sábado, 31 de octubre de 2015

Mo Kwang

Mo Kwang es un fotógrafo coreano (nacido en 1979 en Seúl, donde vive y trabaja) que manipula hábilmente sus imágenes para asemejarlas a sus  recuerdos de infancia y sueños, creando universos sin límite, espacios atemporales, de otro mundo, donde sus personajes parecen cómodos.

 

© Mo Kwang

© Mo Kwang

 

 

Biografía

Kwang Mo estudió formalmente fotografía en la Escuela Kaywon de Arte y Diseño en Corea. Fue galardonado con el Premio al fotógrafo joven en la Daegu Photo Biennale y un plaza en el SeMA (Seleccionado Artistas Emergentes) del Museo de Arte de Seúl en 2010.

En 2010, Mo también fue nominado para el premio Prix Pictet en Francia. En sus fotografías viradas al sepia que fueron seleccionadas para la exposición New Photography in Korea II, difumina la línea que separa la fantasía de la realidad.

Ha realizado diversas exposiciones en grupo, como las de New Photography in Korea I y II, en Pekín y París, y en solitario, como Third Story en la Galerie Paris-Beijing en París en 2013.

 

Referencias

 

 

 

Libros

viernes, 30 de octubre de 2015

Jacko Vassilev

Jacko Vassilev es un fotógrafo de prensa y artístico búlgaro (nacido en 1951 en Stara Zagora, vive en EEUU) que con su cámara de 35 mm como pluma y película en blanco y negro como tinta escribe  a través de rostros la historia eterna de la lucha humana por sobrevivir en un mundo de pobreza, totalitarismo e indiferencia.

 

The First Kiss of Freedom © Jacko Vassilev

The First Kiss of Freedom © Jacko Vassilev

 

Las expresiones grandes e interminables en sus rostros son tan naturales y reales, que a veces me gustaría que mi fotografía pudiera haber capturado el olor y el sonido.
La fotografía es una herramienta que utilizo para romper fronteras: no regímenes, no muros, no políticos corruptos.
Por donde pasee y mire, yo fotografiaré la humanidad.
Este es mi regalo para las generaciones futuras.

 

 

Biografía

Jacko Vassilev nació en 1951 de padres librepensadores en la Bulgaria comunista. Cuando era niño, soñaba con la libertad, enseñado por sus padres para "hacer preguntas" y para "leer entre líneas"  y así tuvo sus primeros problemas en la escuela. Con 28 años intentó escapar de su país, pero le detuvieron y le llevaron a un duro campo de trabajo durante un año, al que sobrevivió manteniendo su mente  clara.

Fotógrafo de prensa y artístico de renombre internacional, trabaja activamente en el campo de la fotografía desde 1983. Su obra ha sido ampliamente mostrada en todo el mundo en museos y galerías, instituciones y colecciones privadas. Su interpretación de Bulgaria está centrada en la mirada de los campesinos, comunicándonos la fuerza del espíritu humano que prevalece a pesar de las condiciones de vida primitivas y la opresión política. Su archivo y laboratorio fueron allanados en el pasado, acusado de presentar el lado "malo" de Bulgaria.

Sus fotografías se incluyen en las colecciones permanentes del Centro Internacional de Fotografía de Nueva York, el Centro Europeo de la Fotografía en París, el Museo de Bellas Artes de Houston, entre otros.

Desde 1996 Vassilev ha estado residiendo y viajando por todo Estados Unidos para documentar a los norteamericanos en un libro de retratos, que pronto será publicado.

 

 

Referencias

 

 

Libros

jueves, 29 de octubre de 2015

Goran Tomasevic

Goran Tomasevic es un fotorreportero serbio (nacido en Belgrado en 1969) que trabajaba para la agencia Reuters desde 1996 y que ha pasado más de 20 años cubriendo historias de guerras y revoluciones y consiguiendo algunas de las imágenes más perdurables de los conflictos de los Balcanes, Irak, Afganistán, Libia y Siria. Su amplia obra incluye series fotográficas de Sudán del Sur, Cachemira, Mozambique, República Democrática del Congo, Nigeria y también la cobertura de Juegos Olímpicos y Copas del Mundo de fútbol.

 

© Goran Tomasevic / Reuters

© Goran Tomasevic / Reuters

Cuando he estado en un campo de batalla siempre me las he arreglado para mantener la mente clara.

 

 

Biografía

Goran Tomasevic tuvo que vender su moto cuando era adolescente, por orden de su padre, para comprarse una cámara. Uno de los mejores amigos de su hermana, Mico Smiljanic, era fotógrafo y le enseñó la escala de grises y un montón de cosas. Fue un maestro increíble y una gran influencia. Lo que aprendió cuando tenía 13 o 14 años era realmente importante, eran los fundamentos técnicos de la fotografía, y así cuando empezó a trabajar tenía ya un gran camino recorrido.

Fotografió las guerras que siguieron a la desintegración de la antigua Yugoslavia para un periódico local, y en 1996 se unió a Reuters. Cubrió las tensiones políticas latentes en Kosovo y las manifestaciones anti-Milosevic en su ciudad natal de Belgrado. Durante los tres meses de los bombardeos de la OTAN en Serbia en 1999, Tomasevic fue el único fotógrafo que trabajaba para la prensa extranjera.

Se trasladó a Jerusalén en 2002, cubriendo la segunda Intifada palestina. Durante la invasión de Irak en 2003, su imagen de un marine estadounidense viendo el derribo de una estatua de Saddam Hussein se convirtió en una de las imágenes más icónicas de la guerra. Después ha vuelto a menudo a Irak y también ha fotografió regularmente en Afganistán. 

Tomasevic se trasladó a El Cairo en 2006 y estuvo en el corazón de la Primavera Árabe. En Libia, una imagen de una bola de fuego en un ataque aéreo contra combatientes pro-Gadafi se convirtió en una imagen icónica de la guerra de Libia, adornando las portadas de más de 100 periódicos de todo el mundo. Sus crudas imágenes de los combatientes rebeldes a Assad entre las ruinas de Alepo y Damasco han obtenido un gran reconocimiento internacional, al igual que su cobertura del sangriento asedio a un centro comercial de Nairobi en Kenia, donde tiene su sede.

Su trabajo ha sido reconocido con numerosos premios internacionales de prestigio, como Fotógrafo del Año Reuters en 2003, 2005, 2011 y 2013, mejor fotografía de Reuters del año en 2008. En 2014, fue galardonado con el primer premio en la categoría Spot News Stories en el World Press Photo y el segundo y el tercer premio en News Imagen Story en POYi. Ha ganado el China International Press Photo of Year en 2011 y otros muchos.

En 2012 expuso en Praga en 2012 su fotografía de guerra, de más de dos décadas de conflicto. Tomasevic es ahora Chief Photographer de la agencia Reuters en el este de África, con sede en Nairobi.

 

 

 

Referencias

miércoles, 28 de octubre de 2015

Mark Tuschman

Mark Tuschman es un fotógrafo estadounidense (vive en Menlo Park, California) que lleva trabajando como freelance por más de 35 años y que ha dedicado gran parte de la última década en documentar los desafíos mundiales de salud y las cuestiones de derechos humanos de las mujeres, en colaboración con agencias de la ONU, fundaciones y organizaciones no gubernamentales.

 

© Mark Tuschman

© Mark Tuschman

 

 

La fotografía es un lenguaje universal y es mi esperanza que mis imágenes moverán a los espectadores para responder no sólo con la empatía, sino también con la acción. Es mi intención fotografiar a las personas con compasión y dignidad con la esperanza de comunicar nuestra interrelación.

 

 

 

Biografía

Mark Tuschman estudiaba neurofisiología de la visión cuando comenzó a interesarse por la fotografía. El cuarto oscuro de un compañero de estudios y algunos libros de Ansel Adams le convirtieron en un adicto. En Dinamarca, después del posgrado empezó a fotografiar más seriamente.

Cuando regresó a los EEUU, trabajó en el Stanford Medical Center en un sistema informático para ayudar a evaluar los tratamientos, compartiéndolo con la fotografía y su proyecto Where We Stand donde entrevistaba y fotografiaba a personas mayores con discapacidad destacadas dentro de sus limitaciones físicas.

Su objetivo era ser un fotógrafo artístico y hacer exhibiciones y libros, pero aun con exposiciones en San Francisco y compra de obra por el SFMOMA no podía vivir de la fotografía. Cuando su hijo nació en 1979, tuvo que elegir entre continuar en informática o convertirse en un fotógrafo comercial, ya que la vida viajera de un fotógrafo tipo National Geographic le hubiera impedido ver crecer a su hijo. Así, ha sido un fotógrafo corporativo durante 30 años, con mayoría de clientes en los campos de la salud y farmacéuticos.

Desde 2001 también ha dedicado su energía a temas de la salud y el desarrollo mundial, en especial a la salud en la maternidad de las mujeres. Su primer libro, Still I Rise, trata sobre la importancia del cuidado de la salud reproductiva de las mujeres, y fue apoyado por una beca de la Fundación Packard. Capital of Hope es un libro documental visual sobre los efectos de las micro finanzas en el pueblo de Pokuase, Ghana. Publica este mes su libro Faces of Courage: Intimate Portraits of Women on the Edgeque documentar la lucha por su autonomía de mujeres y niñas en el mundo en desarrollo, en el que estado trabajando en los últimos diez años.

Como fotógrafo comprometido con los problemas de la salud y el desarrollo mundial, tuvo el privilegio de recibir el premio al fotógrafo del año del Global Health Council en 2009-2010. En 2014, fue galardonado con el gran premio de Socialdocumentary.

Ha colaborado con varias ONGs como The Global Fund for Women, EngenderHealth, Packard Foundation, Planned Parenthood, Packard Foundation, WomensTrust y el UNFPA, y su trabajo ha sido presentado en muchas conferencias de salud y sus imágenes se han utilizado para ilustrar diversas de temas de abuso, niñas novias y problemas de dote en la India, prevención del tracoma, de la diabetes, el tratamiento de la lepra en la India y la Iniciativa contra la malaria en África y Asia.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

martes, 27 de octubre de 2015

Rongrong & inri

Rongrong & inri es un dúo fotográfico formado por el chino Rong Rong (nacido en 1968 en la provincia de Fujian) y la japonesa Inri (nacida en 1973 en la prefectura de Kanagawa), que crean transcendentales imágenes que provocan reflexiones sobre la percepción humana del mundo y el contraste entre el medio natural y el urbano.

 

 

© Rongrong & inri

© Rongrong & inri

 

 

Cuando, a través de la lente, las dos escenas que uno ve se convierten en una, entonces las escenas sobrepasan el paisaje que se encuentra ante nosotros y crean un solo universo. La gente que visita estos sitios no puede percibir el mundo de nuestra experiencia. Ese mundo solo se puede poseer en nuestro interior a través de estas fotografías. La gente se introduce a menudo en la obra que ve, como si ellos mismos se hubieran convertido en los sujetos de la foto. Esto puede ocurrir de verdad.

 

 

 

Biografía

El fotógrafo chino Rong Rong fue parte del grupo que renovó la escena del arte contemporáneo chino en el East Village de Pekín en 1992, junto con Zhang-Huan, Ma Liuming y Cang Xin, entre otros. Inri es japonesa y se formó como fotógrafa independiente en Japón, graduándose por el Nippon Photography Institute en 1992, trabajando posteriormente como fotógrafo en el periódico Asahi Shinbun.

Son pareja tanto personal como profesionalmente desde 2000 y actualmente viven y trabajan en Pekín, a donde se mudaron en 2007. Juntos están desarrollando uno de los proyectos más activos e interesantes de la fotografía y del videoarte contemporáneo chino, llamado The Three Shadows Photography Art Centre en Pekín. Ai Weiwei diseñó los casi 5.000 metros cuadrados de espacio, situados en el distrito artístico de CaoChangdi en Pekín.

Sus obras, mayoritariamente  reflejan el mundo íntimo que han creado juntos, ampliando los límites de las técnicas de cuarto oscuro en blanco y negro tradicionales. Sus series como Mt. Fuji, In Nature y Liulitun, se centran en la belleza del ser humano en la naturaleza y el medio ambiente urbano.

En algunas series, sus cuerpos desnudos se yuxtaponen contra el campo, como por ejemplo, el paisaje que rodea el Monte Fuji, para transmitir la inmensidad y el poder de la naturaleza y, por el contrario, la pequeñez del hombre. En otras obras, que se presentan en los entornos urbanos, como las que se encuentran en una China en rápido desarrollo, donde viven actualmente.

En Caochangdi Beijing, 2004-09, una serie de trece fotografías teñidas a mano, se presentan a sí mismos y a sus tres hijos en una mezcla de ropa moderna y tradicional. En algunas de las imágenes, inri está embarazada; en otros, los chicos se ven en diferentes etapas de la vida.

Tsumari Story, creada para la Echigo-Tsumari Art Trienal de 2012, registra la vida de la pareja en Tokamachi, prefectura de Niigata, una de las regiones con más nieve de Japón, donde residieron durante un período de dos años. Las fotografías expresan su respuesta emocional a los conceptos de ciclo de vida, y el flujo de agua que es la fuente de la vida, a través de su representación de las transiciones de la vida matrimonial y familiar. La sala de exposiciones fue el Ryōsokuin, un templo Zen que normalmente no está abierto al público, y ofreció la rara oportunidad de ver el interior del templo y la casa de té y de experimentar la belleza de su jardín en primavera.

Sus obras han sido expuestas internacionalmente. En 2010 tuvieron una exposición retrospectiva en el Xiangning Art Museum en Shenzhen, China. East Village y Wedding Gown de Rongrong han sido expuestas recientemente en el Museum of Modern Art de Nueva York y en The J. Paul Getty Museum, en Los Ángeles en 2011.

 

 

Referencias

 

 

Libros

lunes, 26 de octubre de 2015

Asier Garagarza

Asier Garagarza es un fotógrafo vasco (nacido en San Sebastián, Gipuzkoa, vive en Tolosa) amante de las fotos en las que la abstracción o las personas sean protagonistas o en las cuales se sienta su presencia. También disfruta perdiéndose en alguna playa o bosque para captar un paisaje solitario …

© Asier Garagarza

© Asier Garagarza

Ver, sentir y transmitir es todo lo que puedo decir sobre mí.

 

 

Biografía

Asier Garagarza comenzó a interesarse por la fotografía siendo un niño y viendo como su tío revelaba fotos en el cuarto oscuro. Por aquel entonces su tío tenía una Hasselblad 500c, la cual, en cuanto se despistaba, cogía para tratar de hacer alguna foto. Pasado un tiempo, le regalaron su primera cámara, una Minolta Dinax 300 y comenzó a “mirar” a través de su visor y a disfrutar de la fotografía.

Como en muchos de nosotros, fotógrafos aficionados y también algunos profesionales, aquella semilla sembrada en su infancia, fue creciendo lentamente con sus luces y sus sombras, hasta que, tras la llegada de la fotografía digital, sus clases de fotografía y revelado en la Casa de Cultura de Tolosa, los foros fotográficos en Internet, la asociación fotográfica Targazki de Tolosa y el estar rodeado de gente experimentada en el mundo de la fotografía, ésta dejó de ser un pasatiempo para ser una afición apasionante, exigiéndose cada día más en su fotografía y a sí mismo, concursando nacional e internacionalmente, consiguiendo una progresión exponencial en la calidad de sus obras y en los premios obtenidos desde sus primeros concursos en 2011.

Entre éstos podemos citar 2 accésit al premio Argizaiola en 2013 y 2014, y el Marqués de Rocaverde del Trofeo Gipuzkoa Internacional en 2014, además de numerosas medallas y galardones en premios nacionales e internacionales. Tiene, por el momento, los títulos ECEF y AFIAP de la Confederación Española de Fotografía (CEF) y de la Federación Internacional de Arte Fotográfico (FIAP).

Actualmente es uno de los fotógrafos más en forma de la concursística española, y el próximo mes realizará su primera exposición individual UNEAK /INSTANTES en el Palacio Aramburu de Tolosa. Además de varias exposiciones en grupo, su obra también ha sido publicada en revistas como Super foto digital, SHOT! Magazine y Fine Art Emotions.

Es un componente del colectivo Proyecto1x1, formado por 30 fotógrafos españoles que publican online fotografía en formato cuadrado.

 

 

Referencias

domingo, 25 de octubre de 2015

Aline Smithson

Aline Smithson es una fotógrafa estadounidense (vive y trabaja en Los Ángeles) que considera todos sus retratos un reflejo de sí misma y de las historias que quiere contar, y que ha creado un lenguaje visual que es su propia autobiografía única.

 

© Aline Smithson

© Aline Smithson

Siempre he pensado que el acto de la creación de un retrato es igualmente un reflejo tanto del artista como del modelo. Tiendo a trabajar con la gente que conozco: familia, amigos y vecinos, por lo que el proceso es, de hecho, autobiográfico. Yo no sólo estoy contando su historia, sino también la mía propia. Todavía utilizo película y trabajo con ella mayoritariamente, con una Rolleiflex de mediados de siglo. Me gusta la naturaleza del disparo lento con película y el sentido de la historia y la metodología que aporta a mi creación artística.

 

 

 

Biografía

Aline Smithson creció en Los Ángeles, en un barrio maravilloso llamado Silverlake. Era una zona étnicamente diversa, con una gran cantidad de artistas y personas creativas,y así estuve expuesta al arte desde una edad temprana. Su tío era artista, escritor y fotógrafo y tenía una estética que le ha influido en todas las áreas de su vida. Así que empezó a expresarse produciendo cómics, tomando clases de cerámica, diseñando ropa, dibujando y pintando. Es decir, haciendo cualquier cosa que tuviera que ver con el arte.

Después de graduarse de la universidad, se mudó a Nueva York y su carrera se trasladó al mundo de la moda, trabajando durante muchos años como editora de moda para Vogue Patterns Magazine donde tuvo el privilegio de trabajar con muchos fotógrafos excepcionales, como Horst, Mario Testino, Patrick Demarchelier, Arthur Elgort y Bert Stern.

Después descubrió la familia de cámaras Rolleiflex y ya nunca las dejó. Ahora es una artista representada por galerías en EEUU y Europa y publicada en todo el mundo.

Aline continúa creando su premiada fotografía con humor, compasión y una cámara de 50 años de edad.También utiliza, además de la Rolleiflex, una Hasselblad, una Diana y una Holga, ambas de  plástico. Las dos primeras para obtener claridad y formalidad, y las otras dos para espontaneidad y simplicidad, que son sus características principales.

Ha expuesto ampliamente incluyendo exposiciones individuales en el Griffin Museum of Photography, Center of Fine Art Photography, Fort Collins Museum of Contemporary Art, Lishui Festival en China, Tagomago Gallery en Barcelona y Paris, y el Wallspace Gallery en Seattle y Santa Bárbara.

Además, su obra forma parte de las colecciones de diversos museos. Sus fotografías han aparecido en publicaciones como The New Yorker, PDN (portada), PDN Photo Annual, Communication Arts Photo Annual, Eyemazing, Soura, Visura, Fraction, Artworks, Lenswork Extended, Shots, Pozytyw, Incandescant, Square y Silvershotz, entre otros.

En 2012, recibió el premio Rising Star a través del Griffin Museum of Photography por su contribución a la comunidad fotográfica. En 2014 también fue galardonada con el premio Excellence in Teaching Award de CENTER y se seleccionaron sus fotografías en el Critical Mass Top 50, PDN Photo Annual y Review Santa Fe. En 2015 ha sido galardonada con el primer premio en retrato en la 7ª edición del Julia Margaret Cameron.

Aline fundó y escribe en el blog Lenscratch, que publica un artículo sobre un fotógrafo contemporáneo diferente cada día y ofrece oportunidades para exposiciones. Ha sido editora de  Light Leaks Magazine, ha contribuido con sus artículos en las revistas Diffusion, Don’t Take Pictures, Lucida, y F Stop, y ha comentado libros para photoeye.

Ha comisariado y juzgado exposiciones para diversas galerías, organizaciones y revistas en línea. Ha sido miembro de los jurados de Review Santa Fe en 2012, Critical Mass de 2009 hasta 2015, y de Flash Forward. Es también miembro fundador del colectivo Six Shooters.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

sábado, 24 de octubre de 2015

Mi Zhou

Mi Zhou es un fotógrafo chino (nacido en Wuxi, provincia de Jiang-Su, en 1962, reside en San Francisco, EEUU) que es capaz de extraer todo la fuerza posible de las personas, situaciones y lugares que captura con su cámara.

 

© Mi Zhou

© Mi Zhou

 

 

Biografía

Mi Zhou estuvo trabajando en ingeniería civil durante 13 años y fundó después en 1993 una empresa de publicidad en China e hizo en 1997 un master en Artes de la Comunicación en Nueva York.

Durante seis años fue director artístico de Young & Rubicam and K & L Advertising. En 2004, comenzó en fotografía en San Francisco realizando trabajos de forma freelance.  Desde entonces, ha realizado un gran número de proyectos que le han llevado a lugares como a su patria, Cuba, India y Turquía. Su exposición Là où coule le Gange, que relata su viaje desde Gangotri a Calcuta, le reveló al público. Otras exposiciones han sido:

  • 2010, Burning Man en POLKA Gallery de París.
  • 2011, Lost & Found en Florence Moll Gallery en el Chic Art Fair de París.
  • 2013, The Griots of Oakland en el African American Museum and Library de Oakland.

Fotografió también la colección del excéntrico diseñador de moda Ma Ke en su serie Earth. En 2008 fue clasificado entre los 50 mejores fotógrafos en Photolucida Critical Mass y en 2009 fue The Best Photographer en el Saint-Petersburg PHOTO VERNISAGE. Es también miembro de diferentes ONGs, y enseña fotografía a personas desfavorecidas y sin hogar.

 

 

Referencias

 

 

Libros

viernes, 23 de octubre de 2015

Ian Thomas Jansen-Lonnquist

Ian Thomas Jansen-Lonnquist es un fotógrafo estadounidense (nacido en 1987, reside en Portsmouth, New Hampshire) con un gran interés en la comunidad, los indígenas y los derechos humanos y ambientales.

 

Jansen-Lonnquist

© Ian Thomas Jansen-Lonnquist

 

 

 

Biografía

Ian Thomas Jansen-Lonnquist se graduó en la Universidad de Vermont con un BS en Planificación de Recursos Naturales y los estudios de menor importancia en la comunidad internacional y el desarrollo.

Ian trabajó para una variedad de organizaciones sin ánimo de lucro antes de dedicarse a la fotografía a tiempo completo. Desde 2009 ha sido colaborador del Burlington Free Press, el diario más importante de Vermont. En 2013 fue citado en el Reportage by Getty Images Emerging Talent y nominado en PDN's 30 under 30.

Sus fotografías y artículos periodísticos han sido y son publicados en The New York Times, The Wall Street Journal, The Boston Globe, Al Jazeera English, Burlington Free Press, BUST Magazine, Vermont Life, Vermont Trimestral, Canterbury Shaker Museum, Vermont Law School y la Universidad de Vermont.

Ha colaborado con numerosas ONGs como Organization Research and Education (Manipur, India), Bosana Foundation (Sarajevo, Bosnia Herzegovina), The Vermont Peoples with AIDS Coalition (Burlington, Vermont), Spectrum Youth y Family Services (Burlington, Vermont).

 

 

 

Referencias

jueves, 22 de octubre de 2015

Ian Teh

Ian Teh es un fotógrafo británico (nacido en 1971 en Malasia, vive entre Londres y Kuala Lumpur) cuya preocupación por cuestiones sociales, ambientales y políticas es evidente en gran parte de su fotografía.

 

Coking plant. Benxi, China 2006 © Ian Teh

Coking plant. Benxi, China 2006 © Ian Teh

La creciente demanda de carbón para generar electricidad y el aumento de la producción industrial de acero y cemento durante décadas han ayudado a hacer que las emisiones de China sean las más altas del mundo. Hoy China es el mayor productor de dióxido de carbono, pero si se mide sobre una base per cápita llega solamente a un tercio de la huella de carbono de las tres principales naciones emisoras que son Arabia Saudita, Australia y Estados Unidos,  con una huella de carbono promedio de alrededor del 19 toneladas métricas por habitante y año.

 

 

 

Gran parte de mi creatividad proviene de mis intereses en temas sociales, ambientales y políticos. Me imagino mi trabajo como una serie de cortometrajes hechos con imágenes fijas. Son narraciones que se basan en momentos recogidos durante períodos prolongados. Cada historia es una tela tejida con hilos de composición y color que se unen para crear un ambiente particular, destinado tanto a enfatizar mi punto de vista sobre el tema como a, con suerte, animar al espectador a tomar la narrativa más allá de los límites de mi obra, en una dirección que haga la experiencia de esas imágenes más viva.

 

 

Biografía

Ian Teh estudiaba diseño gráfico en la Bath University del Reino Unido, cuando ganó en 1993 el concurso Out Photographer of the Year de Time. Esto le permitió pagarse su primer viaje a China, lo que marcó el comienzo de su formación como fotógrafo.

En 2001 fue invitado a la Joop World Press Masterclass. También en ese año comenzó a trabajar en la prestigiosa Agence Vu.

En 2003 terminó un largo trabajo, The Vanishing: Altered Landscapes and Displaced Lives (1999-2003), en torno a la construcción de la gigantesca presa de las Tres Gargantas en el famoso río chino Yangtsé, mostrando su devastador impacto social y medioambiental. 

En obras posteriores, como Dark Clouds (2006-2008), Tainted Landscapes (2007-2008) y Traces (2009-2011), explora las consecuencias más oscuras de la floreciente economía de China. Actualmente se encuentra trabajando en el concepto de fronteras, con obras como Confluence (2014).

Su obra forma parte de la colección permanente del Los Angeles County Museum of Art (LACMA), The Museum of Fine Arts (MFAH) de Houston y el Hood Museum. Ha sido publicada en Time, Newsweek, The New Yorker y The Independent Magazine.

Entre sus exposiciones individuales por China, Holanda y EEUU, podemos citar las de la Jack Shainman Gallery en Nueva York en 2004, Flowers en Londres en 2011 y el Kunsthal Museum en Rotterdam en 2012.

Ha obtenido diversos premios y becas, entre ellos el Abigail Cohen Fellowship en Fotografía Documental y el Emergency Fund de la Fundación Magnum. En 2013 fue elegido para exponer en Nueva York en Moving Walls Exhibition. En 2010, la revista literaria Granta publicó una retrospectiva de sus 10 años de su trabajo en China.

 

 

 

Referencias

 

 

 

 

Libros

miércoles, 21 de octubre de 2015

Li Zhensheng

Li Zhensheng es un fotoperiodista chino (nacido el 22 de septiembre en 1940 en Dalian, Liaoning, vive entre Pekín y Nueva York) que capturó algunas de las imágenes más reveladoras de la Revolución Cultural China. Su empleo en el Diario de Heilongjiang, con su brazalete rojo de fotógrafo oficial, le permitieron el acceso a hacer perdurar en el tiempo escenas de otro modo hubieran quedado solo en los recuerdos de los que las vivieron.

 

© Li Zhensheng

© Li Zhensheng

 

Fue un desastre humano como otros desastres que azotaron la humanidad a lo largo de la historia. Pero como dice un proverbio chino “todo lo malo puede convertirse en bueno”.

 

 

 

Biografía

Li Zhensheng nació en una familia pobre en Dalian, Liaoning, entonces perteneciente al régimen títere de Manchuria bajo el Japón. Su madre murió cuando él tenía tres años, y su hermano mayor, quien fue miembro del Ejército Popular de Liberación murió durante la guerra civil china. Li ayudó a su padre, cocinero en un barco de vapor y más tarde como agricultor, hasta los 10 años. Buen estudiante, se ganó un lugar en la Escuela de Cine de Changchun, que se trasformó en Escuela de Fotoperiodismo, y allí fue donde Li adquirió gran parte de sus conocimientos fotográficos.

En 1963, alcanzó brevemente un trabajo en el Daily Heilongjiang de Harbin, sin embargo, el Movimiento de Educación Socialista pronto intervino y terminó de nuevo en el campo durante casi dos años, viviendo con los campesinos y estudiando el pensamiento de Mao.

El periódico Heilongjiang tenía la política estricta de acuerdo con el  gobierno de que sólo publicaba imágenes "positivas". Las imágenes "negativas", que representaban las atrocidades de la época, que Li realizaba, las ocultó debajo de una tabla del suelo de su casa. El ambiente seco y las temperaturas suaves de la zona ayudaron a la preservación de los negativos fotográficos.

Él mismo y su esposa estuvieron 2 años en un campo de reeducación durante 2 años. Li regresó al periódico en 1972 como jefe del departamento de fotografía, y más tarde se convirtió en profesor en la Universidad de Pekín en 1982.

Estas imágenes ocultas se dieron a conocer públicamente por primera vez en 1988, en el concurso de fotografía de la Asociación de la Prensa de China en Beijing, con una serie de 20 imágenes titulada Deja a la historia predecir el futuro y que fue considerada "contrarrevolucionaria". Ese año, Li se reunió con Robert Pledge, un estadounidense que fue director de la agencia internacional de fotografía Contact Press Images, y acordaron trabajar juntos en un libro con las fotos de Li, pero pensando en esperar a un mejor clima político. Tras los acontecimientos de la plaza de Tiananmen Li decidió producir ya el libro, comenzando el trabajo en 1999, con la dificultad añadida de que Pledge no hablaba chino y Li no hablaba Inglés, teniendo que utilizar traductores.

Treinta mil sobres de papel marrón escondidos bajo el suelo de un piso a lo largo de 35 años, atados con gomas elásticas y ordenados según la época, el lugar y el tipo de película. Cada uno de ellos ocultaba un negativo dentro de una bolsita de papel. En cada sobre, con delicada caligrafía china, aparecía una explicación detallada con nombres de personas, títulos oficiales, comunas, comarcas y acontecimientos específicos. Estos sobres fueron enviados poco a poco y en secreto a la oficina de Pledge, y así, su trabajo fue visto en exposiciones y publicado en el libro Red-Color News Soldier, que muestra tanto los ideales revolucionarios como muchas de las atrocidades que ocurrieron durante la Revolución Cultural.


 

Referencias

 

 

Libros

martes, 20 de octubre de 2015

Martin Schoeller

Martin Schoeller es un fotógrafo estadounidense (nacido el 12 de marzo de 1968 en Múnich, Alemania, vive y trabaja en Nueva York) cuyo trabajo más reconocido son los retratos hiperdetallados realizados con iluminación, fondo y tonos similares, sean personajes famosos o desconocidos los que retrata.

 

© Martin Schoeller

© Martin Schoeller

 

Cuando estaba tratando de entrar en la fotografía de moda, me di cuenta que teníamos que centrarnos en la ropa para ser un fotógrafo de moda. Rápidamente me di cuenta de que la ropa no me interesaba mucho.

 

 

Biografía

Martin Schoeller estudio fotografía en Lette Verein en Berlín. Entre sus influencias se encuentran los fotografos August Sander y Bernd y Hilla Becher.

Schoeller se fue a Nueva York en 1993 y trabajo como asistente para Annie Leibovitz desde 1993 a 1996. Se lanzó como fotógrafo freelance, produciendo retratos de personas que conoció en la calle. Su obra ganó gran reconocimiento por su fuerte impacto visual.

Hacia 1999 Schoeller empezó a trabajar en The New Yorker donde se encontró con Richard Avedon. Su trabajo ha aparecido en numerosas publicaciones como la revista Rolling Stone, GQ, Esquire, Entertainment Weekly, W, Outside Magazine, Vogue,  National Geographic Magazine, New York Time Magazine, Time, entre otras.

Sus retratos han conseguido numerosos premios, se exhiben a nivel internacional, colectiva e individualmente y forman parte de la colección permanente de la National Portrait Gallery de la Smithsonian Institution en Washington, DC Además, ha tenido numerosas exposiciones individuales en todos los EE.UU. y Europa y colectivas en los EE.UU.

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

lunes, 19 de octubre de 2015

Tanit Plana

Tanit Plana es una fotógrafa catalana (nacida en 1975 en Barcelona, donde vive y trabaja) que, docente y artista, usa la fotografía y el vídeo como herramientas para generar preguntas. Ha trabajado acerca de la representación del entorno familiar y del espacio doméstico.

 

TanitPlana

© Tanit Plana

 

 

 

Biografía

Tanit Plana es Licenciada en Comunicación Audiovisual por la Universidad Pompeu Fabra de Barcelona, y actualmente estudia el segundo curso del Master en Cine y Audiovisual Contemporáneo, en esta misma universidad.

Su relación con la pedagogía de la imagen ha sido una constante en su trayectoria. Entre los años 1997 y 2008 ha sido creadora y conductora de diferentes proyectos educativos vinculados a la fotografía y al cine en el Laboratorio de las Artes de la Obra Social "la Caixa".

Desde el año 2005 es profesora de fotografía de la Universidad Pompeu Fabra en la licenciatura de Publicidad y Relaciones Públicas. Y desde 2012 es profesora y tutora de proyectos de los cursos de 1º y 4º de GRADO en la escuela IDEP en Barcelona.

Ha realizado numerosos talleres de fotografía para niños, adolescentes en otras instituciones y escuelas, destacando la dirección de las actividades y charlas en torno a la exposición FROM HERE ON sobre postfotografía, comisariada por Joan Fontcuberta, en el Arts Santa Mónica, Barcelona, en 2013.

Fue miembro fundador del colectivo de fotografía contemporánea NOPHOTO, co-comisaria, de la exposición Talent Latent'08, y también, ha sido miembro del comité artístico de la Manifestación Fotográfica SCAN'08 y '09. Es la responsable de Pingpongtherapy, un espacio dedicado a la reflexión fotográfica.

Con su cámara ha registrado igualmente el mundo de lo privado y la cotidianidad a través de un documentalismo íntimo y simbólico, en el que se apoya para reflexionar sobre los temas universales de la muerte, la vejez o la fragilidad. En esta línea se inscriben sus series Yayos (2002), en la que acompañó a sus abuelos hasta el momento de su muerte, y Prótesis (2006).

Especializada en proyectos de investigación y ensayo, desarrolla una fotografía situacionista que ha dado como fruto series como Circulación (2012), cuyo propósito es volver a hacer visible el antiguo camino de la trashumancia entre Avinyó y Manresa (Barcelona); o Don dinero (2011), para el cual sacó todos sus ahorros del banco y fotografió el proceso tratando de dar cuerpo a lo invisible. Con el proyecto participativo Para siempre (2010), trabajó durante tres años con más de 300 mujeres para poner en cuestión lo relacionado con el matrimonio.

Ha recibido la beca Fotopres’01 y el Descubrimientos Photoespaña en 2002 con Yayos., Su proyecto Homeware fue comprado por el Ministerio de Cultura Francés para formar parte del FNAC (Fondo Nacional de Arte Contemporáneo). Con Prótesis obtuvo la beca Arts Plàstiques Ciutat d’Olot en 2004 y una Mención de Honor al Mejor Libro de fotografía del festival PHotoespaña 2006, con Más es menos (con Aleix Plademunt, Ran-el Cabrera y Juan Diego Valera) becas EADC 2008 y la beca AGITA de Figueras 2009, su proyecto Hipercor sobre la construcción de los mensajes que forman parte de la memoria colectiva fue galardonado con una Beca de Investigación y Creación por Cuenca en su edición de 2010. y con el documental experimental HOLA !, realizado conjuntamente con Toni Amengual, Bego Antón y Román Yñán la beca para proyectos culturales con grupos en riesgo de exclusión social de la Fundación ”la Caixa” en 2012. Receptora de las Ayudas a la Investigación y a la Creación 2015 de la Fundación BBVA.

 

 

Referencias

 

 

Libros

domingo, 18 de octubre de 2015

Klavdij Sluban

Klavdij Sluban es un fotógrafo francés de origen esloveno (nacido el 3 de marzo de 1963 en París, donde reside), cuyos profundos negros y siluetas a contraluz transmiten un estilo fotográfico recto y preciso sin didactismo ni exotismo, desarrollando un riguroso y coherente cuerpo de trabajo.

 

35-36 Camp disciplinaire de Kolpino, Saint-Pétersbourg, Russie 2003 © Klavdij Sluban

35-36 Camp disciplinaire de Kolpino, Saint-Pétersbourg, Russie 2003 © Klavdij Sluban

 

 

 

Biografía

Klavdij Sluban pasó parte de su infancia en Livold, Eslovenia, y volvió a Francia para estudiar, realizando un master en literatura angloamericana, pero abandonó la enseñanza para instalarse en el campo en Eslovenia. En 1992, volvió a Francia para comprometerse totalmente a la fotografía. Nunca se ha  inspirado en temas de actualidad inmediata y sensacionales y sus numerosos viajes fotográficos están impregnados de referencias literarias, de Beckett y de Milton, por ejemplo.

Sluban había aprendido de adolescente las sutilezas de la impresión en blanco y negro bajo la dirección de Georges Fèvre. El Mar Negro, el Caribe, los Balcanes, Japón, Jerusalén, Indonesia, Bali y Rusia pueden leerse como pasos sucesivos de un estudio de paciente profundidad a la realidad existente a su alrededor. Utiliza una cámara manual Leica y con una película en blanco y negro que desde siempre le da el grano y rugosidad que le gusta. Y esto implica el positivar en papel, con técnica y emoción.

En 1997, su obra Balkans Transits, que publicó con François Maspero, fue galardonado con el premio RFI (Radio Internacional Francesa). Desde 1995, cuando no está en el extranjero, organiza  talleres de fotografía con jóvenes delincuentes en la cárcel. Estos trabajos se originaron en Francia, en la prisión de Fleury-Mérogis con el apoyo de Henri Cartier Bresson, Marc Riboud y William Klein, y han continuado en campos disciplinarios y prisiones de Europa del Este: Ucrania, Georgia, Moldavia y Letonia, en centros de rehabilitación de Moscú, San Petersburgo y Brasil, y en Centroamérica con las Maras.

Ganador del Premio Niépce (2000), del Premio Leica (2004) y del European Publishers Award for Photography en 2009, ha obtenido diversas becas, la más reciente la residencia en Villa Kujoyama en Kioto. Ha expuesto en solitario internacionalmente y su obra forma parte de colecciones como las de la Bibliothèque Nationale de France, Maison Européenne de la Photographie en Paris, The Metropolitan Museum of Photography de Tokio, Museo de la Fotografía en Braga, Portugal, y Musée Réattu en Arles, entre otros.

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

sábado, 17 de octubre de 2015

Concha Prada

Concha Prada es una fotógrafa española (nacida en Puebla de Sanabria, Zamora, en 1963) cuya obra se pasea con naturalidad a través de lo imaginario y lo real. En sus fotografías prima la ironía, y el disfraz, la máscara y la noche subrayan la artificiosidad de las escenas construidas, a la vez que resaltan el fuerte componente crítico que desarrolla en torno a diferentes aspectos relacionados con la mujer.


© Concha Prada
© Concha Prada



Biografía

Concha Prada se formó en la Escola d’estudis fotografics de Catalunya. En sus primeras series, Fotografías (1989) y Cuentos y más cuentos (1993), otorgaba una notable importancia a la puesta en escena, muy próxima a lo cinematográfico, mezclando elementos tomados del cómic y la cultura popular, usando el blanco y negro, referencias iconográficas a la serie negra, ambientes....
Tras una estancia en Nueva York en 1994 dio un giro sustancial a su obra en Bocas, (1994), con la que inauguró una nueva etapa, apostando por el blanco y negro y la reducción de medios, frente a la puesta en escena de series precedentes, y por una progresiva concentración en el detalle o el fragmento del rostro, como en sus series posteriores Basuras (1995), Ciudades (1999).  En 1999 empezó su indagación en la abstracción fotográfica, e hizo Ficciones (1999-2000), De arreglo de cocido y otros guisos (2002-2003), Polvo (2004) o El rastro del objeto (2008). Su último trabajo, El cuento de la lechera (2012), que presentó en la Galería Oliva Arauna de Madrid, plantea una visión muy particular del cuento infantil, a través de la cual materializa diferentes actitudes del momento que atraviesa la sociedad actual.
En 1988 obtuvo el primer premio en la Muestra de Jóvenes Artistas del Mediterráneo (Bolonia) y en 1994 la Beca Banesto de Artes Plásticas. En 2006 fue finalista del concurso de fotografía Purificación García, expuesto en el Palacio de Galveias de Lisboa.
Ha expuesto en el Centro Cultural Gran Capitán de Granada en 2000, el Museo Municipal de Arte Contemporáneo de Madrid en 2002, el Museo Zuloaga de Segovia en 2006, el Monasterio del Prado en Valladolid en 2007, el MUSAC de León en 2007, la colección del Ayuntamiento de Alcobendas en 2008 y el Centre d’Art La Panera de Lérida en 2008. También Elevages de poussiere y Other Optical Labyrinths The Annex en Nueva York.
Su obra forma parte de colecciones como las del MUSAC de León, Artium en Vitoria-Gasteiz, la Fundación Telefónica en Madrid, la Fundación Coca-Cola, la Comunidad de Madrid y la del Ayuntamiento de Alcobendas, entre otras.


Referencias



Libros

viernes, 16 de octubre de 2015

Concha Pérez

Concha Pérez es una fotógrafa española (nacida en Valladolid en 1969, vive en Madrid) cuya obra se caracteriza por el empleo de recursos y técnicas informáticas aplicadas a la fotografía.

 

© Concha Pérez

© Concha Pérez

La fotografía permite unificar escenarios muy dispares entre sí creando de esta manera paisajes insólitos. El espacio se transforma en el principal protagonista.

 

 

Biografía

Concha Pérez se licenció en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid. Su obra gira en torno a una serie de conceptos como naturaleza, territorio, paisaje, ciudad o arquitectura, y al hecho de que estos espacios habitados y habitables estén en constante cambio, debido a las acciones que los transitan y los ocupan.

Sus primeros trabajos, que reflexionan sobre el hábitat cotidiano a través de las técnicas de instalación, fueron mostrados en exposiciones colectivas como La montaña viaja (Naves de Renfe, Madrid, 1997). A partir del año 2001 abandonó la instalación para desarrollar su proyecto mediante la fotografía digital y su posterior alteración. Las fotografías se modifican posteriormente y dan lugar a realidades ficticias en las que la ausencia y el tratamiento de los espacios resultan inquietantes.

Ha centrado su interés en lugares vacíos y desolados, habitados en el pasado, y donde ha quedado un poso de la memoria ausente. En esta línea se inscriben sus series Horizontes inmediatos (2002- 04), Mundo herido (2004), Refugios, ausencias y abandonos (2007) y Play Room (2012).

Ha participado en exposiciones colectivas como la 12ª Muestra Internacional de Arte Gas Natural Fenosa en La Coruña (2012), SWAB. Contemporary Art Fair BCN en Barcelona (2011), Seoul Photo Festival en el Seoul Museum of Art (2011), Ficciones y Realidad en el MMOMA de Moscú (2011), El ángel exterminador. Versión expandida en el BOZAR de Bruselas en 2010, la exposición de la Fundación Coca-Cola acogida por las distintas sedes brasileñas del Instituto Cervantes  etc. y ha expuesto en solitario Play Room, Explotaciones y Abandonos en la Galería My Name's Lolita Art de Madrid (2011 y 2008), Lo que nos queda y Refugios/Ausencias/Abandonos en ADN Galería de Barcelona (2009 y 2007), …

En 2003 ganó el primer premio del XIX Concurso L’Oreal, y en 2008, un accésit del Concurso de Fotografía Marqués Valle de Tena. Su trabajo ha sido reconocido igualmente con la beca Generaciones 2004.

Su obra forma parte de colecciones publicas y privadas como las de la Comunidad de Madrid, el Instituto Valenciano de Arte Moderno, el MUSAC, Museo Patio Herreriano, Ayuntamiento de Alcorcón, Caja Madrid, Museo de Bellas Artes de Santander, L’Oreal, Mango, Cajasol y Fundación Coca-Cola, entre otras.

 

 

Referencias

 

 

Libros