domingo, 31 de mayo de 2015

Ori Gersht

Ori Gersht es un artista anglo-israelí que trabaja con el vídeo y la fotografía (nacido en Tel Aviv en 1967, vive y trabaja en Londres) que, a lo largo de su carrera de quince años, ha tratado la historia y la metáfora, los viajes y el lugar geográfico y la interrelación constante del espacio metafísico.

 

 

© Ori Gersht

© Ori Gersht

 

 

Biografía

Ori Gersht se graduó en Fotografía, Cine y Video por la Universidad de Westminster, Londres, y realizó un master en fotografía en el Royal College of Art de Londres.

Tanto como fotógrafo como video artista Gersht dirige su lente a sitios de trauma colectivo, de violencia y pérdida, examinando los poderes del tiempo y del paisaje para preservar y borrar la historia. Sus sutiles, silenciosos y hermosos videos y fotografías realizados en Bosnia, Auschwitz, Ucrania e Hiroshima muestran paisajes aparentemente normales con un aura misteriosa que insinúa su pasado.

En series recientes Gersht ha imaginado la confluencia de la tecnología y la producción artística en sus extremos lógicos, reconstruyendo composiciones clásicas de bodegones de flores y frutas que explotan y capturando el momento de la destrucción con una cámara de alta velocidad.

Sus obras han sido expuestas en exposiciones individuales y colectivas como Afterglow en Tate Britain in 2002, The Clearing en la Photographers' Gallery de Londres en 2005/06, Black Box en el Hirschhorn Museum Washington en 2008/09 y Lost In Time en el Santa Barbara Museum de California en 2011. En 2012, se expuso su serie History Repeating en el Museum of Fine Arts de Boston.

Ha participado recientemente en exposiciones colectivas como Eating Art, La Pedrera/Casa Milà en Barcelona en 2011, Ori Gersht, Idris Kahn, Boo Ritson en el Centro Andaluz de la Fotografia de Almería en 2008/09, In Focus: Living History en el Tate Modern de Londres en 2007, Twilight: Photography in the Magic Hour en el Victoria & Albert Museum de Londres e Inside-Out, Contemporary Artists from Israel en MARCO en Vigo, ambos en 2006.

Está representado por Angles Gallery en Los Ángeles, CRG Gallery en Nueva York, Mummery + Schnelle Gallery en Londres, y Noga Gallery en Tel Aviv.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

sábado, 30 de mayo de 2015

Gabriele Croppi

Gabriele Croppi es un fotógrafo italiano (nacido en Domodossola en 1974, vive en Milán) que trabaja en el campo de la fotografía y el cine y su interés especial es la relación entre la fotografía y otras formas de arte.
 
 

© Gabriele Croppi
 
© Gabriele Croppi




Biografía

Gabriele Croppi  ha añadido a su pasión innata por la pintura el amor por la fotografía. Obtuvo un diploma en fotografía en el Istituto Italiano di Fotografia en Milán.
 
Durante años se dedicó al reportaje, trabajando en los Balcanes, en la Amazonía y otros lugares en latinoamérica. Al mismo tiempo, durante la década de los 90 desarrolló una investigación centralizada sobre la relación entre la fotografía y otras formas de arte, como la pintura (Guernica 2000 en 1999, Omaggio to Sironi en 2007), la literatura (trabajos de investigación inspirados en la poesía de José Luis Borges y Fernando Pessoa, 1998-2004) y el cine (Visioni, 2006-2007).
 
Entre sus obras más recientes se encuentra la serie Horror vacui (2008) y una investigación sobre el tema de Post memoria (Shoah e postmemoria, 2008) que se centra en volver a visitar los sitios del Holocausto: campos de concentración, distritos y cementerios judíos durante un viaje a través de Alemania, Austria y Polonia entre 2008 y 2011.
 
En 2011 fue elegido para formar parte de un equipo de doce fotógrafos europeos en el marco del proyecto European Exhibition Award con la misión de interpretar el concepto de identidad europea para una serie de exposiciones en Hamburgo, Lucca, París y Oslo.
 
Por su ensayo fotográfico La metafísica de un Paisaje Urbano, fue galardonado con el primer premio en la categoría de Arquitectura - Edificios en los International Photography Awards de 2012 (premio que también ganó en 2013 y 2014).  Para esta serie Croppi viajó a diferentes metrópolis de Europa y EE.UU., capturando el retrato de cada ciudad en blanco y negro. A diferencia de otras fotos de paisaje urbano, sin embargo, sus obras parecen irreales por sus fuertes contrastes entre las zonas en blanco y negro, y por estar privadas de los seres humanos que normalmente las ocupan, salvo una única persona.
 
Croppi ha recibido diversos premios italianos y españoles y sus fotos se han mostrado en varias exposiciones nacionales e internacionales. Trabaja en el campo editorial y también enseña en el Istituto Italiano di Fotografia.



Referencias




Libros  

viernes, 29 de mayo de 2015

Oriol Segon Torra

Oriol Segon Torra es un fotógrafo español (nacido en 1981 en Manresa, Barcelona) cuya fotografía tiene como centro de interés la fragilidad y la vulnerabilidad humanas.
 

© Oriol Segon Torra

© Oriol Segon Torra



Biografía

Oriol Segon Torra estudió fotografía en el Instituto de Estudios Fotográficos de Catalunya (IEFC). Fue descubriendo que lo que más le interesaba de la fotografía era su vertiente documental así que continué asistiendo a talleres como el Ensayo Fotoperiodístico impartido por Sergi Reboredo. Posteriormente asistió a los Seminarios de Fotografia y Periodismo de Albarracín tantas veces como pudo. Un espacio que me permitió encontrar compañeros de viaje, la oportunidad de compartir con fotógrafos experimentados y un lugar donde llenarse de motivación, influencias y perspectiva.
 
Estuvo un año recorriendo algunos países de América Latina, como Brasil y Colombia. Y luego  participó en distintos talleres de fotografía documental impartidos por Antoine d’Agatta (Magnum Photos), Franco Pagetti (VII agency), José Manuel Navia (Agence VU), Darcy Padilla (Agence VU) o Arianna Rinaldo, entre otros.
 
Como experiencia profesional ha trabajado durante unos años en el campo de la publicidad como fotógrafo y retocador. El frenético paso para la publicidad le ha sido a menudo un recurso para adquirir los medios económicos y técnicos suficientes para dar continuidad a nuevos proyectos.
 
Su ensayo fotográfico Young Patriots ha tenido una amplia exposición en 2014, recibiendo el Exposure Award (Nueva York), fue uno de los proyectos seleccionados en Descubrimientos PhotoEspaña (Madrid) y ha sido expuesto en el DOCfield (Circuito de fotografía documental en Barcelona, Golferichs), Festival de Fotografía Emergente de Granada (PA-TA-TA Festival), el Clic Cabrianes (Cabrianes, Barcelona), La Kursala (Cádiz), en el Konvent.0, festival Encontros da Imagem de Braga (Portugal), en el Backlight Festival (Finlandia) y en la galería See Me (Nueva York). También ha sido publicado en CNN y Cicero Magazine (Alemania) y expuesto también en el Kolga Festival de Tbilisi (Georgia, Mayo 2015).
 




Referencias




Libros

  • Young Patriots.

jueves, 28 de mayo de 2015

Denise Grünstein

Denise Grünstein es una fotógrafa sueca (nacida en 1950 en Helsinki, vive y trabaja en Estocolmo) que es considerada una de las fotógrafas más importantes de su país. En su obra se notan todos los conocimientos que posee acerca de la fotografía, el diseño editorial y la moda, y además, en sus trabajos personales, deja fluir sus sentimientos y sus sueños.

 

© Denise Grünstein

© Denise Grünstein

 

 

Biografía

Denise Grünstein estudió fotografía en Estados Unidos y siguió algunos cursos de diseño en Helsinki y Estocolmo. Al comienzo de su carrera se hizo famosa por sus retratos de famosos en las revistas Elle y Månadsjournalen en los años 80 y 90, lo que le valió el sobrenombre de "la Annie Leibovitz del estado de bienestar sueco".

En la década de los 90 empezó a cansarse de los encargos de retratos. Los rostros eran demasiado fáciles y previsibles. Y ha ido profundizando más en su propia habilidad como artista en una serie de proyectos artísticos que la han visto convertirse en una de las figuras más destacadas de la fotografía. Su capacidad creativa, el probar soluciones inesperadas y buscar los límites de la fotografía la hacen uno de los más grandes fotógrafos de Suecia.

Sus fotografías han sido presentadas en diferentes museos como el Museo de Arte Moderno de Estocolmo y el Museo de Arte Contemporáneo de Helsinki, además de haber aparecido en numerosas publicaciones de todo el mundo. Entre sus exposiciones individuales se encuentran
Figures in Landscapes en el Moderna Museet de Estocolmo y Malplacé en el Hasselblad Center de Gotemburgo,  además de otras muchas.

Entre sus series podemos citar:

  • Figures Out, donde fotografía mujeres ocultas por su propio cabello en paisajes llenos de arena, mar y cielo que parecen no tener fin, y que están perdidas, fuera de lugar.
  • Figures in Landscapes, donde cuenta historias sin principio o fin en diversos escenarios.
  • Malplacé, donde visita los lugares que habitó en su infancia
  • Zone V, con imágenes en blanco y negro sobre sus viajes por Europa del Este sobre  su herencia judía.

 

 

Referencias

miércoles, 27 de mayo de 2015

Peikwen Cheng

Peikwen Cheng es un fotógrafo chino-americano (nacido en el estado de Nueva York en 1975, vive en Pekín) cuyo trabajo refleja principalmente el cambio, como la vida está en constante evolución, con todas sus (des) ventajas y múltiples perspectivas.

 

© Peikwen Cheng

© Peikwen Cheng

En 2000, viajé al desierto Black Rock de Nevada, a un lecho de un lago prehistórico, rodeado de montañas. Está en un lugar de extraordinaria belleza, un lugar increíblemente inhóspito plagado de tormentas de polvo alcalinas. Cada año una comunidad espontánea se reúne durante una semana para compartir, crear, participar y luego desaparecen. La creatividad es desbordante y la precaución se arroja al viento. La gente va a realizar sus sueños y caprichos, no importa lo absurdos que puedan ser en el mundo real. Es esta idea de hacer realidad los sueños la que ha sido increíblemente inspiradora para mí y me ha impulsado a abordar proyectos desafiantes, incluyendo esta serie Lost and Found.

 

 

 

Biografía

Peikwen Cheng nació en Estados Unidos, de padres chinos de Tongzhou y Chongqing. Estudió Diseño de productos en la Universidad de Stanford, luego vivió en Taipéi, Helsinki y San Francisco. Más tarde, estudió en la Universidad de Tsinghua en Pekín. Antes de trasladar su atención al arte, era diseñador y fue galardonado con el United States Design Patent y un Premio a la Excelencia en Diseño Industrial por la  Industrial Design Society of America.

Es un fotógrafo autodidacta que ha expuesto su trabajo en Camboya, Canadá, China, Alemania, Grecia, Polonia, Singapur, Suecia, Siria, Reino Unido y Estados Unidos.

Su serie Lost and Found está basada en el Festival Burning Man donde se reúnen anualmente personajes que dan rienda suelta a sus sueños y extraños caprichos en el desierto Black Rock de Nevada, un paisaje hostil e inhóspito, un lugar donde la creación efímera tiene su éxtasis.

Peikwen Cheng muestra este exceso y peculiaridad en esta serie de fotografías tomadas entre 2000 y 2013, y muestra un universo irreal lleno de girasoles de plástico, enormes caballos de balancín y cohetes que parecen provienen de un cuento. En sus visiones sorprendentes, como los sueños de la infancia, Cheng capta el momento preciso en que el sueño parece llegar a la realidad.

 

 

Referencias

 

 

Libros

martes, 26 de mayo de 2015

David Hume Kennerly

David Hume Kennerly es un fotógrafo y fotoperiodista estadounidense (nacido el 9 de marzo de  1947 in Roseburg, Oregon) que ganó en 1972 el Premio Pulitzer en Feature Photography por su portafolio de fotografías tomadas en la Guerra de Vietnam, Camboya, refugiados de Pakistán Oriental cerca de Calcuta, y el combate Ali - Frazier en el Madison Square Garden en 1971. También ha fotografiado a todos los presidentes estadounidenses desde Richard Nixon.

 

Cambodian Girl 122 © David Hume Kennerly

Cambodian Girl 122 © David Hume Kennerly

 

 

Ser un buen fotógrafo es solo un elemento en la producción de buenas fotografías. También hay que ser un gran vendedor, ser discreto y un experto en logística. Y la mayoría de los fotógrafos son algo arrogantes. Para que esto funcione, tienes que ser una persona completa.

 

 

 

Biografía

David Hume Kennerly fotografió en 1968 a Robert Kennedy momentos antes de ser asesinado, y cubrió joven las guerras de Vietnam y Camboya para UPI. Desde su temprano Premio Pulitzer en Feature Photography  en 1972, hasta el reciente Lucie de 2015 en Fotografía por sus Logros en Fotoperiodismo, ha obtenido numerosos premios, entre ellos el Olivier Rebbot del Overseas Press Club y 3 World Press Photo.

Kennerly ha realizado más de 50 grandes portadas de revistas y ha cubierto historias en decenas de países y más de 8 guerras. Nombrado redactor en POLITICO en 2015, se centrará en la creación de una serie de ensayos fotográficos que documenten las elecciones presidenciales de 2016.

A mitad de la década de los 70 estuvo 2 años como fotógrafo personal del presidente Gerald Ford. Después trabajó 10 años como editor colaborador de la revista Newsweek. Además, estuvo como fotógrafo colaborador en las revistas Time, Life y otras. American Photo Magazine lo consideró "una de las 100 personas más importantes en la fotografía" y Washingtonian Magazine “uno de los 50 periodistas más importantes de Washington, DC.”.

Ha trabajado para empresas como Bank of America, The Home Depot, The Girl Scouts of America, eBay, New York Presbyterian Hospital, Vital Voices y Points of Light Foundation. Su fotografía de estilo documental y fuerte enfoque en el retrato proporciona a corporaciones y organizaciones no lucrativas de poderosas herramientas para contar sus historias.

También ha producido libros, como Barack Obama: The Official Inaugural Book, y realizado diversos documentales en película y video.

Su archivo se encuentra en el Dolph Briscoe Center de Historia de América de la Universidad de Texas, Austin. Es un "Explorador de la Luz" de Canon y da conferencias con frecuencia en foros patrocinados por esta marca.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

lunes, 25 de mayo de 2015

Paul Coghlin

Paul Coghlin es un fotógrafo artístico inglés (nacido en 1967, reside en Suffolk, al este de Inglaterra) que explora texturas y simetrías en gran parte de su fotografía, que puede parecer casi holográfica.

 

© Paul Coghlin

© Paul Coghlin

 

 

Biografía

Paul Coghlin es Licenciado en Ciencias Ambientales por la Universidad de Plymouth y tiene un postgrado en Remote Sensing (Earth imaging/Photogrammetry) del University College de Londres.

Coghlin desarrolló su interés por la fotografía creativa desde una edad temprana, viajando regularmente con una cámara para capturar el entorno natural. Aplica su estilo distintivo y la atención a los detalles más sutiles a través de una amplia gama de temas: desde flores a monumentos, arquitectura a coches clásicos, animales a paisajes marinos.

A principios de 2013, lanzó su mayor cuerpo de trabajo hasta la fecha: Petalum, una serie de treinta impresionantes estudios botánicos en blanco y negro, fiel a su estilo de sutil detalle.

Sus imágenes aparecen regularmente en publicaciones y exposiciones, incluyendo la Summer Exhibition de la Royal Academy of Arts en Londres en 2011.

Entre sus premios nacionales e internacionales de prestigio, ha obtenido 2 veces el Professional Photographer of the Year otorgado por el British Institute of Professional Photography (BIPP) en 2010 y 2013. En 2012 recibió una beca de la este mismo instituto.

Coghlin está representado por Weston Gallery en Carmel, California, y Sea Pictures Gallery en el este de Inglaterra.

 

 

Referencias

domingo, 24 de mayo de 2015

Fabrice Fouillet

Fabrice Fouillet es un fotógrafo francés (nacido en 1974, vive en París) cuyo tema principal es la fotografía de arquitectura.

 

© Fabrice Fouillet

© Fabrice Fouillet

 

 

Biografía

Fabrice Fouillet,  después de obtener un título universitario en sociología y etnología, estudió fotografía en la Ecole des Gobelins y se especializó en fotografía de naturaleza muerta, que es normalmente el tema de su trabajo comercial.

Trabaja regularmente con revistas como Vogue, Wallpaper, Numero, L’Express, Le Monde, The New York Times ...

Fuera del estudio su enfoque fotográfico oscila entre el arte y el documental y tiende a explorar la estrecha relación entre el hombre y su medio ambiente, con estatuas colosales, modernas catedrales o la arquitectura viva de la creación de ciudades como Astana.

En 2013, su serie de nuevos lugares de culto Corpus Christi, ganó los Sony Awards en la categoría de Arquitectura.

 

 

 

Referencias

sábado, 23 de mayo de 2015

Javier Silva Meinel

Javier Silva Meinel es un fotógrafo peruano (nacido en 1949 en Lima) que está considerado uno de los fotógrafos contemporáneos principales de Perú. Desde la década de 1970, su trabajo se ha concentrado en las poblaciones indígenas de las regiones del Perú, Sierra y Amazonía. Fascinado por los aspectos religiosos y místicos de sus vidas, así como el carácter sagrado de sus prácticas y el papel que juega la cultura indígena en el Perú en general.

 

© Javier Silva Meinel

© Javier Silva Meinel

 

Mi relación con Machu Picchu se convirtió́ casi en humana, por así́ decirlo. Esto quizá́ sea algo difícil de comprender para quien no ha estado en esos lugares donde todavía se respira un vinculo ancestral entre el hombre y la naturaleza. Como suele ocurrir en este tipo de relaciones que escapan a la racionalidad occidental, yo sentía que Machu Picchu algunas veces me daba algo y que otras me lo negaba. Así́ que he hecho ‘pagos’, pues así́ se llaman las ofrendas a la tierra, costumbre ritual indígena, y he hablado con ella como lo hizo el poeta.

 

 

 

Biografía

Javier Silva Meinel descubrió la fotografía mientras estudiaba economía y ya en 1971 inició su labor como fotógrafo y se dedicó al paisaje y al trabajo comercial. A partir de 1984 incursionó en el retrato, interesado en los rituales, costumbres y fiestas religiosas andinas, así como en el mundo del nativo amazónico.

Dispara exclusivamente en blanco y negro. Su trabajo ha aparecido ampliamente en diferentes publicaciones y obtuvo una beca Guggenheim. A su primera exposición individual En busca de una intención fotográfica (1978) le siguieron periódicamente una serie de muestras individuales y colectivas en Perú, América Latina, Estados Unidos y Europa.  Sus obras se encuentran en colecciones privadas y en museos como el Brooklyn Museum, Houston Museum, Museum of Photographic Art de San Diego, Museo de las Américas, Denver, Colorado, Museo de Arte de Nueva Orleans y en el Museo de Arte de Lima.

Su serie Proscenio forma parte del Festival OFF de Photoespaña 2015 y constituye una oportunidad única para adentrarse en la gran variedad de formas y estilos de vida de la cultura peruana a través de una técnica fotográfica excepcional.

Entre sus publicaciones se encuentra El Libro de los Encantados, en 1988; Acho, Altar de Arena, en 1992, con una visión inédita del mundo de los toros; Perú, fiestas y costumbres, en 1997; Calendario Perú, Tiempos de fiesta, en 1998. Visiones de Machu Picchu en 2011 y en 2012 se publicó en España en la colección PhotoBolsillo de La Fábrica.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

  • El Libro de los Encantados, 1988
  • Acho, Altar de Arena, 1992
  • Perú, fiestas y costumbres, 1997
  • Calendario Perú, Tiempos de fiesta, 1998
  • Visiones de Machu Picchu, 2011
  • Javier Silva Meinel (PhotoBolsillo), 2012.

viernes, 22 de mayo de 2015

Frank Machalowski

Frank Machalowski es un artista y fotógrafo alemán (nacido en 1971 en Berlín, donde vive y trabaja) cuyas principales áreas de interés son la ciudad y el campo, dos campos opuestos en principio. También trabaja profesionalmente realizando retratos y foto fija para músicos y particulares. Utiliza principalmente técnicas fotográficas analógicas.

 

© Frank Machalowski

© Frank Machalowski

 

 

Biografía

Frank Machalowski, tras estudiar economía en Berlín y trabajar en diversos oficios, hoy trabaja como fotógrafo independiente y artista que utiliza el medio fotográfico. Se adentró en la fotografía como afición hace años, trabajando inicialmente en la fotografía digital, pero luego se ha trasladado a utilizar la película, cuyas características y atmósfera son más fascinantes, revelando y haciendo las copias por su cuenta.

Algunas fotografías de sus series monster y multiexpo se han expuesto en Alemania, Francia, EEUU e Italia en galerías de renombre y festivales. Su obra forma parte de una colección permanente de la Biblioteca Nacional de Francia en París.

Desde 2014 forma parte del proyecto Berlin-Photography representado por la Galería Carpentier en Berlín. Es miembro también de ArtUpfront, una plataforma para compradores y coleccionistas de fotografía contemporánea.

 

 

 

Referencias

 

 

Video

jueves, 21 de mayo de 2015

Mustafa Dedeoğlu

Mustafa Dedeoğlu es un fotógrafo turco (nacido en 1978 en Uskudar, Estambul, donde vive) que fotografía los diversos ambientes de la histórica ciudad de Estambul a través de la vida diaria de sus habitantes.

 

 

© Mustafa Dedeoğlu

© Mustafa Dedeoğlu

 

 

Una eterna sabiduría centenaria ha estructurado esta ciudad ... Estambul. Durante siglos fue el hogar de diferentes culturas, de ayer hasta hoy; Estambul, con su majestuosa e inmutable silueta.

 

 

 

Biografía

Mustafa Dedeoğlu, después de haber completado la escuela primaria y secundaria en Turquía, se fue a Chipre por sus estudios universitarios. Después de graduarse de la Universidad del Mediterráneo Oriental con diploma en ingeniería industrial, regresó a su ciudad natal, Estambul, donde ahora vive y continúa creando sus ensayos de fotografía.

Su primer contacto con la fotografía fue en 2006. Con el tiempo su interés se ha convertido en la pasión de su vida. En sus creaciones da prioridad a la composición, la historia que pretende contar, el valor emocional de la imagen y sus cualidades estéticas.

Lugares y gentes, paisajes y costumbres, donde es posible reconocer el esplendor cultural del pasado y presente de Estambul. A través de instantáneas donde el humor, la soledad, la espiritualidad, la alegría, la tristeza, la nostalgia, etc., constata el sentido universal del ser humano.

Sus obras se han publicado en diversas revistas de arte locales y extranjeras. También ha compartido sus creaciones a través de exposiciones, en Rusia, España, Bosnia Herzegovina, Georgia, Kosovo, Macedonia, EEUU, Rumanía, Irán y Francia.

 

 

Referencias

 

 

Libros

  • Timeless City Istambul & Faces. 2014.

miércoles, 20 de mayo de 2015

Adrian Sommeling

Adrian Sommeling es un artista digital, diseñador gráfico, desarrollador de webs y fotógrafo holandés que ha desarrollado un estilo que se podría considerar fotorrealista y cinemático.

 

© Adrian Sommeling

© Adrian Sommeling

 

 

 

Biografía

Adrian Sommeling se ha estado ganando la vida trabajando en la industria de la publicidad desde 1990, trabajando para muchas empresas nacionales e internacionales, así como para diferentes organismos y gobiernos. Comenzó en el mundo artístico animado por su madre, que es también artista y ha trabajado como pintor durante casi 40 años, una experiencia que le viene muy bien a la hora de realizar sus composiciones fotográficas. 

Una fotografía comienza normalmente en su cabeza, luego debe buscar un fondo adecuado, lo que a veces no es fácil. Tras realizar las fotos del fondo busca modelos para trabajar en el estudio. Allí simula la luz de fondo con los modelos. Si todo va bien, consigue una composición realista con todas las imágenes.

Aparte de su pasión por la creación le encanta interactuar con los clientes. Cree profundamente en el trabajo en equipo como uno de los mejores medios para mejorar y obtener logros en cualquier empresa. Inicialmente su atención se centró en el diseño gráfico y de webs. Sin embargo, algunos años después, la fotografía o, más bien, el arte digital, se ha convertido en mi objetivo principal. Lo que antes eran lienzos, óleos y pinceles han dado paso a las pantallas de ordenador y pinceles digitales en Photoshop.

Además de trabajar para sus clientes, le encanta crear fotos en situaciones surrealistas, muy a menudo con su propio hijo como personaje principal dentro de la escena, recreando gracias a él sus propias historias pasadas y futuras.

Realiza talleres por todo el mundo y tiene una colección de videos donde muestra cómo creó algunas de sus imágenes.

 

 

Referencias

martes, 19 de mayo de 2015

Lucas Foglia

Lucas Foglia es un fotógrafo estadounidense (nacido en 1983, vive en San Francisco, California) cuyo trabajo documenta un estilo de vida que, en los inicios del siglo XXI, camina en dirección opuesta a las corrientes dominantes cosmopolitas y urbanitas, y la convivencia entre modos de vida tan diferentes como los basados en la naturaleza y la industria. 

 

© Lucas Foglia

© Lucas Foglia

La fotografía para mí es un mecanismo para aprender sobre cosas. Quería ver si podía encontrar lo absoluto, si había comunidades o individuos que vivían fuera del sistema y que eran totalmente autosuficientes.

 

 

 

Biografía

Lucas Foglia se crió en una granja familiar en Long Island, a 30 millas de Nueva York. Enseguida su familia vendió la granja y ahora hay casas de suburbios donde antes había granjas y bosques. Sus principales series hasta el momento están condicionadas por este hecho. Se graduó con un master en Fotografía de la Universidad de Yale y con una licenciatura en Semiótica del arte de la Universidad de Brown.

En Natural Order quería conocer y fotografiar a personas que habían optado por dejar las ciudades y suburbios para vivir autosuficientes en las zonas rurales de los Apalaches rural, ya fuera por la recesión económica o por preocupaciones medioambientales.

En Frontcountry muestra el oeste de Estados Unidos, una región famosa por sus grandes cielos y extensiones de tierra abierta. En su primer viaje a Wyoming esperaba fotografiar vaqueros, pueblos fantasmas y desiertos, pero se encontró con un boom minero y la serie se centra en las formas en que dos estilos de vida muy diferentes, la ganadería y la minería, comparten, dependen y conforman el mismo paisaje.

Sus fotografías han sido ampliamente exhibidas en Estados Unidos y en Europa, y se encuentran en las colecciones permanentes de museos como el Denver Art Museum, Museum of Fine Arts Houston, Philadelphia Museum of Art, San Francisco Museum of Modern Art y Victoria & Albert Museum.

Su trabajo ha sido publicado en Aperture Magazine, New York Times Magazine, Washington Post Magazine, British Journal of Photography, Contact Sheet, Wired y PDN’s 30, entre otros.

Está representado por Fredericks & Freiser Gallery de Nueva York, y Michael Hoppen Contemporary de  Londres.

 

 

 

Referencias

 

 

Libros

lunes, 18 de mayo de 2015

Samuel Bourne

Samuel Bourne fue un fotógrafo inglés (nacido el 30 de octubre de 1834 en Arbour Farm, Mucklestone, Shropshire, y fallecido el 24 de abril de 1912 en Nottingham) conocido por sus 7 prolíficos años fotografiando la India con cámara de placas y la técnica del colodión húmedo. Su capacidad de crear excelentes fotografías mientras viajaba por las áreas más remotas del Himalaya lo coloca firmemente entre los fotógrafos de viajes más importantes del siglo XIX.

 

Gateway to the Hooseinabad Bazaar in Lucknow, Samuel Bourne

Gateway to the Hooseinabad Bazaar in Lucknow, Samuel Bourne

 

 

 

Biografía

Samuel Bourne nació en una antigua familia de agricultores. Después de haber sido educado por un clérigo, consiguió en un banco en Nottingham en 1855. Sus actividades fotográficas como aficionado comenzaron en ese tiempo y rápidamente se convirtió en un fotógrafo paisajista consumado, realizando conferencias sobre fotografía y contribuyendo con artículos técnicos en varias revistas fotográficas.

En 1858, Bourne hizo un recorrido fotográfico por Lake District, y en 1859, expuso sus fotografías en la exposición anual de la Sociedad Fotográfica de Nottingham. Al año siguiente, sus fotografías también se mostraron en Londres, en la Exposición Internacional de 1862. Con estos éxitos, decidió renunciar a su cargo en el banco, y se embarcó para la India para trabajar como fotógrafo profesional, llegando a Calcuta a principios de 1863.

Inicialmente se asoció con William Howard, un fotógrafo ya establecido en Calcuta. Se trasladaron hasta Simla, donde establecieron el nuevo estudio Howard & Bourne, al que se unió en 1864 Charles Shepherd. En 1866, tras la salida de Howard, el estudio se convertiría en Bourne & Shepherd llegando a ser el estudio fotográfico más importante de la India, y que, como sigue funcionando en Calcuta, quizás sea el negocio fotográfico más antiguo del mundo.

Shepherd permanecía en Simla, llevando a cabo el trabajo comercial del estudio y los retratos, supervisando la impresión y comercialización de los paisajes y fotos de arquitectura de Bourne, mientras que éste viajaba por todo el subcontinente indio, realizando 3 costosas expediciones al Himalaya, con hasta 50 porteadores, y realizando posiblemente las primeras fotografías de las fuentes del Ganges.

Cuando Bourne regresó a Inglaterra en enero de 1871, había hecho aproximadamente 2.200 bellas imágenes del paisaje y la arquitectura de la India y el Himalaya. Trabajando principalmente con una cámara de placa de 10x12”, y con el proceso de colodión húmedo, complicado y laborioso, su impresionante cuerpo de trabajo fue siempre de excelente calidad técnica y, a menudo de brillantez artística. Las copias eran realizadas a la albúmina.

Algunos años después de su vuelta a Inglaterra, vendió su parte del estudio y dejó de realizar fotografía comercial. Su archivo en el estudio, fue reimpreso y vendido durante más de 140 años, hasta que en 1991 un incendio lo destruyó. Bourne se trasladó a Nottingham, donde fundó un próspero negocio de algodón con su cuñado, llegando a ser magistrado local. Aunque siguió fotografiando de forma relajada y perteneciendo a sociedades fotográficas locales, gran parte de su energía creativa se dedicó a la acuarela.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

domingo, 17 de mayo de 2015

Jodi Champagne

Jodi Champagne es una fotógrafa estadounidense (nacida en Phoenix, Arizona, vive y trabaja en Palmdale, California) que se enfrenta a sus temas con compasión y compromiso. Viaja a lugares exóticos con ONGs para llamar la atención sobre una crisis o trabaja cerca de casa en proyectos documentales desgarradores. Capta rostros que nos permiten mirar en el alma de la persona, especialmente en sus series Life Lines.

 

© Jodi Champagne

© Jodi Champagne

Las líneas en una cara nunca pueden mentir. Líneas van hacia arriba, abajo,a la izquierda y la derecha. Con las presiones en la vida, las líneas se ven obligadas a ser más profundas y curvas. ¿Qué causa estos cambios? ¿Es el medio ambiente, las décadas de desgaste? ¿O son las expresiones de un alma? Estoy fascinada por las historias que vienen de estas líneas de sabiduría. La belleza no siempre pertenece a la juventud.

 

 

 

Biografía

Jodi Champagne ha tenido una pasión por las artes desde una edad muy joven. Ya de niña, su interés artístico se centraba en los ojos y en el carácter de una persona. Ese interés no ha cambiado en varias décadas, aunque en lugar de un lápiz, utiliza ahora una cámara.

Su carrera comenzó como fotógrafa de retrato, bodas y deportes. Rápidamente descubrió su verdadera pasión por la fotografía documental y de calle, donde su objetivo es contar una historia, dar a conocer y marcar la diferencia. Ha viajado por todo el mundo para capturar la humanidad con compasión y el corazón.

Entre sus series podemos citar Life Lines, con retratos de rostros arrugados por la vida,  Obsessions, Waiting on a Friend y Silent Cries, sobre los cambios en la sociedad, Courage Under Wraps, documental sobre un niño con una rara enfermedad de la piel, y Diminishing Generations, un documental sobre veteranos de las guerras II Guerra mundial, Corea y Vietnam, que verá la luz en 4 libros en noviembre de 2015 y que será mostrado en la Augmented World Expo (AWE) 2015.

Su obra ha sido presentada en exposiciones colectivas en EEUU, Europa y América Latina. Sus fotografías se han publicado ampliamente en libros y revistas (Sports Illustrated, Corbis Images, Getty Images, National Geographic Creative, …), y se ha utilizado para trabajos comerciales y editoriales. Junto con otros honores, como la Worldwide Gala Street Photography y el NYCFA Portrait Awards en 2012.  su trabajo ha sido galardonado  por segundo año consecutivo con el Best Photography. Es miembro de Getty Images.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

sábado, 16 de mayo de 2015

Raquel Chicheri

Raquel Chicheri es una fotógrafa gallega (nacida en Galicia en 1973, vive en Fuerteventura, Canarias)  que utiliza el retrato como la mejor forma de expresar su visión del mundo con una técnica clásica en la que predomina el blanco y negro, los contrastes y una gran sensibilidad artística.

 

© Raquel Chicheri

© Raquel Chicheri

 

 

 

Biografía

Raquel López-Chicheri nació en Galicia, en el norte de España, una región fría y húmeda, pero decidió vivir en Fuerteventura, una isla de Canarias frente a la costa de África, que tiene un tiempo mucho mejor .

Le encantó la fotografía desde que era niña, su padre es un gran fotógrafo y su trabajo le inspiró desde el principio, disfrutando de momentos especiales cunado les pasaba sus diapositivas en el proyector…. Con 16 años ya leía bastante sobre fotografía (técnica) y ojeaba libros y revistas que su padre tenía en casa. Asistió a clases de fotografía pero nunca terminaba los cursos.

Estudió Comercio internacional pero trabajó sólo un año en ese campo y luego decidió estudiar diseño gráfico, que le gustaba más. Trabajó unos años, pero cuando conoció a su novio, un windsurfista profesional, empezó a hacer fotos de él y de sus viajes, comenzando a publicar fotos en revistas de windsurf.

Se inspira en casi todo, niños, agua, animales, la calle ... no hace fotos en un estudio, lleva su  cámara a todas partes y cuando ve algo que le llama la atención dispara. Pasa la mayor parte de su tiempo en la playa y ha estropeado varias cámaras con la arena, pero no le importa, siempre y cuando haga buenas fotos.

Busca situaciones casuales, espera capturar la naturaleza y la relación de las personas que la rodean. Algunas situaciones son mágicas, y cuando se da cuenta de que está delante de algo especial, su corazón late rápido y su felicidad es absoluta. Tiene 3 hijos con los que pasa mucho tiempo y que son el sujeto de muchas de sus fotografías.

En la fotografía le gusta la gente. Si hay personas y animales mejor. Los paisajes le aburren. Le encantan los retratos bien ubicados, antes hacía muchos retratos muy de cerca, pero ahora busca situar a las personas en un contexto.

Ha colaborado como freelance en publicaciones como The presentatiton proyect, 55zine, Shot Magazine, Telegrama, Worbz, Four Son, BLCKT Magazine, Vogue o Lykos Magazine, entre otras.

Ha obtenido el segundo premio nacional en los Sony World Photography Awards de 2015.

 

 

 

Referencias

viernes, 15 de mayo de 2015

Ronald Koster

Ronald Koster es un fotógrafo holandés con un estilo propio y consistente dentro de la fotografía de retrato, con un uso muy inteligente del flash. Fotógrafo profesional a tiempo parcial, tiene una gran pasión por el trabajo independiente.

 

© Ronald Koster

© Ronald Koster

 

 

Biografía

Ronald Koster viajó muchas veces y durante mucho tiempo como mochilero. Durante su último viaje al Tíbet, en 1999, comenzó a adentrarse en el mundo de la fotografía.

En estos últimos años ha trabajado mucho para conseguir un estilo propio y consistente dentro de la fotografía de retrato. Sus fotografías se han ganado el respeto y la admiración del público, no por un gran trabajo de post-procesado, sino por sus muy inteligente del flash. Los modelos de sus trabajos personales están escogidos, en gran medida, en la calle, en lo que denomina “estilo guerrilla” o “estilo gorila”.

Después de varios premios, reconocimientos y entrevistas en diferentes revistas, en 2010 comenzó sus muy exitosos y creativos talleres de flash. En estos talleres explica de una manera muy accesible su manera tan personal de trabajar. 

Desde el 2012 Ronald es también embajador de Olympus.

 

 

 

Referencias

jueves, 14 de mayo de 2015

Carlos Chavarría

Carlos Chavarría es un fotógrafo español (nacido en Madrid en 1985, reside en San Francisco, California).

 

© Carlos Chavarría

© Carlos Chavarría

 

 

 

Biografía

Carlos Chavarría se formó como fotógrafo cursando el módulo de Grado Superior de Imagen, además del Master PHotoEspaña, Teorías y Proyectos artísticos en la Universidad Europea de Madrid.

Ha publicado en TIME Magazine, Bloomberg Businessweek, WSJ Magazine, San Francisco Magazine, Smith Journa,. Financial Times Magazine, Wallpaper, Guardian Weekend Magazine, Telegraph Magazine, El País Semanal, Le Monde,

Además de sus trabajos profesionales y encargos para Amica, Atlas Quarterly, Openhouse, Varon Magazine, Heineken, Fruitvale Station, Google, AirBnB, Timbuk2, Revolver San Francisco y otros, realiza proyectos personales como:

  • Halfway es una exploración del concepto de lugar intermedio, áreas que se encuentran a la orilla de la carretera entre núcleos urbanos y que fue realizado recorriendo multitud de carreteras principales y secundarias de la red española durante el año 2010.
  • Dreamtown trata de mostrar el mundo aislado y duro de las personas que conviven en los núcleos centrales de las grandes ciudades americanas, realizado entre los años 2007 y 9.
  • In Transit está basado en la experiencia personal de su traslado a San Francisco en 2011 y sus cambios culturales y como persona, su adaptación y cambio,
que han sido expuestos en exposiciones colectivas o en solitario, desde Liberté, Egalité, Fraternité en la Alliance Française de Madrid en 2010, a OPEN en The Center for Fine Art Photography en Fort Collins, Colorado, en 2014. 

 

 

Referencias