miércoles, 30 de septiembre de 2015

Julia Montilla

Julia Montilla es una artista contemporánea y fotógrafa catalana (nacida en Barcelona en 1970) cuya obra incluye medios visuales muy variados: vídeo, escultura, fotografía, instalaciones, ediciones, libros de artista, proyectos web, etc.

 

Sun Dance © Julia Montilla

Sun Dance © Julia Montilla

Me interesa la religión en tanto en cuanto es uno de los elementos más importantes en la configuración de la identidad, tiene un fuerte arraigo cultural y juega un papel crucial en los procesos de socialización y control social.

 

 

 

Biografía

Julia Montilla es licenciada en Bellas Artes y máster en Producciones artísticas e Investigación por la Universidad de Barcelona.

Su trabajo está conformado a través de múltiples medios de expresión que se han interrelacionado en el seno de la cultura de masas, desde el vídeo a la fotografía pasando por las publicaciones. En su enfoque metodológico se cruzan la semiología, la historia del arte y la antropología.

Su obra aborda los contextos sociales, políticos o culturales que propician la construcción e implantación de imágenes estereotípicas. Desde finales de 2008 años ha centrado su investigación entorno al papel que juegan las creencias religiosas y, en concreto, los iconos femeninos en la construcción y preservación de los mitos nacionales. Las características de los fenómenos visionarios y sus paroxismos religiosos, así como las ideologías que se destilan de ellos y su repercusión en la vida de los individuos y las comunidades, conforman el corpus de producción presente en buena parte de su portafolio. La génesis de parte de sus trabajos es fotográfica, disciplina que concibe de una forma muy amplia.

Ha recibido numerosas becas de creación y publicación, como la beca MoMA - ps1 (2002-03) y las otorgadas por la Generalitat de Catalunya (2004-05, 2006-07 y 2009) o la Fundación Botín (2011-12). Su obra forma parte de las colecciones del Centro Galego de Arte Contemporánea en Santiago de Compostela, Artium en Vitoria-Gasteiz y el MUSAC de León, entre otras.

Ha residido temporalmente en Nueva York, Bombay y Berlín, donde ha desarrollado parte de su producción. Ha participado en exposiciones en el PS1-MoMa de Nueva York, con Los milagros de la voluntad y su fuerza plástica en el Centro de Fotografía de Salamanca, en La Virreina. Centre de la Imatge en Barcelona, entre otras, y las más recientes El «cuadro» de la «calleja» en la Fundació Joan Miró en Barcelona e Ídolos e idolillos en el Palacio de la Magdalena en Santander en 2013.

Está representada por la galería Toni Tàpies.


 

 

 

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

  • Precipitados, 1999
  • Double Feature, 2004
  • Bioart, 2005
  • Try again,  2006
  • Novembro, 2006
  • Attachement to the clixé,  2007
  • Los Milagros de la Voluntad y su Fuerza Plástica, 2009
  • Ezkiozaleak. A photographic account of the followers of the Ezkioga apparitions, 2009
  • Garabandalistas. Un relato fotográfico sobre los seguidores de las apariciones de San Sebastián de Garabandal. 1961-1965, 2009
  • El «cuadro» de la «calleja», 2009.

martes, 29 de septiembre de 2015

Begoña Montalbán

Begoña Montalbán es una escultora y fotógrafa vasca (nacida en Bilbao en 1956) cuya obra está caracterizada por la variedad de soportes y técnicas que utiliza, y por la reflexión sobre el cuerpo, el dolor, la enfermedad y la acción terapéutica sobre el sufrimiento, en su doble vertiente física y mental, con una atención especial hacia la mujer,

 

 

© Begoña Montalbán

© Begoña Montalbán

 

 

 

Biografía

Begoña Montalbán comenzó en 1986 un periodo de aprendizaje artístico en la Escola Massana de Barcelona, en la especialidad de escultura. Al mismo tiempo, durante tres años se especializó en Procesos Contemporáneos de la Imagen (PCI) en la citada escuela.

Su punto de arranque se sitúa en la escultura y el objeto para continuar con las instalaciones, la fotografía, el vídeo y las instalaciones sonoras, así como algunas incursiones intermitentes en el collage y el dibujo.

Su trabajo ha sido reconocido con varios galardones, como el Premio de la Crítica Arco (2001), una ayuda a la promoción del Arte Español concedida por el Ministerio de Educación y Cultura de Madrid (1998), beca de intercambios Europeos, Cataluña / Rhône-Alpes (1996), el Premio XIV Sala d'Arts Plástiques Baix Camp de Reus (Tarragona, 1994), el proyecto Kalidoscopic, otorgado por la Unión Europea con los fondos sociales europeos para estancias de trabajo en Irlanda, Francia y Cataluña (1993).

Su obra forma parte de colecciones públicas y privadas como las de Unicaja de Málaga, Diputación de Málaga, colección Testimoni de La Caixa de Barcelona, Museo de Arte Contemporáneo Artium de Vitoria y colección del Ayuntamiento de Alcobendas de Madrid.

A lo largo de su trayectoria artística ha participado en numerosas exposiciones tanto colectivas como individuales. Entre las últimas podemos citar las realizadas en la Galería Alejandro Sales de Barcelona (2008) con Stances, Begoña Montalbán en Galerie Raphael12 en Frankfurt y Sala CAI Luzán de Zaragoza (2007), Stances en Galería Tomás March de Valencia (2006), Sensaciones Blancas en Swinger Art Gallery de Verona (2004), Reflections in the mirrow en Nueva York (2003), Interiores en Galería Tomás March de Valencia (2002), Caricias Mudas en Museo Pablo Serrano en Zaragoza (1998), …

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

lunes, 28 de septiembre de 2015

Manjari Sharma

Manjari Sharma es una fotógrafa india (nacida en Bombay en 1979, vive en Brooklyn, Nueva York) cuya obra tiene sus raíces en el estudio de las relaciones, la mitología personal y la experiencia.

 

© Manjari Sharma

© Manjari Sharma

 

 

Biografía

Manjari Sharma tiene una licenciatura en Comunicación Visual por la Universidad de SNDT de Bombay y otra en Bellas Artes en fotografía fija en el Columbus College of Art and Design de Columbus, Ohio.

Su obra forma parte de diversas colecciones privadas, como la colección permanente del Museo de Bellas Artes de Houston y ha sido exhibida en grupo y en solitario tanto en los Estados Unidos como por todo el mundo.

Manjari ha sido galardonada con el 1er premio del The CENTER's Curator's Choice award 2014,   una mención honorífica en el Santa Fe Prize en 2012. The School of Museum of Fine Arts en Boston, The Rubin Museum of Art, AsiaSociety Museum y The School of Visual Arts se encuentran entre los lugares donde Manjari ha sido invitada a dar conferencias y talleres.

Sus imágenes han aparecido en la prensa, en revistas como Monocle, Forbes India, Vogue India, Geo y Nueva Luz y en revistas y blogs online como CNN, Los Angeles Times, New York Times Lens, Wired Raw File, Nikon Asia, NPR, Time, PDN, Huffington Post, CNBC, The Times of India y Leica de China, entre otros.

Sus series más representativas son, por el momento:

  • Showers, retratos de sus amigos y conocidos tomando una ducha en su apartamento de Brooklyn.
  • Darshan, donde recrea fotográficamente nueve imágenes clásicas de dioses y diosas del hinduismo.

Manjari está representada por ClampArt Gallery en Nueva York y Richard Levy Gallery en Nuevo México.

 

 

Referencias

domingo, 27 de septiembre de 2015

Pichi De Benedictis

Héctor Pichi de Benedictis es un músico, fotógrafo, gestor cultural y periodista argentino (nacido en Rosario, Santa Fe, el 1 de enero de 1955).

  © Pichi de Benedictis

© Pichi de Benedictis

 

Soy uno de los que está ahí, en la foto. Demasiado inquieto como para estar en foco.

 

 

 

Biografía

Héctor Pichi de Benedictis es un creador inquieto y multifacético, que ha realizado una destacada labor como músico, fotógrafo, docente, periodista y gestor cultural. Su inquietud por la fotografía viene desde su infancia. Tras algunos años dónde realizó experiencias con la pintura y la xilografía que influencian su obra actual, en los años 80, produjo ya fotos para discos y medios de comunicación. En el año 2010 realizó su primera muestra y desde ese momento no ha dejado de exponer en distintos espacios de la Argentina.

Ha sido Secretario de Cultura, Educación y Turismo de la Municipalidad de Rosario entre 1993 y 1995. En ese año fundó el Centro de Expresiones Contemporáneas (CEC), espacio que dirigió entre 2004 y 2011.

En el año 2008 el municipio le encargó el diseño del proyecto Franja Joven (hoy Ciudad Joven), que buscaba reconvertir la zona central portuaria de la ciudad de Rosario en un multiespacio destinado a las economías creativas y el desarrollo de la juventud.

También ha sido el creador de la feria de arte La Fugaz. Ha realizado exposiciones individuales y colectivas en distintos puntos del país y trabajos fotográficos para medios de comunicación, discos, libros y sitios web.

 

   

Referencias

sábado, 26 de septiembre de 2015

Barton Silverman

Barton Silverman es un fotógrafo estadounidense (nacido en 1942) que es ampliamente admirado por la captura fotográfica de algunos de los mejores momentos de la historia del deporte, con una carrera como fotógrafo deportivo que abarca 5 décadas en The New York Times, con miles de fotos publicadas y numerosas portadas.

 

© Barton Silverman

© Barton Silverman

 

 

Tienes que ser rápido o estás muerto. No puedes pedirles que lo repitan.

Soy un fotorreportero. Al día siguiente, el evento, el momento, tiene que estar en el periódico.

 

 

 

Biografía

Barton Silverman creció en Bensonhurst, Brooklyn. Cuando tenía 6 años su padre murió y fue criado por su madre y hermanas. Un día, con 12 años, mientras que limpiaba un armario descubrió las cámaras y flashes que su padre había utilizado. Para él fue como encontrar un tesoro.

Desde entonces desarrolló una gran pasión por la fotografía, convirtiéndose en el presidente del club de fotografía durante la escuela secundaria. Luego fue el editor de fotografía del periódico estudiantil y del anuario del Brooklyn College.

Su primer trabajo fue como técnico de laboratorio fotográfico en The New York Times en 1962. Sin embargo, él quería fotografiar deportes por lo que se ofrecía a las tareas que los otros fotógrafos no querían, como subirse al mástil de un velero en una carrera nocturna, lo que le permitió hacer una fotografía con la que ganaría el premio Times Publisher. En 1964, obtuvo el Premio de La Haya, el primero de sus importantes galardones, con fotos de la construcción del puente Verrazano y así entró finalmente en la plantilla del The Times.

Su determinación para capturar lo que él llamó el "peak of action" o el momento más significativo de un evento deportivo o una personalidad deportiva, además de su sentido del arte, hizo que publicara miles de sus fotos en las páginas de The New York Times, con muchas de ellas en las primeras páginas de la sección de deportes y de la portada de la revista.

Silverman ha cubierto 41 Super Bowl, ​​12 Juegos Olímpicos y tres Triple Crowns. Fue nombrado Fotógrafo del Año por la New York Press Photographers’ Association en 1971 y fue fotógrafo del The New York Times desde 1962 hasta 2014.

Es autor de tres libros, colaborador en más de 100 libros y sus fotografías han aparecido en la revista Sports Illustrated, Life, Look, Time, Newsweek, American Photo y Sunday Evening Post. Su obra se encuentra en colecciones permanentes como las del Museo de Arte Moderno (MOMA) y el Museo de La Haya.

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

viernes, 25 de septiembre de 2015

Xanti Rodríguez Zumárraga

Xanti Rodríguez es un fotógrafo vasco (nacido en 1978 en Azpeitia, Gipuzkoa, donde vive y trabaja) que complementa la fotografía con posproducción e imágenes diseñadas por ordenador (CGI) para conseguir impactantes imágenes.

 

© Xanti Rodríguez

© Xanti Rodríguez

 

 

Lo mas inimaginable es posible. Sólo una idea está de por medio entre lo que pueda parecer imposible y lo que podemos crear.

 

 

 

Biografía

Xanti Rodríguez Zumárraga ha estado siempre estrechamente ligado a la fotografía, pues su padre ha sido muy aficionado a la fotografía y al nacer ya tenia un objetivo delante suyo. Mezclaba  el dibujo con la fotografía, y en 1994 se fue a Barcelona a estudiar Fotografía e ilustración en las escuelas IDEP y JOSO. De vuelta a su localidad natal empezó a trabajar en el estudio fotográfico de su padre realizando fotografías de boda y revelando fotografías de ByN.

Al poco tiempo empezó a realizar trabajos de autor mezclando fotografía con aerografía. En 1997  Photoshop se convertiría en una herramienta indispensable y en 2005 decidió saltar al mundo del 3D.

Xanti Rodríguez es pionero en creatividad e integración en entornos 3D, habiendo conseguido desde premios en la FEPFI (Federación Española de Profesionales de la Fotografía y la Imagen) a nominaciones en los Premios Europeos del principado de Asturias, el Lucus Augusti,Dertamen Europeo de la AFPV  y primeros premios  en la sección de Arte 2D en Renderosity Art Communitym y el Goya en Publicidad 2015, la Cámara de Oro en la categoría de Retrato del FEP European Professional Photographer of the Year en 2012, …

En su estudio ubicado en Azpeitia, en el corazón del País Vasco, se dedica a cubrir editoriales de moda, encargos de publicidad (Apple, Repsol, Nissan, Mapfre, Irízar, Anaya Multimedia, Mausoleum Records, Bodega Gorka Izagirre, Bodega Rioja Alta,  Restaurante Azurmendi, …), portadas de discos (sobre todo de rock duro, campo donde ha hecho sus pinitos) e ilustraciones de libros …todo ello, con el dominio del retrato en estudio, apoyado por la postproducción y el uso e integración de CGI que le permite crear unas imágenes únicas y vanguardistas.

También imparte talleres y cursos de diversos programas de CGI, principalmente Cinema 4D, en cuyo uso es una referencia a nivel nacional.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

  • Fotografía y cine de animación.

jueves, 24 de septiembre de 2015

Óscar Molina

Óscar Molina es un artista multidisciplinar y fotógrafo español (nacido en Madrid en 1962, donde vive y trabaja) que lleva sus propuestas a los márgenes de la fotografía, planteando cuestiones centrales del proceso creativo que exploran el papel y estatus del autor e implican a un espectador activo.

 

© Óscar Molina

© Óscar Molina

 

 

Biografía

Óscar Molina realiza estudios de vídeo, fotografía, diseño gráfico y música desde comienzos de los 80. Durante esa década se dedicó fundamentalmente a la realización de vídeos y fotografías por encargo, trabajando para varias empresas, así como a sus primeras series fotográficas. En el año 87 empezó a trabajar en su propio estudio de fotografía y a desarrollar la serie Objetos.

A principios de los años 90 comenzó Fotografías de un diario, su primer proyecto abierto e indefinido en el tiempo. Es a principios de los 90 cuando empieza a organizar y coordinar talleres y seminarios especializados de fotografía invitando a reconocidos fotógrafos, actividad que comienza a desarrollar en su estudio de Madrid, posteriormente en Cabo de Gata, y en colaboración con la asociación Mestizo desde el año 1997 hasta el 2000.

En el año 96 presenta el proyecto Silencio abierto. En ese mismo año imparte por primera vez su curso Detrás de la cámara en colaboración con la fotógrafa suiza Jeanne Chevalier. En el año 97 se traslada a vivir a Cabo de Gata (Almería), y en el 98 comienza a desarrollar el proyecto Photolatente.

Ha vivido y trabajado durante 15 años en Almería donde, en paralelo a sus proyectos fotográficos, sigue organizando los Talleres de fotografía de Cabo de Gata coordinando cursos con los más prestigiosos fotógrafos actuales.

También imparte habitualmente el taller Detrás de la cámara. Ha escrito textos sobre la práctica de la fotografía entre los que destacan Para qué fotografiar, entre la intención, el azar y la resonancia o Photolatente, tres historias y un proyecto.

Su obra forma parte de numerosas colecciones públicas y privadas, como el Instituto Valenciano de Arte Moderno, Artium de Vitoria, el Musée-Promenade en Digne (Francia), el Centre Pasquart en Biel (Suiza), la Colección de Fotografía de la Comunidad de Madrid y la colección del Ayuntamiento de Alcobendas, entre otras.

En 2010, presenta el proyecto Ammonites en colaboración con el Musée Gassendi en Digne-Les-Bains, Francia.

Vive actualmente en Madrid, donde trabaja en sus proyectos Ser espectador y Petite histoire du temps y prepara la edición de la Variation IV del proyecto Caja de acuarelas. En paralelo a su actividad como autor, imparte clases y conferencias en escuelas de fotografía, centros de arte y universidades españolas.

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

  • Fotografías de un diario, 1995
  • Silencio abierto, 1996
  • El fondo, 1997
  • Visión Mediterránea (varios), 1999
  • Oscar Molina PhotoBolsillo, 2001
  • Monografico Photolatente, 2002
  • Hallar las siete diferencias, 2004
  • Fotografías de un diario, 2004
  • Óscar Molina. DF Alava, 2006
  • Photolatente. Culturarte, 2006
  • Photolatente (Libro sobre las dos ediciones), 2007
  • La imagen latente, 2008
  • Caja de acuarelas_variación III, 2009

 

También su trabajo ha aparecido en diversas publicaciones y textos de referencias, entre los que podemos citar:

  • 100 fotógrafos españoles (EXIT), 2005
  • Figures d'artistes. 14 artistas europeos. (Archibooks París), 2008
  • 15 años de Fotografías Española Contemporánea (Ayto. de Alcobendas) 2008
  • La Cámara de Pandora-La imagen invisible (Joan Fontcuberta- Gustavo Gili) 2011
  • Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI,  2013.

miércoles, 23 de septiembre de 2015

Shuwei Liu

Shuwei Liu es un fotógrafo chino (nacido el 2 de febrero de 1986 en Tangshan, vive en Pekín).

 

© Shuwei Liu

© Shuwei Liu

 

Biografía

Liu Shuwei nació y creció en el campo al norte de China. A los 7 años comenzó a cultivar plantas. Después de un tiempo se volvió muy bueno cultivando rosas chinas. Le gustaba mucho regalar las flores que cultivaba a mis vecinos, le hacía profundamente feliz expandir la belleza… el amor por las plantas siempre ha tenido un rol positivo en su vida. Ingresó a la universidad para estudiar ingeniería, pero rápidamente se dio cuenta de que no era lo que le apasionaba y en cuarto año decidió dedicarse a la fotografía.

Dentro de su trabajo destaca la serie The third hand para la diseñadora de vestuario Momo Wang. Realiza proyectos personales que incluyen fotografías de amigos, viajes y naturaleza.

 

 

Referencias

martes, 22 de septiembre de 2015

Fausto Podavini

Fausto Podavini es un fotógrafo italiano (nacido en Roma, donde actualmente vive y trabaja), que realiza un trabajo personal de documentación de temas sensibles, en África, Sudamérica y su país natal Italia.

© Fausto Podavini

© Fausto Podavini

 

 

Biografía

Fausto Podavini estudió en el Instituto Técnico de Electrónica, y después hizo un master en Reportaje Fotográfico en la Academia Jonh Kaverdash de Milán. Comenzó su camino en la fotografía primero como asistente y fotógrafo de estudio para acercarse poco a poco al foto reportaje.

Podavini también ha sido parte de Mifav, el museo fotográfico de la Universidad de Tor Vergata, donde llegó a conocer y estuvo en contacto con muchos fotógrafos. Después de abandonar la fotografía de estudio para dedicarse exclusivamente al reportaje, se embarcó como freelance, trabajando con varias organizaciones sin fines de lucro para la realización de informes documentales en Italia, Perú, Kenia y Etiopía, donde actualmente se encuentra cursando algunos proyectos fotográficos personales.

En 2009 comenzó una colaboración con el colectivo fotográfico WSP, al que se unió de forma permanente en 2010, donde, además de trabajar como fotógrafo en proyectos colectivos, trabaja como profesor de Fotoperiodismo.

Además de sus diversos documentales en África, América del Sur y la India, Podavini ha llevado a cabo una importante labor en el territorio italiano, trabajando en deporte para discapacitados, sobre una prisión juvenil y sobre la enfermedad de Alzheimer.

Ha obtenido numerosos premios como los conseguidos en Goldencamera International Photo Awards en 2015, MIFA en 2014, PX3 en 2014, Kolga TBILISI PHOTO en 2014, World Press Photo en 2013 en la categoría Daily Life, etc. Y ha realizado diversas exposiciones en Italia y Europa. Su trabajo más icónico, Mirella, relata de forma convincente la historia de una mujer que con amor y devoción ayuda a Luigi, su marido por más de 40 años, afectado por el síndrome de Alzheimer.

 

 

Referencias

 

Libros

lunes, 21 de septiembre de 2015

Max Pinckers

Max Pinckers es un fotógrafo belga (nacido en Bruselas en 1988, donde vive y trabaja) cuyo enfoque principal es el estudio de las diferentes posibilidades de la fotografía documental y las estrategias visuales que forman el lenguaje de esta fotografía con el fin de definir los limites de este medio. El papel manipulativo de la imagen fotográfica y su poder para definir la historia así como los temas de actualidad son los conceptos que más destacan en su obra, que principalmente explora la función de la estética y las convenciones en fotografía en relación con su objeto de estudio y la influencia y relevancia de la ficción en la fotografía documental.

 

© Max Pinckers

© Max Pinckers

 

 

Biografía

Max Pinckers pasó su niñez y adolescencia en Asia. A los 5 años marchó con su madre a Bali, donde vivió varios años antes de trasladarse a India y Australia. Después vivió 6 años con su padre en Singapur. Volvió a su país natal  y obtuvo su licenciatura y un master en fotografía en la Real Academia de Bellas Artes (KASK) de Gante, Bélgica.

Su obra toca temas de la cultura asiática. Ahora, en su país natal, retoma la europea y es posible que alguno de sus trabajos pueda tener lugar allí.

Su obra ha sido expuesta internacionalmente, incluyendo BOZAR en Palacio de Bellas Artes de Bruselas, el Fotomuseum de Amberes, L'Escale en Levallois, Francia, y el Flandes Center de Osaka, entre otros.

En 2013, fue nominado por Martin Parr al Best Photobook en el Fotobookfestival Internacional de Kassel, Alemania, y fue finalista en los premios Aperture Foundation de Photobooks del  Paris Photo de 2013. Ha obtenido diversos premios por su fotografía, como el City of Levallois Photography Award, Photographic Museum of Humanity Grant en Buenos Aires y el M. Hans Vossen de Bruselas.

En 2015 ha sido admitido como nominado en la prestigiosa agencia Magnum Photos. También en este año ha fundado la distribuidora y editora independiente Lyre Press y en 2014 el colectivo creativo De Bedoeling vzw en Bruselas.

 

 

Referencias

 

 

Libros

domingo, 20 de septiembre de 2015

Fabrizio Quagliuso

Fabrizio Q es un fotógrafo italiano (nacido en 1970 en Nápoles, vive en Londres) que realiza fotografía documental, de calle y de bodas,

 

 

© Fabrizio Q

© Fabrizio Q

 

 

 

Biografía

Fabrizio Quagliuso, después de graduarse en Ingeniería se trasladó al Reino Unido, donde vive actualmente. Autodidacta, también fue inspirado en gran medida por un tío suyo que era fotógrafo profesional.

Durante los últimos años se ha dedicado principalmente a la fotografía de calle, una pasión que surgió de su curiosidad natural y su afición a la observación de la vida que se desarrolla a su alrededor y que llegó a florecer durante sus frecuentes estancias en Japón. Es miembro del colectivo italiano de fotografía callejera SPontanea.

Como fotógrafo de calle, Fabrizio pasa su tiempo en las calles observando a la gente, escuchando el pulso del mundo y siguiendo su ritmo, en busca de la belleza también en la imperfección, siendo siempre consciente de texturas y formas, de lo que es revelado por la luz y escondido por las sombras y persiguiendo esos momentos que pueden parecer, a primera vista, comunes e intrascendentes pero que, de alguna manera, encapsulan una verdad fundamental sobre la forma en que vivimos nuestras vidas e interactuamos con nuestro mundo.

Ha realizado diversas exposiciones en grupo y en solitario en Londres y Nápoles. Sus fotografías y textos han aparecido en numerosas revistas de fotografía en el Reino Unido, Italia, Japón y China, en los blogs de prestigio y su Shine on, Japan, un homenaje a Japón después de los trágicos acontecimientos de marzo de 2011, se expuso dos veces en Londres en 2011.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

sábado, 19 de septiembre de 2015

Ángel Marcos

Ángel Marcos es un fotógrafo español (nacido en Medina del Campo, Valladolid, en 1955) que ha convertido el género del paisaje en una constante en su trabajo, fijándose inicialmente en los campos de Castilla, en las huellas de la crueldad, pasando por la Babilonia contemporánea, Nueva York, Cuba o China, y llegando recientemente a Madrid y Barcelona.

 

© Ángel Marcos

© Ángel Marcos

 

 

 

Biografía

Ángel Marcos se dedicó en sus inicios a la fotografía publicitaria e industrial. Su primera exposición individual la realizó en 1982 en la galería Siena de Valladolid. Sin embargo, en 1997, tras su proyecto Un viaje por el teatro Calderón decidió dedicarse por completo a la fotografía artística y, desde esa fecha, no ha cesado de exponer en ferias y bienales así como en los más importantes centros y museos nacionales e internacionales.

En sus obras el paisaje suele ser el protagonista principal, de hecho, sus fotografías están íntimamente ligadas a la idea del viaje y al diálogo con el territorio recorrido. Esta idea la ha desarrollado a lo largo de toda su producción, desde sus primeras series en las que captaba los paisajes de los alrededores de Medina del Campo (su pueblo natal) hasta sus últimas obras en las que se aleja de España cada vez más y recorre medio mundo para mostrarnos su visión personal de lugares tan diferentes como pueden ser: Nueva York, China, Cuba o Las Vegas en las que el principal protagonista es siempre el paisaje. Marcos nos enseña la ciudad y sus alrededores, pasando, en el caso de que aparezcan, las personas a un discreto segundo plano.

Usando la fotografía como técnica principal de expresión artística, nos sitúa delante de lo cotidiano haciéndonos reflexionar sobre nuestra propia condición. Estas imágenes nos invitan a disfrutar en una primera mirada, luego el espectador se sentirá sumergido en una especie de desazón o al menos de interés inquietante. Sus obras cargadas de un gran atractivo plástico, nos devuelven al mundo con una realidad crítica poco común.

Sus trabajos han sido presentados en exposiciones, tanto individuales como colectivas. Destacan las celebradas en la 55º Bienal de Venecia en 2013, The Margulies Collection en Warehouse en Miami en 2012, Artium en Vitoria con Rabo de lagartija en 2011, la X Bienal de La Habana en 2009, el Mücsarnok Kunsthalle de Budapest en 2009, el Museo Stenersen de Oslo y el Kulturhuset de Estocolomo en 2009, el MUSAC de León con Existencias y China en 2008 y 2007, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid en 2007, el Museu de Arte Brasileira de São Paulo con CO2 en 2007, la Maison Européenne de la Photographie de París con À Cuba en 2006, el Naples Museum of Art de Florida con En Cuba en 2006 y la Bienal del Fuego en 2006.

Su proyecto Alrededor del sueño, iniciado con Nueva York, ha sido completado con Madrid, exposición inaugurada en 2014 y Barcelona que lo hará el próximo 1 de octubre en la galería Trama de Barcelona.

Su obra se encuentra en las colecciones de museos e instituciones como el MUSAC, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, la Margulies Collection, el Naples Museum of Art y la Siemens Foundation de Viena, entre otros muchos.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

  • Alrededor del sueño, 2011
  • ULTREIA e SUSEIA
  • Coup de parole, 2012.
  • La Tierra más hermosa Cuba (varios), 2006
  • Rabo de lagartija, 2011
  • El deseo del otro
  • Alrededor del sueño (escenarios para el vacío)
  • Desiderátum [ La Habana vs Las Vegas ]
  • UN COUP DE DÉS
  • China
  • En Cuba
  • Ángel Marcos. PHotoBolsillo, 2005
  • Metoikesis, con Fernando Castro Flórez, 2005
  • PLAZA MAYOR espacio y representación
  • La chute
  • Catálogo China
  • Obras póstumas
  • Los Bienaventurados, 1997.

viernes, 18 de septiembre de 2015

Eduardo Nave

Eduardo Nave es un fotógrafo español (nacido en Valencia en 1976) cuya obra parte del documentalismo tradicional, pues vuelve la mirada hacia escenarios con carga histórica o social importante, para reinventarlo mediante la propuesta de nuevas narraciones que van más allá de las evocadas por el espacio retratado.

 

Normandie: les rivages du débarquement © Eduardo Nave

Normandie: les rivages du débarquement © Eduardo Nave

 

 

Mis proyectos personales tratan sobre lugares donde han ocurrido hechos relevantes y la posibilidad de que los espacios guarden recuerdos de lo que en ellos ocurrió.

 

 

 

Biografía

Eduardo Nave estudió fotografía en la Escolad d´Art i Superior de Disseny de Valencia y realizó talleres de periodismo y fotoperiodismo. En 2005 fundó junto a otros 13 fotógrafos, el colectivo de fotografía contemporánea NOPHOTO. Interesado por la fotografía documental y colaborador habitual para medios editoriales nacionales e internacionales.

Es autor de varios reportajes, como En La Línea, una visión actual del Sida en un país occidental, Camino a la inserción, es el día a día de niños con deficiencias físicas y psíquicas, Campos de Arroz, Normandie: les rivages du débarquement, una visión actual de las playas del desembarco de Normandía, T(t)ierra callada, que propone una reflexión sobre la vulneración del entorno natural. A la hora, en el lugar, recoge los espacios donde la banda terrorista ETA cometió un atentado, fotografiándolos el mismo día y a la misma hora en que los atentados fueron cometidos, en un trabajo sobre la memoria y el olvido.

Ha obtenido diversos premios y becas por sus trabajos entre los que destacan la beca del Colegio de España en París, beca de Artes Plásticas de la Fundación Marcelino Botín, el Fujifilm Euro Press Photo Awards 2004 y el premio Revelación PhotoEspaña entre otros.

Ha expuesto en los Encuentros Internacionales de Fotografía de Arles (Francia), en la Feria ARCO (Madrid), en el Palazzio de Venecia (Roma), en el Canal de Isabel II (Madrid), en la Casa de Velázquez de Madrid, en el Macuf (A Coruña), en la Feria Maco (México), en la Real Academia de BBAA de San Fernando (Madrid), en el Instituto Cervantes (Paris), en el Salón Internacional de Fotografía Paris Photo… 

Su obra forma parte de colecciones privadas e instituciones como el Museo de la Fotografía Española, la Universidad Complutense de Madrid, el Ayuntamiento de Madrid, el Banco de Sabadell, el Congreso de los Diputados, el Ministerio de Cultura, la familia Cartier-Bresson, la Fundación Ordóñez-Falcón, la colecciçon Circa XX, la colección DKV, Patrimonio Nacional,

Sus trabajos son representados por la galería Pilar Serra (Madrid).

 

 

Referencias

 

 

Libros

jueves, 17 de septiembre de 2015

Tamara Reynolds

Tamara Reynolds es una fotógrafa estadounidense (nacida en 1960 en Nashville, Tennessee, donde vive y trabaja) especialista en retrato, lifestyle y en series documentales.

 

© Tamara Reynolds

© Tamara Reynolds

 

 

 

Biografía

Tamara Reynolds es la hija más joven de una familia católica irlandesa. Creció como un marimacho, pero le gustaban las cosas bonitas. Vio fotos de National Geographic. Las monjas le obligaban a leer, pero ella seguía mirando fotografías. Comenzó a hacerlas e hizo un grado BFA en fotografía.

Seguía viendo más y más fotos, y también libros de fotos. Ayudaba a otros fotógrafos a hacer sus fotos y miraba las fotografías que hacían. Luego ya empezó a hacer sus propias fotos y ha seguido viendo fotos y más fotos y haciendo las suyas.

Durante 25 años ha trabajado como fotógrafo comercial y editorial para revistas y agencias de publicidad, centrándose principalmente en el retrato y en imágenes lifestyle, mientras continúa sus proyectos personales.

Su trabajo ha recibido numerosos premios y ha realizado exposiciones colectivas e individuales a nivel nacional. En dos ocasiones ha sido Critical Mass Finalist y ha sido seleccionada  en  Review Santa Fe 100  este año. Su trabajo ha sido presentado en Lenscratch, Light Leaked, Oxford American, One One Thousand y otros sitios en línea.

También ha filmado, dirigido y editado pequeñas historias documentales, así como ha trabajado como director de fotografía en dos cortometrajes independiente titulados Don’t’ Wake the Baby y The Hair Cut.

Su proyecto fotográfico Southern Route echa un vistazo a sus propios y encontrados sentimientos sobre el sur de Estados Unidos y su historia.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

miércoles, 16 de septiembre de 2015

Fang Tong

Fang Tong es una artista y fotógrafa canadiense de origen chino (reside en Vancouver, Canadá) en cuyo trabajo intenta conseguir algo entre lo realista y un poco surrealista capturando momentos de la vida real.

 

© Fang Tong

© Fang Tong

 

 

Biografía

Fang Tong ha explorado durante mucho tiempo diversos aspectos de las artes plásticas como pintura al óleo, escultura, instalaciones y medios digitales tanto 2D como 3D. Pero poco a poco, se fue adentrando en la fotografía. A través de la lente, se abre un gran mundo en el que siente una gran pasión.

Su trabajo intenta conseguir algo entre lo realista y un poco surrealista, y no lo consigue con el post-proceso sino con una adecuada iluminación. Quiere que el espectador sienta el mismo estado de ánimo que ella trata de conseguir en su foto.

Todo lo que sucede en sus fotos se basa en la vida real, pero todavía hay algunas pequeñas cantidades de elementos extraños que incluye en su imagen.

Ha obtenido diversos premios, entre los que podemos citar su más reciente primer premio en la categoría C Open en el Nikon Photo Contest de 2015 con su fotografía Swimming pool.

 

 

 

Referencias

martes, 15 de septiembre de 2015

Birney Imes

Birney Imes es un fotógrafo estadounidense (nacido en 1951 en Columbus, Mississippi, donde vive y trabaja) mayormente conocido por sus fotografías de los Estados Unidos del Sur, sobre todo de su estado natal, Mississippi.

 

© Birney Imes

© Birney Imes

 

 

Biografía

Birney Imes III estudió en escuelas públicas de Columbus y se graduó de la Universidad de Tennessee en Knoxville con una licenciatura en Historia en 1973. Comenzó a fotografiar después de graduarse de la universidad y es en gran parte autodidacta. A mediados de los 70, trabajó como fotógrafo en el periódico The Commercial Dispatch del que era propietario su padre Vinton Birney Imes, Jr.

Más tarde, abrió su propio estudio encima del Princess Theater en Columbus. Junto con su trabajo personal, Imes trabajó comercialmente para clientes locales y en encargos para revistas como Rolling Stone, The Village Voice y Texas Monthly. Inspirándose en las fotografías de otros artistas del sur como Eudora Welty y William Eggleston, su trabajo se concentra en el sur de Estados Unidos, especialmente en las poblaciones negras del delta del Mississippi.

Durante más de 20 años ha recorrió el campo de su Mississippi natal fotografiando las personas y lugares que encontró en el camino. Trabajando tanto en blanco y negro como en color, sus fotografías capturan a gente en puntos de reunión y restaurantes en ruinas esparcidos por el paisaje de esas tierras, mostrando personajes y lugares que permanecen en los márgenes de la memoria y la cultura del Sur.

Sus fotografías forman parte de las colecciones del The Museum of Modern Art, Metropolitan Museum of Art, ambos en Nueva York, Art Institute de Chicago, la Bibliothèque Nationale de France en París y numerosos museos y colecciones privadas en Estados Unidos.

Su trabajo ha sido expuesto ampliamente en exposiciones individuales y colectivas, como The Art Institute de Chicago, Museum of Modern Art y Whitney Museum of American Art en Nueva York, Center for Creative Photography en la University of Arizona, y Ogden Museum of Southern Art en Nueva Orleans, Luisiana.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

lunes, 14 de septiembre de 2015

Lukas Holas

Lukas Holas es un fotógrafo checo cuya obra más conocida son los retratos de animales en zoos con un fondo negro.

 

© Lukas Holas

© Lukas Holas

 

Biografía

Lukas Holas es diseñador gráfico y vive en un pueblo pequeño de la República Checa. Ha sacado fotos de todo tipo: personas, animales, macro y paisaje ... durante unos 6 años. Su sueño es poder fotografiar animales salvajes y exóticos en su entorno natural, pero no ha podido hacerlo por motivos de trabajo y familiares.

Tiene que compaginar su trabajo principal con el placer de la vida y de la fotografía y va a menudo con toda su familia (tiene tres hijos) a los parques zoológicos de su pequeño país. Y allí a veces se  queda atascado ante un animal que posa de buen grado. A pesar de los cristales manchados, las fuertes barras de acero, la apatía frecuente de los animales aburridos y las multitudes omnipresentes de turistas, a veces consigue una buena foto.

Busca hacer las fotos de los animales contra un fondo natural oscuro, pero la forma final está ajustada con Photoshop. La experiencia y la práctica diaria en su trabajo de diseñador gráfico le es útil para ello.

Sus imágenes no tienen ningún mensaje específico, pero lo mismo que los retratos de personas sus retratos de animales en blanco y negro presagian una historia más profunda de los animales retratados.

Colabora con la Unión Checa y Eslovaca de Zoológicos (que ha estado diseñando sus informes anuales durante varios años utilizando sus fotos en blanco y negro), y con algunos jardines de la República Checa. Espera que esa cooperación continúe en el futuro y que los animales que retrata imágenes hagan las delicias e inspiren a las personas de otros países.

 

 

 

Referencias

domingo, 13 de septiembre de 2015

Espen Rasmussen

Espen Rasmussen es un fotógrafo noruego (nacido en 1976, vive en Nesodden, cerca de Oslo) que trabaja en proyectos personales que a menudo relacionan cuestiones humanitarias y el cambio climático.

 

© Espen Rasmussen

© Espen Rasmussen

 

 

Biografía

Espen Rasmussen estudió fotografía en la Universidad de Oslo, y ha trabajado posteriormente como fotógrafo independiente para varias revistas y periódicos noruegos. También ha estado trabajando con Médicos Sin Fronteras desde 2004. Ha viajado por todo el mundo, cubriendo eventos como el conflicto maoísta en Nepal, el tsunami en Asia, el terremoto en Pakistán y el conflicto de Somalia.

En 2007, recibió 60.000 dólares de la Freedom of Expression Foundation para continuar su proyecto a largo plazo sobre refugiados y desplazados internos en todo el mundo, que se publicó como libro TRANSIT en 2011, así como fue objeto de una gran exposición.

Rasmussen ha obtenido varios premios por su trabajo, entre ellos 2 premios World Press Photo, 7 Picture of the Year International y 32 premios Norwegian Picture of the Year.

Sus fotografías han aparecido en National Geographic, Time, The Economist y Der Spiegel, y en periódicos como el New York Times y Financial Times, y se han exhibido en el Nobel Peace Center (Oslo), The Humanity House (La Haya), UNHCR headquarter (Ginebra) y DokuFest international film festival (Kosovo),

Rasmussen es docente independiente en fotografía en el Oslo University College y en la Bilder Nordic school of Photography. Participa con frecuencia dando presentaciones en festivales de fotografía. Durante los últimos dos años, ha sido uno de los tres editores / mentores del Norwegian Journal of Photography (NJP).

Está representado por Panos Pictures en Londres. En los últimos años, ha sido editor de fotografía en VG Helg, la revista de fin de semana más importante de Noruega.

 

 

Referencias

 

 

Libros

sábado, 12 de septiembre de 2015

Cristina Lucas

Cristina Lucas es una artista multidisciplinar y fotógrafa andaluza (nacida en 1973 en Jaén, vive y trabaja en Madrid) cuyas fotografías, vídeos, dibujos e instalaciones reflexionan sobre las estructuras de poder desde el punto de vista cultural y de género.

 

 

Peinado de mujer voladora © Cristina Lucas

Peinado de mujer voladora © Cristina Lucas

Es fundamental cuestionar lo establecido. Al artista le toca ir más allá.

 

 

 

Biografía

Cristina Lucas se licenció en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid (1998), ha realizado un máster en la Universidad de California Irvine y ampliado estudios en el International Studio and Curatorial Program de Nueva York (2003) y en la Rijksakademie de Ámsterdam (2006-07).

En sus inicios realizó arte de acción, siendo la performance y el happening sus primeras vías de expresión. Poco a poco, su trabajo fue derivando en la utilización de registros que permitiesen a sus obras tener una existencia menos efímera. Comenzó así a trabajar con la pintura, la fotografía y el vídeo, aún sin perder el carácter de perfomance que nunca va a desaparecer de su obra, y es más bien el elemento que le confiere un carácter definidor. De hecho, sus piezas parecen siempre funcionar como documentos de acciones determinadas por la artista.

Mediante la instalación, la fotografía, el vídeo o el dibujo, Lucas, que ha abordado a través del lenguaje plástico cuestiones como el patriarcado, el feminismo, la religión, la democracia occidental y el deseo del hombre de dominar la naturaleza, escarba en la memoria colectiva para subvertir significados socialmente aceptados y proponer un relato corrosivo, muchas veces iconoclasta, contra los discursos que perpetúan la desigualdad y la violencia.

Entre sus exposiciones individuales destacan Caín y las hijas de Eva (Galería Juana de Aizpuru, Madrid, 2008), Talk (Stedelijk Museum, Schiedam, Holanda, 2008), Light Years (Centro de Arte Dos de Mayo, Madrid, 2009 y Museo de Arte Carrillo Gil, Ciudad de México, 2010) y On Air (Centro de Arte Caja de Burgos, 2013). Ha estado presente en la 28 Bienal de São Paulo (2008) y en la X Bienal de Liverpool (2010).

Su obra forma parte de colecciones públicas y privadas como las Centre Pompidou en París, KIASMA en Helsinky, MUSAC Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León, IVAM Institut Valencià d'Art Modern, Museo Patio Herreriano en Valladolid, ARTIUM Museo de Arte Moderno de Vitoria, FNAC Fondo Nacional de Arte de Francia, Colección ALTADIS Francia-España, Obra Social Caja Madrid, Fundación Coca Cola, Fundación NMAC, L´Oreal España, LUMC Collection en Leiden,  Comunidad de Madrid, Frac Lorraine en Metz, ...

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros