martes, 30 de junio de 2015

Ilan Wolff

Ilan Wolff es un fotógrafo israelita (nacido en Nahariya, Israel, en 1955) que se ha especializado en crear fotografías usando la técnica de la Cámara Oscura, con cámaras hechas a partir de viejas cajas o latas. Actualmente el usa principalmente su furgoneta y habitaciones comunes para crear imágenes de mayor formato. Y también crea fotos con las típicas latas, pimientos, cavadas en la tierra o usando la luz de la luna.

 

© Ilan Wolff

© Ilan Wolff

 

 

Mi idea es que, con la fuerza del ser humano y la energía de la naturaleza, puedo crear fotografías. Y ahí está la base de la fotografía.

 

 

Biografía

Ilan Wolff en 1973 obtuvo el O.R.T. en la Arte High School de Israel. Desde 1976 hasta 1977 trabajó como freelance para la revista Graphic Designer. Entre 1977 y 1978 realizó un trabajo sobre agricultura y desde este año hasta 1981 fue el responsable del Departamento de Fotografía de la N. Bloomfield Academy of Art en Haifa. A partir de este momento y hasta 1997 continuó su actividad como fotógrafo independiente en Ámsterdam, Nueva York, gracias a una beca concedida por la empresa Kodak, para realizar fotografías de los rascacielos de la ciudad, y París, utilizando la cámara estenopeica.

Ha participado en numerosas exposiciones individuales y colectivas. Sus fotografías se han expuesto en los más prestigiosos museos y salas de todo el mundo: desde la Biblioteca Nacional de París, el Museo de Tel-Aviv, el Museo de Bellas Artes de Long Island en Nueva York, el Museo del Eliseo en Suiza o el Victoria & Albert de Londres,  …. Ilan Wolff ha sido el fotógrafo estrella en la Bienal Moix de la Photo de París, en noviembre de 2000, con su exposición Camera Obscura à Paris.

En España participó en el Proyecto IMAGINA de Almediterránea’92. Este proyecto se llevó a cabo en Almería de 1990 a 1992 con motivo de la celebración del Centenario del Descubrimiento de América. Las fotografías realizadas por Wolff para este proyecto pasaron a formar parte de los fondos del Centro Andaluz de la Fotografía, que fue creado con sede en Almería tras la finalización de IMAGINA. Una selección de este trabajo se presentó en el stand de Babelia en la edición de ARCO 2001.

Desde 1993 Ilan Wolff imparte talleres sobre la técnica de la cámara oscura pero también sobre la utilización de emulsiones fotográficas para la creación de imágenes en diferentes superficies. También interviene en proyectos fotográficos de carácter artístico y comercial.

 

 

Referencias

 

 

Libros

  • Andalucía estenopeica 2015
  • Segovia a través de la Camera Oscura, 2011
  • The Magic of Photography, 2010
  • Camera Obscura- Ilan Wolff, 2007
  • Camera Obscura at Work 1982-1997, 1998
  • Voyage en Seine et Marne, 1990

lunes, 29 de junio de 2015

Rainer Elstermann

Rainer Elstermann es un fotógrafo alemán (nacido en Berlín en 1965) que en sus trabajos personales muestra normalmente mundos anacrónicos, ya sea replicando cuadros famosos sustituyendo los personajes por niños, o simulando un estudio rural keniata en su propio estudio berlinés.

 

 

© Rainer Elstermann

© Rainer Elstermann

 

 

 

Biografía

Rainer Elstermann hizo sus primeros autorretratos cuando tenía 17 años. En 1983, con18 años comenzó a trabajar con Teufelsberg Produktion, una productora de cine de vanguardia y experimental en super-8. En 1984 empezó a involucrarse seriamente con la fotografía después de que su tío le diera un equipo de cuarto oscuro completo.

Un fuerte impulso le vino gracias al famoso fotógrafo de moda Paolo Roversi que le fotografió para Vogue Italia en 1985. Después de ver su portafolio le dijo a Rainer que debía ser un fotógrafo de moda en París. En vez de ello, Elstermann se trasladó a Londres en 1988, donde permaneció hasta 1992, realizando pequeños proyectos de arte y explorando la fotografía, llegándole los primeros  encargos.

En 2000 volvió a Berlín y lanzó su propio estudio como fotógrafo publicitario. Hacia 2006 sus proyectos se fueron moviendo movieron de nuevo hacia la fotografía artística y desde 2009 se ha concentrando exclusivamente en este tipo de fotografía. En 2006 conoció a Andreas Stamm y han trabajado juntos desde entonces.

En algunas de sus series, como Old Masters, se aproxima sus fotografías como si fueran pinturas, recreando cuadros clásicos, pero sustituyendo los modelos originales por niños, consiguiendo una sensación extraña y casi inquietante.

En otra serie, Photo Studio, imaginó un estudio fotográfico de época en zonas rurales de Kenia en su estudio en Berlín. Vistió modelos con trajes de época, consiguiendo una película de 17 minutos y una serie de 40 fotografías inspiradas en la obra los fotógrafos africanos Samuel Fosso y Malick Sidibé, así como en el fotógrafo estadounidense, Irving Penn.

 

 

Referencias

domingo, 28 de junio de 2015

Mario Ayguavives

Mario Ayguavives es un escultor y fotógrafo aragonés (nacido en Zaragoza en 1968) que nos muestra una naturaleza no natural, rehecha y fabricada al gusto del consumidor, una imagen teóricamente más agradable al ojo humano, donde el gusto por la simetría y la repetición del hombre se exprime hasta crear un paisaje perturbador. Sus imágenes nos muestran una naturaleza globalizada, hecha al gusto del hombre, seriada y fabricada hasta la infinitud.

 

© Mario Ayguavives

© Mario Ayguavives

 

 

He querido mostrar a la ciudad completamente vacía y deshumanizada. Busco acentuar los volúmenes y despojarlos hasta dejarlos como una maqueta. Sin ninguna referencia al ser humano que es el que ha creado esa ciudad.

 

 

 

Biografía

Mario de Ayguavives se licenció en Bellas Artes en la especialidad de Escultura por la Universidad de Barcelona. A lo largo de los años 90 consiguió numerosas becas y premios en esta disciplina. Posteriormente se ha volcado en la fotografía como medio de expresión, para reflexionar sobre la idea del progreso y su repercusión en la vida cotidiana del individuo, no siempre positiva. Este progreso se ve reflejado tanto en el tema fotografiado, como en la técnica y tecnología empleada por el autor, que es profesor de diseño por ordenador en la Escuela de Arte de Zaragoza.

En su primer trabajo fotográfico trabajó sobre los caminos abiertos en el campo de la genética (Otro cuerpo, 1997-99), aunque el grueso de su obra trata sobre la relación entre las personas y su entorno, como:

  • los problemas y la ausencia de signos de identificación en el espacio urbano contemporáneo (Otros caminos, 2001, y Orthez, 2001),
  • la relación entre el ser humano y los elementos del entorno creado por él (Construcciones, 1999-2002, Otra ciudad, 1999-2004),
  • las heridas que el ser humano ha causado en el paisaje (Em-bálsamo, 2004, y Otro paisaje, 2004-05),
  • anotaciones visuales aleatorias de una ciudad (Cuaderno de Lisboa, 2007),
  • la transformación de los espacios (Algo preocupado, con Javier Peñafiel, 2008),
  • los recuerdos olvidados de personas en transición (Lost in transition, 2008), donde el paisaje urbano se traslada al interior del hogar.

Su último trabajo (Sous les pavès, la plage, 2013) hace referencia a la grave situación de crisis actual provocada por la sociedad de consumo, tomando como referencia el Mayo de 1968.

Expone habitualmente en galerías españolas como Mas Art (Barcelona), Van der Voort (Ibiza) y Spectrum Sotos (Zaragoza).

 

 

Referencias

 

 

Libros

sábado, 27 de junio de 2015

Armineh Johannes

Armineh Johannes es una fotoperiodista iraní (nacida en Teherán, vive en Francia) que ha trabajado principalmente en el Cáucaso y Oriente medio.

 

© Armineh Johannes

© Armineh Johannes

 

 

 

Biografía

Armineh Johannes estudió en Francia, Inglaterra y los Estados Unidos, ganando premios en cada uno de estos lugares. Ha trabajado principalmente en los países del Cáucaso y de Oriente Medio, como Tayikistán, Uzbekistán, Georgia, Armenia, Karabaj, Egipto, Siria, Irán  .... También ha trabajado en historias en Inglaterra, EEUU, Italia, España ....

Durante once años ha estado trabajando en Armenia y Karabaj,  tanto en encargos como en Trabajos personales, comenzando en 1989 (últimos años del régimen soviético), y sigue trabajando en este proyecto. Trata de mostrar el proceso de transición de la era soviética a una forma de vida capitalista .... tradiciones que persisten, evoluciones, desesperación y frustración, fe, esperanza, alegría .... tanto en color como en blanco y negro.

Sus fotografías han sido publicadas en las principales revistas y periódicos de todo el mundo: Los Angeles Times, Washington Post, Newsweek, L'Express, Le Point, La Libération, Asahi Graph, Marie Claire, Popoli, Grands, Reportages, Terres Lointaines, Peuples du Monde, Le Monde, AIM, Catholic Narear East, France-Arménie, Les Nouvelles d'Arménie, ...

 

 

 

Referencias

viernes, 26 de junio de 2015

Genín Andrada

Genín Andrada es un fotógrafo extremeño (nacido en Cáceres el 16 de junio de 1963, vive en Madrid) de dilatada carrera profesional cuyo trabajo abarca el ensayo fotográfico, el retrato y la fotografía documental. Su obra se caracteriza por un juego de luces, color y volumen inspirados por el Barroco español.

 

© Genín Andrada

© Genín Andrada

 

Biografía

Genín Andrada se inició en la fotografía en 1985 de manera autodidacta, entrando a trabajar en El Periódico de Extremadura al año siguiente. Años después se trasladaría a Madrid, combinando su labor fotográfica con la docencia.

Su primer proyecto de profundidad, gracias a una beca de La Caixa, fue el reportaje Sida, entre el dolor y la esperanza, que documentaba los efectos del VIH en más de 200 personas afectadas por toda Europa, expuesto en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid (MNCARS) en 1996 y Premio Especial del Jurado en la Semana Negra de Gijón al año  siguiente.  En el 2000, su reportaje sobre los pasos de los conquistadores españoles por el continente americano, América, la ruta del Nuevo Mundo, obtuvo el premio Paris Photo de la Maison Européenne de la Photographie. Para componer este proyecto, en el que se pasó al color, desde 1995 Andrada realizó seis viajes a Latinoamérica. En cada uno de ellos siguió los pasos de uno de los grandes conquistadores españoles (Cristóbal Colón, Vasco Núñez de Balboa, Hernán Cortés, Pedro de Alvarado, Francisco Pizarro, Francisco de Orellana), y recorrió y fotografió las rutas que les llevaron a los primeros asentamientos de El Nuevo Mundo (La Española, el Mar del Sur, el Imperio Azteca, los Quetzales, el Imperio del Sol, El Dorado). Además del Paris Photo, ha obtenido 6 premios Fotopress y el FotoCAM 2009.

El Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo de Badajoz (MEIAC) adquiriría 60 obras para sus fondos en 1999. También posee obra en las colecciones del MNCARS, el Fonds national d’art contemporain (Puteaux, Francia), el Centro Atlántico de Arte Moderno de Las Palmas, el Museo Pedrilla de Cáceres, …

Andrada ha evolucionado hasta llegar a un documentalismo muy personal, cargado de simbolismo y capacidad creativa, como demuestran sus trabajos Costa da Morte (2001), Saharauis, Benidorm y La fragua de Vulcano (2003) y Microcosmo (Premio Purificación García en 2005). En 2013 inició el proyecto interdisciplinar Deconstrucción, reflexión sobre el ser humano a partir de la crisis del ladrillo.

Colaborador de medios de prestigio como The New York Times, Geo, National Geographic, El País Semanal, Suplemento Dominical del Diario La República, …, de entre sus numerosas exposiciones, destaca su paso por Les Rencontres d’Arles en 1999,  su participación este mismo mismo año en el proyecto Una visión de Puerta Europa; la exposición de América, la ruta del Nuevo Mundo durante PHotoEspaña 2000 y la muestra Regreso a los sentidos, comisariada por La Fábrica en 2001.

De 2002 a 2004 su serie Sida, entre el dolor y la esperanza formó parte del proyecto Pandemic: Facing aids, inaugurado por Bill Clinton y Nelson Mandela y que itineró por todo el mundo.

 

 

 

Referencias

 

 

Libros

jueves, 25 de junio de 2015

Marco Guerra

Marco Guerra es un fotógrafo chileno (nacido en Santiago de Chile el 1 de julio de 1972, vive y trabaja en Nueva York) reconocido por su trabajo como fotógrafo de moda y sus proyectos personales donde trata las diversas gamas de la identidad multicultural, creando imágenes que son al mismo tiempo abstractas y figurativas, distorsionando la realidad.
 
 

© Marco Guerra
 
© Marco Guerra



Biografía

Marco Guerra es un reconocido fotógrafo de moda con sede en Nueva York, originario de Chile. Su trabajo ha sido publicado en Conde Nast Traveller, Harper’s Bazaar, Vogue, Bergdorf Goodman, Neiman Marcus, Black Book, New Yorker Magazine y otras publicaciones.
 
Ha colaborado con la pintora y escultora de ascendencia francesa y marroquí Yasmina Alaoui en diversas series como Tales of Beauty  y 1001 Dreams donde Alaoui pinta con henna sobre retratos en blanco y negro de Guerra



Referencias

miércoles, 24 de junio de 2015

Steven Klein

Steven Klein es un fotógrafo estadounidense (nacido el 30 de abril de 1965 en Rhode Island, vive en Nueva York) que ha llegado a ser una celebridad en el mundo de la moda y publicidad gracias a ser transgresivo y comercial al mismo tiempo.

 

© Steven Klein

© Steven Klein

 

Pongo mis fotos por ahí con buenas intenciones, de manera neutral. Pero me parece que la gente reacciona en función de sus miedos y deseos.

 

 

 

Biografía

Steven Klein estudió pintura en la Escuela de Diseño de Rhode Island, y luego se pasó al campo de la fotografía, trabajando para grandes campañas publicitarias de diversos clientes, como Calvin Klein, Dolce & Gabbana, Alexander McQueen y Nike. También colabora permanentemente con revistas como Vogue, i-D, Numéro, W y Arena.

Su obra ha sido presentada en numerosas exhibiciones, recientemente en la Galería Gagosian de California y en la Galería Brancolini Grimaldi de Florencia, Italia. Klein es reconocido por sus trabajos sobre Lady Gaga, Madonna, Tom Ford y Brad Pitt publicadas en la revista de modas W. A menudo trabaja con el director de iluminación David Devlin.

En 2003 colaboró ​​con Madonna en la creación de una instalación llamada X-Static PRO=CESS, con motivo de su álbum American Life, que incluía las fotografías de la sesión de fotos en W Magazine y siete segmentos de video. La instalación estuvo en la galería Deitch Projects de Nueva York, y luego viajó por el mundo en una forma editada. Se publicó un libro de gran tamaño para acompañar la exposición, edición limitada a 1.000 copias. Ha colaborado con Madonna en diversos proyectos.

Más tarde trabajó con Lady Gaga en numerosas ocasiones, con vídeos musicales y portadas de álbumes y con Tony Bennett en su álbum Cheek to Cheek.

Klein es representado por Todd Shemarya Artists como fotógrafo y por Anonymous Content como director de anuncios televisivos.

También ha trabajado en el departamento de artes de Phantasmagoria: The Visions of Lewis Carroll, la primera película dirigida por el músico Marilyn Manson.

 

 

 

Referencias

 

 

Libros

martes, 23 de junio de 2015

Alejandro Chaskielberg

Alejandro Chaskielberg es un fotógrafo argentino (nacido en Buenos Aires en 1977) cuya obra más conocida está tomada expuesta durante largos minutos en el corazón de la noche, nadando en el borde difuso entre el documental y la composición, y que resplandece con una luz tan antigua como inspiradora: la que da la luna en sus noches de plenitud.

 

© Alejandro Chaskielberg

© Alejandro Chaskielberg

 

Invité a los isleños a ser los protagonistas inmóviles de largas exposiciones nocturnas. Retratando sus vidas cotidianas, juntos abrimos una puerta hacia lo atemporal: caminar en la noche sobre aguas quietas y plantas enmarañadas. Los sonidos de los insectos crecen en la oscuridad y la palidez lunar tiñe de gris el agua y la piel.

 

 

Biografía

Alejandro Chaskielberg comenzó su carrera de fotoperiodismo en periódicos y revistas locales a la edad de 18 años, desarrollando un cuerpo clásico de trabajo en la cobertura de temas sociales y retratos. Después de estudiar en el Instituto Nacional de Cinematografía comenzó a trabajar como director y guionista en la televisión, realizando más de cuarenta documentales.

Chaskielberg ha conseguido la beca Emerging Photographer Grant otorgada por la prestigiosa Magnum Foundation y el premio L’Iris d’Or – Sony World Photographer of the Year otorgado por la World Photography Organization. También ha obtenido los premios All Roads – National Geographic Society of America, Leopold Godowsky Jr. en la Boston University. premio Talent Latent como parte del festival SCAN, el premio POYI Pictures of the Year al mejor retrato latinoamericano,  premio Curriculum Cero en Argentina y ha sido nombrado como uno de los 30 New and Emerging Photographers to Watch por la revista neoyorquina PDN.

Su sensibilidad para transmitir la magia que rodea a las personas en los ambientes de Naturaleza es extrema. Los lugareños que viven y trabajan en el delta del río Paraná, en Argentina, el Norte de Kenia, el post tsunami en Japón, o la selva de Bolivia han sido fotografiados por su cámara. El resultado es reconocible en todos los casos por mostrar un universo etéreo y casi sobrenatural. Un efecto producido por la técnica utilizada por Chaskielberg, fotografías nocturnas de larga exposición en las que se vale de su buen pulso y la luz de la Luna como fuente de iluminación.

Imágenes insólitas en las que la belleza de la fotografía contrasta en muchas ocasiones con el valor documental que éstas realmente ofrecen, siendo un valioso documento de denuncia de situaciones de gran dureza, desarraigo y pobreza.

Sus fotografías han sido presentadas en la Bienal de Brighton comisariada por Martin Parr y en la 1st Biennale Online. Ha expuesto en el festival Paraty en Foco, en la Bienal de Fotografía de Córdoba, El Ojo Salvaje de Paraguay, el New York Photo Festival, Nordic Light Festival en Noruega y el festival Noortherlicht en Holanda. Su exposición más reciente ha sido en la galería 916 de Tokio.

Ha publicado sus trabajos en revistas de todos los continentes, como The New Yorker, The New York Times, la BBC de Londres, RTE de Irlanda, The Guardian (Inglaterra), la Folha de San Pablo, La Reppublica de Italia, el Boston Globe, Fotoforum de Alemania, Traveller de China y Phap Photo de Japón.

 

 

 

Referencias

 

 

Libros

  • La creciente.

lunes, 22 de junio de 2015

Henry Diltz

Henry Diltz es un músico y fotógrafo estadounidense (nacido el 6 de septiembre de 1938 en Kansas City, Missouri, vive en California) activo desde la década de los 60, historiador visual de las últimas cuatro décadas de la música popular estadounidense. Su relación con sus amigos músicos, junto con su pies en la tierra, su sonrisa y risa frecuente, le ha permitido capturar fotos naturales que transmiten una rara sensación de confianza e intimidad con los artistas fotografiados.


Crosby, Stills and Nash, Los Angeles, CA, 1969 © Henry Diltz

Crosby, Stills and Nash, Los Angeles, CA, 1969 © Henry Diltz

 

 

Estoy contento con las fotos que he tomado en mi vida, ya que todas me recuerdan cosas que vi, gente que conocía y momentos que disfruté.

 

 

Biografía

Henry Stanford Diltz tocó en el Modern Folk Quartet con que incluye Chip Douglas, Jerry Yester y Cyrus Faryar, lanzando dos álbumes en 1963 y 1964 y realizando numerosas giras de conciertos en Universidades y clubs por todo el país en la década de los 60.

Estando todavía en el cuarteto, Diltz se interesó en la fotografía y sus primeras imágenes fueron con una cámara barata japonesa de segunda mano. Se unió a The Monkees, tocando con ellos en algunas de sus sesiones de grabación, y realizando numerosas fotografías de la banda, muchas de los cuales han sido publicadas. A pesar de su falta de formación formal, se sumergió fácilmente en el mundo de la música: la carretera, los conciertos, el humor, la conciencia social, la psicodelia, …

Su trabajo atrajo la atención de otros músicos que necesitaban publicidad y fotos para las portadas de sus álbumes. En 1971 él y compositor Jimmy Webb estuvieron a punto de morir en un accidente de avión de planeador. Webb pilotaba y Diltz grababa película de cine desde el asiento trasero. Ambos sufrieron lesiones importantes y la película se perdió.

Diltz realizó todas las fotografías del libro de 1978 California Rock, California Sound, que documenta la escena musical de Los Ángeles de los años 70, con artistas como Crosby Stills & Nash, Joni Mitchell, Dan Fogelberg y JD Souther. El texto es del escritor británico Anthony Fawcett.

Durante más de 40 años, su trabajo ha aparecido en cientos de portadas de discos y ha aparecido en libros, revistas y periódicos. Su estilo artístico único ha producido poderosos ensayos fotográficos de Woodstock, el Monterey Pop Festival, el de Miami, The Doors, Crosby, Stills, Nash & Young, Jimi Hendrix y decenas de otros artistas legendarios.

Diltz es cofundador de las 2 galerías Morrison Hotel (en Nueva York y en Los Ángeles), junto con Peter Blachley y Rich Horowitz, especializadas en fotografía artística relacionada con la música, incluyendo sus propias obras. Diltz continúa su carrera, generando fotografías nuevas y vibrantes que despiertan el rock n 'roll que cada uno de nosotros lleva dentro.


Referencias

 

 

Libros

domingo, 21 de junio de 2015

Antonio Palmerini

Antonio Palmerini es un fotógrafo italiano (vive en Roma) que en su obra nos muestra dobles personalidades, melancolía, el trastorno bipolar, depresión, paranoia y sociopatía, todo a través de dobles exposiciones, exposiciones de larga duración, y un revelado muy contrastado.

 

AntonioPalmerini

© Antonio Palmerini

En lugar de ofrecer una imagen convencional de un rostro o un paisaje, prefiero coger un pañuelo, retorcerlo hasta que me guste, y fotografiarlo en consecuencia.

 

 

 

Biografía

Antonio Palmerini camina meditabundo entre dos horizontes creativos, el de dibujo y el de la fotografía. El primero para ampliar lo que no puede ser fotografiado, la segunda para testificar situaciones y evocar la existencia misma de las personas.

Las técnicas que utiliza para crear este efecto de ensueño a través de la fotografía son dobles exposiciones, exposiciones largas y un alto contraste en el revelado de películas. Cuando se encuentra con temas que no se pueden capturar en la película, como sueños o impulsos subconscientes, entonces recurre al dibujo y la pintura.

Para este artista romano la fotografía es el espejo de la imaginación, y en la suya, los sujetos se convierten en fantasmas vagabundos, proyecciones de un mundo imaginario y distante.

 

 

Referencias

sábado, 20 de junio de 2015

Thomas Dodd

Thomas Dodd es un artista visual y fotógrafo estadounidense (con sede en Atlanta, Georgia) que ha desarrollado un estilo (que él llama fotomontaje pictórico) ​​con el que trata principalmente temas míticos y cuasi-religiosos que rinden homenaje a las tradiciones artísticas de los Antiguos Maestros, elaborando al mismo tiempo arquetipos psicológicos que evocan una fuerte respuesta emocional del espectador.

 

 

Echo, 2011 © Thomas Dodd

Echo, 2011 © Thomas Dodd

 

 

Definitivamente estoy más influenciado por los pintores que por los fotógrafos. Adoro a Rembrandt y Caravaggio por la forma como representan la luz y los tonos de piel, Giuseppe Arcimboldo por su fusión de plantas y formas humanas, los prerrafaelitas por su representación de los mitos y la belleza femenina y quizá la mayor influencia sobre mí viene de los simbolistas, porque unieron perfectamente lo metafórico y la belleza en sus obras.

 

 

 

Biografía

Thomas Dodd comenzó su carrera como artista visual en 2005. Antes de eso, era conocido como el arpista y compositor del grupo musical Trio Nocturna en la década de los 90, un conjunto de música céltica gótica que sacó tres álbumes muy apreciados por la crítica (Morphia, Tears of Light y Songs of the Celtic Night). También participó en los bailes de Halloween anuales de la autora Anne Rice en Nueva Orleans, así como en la banda Changelings. Thomas también tocó el arpa en dos álbumes de Michael Gira.

Fue su padre quien le enseñó lo que hace que una fotografía sea buena. De él aprendió los fundamentos de composición, profundidad de campo, iluminación y lo más importante, cómo capturar un buen retrato. Había dejado la fotografía por la música, pero la llegada del mundo digital e Internet, lo volvieron a atraer.

Las imágenes que crea son básicamente un equivalente visual de la música que compuso en los años 90. Temas míticos y su relación con las emociones y los estados psicológicos siguen siendo sus temas principales y motivaciones. Aunque su obra se asemeja a las pinturas, sus imágenes son totalmente fotografía de elementos de naturaleza, fusionando muchas imágenes en un todo coherente. En sus obras más grandes utiliza una técnica mixta para añadir profundidad y textura que complementen la fotografía.

Thomas ha realizado numerosas exposiciones en muchas ciudades de EEUU y en todo el mundo, como su exposición permanente en París en la Galerie L'Oeil du Prince, en el New Britain Museum of American Art y en el Museo de Arte Contemporáneo de Sicilia. Ha expuesto recientemente en Alemania, Rumania, Argentina, Nueva York, Ciudad de México, Orlando, Miami, San Antonio, Seattle, París y en su ciudad natal de Atlanta.

Sus fotografías han aparecido en muchas revistas, en portadas de libros y discos y con frecuencia imparte talleres y seminarios de fotoedición y auto-marketing para artistas.


 

 

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viernes, 19 de junio de 2015

José Spreafico

José Spreafico fue un fotógrafo italiano afincado en España (nacido en Oggiono, Norte de Italia, el 5 de junio de 1831, falleció en Málaga en 1880) que fue uno de los pioneros de la fotografía en Málaga y el primero en tomar imágenes de pueblos de la provincia.

 

José Spreafico

José Spreafico

 

Biografía

Giuseppe Carlo Domenico Spreafico Antoniani llegó a Málaga hacia 1850, iniciando su actividad como fotógrafo en la ciudad andaluza. En 1867 realizó un reportaje de la línea de ferrocarril Córdoba-Málaga, como fotógrafo del cuerpo de ingenieros de la provincia. Se trata de uno de los mejores ejemplos de fotografía industrial y tecnológica de la España de la época. Centrándose en las construcciones, dejó constancia de la tecnología empleada.

Realizó igualmente fotos de corte más artístico, compatibilizando los retratos de estudio con la realización de estereoscopias de Málaga, Sevilla, Granada, Gibraltar, Ronda … o reportajes sobre obras públicas, como fotógrafo del cuerpo de ingenieros de la provincia, como el citado anteriormente y otro otro sobre La Rábida, preparado para la Exposición Universal de Filadelfia de 1876. Además realizó y editó retratos de tipos malagueños con gran realismo, destacando el reportaje Recuerdo histórico 1486-1492, La Rábida-Palos-Cristóbal Colón, fechado en 1875 y compuesto por cinco fotografías con un acusado estudio de la composición.

Cronista gráfico de la época, documentó la visita de Alfonso XII en 1877, así como el inicio y conclusión de las obras de la traída de las aguas de Torremolinos a la ciudad y la inauguración de la nueva plaza de toros de la Malagueta.

Su obra se encuentra repartida entre diversas colecciones y archivos, como la Colección Fernández Rivero, que reúne unas 160 piezas, el Archivo Narciso Díaz de Escovar  de Málaga, el Fondo Fotográfico de la Fundación Universitaria de Navarra (FFF) en Pamplona, el Harry Ransom Center  de la Universidad de Texas y el Archivo del Palacio Real de Madrid, donde están los reportajes sobre el ferrocarril de Córdoba a Málaga y el de La Rábida.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

jueves, 18 de junio de 2015

Christophe Jacrot

Christophe Jacrot es un fotógrafo francés (nacido en 1960, vive y trabaja en París) que está fascinado por el enfrentamiento entre dos fuerzas masivas: el clima y la gente.

 

Hong Kong in the rain © Christophe Jacrot

Hong Kong in the rain © Christophe Jacrot

 

 

En mi opinión, hay dos maneras de capturar el mundo para un fotógrafo: por un lado, captar su horror, y por el otro, sublimarlo. He elegido la segunda. Más específicamente, me gusta la forma en la lluvia, la nieve y el "mal tiempo" despiertan una sensación de ficción romántica dentro de mí, sobre todo en las grandes ciudades. (los excesos climáticos son otro tema).
Veo estos elementos como un terreno fabuloso para la fotografía, un universo visual infrautilizado con un fuerte poder evocador, y con una riqueza de luces sutiles. Este universo escapa a la mayoría de nosotros, ya que estamos demasiado ocupados poniéndonos a cubierto. El hombre se convierte en una silueta fantasmal errante y obedece a los peligros de la lluvia o de nieve, en la eternidad del clima ...
Mi enfoque es deliberadamente pictórico y emocional.

 

 

 

Biografía

Christophe Jacrot comenzó en la industria cinematográfica, dirigiendo varios cortometrajes, la mayoría de los cuales obtuvieron premios. Sintiendo las restricciones financieras que la industria cinematográfica a veces puede imponer, se pasó a la fotografía, su primera pasión.

Comenzó a fotografiar la lluvia por accidente. Tuvo un encargo de realizar un libro de viajes sobre París, y el sol era un prerrequisito para las fotos. Pero el tiempo le llevó desesperadamente la contraria en este trabajo, y finalmente pudo apreciar la diferencia estética del mal tiempo en las fotografías. En 2007, siguió a este trabajo una primera exposición en Lucernaire que condujo muy rápidamente a Jacrot a la publicación del  libro Paris Under the Rain.

Después buscó una ciudad muy diferente para fotografiar, pero también muy urbana. Hong Kong se convirtió rápidamente en su elección número uno debido a su temporada de lluvia y a su loca vida urbana. Nueva York, Londres y muchas otras ciudades les han seguido después, desarrollado su principal cuerpo de trabajo basado en fotografía urbana con mal tiempo.

En 2012 fotografió de nuevo Nueva York mostrando distritos enteros sin electricidad y sumidos en la oscuridad después del huracán Sandy. Después ha fotografiado Islandia y sus paisajes naturales y la costa de Normandía bajo una gruesa capa de nieve y en medio de una tormenta.

 

 

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Libros

miércoles, 17 de junio de 2015

John Cohen

John Cohen es un musicólogo, cineasta y fotógrafo estadounidense (nacido el 02 de agosto 1932 en Queens, Nueva York, vive en Putnam Valley en Nueva York) que, a través de la fotografía, documentó una de las eras más transformadoras del arte estadounidense.

 

Bob Dylan © John Cohen

Bob Dylan © John Cohen

Una idea temprana que tenía era ser pintor, pero entre la perspectiva de una vida frente a un caballete o fotografiar por todo el mundo, la fotografía ganó. La fotografía podría convertirse en personal, subjetiva y documental. La lente se convirtió en el centro de una ecuación con el mundo visible en un lado y el mundo interior en el otro.

 

 

 

Biografía

John Cohen fue miembro fundador de los New Lost City Ramblers. Algunas de sus mejores imágenes conocidas documentan la escena expresionista abstracta centrada en Cedar Bar de Nueva York; donde actuaban diversos artistas emergentes, como la llegada del joven Bob Dylan a Nueva York, los escritores de la Generación Beat durante el rodaje de la película de Robert Frank y Alfred Leslie Pull My Daisy y los músicos folk de los Apalaches.

Ha sido uno de los descubridores más importantes de músicos y cantantes tradicionales estadounidenses, como Dillard Chandler, Roscoe Holcomb, y muchos banjistas, sobre todo en el álbum High Atmosphere.

John Cohen ha estado haciendo fotografías desde 1954. Su visión fotográfica se formó antes de que hubiera galerías de fotografía. En ese momento el único trabajo de un fotógrafo se encontraba en el fotoperiodismo o en la publicidad, y no era esto lo que quería hacer. En su lugar, hizo sus propias fotografías personales, así como documentación de cosas que eran importantes para él: en su mayoría artistas y músicos. Sus investigaciones fotográficas lo llevaron a los Andes y a los Apalaches, donde fotografió músicos tradicionales en sus propios lugares de origen. Sus fotografías se han empleado en portadas de discos, y sirvieron como prueba preliminar para sus proyectos cinematográficos posteriores.

Fuera de los Estados Unidos, Cohen viajó mucho al Perú, fascinado por la vestimenta y el estilo de vida de la población indígena andina. Su grabación de campo de una canción de boda peruana se incluye en el Voyager Golden Record, que llevan las naves espaciales Voyager.

Se casó con Penny Seeger, el miembro más joven de la familia musical Seeger. Ha realizado 15 documentales.

Ha sido profesor de fotografía y dibujo en Purchase College. donde organizó una exposición de retablos peruanos. La Biblioteca del Congreso ha adquirido recientemente su archivo, incluyendo sus películas, fotografías, grabaciones de música y otros materiales.

 

 

 

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Libros

martes, 16 de junio de 2015

Carlos Aires

Carlos Aires es un artista visual y fotógrafo andaluz (nacido en Ronda, Málaga, en 1974, vive en Madrid), que en sus instalaciones, videos y fotografías a contracorriente, distintas, felices, abiertas y provocadoras de inquietudes intenta comprometer y cuestionar la realidad, aburrida y marcada por la pauta que la historia de los buenos nos quiere mostrar. En su fotografía los protagonistas no son actores, son personas que viven una historia real tangente a la que quieren que sea la única.

 

© Carlos Aires

© Carlos Aires

La fotografía me parece un medio bastante interesante y un medio que se ha considerado siempre objetivo cuando, y sobre todo ahora, realmente no es objetivo. Pero es que ahora todavía es más así porque se pueden crear imágenes que no existen. Y esa línea entre lo real y lo que no es, me parece muy interesante, como en la serie que hice de los enanos toreros y demás.

 

 

 

Biografía

Carlos Aires está licenciado y doctorado en Bellas Artes por la Facultad Alonso Cano de Granada, y realizó el Master of European Arts and Cultures de la Leicester University y la Fontys Academy de Tilburg. Una vez concluida su licenciatura prorrogó su estancia en Holanda gracias a una de las Becas Manuel Rivera para la ampliación de estudios artísticos en el extranjero, que le concedió la Diputación de Granada en el año 2000. Mientras estaba en Holanda fue becado por el Atelier del De Pont Museum de Tilburg, donde trabajó como montador de exposiciones mientras ejercía en paralelo de asistente del escultor holandés Guido Geelen. De 2001 a 2003 amplió estudios en el Hisk de Amberes y al año siguiente se trasladó a Columbus (Ohio, EEUU), para cursar el Master in Photography de The Ohio State University.

Aires es un artista visual con una base fotográfica y videográfica en sus trabajos, aunque sus orígenes como escultor son evidentes en la presentación de sus exposiciones. Sus provocativas obras esconden un drama detrás de la belleza, el dolor reflejado a través de una sonrisa.

En esta línea se inscriben:

  • su impactante vídeo de 2004 Mister hyde I (Darkroom) donde combinaba escenas grabadas con cámara oculta en el cuarto oscuro de una discoteca gay con otras registradas en un túnel del horror.
  • Love is the Air (2007), en la que siluetas extraídas de imágenes de contenido violento y trágico recortadas sobre vinilos o grabadas en cuchillos de cocina entran en confrontación con el mismo nombre de la instalación o los títulos de los discos.
  • Y Opening Night (2012), instalación concebida especialmente para el Centro de Arte Contemporáneo de Málaga, compuesta por 2.500 farolillos con impresiones de fotografías de ésta y otras temáticas, que iluminan intermitentemente la sala de la exposición.

Su obra ha podido verse en exposiciones organizadas por instituciones y museos como el Bozar de Bruselas (2005), Artium de Vitoria-Gasteiz (2010), el Museo Internacional de Arte Contemporáneo de Lanzarote (2011), el Museu Casal Solleric de Palma de Mallorca (2012), el Palacio Imperial Belvedere de Viena (2012), Domus Artium de Salamanca (2013) y el centro de arte Maison Particulière de Bruselas (2013), entre otros.

Como reconocimiento a su trabajo, ha recibido diversos premios, comenzando con el Primer Premio Jóvenes Creadores Malagueños (1998), siguiendo con la Beca Manuel Rivera de la Diputación de Granada (2000), el Premio De Pont Foundation (2001), el premio Joven Autor Andaluz de Caja San Fernando (2001), la Beca Fulbright del Ministerio de Educación y Ciencia (2003), el Premio Jóvenes Creadores Andaluces del Instituto Andaluz de la Juventud (2004), el Prix de la Jeune Peinture Belge (2005) y el Primer Premio Generación 2008 de Caja Madrid.

Posee obra en las colecciones permanentes de Artium de Vitoria, el Instituto Andaluz de la Juventud, el Centro de Arte Contemporáneo de Málaga, el National Belgium Bank, el museo Arter de Estambul y el museo Mak de Viena, entre otras instituciones.

En la actualidad, tras 14 años en el extranjero, lleva ya 4 en España, está desprendiéndose de las influencias adquiridas durante los años de estudios en la facultad de Bellas Artes. Pretende ir eliminando un cierto “amaneramiento” presente en sus obras e intenta expresar sus ideas de una manera más directa, sin adornos superfluos. Su trabajo se concentra cada vez menos en su persona, en el “yo”, y se concentra en lo que le rodea. Su estado de ánimo puede verse reflejado en el nombre de su exposición más reciente, Luto, en el Centro de Arte de Alcobendas.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

lunes, 15 de junio de 2015

Fernando Manso

Fernando Manso es un fotógrafo madrileño (nacido en Madrid en 1961) observador respetuoso de la realidad y potenciador de su propia verdad, minucioso, minimalista, romántico y, por encima de todo, fotógrafo de la belleza.

 

© Fernando Manso

© Fernando Manso

 

Pintar con luz mis sentimientos, sensaciones, es lo que me lleva a mostrar lo más profundo de mis emociones.
La paciencia que utilizo a la hora de fotografiar paisajes, me da pie a transportarme a unas sensaciones extrasensoriales, sin sentir y ni padecer, ni frío ni calor, ni sueño ni hambre… simplemente me evado y espero el momento mágico de captar lo que quiero transmitir.
Las sombras, el reflejo, el brillo, la bruma, la niebla, la tormenta…. En definitiva, la luz que nos hace percibir la realidad, con sus miles de interpretaciones. Esa es la fotografía.
Soy observador respetuoso de la realidad y potenciador de su propia verdad: minimalista, minucioso, romántico…pero sobre todo, fotógrafo de la belleza.

 

 

 

Biografía

Fernando Manso dirigió en el periodo 1984-1988 el departamento de fotografía profesional de Canon, organizando el CPS, asesorando a fotógrafos profesionales de prensa y moda. De forma autodidacta comenzó a realizar sus primeras fotografías. Trabajó en la agencia publicitaria Contrapunto de 1988 a 1990.

En 1990 se independizó como fotógrafo profesional en el mundo de la publicidad, realizando campañas muchas de las grandes campañas de este país y estando presente en revistas internacionales como Archive y Communication Arts. Durante este periodo, editó cinco libros, cuatro calendarios y el catálogo de su primera exposición en la galería Arte XXI (2006), a la que han seguido numerosas exposiciones en grupo y en solitario, entre las que podemos citar:

  • Ramas Japonesas (2008), en la Bienal de Arte Contemporáneo de Sevilla.
  • exposición de 60 obras en el stand de FITUR de la Comunidad de Madrid, en el 2009
  • exposición de 31 originales en el Instituto Cervantes de Moscú, en 2009
  • exposición de 66 obras como autor único durante el tornero Mutua Madrileña Madrid Open de Tenis, en la Caja Mágica
  • Madrid, Región inédita en los Institutos Cervantes de Brasil (Sao Paulo, Porto Alegre, Florianopolis, Salvador, Recife, Río de Janeiro y Brasilia);

En 2007 editó un libro sobre el mundo de la vela, con visión artística, realizado con motivo de la Copa América (Valencia, 2007), por encargo de Caja Madrid. Durante todo el año 2008 se dedicó a la realización de originales de autor sobre la Comunidad de Madrid, encargado por Turismo Madrid.

En 2009 fue seleccionado junto a otros cinco fotógrafos para el proyecto Postales  del  Siglo XXI, que consistía en fotografiar las obras arquitectónicas más importantes de los últimos 20 años en Madrid.

Fernando Manso ha sido premiado en varias ocasiones:  premio Nacional de las Artes 2008, en gastronomía, concedido por la Real Academía de Gastronomía, y el premio AMPE (2011) de plata sobre Asturias/Niemeyer.

Su paciente mimo a la hora de capturar la luz de las escenas que retrata se traduce en unos trabajos de una belleza sobrecogedora. Manso traslada lo idílico y lo romántico al papel fotográfico. Su cámara de placas 10x12” no es un mero instrumento, sino una aliada fundamental para detener en el tiempo los lugares por los que pasea el artista. Un trabajo artesanal y el que no tome ninguna instantánea hasta que la siente son sus conceptos fundamentales.

 

 

 

Referencias

 

 

Libros