancias, y la posibilidad de trascendencia, a pesar de los problemas políticos o sociales.

 

 

 

Biografía

Frank Ward realizó un master en Bellas Artes en el Bard College y obtuvo una beca del Consejo Cultural de Massachusetts en 2011 por su trabajo en la antigua Unión Soviética. Anteriormente, la Fundación Nacional para la Fundación del Arte en Nueva Inglaterra le concedió una subvención para su trabajo con la comunidad puertorriqueña en Holyoke, Massachusetts. La Fundación Polaroid y la revista ViewCamera Revista han premiado su trabajo en el Tíbet y la Rotary Foundation financió su proyecto en la India.

Ha realizado cuatro viajes a la antigua Yugoslavia con el apoyo de Los Amigos de Bosnia y el Centro para el Desarrollo de los Balcanes. Estos trabajos han sido expuestos en Estados Unidos y Europa.

Cuando no está dando clases en Holyoke, donde es profesor en el Departamento de Artes Visuales del Holyoke Community College o liderando talleres de fotografía en países de Asia Central como Uzbekistán y Tayikistán, realiza sus proyectos freelance.

 

 

 

Referencias

 

 

Libros

  • Lost in Siberia, con texto de Vivian Leskes, 2011
  • Curious Footprints, con texto de Nancy Pick, 2005.

domingo, 15 de noviembre de 2015

Mireya Masó

Mireya Masó es una artista catalana (nacida en Barcelona en 1963) cuyas creaciones fotográficas y audiovisuales, que evitan toda escenificación, se basan en el estudio de la relación del hombre con el paisaje y los animales, tratados estos últimos como álter ego del ser humano.

 

© Mireya Masó

© Mireya Masó

 

En arte, para realizar cualquier gesto que vaya mas allá del pensamiento es inevitable alterar la naturaleza; por eso intento que cada acto esté plenamente justificado.

La Antártida es la presencia visible del cambio. El tiempo cronometrado se materializa en un discurrir sin pausa de sol y niebla, de calma, de nevadas y pedregales despejados por el viento, de mareas, de avances y retrocesos de témpanos y escombros sobre la bahía. Es un paisaje en movimiento, nada permanece mas allá del instante. Aquí en la Antártida cada segundo tiene el valor del presente. Aparece y desaparece antes de poder recordarlo.

 

 

Biografía

Mireya Masó estudió en Barcelona en la Escola Eina, en la Reial Acadèmia Catalana des Belles Arts de Sant Jordi y el doctorado en la Universitat Pompeu Fabra

Ha sido artista en residencia en el Centrum Beeldende Kunst de Rotterdam en 1998,  en el Europees Keramisch Werkcentrum en 1999, Delfina Studio Trust Award de Londres en 2000 y 2001, Stichting Kaus Australis de Rotterdam en 2002 y en la Base Esperanza en la Antártida Argentina en 2006.

Presente en PHotoEspaña 2006 con su trabajo Antártida: experimento nº 1 en Casa de América en Madrid, destacan sus exposiciones y proyecciones A22A y Upsouth Down en Arcomadrid en 2007, Elephants’ Heaven en Fotoencuentros en Murcia en 2007 y Antartida: tiempo de cambio en Arts Santa Mònica de Barcelona y en el Centro Cultural de España en Montevideo en 2010, YKS en el Centro de Arte Contemporáneo de Málaga en 2003, Circus en la Photo-Biennale de RAM Foundation en Rotterdam en 2003, Les sens ne mentent pas en el Espace des Arts en Colomiers en 2002, Mondial evàsion en el Museu d’Art de Sabadell en 2000, Mesas para entenderme en el Europees Keramisch Werkcentrum de Den Bosch en 1999 y The Same Thing Has “Drie” Meanings en Stichting Kaus Australis en 1998.

Su obra forma parte de las colecciones del Centro de Arte Dos de Mayo en Móstoles, Madrid, y el Centro de Arte da2 de Salamanca, entre otras.

A lo largo de estos últimos años su reflexión ha estado muy centrada en la relación del hombre con el paisaje. En un principio se internó en una serie de parques naturales y más recientemente su investigación la llevó a trabajar en la estación polar de la Antártida. En estos espacios ha procedido a un registro detallado de secuencias e imágenes que indagan sobre los procesos de cambio y transformación, sobre cómo el ser humano percibe su entorno, se hace cargo de sus significados, toma conciencia de su poder de intervención y es capaz de registrar espacios de conciencia en la naturaleza.


 

Referencias

 

 

Libros

sábado, 14 de noviembre de 2015

Zisis Kardianos

Zisis Kardianos es un fotógrafo griego (nacido en 1962 en la isla de Zakynthos, donde vive) que intenta lograr a través de sus fotografías la realización de un mundo imaginario, donde incluso las situaciones más prosaicas puedan adquirir un matiz misterioso y un significado diferente del que tienen en la realidad.

 

© Zisis Kardianos

© Zisis Kardianos

 

La vida no es la vida que te dan para vivir, sino la vida que recuerdas y la vida que puedes contar.

 

 

Biografía


Zisis Kardianos estudió sociología en el Deree College y se graduó en fotografía documental en la Escuela Focus de Atenas. Es un apasionado por todas las artes y por el pensamiento creativo. La fotografía es su obsesión, retomada con fuerza en 2004, junto con el coleccionismo de libros de fotos y hacer sus propias copias.

Sus fotos reflejan lugares que ha visitado en Grecia y en varios países del Mediterráneo y han sido publicadas en revistas griegas y extranjeras, revistas de viajes, portadas de libros, así como en varios sitios online.

En 2012 participó en el Foto Festival de Atenas con una exposición individual de su serie Off-Season. También en el mismo año se publicó su libro A sense of place, con fotografías en blanco y negro de su isla natal vista a través de la perspectiva oblicua de un fotógrafo de la calle.

Es miembro fundador del grupo colectivo de fotografía Burn My Eye y miembro colaborador de la agencia de fotos Millenium.

Su objetivo final como fotógrafo es documentar y crear imágenes que duren toda la vida. Le encanta viajar a lugares donde nunca haya estado antes y conocer gente nueva. Ama la vida y todas las oportunidades que ésta le da de capturar momentos a través de su lente.

Su exploración fotográfica trata de ser sugerente, de tomar el pulso de una calle que ya no está llena de vitalidad comercial ni de, incluso, una euforia falsa como hasta hace unos años, sino de una mezcla inefable de frustración, tristeza e ira, intentando penetrar en el “momento vital” de las personas.

 

 

Referencias

 

 

 

Libros