viernes, 31 de julio de 2015

Anusorn Charoensuk

Anusorn Charoensuk es un fotógrafo tailandés (nacido en 1985) que realiza fotografía para intentar convertir en realidad sueños imposibles, como, por ejemplo, el viajar a otras partes del mundo para las personas humildes.

 

© Anusorn Charoensuk

© Anusorn Charoensuk

 

 

Biografía

Anusorn Charoensuk comenzó su carrera como fotógrafo en 2001 y desde entonces su trabajo ha sido expuesto en varias ciudades de Asia como Bangkok o Singapur. En 2010 fue seleccionado en el Month of Photography de Tokio y en 2006 fue premiado con el Young Thai Artist Award, por fotografías de familias del mundo pintadas por él mismo en paredes.

Su serie World Tour está formada por fotografías tomadas durante un período de cinco años en el contexto de pinturas, realizadas sobre un muro de su garaje, de los destinos turísticos más populares, delante de la cual posa él y su familia, con la misma alegría que si estuvieran en los lugares reales que se representan. Durante esos viajes virtuales, el padre de familia falleció. A partir de ese momento, aparece en las imágenes bajo la forma de un pequeño ángel, a veces perdido en un ángulo del cuadro, que acompaña a sus allegados en la eternidad fotográfica.

Charoensuk puede tener una instalación interactiva en sus exposiciones, donde invita a los visitantes a fotografiarse delante de un lugar típico también pintado.

Su trabajo parte del deseo común de realizar lo que no puede ser posible en la realidad. En este fondo pintado de nuevas realidades, el propio artista, los miembros de su familia y a veces, los visitantes a sus exposiciones, participan en el proceso de hacer creer, de buscar una manera de acceder a lo inaccesible. Pero para que el sueño se cumpla debe ser inmortalizado por la fotografía.

 

 

Referencias

jueves, 30 de julio de 2015

Edouard Fraipont

Edouard Fraipont es un fotógrafo brasileño (nacido en 1972 en Sao Paulo, donde vive y trabaja) que desarrolla trabajos de expresión personal en la fotografía, explorando los movimientos de su propio cuerpo. Su investigación más reciente explora evocaciones de lo sobrenatural en el paisaje y transfigura su cuerpo para crear testimonios fotográficos distorsionados.

 

© Edouard Fraipont

© Edouard Fraipont

 

Biografía

Edouard Fraipont se graduó en cine en la Fundação Armando Alvares Penteado (FAAP) en 1997, y y en filosofía en la Universidad de Sao Paulo. Su formación inicial en la fotografía fue en fotografía documental, en la Escola Focus (1991-1992) y asistió a cursos de arte contemporáneo y de fotografía artística en la Oficina de Arte (1996-1999). Trabaja como fotógrafo freelance desde 1992 y fue director de cortometrajes de 16 y 35 mm en la Universidad.

Edouard pasó un año estudiando el mundo de los aymaras, etnia nativa de los Andes, seguido de 4 años de estudios libres y capacitación extracurricular en artes visuales bajo la tutela de Eduardo Brandão.

Desde 1996, ha desarrollado un estilo artístico personal que combina la experimentación en el lenguaje fotográfico con la producción de películas y perfomances. Ha realizado exposiciones individuales en la Galeria Triángulo (Sao Paulo), FotoArte (Brasilia), Centro Cultural Banco do Brasil (Sao Paulo) y Joaquim Nabuco, Fundación Recife, entre otras. Su obra forma parte de colecciones como la de la Coleção Pirelli del Museo de Arte de Sao Paulo / MASP de Fotografia, Museo de Arte Moderno de Sao Paulo, y en el Museo del Estado de Sao Paulo. En 2007 fue galardonado con una residencia por el programa British Council's Artist Links, durante la cual realizó la serie A Period in Britain.

 

 

 

Referencias

 

 

Libros

  • Figuras Autônomas, 2010
  • Um indeterminado, 2006.

miércoles, 29 de julio de 2015

Ferit Kuyas

Ferit Kuyas es un fotógrafo turco (nacido en Estambul, vive y trabaja en Wädenswil, cerca de Zúrich, Suiza) que trabaja principalmente en proyectos personales, varios de ellos centrados en China.

 

© Ferit Kuyas

© Ferit Kuyas

 

Biografía

Ferit Kuyas estudió arquitectura y leyes en Zúrich, donde se graduó en jurisprudencia en la Universidad de Zúrich. En 1986 comenzó su carrera en la fotografía. Sus temas principales son las bellas artes, arquitectura, interiores, publicidad y editorial.

Después de visitar Shanghai por un encargo, ha viajado a menudo a China. Publicó en 2009 Chongqing: City of Ambition con grandes paisajes urbanos de la megalópolis de 32M de habitantes de Chongqing, China, creada en 1997, con fotografías que muestran su rápido crecimiento y la omnipresente niebla (y algo de polución) de la zona. Fue su primer trabajo en color.

Ha trabajado con máquinas de gran formato, en los años 90 principalmente en 8x10”, pero empezó a sentir que su fotografía era demasiado estática y se pasó al medio formato y al 4x5”. Ahora puede hacer un 8x10” más dinámico, pero se siente más cómodo con el 4x5”. City of Ambition está hecha con 4x5” y parte en digital con Alpa xy y no hay diferencias entre unas fotos y otras.

En 2011 comenzó a trabajar en Aurora, un proyecto con paisajes urbanos y retratos en la Ciudad de Guatemala, que ya ha visto la luz en el libro Aurora – Guatemala City Habitat.

Sus fotografías también se han mostrado en museos, galerías y festivales en Europa, América y Asia. Su obra está representada en colecciones privadas, corporativas y públicas en los Estados Unidos, Inglaterra, Bélgica, Suiza, Alemania y Turquía. Ha recibido varios premios, entre ellos el Kodak Photobook-Award, GuatePhoto y el Masters Hasselblad en 2002.

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

martes, 28 de julio de 2015

Vassi Koutsaftis

Vassi Koutsaftis es un fotógrafo griego (nacido en 1952 en Atenas) que ha explorado el mundo durante más de 30 años, especializándose en fotografía de viajes de tipo extremo, especialmente a las regiones montañosas del Himalaya, Karakorum, Hindu Kush y otras zonas remotas de Asia.

 

© Vassi Koutsaftis

© Vassi Koutsaftis

 

 

Biografía

Vassi Koutsaftis nació en Atenas, Grecia, y cruzó los océanos del mundo trabajando en cruceros y cargueros. Siguió viajando a zonas remotas de nuestro planeta por su cuenta, y luego desde el aire, estudiando aeronáutica y convirtiéndose en piloto en los EEUU.

Lidera trekings y recorridos exploratorios en Afganistán, Mongolia, Tíbet, Nepal, Pakistán, Irán, Bután, Birmania, Turquía y la India, y contribuye a la investigación esencial de itinerarios insólitos y remotos para Geographic Expeditions, una de las mejores y más respetadas compañías de expedición en los EEUU.

Sus fotografías han sido publicadas en revistas como Geo (edición europea), Photografos, USA Today, Asia Week, National Geographic Traveler y Marin Magazine. Trabaja como experto en el Tíbet de Conde Nast y es bien conocido por sus imágenes del Dalai Lama.

Su experiencia fotográfica y viajera ha sido fundamental en la exploración para películas como las producciones de la cadena CBS, PDI y Dreamworks y para una serie de cineastas independientes. Su obra forma parte de las colecciones de la U.C. Berkeley’s Blum Center, Steve Wynn Casinos, Stanford University’s Center for Buddhist Studies.

Koutsaftis ha expuesto su obra ampliamente en galerías en los Estados Unidos y del extranjero incluyendo The Hellenic American Union en Atenas, y disfruta haciendo presentaciones de sus fotografías y compartiendo sus historias de largos viajes por el mundo.

 

 

Referencias

lunes, 27 de julio de 2015

William Gaye

William Gaye es un fotógrafo francés (nacido en 1982 en París, donde vive y trabaja) cuyos proyectos documentales toman principalmente a Camerún y a sus habitantes como referente visual.

 

© William Gaye

© William Gaye

 

 

Biografía

William Gaye realizó estudios en la Escuela Nacional Superior de Física y Química de Burdeos, y posteriormente ingresó en l´École Nationale Supérieure Louis-Lumière, donde se diplomó en 2008.

Su trabajo se articula en torno a una reflexión sobre la naturaleza del medio fotográfico, tanto desde el punto de vista de las experiencias que surgen en la toma como desde el sentido de la imagen capturada o la relación que se establece con el público.

La inspiración que encuentra en Camerún le permite hacer sus fotografías como una imagen distante de la sociedad occidental donde vive. Organiza sus imágenes en diversas formas (collage urbano, trabajo en grupo, exposiciones participativas y viajes, ...) con el deseo del eco constante del público.

 

 

Referencias

domingo, 26 de julio de 2015

Ananké Asseff

Ananké Asseff es una artista visual argentina (nacida el 30 de julio de 1971 en Buenos Aires, donde vive y trabaja) cuya obra diversa incluye fotografía, instalación, video, interactividad, escultura, objeto e instalación en espacio específico, creando escenarios cargados que evocan miedo y amenaza, imaginada y/o promovida, en la construcción social y personal.

 

 

El secreto tenía que desvelarse © Ananké Asseff

El secreto tenía que desvelarse © Ananké Asseff

 

 

 

Biografía

Ananké Asseff  inició su carrera como fotógrafa en 2001 con una serie en la que inmortalizó una de las peores crisis económicas y sociales de la Argentina, a la que irónicamente tituló Mi presente perfecto y se hizo conocida en todo el mundo cuando retrató a personas de clase media cargando armas, en un trabajo dedicado a la inseguridad y a la violencia.

Su obra forma parte de las colecciones de la Tate Modern de Londres, el Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro, el Centro de Arte Contemporáneo Wifredo Lam de La Habana y el ARTER de Estambul, además de en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, el Fondo Nacional de las Artes, el Museo Castagnino + MACRO de Rosario, el Palais de Glace, el Museo E. Caraffa de Córdoba y el Museo Nacional de Bellas  Artes, todos éstos en Argentina.

Ha recibido distinciones como la beca en la Academy of Media Arts KHM de Alemania y la residencia en el Banff Centre for the Arts en Canadá (2004 - 2005), otorgadas ambas junto con la Fundación Antorchas, el Premio Leonardo a la Fotografía 2002 (otorgado por la Asociación Argentina de Críticos de Arte) y la Beca de Perfeccionamiento en Medios Audiovisuales del Fondo Nacional de las Artes (2001). También obtuvo el primer premio en el Premio Rioplatense de Artes Visuales 2004 de la Fundación OSDE, el segundo premio del Salón Banco Ciudad en 2002,  el segundo  premio del Premio Federico J. Klemm a las Artes  Visuales  en 2009, y el segundo premio del Premio Mamba -Fundación Telefónica, Arte y Nuevas Tecnologías en 2011, entre otros.

En 2007 recibió el subsidio del Fondo Metropolitano de las Artes de Buenos Aires y la Beca Nacional para Proyectos Grupales del Fondo Nacional de las Artes, en 2012, el premio Konex a la Fotografía, otorgado por la Fundación Konex y en 2014 la Beca para Proyecto (Fotografía) del FNA.

Ha participado en numerosas exposiciones  individuales y colectivas en Argentina, Uruguay, Brasil, Chile, Bolivia, Perú, México, Colombia, Cuba, Alemania, Holanda, México, España, Estados  Unidos, Francia, Suiza y China. Sus trabajos han sido presentado en diversas publicaciones especializadas como TIME Magazine, Photoworld Magazine China, Auto Focus, THAMES & HUDSON, Fotografía en la Argentina 1840-2010, Fondo Nacional de las Artes, IMAGE Francia, VISURA MAGAZINE y EXIT en España, entre otras.

 

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libro

sábado, 25 de julio de 2015

Naia del Castillo

Naia del Castillo es una escultora y fotógrafa vasca (nacida en 1975 en Bilbao) cuya obra trata principalmente del mundo de la mujer desde la metáfora, sin usar elementos combativos propios de otras épocas, resaltando en sus manifestaciones la ambivalencia entre la superioridad de la mujer como seductora y su posición de inferioridad en lo cotidiano.

 

© Naia del Castillo

Cortejo © Naia del Castillo

 

… la imagen de la mujer en el arte tiene mucha carga cultural. Me interesa también como autorreferencia, mis obras son casi replanteamientos de mis relaciones con el mundo. La mujer aparece en mi obra porque soy mujer y me siento reflejada

 

 

 

Biografía

Naia del Castillo es licenciada en Bellas Artes en la especialidad de Escultura por la Universidad del País Vasco, realizó un master por el Chelsea College of Art & Design de Londres. Ha obtenido numerosas becas y residencias, como Beca Caja Madrid en 1999, BBK en 2000, Injuve en 2004, Fine Arts Grant del Gobierno Vasco en 2013 y 14. Ha sido premiada en el Festival Off de PHE05, en Generación 2006 de Caja Madrid, y seleccionada para representar a España en ParisPhoto en 2005.

Ha realizado múltiples exposiciones entre las que destacan las llevadas a cabo en el Museo Pablo Serrano de Zaragoza (2003), ARTIUM (Vitoria, 2004), PHotoEspaña y varias itinerantes en Alemania, Estados Unidos y Austria con la Sociedad Estatal para la Acción Cultural Exterior dentro del ciclo Pasión: Diseño Español (2002).

Su obra forma parte de colecciones de museos y otras instituciones, como ARTIUM en Vitoria, CAC en Málaga, Comunidad de Madrid, Fundación Bancaixa en Valencia, Fundación Caja Madrid, Fundació “la Caixa” en Barcelona, Fundación Ordoñez-Falcón, Fundación Würth en La Rioja, Maison Européene de la Photographie en París, Museo de Bellas Artes de Santander y Museum of Fine Arts en Houston, entre otros.

 

 

Referencias

 

 

Libros

  • Trampas y, 2004
  • Naia del Castillo (Catálogo Artium) 2004.

viernes, 24 de julio de 2015

Tomy Ceballos

Tomy Ceballos es un fotógrafo español (nacido en Caravaca de la Cruz, Murcia, en 1959) que mantiene un lenguaje propio mediante el  desarrollo de series fotográficas realizadas mayoritariamente con la técnica del fotograma.

 

© Tomy Ceballos

© Tomy Ceballos

 

Biografía

Tomy Ceballos descubre a través de su obra una mirada profunda, hacia el interior de los objetos más comunes y desconocidos. Propone una visión inteligente de la realidad, más allá de la simple apariencia, cuyo estimulo llegue al cerebro por la vía directa de las pupilas. De formación autodidacta, profundizó en sus conocimientos estudiando fotografía y diseño grafico, cine y video, electrónica digital, tratamiento de la imagen por ordenador, y ha asistido a diversos talleres de pintura, escultura, fotografía y artes plásticas.

Tomy ha obtenido diversos premios y becas como diferentes premios y becas, entre los que destacan

  • 1987.- Premio Nacional "Jovenes Fotógrafos". Ministerio de Cultura. Madrid.
  • 1988.- Beca de investigación "Ámbitos de la fotografía". Ministerio de Cultura. Madrid.
  • 1992.- "Synchronia". Simposio Internacional. Creta. Artista invitado.
  • 1995.- Museo Internacional de Electrografía Digital. Cuenca.
  • 1997.- Premio Adquisición. Bienal Internacional de Cádiz. Premio ADUANA.

Su obra forma parte de las siguientes colecciones: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia (MNCARS), Circulo de Bellas Artes, Fundación Arte y Tecnología, todos ellos en Madrid, Universidad Politécnica de Valencia, Museo Internacional de Electrografía en Cuenca, Incontros da Imagem en Braga, …

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

jueves, 23 de julio de 2015

Maggie Cardelús

Maggie Cardelús es una artista y fotógrafa española y estadounidense (nacida en Alexandria, Virginia, en 1962, vive en Milán) que ha recurrido a la fotografía, el vídeo, el dibujo, la pintura y las manualidades, entre otros itinerarios estéticos, para reflexionar sobre la que ha sido una de sus grandes preocupaciones: la potencialidad de la vida familiar y doméstica como vía de arte.

 

© Maggie Cardelús

© Maggie Cardelús

 

 

Biografía

Maggie Cardelús nació en Estados, tiene también la nacionalidad española y vive en Italia desde 1993. Estudió Bellas Artes en Wellesley College, especializándose en las disciplinas de Historia del Arte y Dibujo e Impresión, y obteniendo la Medalla de Plata de la London Royal Academy of Arts.

En 1988 finalizó un máster en Arquitectura en la Universidad de Columbia, en Nueva York, recibiendo el Premio de Arquitectura Lucille Smyser Lowenfish, y en 1990, la Beca Harriet Shaw. En 1992, se licenció en Bellas Artes por el Hunter College de Nueva York, siéndole concedidas las becas Mobilier Nationale et Manufactures des Gobelins, en París, en 1994, y Via Farini en Milán en 1997.

La mayor parte de su obra actual se centra en la instalación de fotografías recortadas, aunque también trabaja la escultura con diversos materiales y el vídeo.

Ha realizado varias exposiciones individuales entre las que podemos citar: Maggie Cardelus en Galeria F2 en Madrid, y Total Environment en Museo Patio Herreriano de Valladolid (2014), This Was Meant To Be en Milán (2012), Brigth Flasehs and Unreachble Things en la Galería Fúcares de Madrid (2011), Looking for Time en la Galería Francesca Kaufmann de Milán (2007), etc. También ha participado en diversas exposiciones colectivas nacionales e internacionales.

Ha sido profesora en la Academia de Bellas Artes de Bérgamo y en la Academia de Bellas Artes de Santa Giulia, Brescia.

 

 

Referencias

 

 

Libros

miércoles, 22 de julio de 2015

Irina Werning

Irina Werning es una fotógrafa argentina (nacida en Buenos Aires, donde reside) reconocida principalmente por sus series de fotografía Back to the Future, donde reproduce fotografías antiguas en la actualidad y las muestra como dípticos.

 

© Irina Werning

© Irina Werning

Me encantan las fotos antiguas. Admito que soy una cotilla. En cuanto llego a casa de alguien, empiezo a husmear en sus cosas y fotografías antiguas. A la mayoría de nosotros, nos fascina su aire retro, pero para mí, es más imaginar cómo se sentiría la gente y cómo serían si se les fotografiara ahora… Hace unos meses, me decidí a hacerlo. Así que fui invitando a la gente con mi cámara a volver a su futuro.

 

 

Biografía

Irina Werning estudió Economía en la Universidad de San Andrés en Buenos Aires. Dos años después terminó un posgrado en historia en la Universidad Di Tella de la misma ciudad. Se trasladó a Londres, en 2006 hizo un master en Photographic Journalism en la Westminster University, y ese mismo año obtuvo las becas Ian Parry y Gordon Foundation.

Un año después fue elegida para la Joop Swart Masterclass organizada por la organización del World Press Photo. Posteriormente ha obtenido los premios Flash Forward de The Magenta Foundation en Canadá en 2011, Winner BURN 2011 Emerging Photographer Grant de la Magnum Foundation y Winner Fine Art Portraits en los SONY World Photography Awards de 2012.

Su trabajo más conocido, son una serie de retratos titulado Regreso al futuro y que consiste, en gran medida,  en dípticos compuestos por una fotografía antigua del sujeto y otra moderna, trascurridos 10 o más años, del mismo sujeto imitando la anterior en estilo, vestido y postura. Es una reformulación de una fotografía de la infancia o juventud.

Este proyecto ha resultado en más de 200 imágenes tomadas en países como Argentina, Israel, la India, Uruguay, Estados Unidos, Gran Bretaña, Francia, Alemania, Dinamarca, Islandia, Eslovaquia, Austria, República Checa, España, Italia, Holanda, Suiza y Grecia. Irina contactaba vía mail con las personas a quien iba a retratar, los convocaba a regresar a un pasado que también era futuro. Muchas veces dormía en sus casas y los acompañaba en ese emotivo viaje en el tiempo.

En esta aventura también participan varios famosos, como la duquesa de Alba, Rafa Nadal, Mazarine Mitterrand, Mike Conley (NBA), el modelo Brad Kroenig o el torero Cayetano Rivera. A todos invitó a buscar en viejos álbumes, encontrar el instante justo, aceptar el reencuentro con objetos, espacios, poses, actitudes, climas y percepciones.

 

 

 

Referencias

 

 

Libros

martes, 21 de julio de 2015

Robb Johnson

Robb Johnson es un fotógrafo estadounidense (vive entre Carmel, California, y Santa Fe, Nuevo Méjico) que crea inquietantes y misteriosas fotografías en blanco y negro que recuerdan el estilo claroscuro de los viejos maestros italianos. Las condiciones atmosféricas inusuales que encuentra fotografiando en la oscuridad de la noche imbuyen sus fotografías de misterio.

 

© Robb Johnson

© Robb Johnson

 

 

Biografía

Robb Johnson fue estudiante becado en el Art Center College of Design en Pasadena, California, y obtuvo un BFA en Fotografía. Allí fue asistente de John Zimmerman, Co Rentmeester y Dan Wolfe. Asistió a talleres de Ansel Adams, Oliver Gagliani, Keith Carter, Joyce Tenneson y Lucien Clergue.

Trabajó en fotografía publicitaria durante 30 años, especializándose en la creación de entornos visuales de hoteles nacionales con su esposa Dale.

Decidió dirigir su foco visual hacia el interior y dedicarse a su obra personal y artística. Evoca en sus fotografías un mundo donde el espectador es libre para explorar con sus propias emociones y conciencia, un drama que no conocen, pero que es suyo.

Su trabajo ha sido premiado varias veces y ha sido publicado en revistas como B&W Magazine Spotlight, B&W Single Image, Silvershotz Folio, LensWork Magazine y Exel Magazine.

Ha expuesto en solitario en la Joseph Bellows Gallery y en la Weston Gallery. Su trabajo también ha sido mostrado en exposiciones en grupo de EEUU, Argentina y Europa. Está representado por la Weston Galley en Carmel.

 

 

Referencias

 

 

Libros

  • Robb Johnson Photographs, 2008.

lunes, 20 de julio de 2015

Javier Esteban

Javier Esteban es un fotógrafo levantino (nacido en 1963 en Alcora, Castellón, vive en Madrid) que utiliza un lenguaje visual propio, equidistante del collage y del poema objeto, que transforma cada negativo fotográfico en una pieza única, en un ejercicio de investigación personal.

 

© Javier Esteban

© Javier Esteban

Siempre me gustó jugar con la arena y con los caballitos de mar. Sólo cuando me fui a vivir lejos de las costa entendí lo que significaba aquella pasión.

 

 

 

Biografía

Javier Esteban se licenció en Ciencias de la Imagen por la Universidad Complutense de Madrid, inició su carrera fotografiando sombras en las playas que luego positivaba sobre la misma arena. Obtuvo el Premio Jóvenes Fotógrafos del Injuve en 1988. En ocasiones combina la fotografía con el trabajo en vídeo y la instalación. Trabajó como asistente de Alberto García-Alix, época en la que desarrolló sus sándwiches de «Madonnas» y su «cámara cutre», poniendo de manifiesto una voluntad de ruptura con el hecho fotográfico tradicional.

Es conocido por su impresiones fotográficas sobre arena emulsionada. Cuando la arena queda limpia de sales y productos orgánicos, se fija al lienzo, que es sometido a un proceso químico para que sea sensible a la luz. A lo largo de su trayectoria ha ido añadiendo elementos a sus creaciones, como anzuelos, sardinas o estrellas de mar. Así, se sirve del collage para crear nuevas realidades que luego fotografía y de las que solo realiza una única  copia. En este sentido se inscriben sus series Naturalezas muertas, Tempus fugit y Bodyscapes.

Ha colaborado con las revistas Diorama, Visual, La Fotografía, Matador, Aquí Imagen y El Canto de la Tripulación, de la cual es miembro fundador. En 1996 expuso Bestiario en el Círculo de Bellas Artes de Madrid, y Naturalezas muertas se mostró en la Galería Moriarty de Madrid durante PHotoEspaña 1998 y en 1999 en Toulouse (Francia), en la Galerie du Forum. Su instalación Bodyscapes ha podido verse en las galerías H2O y Spectrum (Barcelona y Zaragoza) y más recientemente en Claustro y Pictograma (Segovia y Castellón, 2007).

Contemplaciones, en Pictograma de Castellón (2015) está formada por 18 obras compuestas de una doble imagen que, a través de dos espejos, confluyen de modo que el cerebro las integra como una sola imagen en tres dimensiones.

 

 

Referencias

 

 

 

 

Libros

domingo, 19 de julio de 2015

Marcio Scavone

Marcio Scavone es un fotógrafo brasileño (nacido en Sao Paulo el 8 de diciembre de 1952) reconocido como uno de los mejores retratistas brasileños, por su capacidad de revelar el carácter de sus modelos a través de sutiles gestos o de la mirada.

 

 

© Marcio Scavone

© Marcio Scavone

 

 

Biografía

Marcio Scavone comenzó a fotografiar de niño con la Rolleiflex de su padre. A los 20 años ya era un fotógrafo publicitario. En los años 70 estudió fotografía profesional en el Ealing College de Londres, una experiencia que dejó marcas profundas en su mirada fotográfica todavía en formación.

En los años 80 fue uno de los máximos exponentes de la escena de la fotografía publicitaria brasileña. Volvió a residir y publicar en Europa en los años 90 (Londres y Lisboa) donde prosperó su obra personal. Publicó su primer libro E Entre a Sombra e a Luz, un viaje alrededor de su mundo personal y el geográfico, con textos del novelista italiano Antonio Tabucchi.

Su segundo libro, Luz Invisível, se dedicaba a retratos de celebridades y de gente común, su marca reconocida en la fotografía editorial brasileña, con textos del escritor Luiz Fernando Verissimo.

Por sus lentes han pasado Oscar Niemeyer, Pelé, Fernanda Montenegro, Burle Marx, Jo Soares, Caetano Veloso, Fernando Henrique Cardoso y otros muchos.

Realizó el libro de retratos de Louis Vuitton, Rebounds, publicado en París en 1999. Fue uno de los 50 fotógrafos del libro conmemorativo de los 50 años de las cámaras Hasselblad en 1998.

De 1994 a 2001, mantuvo una sección fija de retratos en la revista Carta Capital. Ha recibido diversos premios en el área de publicidad, como el Clio Awards y el León de Oro en Cannes.

En agosto de 2004 publicó A Cidade Ilustrada, un retrato colorido de su ciudad natal a través de sus grafitis callejeros y que se expuso en Pinacoteca do Estado. Su proyecto más reciente, Viagem à Liberdade, exposición y libro sobre la presencia japonesa en São Paulo, fue publicado como un ensayo en la revista National Geographic ganando el premio al mejor texto y foto de fuera de los Estados Unidos.

Sus obras forman parte de la colección Pirelli/MASP y en el Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro y en colecciones privadas en Brasil y en el extranjero. Desde su estudio en São Paulo, Scavone trabaja en fotografía publicitaria, editorial y proyectos personales.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

  • E Entre a Sombra e a Luz, 1997
  • Luz Invisível, 2002
  • A Cidade Ilustrada, 2004
  • Viagem à Liberdade.

sábado, 18 de julio de 2015

Eric Kim

Eric Kim es un fotógrafo coreano (reside en Berkeley, California) que realiza fotografía de calle y es un divulgador online y educador en este tipo de fotografía.

 

© Eric Kim

© Eric Kim

 

 

Biografía

Eric Kim estudió Sociología en UCLA y combina su pasión por la fotografía con hacer ensayos sociológicos a través de la fotografía de calle.

Cuando con 18 años empezó con la fotografía callejera, le fue difícil encontrar información en Internet sobre el enfoque de este tipo de fotografía. Preguntas como: ¿Puedo tomar una fotografía de un extraño sin su permiso / y no ser golpeado en la cara? ¿Qué debo buscar cuando disparo en las calles? ¿Qué hace buena a una fotografía de la calle? no tenían respuesta. Tuvo que aplicar todo lo que había aprendido de sus experimentos personales y antecedentes en Sociología.

Kim ha creado un blog  divulgativo por su pasión por la fotografía de la calle y el deseo de compartir su amor y conocimiento de este tipo de fotografía con otros. Despedido de su trabajo anterior, tuvo la oportunidad de viajar por el mundo y enseñar la fotografía de calle en talleres a tiempo completo para los que quieren conquistar su miedo a rodar en las calles, yendo a caminar fuera de su zona de confort.

Ha enseñado por todo el mundo, incluyendo ciudades como Beirut, Londres, París, Zúrich, Ámsterdam, Praga, Estocolmo, Venecia, Dubái, Bombay, Tokio, Singapur, Hong Kong, Seúl, Saigón, Manila, Kuala Lumpur, San Francisco, Nueva York y Chicago. En el pasado ha colaborado con marcas como Leica, Fujifilm, Olympus, Ricoh, Samsung  y Ford.

 

 

Referencias

viernes, 17 de julio de 2015

Andy Fabrykant

Andy Fabrykant es un cineasta y fotógrafo argentino (nacido en 1984 en Buenos Aires, vive en Arcueil, París) que realiza principalmente fotografía de calle y urbana.

 

© Andy Fabrykant

© Andy Fabrykant

 

 

Biografía

Andy Fabrykant estudió cine en la Universidad del Cine (FUC) de Buenos Aires  y un master en Animación en la FAMU de la República Checa. Desde el principio de sus estudios tuvo un marcado interés en la fotografía y está se fue desarrollando con el tiempo.

Hoy vive en París y ha realizado 5 exposiciones:

  • 2011 - París, des lieux et de gens en París,
  • 2011 - Nomade en Bourg-en-Bresse.
  • 2012 - Tremplin Jaunes Talentos en Saint-Mandé.
  • 2013 - Besares en Buenos Aires.
  • 2014 - L'Argentine à l'honneur en Neuilly-sur-Seine.

Después de muchos años de caminar perdido por su propia ciudad de Buenos Aires (y después por la República Checa y Francia) con su cámara como una herramienta para conseguir relaciones con la gente y la ciudad, sin saber exactamente lo que estaba buscando, al examinar la taxonomía de su trabajo pudo encontrar el significado de la misma: se siente atraído por la relación entre el sujeto y el espacio. A veces es un enfoque arquitectónico donde hay una falta de actividad humana y, a veces es todo lo contrario. Trata de dejar todas las variables al azar.

La fotografía callejera es probablemente donde encuentra más libertad. Viene del mundo del cine en donde todo es un ambiente controlado. La fotografía callejera nos permite ser espontáneos y no decidir tanto sobre lo capturado. Es la vida misma que decide por nosotros.

Ha estado trabajando en torno a este tema los últimos 5 años creando diferentes actividades o como le gusta llamarlos: juegos. Cada juego tiene su propia regla y Andy trata de cambiarlos por lo que siempre hay un enfoque fresco y nuevo. Por ejemplo, sigue a alguien en la calle y le deja que le lleve a lugares desconocidos, sin hacer fotos la mayor parte de las veces.

Sigue trabajando con cámaras de película y principalmente en blanco y negro.

 

 

 

Referencias

jueves, 16 de julio de 2015

Thomas Jorion

Thomas Jorion es un fotógrafo francés (nacido en 1976, vive en París) cuya obra trata el campo específico de los edificios en ruinas o abandonados, lugares en desuso, intentando inducir una reflexión sobre la materialidad y la temporalidad.

 

© Thomas Jorion, Blikza - 2010

© Thomas Jorion, Blikza - 2010

 

Trabajo desde la inspiración, no desde la preparación. Lo que me importa es el lugar, la luz y los colores.

 

 

Biografía

Thomas Jorion estudió leyes, y tardó aún 10 años en darse cuenta de que lo que realmente quería era ser fotógrafo profesional. Trabaja con cámaras fotográficas de 4x5” y negativos en color.

Su obra ofrece un buceo en los corazones de “islas atemporales". Explora las relaciones construidas con el medio ambiente, centrándose en espacios abandonados, y  nos anima a reflexionar sobre la materialidad y la temporalidad.

Palacios, villas, lugares de recreo y de olvido, casinos, hoteles castillo ... grandes cristaleras para una jornada de puertas abiertas añorando otro ayer. El artista descubre los fastos de esplendor voluptuoso y voyeur en el corazón de las construcciones de la vanidad.

 

 

Referencias

 

 

Libros

  • Ilots intemporels, 2010, 2012
  • Timeless Islands, 2011
  • Silencio, 2013
  • Molitor, ceci n'est pas une piscine, 2014
  • Silencio (Edición japonesa), 2015.

miércoles, 15 de julio de 2015

Chuck Kimmerle

Chuck Kimmerle es un fotógrafo estadounidense (con base en Casper, Wyoming) que se considera o un fotógrafo de paisajes de estilo tradicional. Los temas que trata son amplios: naturaleza, paisajes influido por el hombre, estructuras, etc.. Trabaja exclusivamente en blanco y negro, dando más fuerza a la forma y trama que al color, consiguiendo una obra reticente, formal, y equilibrada, presentando una visión honesta y directa en lugar de la belleza tradicional.

 

© Chuck Kimmerle

© Chuck Kimmerle

 

Biografía

Chuck Kimmerle supo que iba a ser fotógrafo cuando le regalaron su primera cámara, una Canon Canonet QL17 GIII, que aún guarda, como regalo de graduación. Todo el proceso de la fotografía le hipnotizó, pero su ingreso en la infantería del ejército de los Estados Unidos, puso ese sueño en un segundo plano durante algunos años.

Después de dejar el ejército se inscribió en el programa de Tecnología de Ingeniería Fotográfica en la St. Cloud State University, lo que le proporcionó una sólida formación en la ciencia fotográfica, química, procesos y sensitometría. Al mismo tiempo, comenzó a trabajar en el periódico de la escuela, y posteriormente en el St. Cloud Times, otros periódicos en Pennsylvania y, finalmente, Dakota del Norte, donde en un equipo de cuatro personas fue finalista para el premio Pulitzer de 1998 en la categoría Spot News Photography. En 2000 dejó el errático mundo del fotoperiodismo por el trabajo más cómodo de fotógrafo en la University of North Dakota, donde permaneció 10 años.

En 2010 se trasladó  por motivo del trabajo de su mujer al estado menos poblado de los EEUU, Wyoming, donde trabaja como fotógrafo freelance.

Ha compaginado su trabajo comercial con el personal, que ha sido mayoritariamente paisajes,  tranquilos y reticentes paisajes agrícolas de las llanuras, en particular las llanuras del norte. Estas zonas escasamente pobladas, sin pretensiones y carentes de grandiosidad, son a menudo poco apreciadas por su belleza tranquila y convincente.

En consonancia con la estética de la tierra, sus imágenes son a menudo directas, formales y equilibradas. Como son la forma y la textura, por encima de color, las características que las definen, trabaja casi exclusivamente en blanco y negro, a pesar de dominar la tecnología digital.

Desde que tomó la decisión en 2000 de convertirse en fotógrafo de paisajes a tiempo completo ha disfrutado del éxito y premios, viendo publicada su obra en revistas como Lenswork, Outdoor Photographer, B&W, Outdoor Photography, Black and White, Neutral Density, Fotoritm (Turquía), f11 (Nueva Zelanda), entre otras. Además, ha conseguido 4 residencias en parques naturales en Zion, Glacier, Joshua Tree y North Cascades.

 

 

 

Referencias

 

 

Libros

martes, 14 de julio de 2015

Daniel Canogar

Daniel Canogar es un artista visual y fotógrafo español (nacido en Madrid en 1964, donde vive) que trabaja con fotografía, video e instalaciones. Además de su actividad artística, desarrolla también una importante tarea en el terreno teórico, a través de cursos y publicaciones.

 

© Daniel Canogar

© Daniel Canogar

 

 

Biografía

Daniel Canogar comenzó con la fotografía con 15 o 16 años, con una visión muy cerrada. Se fue a Nueva York como vivencia a mitad de los 80, cuando la fotografía vivía un momento muy importante allí. Trabajó inicialmente como colgador de abrigos y por las tardes-noches estudiaba. Venía a Madrid a hacer los exámenes finales de su licenciatura en Ciencias de la Información en la Universidad Complutense de Madrid. Luego hizo un master con especialización en fotografía en el International Center for Photography de la New York University en 1990. Estuvo 10 años y volvió a Madrid.

Comenzó a exponer su trabajo fotográfico a principios de los 80. Su primera exposición individual tuvo lugar en 1985, en la Galería Aele de Madrid. Utilizando siempre como hilo conductor la fotografía, su trabajo se ha ido abriendo hacia la utilización de soportes translúcidos, como el metacrilato, los cables de fibra óptica o los focos de luz, en la configuración plástica de ambientes, en instalaciones.

Ha realizado diversos trabajos en espacios públicos, entre ellos:

  • Waves, una pantalla escultórica de LEDS instalada permanentemente en el atrio del 2 Houston Center en Houston,
  • Travesías, una escultura de LEDs realizada para el atrio del Consejo de la Unión Europea en Bruselas con motivo de la presidencia española de la Unión Europea en el 2010,
  • Constelaciones, el mosaico fotográfico más grande de Europa creado para dos puentes peatonales que cruzan el río Manzanares en el Parque MRio en Madrid,
  • Helix, una pantalla escultórica permanente de LEDS hecha para Quantum of the Seas, crucero de Royal Caribbean
  • Clandestinos, una video proyección sobre monumentos emblemáticos, presentado sobre los Arcos de Lapa de Rio de Janeiro, la Puerta de Alcalá de Madrid y la iglesia de San Pietro in Montorio en Roma.
  • Storming Times Square, una intervención de vídeo en 47 de las pantallas de Times Square,
  • la exposición individual Small Data en bitforms en Nueva York, y en la galería Max Estrella de Madrid,
  • Quadratura en el Espacio Fundación Telefónica de Lima,
  • Vórtices, una exposición sobre agua y sostenibilidad para la Fundación Canal de Isabel II de Madrid
  • Synaptic Passage para la exposición Brain: The Inside Story, en el American Museum of Natural History de Nueva York.

Sus trabajos se han expuesto en el Museo de Arte Contemporáneo Reina Sofia, Palacio de Velázquez y Galería Max Estrella en Madrid, Galerie Guy Bärtschi en Ginebra, Mimmo Scognamiglio Artecontemporanea en Milán, Museo de Historia Natural en Nueva York, el Museo Andy Warhol en Pittsburgh, Oboro en Montreal y otros muchos museos y galerías.

Actualmente alterna su estancia entre Madrid y Montreal, Canadá.

 

 

Referencias

 

 

Libros

  • Ciudades Efímeras: Exposiciones Universales, Espectáculo y Tecnología, 1992
  • Ingrávidos, 2003
  • y diversos ensayos sobre la arquitectura de la imagen, fotografía contemporánea y el arte de los nuevos medios.

lunes, 13 de julio de 2015

Reinaldo Loureiro

Reinaldo Loureiro es un fotógrafo gallego (nacido en Santiago de Compostela en 1970, vive en Londres) que trabaja con imágenes encontradas y de archivo, junto con su propia fotografía, para crear ensayos fotográficos que abordan la complejidad de los movimientos migratorios en el contexto actual de desigualdad política y económica.

 

 

© Reinaldo Loureiro

© Reinaldo Loureiro

 

 

Biografía

Reinaldo Loureiro tiene un máster en Fotografía Documental y Fotoperiodismo por el London College of Communication. Sus proyectos han aparecido en medios como Foto8, ELSE, Du Magazine, La maleta de Portbou, EFE24, The British Journal of Photohtography y National Geographic. Ha participado también en diversas exposiciones colectivas en Argentina (Biblioteca Nacional), Reino Unido (Host, Space, Photofusion, Diemar/Noble) y España (Kursala, Círculo de Bellas Artes y CGAC).

Siempre le han interesado los lugares fronterizos y la influencia que ejercen sobre quienes los habitan y transitan. Su proyecto Farhana trata del viaje de aquéllos que han puesto su destino en manos de un traficante de personas en la frontera de Melilla. Muchos son descubiertos en su intento de atravesarla y es en ese momento cuando un fotógrafo de la Guardia Civil toma varias fotografías del hallazgo. Estas imágenes quedan disponibles on-line y sirven para documentar las operaciones de control de la inmigración pero también para ser puestas a disposición de agencias de noticias y periódicos. Reinaldo recoge estos materiales e interviene en ellos para crear un nuevo contexto que propicie su reevaluación a la luz de las prácticas de representación de las migraciones en la sociedad española contemporánea.

Loureiro también ha documentado la industria de invernaderos localizada en la costa de Almería. Su trabajo, Hothouse, explora los efectos de esta industria sobre el ecosistema y el tejido social de la región poniendo especial énfasis en la situación de vulnerabilidad en la que se encuentran sus trabajadores.

 

 

Referencias

domingo, 12 de julio de 2015

Sergio Belinchón

Sergio Belinchón es un artista plástico y fotógrafo levantino (nacido en 1971 en Valencia, vive en Berlín) cuya obra gira en torno a la ciudad como espacio (des)habitado, la transformación del territorio y entornos reales que se convierten en artificiales.

 

© Sergio Belinchón

© Sergio Belinchón

 

 

Biografía

Sergio Belinchón cultiva la fotografía desde 1997. Tras su formación en la Escuela de Bellas Artes de Valencia y su estancia con una beca en la Escuela de España en París, ha trabajado para el arquitecto Santiago Calatrava y posteriormente consiguió la beca de la Academia de España en Roma. A partir de 2003 trabaja también el vídeo como forma de expresión, realizando proyectos en los que ambos medios se retroalimentan.

Los temas sobre los que gira su obra son la ciudad como escenario de la vida de sus habitantes, la transformación del territorio, el turismo y los espacios donde la realidad y la artificialidad se confunden. Muchos de sus proyectos, hablan de la relación que el ser humano establece con este entorno desde su ausencia, así sucede en:

  • Ciudades efímeras (2000-01), donde crítica a las construcciones costeras;
  • Suburbia (2002), que trata sobre el crecimiento de las nuevas ciudades a medio habitar;
  • Atacama (2002), donde retrata el deshabitado desierto chileno;
  • Paraíso (2003), que se centra en la reconstrucción de lugares exóticos en parques temáticos, enfatizando de nuevo la ausencia del hombre;
  • Público (2005), centrándose en los espacios destinados al ocio o el trabajo, de nuevo vacíos;
  • Western (2007), con fotografías y videos de los lugares de grabación de spaghetti wéstern en Almería;
  • Adiós Amigo! (2011), con fotografías recolocadas en el paisaje de Huesca imitando escenas de spaghetti wéstern.
  • Take 1 (2011), con fragmentos editados y ensamblados de videos Super 9 encontrados y unas 20 fotografías extraídas de sus fotogramas.
  • Venus Grotto (2013), donde retrata la cueva que tanto le gustaba al príncipe Ludwing de Baviera.

En 2005, junto con los artistas Santiago Ydáñez, Noé Sandas, Antonio Mesones, Paul Ekaitz y Rui Calçada Bastos, fundó en Berlín el espacio Invaliden1 Galerie, concebido como plataforma desde la cual mostrar sus trabajos y los de la comunidad internacional de artistas establecidos o de paso por la capital alemana.

Realiza numerosas exposiciones en solitario, donde sus series se han mostrado en Madrid, Barcelona, Huesca, Berlín, París, Lisboa, Río de Janeiro, Sao Paulo, Monterrey, …

A nivel colectivo, ha participado recientemente en los Rencontres Internationales Paris/Berlin/Madrid (Centre Pompidou en París en 2010, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en 2011 y Haus der Kulturen der Welt en Berlín en 2011, en el Circuito Berlín  del Instituto Cervantes en Berlín en 2012 y en The Marvelous Real en Tokio en 2014, entre otros.

Su trabajo ha sido reconocido con premios y becas de creación artística como Generación 2009. Premios y Becas de Arte Caja Madrid, la beca de la Casa de Velázquez o la de la Academia de España en Roma, y con el XVIII Premio de Arte Contemporáneo L’Oreal en 2002. Posee obra en las colecciones del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, la Fisher Gallery de Los Ángeles y el Fonds national d’art contemporain en Puteaux, Francia, MUSAC, Artium, entre otras.

 

 

 

Referencias

 

 

Libros