sábado, 28 de febrero de 2015

Josep Renau

Josep Renau fue un un pintor, fotomontador, muralista y militante comunista español (nacido en Valencia el 17 de mayo de 1907 y fallecido en el Berlín oriental el 11 de noviembre de 1982) que, Influenciado por el dadaísmo, el constructivismo y el art déco, trabajó el fotomontaje político criticando los valores burgueses, a la derecha española y estadounidense y al fascismo. Josep Renau fue crucial en la introducción en España del uso de las vanguardias y la conciencia social del cartel.

 

© Josep Renau

© Josep Renau

 

 

Biografía

Josep Renau Berenguer fue hijo de José Renau Montoro, profesor de dibujo en la Escuela de Bellas Artes de San Carlos de Valencia, cuyo sueldo exiguo le obligó a realizar una gran variedad de trabajos extras en su juventud.

Renau tuvo una facilidad innata para el dibujo. En la Escuela de Bellas Artes entre 1919 y 1925 y en la litografía Ortega, donde trabajó desde la adolescencia, aprendió los oficios de pintor y litógrafo, ganando su primer concurso de carteles con 18 años.  Creó también una serie de acuarelas, de estilo art déco, que en la exposición que celebró en Madrid en 1928 causaron una impresión excelente entre las autoridades del arte oficial y la política. Trabajó también como fotógrafo y muralista y sus carteles cinematográficos eran apreciados en todo el mundo.

Militante del Partido Comunista de España desde 1931 y fundador de la Unión de Escritores y Artistas Proletarios (1932), inició el despegue de su obra con carteles editados para apoyar a la República durante la Guerra Civil Española. Fue profesor de Bellas Artes en la Universidad de Valencia. Posteriormente se le nombró Director General de Bellas Artes en 1936, siendo quien encargó a Pablo Ruiz Picasso la realización del Guernica en 1937 para la Exposición Internacional de Artes y Técnicas de París (donde Renau realizó los fotomontajes expuestos en el Pabellón de la República Española) y quien decidió el traslado a las Torres de Serranos de Valencia parte de la obra del Museo del Prado, para salvarla de los bombardeos de Madrid, organizando con posterioridad su traslado a Suiza. Ocupó este cargo hasta el final de la contienda en 1939.

Al terminar la guerra, pasó a Francia y fue internado en el campo de concentración de Argelès-sur-Mer. Consiguió, en ese mismo año, un visado para trasladarse a México, donde trabajó para revistas españolas en el exilio y colaboró con el conocido muralista mexicano David Alfaro Siqueiros. De este periodo datan los murales del Casino de la Selva de Cuernavaca, encargados por Manuel Suárez y Suárez.

En 1958 dejó México para instalarse en la República Democrática Alemana, concretamente en su capital, Berlín Oriental. Allí realizó murales, fotomontajes que criticaban la Guerra Fría, la persecución anticomunista del Gobierno norteamericano y el capitalismo (Fata Morgana USA en 1967 y The American Way of Life en 1977)  y también films gráficos, caricaturas, ilustraciones y entrevistas.

En 1972 se distanció del Partido Comunista, se retiró a su estudio, contactó con las nuevas generaciones de artistas alemanes y reflexionó sobre los binomios arte y vida, mujer y naturaleza, desnudo y creación. Fue colaborador de revistas como Estudios, Crónica, Murta, Orto, Octubre, La República de les Lletres y Nueva Cultura.

Beneficiado por la amnistía general de 1976 regresó a España con pasaporte mejicano, pero sólo ocasionalmente para volver más tarde de nuevo a Berlín, donde falleció en 1982.

Dos exposiciones itinerantes recorrieron España y el mundo con la  obra de Renau en 2007: Josep Renau, compromiso y cultura, organizada por la Fundación Renau, la Universidad de Valencia y secex, y Josep Renau, fotomontador, organizada por la Fundación Renau y el Instituto Cervantes.

Sus fondos fueron legados al Instituto Valenciano de Arte Moderno.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

  • Función Social del Cartel, 1976
  • The American Way of Life, 1977
  • La batalla per una nova cultura, 1978
  • Arte en Peligro 1936-1939, 1980
  • Josep Renau: fotomontador, 1985
  • Josep Renau. Història d’un fotomuntador, 1997
  • Arte Contra las Élites, 2002
  • Tras la huella de Renau, 2006
  • Renau: la abrumadora responsabilidad del arte, 2008
  • Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI, 2013.

viernes, 27 de febrero de 2015

Santiago Ramón y Cajal

Santiago Ramón y Cajal fue un médico español (nacido en Petilla de Aragón, Navarra, el 1 de mayo de 1852 y fallecido en Madrid el 17 de octubre de 1934). Humanista, además de científico, consiguió el premio Nobel de Medicina en 1906 por sus investigaciones sobre los mecanismos que gobiernan la morfología y los procesos conectivos de las células nerviosas, y practicó la fotografía toda su vida.

 

Santiago Ramón y Cajal

Santiago Ramón y Cajal

 

La fotografía es un ejercicio científico y artístico de primer orden. Por ella vivimos más, porque miramos más y mejor.

 

 

Biografía

Santiago Ramón y Cajal era hijo de médico rural, por lo que vivió su infancia entre continuos cambios de residencia por distintas poblaciones aragonesas; con apenas dos años la familia dejó Petilla de Aragón para mudarse a Larrés, el pueblo de sus padres, y de allí a Luna (1855), a Valpalmas (1856) y a Ayerbe (1860). Estudió Medicina en Zaragoza doctorándose en 1877. Ocupó cátedras en la Facultad de Medicina de Valencia (1884), Barcelona (1888) y Madrid (1892), y en 1906 fue reconocido con el Premio Nobel de Medicina.

Su interés por la fotografía comenzó siendo muy niño, en 1868, cuando su padre lo mandó a terminar el bachillerato al Instituto de Huesca, ciudad donde conoció a unos fotógrafos ambulantes que le enseñaron sus fundamentos. En 1878 enfermó y practicó la fotografía como terapia, convaleciente en el Balneario de Panticosa. Dos años después empezaría sus investigaciones y labor teórica sobre el medio, disciplina que practicó hasta la vejez.

En 1880 fabricó placas fotográficas ultrarrápidas (3s. de exposición con una emulsión al gelatino-bromuro, por los 3m. del colodión húmedo)  e improvisó sus primeras pruebas fotográficas en un gallinero y en la plaza de toros de Zaragoza. Obtuvo gran éxito entre los fotógrafos, aunque ningún socio capitalista, que solicitaron el producto en grandes cantidades. Experimentó también con las nuevas técnicas del fotograbado, la fotomicrografía y la fotografía estereoscópica, y creó las fotolitografías. Aunque practicó la fotografía como aficionado, siempre cuidó los contenidos y la estética, procurándose en cada momento el equipo apropiado.

Realizó fotografías científicas, autorretratos, bodegones, paisajes y fotografías de viajes. Asimismo, se le considera pionero de la fotografía en color en España, conservándose numerosas placas a color, entre las que abundan retratos y bodegones. En 1934, poco antes de fallecer, dejó escrito que la fotografía tenía dos estéticas: la documental y la de galería o artística.

Entre 2000 y 2003 recorrió la geografía española la muestra Viajes fotográficos de Santiago Ramón y Cajal. Realizadas en placas secas al gelatino-bromuro, muchas de las fotografías presentadas eran inéditas y procedían del archivo fotográfico familiar. Parte de su fondo fotográfico se conserva en el Instituto Ramón y Cajal de Madrid.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

  • Recreaciones estereoscópicas y binoculares, 1901
  • Fotografía de los colores. Bases científicas y reglas prácticas, 1912 y 2012
  • Viajes fotográficos de Santiago Ramón y Cajal, de París
    a los Estados Unidos, 1899
    , 2000
  • Viajes fotográficos de Santiago Ramón y Cajal, Italia, 1903, 2001
  • Viajes fotográficos de Santiago Ramón y Cajal, Londres, 1908, 2002
  • Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI, 2013.

jueves, 26 de febrero de 2015

Chang Chao-Tang

Chang Chao-Tang es un fotógrafo taiwanés (nacido el 17 de noviembre de 1943 en Panchiao City, Taipei) cuyo trabajo, principalmente fotografía de la calle,  ha sido descrito como profético y una reflexión modernista de una realidad absurda. Su enfoque particular es una síntesis del surrealismo y el existencialismo occidental mezclado con la ideología china.

 

© Chang Chao-Tang

© Chang Chao-Tang

 

La fotografía no es para la satisfacción de los demás. Tampoco va de una especie de responsabilidad o misión. Es sólo un medio para llenar un vacío personal.

 

 

Biografía

Chang Chao-Tang comenzó a hacer fotos en 1959 cuando era adolescente en la escuela secundaria y pidió prestada una Aires Automat 120 de doble lente a su hermano mayor. Le gustaba ir a dar largos paseos con la cámara después de la escuela y, finalmente, se encontró haciendo fotos con la cámara todos los días, fotos de personas y lugares comunes de Taiwán. Gran parte de su obra revela la ironía de la vida y la muerte, la trascendencia en medio de la corriente, la intimidad en medio de la alienación, el humor en medio del absurdo.

Su carrera de más de 50 años ha abarcado fotografía, programas de televisión, documentales y obras de teatro. Sus obras no sólo sienten el pulso de su edad, sino que son también testigos de la historia de largo alcance.

Ha recibido varios premios importantes, entre ellos el Golden Bell (1976), el Premio Nacional de las Artes (1999) y el Premio Nacional de Cultura (2011). Ha sido comisario de exposiciones y ha impartido cursos de fotografía y cine. Ha organizado, editado y escrito libros sobre fotógrafos taiwaneses y fotografía.

Con dedicación incansable ha trabajado para transmitir, construir y promover el legado tanto de la fotografía como del cine, guiando a los menos experimentados, haciendo importantes contribuciones y proyectando una larga sombra en su campo.

En 2013 el Taipei Fine Art Museum presentó su gran exposición individual retrospectiva, Time: The Images of Chang Chao-Tang, con más de 400 obras fotografías desde 1959 hasta la actualidad (incluyendo impresiones de contacto, una serie de retratos inéditos, y un conjunto de imágenes tomadas desde cámaras digitales y teléfonos móviles), así como ocho documentales y episodios de televisión. El orden cronológico y el contenido de las obras expuestas se han agrupado en seis grandes temas: Imágenes de la Juventud, 1959-1961, Voces existenciales, 1962-1965, Instalaciones, Scribblings y obras originales, 1966-1986,  Memoria Social / Paisajes interiores, 1970-2005, Búsqueda Digital, 2005-2013 y Caras en el Tiempo, 1962-2013.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

miércoles, 25 de febrero de 2015

Héctor Acebes

Héctor Acebes es un cineasta y fotógrafo colombiano (nacido en Nueva York en 1921, vive en Bogotá, Colombia) conocido principalmente por sus fotografías de sus viajes por África, documentando sus pueblos del período colonial tardío en los años 50 con dignidad, orgullo y una intimidad rara vez conseguida incluso en obra fotográfica contemporánea.

 

HectorAcebes

Burt Balaban y Hector Acebes, 1937 © Acebes Archive

 

Cuando llegué a África dije “Esto es”.

 

 

Biografía

Héctor Acebes nació en el seno de una rica familia española y colombiana que se dedicaba a la importación de vinos españoles y a la manufactura de textiles colombianos. Se crió en Madrid  y asistió al Colegio del Pilar. Su familia se trasladó a Bogotá, Colombia, donde estudió en el Gimnasio Moderno. Con 13 años salió de casa a “navegar alrededor del mundo”, en un viaje que terminó a 600 Km del puerto de Barranquilla y su padre lo envió a los Estados Unidos para estudiar en la escuela secundaria en la Academia Militar de Nueva York.

Consiguió gran parte de su habilidad técnica fotográfica participando en el club de cámara de la escuela y por medio del estudio y la práctica por su cuenta. Con 15 años y en las vacaciones Acebes convenció a sus padres de que le dejaran hacer su segundo viaje en barco por los ríos del este de Colombia. Este viaje le sirvió para saber que nunca estaría a gusto sentado en un despacho.

Con 16 años, junto con su compañero de clase Burt Balaban condujeron un viejo coche de Nueva York a México City y vuelta.

Después de graduarse en la Chauncey Hall School en Boston, ingresó en el Instituto de Tecnología de Massachusetts para estudiar ingeniería, manteniendo su propio estudio fotográfico mientras estudiaba. Durante la Segunda Guerra Mundial, se alistó en el Ejército de Estados Unidos y sirvió en Alemania y Bélgica, organizando una compañía de vodevil para diversión de los soldados americanos, e, incluso pensó en dedicarse al espectáculo. Pero a su regreso, completó sus estudios en el MIT y luego se trasladó con su esposa a Bogotá.

A finales de 1947, Acebes se dirigió a España para trabajar en una película, pero los planes del productor no se concretaron. En lugar de regresar a casa, Héctor viajó al norte de África. Fue cautivado por la mezcla de culturas variadas. Diversos pueblos del continente, con sus vestidos y adornos de colores, tonos, texturas, luz, elementos arquitectónicos y características geográficas le proporcionaron temas sorprendentes para sus fotografías y filmaciones. Siguió a este viaje con un segundo viaje, también en el norte de África y Malí, en 1949. Pasó tres meses explorando y fotografiando todo lo que capturó su imaginación. El punto culminante fue un viaje en camello a Tombuctú, en Mali, un destino muy difícil de conseguir en el 1949. Algunas de sus imágenes más impactantes provienen de este viaje.

A lo largo de las décadas de los 40 y 50, Acebes realizó expediciones por África y América del Sur y comenzó su trabajo como cineasta profesional y docente. A finales de los 50, Acebes Productions había establecido una reputación en la creación de excelentes documentales y películas industriales. Acebes escribió, filmó, dirigió y editó cada una de las 43 películas de Acebes Productions.

Su vida de novela como fotógrafo, cineasta, documentalista, ingeniero, combatiente durante la Segunda Guerra Mundial, pionero de la publicidad, aventurero y viajero incansable, ha sido reflejada por el documental Héctor Acebes, el ojo de un aventurero, de Juan Carlos Delgado, que narra los acontecimientos más importantes de su vida, como sus tres expediciones a África, el haber sido uno de los primeros expedicionarios en llegar al nacimiento del Orinoco y retratar a los nativos Yucos de Venezuela, Yanomamis en Colombia y a los Shuars (jibaros reductores de cabeza) del Ecuador.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

martes, 24 de febrero de 2015

Giulio di Sturco

Giulio di Sturco es un fotógrafo italiano (nacido en 1979 en Milán, vive entre Delhi y Bangkok) que ha documentado temas que van desde la moda en India y Tailandia, el tsunami de Japón, la Opera Amato de Nueva York a la guerra del cacao en Madagascar, la muerte anunciada del río Ganges y muchos otros.

 

© Giulio di Sturco

© Giulio di Sturco

 

 

Biografía

Giulio di Sturco estudió fotografía en el Instituto Europeo de Diseño y Artes Visuales en Roma, y su trabajo ha aparecido en muchas publicaciones internacionales como la revista L'espresso, Vanity Fair, Io Donna,The Daily Telegraph, Time, MarieClaire, GEO, The Sunday Times Magazine, Newsweek, …

Desde 2008 comenzó una colaboración más estrecha con organizaciones internacional importantes  como Greenpeace, MSF, UNITAID, Naciones Unidas, la OMS y Ayuda en Acción.

Sus galardones incluyen premios como el World Press Photo, Sony Photography Awards, British Journal of Photography International Photography Awards, Premio Internacional de Fotografia Humanitaria Luis Valtueña, Picture of the Year International y otros.

Fue parte del VII MENTOR PROGRAM de 2008 a 2011. Está representado por Reportage by Getty.

 

 

 

Referencias

lunes, 23 de febrero de 2015

Victoria Bjorklund

Victoria Bjorklund es una fotógrafa estadounidense (reside en Tacoma, Washington) que encuentra la inspiración dentro de la ciudad y busca dar una narrativa a cada fotografía cuidadosamente capturada.

 

© Victoria Bjorklund

© Victoria Bjorklund

 

 

Biografía

Victoria Bjorklund se graduó en el programa Fine Art Certificate in Photography del Maine Media College y en el programa EDGE para artistas visuales del Artist Trust de Seattle.

Victoria crea libros de artista y consiguió la beca TAIP por la ciudad de Tacoma en 2009. Su obra ha sido expuesta localmente, en el Tacoma Art Museum y a nivel nacional en San Francisco, Portland, Philadelphia y Minneapolis.

En su serie Modern Relics nos invita a experimentar restos emblemáticos de una época pasada. A pesar de su presencia casi inexistente, estas reliquias siguen ejerciendo una fuerte resonancia cultural por su antigua belleza y esplendor y sirven como un recordatorio de una época en que el mundo parecía menos complicado.

Su serie Midnight Blue cuenta con una serie de fotografías en tonos azul de paisajes urbanos nocturnos, llenos de sombras y carentes de personas que habitan en ellos durante el día.

 

 

Referencias

 

 

Libros de artista

  • Modern Relics.
  • Blue Midnight.

domingo, 22 de febrero de 2015

Jodi Bieber

Jodi Bieber es una fotógrafa sudafricana (nacida en 1966 en Johannesburgo) que realiza fotografía documental.

 

© Jodi Bieber

© Jodi Bieber

 

 

 

 

Biografía

Jodi Bieber estudió fotografía en el Market Theatre photographic workshop, una organización sin fines de lucro fundada por David Goldblatt. Su carrera fotográfica comenzó en septiembre de 1993 como asistente de laboratorio en el diario The Star. Después trabajó como freelance para este periódico hasta el año 1996, cubriendo la información fotográfica de las primeras elecciones democráticas de Sudáfrica

Tras asistir a la Joop Masterclass del World Press en Ámsterdam en 1996, comenzó a trabajar como freelance para revistas y periódicos extranjeros, entre ellos el New York Times Magazine. Durante 8 años Bieber ha trabajado en varios proyectos personales en su país. Su estancia en Pakistán, alentó un interés a largo plazo por ese país.

Sus trabajos se han presentado en numerosas exposiciones por todo el mundo: Suiza, Reino Unido, Bangladés, Johannesburgo, Ciudad del Cabo, Suecia, Rotterdam, Mozambique, etc. En 2011, tras haber tenido previamente ya 8 premios, fue galardonada con el premio World Press Photo por su retrato de Bibi Aisha, una mujer afgana mutilada. También consiguió el 1º puesto en el Picture of the Year International 2009.

Bieber ha dado talleres en Finlandia, Nepal, Chile, Italia, Viena, Turquía, Ciudad del Cabo y ha sido profesora invitada en el Market Photography Workshop (Johannesburgo), London College of Communication y Westminister University (Reino Unido), ICP school of Photojournalism (Nueva York) y en PhotoEspaña.

Ha sido miembro del jurado en los premios World Press Photo de 2008 y enseñó en la Joop Swart Masterclass en 2010. Está representada por The Goodman Gallery y el Institute for Artist Management.

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

sábado, 21 de febrero de 2015

Javier Alonso Torre

Javier Alonso Torre es un fotógrafo vasco (nacido en Barakaldo el 1 de octubre de 1973, vive en Bilbao) que realiza fotografía de naturaleza.

 

© Javier Alonso Torre

© Javier Alonso Torre

 

 

 

Biografía

Javier Alonso Torre se apasionó por la naturaleza y la fotografía desde siempre aunque no hayan estado juntas. Sus recuerdos de infancia se reparten entre ir al río a pescar con su padre o los paseos con su abuelo a subirse a los árboles a por cerezas. La afición a la fotografía también le viene dada de su padre, que siempre andaba con una antigua réflex envuelta en una curiosa funda de cuero marrón.

De él consiguió su primera cámara, una Pentax Asahi Spotmatic sp II, la cual todavía hace excelentes fotos. Durante su estancia en Canarias (1995-1999) empezó a realizar sus primeras fotos artísticas, pero el coste de carretes, revelados y diapositivas hicieron que la afición quedara latente.

Años más tarde, y gracias a un gran amigo, Txemi, amante de la fotografía y naturalista hasta la médula, esas dos grandes pasiones quedaron selladas, llegando a ser una pequeña obsesión. A partir de ese punto el aprendizaje ha sido constante, viendo fotos, leyendo libros y, sobre todo, jugando con la cámara.

Sus influencias son muchas, desde autores de la zona que mostraron la belleza que se podía trasmitir de su entorno inmediato (Isabel Diez, Asier Castro, Rosa Basurto), hasta grandes fotógrafos de talla internacional (Galen Rowell, José B. Ruiz, Mark Adamus).

Desde 2011 edita y coordina la revista LNH, un proyecto personal donde se pretende dar a conocer la fotografía de naturaleza, así como las inquietudes de sus autores y los valores que les motivan.

Dentro de AEFONA (Asociación Española de Fotógrafos de Naturaleza)  junto Marián Saenz-Diez, coordina la edición digital de su revista, IRIS Agenda LNH.

Es miembro fundador de North PhotoTours, que desde 2011 organiza e imparte talleres y charlas sobre fotografía de paisaje, composición, uso de filtros ...

Ha obtenido diversos premios en concursos de fotografía de la naturaleza, entre ellos un 2º premio en el Concurso de Fotografía Aefona, categoría Arte en la naturaleza.

Ha publicado fotografías en diversas revistas de ámbito nacional como National Geografic Viajes, Visión Salvaje, Iris y Hola Viajes.

 

 

Referencias

 

 

Libros

  • Susurros de la naturaleza, 2015

Ha participado también en los libros colectivos:

  • Inspirats per la natura 2014.
  • Inspirats per la natura 2013.
  • Naturaleza Ibérica 2012.
  • Inspirats per la natura 2011.

viernes, 20 de febrero de 2015

Sarah Jones

Sarah Jones es una artista visual inglesa (nacida en 1959 en Londres, donde vive y trabaja) que trabaja con fotografía para destacar la relación entre sus sujetos de tamaño natural (espacios domésticos y personas, niñas adolescentes a menudo) y el espectador.

 

The Sitting Room (Francis Place) III, 1997 © Sarah Jones

The Sitting Room (Francis Place) III, 1997 © Sarah Jones

 

Biografía

Sarah Jones se ganó el reconocimiento internacional a mediados de la década de los 90, coincidiendo con la realización de un máster en Bellas Artes en el Goldsmith College de Londres en 1996.

Su trabajo ha sido incluido en numerosas exposiciones nacionales e internacionales. Sus exhibiciones en solitario incluyen el Museum Folkwang de Essen,  Museo Reina Sofía de Madrid, Le Consortium de Dijon, Huis Marseille en Ámsterdam, Maureen Paley de Londres y Anton Kern Gallery de Nueva York. Su obra forma parte de las colecciones del Tate, V&A y SFMOMA,

Jones es actualmente investigador en la Universidad de Derby y tutor en el Royal College of Art de Londres. Está representada por Maureen Paley de Londres y Anton Kern Gallery en Nueva York.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros y catálogos

  • Sarah Jones, 2013
  • Archive (National Media Museum), 2007
  • Sarah Jones (Le Consortium), 2001
  • Sarah Jones (Museum Folkwang), 2000
  • Sarah Jones (Universidad De Salamanca), 1999.

jueves, 19 de febrero de 2015

Miguel Trillo

Miguel Trillo es un fotógrafo español (nacido en Jimena de la Frontera, Cádiz, en 1953, vive en Barcelona) que ha convertido las calles de muchas ciudades españolas en un plató improvisado en las que ha ido recogiendo las corrientes musicales y la trasformación de una sociedad, con su fotografía de colores intensos y miradas frontales.

 

 

© Miguel Trillo

© Miguel Trillo

 

Biografía

Miguel Trillo se licenció en Imagen y en Lingüística Hispánica por la Universidad Complutense de Madrid. Desde los años 70 ha retratado a jóvenes en un entorno musical (conciertos de rock, fiestas en discotecas). En los 80 en Madrid convirtió a personajes no famosos de la Movida en su objetivo primordial (exposición Pop Purrí en la galería Ovidio (1982) y en la sala Amadís (1983) y edición anónima de seis números del fanzine Rockocó (1980 a 1984). La década la terminó reflejando un relevo generacional en dos trabajos publicados en la revista de creación Sur Exprés: Los nuevos pijos (1988) y Madrid hip hop (1988).

Al inicio de los 90 realizó para el dominical del diario El País un retrato de la juventud española en pequeñas capitales de provincia. Dicha obra la expuso en la galería Moriarty (1992) de Madrid, con el título Souvenirs, editando como catálogo tiras de postales turísticas. En 1993 transformó la galería El Manantial de Barcelona, en una tienda de souvenirs con sus fotos reproducidas en objetos turísticos.

Desde 1994 vive en Barcelona, donde ha desarrollado la serie Geografía Moderna, un viaje por fronteras lingüísticas o territoriales de la Península Ibérica. Con los retratos de estos jóvenes ha editado sellos de correos (revista El Europeo (1997), galería H2o de Barcelona (1999 y 2004). Su serie Habaneras fue expuesta en el Círculo de BBAA de Madrid dentro de PhotoEspaña 05.

En la actualidad trabaja en dos proyectos: Zoom, jóvenes inmigrantes (en conciertos y discotecas) reproducidos en tarjetas telefónicas y Gigasiápolis, actitudes de la cultura juvenil surgida en las megaciudades del continente asiático.

En 2009 se le organizó una importante retrospectiva en el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo (CAAC) de Sevilla y en la sala Canal de Isabel II de Madrid, muestra que recibió el Premio Villa de Madrid a la mejor exposición fotográfica del año.

El Museo Reina Sofía desde 2011 ha incluido en la exposición permanente De la Revuelta a la Posmodernidad (1962-1982) sus fanzines y fotos de principios de los 80, que forman parte de la colección del MNCARS. En 2014 estuvo presente en la exhibición La herencia inmaterial, dentro de la colección del MACBA de Barcelona.

En Afluencias. Costa Este – Costa Oeste propone un diálogo explícito, transgeneracional, virtual y expositivo a través de la psique y la génesis de las tribus urbanas del extrarradio madrileño de los años 80 y las tribus urbanas contemporáneas de territorios como Casablanca, Nueva York, Hanói, Ho Chi Minh-Saigón y Los Ángeles.

Su obra, entre el documento, el concepto y la pasión, se encuentra en importantes colecciones privadas españolas.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

  • Diez años de estéticas juveniles y rocanrol, 1989.
  • Madrid, las calles del ritmo, 1989
  • Parejas, 1992.
  • Retratos de una década (1980-90), 1996.
  • Miguel Trillo. Photobolsillo, 1999.
  • Similitudes, 2001.
  • ¡Agüita!, 2001.
  • Retratos 1990-2000, 2002.
  • Parejas y placeres, 2008.
  • UAE 08, 2008.
  • Identidades, 2009.
  • Complicidades, 2011.
  • Afluencias. Costa Este Costa Oeste, 2014.

miércoles, 18 de febrero de 2015

JoAnn Verburg

JoAnn Verburg es una fotógrafa estadounidense (nacida en 1950, vive en Minneapolis) que a menudo trabaja en series simultánea de diferentes temas. Su proceso metódico incluye el uso de dípticos y trípticos que demuestran cómo el contenido de una imagen se puede enriquecer con más de una fotografía a la vez, mientras se mantiene la coherencia a través de la estrecha relación formal y referencial de exposiciones individuales.

 

 

© JoAnn Verburg

© JoAnn Verburg

 

 

Biografía

JoAnn Verburg creció en el norte de Nueva Jersey, viendo presentaciones de diapositivas de fotos familiares tomadas por su padre. A los 6 años que hizo su primer rollo de película, con el tema de un oso polar en el agua del zoológico de Baltimore. Como su padre, químico, trabajaba para GAF, un fabricante de papeles fotográficos, tuvieron un fácil acceso a películas de fotografía. Aún así, a lo largo de su infancia JoAnn dibujó con lápiz más a menudo que hacía fotos.

Más tarde, cuando estudiaba en la Ohio Wesleyan University, un amigo le mostró el libro The Americans, de Robert Frank y se dio cuenta de que la fotografía podía ser arte.

Durante sus estudios de posgrado en el Instituto de Tecnología de Rochester trabajó durante dos años como pasante en la George Eastman House, que tenía una colección de 400.000 fotografías, de todo tipo de proceso fotográfico y medios de impresión. En su tesis trató con los problemas de tiempo y el movimiento en la fotografía a través de imágenes en serie, unos temas que se han convertido en una constante en su obra.

Verburg utiliza una cámara de gran formato 5x7” y una paleta de colores radiantes que hacen que sus fotografías sean equilibradas y agradables describiendo la sensualidad y el físico de sus modelos.

Como artista invitada en el Walker Art Center de Minneapolis en 1981, su interés se desplazó de las posibilidades de la fotografía documental a lo que el medio puede revelar acerca de la experiencia perceptiva, realizando sus primeras obras de múltiples imágenes con bailarines y músicos actuando en directo.

En 1983 se mudó de Boston, donde había realizado un programa de artistas para Polaroid, a Minneapolis, donde ha vivido desde entonces. Se casó con el poeta Jim Moore, en 1984, que ha sido su modelo preferido.

Verburg ha obtenido numerosos galardones como la beca Guggenheim (1986), varias de la Bush Foundation (1983, 1993)  y McKnight Foundation (1994, 2004), and  y una residencia en la Rockefeller Foundation en Bellagio, Italia (1998).

Ha expuesto su trabajo dentro y fuera de los EEUU. Recientemente The Museum of Modern Art expuso Present Tense, una retrospectiva de parte de su carrera, que viajó al Walker Art Center (2007-08). Su trabajo puede ser encontrado en colecciones permanentes como las de Los Angeles County Museum of Art, Museum of Fine Arts de Houston, The Museum of Modern Art de Nueva York; National Portrait Gallery de Washington, D.C., San Francisco Museum of Modern Art y el Whitney Museum of American Art de Nueva York.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

  • Second View: The Rephotographic Survey Project 1984
  • Picturing Eden 2006
  • Present Tense 2007
  • Interruptions 2010
  • As It is Again (iPad).

martes, 17 de febrero de 2015

Michelle Sank

Michelle Sank es una fotógrafa sudafricana (nacida en Ciudad del Cabo en 1953, vive en el Reino Unido) cuyas imágenes reflejan una preocupación por la condición humana. Su trabajo abarca cuestiones en torno a la diversidad social y cultural.

 

Jason 19 (from “In My Skin”) © Michelle Sank

Jason 19 (from “In My Skin”) © Michelle Sank 

 

 

 

Biografía

Michelle Sank  dejó su país natal con su familia en 1978 por una gran injusticia y tras vivir varios años en Grecia, vive en Inglaterra desde 1987.

Incluso hoy en día, los colores dinámicos y brillantes típicos de Sudáfrica dan forma a la manera en que ella crea sus imágenes . Las injusticias sociales que experimentó le han empujado a fotografiar a la gente, con ganas de documentar la intensamente variada humanidad.

Ha recibido numerosos premios (como el Gold Award en la San Francisco International Photographic Exhibition en 2013), encargos (The Guardian, The Observer, The Telegraph, Columbia Law Magazine
Lurve
) y residencias (la más reciente la del Guernsey Museum en Channel Islands, en 2014). Su obra está presente en colecciones y publicaciones en el Reino Unido, Europa y EEUU, como el Museum of Fine Arts de Houston, Texas.

Actualmente es profesora titular de Fotografía de la Universidad de Falmouth, Reino Unido.

Su proyecto In My Skin, uno de los más recientes, trata de jóvenes menores de 25 años en el Reino Unido que están desafiando su imagen corporal, ya sea sometiéndose a una cirugía estética para buscar “la hermosura”, alterando y transformando su cuerpo para ajustarse a una determinada expectativa social, o cambiando de género para vivir en un cuerpo con el que no nacieron.

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

lunes, 16 de febrero de 2015

Peter diCampo

Peter diCampo es un fotógrafo documental estadounidense (vive en Seattle, Washington) cuyo objetivo es contribuir con su trabajo a un diálogo sobre el desarrollo internacional.
 

© Peter diCampo
© Peter diCampo



Biografía

Peter diCampo estudió fotoperiodismo en la Universidad de Boston e hizo prácticas en Newsday y The Telegraph en Nashua, Nueva Hampshire, en un par de periódicos y en la VII Photo Agency.
 
En 2006, ingresó como voluntario en el Cuerpo de Paz y por casualidad se le asignó a un pueblo rural en el norte de Ghana. Después se trasladó a la capital, Accra, y comenzó a trabajar como fotógrafo freelance.
 
Fue seleccionado para participar en la World Press Photo Joop Swart Masterclass en 2013,  nombrado por PDN uno de los 30 Emerging Photographers to Watch en 2012, miembro del Programa Mentor de VII en 2010 y 2012. Obtuvo tres becas del The Pulitzer Center en 2009, 2011 y 2012, y otras de POYi, The Photocati Fund, The British Journal of Photography IPA y Magenta Foundation Flash Forward.
 
Su aclamado proyecto Life Without Lights sobre la pobreza energética global se ha expuesto en Londres, Nueva York, Río de Janeiro, Viena, Hannover (Alemania) y Lagos.
 
Peter es cofundador, junto con Austin Merrill, de Everyday Africa, un proyecto centrado en las imágenes de la vida cotidiana de todo el continente para refutar la imagen estereotipada que presentan los medios de comunicación de África, realizada en su totalidad con teléfonos inteligentes. Everyday Africa tiene más de 100.000 seguidores en Instagram y ha sido presentada en National Geographic, The New York Times, The New Yorker, la revista Newsweek (Japón), Bloomberg Businessweek y Around the World de ABC News, entre otros medios.
 
Su fotografía y multimedias han sido publicadas por Time, Newsweek, Vanity Fair, The Wall Street Journal, Le Monde, GEO, la revista Foreign Policy, Mother Jones, Wired, Al Jazeera América, Internazionale, Good Magazine, CNN.com, MSNBC.com y The Boston Globe, entre muchos otros.
Las ONGs para las que ha trabajado son Médicos Sin Fronteras, Human Rights Watch, Comité Internacional de la Cruz Roja, Save the Children, Oxfam, The Bill & Melinda Gates Foundation, The Carter Center y la Organización de las Naciones Unidas para la Agricultura y la Alimentación.

 


Referencias

domingo, 15 de febrero de 2015

Julio Bittencourt

Julio Bittencourt es un fotógrafo brasileño (nacido en 1980 en Brasilia, vive en Sao Paulo) cuya obra trata sobre todo de problemas sociales, gente marginada, zonas de pobreza, drogas, favelas, violencia….

 

© Julio Bittencourt

© Julio Bittencourt

 

 

Biografía

Julio Bittencourt comenzó su carrera fotográfica en el 2000, después de vivir en Nueva York durante seis años, como fotógrafo asistente y editor de fotos para el periódico Valor Economico en Sao Paulo. En 2003 se trasladó a Mozambique, donde trabajó en Soico Grupo de Comunicación. Desde 2006 ha trabajado como fotógrafo independiente.

Sus trabajos han sido publicados en prestigiosas revistas como Time, Le Monde, The Wall Street Journal, The Guardian, Stern, TIEMPO, C Photo, The New Yorker, Esquire, Photo (Francia), Los Angeles Times, Leica World Magazine y GEO.

Inquieto e independiente, desde 2006 alterna los trabajos por encargo con proyectos de un cariz mucho más personal. Fue así como nació la colección In a Window of Prestes Maia 911 Building, un trabajo de 3 años recopilado en 2008 en el libro homónimo, y que recoge la historia de un edificio gigante ocupado por el Movimiento de los sin techo en el 911 de la avenida Prestes Maia, una de las mayores avenidas situadas en el corazón de São Paulo. En estos dos grises bloques de 360 ventanas, considerados en su día los más modernos de Latinoamérica, viven más de 460 familias desde 2002. Aunque durante cuatro años las familias han sido capaces de mantener un diálogo próspero con el Ayuntamiento, con la revitalización del centro como bandera, las más de 1200 personas que habitan este edificio viven día tras día una situación delicada con muy pocas perspectivas de futuro.

Ha sido galardonado con varios premios, como el XIII Prêmio Marc Ferrez de Fotografia en 2013, IPA (International Photography Awards)  en las categorías Collage y Fine Art Prize en 2012, el Premio de Fotografía Porto Seguro (Categoría Brasil, 2010), el premio Leica Oskar Barnack (2007), el premio Portfolio Pick Review de la Aperture Foundation (2007) y el premio Conrado Wessel Fundação (2006 y 2009), entre otros. Su obra forma parte de numerosas colecciones importantes y se ha exhibido en todo el mundo.

 

 

Referencias

 

 

Libros

sábado, 14 de febrero de 2015

Brenda Bancel

Brenda Bancel es una fotógrafa estadounidense que utiliza la fotografía para crear conciencia sobre importantes temas sociales.

 

BrendaBancel

© Brenda Bancel

 

 

Biografía

Brenda J. Bancel estuvo diez años en la industria de la publicidad, trabajando para clientes como Apple e IBM antes de darse cuenta de que quería concentrarse en un trabajo sin fines de lucro y usar libremente su talento creativo.

Sus proyectos personales incluyen Vegas & Disney, Finding the Sacred on the Sacred River, Water, In God’s Studio, The Gallery of Innocence, … También trabaja con el escritor Sejal Petal para preparar ensayos y fotografías de diversos temas sociales.  

Se ha graduado recientemente en la New England School of Photography,con honores en Documental. Es presidente de la Take 5 Foundation  y propietaria de Brenda Bancel Photography LLC.

 

 

 

Referencias

viernes, 13 de febrero de 2015

Ana Nieto

Ana Nieto es una fotógrafa española (nacida en Vitoria, vive en Madrid) cuya obra registra elementos muy diversos: texturas, paisajes, detalles urbanos o entornos mínimos. Mediante estos elementos, la fotógrafa abre un marco reflexivo en el cual se alteran los papeles de significado/significante, cuestionando ciertas ideas preestablecidas.

 

© Ana Nieto

© Ana Nieto

 

 

 

Biografía

Ana Nieto estudió comunicación audiovisual en Bilbao y Bellas Artes en la especialidad de fotografía en la School of Visual Arts en Nueva York.

Durante 10 años (por una combinación de trabajos y suerte) vivió en diferentes ciudades de Europa y Estados Unidos como San Francisco, Boston, Nueva York, Frankfurt, Londres, Barcelona y Berlín. Hace 4 años instaló su base en Madrid, donde combina su trabajo fotográfico comercial (retratos y arquitectura) con sus proyectos personales.

En varios de sus proyectos, Ana Nieto, se basa en la simplicidad de las texturas para tratar conceptos complejos, como es el caso de Thick Skin, sobre el paso del tiempo, CRASH, sobre la fragilidad o MATTRESS y GRIS, sobre la crisis económica.

Trabajos como HOLY o ZOO-ilógico estudian ciertos aspectos del comportamiento humano, mediante el registro de contradicciones buscadas en el ámbito de lo cotidiano.

Ana también desarma el binomio realidad-ficción en varios de sus trabajos, como Déjà vu o Lost and Found, creando hechos ficticios a partir de la interpretación de hechos reales, dejando que sea el espectador quien decida cuál es cuál.

Su faceta más comercial destaca en el plano arquitectónico (Spaces).

En un sentido más  personal, su proyecto Around The World, diario visual que comenzó hace dos décadas, contiene fotografías que atrapan perceptivamente un mundo, a veces amable y a veces cruel; una antítesis de fragilidad y fortaleza.

En 2013 consiguió el Premio Talentos de El País, en Madrid, y becas Blank Paper en 2009, Dean de School of Visual Arts en 2003 y Doe de School of Visual Arts en 2001.

Sus exposiciones más recientes son:

  • Exposición The Flesh en Espacio Reflex. San Sebastián, en 2014
  • Exposición Naturaleza de Mujer. Miradas de Mujeres. Estudios A T. Aire. Bilbao, en 2014
  • Ponencia CRISIS para Inmersiones X. Museo Artium. Vitoria. (catálogo)  en 2013
  • Exposición MATTRESS para Atlántica Colectivas. Tenerife Espacio de las Artes en 2013
  • Exposición individual Hospitalarios. Sala Amarika. Vitoria en 2011.
  • Exposición Alter Ego para BAC. Galería Valid Foto. Barcelona, en 2011. 

 

 

 

Referencias

jueves, 12 de febrero de 2015

Rosalind Solomon

Rosalind Solomon es una fotógrafa estadounidense (nacida el 2 de abril de 1930 en Highland Park, Illinois, vive en Nueva York) que ha viajado libremente por todo el mundo, revelando en su fotografía nociones de poder, supervivencia, fe y conducta humana. Fotografía tanto los elementos sociales de los lugares a los que viaja como las obsesiones y ansiedades que le acompañan.

 

© Rosalind Solomon

© Rosalind Solomon

 

 

Biografía

Rosalinda Fox nació en Highland Park, Illinois, y vivió en Chattanooga, Tennessee, durante 16 años antes de comenzar su vida como artista y fotógrafa. Estudió Ciencias Políticas y viajó a Bélgica y Francia con The Experiment in International Living, y luego a Japón donde comenzó a fotografiar en 1968, con una Instamatic, en Japón. A su vuelta a casa, empezó a fotografiar más regularmente y a revelar sus propias películas de 35mm en blanco y negro.

En la década de los 70, comenzó su trabajo con muñecos y maniquíes, retratos y rituales. Hizo sus primeros retratos de enfermos durante un proyecto de un año en un hospital de Chattanooga. En Guatemala, fotografió chamanes, así como rituales seculares y religiosos. También trabajó en una serie de retratos del sur que incluyen al presidente Jimmy Carter y William Eggleston.

En 1977 se mudó a Washington, DC, y recibió clases privadas de Lisette Model en sus intermitentes visitas a Nueva York. De 1977 a 1979, Salomon siguió fotografiando artistas y políticos, entre ellos a Louise Nevelson, Eva Le Gallienne, William Christenberry y Tony Smith. Su proyecto Outside the White House se completó durante dos años en Washington DC, cuando su marido fue administrador de la General Services Administration.

John Szarkowski incluyó su trabajo en los 1978 en la exposición Mirrors and Windows del MoMA, y expuso ejemplos de sus series de muñecas y maniquíes en la muestra Photography for Collectors. Szarkowski también seleccionó 50 de sus obras para la colección permanente del MoMA.  Con sus 2 hijos ya crecidos, Lisette Model le recomendó que se dedicara en cuerpo y alma a la fotografía y que necesitaba una libertad que no iba a encontrar en el matrimonio y así lo hizo.

En la década de 1980 fotografió en Ancash, Perú, una región de los Andes donde los restos de un catastrófico terremoto eran una metáfora de un tiempo de confusión personal. Una beca Guggenheim apoyó este trabajo que fue reconocido como un documento histórico de una zona olvidada cuando se exhibió en el Museo de Arte de Lima en 1996.

Salomon también pasó seis meses en la India, como miembro del  American Institute of Indian Studies. En Calcuta, fotografió esculturas de figuras de la diosa madre que irradiaban un gran poder femenino. También fotografió a la primera ministra Indira Gandhi, al Dalai Lama, Ganesh Pyne y Satyagit Ray. En 1986, el MoMA montó la exposición Rosalind Solomon. Ritual.

La demonización de las personas que estaban muriendo de SIDA, y la afinidad que Salomon sentía con ellos por la enfermedad renal progresiva de su hijo, la llevó a fotografiar personas con esta enfermedad. Sesenta y cinco de las imágenes resultantes se mostraron, no sin controversia, en la gran exposición Portraits in the time of AIDS en 1988 en la Grey Art Gallery de la Universidad de Nueva York. Veintiséis de las copias originales a gran escala, se mostraron de nuevo en 2013 en la Bruce Silverstein Gallery en la ciudad de Nueva York.

En un mundo de creciente violencia étnica Salomon fue a Polonia a revisar el holocausto y fotografiar a la gente que lo vivió, a niños con problemas en Belfast, heridos en Belgrado, Hanoi y Phnom Penh, oprimidos y privilegiados de Sudáfrica. Y algún respiro y contraste, como el Mardi Gras de Nueva Orleans.

Una revisión de su trabajo de 30 años en Sudamérica vio la luz como serie fotográfica y el libro Chapalingas con 201 reproducciones a página completa.

En 2005 comenzó a organizar su extenso archivo que legó al Center for Creative Photography en 2007. El Rosalind Solomon Archive contiene un conjunto de más de 1.000 copias, libros únicos, y otras obras de arte, junto con los negativos originales de Salomon, transparencias, papeles personales, cartas, archivos de negocios, libros de recuerdos, vídeos, cintas de audio, …  que documentan de su larga y productiva carrera.

En 2014, MACK publicó su libro Then como parte del proyecto This Place que explora la complejidad de Israel y Cisjordania a través de los ojos de 12 fotógrafos de renombre internacional, creando un retrato diverso y fragmentado, mostrando las desavenencias y paradojas de este lugar.

Sus imágenes siguen siendo ampliamente publicadas y exhibidas por todo el mundo. Incluso se ha atrevido a realizar pequeños vídeos, como A Woman I Once Knew, que ganó el premio al mejor corto experimental del Festival de Cine de Nueva York de 2010.

 

 

 

 

Referencias

 

 

 

Libros

  • Mirrors and Windows: American Photography Since 1960. 1978.
  • Rosalind Solomon: Earthrites. 1986.
  • Wanderlust, 1987.
  • Portraits in the Time of AIDS , 1988.
  • Rosalind Solomon: Photographs, 1976-1987, 1988.
  • American Children: Photographs from the Collection of The Museum of Modern Art, 1980
  • American Politicians: Photographs 1843-1993, 1994.
  • El Peru y Otros Lugares – Peru and Other Places, 1996.
  • Chapalingas , 2003.
  • Americans: The Social Landscape from 1940 until 2006, 2006.
  • Polish Shadow, 2006.
  • THEM, 2014.